Fin rəssamları və onların rəsmləri. Fin sənətçiləri

Uzun illər Albert Edelfelt tərəfindən çəkilən III Aleksandrın qardaşı oğlanlarının portretinin itirildiyi və ya məhv edildiyi düşünülürdü. Şəkil: Erkka Mikkonen / Yle

Fin bir sənətşünas, Albert Edelfeltin Rusiya regional muzeyinin kolleksiyalarında itirdiyi əsərini təsadüfən kəşf etdi. Tədqiqatçı rəsm əsərini Finlandiyada bir sərgiyə gətirmək istəyir.

Məşhur finli rəssam Albert Edelfeltin (1854-1905) illərdir itirildiyi hesab edilən kətan Rusiyada Rybinsk Muzeyində tapıldı. Fin sənətşünası Sani Kontula-Webb 1881-ci ildə çəkilmiş tablosunu İnternet axtarış sistemindən istifadə edərək tapdı.

- Əsəri təsadüfən gördüm, amma əvvəllər bu mövzunu diqqətlə araşdırdığım üçün müəyyən etdim.

Sankt-Peterburq İncəsənət Akademiyasının məzunu Kontula-Webb, bu əsərin eskizlərini Helsinki'deki Ateneum İncəsənət Muzeyində gördü. Eskizlərin köməyi ilə portretdə təsvir olunan uşaqların kimliyini müəyyənləşdirmək mümkün idi: bunlar Rus Çarı III Aleksandrın qardaşı oğlanlarıdır. Eskizlərdən birində Edelfelt adlarını göstərdi.

Şəkildəki uzun saçlı oğlanlar 19-cu əsrin sonlarında dəbə uyğun paltar geyinirlər. Rybinsk Muzeyində, üzərində qızların təsvir olunduğuna inanılırdı. Muzey işçiləri rəsm haqqında yeni məlumatlardan məmnun qaldılar.

"Onların qız olduğunu düşünürdük, amma Böyük Dyuk Vladimir Boris və Kirillin oğullarının təsvir edildiyi ortaya çıxdı" deyir direktor müavini Sergey Ovsyannikov.

Şəkil Edelfeltin kral ailəsi ilə əlaqələrindən bəhs edir

Əsər inqilabdan sonra Rybinsk Muzeyinin kolleksiyasına daxil oldu. Rəsmin arxa tərəfindəki imzaya görə, əvvəllər Sankt-Peterburqdakı Vladimir Sarayında idi.

Tapıntıya əlavə əhəmiyyət, şəkilin Fin sənətkarının Neva şəhərindəki şəhər və kral ailəsi ilə sıx əlaqələrini göstərməsi ilə verilir.

Kontula-Webb qeyd edir: "Yəqin ki, bu xüsusi portret Edelfeltin kral sarayındakı karyerasının parlaq inkişafı baxımından həlledici idi".

Sonradan, Edelfelt III Aleksandr, Mixail və Kseniya uşaqlarının portretini və sonuncu Rus Çarı II Nikolayın bir neçə portretini çəkdi.

Fin sənətkarlarının Rusiya ilə əlaqələri hələ də az araşdırılmışdır

Bir vaxtlar, Edelfelt Rusiyada populyar idi. Əsərləri həm Sankt-Peterburq Ermitajının, həm də Moskva Puşkin Muzeyinin kolleksiyalarında saxlanılır.

Bu gün, Edelfelt, Fin rəsminin Qızıl dövrünün digər sənətkarları kimi, rus tamaşaçıları üçün praktik olaraq bilinmir. Ayrıca, Fin sənət araşdırmalarında, xüsusilə Fin sənətçilərinin Rusiya ilə əlaqələrinə diqqət yetirilmir.

Kontula-Webb hazırda Sankt-Peterburq Rəssamlıq Akademiyası ilə Fin bədii həyatı arasındakı əlaqələrə dair bir dissertasiya hazırlayır.

“Ümid edirəm ki, bu tapıntı sayəsində Edelfelt yenidən Rusiyada tapılacaq və Finlandiyada Fin sənətçilərinin Rusiya ilə olan əlaqələrini xatırlayacaqlar.

Kontula-Webb, Rybinsk Muzeyinin işçilərinə itkin düşmüş sayılan tablonun Finlandiyadakı bir sərgiyə gətirilməsinin mümkünlüyü barədə soruşdu. Müdir müavini Sergey Ovsyannikov bu fikrə müsbət yanaşdı.

- Finlandiya bir sərgi üçün şəkil almaq istəyirsə, o zaman layihənin uğurlu olması üçün əlimizdən gələni edəcəyik.

Ovsyannikova görə, yenə də Finlandiyaya potensial bir səyahət üçün, rəsm əsərinin bərpa edilməsinə ehtiyac var.

İncəsənət Akademiyasının möhtəşəm binası Vasilievski adasının 3-cü və 4-cü sətirləri arasındakı Neva sahilini bəzəyir. Klassik memarlığın ən gözəl abidələrindən biridir.

Layihənin müəllifləri A.F. Kokorinov və J. B. Delamotdur. İmperatorluq "Üç Soylu Sənət Akademiyası" ("Kolmen paataiteen akatemia") - rəsm, heykəltəraşlıq və memarlıq - 1757-ci ildə Kraliça Elizabeth dövründə qurulmuşdur. Akademiya fəaliyyətinin iki yarım əsrində çoxsaylı təsviri sənət ustaları yetişdirmişdir: rəssamlar, heykəltəraşlar, memarlar. Onların arasında əsərləri Sankt-Peterburq, Moskva və bir çox Avropa paytaxtındakı muzeylərdə təqdim olunan böyük sənətkarlar var.

Memarlar və heykəltəraşlar - Akademiyanın məzunları Rusiyada və xaricdə bir çox şəhəri tikdirib bəzədiblər. Sankt-Peterburqda çox şey onlar tərəfindən tikilmişdir. Əsərləri də Finlandiyadadır, çünki uzun illər Rəssamlıq Akademiyası rus və fin incəsənəti arasında fəal əlaqə yeridir. Ən yaxşı Fin sənətkarları “Gözəl Sənətlər Akademiyası” adına layiq görülmüşlər. Bunların arasında V. Runeberg, KG Nyustrom vardı. Ancaq birincisi, əlbəttə ki, AZdelfelt adlandırılmalıdır.

Albert Edelfelt (Albert Gustaf Aristides Edelfelt, 1854-1905)

Tarixi rəsm, portret, janr növünün ən böyük ustası. Xaricdə tanınan ilk Fin sənətçisi. Albert "Porvoo yaxınlığında bir memar ailəsində anadan olub. Rəssamlığa həsr olunmağa qərar vermədən əvvəl iki il Helsinki Universitetində oxudu. Sənət təhsilini Antverpendəki Gözəl Sənətlər Akademiyasında, daha sonra Parisdə Gözəl Sənətlər Məktəbi.1877-80-ci illərdə Edelfelt tarixi mövzularda bir sıra rəsm əsərləri yaratdı.Ancaq sənətkar doğma yurduna olan sevgisinin və adi insanların həyatına olan marağının açıq-aşkar təbiətdəki janr mövzularına müraciət etdi. Bunlar "Dənizdə", "Suyun kənarındakı oğlanlar", "Ruokolahti'dən qadınlar", "Paltaryuyan qadınlar", "Uzaq Adalardan Balıqçılar" şəkilləridir.

1881-ci ildə A. Edelfelt uzun müddət Sankt-Peterburqda yaşadı və çalışdı, rus sənətkarları ilə ünsiyyət qurdu. 1881-ci ildə gənc bir Fin sənətçisi əsərlərini Sankt-Peterburq İncəsənət Akademiyasının məhkəməsinə təqdim etdi. Böyük bir müvəffəqiyyət idi: Sankt-Peterburq Rəssamlıq Akademiyasının üzvü seçildi. Tsarskoe Seloda onun üçün fərdi bir sərgi təşkil edildi. Rəsmlərdən birini imperator ailəsi alıb. Müəllif kral ailəsindən ona şöhrət gətirən yeni sifarişlər aldı.

Tsarskoye Seloda olduğu müddətdə rəssam Tsarevich Alexander ilə tanış oldu və Gatchina Sarayı üçün etdiyi sifarişlə əlaqədar bir sıra əsərlər, xüsusən də digər əsərləri arasında "Dənizdə" tablosunun bir nüsxəsini hazırladı. Ermitajda saxlanılır. Edelfeltin gündəlik eskizləri: "Yaxşı dostlar" və "Uşaq bağçasında" - da III Aleksandr tərəfindən alındı. Bu rəsmlərdə xarici muzeylərdə olan təkrarlar var idi.

Edelfeltin ləyaqəti Rusiyada bir sıra ortaq sərgilərin təşkili idi, bunun sayəsində Rusiya ictimaiyyəti bir çox Fin sənətkarının işi ilə tanış oldu.

Edelfeltin əsas fəaliyyəti portret rəsmidir. Xüsusilə kral sarayının əmrləri ilə çox işləyir, rəsmi portretlər yaradırdı. Ancaq portret əsərindəki ən yaxşısı bunlardır: "Rəssamın anasının portreti" (1883), "Louis Paster" (1885), "Larin Paraske Portreti" (1893), "Aino Akte Portreti" (1901).

Rəsmi təqdimatlar və uzunmüddətli dostluq əlaqələri.

