Ən məşhur klassik musiqi. Ən məşhur klassik musiqi parçaları Müxtəlif növ klaviatura simli alətləri

Beləliklə, bu gün diqqət mərkəzində ən məşhur klassik musiqi parçalarıdır. Klassik musiqi bir neçə əsrdir ki, dinləyicilərini həyəcanlandırır, onlarda hisslər və duyğular fırtınasına səbəb olur. O, çoxdan tarixin bir hissəsinə çevrilib və incə saplarla indiki zamanla bir-birinə qarışıb.

Şübhəsiz ki, uzaq gələcəkdə klassik musiqiyə daha az tələbat olmayacaq, çünki musiqi aləmində belə bir hadisə öz aktuallığını və əhəmiyyətini itirə bilməz.

İstənilən klassik əsəri adlandırın - o, istənilən musiqili hit paradda birinci yerə layiq olacaq. Amma ən məşhur klassik musiqi əsərlərini bir-biri ilə müqayisə etmək mümkün olmadığından, bədii unikallığına görə burada adları çəkilən opuslar yalnız tanışlıq üçün əsər kimi təqdim olunur.

"Ay işığı sonatası"

Lüdviq van Bethoven

1801-ci ilin yayında L.B.-nin parlaq işi. Bütün dünyada məşhur olmaq taleyinə düşmüş Bethoven. Bu əsərin adı “Ay işığı sonatası” qocadan gəncə tamamilə hamıya məlumdur.

Ancaq əvvəlcə əsərin "Demək olar ki, fantaziya" adı var idi və onu müəllif gənc tələbəsi, sevimli Cülyetta Qviçkardiyə həsr etmişdir. Və bu günə qədər məlum olan adı L.V.-nin ölümündən sonra musiqi tənqidçisi və şairi Lüdviq Relştab icad etmişdir. Bethoven. Bu əsər bəstəkarın ən məşhur musiqi əsərlərindən birinə aiddir.

Yeri gəlmişkən, klassik musiqinin əla kolleksiyası "Komsomolskaya Pravda" qəzetinin nəşrləri ilə təmsil olunur - musiqi dinləmək üçün diskləri olan kompakt kitablar. Onun musiqisini oxuya və dinləyə bilərsiniz - çox rahatdır! Tövsiyə klassik musiqidən diskləri birbaşa səhifəmizdən sifariş edin : “al” düyməsini sıxın və dərhal mağazaya gedin.

"Türk marşı"

Volfqanq Amadey Motsart

Bu əsər 1783-cü ildə anadan olan 11 nömrəli Sonatanın üçüncü hissəsidir. Əvvəlcə "Türk Rondo" adlanırdı və Avstriya musiqiçiləri arasında çox məşhur idi və sonradan adını dəyişdirdi. Əsərin “Türk marşı” adı həm də ona görə verilmişdir ki, türk Yeniçəri orkestrləri ilə həmahəngdir, onlar üçün zərb səsi çox xarakterikdir ki, bunu V.A.-nın “Türk marşı”nda da görmək olar. Motsart.

"Ave Maria"

Frans Şubert

Bəstəkar özü bu əsəri V.Skottun “Gölün xanımı” poemasına, daha doğrusu onun keçidinə yazmışdı və kilsə üçün belə dərin dini bir əsər yazmaq fikrində deyildi. Əsərin üzə çıxmasından bir müddət sonra naməlum musiqiçi “Ave Maria” duasından ilhamlanaraq öz mətnini parlaq F.Şubertin musiqisinə qoyur.

"Fantaziya bədahətən"

Frederik Şopen

Romantizm dövrünün dahisi F.Şopen bu əsəri dostuna həsr etmişdir. Və müəllifin göstərişlərinə tabe olmayan və bəstəkarın ölümündən 6 il sonra, 1855-ci ildə nəşr etdirən o, Julian Fontana idi. F.Şopen hesab edirdi ki, onun yaradıcılığı Bethovenin tələbəsi, məşhur bəstəkar və pianoçu İ.Moşelesin ekspromtuya bənzəyir və bu, Fantasia-İmpromptu buraxmaqdan imtinaya səbəb olub. Lakin bu parlaq əsəri müəllifin özündən başqa heç kim plagiat hesab etməyib.

"Bambıl arısının uçuşu"

Nikolay Rimski-Korsakov

Bu əsərin bəstəkarı rus folklorunun həvəskarı idi - nağıllarla maraqlanırdı. Bu, A.S.-nin süjeti əsasında “Çar Saltanın nağılı” operasının yaranmasına səbəb oldu. Puşkin. Bu operanın bir hissəsi "Bambıl arısının uçuşu" intermediyasıdır. Əsərdə bu həşəratın uçuş səslərini ustalıqla, inanılmaz dərəcədə canlı və parlaq şəkildə təqlid etdi N.A. Rimski-Korsakov.

"24 nömrəli kapriz"

Nikolo Paqanini

Əvvəlcə müəllif bütün kaprizlərini sırf skripkada ifaçılıq məharətini təkmilləşdirmək və təkmilləşdirmək məqsədi ilə bəstələyib. Nəhayət, onlar skripka musiqisinə bir çox yeni və əvvəllər məlum olmayan şeylər gətirdilər. N.Paqanininin bəstələnmiş kaprizlərinin sonuncusu olan 24-cü kapriz isə xalq intonasiyaları ilə çevik tarantella daşıyır və eyni zamanda mürəkkəbliyi baxımından tayı-bərabəri olmayan skripka üçün indiyə qədər yaradılmış əsərlərdən biri kimi tanınır.

"Səslə, opus 34, № 14"

Sergey Vasilyeviç Rəhmaninov

Bu əsər bəstəkarın səs üçün yazılmış on dörd mahnını fortepiano müşayiəti ilə birləşdirən 34-cü əsərini tamamlayır. Vokal, gözlənildiyi kimi, sözlərdən ibarət deyil, bir sait səslə yerinə yetirilir. S.V. Raxmaninov onu opera müğənnisi Antonina Nejdanovaya həsr edib. Çox vaxt bu əsər skripkada və ya violonçeldə fortepiano müşayiəti ilə ifa olunur.

"Ay işığı"

Klod Debüssi

Bu əsər bəstəkar tərəfindən fransız şairi Pol Verlenin bir şeirinin sətirlərinin təsiri altında yazılmışdır. Ad dinləyicinin ruhuna təsir edən melodiyanın yumşaqlığını və toxunuşunu çox aydın şəkildə çatdırır. Dahi bəstəkar K.Debüssinin bu məşhur əsəri müxtəlif nəsillərin 120 filmində səslənir.

Həmişəki kimi, ən yaxşı musiqi əlaqə qrupumuzdadır .

Klassiklərdən nəsə dinləyin - bundan yaxşı nə ola bilər?! Xüsusən də həftə sonları dincəlmək istədiyiniz zaman günün qayğılarını, iş həftəsinin qayğılarını unudub, gözəlləri xəyal edin və sadəcə özünüzü şadlandırın. Fikir verin, klassiklər parlaq müəlliflər tərəfindən o qədər uzun müddət əvvəl yaradılmışdır ki, bir şeyin bu qədər uzun illər yaşaya biləcəyinə inanmaq çətindir. Və bu əsərlər indi də sevilir, dinlənilir, aranjimanlar, müasir yozumlar yaradırlar. Müasir emalda dahi bəstəkarların əsərləri klassik musiqi olaraq qalır. Onun etiraf etdiyi kimi, klassik əsərlər dahiyanədir və bütün dahiyanə əsərlər darıxdırıcı ola bilməz.

Yəqin ki, bütün böyük bəstəkarların xüsusi qulağı, tona və melodiyaya xüsusi həssaslığı var ki, bu da onlara nəinki öz həmvətənlərinin, eləcə də bütün dünyada klassik musiqi həvəskarlarının onlarla nəsillərinin zövqünü oxşayan musiqilər yaratmağa imkan verib. Əgər siz hələ də klassik musiqini sevdiyinizə şübhə edirsinizsə, o zaman onunla görüşməlisiniz və görəcəksiniz ki, əslində siz artıq çoxdan gözəl musiqinin pərəstişkarısınız.

