Ang tatlong pangunahing yugto ng romantikong musika sa Europa ng ika-19 na siglo - maaga, matanda at huli - ay tumutugma sa mga yugto ng pag-unlad ng Austrian at Aleman romantikong musika. Ngunit ang periodization na ito ay dapat na concretized at medyo pino na may kaugnayan sa pinakamahalagang mga kaganapan sa musikal na sining ng bawat bansa.
Ang maagang yugto ng romantikong musikang Aleman-Austrian ay naging mula noong 10 at 20 ng ika-19 na siglo, na kasabay ng rurok ng pakikibaka laban sa pamamahala ni Napoleonic at ang kasunod na pagsisimula ng isang madilim na reaksyong pampulitika. Ang simula ng yugtong ito ay minarkahan ng mga naturang musikal na phenomena tulad ng opera na "Undine" ni Hoffmann (1913), "Syreroas (1810)," Abu Hasan "(1811) at ang naka-program na piraso ng piano na" Invitation to Dance "(1815) ng Weber, ang unang tunay na orihinal na mga kanta ng Schubert - "Margarita at the Spinning Wheel" (1814) at "Forest Tsar" (1815). Noong 1920s, umusbong ang maagang romantikismo, nang ang henyo ng maagang nawala na si Schubert ay umunlad nang buong lakas, nang lumitaw ang The Magic Rifleman, Euryatus at Oberon - ang huling tatlong pinaka perpektong opera ni Beber, sa taon ng kanyang pagkamatay (1820) sa abot-tanaw ng musikal, sumiklab isang bagong "ilaw" - Mendelssohn - Bartholdi, na gumanap sa isang kahanga-hangang overture sa konsyerto - Isang Pangarap ng Gabi ng Gabi.
Ang gitnang yugto ay bumagsak pangunahin noong 1930s-1940s, ang mga hangganan nito ay natutukoy ng Rebolusyong Hulyo sa Pransya, na may malaking epekto sa mga advanced na bilog ng Austria at lalo na sa Alemanya, at ang rebolusyon ng 1848-1949, na malakas na tumama sa buong Mga lupain ng Aleman-Austrian. Sa panahong ito, ang pagkamalikhain ni Mendelssohn (namatay noong 1147) at Schumann ay umunlad sa Alemanya, na ang aktibidad sa pagsulat sa loob lamang ng ilang taon ay tumawid sa ipinahiwatig na hangganan; Itinanggal ni Marschner ang mga tradisyon ni Weber sa kanyang mga opera (ang kanyang pinakamahusay na opera, Thaps Geilsch: r, ay isinulat noong 1833); sa panahong ito, si Wagner ay nagpunta mula sa isang naghahangad na kompositor sa tagalikha ng naturang natitirang mga akda tulad ng Tannhäuser (1815) at Lohengrin (1848); gayunpaman, ang pangunahing mga nakamit na nilikha ni Wagner ay darating pa. Sa Austria, sa oras na ito, mayroong isang tiyak na katahimikan sa larangan ng mga seryosong genre, ngunit ang mga tagalikha ng pang-araw-araw na musikang sayaw na sina Joseph Liner at Johann Strauss na ama, ay sumikat.
Ang huli, post-rebolusyonaryo, panahon ng romantikismo, na sumasaklaw sa ilang mga dekada (mula sa unang bahagi ng 50s at, humigit-kumulang sa kalagitnaan ng 90), ay naiugnay sa isang tensyonong sosyo-politikal na sitwasyon (ang tunggalian ng Austria, Prussia sa pagsasama-sama ng Aleman mga lupain, ang paglitaw ng isang nagkakaisang Alemanya sa ilalim ng pamamahala ng militaristikong Prussia at ang panghuling paghihiwalay sa pulitika ng Austria). Sa oras na ito, matindi ang problema ng isang solong, karaniwang arteng musikal sa Aleman, ang mga kontradiksyon sa pagitan ng iba't ibang mga malikhaing grupo at mga indibidwal na kompositor ay mas malinaw na isiniwalat, isang pakikibaka ng mga uso ang lumitaw, na kung minsan ay makikita sa maiinit na mga polemiko sa mga pahina ng pamamahayag . Si Liszt, na lumipat sa Alemanya, ay sumusubok na pag-isahin ang mga progresibong pwersang musikal ng bansa, ngunit ang kanyang mga prinsipyong malikhaing nauugnay sa mga ideya ng radikal na pagbabago batay sa programmaticity ay hindi ibinabahagi ng lahat ng musikero ng Aleman. Ang isang espesyal na posisyon ay kinuha ni Wagner, na gumawa ng tungkulin ng drama sa musikal bilang isang "sining ng hinaharap" na ganap. Sa parehong oras, si Brahms, na namamahala sa kanyang gawain upang patunayan ang walang hanggang kahalagahan ng maraming mga klasikal na tradisyon ng musika sa kanilang pagsasama sa isang bago, romantikong pananaw, ay naging sa Vienna ang pinuno ng mga kalaban sa Listahan at kontra-Wagner. Ang taong 1876 ay makabuluhan sa paggalang na ito: ang premiere ng Wagner's Ring ng Nibelung ay nagaganap sa Bayreuth, at pamilyar sa Vienna ang unang symphony ng Brahms, na nagbukas ng panahon ng pinakamataas na pamumulaklak ng kanyang trabaho.