On doqquzuncu əsrin sonlarında İmperatorluq Sənətlər Akademiyasında sərgiləyən ilk Fin sənətçisi rəssam Albert Edelfelt idi. 1881-ci ildə Qərbi Avropaya səyahətindən sonra gənc fin sənətçisi əsərlərini Sankt-Peterburq İncəsənət Akademiyasının məhkəməsinə təqdim etdi. Böyük bir uğur qazandı - akademik adına layiq görüldü. Tsarskoe Seloda onun üçün fərdi bir sərgi təşkil edildi. Rəsmlərdən birini imperator ailəsi alıb.

Müəllif kral ailəsindən ona şöhrət gətirən yeni sifarişlər aldı. Rəssamın imperator ailəsinə yaxınlığı Fin rəsminin Rusiyada populyarlaşmasına kömək etdi. A. Edelfeltin Rusiyadakı populyarlığı və nüfuzu sayəsində Finlandiya sənəti 1882-ci ildə Nijni Novqorod sərgisindən başlayaraq Sankt-Peterburqda və Moskvada keçirilən Fin-Rus birgə sənət sərgilərində əks olundu.

Fin sənətçiləri Ermitajda

Ermitajda AEdelfeltin yeddi əsəri və bir sıra rəsmləri sərgilənir. İlk versiyada Göteborq muzeyində olan yuxarıda qeyd olunan "Dəniz kənarında" rəsminə əlavə olaraq, Geteborg və Helsinki-də təkrarlanan gündəlik "Mehriban dostlar" (1881) şəkilli kompozisiyasını da qeyd etmək lazımdır. Xarakteri ilə və III İskəndərin Qatçina Sarayı üçün aldığı "Uşaq bağçasında" (1885) tablosu ona yaxındır. Edelfeltin ən demokratik əsərlərindən biri, Peterburq tənqidçilərinin bəyənməsiylə görüşən The Washerwomen (1898, Ermitaj) əsəridir.

AEdelfeltin xüsusilə güclü olduğu portret növü, Ermitajda Moskva İncəsənət Teatrının aktyoru M.V. Dyakovskaya-Gay-Rotun həyat yoldaşı portreti ilə təmsil olunur. Hermitage kolleksiyasında ayrıca Fin sənətkarının mənzərə vərdişlərinə dair nümunələr var. Bunlar "Porvunun mənzərəsi" (1898) tablosu və "Qarda şam" aşındırmasıdır. Xatırladaq ki, AEdelfeltin əsərləri Kiyev Muzeyində də - "Uzaq Adalardan Balıqçılar" tablosunda və Moskva Muzeyində saxlanılır. A.S.Puşkin: "Varvara Myatlevanın portreti".

Bundan əlavə, Ermitajda Juho Risanen, Eero Nelimark və Henry Erikson-un rəsmləri var.

Sankt-Peterburq Rəssamlıq Akademiyasında Fin sənətçiləri

Memar K.G. Nyström (1856-1917) Finlandiya paytaxtının memarlıq görünüşünə böyük töhfə verdi. Senatlar Meydanının ətrafını bəzəyən Dövlət Arxivləri olan Estates Evinin lüks binalarını xatırlatmaq kifayətdir. Kauppa-tori’nin ilk örtülü bazarı olan Katajanokka’daki keçmiş gömrük və anbarı xatırlaya bilərsiniz. Ancaq az adam bilir ki, memar KG.Nyustrem də Sankt-Peterburqda işləyir. Onun dizaynına görə, Tibb İnstitutunun cərrahi klinikasının binası Petrogradskaya tərəfdə tikilmişdir.

Nystrom İncəsənət Akademiyasının professoru idi və memarlıq akademiki adına layiq görüldü.

Rəssam J. Rissanen, keçən əsrin Fin rəssamlığında ən fərqli, güclü və dərin milli istedadlardan biri adlanır. Xalq həyatından portretlər, janr şəkilləri çəkdi. Helsinki'deki rəsm məktəbində oxuduqdan sonra, Sankt-Peterburq Rəssamlıq Akademiyasında oxumağa göndərildi və 1897-98-ci illərdə İ.E.Repinin rəhbərliyi altında bir kurs keçdi. Sankt-Peterburqda oxumaq, rus sənətkarları ilə ünsiyyət və Sankt-Peterburqdakı bütün yaradıcılıq həyatı, ehtiraslarla üzləşmək sənətkarın yaradıcılığını yeni zirvələrə qaldırdı. Bundan sonra uzun illər Finlandiyada və xaricdə səmərəli çalışdı. Sankt-Peterburqdakı təhsili və həyatı haqqında daha ətraflı danışmağa dəyər.

Rissanen Juho (Julio Rissanen, 1873-1950)

Juho Rissanen, Kuopio yaxınlığında bir təsərrüfat işçisi ailəsində anadan olub. Uşaq ikən çox çətinlik çəkirdi, bəzən sərxoş atası öldükdə (donub) dilənmək məcburiyyətində qalırdı. 1896-cı ildə Juho Rissanen, daha sonra Turkuda olan Helsinki'deki Fin İncəsənət Cəmiyyətinin mərkəzi sənət sənayesi rəsm məktəbinə daxil oldu.

Uşaq ikən Rudolf Koivu, Sankt-Peterburq kilsə məktəbində oxudu, burada fin və rus hərflərinə yiyələndi. Uşaqlıqdan çəkməyi sevirdi və Sankt-Peterburqdakı müəllimlərin diqqətini çəkirdi. Onu oxumağa göndərdilər, amma pul qazanmalı oldular. Və yalnız 1907-ci ildə R. Koiv rəssamlıq işlərini Fin sənətsevərlər cəmiyyətinin rəsm məktəbində davam etdirməyi bacardı.

Orada məşhur "Yaralı Mələk" in müəllifi Huto Simberqin tələbəsi idi. H. Simberg müəllim Gallen-Kallela'dan fantaziya inancını və təbiətin mistik gücünü miras aldı. Rudolf Koivu daha sonra 1914-cü ildə Parisdə və 1924-cü ildə İtaliyada oxudu. Finlandiyaya qayıdaraq sənətkarlar dairəsinin "Noyabr qrupu" na qatıldı, lakin realist şəkildə sadiq qaldı və mənzərələrini təmkinli, sakit bir empresyonizm üslubunda çəkdi. Bir rəssam-rəssamdan çox daha əhəmiyyətli olan Koivu bir sənətkar və illüstrator idi.

Qeyri-adi dərəcədə canlı və canlı təsəvvür nümayiş etdirərək Fin Topeliusun "Uşaqlara oxumaq", Almanca - "Qardaşların nağılları Grimm", ərəb nağılları "Min bir gecə Şeheraz" və s. Daxil olmaqla onlarla nağıl kitabını təsvir etdi. Koivu, Milad qəzetlərini, Finlandiya təqvimlərini və digər nəşrləri məmnuniyyətlə təsvir etdi, özünü inkişaf etdirdi, açıq şəkildə ilk növbədə Rus illüstratorlarından təsir əldə etdi, nadir təsirli, parlaq bir şəkildə bəzədilmiş bir üslub. Mizah hissi, nağıl şəkillərinə və rəsmlərinə əlavə olaraq müasirləri tərəfindən məşhur olan cizgi filmlərində də özünü göstərir. Rəsm və rəsmlərinin kolleksiyası (kolleksiyası), təəssüf ki, 1947-ci ildə ölümündən sonra çıxdı.

Shulman Karl Allan (Carl Allan Schulman, 1863-1937)

Memar, parlaq istedadlar və taleyə sahib bir insan. Karl Allan, memarlıq təhsillərini Finlandiyada almışdı, hələ oxuduğu müddətdə Finlandiya modernistlərinin: E. Saarinen, G. Giselius, A. Lindrenin yenilikçi fikirləri ilə qarışmışdı. Müasirlik fikirləri onu cəlb etdi. Evdə sifariş almayan gənc memar K.A. Shulman xaricdə işləyir: Argentina, Almaniya, Holland, İsveç.

Vətəninə qayıtdıqdan sonra ona Kareliya istmusu üzərindəki Xallila kurortunu tikmək imkanı verildi. Bu tikintinin müvəffəqiyyəti Sankt-Peterburqda ona diqqət çəkdi. 1901-ci ildə, Vladimir Tanrı Anasının ikonasının kilsəsi ilə üzbəüz idi. Müsabiqədə 88 memar iştirak etmişdir. Nəticədə evin sahibi Baron von Besser tikintini Schulman-a həvalə etdi. Altı mərtəbəli Art Nouveau evi özünəməxsus ləzzəti ilə meydanı bəzəyirdi. Aşağı mərtəbələr ekran pəncərələrinin geniş açılışları ilə açıqdır.

Üst mərtəbələrdə isə mərkəzində bir qəhrəmanın dəbilqəsinə bənzər bir taret olduğu qeyri-adi bir qalereya var. Binanın daş detalları Fin saxsı daşından hazırlanır. Bitki və heyvanları əks etdirən tipik bir ornament naxış nümunəsi verirlər. Girişin üstündə - sahibinin gerbi - Baron von Besser. 20-ci əsrin əvvəllərində bu evdə, İmperatorluq kabinetinin qəbul otağının yanında Qadınlar üçün İş Evi də vardı. İndi Vladimirskayadakı ev yenidən qurulur. Vladimirsky Passage ticarət mərkəzinin bir hissəsi olacaq.

Vladimirskayadakı ev, Finlandiya Şimali Art Nouveau məktəbinin qurucularından birinin Sankt-Peterburqda sonradan şimal paytaxtında geniş yayılmış yeganə binasıdır.