Və bu gün biz dünyanın 10 ən məşhur bəstəkarı haqqında danışacağıq.

İohan Sebastyan Bax

Birinci yerə layiq görülüb. Almaniyada bir dahi doğulub. Ən istedadlı bəstəkar klavesin və orqan üçün musiqi yazıb. Bəstəkar musiqidə yeni üslub yaratmayıb. Amma o, dövrünün bütün üslublarında mükəmməllik yarada bilmişdir. 1000-dən çox essenin müəllifidir. Əsərlərində Bax həyatı boyu tanış olduğu müxtəlif musiqi üslublarını birləşdirmişdir. Tez-tez musiqi romantizmi barokko üslubu ilə birləşdirilirdi. Həyat İohan Bax bir bəstəkar kimi layiq olduğu tanınmaması ilə onun musiqisinə maraq ölümündən təxminən 100 il sonra yarandı. Bu gün onu yaşamış ən böyük bəstəkarlardan biri adlandırırlar. Onun bir şəxsiyyət, müəllim və musiqiçi kimi unikallığı musiqisində öz əksini tapıb. Bax musiqi tarixini Baxdan əvvəlki və Baxdan sonrakı dövrlərə ayıraraq müasir və müasir musiqinin əsaslarını qoydu. Musiqi olduğuna inanılır Bax tutqun və tutqun. Onun musiqisi kifayət qədər fundamental və möhkəm, təmkinli və konsentrasiyalıdır. Yetkin, müdrik insanın əksi kimi. yaradılış Bax bir çox bəstəkarlara təsir göstərmişdir. Bəziləri onun əsərlərindən nümunə götürmüş və ya mövzulardan istifadə etmişlər. Və bütün dünyada musiqiçilər musiqi ifa edirlər Bax onun gözəlliyinə və mükəmməlliyinə heyran qalır. Ən məşhur əsərlərdən biri "Brandenburq konsertləri" musiqi olduğuna əla sübutdur Baxçox tutqun hesab edilə bilməz:

Volfqanq Amadey Motsart

Haqlı olaraq dahi hesab olunur. 4 yaşında o, artıq skripka və klavesində sərbəst ifa edirdi, 6 yaşında musiqi bəstələməyə başladı, 7 yaşında isə məşhur musiqiçilərlə rəqabət apararaq artıq klavesin, skripka və orqanda məharətlə improvizə edib. Artıq 14 yaşında Motsart- tanınmış bəstəkar, 15 yaşında isə Bolonya və Verona musiqi akademiyalarının üzvü. Təbiətindən musiqiyə, yaddaşa və improvizə qabiliyyətinə fenomenal qulağı var idi. O, heyrətamiz sayda əsər yaratmışdır - 23 opera, 18 sonata, 23 fortepiano konserti, 41 simfoniya və daha çox. Bəstəkar təqlid etmək istəməyib, musiqinin yeni şəxsiyyətini əks etdirən yeni model yaratmağa çalışıb. Almaniyada musiqinin olması təsadüfi deyil Motsart“ruhun musiqisi” adlandırılan bəstəkar öz əsərlərində səmimi, məhəbbətli təbiətinin xüsusiyyətlərini göstərmişdir. Ən böyük melodist operaya xüsusi önəm verirdi. operalar Motsart- musiqi sənətinin bu növünün inkişaf dövrü. Motsartən böyük bəstəkarlardan biri kimi tanınır: onun unikallığı ondadır ki, o, dövrünün bütün musiqi formalarında çalışıb və hamısında ən yüksək uğur qazanıb. Ən tanınan əsərlərdən biridir "Türk marşı":

Lüdviq van Bethoven

Başqa bir böyük alman romantik-klassik dövrün mühüm siması idi. Hətta klassik musiqidən heç nə bilməyənlər də onun haqqında bilirlər. Bethoven dünyanın ən çox ifa olunan və hörmətli bəstəkarlarından biridir. Böyük bəstəkar Avropada baş verən möhtəşəm sarsıntıların şahidi olmuş və onun xəritəsini yenidən tərtib etmişdir. Bu böyük çevrilişlər, inqilablar, hərbi qarşıdurmalar bəstəkarın yaradıcılığında, xüsusən də simfonik yaradıcılığında öz əksini tapmışdır. O, qəhrəmanlıq mübarizəsini musiqi şəkillərində təcəssüm etdirirdi. Ölməz əsərlərdə Bethoven insanların azadlığı və qardaşlığı uğrunda mübarizəni, işığın zülmət üzərində qələbə çalmasına sarsılmaz inamı, eləcə də bəşəriyyətin azadlığı və xoşbəxtliyi arzularını eşidəcəksiniz. Onun həyatının ən məşhur və heyrətamiz faktlarından biri qulaq xəstəliyinin tam karlığa çevrilməsidir, lakin buna baxmayaraq, bəstəkar musiqi yazmağa davam edir. O, həm də ən yaxşı pianoçulardan biri hesab olunurdu. Musiqi Bethoven təəccüblü dərəcədə sadə və ən geniş dinləyici kütləsi üçün əlçatandır. Nəsillər dəyişir, hətta dövrlər, musiqi də dəyişir Bethoven hələ də insanların qəlbini həyəcanlandırır və sevindirir. Onun ən yaxşı işlərindən biri - "Ay işığı sonatası":

Riçard Vaqner

Böyük adı ilə Riçard Vaqnerən çox onun şah əsərləri ilə əlaqələndirilir "Toy xoru" və ya "Valkirilərin gəzintisi". Amma o, təkcə bəstəkar kimi deyil, həm də filosof kimi tanınır. Vaqner musiqi əsərlərini müəyyən bir fəlsəfi konsepsiyanın ifadə üsulu hesab edirdi. FROM Vaqner operaların yeni musiqi erası başladı. Bəstəkar operanı həyata daha da yaxınlaşdırmağa çalışırdı, musiqi onun üçün sadəcə bir vasitədir. Riçard Vaqner- musiqi dramının yaradıcısı, opera və dirijorluq sənətinin islahçısı, musiqinin harmonik və melodik dilinin yenilikçisi, musiqi ifadəsinin yeni formalarının yaradıcısı. Vaqner- dünyanın ən uzun solo ariyasının (14 dəqiqə 46 saniyə) və dünyanın ən uzun klassik operasının (5 saat 15 dəqiqə) müəllifi. Həyat Riçard Vaqner ya pərəstiş edilən, ya da nifrət edilən mübahisəli şəxs hesab olunurdu. Və tez-tez hər ikisi eyni vaxtda. Mistik simvolizm və antisemitizm onu ​​Hitlerin sevimli bəstəkarına çevirdi, lakin onun musiqisinin İsrailə gedən yolunu kəsdi. Lakin bəstəkarın nə tərəfdarları, nə də əleyhdarları onun bəstəkar kimi böyüklüyünü inkar etmirlər. Əvvəldən gözəl musiqi Riçard Vaqner mübahisələr və fikir ayrılıqları üçün heç bir yer qoymadan sizi izsiz qəbul edir:

Frans Şubert

Avstriyalı bəstəkar musiqi dahisidir, ən yaxşı mahnı bəstəkarlarından biridir. İlk mahnısını yazanda onun cəmi 17 yaşı vardı. Bir gündə o, 8 mahnı yaza bildi. Yaradıcılığı dövründə o, Höte, Şiller, Şekspir də daxil olmaqla 100-dən çox böyük şairin şeirləri əsasında 600-dən çox bəstə yaradıb. Buna görə də Frans Şubert ilk 10-da. Yaradıcılıq olsa da Şubertçox rəngarəngdir, janr, ideya və reinkarnasiyalardan istifadə baxımından onun musiqisində vokal-mahnı sözləri üstünlük təşkil edir və müəyyən edir. Əvvəl Şubert mahnı əhəmiyyətsiz janr sayılırdı və onu bədii kamillik dərəcəsinə qaldıran da məhz o idi. Üstəlik, o, zahirən bir-biri ilə əlaqəsi olmayan mahnı və kamera-simfonik musiqini birləşdirdi ki, bu da lirik-romantik simfoniyanın yeni istiqamətinin yaranmasına səbəb oldu. Vokal-mahnı sözləri sözlə deyil, səslə ifadə olunan sadə və dərin, incə və hətta intim insan təcrübələri dünyasıdır. Frans Şubertçox qısa ömür yaşadı, cəmi 31 yaşında. Bəstəkarın əsərlərinin taleyi həyatından az faciəli deyil. Ölümdən sonra Şubertçoxlu nəşr olunmamış əlyazmalar qalmışdı, kitab şkaflarında, qohumların və dostların çekmecelərində saxlanılırdı. Hətta ona ən yaxın olanlar da onun yazdığı hər şeyi bilmirdilər və uzun illər o, əsasən yalnız mahnı şahı kimi tanınırdı. Bəstəkarın bəzi əsərləri ölümündən cəmi yarım əsr sonra işıq üzü görüb. Ən sevilən və məşhur əsərlərdən biridir Frans Şubert – "Axşam Serenadası":