Ang pagiging kumplikado ng pang-musikal-makasaysayang sitwasyon ng mga taong ito ay hindi limitado sa pagkakaroon ng iba't ibang mga direksyon sa kanilang mga motibo; - Leipzig, Weimar, Bayreuth. Vienna Sa Vienna mismo, halimbawa, ang mga artista na hindi magkatulad sa bawat isa bilang Bruckner at Wolff, na pinag-isa ng isang karaniwang masigasig na ugali kay Wagner, ngunit sa parehong oras ay hindi tinanggap ang kanyang prinsipyo ng drama sa musika.
Sa Vienna, si Johann Strauss the Son, ang pinakapuno sa musika ng siglo, ay lumilikha ”(Wagner). Ang kanyang kahanga-hangang mga waltze at sa paglaon operettas gawin Vienna ang pinakamalaking sentro para sa entertainment musika.
Ang mga post-rebolusyonaryong dekada ay minarkahan pa rin ng ilang natitirang mga phenomena ng romantiko ng musika, ang mga palatandaan ng panloob na krisis ng trend na ito ay pinaparamdam na sa kanilang sarili. Kaya, ang romantikong sa Brahms ay na-synthesize ng mga prinsipyo ng klasismo, at si Hugo Wolff ay unti-unting napagtanto ang kanyang sarili bilang isang anti-romantikong kompositor. Sa madaling salita, ang mga romantikong prinsipyo ay nawawala ang kanilang eksklusibong kahulugan, kung minsan ay sinamahan ng ilang mga bago o muling nabuhay na klasikal na pagkahilig.
Gayunpaman, kahit na matapos ang kalagitnaan ng 1980s, kung ang romantikismo ay malinaw na nagsisimulang mabuhay nang higit pa sa sarili nito, ang mga indibidwal na maliwanag na pag-flash ng romantikong pagkamalikhain ay lilitaw pa rin sa Austria at Alemanya: ang huling gawa ng piano ng Brahms at ang mga susunod na symphonies ng Bruckner ay pinanghahawakan ng romantismo; ang pinakadakilang mga kompositor ng pagliko ng mga siglo ng XIX at XX - Ang Austrian na Mahler at Aleman na si Richard Strauss - sa mga gawa noong 80s at 90an minsan ay ipinakikita ang kanilang sarili bilang tipikal na mga romantiko. Sa pangkalahatan, ang mga kompositor na ito ay naging isang uri ng ugnayan sa pagitan ng "romantikong" ikalabinsiyam na siglo at ang "kontra-romantiko" na twenties.)
"Ang pagiging malapit ng kulturang musikal ng Austria at Alemanya, dahil sa tradisyon ng kultura at pangkasaysayan, ay hindi ibinubukod, siyempre, ang ilang mga pambansang pagkakaiba. Pagkamalikhain sa musika, at ang mga gawaing kinakaharap ng mga musikero, minsan ay magkakaiba. Sa gayon, sa paatras na Alemanya, pagtagumpayan ang burgis na pagwawalang-kilos, ang makitid na lalawiganismo ay isang partikular na kagyat na gawain, na hinihiling, sa gayon, ang mga aktibidad na pang-edukasyon ng iba't ibang anyo sa bahagi ng mga advanced na kinatawan ng sining. mga kundisyon, ang natitirang kompositor ng Aleman ay hindi lamang makukulong ang kanyang sarili sa pagbubuo ng musika, ngunit siya ay dapat maging isang musikal at pampubliko na pigura. At sa katunayan, ang mga romantikong kompositor ng Aleman ay masiglang nagsagawa ng mga gawaing pangkultura at pang-edukasyon, na nag-ambag sa isang pangkalahatang pagtaas sa antas ng lahat ng kultura ng musika sa bansa: Weber - bilang isang conductor ng opera at kritiko ng musika, Mendelssohn - bilang isang konduktor ng konsiyerto at isang kilalang guro, nagtatag ng unang konserbatoryo sa Alemanya; Si Schumann ay isang makabagong kritiko ng musika at tagalikha ng isang bagong uri ng magazine sa musika. Nang maglaon, ang mga aktibidad na pang-musika at panlipunan ni Wagner, bihira sa kanilang kagalingan sa maraming kaalaman, ay binuo bilang isang konduktor sa teatro at symphonic, kritiko, esthetiko, repormang operatiba, at nagtatag ng isang bagong teatro sa Bayreuth.
Sa Austria, kasama ang sentralisasyong pampulitika at kultural (ang pamumuhay ng hegemonya ng Vienna bilang isang sentro ng pampulitika at pangkulturang), na may implant na ilusyon ng patriarkiya, haka-haka na kagalingan at may aktwal na pangingibabaw ng pinaka-brutal na reaksyon, imposible ang malawak na aktibidad sa lipunan1 . Ang kontradiksyon sa pagitan ng mga civic pathos ng gawain ni Beethoven at ang sapilitang panlipunan na passivity ng mahusay na kompositor ay hindi maaaring maglabas ng pansin sa sarili nito sa koneksyon na ito. Ano ang masasabi natin tungkol sa Schubert, na nabuo bilang isang artista noong panahon pagkatapos ng Kongreso ng Vienna noong 1814-1815! Ang tanyag na bilog ng Schubert ay ang tanging posibleng anyo ng pagsasama-sama ng mga nangungunang kinatawan ng masining na intelektuwal, ngunit ang gayong bilog sa Metternich's Vienna ay hindi maaaring magkaroon ng isang tunay na taginting sa publiko. Sa madaling salita, sa Austria ang pinakadakilang kompositor ay halos eksklusibong tagalikha ng mga gawaing pangmusika: hindi nila napatunayan ang kanilang sarili sa larangan ng mga aktibidad na pangmusika at panlipunan. Nalalapat ito kina Schubert at Bruckner, at kay Johann Strauss na anak na lalaki, at sa ilang iba pa.
Gayunpaman, sa kulturang Austrian, dapat ding tandaan ang isang tulad na mga kadahilanan ng katangian na positibong naiimpluwensyahan ang sining ng musika, na binibigyan ito sa parehong oras ng isang partikular na Austrian, "Viennese" na lasa. Puro sa Vienna, sa isang kakaibang pagkakaiba-iba ng kombinasyon, ang mga elemento ng Aleman, Hungarian, Italyano at Slavic na kultura ang lumikha ng mayamang musikal na lupa kung saan ang gawain ni Schubert, Johann Strauss at maraming iba pang mga kompositor, na demokratiko sa oryentasyon nito, ay lumago. Ang kumbinasyon ng mga pambansang ugali ng Aleman sa mga Hungarian at Slavic ay naging katangian ng Brahms, na lumipat sa Vienna.

Tukoy sa kulturang musikal ng Austria ay ang napakalawak na pamamahagi ng iba't ibang anyo ng musika sa aliwan - mga serenade, cassation, divertissement, na sumakop sa isang kilalang lugar sa gawain ng mga klasikong Viennese na Haydn at Mozart. Sa panahon ng romantikismo, ang kahalagahan ng pang-araw-araw, ang musika sa entertainment ay hindi lamang napanatili, ngunit lalo pang pinalakas. Mahirap isipin, halimbawa, ang malikhaing hitsura ni Schubert nang wala ang katutubong-araw-araw na stream na tumatakbo sa kanyang musika at na bumalik sa mga partido ng Viennese, mga piknik, piyesta opisyal sa mga parke, upang makapag-ayos ng musika sa kalye. Ngunit na sa mga araw ng Schubert, isang stratification ay nagsimulang sundin sa loob ng propesyonal na musika ng Vienna. At kung si Schubert mismo ay pinagsama pa rin ang mga symphonies at sonata na may mga waltze at landler na lumitaw nang literal sa daan-daang1, pati na rin ang mga pagmamartsa, ecossise, polonaise sa kanyang trabaho, kung gayon ang mga kasabayan niyang sina Liner at Strauss na ama ay ginawang batayan ng kanilang mga aktibidad ang mga sayaw na musika. Kasunod nito, ang "polariseytasyon" na ito ay nakakakita ng ugnayan sa ugnayan sa pagitan ng pagkamalikhain ng dalawang kasabayan - ang klasiko ng musika sa sayaw at opereta na si Johann Strauss na anak na lalaki (1825-1899) at ang symphonist na Bruckner (1824-1896).
Kapag inihambing ang Austrian at Aleman na musika ng ika-19 na siglo wasto, ang tanong ng musikal na teatro ay hindi maiiwasang lumitaw. Sa Alemanya ng panahon ng romantikismo, ang opera, na nagsisimula kay Hoffmann, ay pinakamahalaga bilang isang uri na may kakayahang ipahayag nang lubos ang kasalukuyang mga problema ng pambansang kultura. At hindi sinasadya na ang drama sa musika na Wagnerad ay isang napakalaking pananakop ng teatro ng Aleman. Sa Austria, ang paulit-ulit na pagtatangka ni Schubert upang makamit ang tagumpay sa larangan ng dula-dulaan ay hindi nakoronahan ng tagumpay. Ang mga stimulus para sa malubhang pagkamalikhain sa pagpapatakbo, ay hindi nag-ambag sa paglikha. ng mga gawa sa dula-dulaan ng "engrandeng istilo." Ngunit umusbong ang mga pagtatanghal ng isang tauhan ng komedya - ang mga singsing ni Ferdinand Raimund kasama ang musika nina Wenzel Müller at Joseph Drexler, at kalaunan, ang mga domestic singspil ng I. N. Nestroy (1801- Bilang isang resulta, hindi isang drama sa musikal, ngunit ang operasyong Viennese na lumitaw noong dekada 70, ay tinukoy ang mga nakamit ng Austrian na musikal na teatro sa isang European scale.
Sa kabila ng lahat ng ito at iba pang mga pagkakaiba sa pag-unlad ng musika ng Austrian at Aleman, ang mga tampok ng pagkakapareho sa romantikong sining ng parehong mga bansa ay mas kapansin-pansin. Ano ang mga tukoy na tampok na nakikilala ang gawain ng Schubert, Weber at ang kanilang pinakamalapit na kahalili - Mendelssohn at Schumann - mula sa romantikong musika ng iba pang mga bansa sa Europa?
Ang matalik, malulungkot na lyrics, na natatakpan ng respie, ay lalo na tipikal ng Schubert, Weber, Mendelssohn, Schumann. Ang kanilang musika ay pinangungunahan ng malambing, panay tinig sa pinagmulang himig na ito, na karaniwang nauugnay sa konsepto ng Aleman na "Lied". Ang istilong ito ay pantay na katangian ng mga kanta at marami sa mga tema ng nakatutuwang instrumental ni Schubert, liriko na opera ni Arier ng mga liriko, Mga Kanta ni Mendelssohn na walang Salita, mga imahe na "Ebzebieff" ni Schumann. Ang melody na likas sa istilong ito ay magkakaiba, gayunpaman, mula sa partikular na Bellini's partikular na opera cantilena ng Italyano, pati na rin mula sa apektadong-deklarasyong parirala na katangian ng mga romantiko ng Pransya (Berlioz, Menerbeer).
Kung ikukumpara sa progresibong romantikong Pranses, na nakikilala sa pamamagitan ng pag-aangat at pagiging epektibo nito, na puno ng sibil, bayani-rebolusyonaryong mga pathos, ang romantikong Austrian at Aleman ay tumingin sa buong higit na nagmumuni-muni, malalim sa sarili, tumutukoy sa liriko. Ngunit ang pangunahing lakas nito ay nakasalalay sa pagsisiwalat ng panloob na mundo ng isang tao, sa malalim na sikolohiyang iyon, na lalo na buong naihayag sa musikang Austrian at Aleman, na naging sanhi ng hindi mapigilang epekto ng pansining ng maraming likhang musikal. Ito gayunman, hindi ibinubukod ang ilang mga maliwanag na manipestasyon ng kabayanihan at pagkamakabayan sa mga gawa ng mga romantiko ng Austria at Alemanya. Ganito ang makapangyarihang heroic-epic symphony sa C major ni Schubert at ilan sa kanyang mga kanta (To the driver Kronos, Group from Hell and others), the choral cycle Lyre and the Sword by Weber (sa mga talata ng makabayang makatang si T. Si Kerner "Symphonic Etudes" Schumann, ang kanyang kanta na "Two Grenadiers", sa wakas, ang mga indibidwal na mga heroic na pahina sa mga gawa tulad ng "Scottish Symphony" ni Mendelssohn (apotheosis sa finale), "Carnival" ni Schumann (finale, ang kanyang pangatlong symphony (unang kilusan ). Ngunit ang bayani na plano ni Beethoven, ang titanism ng pakikibaka ay nabuhay muli sa isang bagong batayan sa paglaon - sa mga heroic-epic na mga dramang musikal ng Wagner. Sa mga unang yugto ng romantikong Aleman-Austrian, ang aktibo, aktibong prinsipyo ay mas madalas na ipinahayag sa nakalulungkot, nabulabog, mapanghimagsik na mga imahe, ngunit hindi sumasalamin, tulad ng sa Beethoven, tulad ng mga kanta ni Schubert na "Shelter" at "Atlant", mga larawan ni Flormanne ng Schumann, ang kanyang overture na "Manfred", overture na "Rune Blaz" ni Mendelssohn.