Sonra Sankt-Peterburq memarları tərəfindən təmsil olundu və inkişaf etdirildi: FLidval, N.V. Vasiliev, A.F. Bubyr. K. Şulmana gəlincə, uzun illər Vyborqda bir vilayət memarı olaraq çalışmış, burada Şimali Art Nouveau üslubunda 10 çoxmərtəbəli bina yaratmışdır. Bundan əlavə, K.A.Şulman Finlandiya Memarlar İttifaqında görkəmli bir şəxs idi, peşəkar bir musiqiçi-dirijor kimi çıxış etdi. Onun rəhbərliyi altında xor qrupları Sankt-Peterburq, Finlandiya və xaricdə müvəffəqiyyətlə çıxış etdilər.

Gripenberg Odert Sebastian (Odert Sebastian Gripenberg, 1850-1939)

Gripenberg Odert Sebastian, memar; Kurkiyoki-də anadan olub. Varlı və nəcib valideynlərin oğlu Odert Haminadakı kadet məktəbində, daha sonra Sankt-Peterburq Hərbi Mühəndislik Akademiyasında oxudu. Orada hərbi inşaat təhsili aldı, lakin 1875-ci ildə ordudan təqaüdə çıxdı. Professional bir memar olmağa qərar verdi. Bu dövrdə Sankt-Peterburq memarlığında yeni tikinti üsulları meydana çıxdı. Eklektizm - əvvəlki dövrlərə aid texnikaların istifadəsi: İntibah, Gotik, Barok - çoxmərtəbəli binaların fasadlarının işlənməsi üçün yeni dekorativ detalların axtarışı ilə birləşdirilmişdir. Bunlar A.K. Serebryakov, P.Yu. Suzor, A.E. Belogrudun məşhur binalarıdır.

1878-ci ildə Gripenberg, Ecole Polytechnique-də memarlıq diplomunu müdafiə etdi, sonra Vyanada oxudu. 1879-87-ci illərdə. Helsinki-də bir memar işləyirdi. İlk əsərləri İntibah arzusunu və müəllimi Şhes-üçün açıq təsirini əks etdirir. Gələcəkdə, binanın həcminin güclü bir şəkildə parçalanması və bölünməsi istəyi özünü göstərir. Bunlar Fin Yazarlar Cəmiyyətinin binası, İlk İş Mərkəzi, sonra köhnə "Helsingin Sanomat" binası, Turku Əmanət Bankının binası kimi əsərlərdir.

1887-ci ildə Dövlət (Mülki) İnşaat Ofisinin baş memarı təyin edildi və buradan 1904-cü ildə Ticarət və Sənaye Palatasının direktoru olaraq Senata köçdü.

Gripenberg Finlandiya Teatr Evi Səhmdar Cəmiyyətinin idarə heyətinin rəhbəri və Milli Teatr binasının yaradılmasında icraçı direktor, eyni zamanda Pohjola sığorta şirkətinin direktorlar şurasının sədri idi. OS Gripenberg, 1892-1901-ci illərdə Fin memarlar klubunun ilk sədri, eyni zamanda Fin dilində danışan texniklər cəmiyyətinin qurucularından biri idi.

Akseli Gallen-Kallela

Sammon puolustus (1896)

Kalevala üçün illüstrasiyalar. " Sampo Müdafiə«.

Sampo (fin. Sampo) - Karelian-Fin mifologiyasında, sehrli gücə sahib olan və xoşbəxtlik, firavanlıq və bolluq mənbəyi olan bir növ sehrli obyekt. "Kalevala" dastanında onun yaradıcısı Elias Lönnrot Sampo'yu dəyirman kimi təqdim etmişdir.

Hugo simberg

Halla (1895)

halla - bu şaxtaməsələn yazda gecə və ya səhər tezdən düzgün başa düşsəm

Bu mənada şəkil görüntüyü yaxşı çatdırır.

Helene schjerfbeck

Toipilas (1888)

toipilas — bərpa

Hugo simberg

Kuoleman puutarha — Ölüm bağı

Bu rəsmin bir neçə versiyası var, bu şəkildə Tamperedəki Katedraldən bir fresk.

Bu rəsm mənə bir fin qızı tərəfindən tövsiyə olundu, tutqun Finlər üçün belə bir şəkildə tutqun olduğunu gördükdə, mənə isti cavab verdi: "Ölümlər səhranın ortasındakı çiçəklərə qayğı göstərir və məcbur olduqda onları kəsin, bunu bağışlamaq istəyən kimi yumşaq bir şəkildə edirlər ... "

Hugo simberg

Haavoittunut enkeli -Yaralı mələk
(1903)

Rəsmin süjeti tanınan tarixi bir fonda ortaya çıxır: Eleintarha Parkı (sözün əsl mənasında "zoopark") və Helsinki'deki Töölö Körfəzi. 20-ci əsrin əvvəllərində park, mavi yaxalı peşələrin nümayəndələri üçün populyar bir istirahət yeri idi və xeyriyyə qurumları da burada yerləşdi. Qəhrəmanların keçdiyi yol bu günə qədər gəlib çatıb: yürüş boyunca o vaxt kor qızlar məktəbi və əlillər sığınacağına doğru irəliləyir.

Rəsmdə iki oğlanın zəncirində gözü bağlı və qanadı qanayan bir mələk olan bir mələk təsvir olunur. Oğlanlardan biri diqqətlə və tutqunla birbaşa izləyiciyə baxır, baxışları ya yaralı mələyə simpatiya, ya da xor hiss edir. Arxa fon mənzərəsi qəsdən sərt və xəsisdir, lakin sakitlik təəssüratı yaradır. Xırda olmayan bir süjet geniş şərhlər üçün yer açır Oğlan uşaqlarının kobud paltarları və ayaqqabıları, qaşqabaqlı ciddi sifətləri ilə mələyin kövrək fiquru ilə ziddiyyət təşkil edir, yüngül bir paltar geymiş, həyat və ölümə qarşı çıxdığını, mələyin qanadındakı qanın və gözlərin bağlanmasının əlaməti olduğunu göstərir. varlıq həssaslığı və müvəqqəti olması, ancaq mələk əlində bir damla qar çiçəyi tutması dirçəliş və sağalma rəmzidir. Buradakı həyat ölümə yaxın görünür. Oğlanlardan biri, şəkildəki hermetik boşluğu parçalayaraq tamaşaçılara tərəf döndü və bununla da həyat və ölüm məsələlərinin birbaşa onlarla əlaqəli olduğunu aydınlaşdırdı. Simberg özü də Yaralı Mələkə hər hansı bir şərh verməkdən imtina etdi və izləyicini öz nəticələrini verməyə buraxdı.

Rəsm Fin mədəniyyətinə böyük təsir göstərmişdir. Buna istinadlar bir çox yüksək və populyar sənət əsərlərində tapılmışdır. Fin metal qrupu Nightwish'in "Amaranth" mahnısına çəkilən video "Yaralı Mələk" havasında səslənir.

Albert edelfelt

Pariisin Luxembourgin puistossa — Parisin Lüksemburq Bağlarında.

Akseli Gallen-Kallela

Akka ja kissa — Yaşlı qadın və pişik

Gallen-Kallela, ümumiyyətlə, bütün rəsmlər şah əsərləridir, bu həqiqətən dünya səviyyəli bir sənətkardır.

Bu şəkil qəti şəkildə təbii bir şəkildə çəkilmişdir, lakin bütün bəzəksizliyinə baxmayaraq, ən sadə və kasıb insanlara qarşı rəğbət və məhəbbətlə doludur.

Rəsm 1895-ci ildə Turku İncəsənət Muzeyi tərəfindən alınıb və hazırda da var.

Söz akka Tərcümə etməkdə həmişə çətinlik çəkirəm - həm "baba", həm də "nənə".

Burada bir az ləzzət göstərəcəyəm və başqa bir şəkil əlavə edəcəyəm. Helene schjerfbeck - rus dilində Helena Schjerfbeck adını oxuduq.

Budur bir işıq və istilik şüası.

1882-ci il, Tanssiaiskengät — Rəqs ayaqqabıları.

Bu, bəlkə də indiyə qədərki ən üzücü Fin filmidir. Heç olmasa mənim fikrimcə.

Albert edelfelt

Lapsen ruumissaatto — Bir uşağın cənazəsi (sözün əsl mənasında uşağın cənazə alayı)

Bu açıq havada boyanan ilk Fin təsviri sənət növüdür. Sanki sənətkarın gördüyü və tutduğu gerçək həyatın bir parçası oldu. Şəkil insan kədərindən bəhs edir. Edelfelt, qayıqda kiçik bir tabutu daşıyan sadə bir ailəni təsvir etdi. Sərt mənzərə, uşaqlarını son səfərinə yola salan insanların əhval-ruhiyyəsinə uyğundur. Kədərli üzlərində təmkinli hərəkətlər - gölün ağ hərəkətsiz səthi, parlaq soyuq səma, uzaq alçaq sahillər tərəfindən əks olunan təntənəli kədər.

"Bir uşağın cənazəsi" ona akademik adını gətirdi və əsər Moskvada xüsusi bir kolleksiya halına gətirildi. Eyni zamanda, Tsarskoye Seloda fərdi bir sərgi təşkil edildi və Edelfelt III rəsm və rəsm də sevən Maria Fedorovnaya təqdim edildi.

Rəssamın saraya yaxınlığı, Fin rəsminin Rusiyada populyarlaşmasına kömək etdi. Edelfeltin Rusiya üçün Finlandiya sənətini kəşf edənlərdən biri olduğunu söyləyə bilərik.

1907-ci ildə rəsm Finlandiyaya döndü və hazırda Ateneum Muzeyində, Helsinki.