Robert Schumann

Daha az faciəli taleyi olmayan alman bəstəkarı romantik dövrün ən yaxşı bəstəkarlarından biridir. O, heyrətamiz dərəcədə gözəl musiqi yaradıb. 19-cu əsr alman romantizmi haqqında fikir əldə etmək üçün sadəcə qulaq asın "Karnaval" Robert Schumann. O, romantik üslubun özünəməxsus yozumunu yaradaraq klassik dövrün musiqi ənənələrindən çıxa bilmişdir. Robert Schumann bir çox istedadlara sahib idi və hətta uzun müddət musiqi, poeziya, jurnalistika və filologiya arasında qərar verə bilmədi (o, poliqlot idi və ingilis, fransız və italyan dillərindən sərbəst tərcümə edirdi). O, həm də heyrətamiz pianoçu idi. Və yenə də əsas peşə və ehtiras Şuman musiqi var idi. Onun poetik və dərin psixoloji musiqisi daha çox bəstəkarın təbiətinin ikililiyini, ehtiras partlayışını və xəyallar aləminə geri çəkilməsini, vulqar reallığı dərk etməsini və ideala can atmasını əks etdirir. Şedevrlərdən biri Robert Schumann hər kəs eşitməlidir:

Frederik Şopen

Musiqi dünyasında bəlkə də ən məşhur Pole. Nə bəstəkardan əvvəl, nə də sonra Polşada bu səviyyəli musiqi dahisi doğulmayıb. Polyaklar öz böyük həmvətənləri ilə inanılmaz dərəcədə fəxr edirlər və öz yaradıcılığında bəstəkar tez-tez vətənini tərənnüm edir, mənzərələrin gözəlliyinə heyran olur, faciəli keçmişdən ağılar çəkir, böyük gələcək arzulayır. Frederik Şopen- yalnız piano üçün musiqi yazan azsaylı bəstəkarlardan biri. Onun yaradıcılıq irsində nə opera, nə də simfoniya yoxdur, lakin fortepiano parçaları bütün rəngarəngliyi ilə təqdim olunur. Onun əsərləri bir çox məşhur pianoçuların repertuarının əsasını təşkil edir. Frederik Şopen istedadlı pianoçu kimi də tanınan polşalı bəstəkardır. O, cəmi 39 il yaşadı, lakin bir çox şedevrlər yaratmağı bacardı: balladalar, prelüdiyalar, valslar, mazurkalar, noktürnlər, polonezlər, etüdlər, sonatalar və daha çox. Onlardan biri - "Ballada №1, G minorda".

Frans Liszt

O, dünyanın ən böyük bəstəkarlarından biridir. Nisbətən uzun və təəccüblü zəngin bir həyat sürdü, yoxsulluğu və zənginliyi bilirdi, sevgi ilə qarşılaşdı və nifrətlə üzləşdi. O, anadangəlmə istedadla yanaşı, fantastik iş qabiliyyətinə malik idi. Frans Liszt təkcə bilicilərin və musiqi həvəskarlarının heyranlığına layiq deyildi. O, həm bəstəkar, həm də pianoçu kimi 19-cu əsrin avropalı tənqidçiləri tərəfindən hamılıqla bəyənilib. 1300-dən çox əsər yaradıb Frederik Şopen piano üçün üstünlük verilən əsərlər. parlaq pianoçu, Frans Liszt o, bütöv bir orkestrin səsini fortepianoda səsləndirməyi bilirdi, ustalıqla improvizə olunub, musiqi əsərlərinin fantastik yaddaşına malik idi, vərəqdən not oxumaqda onun tayı-bərabəri yox idi. Onun musiqisində də əksini tapan pafoslu ifa tərzi var idi, emosional ehtiraslı və qəhrəmancasına ehtiraslı, rəngarəng musiqi şəkilləri yaradaraq dinləyicilərdə silinməz təsir bağışlayırdı. Bəstəkarın fərqləndirici xüsusiyyəti fortepiano konsertləridir. Bu əsərlərdən biri. Ən məşhur əsərlərdən biridir Liszt – "Sevgi Xəyalları":

Johannes Brahms

Musiqidə romantik dövrdə əhəmiyyətli bir fiqurdur Johannes Brahms. Musiqi dinləyin və sevin Brahms Yaxşı dad və romantik bir təbiətin xarakterik əlaməti hesab olunur. Brahms bir opera yazmadı, amma bütün başqa janrlarda əsərlər yaratdı. xüsusi şöhrət Brahms simfoniyalarını gətirdi. Artıq ilk əsərlərində bəstəkarın orijinallığı özünü büruzə verir ki, bu da sonda onun öz üslubuna çevrilir. Bütün işləri nəzərə alaraq Brahms, bəstəkarın sələflərinin və ya müasirlərinin yaradıcılığından güclü təsirləndiyini söyləmək olmaz. Həm də yaradıcılıq baxımından Brahms tez-tez müqayisə edilir Bax Və Bethoven. Bəlkə də bu müqayisə o mənada əsaslandırılır ki, üç böyük alman yaradıcılığı musiqi tarixində bütöv bir dövrün kulminasiyasını təmsil edir. Fərqli Frans Liszt həyat Johannes Brahms təlatümlü hadisələrdən məhrum idi. Sakit yaradıcılığa üstünlük verdi, sağlığında istedadı və ümumbəşəri hörməti qazandı, həm də xeyli fəxri adlara layiq görüldü. Yaradıcı gücün olduğu ən görkəmli musiqi Brahms xüsusilə parlaq və orijinal təsir bağışladı "Alman Rekviyem", müəllifin 10 il ərzində yaratdığı və anasına həsr etdiyi əsər. Musiqinizdə Brahms təbiətin gözəlliyi, keçmişin böyük istedadlarının sənəti, vətəninin mədəniyyəti olan insan həyatının əbədi dəyərlərini tərənnüm edir.

Cüzeppe Verdi

Ən yaxşı on bəstəkarın içində nə yoxdur?! İtalyan bəstəkarı daha çox operaları ilə tanınır. O, İtaliyanın milli şöhrətinə çevrildi, onun yaradıcılığı italyan operasının inkişafının kulminasiya nöqtəsidir. Onun bəstəkar kimi nailiyyətlərini və xidmətlərini qiymətləndirmək olmaz. İndiyə qədər, yazıçının ölümündən bir əsr sonra, onun əsərləri həm klassik musiqi bilicilərinə, həm də sevənlərə məlum olan ən populyar, geniş ifa olunan əsərlər olaraq qalır.