Ang mga imahe ng kalikasan ay sumakop sa isang napakahalagang lugar sa gawain ng mga Austrian at Aleman na romantikong kompositor. Lalo na mahusay ang "empatiya" na papel ng mga imahe ng kalikasan sa mga siklo ng tinig ni Schubert at sa siklo na "Pag-ibig ng Makata" ni Schumann. Ang tanawin ng musikal ay malawak na binuo sa mga gawaing symphonic ni Mendelssohn; pangunahing nauugnay ito sa mga elemento ng dagat ("Scottish Symphony", "Hebides -" overtures, "Kalma ng dagat at masayang paglalayag"). Ngunit ang isang katangiang tampok na Aleman sa koleksyon ng imahe ay ang "pag-ibig sa kagubatan" na nakatanghal sa patula sa mga pagpapakilala ng Webt overtures sa "The Magic Archer" at "Oberon", sa "Nocturne" mula sa musika ni Mendelssohn sa komedya ni Shakespeare na "A Midsummer Night's Pangarap. " Mula dito, ang mga thread ay umaabot hanggang sa mga symphonies ng Bruckner bilang pang-apat (Romantiko) at ikapito, sa symphonic landscape na The Rustle of the Forest sa Wagral's tetralogy, sa larawan ng kagubatan sa unang symphony ni Mahler.
Ang romantikong pagnanasa para sa perpekto sa Aleman-Austrian na musika ay nakakahanap ng isang tukoy na pagpapahayag, sa partikular, sa tema ng paglibot, ang paghahanap ng kaligayahan sa isa pang, hindi kilalang lupa. Ito ay malinaw na lumitaw sa mga gawa ni Schubert ("The Wanderer", "The Beautiful Miller Woman", "The Winter Path"), at kalaunan - sa mga imahe ni Wagner ng Flying Dutchman, Wotan the Traveller, ang libot na Siegfried. Ang tradisyong ito noong 80s ay humahantong sa Mga Kanta ng ikot ng Mahler ng Wandering Apprentice.
Ang mahusay na diin na nakalagay sa kamangha-manghang mga imahe ay isang pangkaraniwang pambansang tampok din ng romantikong Aleman-Austrian (nagkaroon ito ng direktang epekto sa romantikong Pransya na Berlioz). Ito ang, una, ang pantasya ng kasamaan, Demonismo, na natagpuan ang pinaka malinaw na sagisag nito sa Siena sa Wolf Valley mula sa opera ng Weber na The Magic Archer, sa Marschner's Vampire, Walpurgis Night cantata ni Mendelssohn at maraming iba pang mga gawa. Pangalawa, ang katha ay magaan, banayad na patula, pagsasama ng magagandang mga imahe ng kalikasan na puno ng sigasig: mga eksena sa opera ni Weber na "Oberon", overture ni Mendelssohn na "A Midsummer Night's Dream", at pagkatapos ay ang imahe ng Wagner's Lohengrin, ang messenger ng Grail. Ang isang namamagitan na lugar ay nabibilang dito sa maraming mga imahe ni Schumann, kung saan ang kathang isip ay sumasalamin ng isang kamangha-mangha, kakaibang simula, nang walang gaanong diin sa problema ng kasamaan at mabuti.
Sa larangan ng wikang musikal, ang romantismo ng Austrian at Aleman ay bumubuo ng isang buong panahon, lubhang mahalaga mula sa pananaw ng pangkalahatang ebolusyon ng nagpapahiwatig na paraan ng sining. Nang hindi nag-iisa ang pagka-orihinal ng istilo ng bawat pangunahing kompositor nang paisa-isa, naitala namin ang pinakakaraniwang mga tampok at uso.

Ang malawak na ipinatupad na prinsipyo ng "kanta" - isang tipikal na pangkalahatang pagkahilig sa gawain ng mga romantiko na kompositor - ay umaabot sa kanilang instrumental na musika. Nakakamit nito ang isang mahusay na pag-iisa ng himig sa pamamagitan ng isang katangian na kumbinasyon ng wastong mga pagliko ng awitin at deklamasyon, pagkanta ng mga pundasyon, chromatization, at iba pa , ang papel na ginagampanan ng pagkapalit at pangalawang antas ng mode ay nagdaragdag. Ang makulay na panig ng pagkakaisa ay may malaking kahalagahan. Ang unti-unting pagtaas ng interpenetration ng pangunahing at menor de edad ay katangian din. Kaya, mula sa Schubert, sa kakanyahan, nagmula ang tradisyon ng parehong pangalan sa mga pangunahing-menor de edad na paghahambing (mas madalas na isang pangunahing pagkatapos ng isang menor de edad), dahil sa kanyang trabaho ito ay naging isang paboritong pamamaraan. Ang saklaw ng aplikasyon ng major na maharmonya ay lumalawak (ang menor de edad na mga subdominant sa mga cadenza ng mga pangunahing gawain ay lalo na katangian). Kaugnay ng diin ng indibidwal, ang pagkakakilanlan ng mga slushy na detalye ng imahe, mayroon ding mga pananakop sa larangan ng orkestra (ang kahulugan ng tiyak na pangkulay ng timbre, ang pagtaas ng papel na ginagampanan ng mga solo na instrumento, pansin sa mga bagong gumanap na stroke ng mga string , atbp.). Ngunit ang orkestra mismo ay karaniwang hindi binabago ang klasikal na komposisyon nito.
Ang mga romantiko ng Aleman at Austrian ay higit na malawak na mga nagtatag ng romantikong programa (Si Berlioz ay maaaring umasa sa kanilang mga nakamit sa kanyang Fantastic Symphony). At bagaman ang programmaticness na tulad nito, tila, ay hindi katangian ng Austrian romantista na si Schubert, ang saturation ng piano na bahagi ng kanyang mga kanta na may mga larawan na larawan, ang pagkakaroon ng mga elemento ng nakatagong programmability na naroroon sa drama ng kanyang pangunahing mga gawaing nakatutulong, natukoy ang makabuluhang kontribusyon ng kompositor sa pagbuo ng mga prinsipyong programmatic sa musika. Ang mga romantiko ng Aleman ay mayroon nang binibigkas na pagnanais para sa programmaticness kapwa sa piano music (Weber's Invitation to Dance, Concertstuck, Schumann's Suite Cycle, Mga Kanta na Walang Salita ni Mendelssohn) at sa symphonic music (ang operatong overture ng Weber, overture ng konsyerto, overture ng Mendelssohn, overture na "Manfred "ni Schumann).
Ang papel na ginagampanan ng Austrian at German romantics sa paglikha ng mga bagong prinsipyo ng komposisyon ay mahusay. Ang mga cycle ng sonata-symphonic ng mga classics ay pinalitan ng mga instrumentong miniature; ang cyclization ng mga miniature, malinaw na binuo sa larangan ng vocal lyrics ni Schubert, ay inilipat sa instrumental na musika (Schumann). Lumitaw din ang malalaking mga komposisyon ng isang kilusan, na pinagsasama ang mga prinsipyo ng sonata at siklika (piano pantasiya sa C major ni Schubert, "Concertstuck" ni Weber, ang unang kilusang pantasiya sa C major ni Schumann). Ang mga cycle ng Sonata-symphonic naman ay sumailalim sa mga makabuluhang pagbabago sa mga romantiko, iba't ibang uri ng "romantikong sonata", "romantikong symphony" ay lilitaw. Ngunit gayunpaman, ang pangunahing pananakop ay isang bagong kalidad ng pag-iisip ng musikal, na humantong sa paglikha ng mga maliit na nilalaman ng buong nilalaman at kapangyarihan ng pagpapahayag - ang espesyal na konsentrasyon ng ekspresyon ng musikal na gumawa ng isang solong kanta o isang bahagi na bahagi ng piano na pinagtuunan ng malalim mga ideya at karanasan.