Həm də öz adımdan qeyd etməyinizə icazə verərdim ki, bu şəkil Finlərin ölümə münasibətini çox dəqiq ifadə edir (təəssüf ki, hər hansı bir həyatın bir hissəsi, son hissəsi). Çox sərt və təmkinlidir, ruslardan da bir fərq var. Ancaq bu şiddət və təmkin onların duyğusuzluğundan danışmır, sadəcə finlər hamısını özlərində dərindən daşıyırlar. Biz ruslardan daha dərindir. Ancaq bundan gələn kədər onlar üçün kədər olmaqdan çıxmır.

Pekka Halonen

Tienraivaajia Karjalassa — Kareliyadakı yol inşaatçıları.

Sözün əsl mənasında, bu "Kareliyadakı yollar" olacaqdır.

raivata - yaxşı fel: yolu təmizlə
Sözü ilə ortaq bir şeyinin olub olmadığını bilmirəm raivo — qəzəb, qəzəb

Ancaq bu şəkilə baxarkən bəli olduğunu düşünmək olar.

Şəkildə Finlərin başqa bir xüsusiyyəti də var - tarixən son dərəcə əlverişsiz bir təbii mühitdə yaşamaq məcburiyyətində qaldılar, yəni varlıqları üçün mübarizə aparmaq bəzən sadəcə şiddətlidir, buna görə də yəqin ki, bu işdə göstərdikləri əzmkarlıqdır və çətinliklər. Ən azından əvvəl belə idi.

Hugo simberg

Hugo Simberqin başqa bir əsəri “ Yuxu«.

Simberg haqlı olaraq simvolistlər sırasındadır, rəsmləri şərh və şərh üçün son dərəcə açıqdır.

Eyni zamanda, rəsmlərində həmişə çox milli bir şey var.

Akseli Gallen-Kallela

Poika ja varis — Oğlan və qarğa.

(1884) Şəxsən, bu arada, yalnız yetkinlər bunu öyrəndi qarğa (varis), nisbi olaraq desək, arvad / qadın deyil qarğa (korppi). Əslində, belə qarışıqlıq xoşbəxtlikdən yalnız rus dilində olur. Məsələn, Ukraynada bir qarğa "əyri", bir qarğa olduğu üçün "qarğa" olacaq. İngilis dilində qarğa sözü "qarğa", qarğa isə "qarğa" adlanır.

Rəsm indi Athenaeumdadır.

Akseli Gallen-Kallela.

Lemminkäisen äiti — Lemminkäinen'in anası.
(1897)

Rəsm Helsinki Afinaumdadır.

Rəsmdə Lemminkäinen'in öldürüldüyü və parçalandığı və bədən hissələrinin qaranlıq bir çaya, Tuonela'ya atıldığı Kalevaladan bir mənzərə təsvir edilir. Qəhrəmanın anası bir dırmıqla oğlunun cəsədinin hissələri topladı və onları bir yerə tikdi. Şəkildə o, bir arı gözləyir - buna görə də yuxarıya baxır - Lemminkäineni diriltməli olan böyük tanrı Ukkodan sehrli bal gətirəcəkdir.

Afina Muzeyinin daimi sərgisi binanın üçüncü mərtəbəsini tutur (orada kiçik tematik sərgilər də təşkil olunur), ikinci mərtəbədə müvəqqəti sərgilər təşkil olunur (zal planı). Bu yazıda sizə Athenaeum kolleksiyasındakı ən maraqlı və məşhur rəsm və heykəllərdən bəzilərindən və onların müəlliflərindən bəhs edəcəyik: məşhur fin rəssamları və heykəltəraşları. Afina Muzeyinin tarixi və muzey binasının memarlığı haqqında daha çox məlumat oxumaq olar. Haqqında faydalı məlumatlar da verir bilet qiymətləri, iş saatları və Athenaeum Muzeyini ziyarət qaydası. Diqqət: Muzeydə bütün məşhur əsərləri eyni vaxtda görmək həmişə mümkün deyil.

Fin heykəltəraşları

Athenaeum Muzeyindən gəzintimizə girişdən başlayacağıq.

Foyedə bizi mərmər qrup qarşıladı " Apollon və Marsyas"(1874) məşhur Fin heykəltəraşının Walter Runeberg (Walter magnus runeberg) (1838-1920), Helsinki'deki Johan Runeberg və İmperator II Aleksandrın abidələrinin müəllifidir. Heykəltəraşın atası, ədəbiyyatdakı milli-romantik cərəyanın nümayəndəsi şair Johan Runeberg, Finlandiya mədəniyyətinə şücaət və sədaqət dəyəri daxil olmaqla Yunan və Roma sivilizasiyasının ideallarını təqdim etdi. Oğlu bu idealları ifadə etməyə davam etdi, lakin heykəltəraşlıq vasitəsi ilə. 1858-62-ci illərdə. Walter Runeberg, Kopenhagendə Rəssamlıq Akademiyasında məşhur Thorvaldsenin tələbəsi, beynəlxalq səviyyədə tanınmış neoklasik heykəltəraşlıq Danimarkalı heykəltəraş Hermann Wilhelm Biessenin rəhbərliyi altında təhsil aldı. 1862-1876-cı illərdə. Runeberg, klassik irsi öyrənməyə davam edərkən Romada işləyirdi.

Bu heykəltəraşlıq qrupunda Runeberg, qaranlığı və yeryüzünü şəxsiyyətləndirən satira Marsyas ilə sənətini fəth edən işıq tanrısı Apollonu təsvir etdi. Apollonun fiquru qədim idealların ruhunda hazırlanmışdır, bu obraz barok vəhşi çoban Marsyas tərəfindən açıq şəkildə qarşılanır. Kompozisiya əvvəlcə Helsinki’də yeni Tələbə Evini bəzəmək məqsədi daşıyırdı və qadınlar cəmiyyəti tərəfindən sifariş edildi, lakin sonra qadınlar, görünür, Runeberqin heykəlində çox çılpaqlıq olduğuna qərar verdilər. Nəhayət, bu iş Finlandiya İncəsənət Cəmiyyətinə hədiyyə olaraq təqdim edildi və beləliklə Ateneum Muzeyinin kolleksiyasında oldu.

Üçüncü mərtəbədəki Ateneumun əsas sərgi salonlarının girişində daha maraqlı əsərlərə baxa bilərsiniz fin heykəltəraşları... Mərmər və tunc heykəllər, zərif heykəlciklər və iş vazaları xüsusilə cəlbedicidir Ville Wallgrena (Ville vallgren) (1855–1940). Ville Wallgren Finlandiyada təməl təhsil aldıqdan sonra Kopenhagendə deyil, Parisdə təhsilinə davam etməyə qərar verən ilk Fin heykəltəraşlarından biri idi. Seçimini, məşhur rəssam Albert Edelfelt, eyni zamanda Porvoo-dan olan bir adamdan təsirləndirdi. Edelfelt digər həyatda və peşə məsələlərində impulsiv həmvətəninə kömək etdi: məsələn, onun köməyi ilə Vallgren, Esplanade Bulvarında məşhur Havis Amanda çeşməsinin (1908) edamı üçün bir sifariş aldı.

Ville Wallgren40 ilə yaxındır Fransada yaşayan, daha çox şəhvətli qadın fiqurları ilə tanınır art nouveau üslubunda... Lakin yaradıcılığının ilk mərhələsində o, tez-tez gənc kişiləri təsvir edir və daha klassik bir üsluba sadiq qalırdı (nümunələr poetik mərmər heykəllərdir " Echo"(1887) və" Uşaq xərçənglə oynayır"(1884), burada Wallgrenin insan xarakterlərini və təbii dünyanı bir-birinə bağladığı).

19-cu əsrin sonunda Ville Vallgren matəm edən qızların fiqurları ilə bəzədilmiş vazalar, cənazə qabları və gözyaşardıcı qabların yanında dekorativ heykəltəraşlıqların əla ustası kimi dünya şöhrəti qazandı. Ancaq Wallgren daha az inandırıcı canlı ilə Havis Amanda kimi nazlı və cazibədar qadınlar da daxil olmaqla həyatın sevinclərini təsvir etdi. Yuxarıda göstərilən "Yengeçlə oynayan oğlan" heykəltəraşlığına (1884) əlavə olaraq, Athenaeum muzeyinin üçüncü mərtəbəsində ville Wallgrenin bürünc işləri: "Göz yaşı" (1894), "Bahar (İntibah)" (1895), "İki Gənc Adam" (1893) və bir vaza (təqribən 1894). Mükəmməl işlənmiş detalları olan bu incə əsərlər kiçik ölçülüdür, lakin güclü emosional təəssürat yaradır və gözəlliyi ilə xatırlanır.

Ville Wallgren bir heykəltəraş karyerasına doğru uzun bir yol keçib, ancaq bir dəfə öz istiqamətini tapıb peşəkarların dəstəyini aldıqdan sonra tarixin ən hörmətli və dünyada tanınan sənətkarlarından biri oldu. fin sənəti... Məsələn, Parisdəki Ümumdünya Sərgisindəki işinə görə Qran-Pri medalını qazanan yeganə Finndi (bu, 1900-cü ildə baş verdi). Wallgren ilk dəfə Məsih relyefinin nümayiş olunduğu 1889 Dünya Sərgisi zamanı həmkarları və tənqidçilərin diqqətini çəkdi. Fin heykəltəraşı bir daha Symbolist Paris salonlarında danışdı Gül + Croix 1892 və 1893-cü illərdə. Wallgrenin arvadı İsveçli bir sənətçi və heykəltəraş Antoinette Roström idi ( Antoinette råström) (1858-1911).