üçün Verdi Dram operada ən vacib şeyə çevrildi. Bəstəkarın yaratdığı Riqoletto, Aida, Violetta, Dezdemonanın musiqi obrazları parlaq melodiya və personajların dərinliyini, demokratik və incə musiqi xüsusiyyətlərini, şiddətli ehtirasları və parlaq xəyalları üzvi şəkildə birləşdirir. Verdi insan ehtiraslarını anlamaqda əsl psixoloq idi. Onun musiqisi nəciblik və qüdrət, heyrətamiz gözəllik və harmoniya, ifadə olunmaz dərəcədə gözəl melodiyalar, gözəl ariyalar və duetlərdir. Ehtiraslar qaynayır, komediya və faciə bir-birinə qarışır, birləşir. Operaların süjetlərinə görə Verdi, "orijinal, maraqlı və ... hər şeydən əvvəl ehtiraslı, ehtiraslı" olmalıdır. Və onun əsərlərinin əksəriyyəti ciddi və faciəvidir, emosional dramatik situasiyaları nümayiş etdirir və böyük sənətkarın musiqisi Verdi baş verənlərə ifadəlilik verir və vəziyyətin vurğularını vurğulayır. İtalyan opera məktəbinin əldə etdiyi bütün yaxşılığı mənimsəmiş, o, opera ənənələrini inkar etmədi, əksinə, italyan operasında islahatlar apardı, onu realizmlə doldurdu və ona bütövlükdə birlik verdi. Eyni zamanda, islahatını elan etmədi, bu barədə məqalələr yazmadı, sadəcə olaraq yeni bir şəkildə operalar yazdı. Şedevrlərdən birinin zəfər yürüşü Verdi- opera - italyan səhnələrini süpürdü və Avropada, eləcə də Rusiya və Amerikada davam etdi, hətta skeptikləri dahi bəstəkarın istedadını tanımağa məcbur etdi.

Dünyanın 10 ən məşhur bəstəkarı yenilənib: 13 aprel 2019-cu il: Elena

Etiraf etməliyəm ki, klavesin haqqında mənim üçün dərin şəxsi mövzu kimi danışıram. Artıq qırx ilə yaxındır ki, onun üzərində çıxış edərək, mən müəyyən müəlliflərə dərin bir bağlılıq yaratdım və onların bu alət üçün yazdıqlarının tam dövrünü konsertlərdə ifa etdim. Bu, ilk növbədə, Fransua Kuperin və İohan Sebastyan Baxa aiddir. Ümid edirəm ki, bu, qorxuram, qaça bilməyəcəyim asılılıqlarım üçün bəhanə olacaq.

QURĞU

Klaviaturalı simli çalğı alətlərinin böyük bir ailəsi məlumdur. Onlar ölçü, forma və səs (rəngli) resurslarına görə fərqlənirlər. Köhnə günlərdə bu cür alətləri düzəldən demək olar ki, hər bir usta onların dizaynına özünəməxsus bir şey əlavə etməyə çalışırdı.

Onların nə adlandırıldığı ilə bağlı çox qarışıqlıq var. Ən ümumi ifadələrlə desək, alətlər formalarına görə uzununa (kiçik fortepianonu xatırladır, lakin bucaq formaları ilə - fortepiano dairəvi formalara malikdir) və düzbucaqlıya bölünür. Təbii ki, bu fərq heç bir şəkildə dekorativ deyil: simlərin klaviaturaya nisbətən fərqli düzülüşü ilə bütün bu alətlər üçün xarakterik olan simin üzərindəki yer tellərin tembrinə çox əhəmiyyətli təsir göstərir. səs.

Delftli İ.Vermeer. Klavsendə oturan qadın
TAMAM. 1673–1675 Milli Qalereya, London

Klavsen bu ailənin ən böyük və ən mürəkkəb alətidir.

Rusiyada 18-ci əsrdən bəri. Alət üçün ən çox istifadə edilən fransız adı klavesindir ( klavesin), lakin əsasən musiqi və akademik təcrübədə tapılır və italyanca - cembalo ( cembalo; İtalyan adları da məlumdur clavicembalo, gravicembalo). Musiqişünaslıq ədəbiyyatında, xüsusən də ingilis barokko musiqisinə gəldikdə, bu alətin ingiliscə adına tərcüməsiz rast gəlinir klavesin.

Klavsendə səs çıxarmanın əsas xüsusiyyəti ondan ibarətdir ki, tullanan (əks halda itələyici) açarın arxa ucunda quraşdırılıb, yuxarı hissəsində lələk bərkidilir. Musiqiçi düyməni basdıqda onun arxa ucu qalxır (çünki açar rıçaqdır) və tullanan yuxarı qalxır, tük isə simi qoparır. Açar sərbəst buraxıldıqda, lələk bir qədər yayınmağa imkan verən yay sayəsində səssizcə sürüşür.

Müxtəlif növ klaviatura simli alətləri

Maraqlıdır ki, tullananın hərəkətinin təsviri və qeyri-adi dəqiqliyi V.Şekspir tərəfindən 128-ci sonetində verilmişdir. Çoxsaylı tərcümə variantlarından klavesin çalmağın mahiyyəti ən dəqiq - bədii və poetik tərəfə əlavə olaraq - Modest Çaykovskinin tərcüməsidir:

Sən, mənim musiqim, çalanda,
Bu düymələri hərəkətə gətirin
Və barmaqlarınızla onları yumşaq bir şəkildə sığallayaraq,
Simlərin ahəngdarlığı heyranlığa səbəb olur,
Sonra qısqanclıqla açarlara baxıram,
Əllərinizin ovuclarına necə yapışırlar;
Ağızlar yanar, öpüş həsrəti
Cəsarətlərinə həsədlə baxırlar.
Ah, taleyi birdən dönsəydi
Mən bu quru rəqqasların cərgəsində!
Sevinirəm ki, sənin əlin onların üzərində sürüşdü, -
Onların ruhsuzluğu canlı dodaqlardan daha mübarəkdir.
Ancaq xoşbəxtdirlərsə, deməli
Barmaqlarından öpsünlər, dodaqlarından öpüm.

Klaviatura simli alətlərin bütün növləri arasında klavesin ən böyüyü və ən mürəkkəbidir. Həm solo alət, həm də müşayiət kimi istifadə olunur. Ansambl kimi barokko musiqisində əvəzolunmazdır. Amma bu alətin böyük repertuarından danışmazdan əvvəl onun dizaynında başqa bir şeyi izah etmək lazımdır.

Klavsendə bütün rənglər (tembrlər) və dinamika (yəni səsin gücü) əvvəlcə hər bir fərdi klavesin yaradıcısı tərəfindən alətin özündə qoyulmuşdur. Bu baxımdan müəyyən dərəcədə orqana bənzəyir. Klavsendə açarın gücünü dəyişdirməklə səsi dəyişə bilməzsiniz. Müqayisə üçün: pianoda bütün tərcümə sənəti toxunuşun zənginliyində, yəni düyməni basmaq və ya vurmaq üsullarının müxtəlifliyindədir.

Klavsen mexanizminin diaqramı

düyü. AMMA: 1. Kök; 2. Damper; 3. jumper (itələyici); 4. Qeydiyyat paneli; 5. Geyik;
6. Çərçivə jumper (itələyici); 7. Açar

düyü. B. Jumper (itələyici): 1. Damper; 2. Simli; 3. Lələk; 4. Dil; 5. Polster; 6. Bahar

Təbii ki, bu alətin musiqili və ya “kazan kimi” səslənməsi (Volter təqribən deyir) klavesin ifasının həssaslığından asılıdır. Amma səsin gücü və tembri klavesindən asılı deyil, çünki klavesin barmağı ilə sim arasında tullanan və lələk şəklində mürəkkəb ötürmə mexanizmi var. Yenə də müqayisə üçün: pianoda düyməyə basmaq simi vuran çəkicin hərəkətinə bilavasitə təsir edir, klavesində isə tükə təsir dolayıdır.

TARİX

Klavsenin erkən tarixi zamanın dumanlarına qədər gedib çıxır. İlk dəfə Con de Murisin “Musiqi güzgüsü” (1323) traktatında xatırlanır. Klavsenin ilk təsvirlərindən biri Veymar Möcüzələr Kitabındadır (1440).

Uzun müddət inanılırdı ki, bizə gəlib çatan ən qədim alət Boloniyalı İeronim tərəfindən hazırlanmış və 1521-ci ilə aiddir. O, Londonda, Viktoriya və Albert Muzeyində saxlanılır. Ancaq bu yaxınlarda müəyyən edildi ki, bir neçə yaş böyük bir alət də var, onu da İtalyan ustası - Livigimenodan Vincentius yaratmışdır. O, Papa X Leo-ya təqdim edilib. Onun istehsalı, işin üzərindəki yazıya görə, 18 sentyabr 1515-ci ildə başlanıb.

klavesin. Weimar Möcüzələr Kitabı. 1440

Səs monotonluğunun qarşısını almaq üçün klavesin ustaları alətin inkişafının ilkin mərhələsində hər bir açarı bir simlə deyil, təbii ki, iki fərqli tembrlə təchiz etməyə başladılar. Lakin tezliklə aydın oldu ki, texniki səbəblərdən bir klaviatura üçün ikidən çox sim dəstindən istifadə etmək mümkün deyil. Sonra klaviaturaların sayını artırmaq ideyası yarandı. 17-ci əsrə qədər musiqi baxımından ən zəngin klavesinlər iki klaviaturalı alətlərdir (başqa sözlə, dərsliklər, lat. manus- "əl").