Sa pinuno ng mabilis na pagbuo ng romantikong Austrian at Aleman sa unang kalahati ng ika-19 na siglo ay mga indibidwal na hindi lamang likas na matalino sa henyo, ngunit umunlad din sa kanilang mga pananaw at mithiin. Natukoy nito ang walang hanggang kahalagahan ng kanilang pagkamalikhain sa musika, ang kahalagahan nito bilang isang "bagong klasiko", na naging malinaw sa pagtatapos ng siglo, nang ang mga klasiko sa musika ng mga bansa ng wikang Aleman ay kinatawan, sa diwa, hindi lamang ng mahusay na mga kompositor ng ika-18 siglo at Beethoven, ngunit din ng mga dakilang romantics - Schubert, Schumann, Weber, Mendelssohn. Ang mga kahanga-hangang kinatawan ng romantikong romantikong ito, na lubos na nirerespeto ang kanilang mga hinalinhan at pagbuo ng marami sa kanilang mga nakamit, na pinamamahalaang nang sabay-sabay upang buksan ang isang buong bagong mundo ng mga imaheng pang-musikal at mga formitional form na naaayon sa kanila. Ang nananaig na pansariling tono sa kanilang gawain ay naaayon sa mga kondisyon at kaisipan ng masang demokratiko. Pinatunayan nila sa musika ang tauhang iyon ng pagpapahayag, na kung saan ang BV Asafiev ay aptly nailalarawan bilang "buhay na buhay na pakikipag-usap, mula sa puso hanggang puso" at kung saan nauugnay sina Schubert at Schumann sa Chopin, Grieg, Tchaikovsky at Verdi. Isinulat ni Asafiev ang tungkol sa humanistic na halaga ng romantikong direksyong musikal: "Ang personal na kamalayan ay nagpapakita ng sarili hindi sa nakahiwalay, ipinagmamalaking paghihiwalay, ngunit sa isang uri ng masining na pagmuni-muni ng lahat ng bagay na nakatira ang mga tao at kung ano ang kinaganyak nila palagi at hindi maiwasang. Sa ganoong pagiging simple, walang paltos magagandang saloobin at saloobin tungkol sa tunog ng buhay - ang konsentrasyon ng pinakamahusay na nasa isang tao. "

Tama si Zweig: Ang Europa ay hindi pa nakakakita ng napakagandang henerasyon bilang romantics mula pa noong Renaissance. Ang kamangha-manghang mga imahe ng mundo ng mga pangarap, hubad na damdamin at pagnanais para sa dakila na kabanalan - ang mga naturang kulay ay ginagamit upang ipinta ang kulturang musikal ng romantismo.

Ang paglitaw ng romantismo at mga estetika nito

Habang nagaganap ang isang rebolusyong pang-industriya sa Europa, ang mga pag-asa na naka-pin sa Great French Revolution ay gumuho sa puso ng mga Europeo. Ang kulto ng pangangatuwiran, na ipinahayag ng panahon ng Kaliwanagan, ay napatalsik. Ang kulto ng damdamin at ang likas na prinsipyo sa tao ay umakyat sa pedestal.

Ganito lumitaw ang romantikismo. Sa kulturang musikal, umiiral ito nang halos isang daang (1800-1910), habang sa mga kaugnay na larangan (pagpipinta at panitikan), ang term na ito ay nag-expire kalahating siglo nang mas maaga. Marahil, ito ang "kasalanan" ng musika - siya ang nangunguna sa mga sining sa gitna ng mga romantiko bilang pinakapang-espiritwal at pinakamagat sa mga sining.

Gayunpaman, ang mga romantiko, hindi katulad ng mga kinatawan ng panahon ng unang panahon at klasismo, ay hindi nagtayo ng isang hierarchy ng sining na may malinaw na paghati sa mga uri at. Ang sistemang romantiko ay pandaigdigan, ang mga sining ay malayang makapasa sa bawat isa. Ang ideya ng pagbubuo ng sining ay isa sa mga susi sa kulturang musikal ng romantismo.

Ang ugnayan na ito ay nauugnay din sa mga kategorya ng mga aesthetics: maganda itong pinagsama sa pangit, mataas sa base, nakalulungkot sa komiks. Ang mga nasabing paglipat ay konektado ng romantikong kabalintunaan, sumasalamin din ito ng isang pangkalahatang larawan ng mundo.

Ang lahat na may kinalaman sa kagandahan ay nagkaroon ng bagong kahulugan sa mga romantiko. Ang kalikasan ay naging isang bagay ng pagsamba, ang artist ay inidolo bilang ang pinakamataas ng mga mortal, at ang mga damdamin ay mataas dahil sa dahilan.

Ang katotohanang espiritwal ay naiiba sa isang panaginip, maganda ngunit hindi maaabot. Ang romantikong, sa tulong ng kanyang imahinasyon, ay nagtayo ng kanyang bagong mundo, hindi katulad ng iba pang mga katotohanan.

Anong mga tema ang napili ng mga artista ng romantismo?

Ang mga interes ng mga romantiko ay malinaw na ipinakita sa pagpili ng mga tema na pinili nila sa sining.

• Tema ng kalungkutan... Isang hindi gaanong pinahahalagahang henyo o isang malungkot na tao sa lipunan - ang mga temang ito ang pangunahing tema ng mga kompositor ng panahong ito ("The Love of a Poet" ni Schumann, "Walang Araw" ni Mussorgsky).
• Ang tema ng "lyrical confession"... Maraming mga opus ng mga romantikong kompositor ay may isang ugnay ng autobiography (Schumann's Carnival, Berlioz's Fantastic Symphony).
• Tema ng pag-ibig. Talaga, ito ang tema ng walang pag-ibig o kalunus-lunos na pag-ibig, ngunit hindi kinakailangan ("Pag-ibig at Buhay ng isang Babae" ni Schumann, "Romeo at Juliet" ni Tchaikovsky).
• Tema ng landas. Tinawag din siya ang tema ng pamamasyal... Ang kaluluwa ng isang romantiko, napunit ng mga kontradiksyon, ay naghahanap ng sarili nitong landas ("Harold in Italy" ni Berlioz, "Years of Wanderings" ni Liszt).
• Tema ng kamatayan. Karaniwan ito ay kamatayan sa espiritu (Ikaanim na Symphony ni Tchaikovsky, "Winter Way" ni Schubert).
• Tema ng kalikasan. Kalikasan sa paningin ng isang romantikong at proteksiyon na ina, at empathic na kaibigan, at pinarusahan ang kapalaran ("Hebides" ni Mendelssohn, "Sa Gitnang Asya" ni Borodin). Ang kulto ng katutubong lupain (polonaises at ballad ni Chopin) ay konektado din sa temang ito.
• Tema ng science fiction. Ang haka-haka na mundo para sa mga romantiko ay mas mayaman kaysa sa totoong ("The Magic Shooter" ni Weber, "Sadko" ni Rimsky-Korsakov).

Mga genre ng musikal ng panahon ng romantikismo

Ang kulturang musikal ng romantismo ay nagbigay lakas sa pag-unlad ng mga genre ng silid vocal lyrics: balada ("The Forest King" ni Schubert), tula ("The Lady of the Lake" ni Schubert) at mga kanta madalas na pinagsama sa siklo ("Myrtles" ni Schumann).

Romantikong opera ay nakikilala hindi lamang sa pamamagitan ng kamangha-manghang balangkas, kundi pati na rin ng malakas na koneksyon sa pagitan ng mga salita, musika at aksyon sa entablado. Ang symphonization ng opera ay nagaganap. Sapat na alalahanin ang Wagner's Ring ng Nibelungs na may isang binuo network ng leitmotifs.