Fin Sənətinin Qızıl Çağı: Albert Edelfelt, Akseli Gallen-Kallela, Eero Järnefelt, Pekka Halonen

Üçüncü mərtəbədəki ən böyük salonlardan birində athenaeum Muzeyi klassik rəsmlər, o cümlədən Ville Vallgrenin dostunun işi təqdim olunur - Albert Edelfelt (Albert edelfelt) (1854-1905), dünyada ən geniş tanınan fin sənətçisi.

Tamaşaçıların diqqətini şübhəsiz nağıl şəkli çəkir “ Kraliça Blanca”(1877) - Finlandiyanın ən populyar və sevilən rəsmlərindən biri, analığın əsl ilahisi. Bu rəsmin çap olunmuş reproduksiyaları və tikmələri ölkədəki minlərlə evdə tapıla bilər. Edelfelt üçün ilham mənbəyi Zacharias Topeliusun "Doqquz gümüşçü" hekayəsi idi ( De nio silverpenningarna) İsveç və Norveç orta əsr kraliçası Namurun Blanca, oğlu Danimarka I Margaretin gələcək həyat yoldaşı Şahzadə Hakon Magnusson'u mahnılarıyla əyləndirdi. Bu evliliyin nəticəsi yalnız təşkil edildi kraliça Blanca, İsveç, Norveç və Danimarka birliyi oldu - Kalmar Birliyi (1397-1453). Pretty Blanca bütün bu gələcək hadisələri kiçik oğluna oxuyur.

Bu kətanın yaradılması dövründə tarixi rəsm ən nəcib sənət növü sayılırdı və Fin cəmiyyətinin savadlı təbəqələri tərəfindən tələb olunurdu, çünki o dövrdə milli kimlik yeni formalaşmağa başladı. Albert Edelfelt, orta əsrlər Skandinaviya tarixi mövzusunda bir tablo yaratmağa qərar verdiyi zaman cəmi 22 yaşında idi və "Kraliça Blanca" onun ilk ciddi əsəri oldu. Sənətçi xalqının ümidlərini doğrultmağa və tarixi səhnəni mümkün qədər canlı və səmimi bir şəkildə təcəssüm etdirməyə çalışdı (rəsm yazarkən, Edelfelt Parisdəki dar bir çardaqda və müəllimi Jean-Lionun təkidi ilə yaşadı Jerome, o dövrün kostyumlarını araşdırdı, orta əsr memarlığı və mebelləri haqqında kitab oxudu, orta əsr Cluny Muzeyini ziyarət etdi). Kraliça paltarının parıldayan ipəyinin, döşəmədəki ayı dərisinin və bir çox başqa detalların hansı sənətkarlıqla çəkildiyinə baxın (sənətçi ayı dərisini qəsdən bir mağazada kirayəyə götürüb). Ancaq şəkildəki əsas şey, ən azından müasir izləyici üçün (və dünyadakı hər kəsdən daha çox anasını sevən Edelfeltin özü üçün) isti emosional məzmunu olaraq qalır: ananın üzü və uşağın sevgisini ifadə edən jestləri, sevinc və yaxınlıq.

18 yaşlı gözəl bir Parisli qadın kraliça Blanca üçün model rolunu oynadı və gözəl bir italyan oğlan şahzadə üçün poz verdi. "Kraliça Blanca" rəsm əsəri ilk dəfə 1877-ci ildə Paris Salonunda xalqa təqdim edildi, böyük bir uğur qazandı və Fransız sənət nəşrlərində təkrarlandı. Sonra Finlandiyada göstərildi, bundan sonra kətan Aurora Karamzinaya satıldı. Daha sonra, rəsm onu \u200b\u200btəqdim edən maqnat Hjalmar Linder'in kolleksiyasında sona çatdı afina Muzeyi 1920-ci ildə.

Erkən yaradıcılığın başqa bir nümunəsi Albert Edelfelt Afina Muzeyində kədərli bir rəsm var " Bir uşağın cənazəsi"(" Tabutun daşınması ") (1879). Artıq demişdik ki, gəncliyində Edelfelt tarixi bir rəssam olmaq niyyətində idi; bunun üçün özünü Antverpendə, daha sonra Parisdə oxuyarkən hazırladı. Lakin 1870-ci illərin sonunda idealları dəyişdi, Fransız rəssamı Bastien-Lepage ilə dost oldu və pleer hava rəsminin təbliğçisi oldu. Növbəti iş Edelfelt onsuz da doğma yurdlarının kəndli həyatının və yaşayış həyatının real əksidir. Ancaq bir uşağın cənazəsi yalnız gündəlik həyatdan bir mənzərəni əks etdirmir: əsas insan duyğularından birini - kədərini çatdırır.

O il, Edelfelt ilk dəfə Porvoo yaxınlığındakı Haikko əmlakında anasının kirayəyə götürdüyü bir bağçanı ziyarət etdi (daha sonra sənətçi hər yay bu gözəl yerlərə gəldi). Rəsm tamamilə açıq havada boyanmışdı, bunun üçün küləkdə çırpınmaması üçün böyük kətan sahil qaya daşlarına yapışdırılmalı idi. "Mən açıq havada rəsm çəkməyin bu qədər çətin olduğunu düşünmürdüm" dedi Edelfelt dostlarından birinə. Edelfelt, Porvoo arxipelaqı sakinlərinin yıpranmış üzlərinin eskizini çəkdi, balıqçılar ilə bir dəfədən çox dənizə çıxdı və hətta detalların dəqiq çoxaldılması üçün öz emalatxanasında mişarlanmış bir balıqçı qayığı qurdu. Edelfelt rəsm « Bir uşağın cənazəsi "1880-ci il Paris Salonunda sərgiləndi və 3-cü dərəcəli medalla təltif edildi (ilk dəfə fin sənətkarı belə bir şərəf aldı). Fransız tənqidçilər, şəklin həddindən artıq sentimentallıqdan məhrum olması, lakin personajların qaçınılmaz olduğunu qəbul etdiyi ləyaqəti əks etdirməsi daxil olmaqla, müxtəlif məziyyətlərini qeyd etdilər.

Şəkil tamamilə fərqli, günəşli və qayğısız bir əhval-ruhiyyə ilə doludur Albert Edelfelt « Lüksemburq bağı"(1887). Edelfelt bu kətanı yazanda onsuz da Paris sənət dünyasında çox məşhur bir şəxsiyyət idi. Çoxsaylı uşaqların və dayələrin yaxşı hava şəraitindən zövq aldığı Paris parklarına heyran qaldı, bu gözəlliyi çəkməyə qərar verdi. O zamana qədər rəssam on ildən çoxdur Parisdə yaşayırdı və hətta qəribədir ki, bu rəsm onun Paris həyatını əks etdirən yeganə əsas əsəridir. Bu, yəqin ki, sənətçilər arasındakı şiddətli rəqabətdən irəli gəlir: bu mühitdə daha çox "ekzotik" Fin mövzuları üzərində çalışaraq fərqlənmək daha asan idi. "Lüksemburq Bağları" tablosu da qeyri-adi bir şeydir, çünki Edelfelt empresyonizmin bir çox texnikasından istifadə etmişdir. Eyni zamanda, impressionistlərdən fərqli olaraq, bu kətan üzərində bir ildən çox həm açıq havada, həm də emalatxanada işləmişdir. İşlər mənasız səbəblərdən tez-tez ləngiyirdi: pis hava və ya gec modellər. Özünü tənqid edən Edelfelt, əsəri sərgiyə aparmaq vaxtı gələndə son anadək dəyişikliklər edərək kətanı dəfələrlə yenidən işləyir.

Rəsm ilk olaraq sərgidə nümayiş olundu Qalereya petit 1887-ci ilin mayında. Edelfelt özü də nəticədən çox məmnun qalmadı: Fransız impressionistlərinin rəsmlərindəki rəngli partlayışlar fonunda, onun kətanı, göründüyü kimi, qansız, “maye” görünürdü. Lakin əsər tənqidçilər və ictimaiyyət tərəfindən rəğbətlə qarşılandı. Sonradan bu rəsm Fin sənətinin - və xüsusən də Edelfeltin - o dövrdə bədii kainatın mərkəzini təşkil edən Parislə sıx əlaqələrinin bir növ simvolu oldu.

Şəkil " Ruokolahti kilsəsindəki qadınlar"(1887) Albert Edelfelthaikkodakı yay emalatxanasında yazdı - demək olar ki, bütün əsərlərini xalq həyatı mövzusunda yaratdı. Rəsm Şərqi Finlandiya səyahətinin təəssüratlarını əks etdirsə də, rəsm əsəri modellərinin Haikkodan olan qadınlar olduğu məlumdur (onların studiyasında Edelfelt üçün çəkdirdikləri fotoşəkillər qalmışdır). Digər böyük kompozisiyalar kimi, bu da bir gecədə yaradılmamışdır; hər zaman ehtiyatlı ilkin eskizlər hazırlanmışdır. Buna baxmayaraq, sənətkarın əsas məqsədi həmişə kortəbii, canlı "anlıq görüntü" effekti əldə etmək olmuşdur.

Albert Edelfeltin Ateneumdakı əsərləri ilə yanaşı, Fin sənətinin qızıl dövrünün başqa bir nümayəndəsinin rəsmlərini görə bilərsiniz, Eero Jarnefelt (Eero järnefelt) (1863-1937). Finlandiyada təhsilini başa vurduqdan sonra Jarnefelt getdi Sankt-Peterburqharada oxuduğu Rəssamlıq Akademiyasıəmisi Mixail Klodtla birlikdə Repin və Korovinlə yaxınlaşdı və sonra təhsilini Parisdə davam etdirməyə getdi. Xarici təsirlərə baxmayaraq, Jarnefeltin əsərləri milli şəxsiyyət axtarışlarını, doğma mədəniyyətin özünəməxsus xarakterini vurğulamaq istəyini əks etdirir ( yaradıcılıq haqqında daha çox Eero Jarnefeltoxuyun ).