Musiqi baxımından belə bir alət müxtəlif barokko repertuarını ifa etmək üçün ən yaxşı vasitədir. Klavsen klassiklərinin bir çox əsərləri, məsələn, Domenico Scarlattinin bir sıra sonataları iki klaviaturada ifa effekti üçün xüsusi olaraq yazılmışdır. F.Kuperin klavesin əsərlərinin üçüncü kolleksiyasının ön sözündə xüsusi olaraq qeyd etdi ki, o, adlandırdığı parçaları bu kolleksiyaya yerləşdirdi. "Kruiz parçaları"([əlləri] çarpaz edərək oynayır). "Belə adda olan parçalar," bəstəkar davam edir, "registrləri dəyişdirməklə biri boğuq səslənən iki klaviaturada ifa edilməlidir." İki əlli klavesin olmayanlar üçün Kuperin aləti bir klaviatura ilə necə ifa etmək barədə tövsiyələr verir. Lakin bir sıra hallarda iki əlli klavesin tələbi kompozisiyanın tam hüquqlu bədii ifası üçün əvəzsiz şərtdir. Belə ki, məşhur “Fransız uvertürası” və “İtalyan konserti”nin yer aldığı kolleksiyanın baş səhifəsində Bax qeyd edirdi: “İki dərslikdən ibarət klavişembalo üçün”.

Klavsenin təkamülü nöqteyi-nəzərindən iki dərslik həddi-hüdudu deyildi: biz üç klaviaturalı klavesin nümunələrini bilirik, baxmayaraq ki, onların ifası üçün belə bir aləti qəti şəkildə tələb edəcək əsərləri bilmirik. Daha doğrusu, bunlar fərdi klavesin istehsalçılarının texniki fəndləridir.

Parlaq çiçəklənmə dövründə (XVII-XVIII əsrlər) klavesin o dövrdə mövcud olan bütün klaviatura alətlərinə, yəni orqana və klavikorda sahib olan musiqiçilər tərəfindən ifa olunurdu (buna görə də onları klavier adlandırırdılar).

Klavsenləri təkcə klavesinlər deyil, həm də orqan qurucuları yaradıblar. Və artıq orqanların dizaynında geniş istifadə olunan bəzi fundamental fikirlərin klavesin quruluşunda tətbiqi təbii idi. Başqa sözlə desək, klavesinlər öz alətlərinin reyestr resurslarını genişləndirməkdə orqan yaradıcılarının yolu ilə getmişlər. Orqanda dərsliklər arasında paylanan boru dəstləri getdikcə daha çox idisə, o zaman klavesində dərsliklər arasında paylanmış daha çox simli dəstlərdən istifadə etməyə başladılar. Həcm baxımından bu klavesin registrləri çox da fərqlənmirdi, lakin tembr baxımından kifayət qədər əhəmiyyətli idi.

İlk musiqi toplusunun baş səhifəsi
bakirə "Parthenia" üçün. London. 1611

Belə ki, notlarda qeydə alınan səslərə uyğun gələn və hündürlüyü ilə uyğun gələn iki sim dəstindən (hər klaviatura üçün bir) əlavə olaraq, dörd və on altı futluq registrlər ola bilərdi. (Hətta reyestrlərin təyinatı orqan qurucularından klavesin ustaları tərəfindən götürülüb: borular orqanlar ayaqlarla göstərilir və musiqi notasına uyğun gələn əsas registrlər səkkiz fut adlanır, notalardan bir oktava yüksək səslər çıxaran borular isə dörd fut, aşağıda bir oktava - müvafiq olaraq on altı fut adlanır. Klavsendə, eyni ölçülərdə, dəstlərin yaratdığı registrlər simlər.)

Beləliklə, XVIII əsrin ortalarına aid böyük bir konsert klavesininin səs diapazonu. pianofortadan nəinki dar, hətta daha geniş idi. Bu, klavesin musiqisinin notasının fortepiano musiqisindən daha dar diapazonda görünməsinə baxmayaraq.

MUSİQİ

18-ci əsrə qədər klavesin qeyri-adi zəngin repertuar toplayıb. Son dərəcə aristokratik bir alət olaraq, bütün Avropaya yayıldı və hər yerdə ən parlaq apoloqlarına sahib oldu. Ancaq 16-cı əsrin - 17-ci əsrin əvvəllərinin ən güclü məktəblərindən danışırıqsa, onda ilk növbədə ingilis bakirəçilərinin adını çəkməliyik.

Biz burada bakirəlik hekayəsindən bəhs etməyəcəyik, sadəcə qeyd edəcəyik ki, bu, klavesin səsinə bənzəyən bir növ klaviatura ilə çəkilmiş simli alətlərdir. Maraqlıdır ki, klavesin tarixinə dair son hərtərəfli araşdırmalardan birində ( Kottick E. Klavsen tarixi. Bloomington. 2003), virginal, eləcə də spinet (başqa bir çeşid) klavesin özünün təkamülünə uyğun olaraq nəzərdən keçirilir.

Bakirə adı ilə bağlı qeyd etmək lazımdır ki, təklif olunan etimologiyalardan biri onu ingilis dilinə qaldırır. bakirə və Latın dilində qız bürcü, yəni “bakirə”, çünki bakirə kraliça I Yelizaveta bakirə rolunu oynamağı çox sevirdi. Əslində, bakirə Elizabethdən əvvəl də göründü. "Virginel" termininin mənşəyini başqa bir latın sözündən götürmək daha düzgündür - bakirə("çubuq"), eyni tullananı göstərir.

Maraqlıdır ki, bakirə üçün musiqinin ilk çap nəşrini (“Parthenia”) bəzəyən qravürada musiqiçi xristian bakirə qiyafəsində təsvir edilmişdir - St. Caecilia. Yeri gəlmişkən, kolleksiyanın adı yunan dilindən gəlir. parthenos"bakirə" deməkdir.

Bu nəşri bəzəmək üçün holland rəssamı Hendrik Qoltziusun “St. Cecilia". Bununla belə, qravüraçı lövhədəki təsvirin güzgü şəklini yaratmadı, ona görə də həm oyma özü, həm də ifaçı tərs oldu - onun sol əli sağından qat-qat inkişaf etmişdir, bu, əlbəttə ki, bunu edə bilməzdi. o dövrün bakirə qadını olub. Qravüralarda minlərlə belə səhvlər var. Qeyri-musiqiçinin gözü bunu hiss etmir, amma musiqiçi qravüraçının səhvini dərhal görür.

20-ci əsrdə klavesin dirçəlişinin banisi ingilis bakirələrinin musiqisinə həvəsli hisslərlə dolu bir neçə gözəl səhifə həsr etmişdir. gözəl polyak klavesin ifaçısı Wanda Landowska: “Bizimkindən daha layiqli ürəklərdən tökülən və xalq mahnılarından qidalanan köhnə ingilis musiqisi - alovlu və ya sakit, sadəlövh və ya pafoslu - təbiəti və sevgini tərənnüm edir. O, həyatı ucaldır. Əgər mistisizmə üz tutsa, Allahı tərifləmiş olar. Şübhəsiz ki, ustalıqla, eyni zamanda kortəbii və cəsarətlidir. Çox vaxt ən son və ən böyükdən daha müasir görünür. Ürəyinizi mahiyyətcə bilinməyən bu musiqinin cazibəsinə açın. Onun qoca olduğunu unudun və buna görə onun insan duyğusundan məhrum olduğunu düşünməyin.