Kabilang sa mga genre ng instrumental, nakikilala ang pag-ibig pinaliit na piano. Upang maiparating ang isang imahe o panandaliang kondisyon, ang isang maliit na piraso ay sapat na para sa kanila. Sa kabila ng sukat nito, ang pag-play seethes na may expression. Maaari siyang maging "awiting walang Salita" (tulad ng Mendelssohn), mazurka, waltz, nocturne o mga piraso na may mga pangalan ng programa ("Impulse" ni Schumann).

Tulad ng mga kanta, ang mga dula ay pinagsama minsan sa mga siklo (Mga Paruparo ni Schumann). Sa parehong oras, ang mga bahagi ng pag-ikot, na maliwanag na magkakaiba, ay palaging nabuo ng isang solong komposisyon dahil sa mga koneksyon sa musikal.

Gustung-gusto ng mga Romantiko ang programang musika na isinama ito sa panitikan, pagpipinta, o iba pang mga sining. Samakatuwid, ang balangkas sa kanilang mga sulatin ay madalas na pinasiyahan. Isang-bahagi na sonata (sonata ni Liszt sa B menor de edad), isang bahagi na konsyerto (Unang Piano Concerto ni Liszt) at mga tulang symphonic (Liszt's Preludes), isang limang bahaging symphony (Fantastic Symphony ni Berlioz) ang lumitaw.

Ang musikal na wika ng mga romantikong kompositor

Ang pagbubuo ng mga sining, na ipinagdiriwang ng mga romantiko, ay naiimpluwensyahan ang paraan ng pagpapahayag ng musikal. Ang himig ay naging mas indibidwal, tumutugon sa mga patula ng salita, at ang saliw ay tumigil sa pagiging walang kinikilingan at tipikal na pagkakayari.

Ang pagkakasundo ay pinayaman ng walang uliran mga kulay upang masabi ang tungkol sa mga karanasan ng romantikong bayani. Kaya, ang mga romantikong intonasyon ng pagnanasa ay perpektong naiparating ang binago na mga pagsasama na nagpapalakas ng pag-igting. Gustung-gusto ng mga Romantics ang epekto ng chiaroscuro, nang ang pangunahing ay pinalitan ng menor de edad ng parehong pangalan, at ang mga kuwerdas ng mga hakbang sa gilid, at magagandang juxtapositions ng tonalities. Ang mga bagong epekto ay natagpuan din sa, lalo na kung kinakailangan upang maiparating ang katutubong diwa o kamangha-manghang mga imahe sa musika.

Sa kabuuan, ang himig ng mga romantiko ay nagpupunyagi para sa pagpapatuloy ng pag-unlad, tinanggihan ang anumang awtomatikong pag-uulit, iniiwasan ang pagiging regular ng mga impit at hininga ang pagpapahayag sa bawat motibo nito. At ang pagkakayari ay naging napakahalagang link na ang papel nito ay maihahambing sa isang himig.

Pakinggan kung ano ang mayroon isang kamangha-manghang mazurka Chopin!

Sa halip na isang konklusyon

Ang kulturang musikal ng romantismo sa pagsisimula ng ika-19 at ika-20 siglo ay nakaranas ng mga unang palatandaan ng isang krisis. Ang "malayang" pormang pangmusika ay nagsimulang maghiwalay, ang pagkakaisa ay nanaig sa himig, ang matayog na damdamin ng kaluluwa ng romantiko ay nagbigay daan sa masakit na takot at basang mga hilig.

Ang mga mapanirang hilig na ito ay nagtapos sa romantismo at nagbukas ng daan para sa modernismo. Ngunit, na natapos bilang isang direksyon, ang romantismo ay nagpatuloy na mabuhay sa musika ng ika-20 siglo, at sa musika ng kasalukuyang siglo sa iba't ibang mga bahagi nito. Tama si Blok nang sabihin niyang lumitaw ang romantikismo "sa lahat ng mga panahon ng buhay ng tao."

Ang pinakamaikling kasaysayan ng musika. Ang pinaka kumpleto at pinakamaikling sanggunian ni Henley Daren

Late romantics

Late romantics

Marami sa mga kompositor ng panahong ito ang nagpatuloy na sumulat ng musika hanggang ika-20 siglo. Gayunpaman, pinag-uusapan natin ang tungkol dito, at hindi sa susunod na kabanata, sa kadahilanang ang diwa ng romantikismo na malakas sa kanilang musika.

Dapat pansinin na ang ilan sa kanila ay nagpapanatili ng malapit na ugnayan at maging ang pagkakaibigan sa mga kompositor na nabanggit sa mga subseksyon na "Maagang Romantiko" at "Nasyonalista".

Bilang karagdagan, dapat tandaan na sa panahong ito sa iba't ibang mga bansa sa Europa mayroong napakahusay na mga kompositor na ang anumang paghahati sa kanila ayon sa anumang prinsipyo anuman ang ganap na may kondisyon. Kung sa iba't ibang panitikan, na nakatuon sa klasikong panahon at panahon ng Baroque, humigit-kumulang sa parehong mga frame ng oras ang nabanggit, kung gayon ang romantikong panahon ay naiiba na tinukoy saanman. Tila ang linya sa pagitan ng pagtatapos ng romantikong panahon at ang simula ng ika-20 siglo ay napaka-malabo sa musika.

Ang nangungunang kompositor ng Italya noong ika-19 na siglo ay walang alinlangan Giuseppe Verdi. Ang taong ito na nakatingin sa amin na may nagniningning na mga mata na may makapal na bigote at mga kilay ay tumayo sa buong ulo sa lahat ng iba pang mga kompositor ng opera.

Ang lahat ng mga komposisyon ni Verdi ay literal na nalulula ng maliwanag, nakakaakit na mga himig. Sa kabuuan, sumulat siya ng dalawampu't anim na mga opera, na ang karamihan ay regular na ginanap ngayon. Kabilang sa mga ito ang pinakatanyag at pinakahuhusay na gawa ng opera art ng lahat ng oras.

Ang musika ni Verdi ay lubos na pinahahalagahan habang buhay ng kompositor. Sa premiere Hades ang madla ay nagbigay ng isang mahabang nakatayo na pagbibigkas na ang mga artista ay kailangang lumabas upang yumuko tatlumpu't dalawang beses.

Si Verdi ay isang mayamang tao, ngunit hindi mailigtas ng pera ang parehong asawa at dalawang anak ng kompositor mula sa maagang pagkamatay, kaya't may mga masaklap na sandali sa kanyang buhay. Ipinamana niya ang kanyang kayamanan sa pagkaulila ng mga matandang musikero, na itinayo sa ilalim ng kanyang pamumuno sa Milan. Si Verdi mismo ang isinasaalang-alang ang paglikha ng isang kanlungan, at hindi musika, ang kanyang pinakadakilang tagumpay.

Sa kabila ng katotohanang ang pangalan ni Verdi ay pangunahing nauugnay sa mga opera, na nagsasalita tungkol sa kanya, imposibleng hindi banggitin Requiem, na itinuturing na isa sa pinakamagandang halimbawa ng choral music. Puno ito ng drama, at ilang mga tampok ng opera slip dito.

Ang aming susunod na kompositor ay hindi nangangahulugang ang pinaka-kaakit-akit na tao. Sa totoo lang, ito ang pinaka-iskandalo at kontrobersyal na pigura ng lahat ng nabanggit sa aming libro. Kung gagawa kami ng isang listahan batay lamang sa mga personal na katangian, kung gayon Richard Wagner ay hindi kailanman ay pindutin ito. Gayunpaman, eksklusibo kaming ginagabayan ng mga pamantayan sa musikal, at ang kasaysayan ng klasikal na musika ay hindi maiisip nang wala ang taong ito.

Ang talento ni Wagner ay hindi maikakaila. Mula sa ilalim ng kanyang panulat nagmula ang ilan sa mga pinaka-makabuluhan at kahanga-hangang mga komposisyon ng musikal para sa buong panahon ng romantismo - lalo na ang opera. Sa parehong oras, pinag-uusapan nila siya bilang isang anti-Semite, racist, red tape, ang huling manloloko at kahit isang magnanakaw na hindi nag-aalangan na kunin ang lahat ng kailangan niya, at walang pakundangan. Si Wagner ay may hypertrophied self-self, at naniniwala siya na ang kanyang henyo ay nakataas sa kanya higit sa lahat ng ibang mga tao.