Järnefelt ən çox portret rəssamı və Koli bölgəsinin və Tuirulanjärvi gölünün ətrafındakı studiya-villası Suviranta'nın yerləşdiyi Tuusulanjärvi Gölü ətrafındakı möhtəşəm mənzərələrin müəllifi kimi tanınır (yaxınlıqda bəstəkar Sibeliusun həyat yoldaşı Järnefelt ilə birlikdə yaşadığı Ainola evi var idi) bacı).

Ancaq Eero Jarnefelt-in ən vacib və məşhur əsəri, şübhəsiz ki, rəsmdir "Yoke altında" ("Meşəni yandırmaq") (1893) (adın digər variantları - " Pul üçün geri əyilmə», « Məcburi əmək"). Kətanın sahəsi, əkin sahələrini əldə etmək üçün odun yandırmaqdan ibarət olan qədim əkinçilik üsulu ilə əlaqələndirilir (əyri və yanıqlı əkinçilik deyilir). Rəsm 1893-cü ilin yayında bir fermada yaradılıb Rannan Puurula Şimali Savo bölgəsindəki Lapinlahti qəsəbəsində. O il şaxta məhsulu ikinci dəfə məhv etdi. Järnefelt varlı bir ailənin təsərrüfatında işləyir və işlərinə görə yalnız məhsul yaxşı olduğu təqdirdə ödənilən torpaqsız fəhlələrin sərt yaşayış və iş şəraitini müşahidə edirdi. Eyni zamanda, Järnefelt yanan bir meşə mənzərəsinin eskizlərini hazırladı, atəş və tüstünün davranışlarını araşdırdı və nəticədə şəkillərinin qəhrəmanlarına çevrilən kəndliləri də lentə aldı.

Şəkildəki yalnız bir obraz birbaşa izləyiciyə baxır: bu işini müvəqqəti dayandıran və bizə qınaq ifadəsi ilə baxan bir qızdır. Mədəsi aclıqdan şişmişdi, üzü və paltarları qarla qaralmışdı, başının ətrafında Jarnefelt halo kimi bir tüstü çıxardı. Sənətçi bu obrazı 14 yaşlı Johanna Kokkonen adlı bir qızdan çəkib ( Johanna kokkonen), fermadakı qulluqçular. Ön plandakı adam Heikki Puurunen ( Heikki Puurunen), fermerin qardaşı, arxa planda təsərrüfat sahibi ilə.

Şəkilə baxaraq, sanki atəşin istiliyini hiss edə, alovun boğuq səsini və budaqların xırıltılarını eşidə bilərsiniz. Şəkil bir neçə şərhə malikdir, lakin əsas mənası məzlum xalqı sərt tənqid kimi qiymətləndirilir. Şəkildəki qız, bütün kasıb və ac uşaqların, Finlandiyadakı bütün imkansız insanların ümumiləşdirilmiş obrazına çevrildi. Kətan ilk dəfə 1897-ci ildə ictimaiyyətə təqdim edildi.

İçəridə böyük bir salon afina Muzeyi Fin təsviri sənətinin qızıl dövrünün başqa bir məşhur nümayəndəsinin yaradıcılığına həsr olunmuşdur - Axeli Gallen-Kallela (Akseli Gallen-Kallela) (1865-1931). Dövrün digər böyük Fin sənətkarları kimi o da oxudu. Gallen-Kallela, 1900-cü il dünya sərgisində, Fin eposu Kalevala əsasında Fin pavilyonu üçün bir sıra fresklər hazırladığı zaman Paris ictimaiyyətindən xüsusi diqqət çəkdi.

Ərzində Parisdə təlim Gallen-Kallela tez-tez küçələrdə və kafelərdə gördüyü mənzərələrin eskizini çəkirdi. Bu dövrün yaradıcılığına nümunə rəsmdir "Çılpaq" ("Maskasız") (Démasquée ) (1888) - Gallen-Kallela əsərindəki demək olar ki, yeganə erotik rəsm. Fin kolleksiyaçısı və xeyriyyəçi Fridtjof Antellin sifariş etdiyi, cinsi mənşəli rəsmlər kolleksiyasını genişləndirmək istəyən 23 yaşlı bir sənətkar tərəfindən yaradıldığı məlumdur. Ancaq Antell kətanı gördükdə, görünüşü öz zövqü üçün də ədəbsiz hesab edərək, çəkməkdən imtina etdi.

Rəsmdə rəssamın studiyasında ənənəvi Fin xalçası ilə örtülmüş bir divanda oturan çılpaq Parisli bir qadın (görünür, fahişə) təsvir edilmişdir. Şəkil bohem həyat tərzi haqqında bir fikir verir, eyni zamanda sevinclərinin ölüm, düşmə ilə dolu olduğuna işarə edir. Sənətçi, masajsızlığı simvolizə edən zanbaq təsvir edir ki, bu da həssas bir şəkildə model və gitara ilə ziddiyyət təşkil edir, şəkli erotik hissi daha da artırır. Qadın eyni zamanda cazibədar və qorxuducu görünür. Çarmıx, Buda heykəli və köhnə Fin xalçası ruyu, özünə haqq qazanan bir qadın ətinin yanında təsvir edilmiş, müqəddəsin alçaldılmasına işarə etmişdir. Arxa planda masada gülümsəyən bir kəllə - Vanitas janrının rəsmlərində tez-tez görünən bir element, izləyiciyə dünyəvi ləzzətlərin zəifliyini və ölümün qaçılmazlığını xatırladırdı. Kətan Démasquée ilk sərgiləndi afina Muzeyi 1893-cü ildə.

Bir çox sonrakı əsərlər Gallena-Kallela həsr olunmuşdur "Kalevala"... Väinämöinen və Lemminkäinen kimi Fin eposunun qəhrəmanlarını təsvir edərkən sənətçi təkrarolunmaz parlaq rənglər və stilize edilmiş bəzəklərlə dolu, sərt və ifadəli xüsusi bir üslubdan istifadə edir. Bu dövrdən etibarən heyrətamiz bir mənzərəni qeyd etmək lazımdır " Lemminkäinen'in anası"(1897). Şəkil epos üçün illüstrasiya olsa da, daha qlobal, universal bir səsə malikdir və bir növ şimal Pieta sayıla bilər. Ana sevgisinin bu pirsinq mahnısı Gallen-Kallela'nın ən heyrətləndiricilərindən biridir Kalevala».

Lemminkäinen'in anası - şən bir oğlan, ağıllı bir ovçu və qadınların aldadıcısı - oğlunu müqəddəs bir qu quşu vurmağa çalışdığı Ölüm qara çayında (Tuonela çayı) tapır. Arxa planda qaranlıq suda bir qu quşu təsvir edilir, qayalı sahildə kəllə və sümüklər səpələnir və ölüm çiçəkləri cücərir. "Kalevala" da bir ananın suyu uzun bir dırmıqla necə taradığını, bütün parçaları qırxdığını və oğlunu yenidən içərisindən kənarlaşdırdığını izah edir. Büyülər və məlhəmlərin köməyi ilə Lemminkäinen'i canlandırır. Rəsmdə dirilmədən əvvəlki an təsvir olunur. Hər şey bitmiş kimi görünür, ancaq günəş şüaları ölülərin səltənətinə nüfuz edərək ümid verir və arı qəhrəmanın dirilməsi üçün həyat verən ilahi balzamı daşıyır. Tünd, səssiz rənglər bu yeraltı dünyanın sükunət hissini artırır və daşlardakı sıx qan qırmızı yosun, Lemminkäinen bitkilərinin ölümcül solğun ağlığı və dərisi arının ilahi qızıl rənginə və göydən tökülən şüalara ziddir. .

Bu rəsm üçün öz anası rəssam üçün poz verdi. Canlı, gərgin bir baxışla çox real bir imic yaratmağı bacardı (bu əsl bir duyğudur: Gallen-Kallela xüsusi olaraq anasına kədərli bir şey danışdı, ağlamasına səbəb oldu). Eyni zamanda, rəsm xüsusi bir mifik atmosfer yaratmağa, hadisələrin gerçəkliyin "digər tərəfində" baş verdiyini hiss etməyə imkan verən stilizə ilə fərqlənir. Emosional təsiri artırmaq üçün Gallen-Kallela yağlı boya əvəzinə temperaturdan istifadə etdi. Sadələşdirilmiş formalar, kəskin forma konturları və böyük rəngli təyyarələr güclü kompozisiya yaratmağa kömək edir. Rəsm əsərinin tutqun əhval-ruhiyyəsini daha yaxşı çatdırmaq üçün rəssam Ruovesi-dəki studiya evində tamamilə işıqlı bir otaq düzəltdi, burada işıq işığı çatı işığı idi. Bundan əlavə, özünü yerdə çılpaq şəkildə çəkdirdi və Lemminkäinen fiqurunu çəkərkən bu fotoşəkilləri istifadə etdi.