Bu sətirlər 20-ci əsrin əvvəllərində yazılmışdır. Ötən əsrdə bakirələrin əvəzolunmaz musiqi irsinin bütövlükdə aşkara çıxarılması və qiymətləndirilməsi üçün çox işlər görülüb. Və bu adlar nədir! Bəstəkarlar William Bird və Con Bull, Martin Pearson və Gil Farnaby, John Munday və Thomas Morley...

İngiltərə ilə Hollandiya arasında sıx əlaqələr var idi (artıq həkk olunmuş “Parteniya” buna dəlalət edir). Hollandiyalı ustaların, xüsusən də Rukerlər sülaləsinin klavesinləri və bakirələri İngiltərədə yaxşı tanınırdı. Eyni zamanda, qəribə bir şəkildə, Hollandiyanın özləri belə parlaq bəstəkarlıq məktəbi ilə öyünə bilməzlər.

Qitədə orijinal klavesin məktəbləri italyan, fransız və alman idi. Onların yalnız üç əsas nümayəndəsini - Fransua Kuperin, Domeniko Skarlatti və İohan Sebastyan Baxı qeyd edəcəyik.

Görkəmli bəstəkarın istedadının bariz və bariz əlamətlərindən biri (bu, istənilən dövrün bəstəkarına aiddir) onun özünəməxsus, sırf şəxsi, özünəməxsus ifadə tərzinin inkişafıdır. Və saysız-hesabsız yazıçıların ümumi kütləsində əsl yaradıcılar o qədər də çox olmayacaq. Bu üç ad, şübhəsiz ki, yaradıcılara məxsusdur. Onların hər birinin özünəməxsus üslubu var.

Fransua Kuperin

Fransua Kuperin(1668-1733) - əsl klavesin şairi. O, yəqin ki, özünü xoşbəxt insan hesab edə bilərdi: onun klavesin əsərlərinin hamısı (və ya demək olar ki, hamısı), yəni onun şöhrətini və dünya əhəmiyyətini təşkil edən əsərlər özü tərəfindən nəşr olunub və dörd cild təşkil edib. Beləliklə, onun klavesin irsi haqqında hərtərəfli təsəvvürümüz var. Bu sətirlərin müəllifinə Fransanın Rusiyadakı səfiri cənab Pyer Morelin himayəsi ilə Moskvada keçirilən onun musiqi festivalında təqdim olunan səkkiz konsert proqramında Kuperinin klavesin kompozisiyalarının tam tsiklini ifa etmək nəsib olub.

Təəssüf edirəm ki, oxucunun əlindən tutub klavesin yanına apara bilmirəm və məsələn, Kuperinin Fransız maskaradını və ya Domino maskalarını ifa edə bilmirəm. Nə qədər cazibədarlıq və gözəllik var! Amma nə qədər psixoloji dərinlik. Burada hər bir maska ​​müəyyən bir rəngdədir və - bu, çox vacibdir - xarakterlidir. Müəllifin qeydləri şəkilləri və rəngləri izah edir. Ümumilikdə on iki maska ​​(və rəng) var və onlar müəyyən ardıcıllıqla görünür.

Artıq bir dəfə K.Maleviçin “Qara meydan” hekayəsi ilə bağlı Kuperinin bu pyesini yada salmaq üçün əsasım var idi (bax: İncəsənət, № 18/2007). Fakt budur ki, Kuperinin ağdan başlayan rəng sxemi (Bakirəliyi simvolizə edən ilk variasiya) qara maska ​​ilə bitir (Fury və ya Ümidsizlik). Beləliklə, müxtəlif dövrlərin və müxtəlif sənətlərin iki yaradıcısı dərin simvolik məna daşıyan əsərlər yaratdılar: Kuperin üçün bu dövr insan həyatının dövrlərini - insanın yaşlarını (ayların sayı üçün on iki, hər biri altı il - bu) simvollaşdırır. Barokko dövründə tanınan bir alleqoriya). Nəticədə Couperin qara maska, Maleviç qara kvadrat var. Hər ikisində qaranın görünməsi bir çox qüvvələrin hərəkətinin nəticəsidir. Maleviç açıq şəkildə dedi: "Mən ağ və qara rəngləri rəng və rəng sxemlərindən əldə edirəm". Couperin bizi bu rəngarəng çeşidlə tanış etdi.

Aydındır ki, Kuperinin ixtiyarında ecazkar klavesinlər var idi. Bu təəccüblü deyil - axı o, XIV Lüdovikin saray klavesinçisi idi. Alətlər öz səsi ilə bəstəkarın ideyalarının bütün dərinliyini çatdıra bilmişdir.

Domeniko Scarlatti(1685-1757). Bu bəstəkar tamamilə fərqli üsluba malikdir, lakin Kuperin kimi, qüsursuz yazı dahiliyin ilk və bariz əlamətidir. Bu ad klavesinlə ayrılmaz şəkildə bağlıdır. Domeniko gənc yaşlarında fərqli musiqilər yazsa da, sonradan o, çoxlu sayda (555) klavesin sonatalarının müəllifi kimi məşhurlaşdı. Scarlatti klavesin ifa imkanlarını qeyri-adi şəkildə genişləndirdi, onun ifa texnikasına görünməmiş bir virtuoz əhatə dairəsi təqdim etdi.

Fortepiano musiqisinin sonrakı tarixində Scarlatti ilə bir növ paralellik, bildiyiniz kimi, Domenico Scarlattinin ifaçılıq texnikasını xüsusi olaraq öyrənən Franz Liszt-in işidir. (Yeri gəlmişkən, söhbət fortepiano sənəti ilə paralellərdən getdiyindən, Kuperinin də müəyyən mənada mənəvi varisi olub - bu, təbii ki, F.Şopen idi).

Ömrünün ikinci yarısında Domeniko Skarlatti (atası, məşhur italyan opera bəstəkarı Alessandro Scarlatti ilə qarışdırılmamalıdır) İspaniya kraliçası Mariya Barbaranın saray klavesinçisi idi və sonatalarının böyük əksəriyyəti xüsusi olaraq onun üçün yazılmışdır. . Bu bəzən son dərəcə texniki sonataları ifa etsəydi, onun əla klavesin ifaçısı olduğu qənaətinə gələ bilərik.

Delftli İ.Vermeer. Onurğada olan qız. TAMAM. 1670. Şəxsi kolleksiya

Bununla bağlı görkəmli çex klavesin ifaçısı Zuzanna Ruziçovadan aldığım bir məktubu (1977) xatırlayıram: “Hörmətli cənab Maykapar! Səndən bir xahişim var. Bildiyiniz kimi, indi orijinal klavesinlərə böyük maraq var və bunun ətrafında çoxlu müzakirələr gedir. Bu alətlərlə bağlı müzakirələrdə D.Skarlatti ilə bağlı əsas sənədlərdən biri V. Filippin həyat yoldaşı portuqaliyalı Mariya Barbaranın (Z. Ruzickova səhv edib – Mariya Barbara VI Ferdinandın həyat yoldaşı olub) təsvir olunduğu Vanlu tablosudur. , Filip V. oğlu - A.M.). Rafael Pouyana (əsas müasir fransız klavesin ifaçısı - A.M.) hesab edir ki, tablo Mariya Barbaranın ölümündən sonra çəkilib və ona görə də tarixi mənbə ola bilməz. Rəsm Ermitajdadır. Bu rəsmlə bağlı sənədləri mənə göndərsəniz, çox vacib olardı”.

Fraqment. 1768. Ermitaj, Sankt-Peterburq

Məktubda bəhs edilən rəsm L.M.-nin “Sextet” əsəridir. Vanloo (1768).

Ermitajda, XVIII əsr fransız rəssamlığı şöbəsinin anbarındadır. Şöbə müdiri İ.S. Nemilova gəlişimin məqsədini biləndən sonra məni böyük bir otağa, daha doğrusu, əsas sərgiyə daxil olmayan rəsmlərin olduğu zala qədər müşayiət etdi. Musiqi ikonoqrafiyası baxımından nə qədər böyük maraq doğuran əsərlər burada saxlanılır! Bir-birinin ardınca 10-15 tablonun quraşdırıldığı iri çərçivələr irəli sürdük və bizi maraqlandıran mövzular hesab etdik. Və nəhayət, “Sextet” L.M. Vanloo.