Naaalala si Wagner para sa kanyang mga opera. Dinala ng kompositor na ito ang opera ng Aleman sa isang bagong antas, at kahit na siya ay isinilang sa parehong oras bilang Verdi, ang kanyang musika ay ibang-iba sa mga komposisyon ng Italyano ng panahong iyon.

Ang isa sa mga inobasyon ni Wagner ay ang bawat pangunahing tauhan ay mayroong sariling tema sa musikal, na paulit-ulit sa tuwing nagsisimula siyang gampanan ang isang makabuluhang papel sa entablado.

Ngayon ay tila maliwanag ito sa sarili, ngunit sa oras na iyon ang ideyang ito ay gumawa ng isang tunay na rebolusyon.

Ang pinakadakilang nakamit ni Wagner ay ang ikot Ring ng Nibelung, na binubuo ng apat na opera: Rhine Gold, Valkyrie, Siegfried at Kamatayan ng mga diyos. Kadalasan nilalaro ang mga ito ng apat na gabi sa isang hilera, at sa kabuuan ay tumatagal sila ng labinlimang oras. Ang mga opera na ito lamang ay sapat na upang maluwalhati ang kanilang kompositor. Sa kabila ng lahat ng kalabuan ni Wagner bilang isang tao, dapat itong tanggapin na siya ay isang natitirang kompositor.

Ang isang natatanging tampok ng mga opera ng Wagner ay maaaring tawaging kanilang tagal. Ang kanyang huling opera Parsifal tumatagal ng higit sa apat na oras.

Minsan sinabi sa kanya ng konduktor na si David Randolph:

"Ito ay isang opera mula sa kategorya ng mga nagsisimula sa anim, at kapag tatlong oras sa paglaon ay tiningnan mo ang iyong relo ng relo, lumalabas na nagpapakita ito ng 6:20."

Isang buhay Anton Bruckner bilang isang kompositor ay isang aralin sa kung paano hindi sumuko at igiit ang iyong sarili. Nagsanay siya ng labindalawang oras sa isang araw, inilaan ang lahat ng kanyang oras upang magtrabaho (siya ay isang organista) at maraming natutunan sa musika nang siya lamang, matapos ang mastering ang mga kasanayan sa pagsulat sa pamamagitan ng pagsusulat sa isang medyo may sapat na edad - sa tatlumpu't pitong taon.

Ngayon, ang mga symphonies ni Bruckner ay madalas na maaalala, kung saan isinulat niya ang isang kabuuang siyam na piraso. Sa mga oras na siya ay nakuha ng mga pag-aalinlangan tungkol sa kanyang solvency bilang isang musikero, ngunit gayon pa man nakamit niya ang pagkilala, kahit na sa pagtatapos ng kanyang buhay. Matapos maipatupad ito Mga Symphonies Blg. 1 Sa wakas ay pinuri ng mga kritiko ang kompositor, na sa oras na iyon ay nasa apatnapu't apat na taong gulang na.

Johannes Brahms hindi isa sa mga kompositor na ipinanganak, kung gayon, na may isang stick na pilak sa kamay. Sa oras ng kanyang pagsilang, ang pamilya ay nawala ang kanilang dating kayamanan at halos hindi makaya ang kanilang mga pangangailangan. Bilang isang tinedyer, nabuhay siya sa pamamagitan ng paglalaro sa mga bahay-alalayan sa kanyang bayan sa Hamburg. Sa oras na naging matanda na si Brahms, walang alinlangan, nakilala niya ang malayo sa mga kaakit-akit na aspeto ng buhay.

Ang musika ni Brahms ay isinulong ng kanyang kaibigan na si Robert Schumann. Matapos ang pagkamatay ni Schumann, si Brahms ay naging malapit kay Clara Schumann at kalaunan ay umibig pa rin sa kanya. Hindi alam eksakto kung anong uri ng ugnayan ang kanilang konektado, bagaman ang pakiramdam para sa kanya ay maaaring gumanap ng ilang papel sa kanyang relasyon sa ibang mga kababaihan - hindi niya ibinigay ang kanyang puso sa alinman sa kanila.

Bilang isang tao, si Brahms ay medyo hindi mapigilan at magagalitin, ngunit sinabi ng kanyang mga kaibigan na mayroong kahinahunan sa kanya, kahit na hindi niya palaging ipinakita ito sa iba. Isang araw, pag-uwi mula sa isang pagdiriwang, sinabi niya:

"Kung hindi ko nasaktan ang isang tao roon, hinihiling ko ang kanilang kapatawaran."

Ang Brahms ay hindi nagwagi sa kumpetisyon para sa pinaka-sunod sa moda at matikas na bihis na kompositor. Siya ay labis na ayaw sa pagbili ng mga bagong damit at madalas na nagsusuot ng parehong pantalon na pantalon na may mga patch, halos palaging masyadong maikli para sa kanya. Sa isang pagganap, halos mahulog ang kanyang pantalon. Sa isa pang pagkakataon, kinailangan niyang hubarin ang kanyang kurbata at ibigkis ang kanyang sarili sa halip na isang sinturon.

Ang istilong musikal ng Brahms ay lubos na naiimpluwensyahan nina Haydn, Mozart at Beethoven, at ang ilang mga historians ng musika ay inaangkin pa na nagsulat siya sa diwa ng klasismo, sa oras na wala na sa uso. Kasabay nito, nagmamay-ari din siya ng maraming mga bagong ideya. Sa partikular, nakagawa siya ng maliliit na piraso ng musika at ulitin ang mga ito sa buong gawain - ang tinatawag ng mga kompositor na "isang paulit-ulit na motibo."

Si Brahms ay hindi nagsulat ng mga opera, ngunit sinubukan niya ang kanyang sarili sa halos lahat ng iba pang mga genre ng klasikal na musika. Samakatuwid, maaari siyang tawaging isa sa pinakadakilang kompositor na nabanggit sa aming libro, isang tunay na higante ng klasikal na musika. Siya mismo ang nagsalita ng ganito tungkol sa kanyang trabaho:

"Hindi mahirap mag-compose, ngunit nakakagulat na magtapon ng mga dagdag na tala sa ilalim ng mesa."

Max Bruch ay ipinanganak limang taon lamang pagkatapos ng Brahms, at ang huli ay tiyak na malilimutan siya, kung hindi para sa isang trabaho, Violin Concerto No. 1.

Si Bruch mismo ang umamin sa katotohanang ito, na may kahinhinan na hindi pangkaraniwan para sa maraming mga kompositor, na sinasabi:

"Limampung taon mula ngayon, si Brahms ay tatawaging isa sa pinakadakilang kompositor sa lahat ng oras, at maaalala ako sa pagsusulat ng Violin Concerto sa G menor de edad."

At tama siya. Totoo, si Brujah mismo ay may dapat tandaan! Gumawa siya ng maraming iba pang mga gawa - halos dalawang daan sa kabuuan - lalo na para sa koro at para sa mga opera, na bihirang itinanghal sa mga panahong ito. Ang kanyang musika ay malambing, ngunit hindi siya nagdala ng anumang partikular na bago sa pag-unlad nito. Laban sa kanyang background, maraming iba pang mga kompositor ng oras na iyon ay tila totoong nagpapabago.

Noong 1880, si Bruch ay hinirang na konduktor ng Liverpool Royal Philharmonic Society, ngunit makalipas ang tatlong taon ay bumalik siya sa Berlin. Ang mga musikero ng orkestra ay hindi natuwa sa kanya.

Sa mga pahina ng aming libro, nakilala na namin ang maraming mga prodigy ng musikal, at Camille Saint - Saens hindi sumasakop sa huling lugar sa kanila. Sa edad na dalawa, si Saint - Saens ay pumipili na ng mga himig sa piano, at natutunan niyang magbasa at magsulat ng musika nang sabay. Sa edad na tatlo ay naglaro siya ng mga dula ng kanyang sariling komposisyon. Sa edad na sampu ay maganda siyang kumanta ng Mozart at Beethoven. Sa parehong oras, siya ay naging seryosong interesado sa entomology (butterflies at insekto), at pagkatapos ay sa iba pang mga agham, kabilang ang geology, astronomiya at pilosopiya. Tila ang ganoong batang may talento ay hindi maaaring limitado sa isang bagay.