Tamamilə fərqli, pastoral və demək olar ki, qeyri-ciddi bir üslubda Gallen-Kallela üçbucağı “ Aino əfsanəsi"(1891). Kompozisiya Kalevaladan gənc qız Aino və köhnə müdrik Väinämöinen haqqında hekayəyə həsr edilmişdir. Aino, valideynlərinin qərarı ilə Väinämöinenlə evlənməli idi, ancaq özünü boğmağa üstünlük verərək ondan qaçdı. Üçqatın sol tərəfində, meşədə ənənəvi Kareliya paltarında bir qoca və bir qızın ilk görüşü göstərilir və sağda kədərli Ainonu görürük. Özünü suya atmağa hazırlaşaraq, dənizdə qızların suda oynayan çağırışlarına qulaq asaraq sahildə ağlayır. Nəhayət, mərkəzi panel hekayənin bitməsini təsvir edir: Väinämöinen bir qayıqla dənizə gedir və balıq tutur. Kiçik bir balıq tutaraq günahı ilə boğulan qızı tanımır və balıqları yenidən suya atır. Ancaq bu anda balıq Ainoya çevrilir - onu darıxan qoca kişiyə gülən və daha sonra dalğaların içində əbədi itən bir su pərisi.

1890-cı illərin əvvəlləri Gallen-Kallela naturalizmin tərəfdarı idi və şəkildəki bütün fiqurlar və obyektlər üçün mütləq orijinal modellərə ehtiyac duydu. Beləliklə, uzun gözəl saqqallı Väinämöinen obrazı üçün Kareliya kəndlərindən birinin sakini sənətkar üçün poza verdi. Bundan əlavə, sənətçi yaşlı adamın qorxduğu balığın ən dəqiq görüntüsünü əldə etmək üçün tündləri qurutdu. Ainonun əlində parıldayan gümüş bilərzik belə əslində mövcud idi: Gallen-Kallela bu zinət əşyaları gənc arvadı Məryəmə hədiyyə etdi. Açıqca Aino üçün bir model kimi xidmət etdi. Üçqat üçün mənzərələr sənətkar tərəfindən Kareliyadakı bal ayı eskizləri tərəfindən çəkilmişdir.

Kompozisiya, Gallen-Kallela'nın özü tərəfindən yazılmış Kalevaladan bəzəklər və sitatlarla taxta bir çərçivə ilə bəzədilmişdir. Bu üçqat hərəkətin başlanğıc nöqtəsi oldu finlandiyada milli romantizm - Art Nouveau-nun Fin versiyası. Rəssam bu rəsm əsərinin ilk versiyasını 1888-89-cu illərdə Parisdə hazırladı. (indi Finlandiya Bankına aiddir). Rəsm ilk dəfə Helsinkidə təqdim olunduqda, böyük coşğu ilə qarşılandı və Senat dövlət hesabına yeni bir versiya sifariş etmək qərarına gəldi. Bu fikir Fin millətini idealizə edən və romantikləşdirən Fennoman hərəkatının ardınca olduqca təbii görünür. Bundan əlavə sənət Fin milli ideallarını ifadə etmək üçün güclü bir vasitə kimi görülürdü. Eyni zamanda, sənətçilərin Kareliyaya ekspedisiyaları “əsl Fin stilini” axtarmağa başladı. Kareliya "Kalevala" nın izlərinin qorunub saxlandığı yeganə toxunulmamış torpaq kimi görülürdü və Gallen-Kallela özü bu eposu milli böyüklüyün keçmiş dövrlərindən bəhs edən bir hekayə, itirilmiş bir cənnətin obrazı kimi qəbul etdi.

Gallen-Kallela rəsm Kullervoya lənət"(1899)" Kalevala "nın başqa bir qəhrəmanından bəhs edir. Kullervo, fövqəladə bir qüvvətli bir gənc, köləliyə verilmiş və inək otarmaq üçün səhraya göndərilən bir yetim idi. Pis sahibə, dəmirçi İlmarinenin arvadı, bir daşın gizləndiyi səyahət üçün ona çörək verdi. Çörəyi kəsməyə çalışan Kullervo, atasının yeganə xatirəsi olan bir bıçağı qırdı. Qəzəbli, sahibəni parçalayan yeni bir qurd, ayı və vaşaq sürüsü toplayır. Kullervo köləlikdən qaçır və qohumlarının sağ olduğunu öyrəndikdən sonra evə qayıdır. Ancaq Kullervo'nun səhvləri bununla bitmir. Sonsuz bir intiqam spirali yalnız yeni tapdığı ailəsini yox, özünü də məhv edir. Əvvəlcə bacısı olduğu ortaya çıxan bir qızla tanış olur və onu aldadır və bu günahkar münasibətlər üzündən bacı intihar edir. Tezliklə bütün qohumları da ölür. Sonra Kullervo özünü qılıncın üstünə ataraq öldürür.

Gallen-Kallela rəsmində Kullervonun hələ çoban kimi xidmət etdiyi bir epizod göstərilir (sürüsü arxa planda görünür, qabaqda bişmiş daşla çörək təsvir olunur). Gənc yumruğunu sallayaraq düşmənlərindən intiqam alacağına and içdi. Rəssam, erkən payızın günəşli bir mənzərəsi fonunda hirsli bir qəhrəman təsvir etdi, ancaq buludlar artıq arxa planda toplanır və qırmızıya tökülən dağ külü bir xəbərdarlıq və gələcək qan tökülməsinin bir peyğəmbərliyi kimi xidmət edir. Bu şəkildə faciə Kareliya təbiətinin gözəlliyi ilə birləşdirilmişdir və qəhrəman-qisasçı bir mənada Fin döyüş ruhunun və böyüyən milli şüurun simvolu kimi qəbul edilə bilər. Digər tərəfdən, qarşımızda ailəni dağıdan qəriblər tərəfindən böyüdülmüş bir insanın qəzəb və məyusluq, gücsüzlüyü, şiddət və intiqam mühitində portreti var və bu onun taleyində faciəvi bir iz buraxdı.

Yaradıcılıq haqqında daha çox məlumat Gallena-Kallela oxuyun.

Bu hissəni Fin milli romantizminin başqa bir görkəmli nümayəndəsi, Finlandiya Qızıl Çağının məşhur sənətkarı Pekka Halonen-in yaradıcılığından bəhs edən bir hekayə ilə yekunlaşdıracağıq. Pekka Halonen (Pekka Halonen) (1865-1933) 1890-cı illərdə şöhrət qazandı, özünü üstün bir usta kimi göstərdi qış mənzərələri... Bu janrın şah əsərlərindən biri “ Qar altında gənc şam ağacları"(1899), bir nümunə olaraq qəbul edildi fin yaponizmi və rəsm sənətində Art Nouveau. Fidanları örtən, fərqli ağ rənglərdə oynayan yumşaq tüklü qar meşə nağılının dinc bir atmosferini yaradır. Dumanlı hava soyuq qış dumanı ilə doymuşdur və sulu qar yataqları gənc şam ağaclarının kövrək gözəlliyini vurğulayır. Ağaclar ümumiyyətlə yaradıcılıqda ən çox sevilən motivlərdən biri idi. Pekki Halonen... Həyatı boyunca, ilin müxtəlif vaxtlarında həvəslə ağacları təsvir etdi və xüsusilə baharı sevirdi, amma yenə də hər şeydən çox məhz usta kimi məşhur oldu qış mənzərələri - soyuqda yaratmağa cəsarət edən bir neçə rəssam. Pekka Halonen qışdan qorxmurdu və həyatı boyu istənilən havada açıq havada işləyirdi. Açıq havada işləməyin tərəfdarı olan "dünyaya pəncərədən baxan" sənətçilərdən nifrət etdi. Halonenin rəsmlərində şaxtalar şaxtadan qopur, ağaclar qar örtüklərinin ağırlığı altında sallanır, günəş yerə mavi kölgələr salır və meşə sakinləri yumşaq ağ xalçada ayaq izləri qoyurlar.

Qış mənzərələri Finlandiyanın bir növ milli simvolu oldu və Pekka Halonen 1900-cü ildə Parisdə keçirilən Dünya Sərgisində Fin pavilyonu üçün Fin təbiəti və xalq həyatı mövzusunda bir çox tuval çəkdi. Bu dövrə, məsələn, “ Buz çuxurunda"(" Buzla Yuyulma ") (1900). Halonenin 1894-cü ildə Parisdə Paul Gauguin ilə oxuduğu zaman "şimal ekzotizmini" təsvir etmək marağı oyandı.

Tipik olaraq sənətkarlar fin rəssamlığının qızıl dövrü şəhər orta sinifindən gəldi. Başqa bir şey maarifli kəndli və sənətkar ailəsindən çıxan Pekka Halonen. Lapinlahti-də (Şərqi Finlandiya) anadan olub və sənətə çox erkən maraqlandı - və yalnız rəsm deyil, həm də musiqi (sənətkarın anası istedadlı bir kantele ifaçısı idi; o da oğluna təbiətə hörmətli bir münasibət və sevgi aşıladı və sonradan bu sevgi demək olar ki, dinə çevrildi). Gənc oğlan həmyaşıdlarından bir az sonra rəssamlıqla məşğul olmağa başladı, lakin Finlandiya İncəsənət Cəmiyyətinin rəsm məktəbində dörd il oxuduqdan və mükəmməl məzun olduqdan sonra Halonen, təhsil almağa getməsinə icazə verən təqaüd ala bildi. o dövrün bədii Məkkəsi. Əvvəlcə Julian Akademiyasında oxudu, sonra 1894-cü ildə xüsusi dərslər almağa başladı Paul Gauguin dostu Väino Bloomstead ilə birlikdə. Bu dövrdə Halonen simvolizm, sintetizm və hətta teosofiya ilə tanış oldu. Ancaq son sənət meylləri ilə tanışlıq onu realist tərzdən imtina etməsinə səbəb olmadı və Gauguinin parlaq palitrasını borc almadı, ancaq Gauguin təsiri altında Halonen Yapon sənətinin dərin bilicisi oldu və Yapon nüsxələrini toplamağa başladı çap.