Bəzi məlumatlara görə, bu rəsm İspaniya kraliçası Mariya Barbaranı təsvir edir. Əgər bu fərziyyə sübut olunsaydı, o zaman biz Scarlattinin özünün ifa etdiyi klavesin ola bilərdik! Vanlunun rəsmində təsvir olunan klavesin Maria Barbaranı tanımaq üçün hansı səbəblər var? Birincisi, mənə elə gəlir ki, burada təsvir olunan xanımla Mariya Barbaranın məşhur portretləri arasında həqiqətən də səthi oxşarlıq var. İkincisi, Vanloo nisbətən uzun müddət İspan sarayında yaşadı və buna görə də kraliçanın həyatından bir mövzuda bir şəkil çəkə bildi. Üçüncüsü, rəsmin başqa adı da məlumdur - “İspan konserti” və dördüncü, bəzi xarici musiqişünaslar (məsələn, K. Zaks) rəsmdə Mariya Barbaranın olduğuna əmindirlər.

Lakin Nemilova da Rafael Puyana kimi bu fərziyyədən şübhələnirdi. Rəsm 1768-ci ildə, yəni rəssamın İspaniyanı tərk etməsindən on iki il sonra və Mariya Barbaranın ölümündən on il sonra çəkilib. Onun ordeninin tarixi məlumdur: II Yekaterina şahzadə Qolitsın vasitəsilə Vanluya onun rəsm əsərinin olmasını arzulayır. Bu əsər dərhal Sankt-Peterburqa gəldi və hər zaman burada saxlanıldı, Qolitsyn onu "Konsert" olaraq Yekaterinaya verdi. “İspan konserti” adına gəlincə, onun görünüşündə personajların təsvir olunduğu ispan geyimləri rol oynayıb və Nemilovanın izah etdiyi kimi, bunlar o vaxt dəbdə olanlar deyil, teatr geyimləridir.

V. Landowska

Şəkildə, əlbəttə ki, klavesin diqqəti cəlb edir - 18-ci əsrin birinci yarısı üçün xarakterik olan iki əl aləti. düymələrin rənglənməsi, müasirin tərsi (pianoda qara olanlar bu klavesində ağ rəngdədir və əksinə). Bundan əlavə, registrləri dəyişdirmək üçün hələ də pedallar yoxdur, baxmayaraq ki, onlar o zamanlar artıq məlum idi. Bu təkmilləşdirmə əksər müasir iki əlli konsert klavesinlərində müşahidə olunur. Registrləri əl ilə dəyişmək zərurəti klavesində qeydiyyat seçiminə müəyyən yanaşmanı diktə etdi.

Hazırda ifa praktikasında iki istiqamət aydın şəkildə müəyyən edilmişdir: birincinin tərəfdarları hesab edirlər ki, alətin bütün müasir imkanlarından istifadə etmək lazımdır (belə bir fikir, məsələn, V. Landowska və yeri gəlmişkən, Zuzanna Ruzickova tərəfindən paylaşılmışdır. ), başqaları hesab edirlər ki, müasir klavesində qədim musiqi ifa edərkən köhnə ustaların yazdıqları (Erwin Bodki, Gustav Leonhardt, eyni Rafael Puyana və başqalarının düşündüyü kimi) bu ifaçılıq vasitələrindən kənara çıxmamaq lazımdır.

Vanlu rəsminə bu qədər diqqət yetirdiyimiz üçün qeyd edirik ki, rəssamın özü də öz növbəsində musiqili portret personajına çevrildi: fransız bəstəkarı Jak Duflinin “Vanloo” adlanan klavesin əsəri məlumdur. .

İohan Sebastyan Bax

İohan Sebastyan Bax(1685-1750). Onun klavesin irsi müstəsna dəyərə malikdir. Mənim konsertlərdə çıxış təcrübəm Baxın bu alət üçün yazdığı hər şeyi göstərir ki, onun irsi on beş (!) konsert proqramına uyğundur. Eyni zamanda, klavesin və simlər üçün konsertlər, eləcə də klavesinsiz ağlasığmaz ansambl əsərlərinin kütləsi ayrıca hesablanmalıdır.

Etiraf etmək lazımdır ki, Couperin və Scarlattinin bütün unikallığı üçün onların hər biri bir fərdi üslubu inkişaf etdirdi. Bax universal idi. Artıq qeyd olunan “İtalyan konserti” və “Fransız uvertürası” Baxın bu milli məktəblərin musiqisini öyrənməsinə nümunədir. Və bunlar Baxın şüurunu əks etdirən adlarında yalnız iki nümunədir. Burada onun "Fransız suitləri" silsiləsini əlavə edə bilərsiniz. Onun English Suites-də İngilis təsiri haqqında fərziyyə etmək olar. Əsərlərində nə qədər müxtəlif üslublu musiqi nümunələri var ki, bunu öz adlarında əks etdirmir, ancaq musiqinin özündə ehtiva edir! Onun yaradıcılığında onun doğma alman klavier ənənəsinin nə qədər geniş sintez olunduğunu söyləməyə ehtiyac yoxdur.

Baxın hansı klavesinləri ifa etdiyini dəqiq bilmirik, lakin onun bütün texniki yeniliklərlə (o cümlədən orqanda) maraqlı olduğunu bilirik. Onun klavesin və digər klaviaturaların ifa imkanlarını genişləndirməkdə maraqlı olduğunu ən aydın şəkildə bütün düymələrdəki məşhur prelüdlər və fuqalar silsiləsi "Yaxşı xasiyyətli Klavye" nümayiş etdirir.

Bax əsl klavesin ustası idi. Baxın ilk bioqrafı İ.Forkel məlumat verir: “Klavensindəki köhnəlmiş tükləri heç kim yenisi ilə əvəz edə bilməzdi ki, o, qane olsun – bunu özü edirdi. O, həmişə klavesinini özü kökləyirdi və bu işdə o qədər mahir idi ki, kökləmək ona dörddə bir saatdan artıq vaxt aparmırdı. Tuning üsulu ilə bütün 24 açar onun ixtiyarında idi və improvizə edərək onlarla istədiyini etdi.

Artıq klavesin musiqisinin parlaq yaradıcısının sağlığında klavesin öz yerini itirməyə başladı. 1747-ci ildə Bax Potsdamda Prussiya kralı Böyük Fridrixin yanına gedəndə ona improvizə üçün bir mövzu verdi və Bax, görünür, artıq “pianoforta”da improvizasiya edirdi (o vaxt yeni alətin adı belə idi) vaxt) - Baxın dostu, məşhur orqan ustası Gottfried Zilberman tərəfindən kral üçün hazırlanmış on dörd və ya on beşdən biri. Bax onun səsini bəyənmişdi, baxmayaraq ki, bundan əvvəl pianonu sevmirdi.

Motsart hələ erkən gənclik illərində klavesin üçün yazırdı, lakin bütövlükdə onun klavier işi, təbii ki, fortepianoya yönəlib. Bethovenin ilk əsərlərinin naşirləri titul vərəqlərində onun sonatalarının (hətta 1799-cu ildə nəşr olunan "Pathetique"i də düşünək) "klavesin və ya pianoforta" üçün nəzərdə tutulduğunu qeyd edirdilər. Nəşriyyatçılar hiylə ilə getdilər: evlərində köhnə klavesin olan müştəriləri itirmək istəmirdilər. Ancaq getdikcə daha tez-tez klavesinlərdən yalnız bədən qalırdı: klavesin "dolması" lazımsız olaraq çıxarıldı və yeni, çəkic tipli, yəni piano, mexanika ilə əvəz edildi.

Sual yaranır: belə uzun tarixə və zəngin bədii irsə malik olan bu alət niyə XVIII əsrin sonlarında idi? musiqi praktikasından qovulub və yerinə fortepiano? Və yalnız məcburi deyil, 19-cu əsrdə tamamilə unudulub? Və nəhayət, demək olmaz ki, klavesin bu yerdəyişmə prosesi başlayanda piano öz keyfiyyətlərinə görə ən yaxşı alət idi. Tam əksinə! İohann Sebastianın böyük oğullarından biri olan Karl Filip Emanuel Bax, orkestr ilə birlikdə klavesin və fortepiano üçün ikiqat konsert yazdı, yəni klavesin fortepianodan üstün cəhətlərini birbaşa nümayiş etdirmək idi.