Matapos makumpleto ang kanyang pag-aaral sa Paris Conservatory, nagtrabaho si Saint - Saens ng maraming taon bilang isang organista. Sa edad, sinimulan niyang impluwensyahan ang buhay musikal ng Pransya, at salamat sa kanya na ang musika ng mga naturang kompositor tulad nina J.S.Bach, Mozart, Handel at Gluck ay nagsimulang gampanan nang mas madalas.

Ang pinakatanyag na komposisyon ng Saint - Saens - Carnival ng mga hayop, na ipinagbawal ng kompositor sa kanyang buhay. Nag-alala siya na ang mga kritiko ng musika, sa pagdinig sa piraso na ito, ay makita itong walang kabuluhan. Pagkatapos ng lahat, nakakatawa kapag ang orkestra sa entablado ay naglalarawan ng isang leon, isang manok na may tandang, pagong, isang elepante, isang kangaroo, isang aquarium na may mga isda, mga ibon, isang asno at isang sisne.

Ang ilan sa kanyang iba pang mga komposisyon na Saint - Saens ay sumulat para sa hindi gaanong karaniwang mga kumbinasyon ng mga instrumento, kabilang ang mga sikat "Organ" symphony No. 3, pinatunog sa pelikulang "Babe".

Naimpluwensyahan ng musika ni Saint Saens ang gawain ng iba pang mga kompositor ng Pransya, kasama na Gabriel Fore. Ang kabataang ito ay minana ang posisyon ng organista sa simbahan ng Paris ng Saint Magdalene, na dating sinakop ng Saint - Saens.

At bagaman ang talento ni Foret ay hindi maikumpara sa talento ng kanyang guro, siya ay isang mahusay na piyanista.

Si Fauré ay isang mahirap na tao at samakatuwid ay nagsumikap, nagpatugtog ng organ, namumuno sa koro at nagbibigay ng mga aralin. Nakatuon siya sa pagsusulat sa kanyang libreng oras, kung saan mayroong napakakaunting, ngunit, sa kabila nito, nagawa niyang i-publish ang higit sa dalawang daan at limampu sa kanyang mga gawa. Ang ilan sa mga ito ay binubuo ng napakatagal: halimbawa, gumana Requiem tumagal ng higit sa dalawampung taon.

Noong 1905 si Fauré ay naging direktor ng Paris Conservatory, iyon ay, ang lalaking umunlad sa musika ng Pransya noong panahong iyon ay higit na nakasalalay. Si Fauré ay nagretiro makalipas ang labinlimang taon. Sa pagtatapos ng kanyang buhay ay nagdusa siya mula sa pagkawala ng pandinig.

Ngayon ang Foret ay iginagalang sa labas ng Pransya, kahit na doon siya ay higit na pinahahalagahan.

Para sa mga tagahanga ng musikang Ingles, ang hitsura ng isang pigura bilang Edward Elgar, dapat ay parang isang tunay na himala. Maraming istoryador ng musika ang tumawag sa kanya na unang makabuluhang kompositor ng Ingles pagkatapos ni Henry Purcell, na sumulat sa panahon ng Baroque, bagaman binanggit namin si Arthur Sullivan nang mas maaga.

Mahal na mahal ni Elgar ang England, lalo na ang kanyang katutubong Worcestershire, kung saan ginugol niya ang halos lahat ng kanyang buhay sa paghahanap ng inspirasyon sa larangan ng Molvern Hills.

Bilang isang bata, napapaligiran siya ng musika saanman: ang kanyang ama ay nagmamay-ari ng isang lokal na tindahan ng musika at tinuruan ang maliit na Elgar na tumugtog ng iba't ibang mga instrumentong pangmusika. Sa edad na labindalawa, pinalitan na ng batang lalaki ang organista sa mga serbisyo sa simbahan.

Matapos magtrabaho sa tanggapan ng isang abugado, nagpasya si Elgar na italaga ang kanyang sarili sa isang hindi gaanong maaasahang trabaho mula sa isang pang-pinansyal na pananaw. Para sa ilang oras nagtrabaho siya ng part-time, pagbibigay ng mga aralin ng biyolin at piano, naglaro sa mga lokal na orkestra at nagsagawa pa rin ng kaunti.

Unti-unting lumakas ang katanyagan ni Elgar bilang isang kompositor, bagaman kinailangan niyang magpumiglas upang makarating sa labas ng kanyang katutubong lalawigan. Dinala siya ng katanyagan Mga pagkakaiba-iba sa isang orihinal na tema, na ngayon ay mas kilala bilang Mga Pagkakaiba-iba ng Enigma.

Ngayon ang musika ni Elgar ay napansin bilang napaka Ingles at tunog sa panahon ng pinakamalaking mga kaganapan sa isang pambansang sukat. Sa mga unang tunog nito Concerto para sa cello kaagad na ipinakita ang kanayunan ng Ingles. Nimrod ng Mga pagkakaiba-iba ay madalas na ginampanan sa mga opisyal na seremonya, at Solemne at seremonyal na martsa Blg. 1, kilala bilang Isang lupain ng pag-asa at kaluwalhatian ginanap sa prom night sa buong UK.

Si Elgar ay isang pamilya at mahilig sa kalmado, maayos na buhay. Gayunpaman, iniwan niya ang kanyang marka sa kasaysayan. Ang kompositor na ito na may makapal, palumpong bigote ay maaaring makita agad sa dalawampu't libong tala. Malinaw na, naisip ng mga tagadisenyo ng perang papel na ang buhok sa mukha ay magiging napakahirap na peke.

Sa Italya, ang kahalili ni Giuseppe Verdi sa operatic art ay naging Giacomo Puccini, isinasaalang-alang ang isa sa mga kinikilalang master ng mundo ng art form na ito.

Ang pamilyang Puccini ay matagal nang naiugnay sa musika ng simbahan, ngunit noong unang narinig ni Giacomo ang opera Si Aida Verdi, napagtanto niya na ito ang kanyang tungkulin.

Matapos mag-aral sa Milan, sumulat si Puccini ng isang opera Manon Lescaut, na nagdala sa kanya ng kanyang unang dakilang tagumpay noong 1893. Pagkatapos nito, ang isang matagumpay na produksyon ay sinundan ang isa pa: Bohemia noong 1896, Pagnanasa noong 1900 at Madame Butterfly noong 1904.

Sa kabuuan, binubuo ni Puccini ang labindalawang opera, na ang huli ay Turandot. Namatay siya nang hindi natapos ang gawaing ito, at isa pang kompositor ang nakumpleto ang gawain. Sa premiere ng opera, ang konduktor na si Arturo Toscanini ay tumigil sa orkestra nang eksakto kung saan tumigil si Puccini. Humarap siya sa madla at sinabi:

Sa pagkamatay ni Puccini, natapos ang kasikatan ng operasyong sining ng Italyano. Hindi na babanggitin sa aming libro ang mga kompositor ng Italyano na opera. Ngunit sino ang nakakaalam kung ano ang hinaharap sa atin?

Sa buhay Gustav Mahler ay mas kilala bilang isang konduktor kaysa sa isang kompositor. Nagsagawa siya sa taglamig, at sa tag-araw, bilang panuntunan, ginusto na makisali sa pagsusulat.

Bilang isang bata, si Mahler ay sinasabing nakakita ng piano sa attic ng bahay ng kanyang lola. Makalipas ang apat na taon, sa edad na sampu, naibigay na niya ang kanyang unang pagganap.

Nag-aral si Mahler sa Vienna Conservatory, kung saan nagsimula siyang bumuo ng musika. Noong 1897 siya ay naging director ng Vienna State Opera at sa susunod na sampung taon ay nakakuha ng malaking katanyagan sa larangang ito.

Siya mismo ang nagsimulang magsulat ng tatlong opera, ngunit hindi na natapos ang mga ito. Sa ating panahon, kilala siya lalo na bilang isang kompositor ng mga symphonies. Sa ganitong genre nagmamay-ari siya ng isa sa totoong "hit" - Symphony No. 8, sa panahon ng pagganap kung saan higit sa isang libong musikero at mang-aawit ang nasasangkot.

Matapos ang pagkamatay ni Mahler, ang kanyang musika ay nawala sa uso sa loob ng limampung taon, ngunit sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo ay nabawi nito ang katanyagan, lalo na sa UK at USA.

Richard Strauss ay ipinanganak sa Alemanya at hindi kabilang sa dinastiyang Viennese Strauss. Sa kabila ng katotohanang ang kompositor na ito ay nanirahan halos sa buong unang kalahati ng ika-20 siglo, itinuturing pa rin siyang isang kinatawan ng romantikong romantiko ng Aleman.