Yalnız bir cavab var: pianonun klavesin üzərində qələbəsi estetik üstünlüklərin köklü dəyişməsi şəraitində mümkün oldu. Barokko estetikası, ya aydın şəkildə ifadə edilmiş, ya da aydın hiss olunan təsirlər nəzəriyyəsi konsepsiyasına əsaslanır (qısaca mahiyyəti: bir əhval-ruhiyyə, təsir, - bir səsli boya), klavesin ideal ifadə vasitəsi olduğu üçün əvvəlcə sentimentalizmin dünyagörüşünə, sonra daha güclü bir istiqamətə - klassizmə və nəhayət, romantizmə keçdi. Bütün bu üslublarda ən cəlbedici və inkişaf etdirilən, əksinə, ideya idi dəyişkənlik- hisslər, şəkillər, əhval-ruhiyyə. Piano isə bunu ifadə etməyi bacarırdı.

Bu alət fantastik imkanları ilə pedalı əldə etdi və sonoriyada inanılmaz yüksəliş və enişlər yaratmağa qadir oldu ( kreşendo Və azaltmaq). Klavsen prinsipcə bütün bunları edə bilmədi - dizaynının xüsusiyyətlərinə görə.

Gəlin dayanaq və bu anı xatırlayaq ki, növbəti söhbətimizə onunla başlayaq - fortepiano haqqında, xüsusən də böyük konsert haqqında royal, yəni "kral aləti", bütün romantik musiqinin əsl ustası.

Hekayəmizdə tarix və müasirlik qarışıqdır, çünki bu gün bu ailənin klavesin və digər alətləri İntibah və Barokko musiqisinə böyük maraq səbəbindən qeyri-adi şəkildə yayılmış və tələbatlı olduğu ortaya çıxdı, yəni. ayağa qalxdı və qızıl dövrünü yaşadı.

Bəstəkar və ifaçılıq sənəti bir-birini qidalandıran iki tükənməz mənbədir: ifaçının əlləri bəstəkarın düşüncəsini həyat nəfəsi ilə doldurur, musiqi yaradıcısı isə ifaçının məharətindən ilham alır. Bir çox başqa bəstəkarlar kimi, Sofiya Asqatovna Qubaidulina da konkret ifaçılara yönəlmiş bir çox əsərlər yaratmışdır və bu musiqiçilərdən biri də həyatını zərb alətlərinə həsr etmiş Mark İliç Pekarskidir. O, təkcə görkəmli ifaçı və zərb alətləri ansamblının yaradıcısı deyil - Mark İliç musiqi alətlərinin bu sahəsi haqqında çoxlu məqalələr və kitablar yazdı, Moskva Konservatoriyasında zərb alətləri ansamblı sinfi yaratdı.

“Nağarada skripkada, pianoda, orqanda bir az başqa vasitələrlə edilə bilən hər şeyi edə bilərsiniz, amma prinsipcə, nağara həm əyləncəni, həm əzabı, həm kədəri, həm də hər şeyi çatdıra bilir. sevinc və nə istəsən,” musiqiçi deyir. Bu fikrin ən yaxşı təsdiqlərindən biri müxtəlif dövrlərdə müxtəlif xalqların yaratdığı zərb alətlərinin heyrətamiz çeşidi hesab oluna bilər. Bu alətlərin çoxu Pekarski tərəfindən yığılmış unikal kolleksiyada təmsil olunur. Bu əzəmət Qubaidulinanı maraqlandırmaya bilməzdi - axı, Sofiya Asqatovna həmişə hətta ən çox yayılmış və tanınmış Avropa xalq alətləri üçün də yeni səs tapmağa çalışırdı və bu halda bəstəkarda qeyri-adi tembrlərin həqiqətən qiymətli səpələnməsi var idi: krotali (Pompey sincləri), Çin sincləri, koreyalı çap barabanları, bian-zhong Çin zəngləri... Amma bəstəkar daha qeyri-adi bir şey edir - o, Şərqin sirli dünyasından gələn bütün bu tembrləri Qərbi Avropa ilə birləşdirir. alət – klavesin… Şərq və Qərbin belə birləşməsi ilə həll olunmayan ziddiyyət yaranırmı? Sofiya Qubaidulina belə düşünmür - o, əmindir ki, şərq alətləri "klavesinlə birlikdə yerli coğrafi çalarlarını itirir və bütün müxtəlif tembr xüsusiyyətlərinin yaxınlaşmağa meylli olduğu daha ümumiləşdirilmiş musiqi yaradıcılığına daxil edilir".

Belə bir “yaxınlaşma” Qubaidulinanın yaradıcılığında heyrətamiz dərəcədə ahəngdar bir ansamblın yaranmasına səbəb olur, ona qulaq asdıqda onu təşkil edən alətlərin dünyanın müxtəlif yerlərindən və dövrlərdən gəldiyinə inanmaq çətindir - onlar həqiqətən eyni dildə “danışırlar”. .. Bəli onlar edirlər! Son dərəcə sadə – “Mark Pekarskinin kolleksiyasından klavesin və zərb alətləri üçün musiqi” adlı əsərdə “sözləri” təşkil edən “fonemləri” (nitq səsləri) ilə bir növ “musiqili nitq” meydana çıxır. Təsadüfi deyil ki, Sofiya Asqatovna əvvəlcə bu əsərə fərqli bir başlıq verməyi planlaşdırmışdı - “Loqoqraf”, bu, verilmiş sözdən hərf-hərf tədricən çıxarıldığı və yeni sözlərin meydana çıxdığı söz oyununun adıdır (məsələn, "mənbə - lavabo - cari"). Bənzər bir şey səs kompleksləri ilə bəstəkar tərəfindən edilir. Məsələn, əsərin əvvəlində müxtəlif hündürlüklərdən daxil olan Çin sinclərinin dalğaya bənzər “qatlanması” var və sonra onlar tədricən “sönürlər” – musiqi parçasının “sıxlaşması” ardınca onun “ nadirlik”. Bu füsunkar səs “oyunda” daha çox səsin yüksəkliyi deyil, onun tembr xarakteri (bu musiqi texnikasına sonorika deyilir) ön plana çıxır. Musiqi "loqoqrifləri" formanın qurulması üçün əsas olur. Birinci hissədə səslərin sayının tədricən artması ilə səkkiz musiqili “söz” silsiləsi qurulur, repriz bölməsində isə eyni səs kompleksləri fərqli ardıcıllıqla qurulur: burada dəqiq “güzgü əksi” yoxdur. bu halda, lakin tədricən azalma üçün ümumi bir tendensiya ortaya çıxır. Təkcə ayrı bir hissə şəklində deyil, həm də işin hissələrinin nisbətində əks inkişaf istiqamətlərinin birləşməsini müşahidə edə bilərik: birinci hissə əsasən yüksək registrə, ikincisi - aşağıya yönəldilmişdir.

“İntellektual oyun” təəssüratı təkcə ahəngdar “riyazi nisbət”lə deyil, həm də musiqi sitatlarından istifadə etməklə yaranır. Birinci hissədə Do minor valsından qısa, üç notlu, lakin tanınan motiv, həmçinin İohan Sebastyan Baxın birinci cildindən G minor fuqasından kiçik fraqment görünür. Hər iki sitatın görünüşü qəribə şəkildə dəyişdirilir: Şopenin valsındakı motiv bian-zhun və Pompey sincləri ilə izah edilən orijinaldan uzaq bir açarda görünür (B-flat minor). Baxın fuqasındakı motivi çeng ifa edir (baxmayaraq ki, sonralar daha “ənənəvi” təqdimatda - klavesində səslənir, lakin onun konturları elə dəyişdirilir ki, yalançı səs təəssüratı yaranır).

Sofiya Qubaidulinanın “Klavsen və zərb alətləri üçün musiqi” incə zehnin oyunudur, lakin onu “soyuq ağılın” məhsulu adlandırmaq səhv olardı. Tembrin, qısa motivlərin və səs komplekslərinin ifasında duyğuların canlı “nəfəs alması” hiss olunur.

Bütün hüquqlar qorunur. Kopyalamaq qadağandır