Ang katanyagan sa buong mundo ni Richard Strauss ay medyo nagdusa mula sa katotohanang nagpasya siyang manatili sa Alemanya pagkatapos ng 1939, at pagkatapos ng World War II ay inakusahan pa siya na nakikipagtulungan sa mga Nazi.

Ang Strauss ay isang mahusay na konduktor, salamat kung saan perpektong naintindihan niya kung paano dapat tunog ang isang partikular na instrumento sa isang orkestra. Kadalasan ay inilalapat niya ang kaalamang ito sa pagsasanay. Nagbigay din siya ng iba't ibang payo sa iba pang mga kompositor, tulad ng:

"Huwag kailanman tumingin sa mga trombone, pinasisigla mo lang sila."

“Huwag pawisan habang gumaganap; ang mga nakikinig lamang ang dapat na maiinit. "

Ngayon, ang Strauss ay naalala lalo na may kaugnayan sa kanyang komposisyon Ganito nagsalita si Zarathustra, ang pagpapakilala kung saan ginamit ni Stanley Kubrick sa kanyang pelikulang A Space Odyssey noong 2001. Ngunit nagsulat din siya ng ilan sa pinakamagaling na opera ng Aleman, kasama ng mga ito - Knight of the Rose, Salome at Ariadne kay Naxos. Isang taon bago ang kanyang kamatayan, gumawa din siya ng napakagandang komposisyon Apat na huling kanta para sa boses at orkestra. Sa pangkalahatan, hindi ito ang pinakahuling mga kanta ng Strauss, ngunit sila ay naging isang uri ng katapusan ng kanyang malikhaing aktibidad.

Hanggang ngayon, sa mga kompositor na nabanggit sa librong ito, mayroon lamang isang kinatawan ng Scandinavia - Edvard Grieg. Ngunit ngayon dinala ulit kami sa malupit at malamig na lupa na ito - sa oras na ito sa Finlandia, kung saan kami pinanganak Jan Sibelius, mahusay na henyo sa musika.

Ang musika ni Sibelius ay sumipsip ng mga alamat at alamat ng kanyang tinubuang bayan. Ang kanyang pinakadakilang trabaho Pinlandiya, ay itinuturing na sagisag ng pambansang diwa ng mga Finn, tulad din sa Great Britain ang mga gawa ni Elgar ay kinikilala bilang isang pambansang kayamanan. Bukod dito, si Sibelius, tulad ni Mahler, ay isang tunay na master ng symphonies.

Tulad ng para sa iba pang pagkagumon ng kompositor, sa kanyang pang-araw-araw na buhay ay labis siyang nalulong sa pag-inom at paninigarilyo, kung kaya't sa edad na apatnapung siya ay nagkasakit ng cancer sa lalamunan. Madalas din siyang walang sapat na pera, at inilaan siya ng estado ng isang pensiyon upang makapagpatuloy siyang magsulat ng musika nang hindi nag-aalala tungkol sa kanyang kagalingang pampinansyal. Ngunit higit sa dalawampung taon bago ang kanyang kamatayan, si Sibelius ay tumigil sa pagbuo ng kahit ano. Nabuhay siya sa natitirang buhay niya sa medyo nag-iisa. Lalo siyang nagsalita tungkol sa mga nakatanggap ng pera para sa pagsusuri ng kanyang musika:

“Huwag pansinin ang sinasabi ng mga kritiko. Hanggang ngayon, wala kahit isang kritiko ang nabigyan ng rebulto. "

Ang huli sa aming listahan ng mga kompositor ng panahon ng Romantiko ay nakaligtas din hanggang sa halos kalagitnaan ng ika-20 siglo, bagaman isinulat niya ang karamihan sa kanyang pinakatanyag na akda noong 1900s. At gayon pa man siya ay niraranggo sa gitna ng mga romantiko, at tila sa amin na ito ang pinaka-romantikong kompositor ng buong pangkat.

Sergei Vasilyevich Rahmaninov ay ipinanganak sa isang marangal na pamilya, na sa panahong iyon ay gumastos ng maraming pera. Ang kanyang interes sa musika ay nagpakita ng sarili nitong maagang pagkabata, at pinadalhan siya ng kanyang mga magulang upang mag-aral, una sa St. Petersburg, at pagkatapos ay sa Moscow.

Si Rachmaninoff ay isang nakakagulat na pianist na may talento, at gumawa din siya ng isang kahanga-hangang kompositor.

Pagmamay-ari Piano Concerto No. 1 sumulat siya noong labing siyam na taon. Nakahanap din siya ng oras para sa kanyang unang opera, Aleko.

Ngunit ang mahusay na musikero na ito, bilang panuntunan, ay hindi partikular na nasiyahan sa buhay. Sa maraming mga litrato, nakikita namin ang isang galit, nakasimangot na lalaki. Ang isa pang kompositor ng Rusya, si Igor Stravinsky, ay minsang nagsabi:

"Ang walang kamatayang kakanyahan ng Rachmaninoff ay ang kanyang noo. Siya ay anim at kalahating talampakan ng noo ... siya ay isang nakakatakot na tao. "

Nang ang batang Rachmaninoff ay naglaro para kay Tchaikovsky, siya ay labis na nagalak na naglagay siya ng isang A na may apat na plus sa sheet ng kanyang marka - ang pinakamataas na marka sa kasaysayan ng Moscow Conservatory. Hindi nagtagal ay nagsimulang magsalita ang buong lungsod tungkol sa batang talento.

Gayunpaman, ang kapalaran ay nanatiling hindi kanais-nais sa musikero sa mahabang panahon.

Napakamot ng pagsasalita ng mga kritiko tungkol sa kanya. Symphonies Blg. 1, na ang premiere ay nagtapos sa kabiguan. Nagbigay ito kay Rachmaninov ng mabibigat na pagkabalisa sa emosyon, nawalan siya ng tiwala sa kanyang lakas at sa pangkalahatan ay hindi maaaring bumuo ng anuman.

Sa huli, ang tulong lamang ng isang bihasang psychiatrist na si Nikolai Dahl ang pinapayagan siyang makalabas sa krisis. Pagsapit ng 1901, nakumpleto na ni Rachmaninoff ang isang piano concert, na pinaghirapan niya sa loob ng maraming taon, at kung saan inialay niya kay Dr. Dahl. Sa pagkakataong ito ay masayang binati ng madla ang gawa ng kompositor. Mula noon Konsiyerto para sa Piano at Orchestra No. 2 ay naging isang paboritong klasikal na piraso na ginanap ng iba`t ibang mga pangkat musikal sa buong mundo.

Sinimulan ni Rachmaninoff ang paglibot sa Europa at Estados Unidos. Bumabalik sa Russia, siya ay nagsagawa at gumawa.

Matapos ang rebolusyon noong 1917, si Rachmaninov at ang kanyang pamilya ay nagpunta sa mga konsyerto sa Scandinavia. Hindi na siya umuwi. Sa halip, lumipat siya sa Switzerland, kung saan bumili siya ng bahay sa baybayin ng Lake Lucerne. Palagi niyang gustung-gusto ang mga reservoir at ngayon, kapag siya ay naging isang mayaman na tao, kayang mag-relaks sa baybayin at hangaan ang pambungad na tanawin.

Si Rachmaninoff ay isang mahusay na conductor at palaging nagbibigay ng sumusunod na payo sa mga nais na maging mahusay sa larangan na ito:

"Ang isang mabuting konduktor ay dapat na isang mahusay na tsuper. Parehong nangangailangan ng parehong mga katangian: konsentrasyon, patuloy na matinding pansin at pagkakaroon ng isip. Kailangan lang malaman ng konduktor ang musika nang kaunti ... "

Noong 1935, nagpasya si Rachmaninoff na manirahan sa Estados Unidos. Siya ay unang nanirahan sa New York, at pagkatapos ay lumipat sa Los Angeles. Doon nagsimula siyang magtayo ng isang bagong bahay para sa kanyang sarili, ganap na magkapareho sa naiwan niya sa Moscow.

Pagbili, VS

Tatlong mga subseksyon ng pag-ibig Sa iyong pag-scroll sa aming libro, mapapansin mo na ito ang pinakamalaki sa lahat ng mga kabanata nito, kung saan hindi kukulangin sa tatlumpu't pitong kompositor ang nabanggit. Marami sa kanila ang nabuhay at sabay na nagtrabaho sa iba`t ibang mga bansa. Samakatuwid, hinati natin ang kabanatang ito sa tatlong seksyon: "Maaga