Məsələn, Yapon sənətində məşhur bir motiv olan əyri şam ağacı, əsərlərində tez-tez görünür. Bundan əlavə, Halonen bir çox rəsm əsərində detallara, budaqların dekorativ naxışına və ya xüsusi qar naxışına xüsusi diqqət yetirir və qış mənzərələri mövzusu Yapon sənətində nadir deyil. Halonen ayrıca "kakemono" tipli şaquli dar kətanlara, asimmetrik kompozisiyalara, yaxın görünüşlərə və qeyri-adi açılara üstünlük verməklə xarakterizə olunur. Bir çox digər mənzərə rəssamlarından fərqli olaraq, yuxarıdan tipik panoramik mənzərələr çəkmədi; onun mənzərələri meşənin dərinliyində, təbiətə yaxın ərazidə boyanır, burada ağaclar tamaşaçısını səssiz dünyalarına dəvət edir. Halonenə təbiəti təsvir etməkdə öz üslubunu kəşf etmək üçün ilham verən və mövzularını milli köklərdə axtarmağa təşviq edən Gauguin idi. Gauguin kimi, Halonen də sənətinin köməyi ilə ilkin, ilkin bir şey tapmağa çalışırdı, lakin yalnız fransız öz idealını Sakit okean adalarında axtarırdısa, o zaman Fin sənətçisi Fin xalqının “itirilmiş cənnətini” diriltməyə çalışdı. bakirə meşələr, Kalevala'da təsvir edilən müqəddəs vəhşilər ...

Pekka Halonenin yaradıcılığı həmişə sülh və harmoniya axtarışı ilə seçilib. Sənətçi "sənət zımpara kimi əsəbləri qıcıqlandırmamalı - dünya hissi yaratmalı" olduğuna inanırdı. Hələ kəndli əməyini təsvir edən Halonen, sakit və balanslı kompozisiyalar axtarırdı. Yəni, işdə " Kareliyadakı qabaqcıllar» (« Kareliyada yol tikintisi”) (1900), Fin kəndlilərini işi başa çatdırmaq üçün həddən artıq səy göstərməyə ehtiyac olmayan müstəqil, ağıllı işçilər kimi təqdim etdi. Bundan əlavə, sənətçi ümumi bir dekorativ təəssürat yaratmağa çalışdığını vurğuladı. Bu, rəsmin qeyri-real "sakit bazar əhval-ruhiyyəsini" tənqid edən və işçilərin həddindən artıq təmiz geyimləri, yerdəki az miqdarda qırıntılar və ortada bir qayığın qəribə görünüşü ilə təəccüblənən müasirlərinə verdiyi cavab idi. meşə. Ancaq sənətkarın tamamilə fərqli bir fikri var idi. Pekka Halonen ağır yorucu bir iş şəkli yaratmaq istəmədi, lakin kəndli əməyinin sakit ölçülmüş ritmini çatdırmaq istədi.

Halonen, İtaliyaya etdiyi səyahətlərdən (1896-97 və 1904), o cümlədən Florensiyada gördüyü ilk İntibah şah əsərlərindən də təsirləndi. Daha sonra, Pekka Halonen həyat yoldaşı və uşaqları ilə (cütün ümumilikdə səkkiz övladı var idi) Tuusula gölünə köçdü, sakit mənzərəli ətrafı, tükənməz bir ilham mənbəyi və səmərəli iş kimi xidmət edən Helsinkidən uzaq, “hər şeyin mənbəyi və çirkin ”. Burada, göldə xizək sürərkən sənətçi gələcək evi üçün bir yer axtardı və 1899-cu ildə cütlük sahildə bir neçə il sonra Pekka Halonen'in ev studiyasında böyüdüyü bir sahə satın aldı - adını verdiyi bir villa. Halosenniemi (Halosenniemi) (1902). Milli romantik ruhda olan bu rahat taxta ev sənətkarın özü tərəfindən dizayn edilmişdir. Bu gün evdə Pekka Halonen Muzeyi var.

Fin Symbolists

Athenaeum Muzeyinin kolleksiyasındakı ən maraqlı bölmələrdən biri, Hugo Simberg və digər Fin Symbolistlərinin misilsiz əsərləridir.

Afina Muzeyinin ayrı bir salonunda məşhur rəsm “ Yaralı mələk"(1903) Fin sənətçisi Hugo Simberg... Bu melankolik kətan qəribə bir yürüşü təsvir edir: iki sönük oğlan, gözləri bağlı və yaralı qanadlı ağ paltarlı bir mələk qızı sedyeyə aparırlar. Rəsmin arxa planı erkən baharın çılpaq mənzərəsidir. Mələk bir dəstə qar çiçəyi, baharın ilk çiçəkləri, şəfa və yeni həyat simvollarını əlində saxlayır . Bu yürüşə bir təşəbbüskara bənzəyən qara paltarlı bir oğlan rəhbərlik edir (ehtimal ki, Ölümün simvolu). Başqa bir oğlanın baxışı bizə baxır, birbaşa izləyicinin ruhuna nüfuz edir və həyat və ölüm mövzularının hər birimiz üçün aktual olduğunu xatırladır. Yıxılan mələk, cənnətdən qovulma, ölümə dair düşüncələr - bütün bu mövzular sənətçilərdən xüsusilə narahat idi- simvolikalar... Sənətçi özü şəklin hazır şərhlərini verməkdən imtina etdi, izləyicini öz nəticələrini verməyə buraxdı.

Hugo Simberg bu rəsm üzərində uzun müddət çalışdı: ilk eskizlərə 1898-ci ildən bəri albomlarında rast gəlinir. Bəzi eskizlər və fotoşəkillər kompozisiyanın müəyyən hissələrini əks etdirir. Bəzən bir mələk əl arabasında sürülür, bəzən oğlanlar deyil, ancaq kiçik şeytanlar qapıçı şəklində təqdim olunur, eyni zamanda mələyin fiquru həmişə mərkəzdir, arxa plan isə mənzərədir. Rəsm üzərində işləmə prosesi Simberg ağır xəstələnəndə kəsildi: rəssam 1902-ci ilin payızından 1903-cü ilin yazına qədər Helsinkidəki Deaconess İnstitutunun xəstəxanasında müalicə edildi ( Helsingin Diakonissalaitos) Kallio bölgəsində. Sifilis tərəfindən ağırlaşan ciddi bir sinir xəstəliyi var idi (sənətçi sonradan öldü).

Simberqin, yuxarıdakı xəstəxananın yanında yerləşən atelyedə və Eleintarh parkında modellərinin (uşaqlarının) şəkillərini çəkdiyi məlumdur. Şəkildə təsvir olunan yol bu gün də mövcuddur - Töölönlahti Körfəzi sahili boyunca uzanır. Simberqin dövründə Eleintarh Parkı işçi sinifinin populyar istirahət yeri idi. Bundan əlavə, burada korlar üçün qadın məktəbi və əlillər üçün sığınacaq da daxil olmaqla bir çox xeyriyyə təşkilatlarının evi var idi. Simberg, 1903-cü ilin yazında ağır xəstəlikdən yola çıxarkən parkın sakinlərini dəfələrlə müşahidə etdi. Göründüyü kimi, bu uzun gəzintilər zamanı şəkil fikri tamamilə formalaşdı. "Yaralı mələk" tablosunun fəlsəfi şərhlərindən əlavə (cənnətdən qovulma rəmzi, xəstə bir insan ruhu, insan çarəsizliyi, qırıq bir yuxu), bəziləri bunu rəssamın ağrılı vəziyyətinin və hətta özünəməxsus fiziki simptomların təcəssümü kimi qəbul edir (bəzi məlumatlara görə Simberg də meningitdən əziyyət çəkirdi).

Simberqin rəsm əsəri « Yaralı mələk”Tamamlandıqdan dərhal sonra böyük bir uğur qazandı. Təqdimat 1903-cü ildə Finlandiya İncəsənət Cəmiyyətinin payız sərgisində baş tutdu. Başlanğıcda, kətan bir başlıq olmadan sərgiləndi (daha doğrusu, bir başlıq əvəzinə bir tire var idi), bu, hər hansı bir şərhin mümkünsüzlüyünə işarə etdi. Bu dərin fərdi və emosional işinə görə sənətkar 1904-cü ildə Dövlət Mükafatına layiq görülmüşdür. "Yaralı Mələk" in ikinci versiyası Simberg tərəfindən Magnus Enckel ilə işlədiyi Tampere Katedralinin iç hissəsini fresklərlə bəzədərkən səsləndirildi.

2006-cı ildə Finlandiyada aparılan bir anketə görə “ Yaralı mələk"Ölkənin bədii simvolu olan Finlandiyanın ən sevilən" milli rəsm əsəri "olan Athenaeum kolleksiyasında ən populyar əsər olaraq qəbul edildi.

Hugo Simberg (Hugo simberg) (1873-1917) Hamina şəhərində anadan olub, daha sonra Finlandiya İncəsənət Cəmiyyətinin məktəbində oxuduğu və yaşadı, oxudu. Yayı Finlandiya Körfəzi sahillərindəki Niemenlautta (Säkkijärvi) ailəsində tez-tez keçirirdi. Simberg Avropada çox gəzdi, London və Parisdə oldu, İtaliyada, Qafqazda oldu. Bir sənətkar kimi inkişafında mühüm bir mərhələ, stereotipik bir akademik təhsildən məyus olan Simberqin, Gallen-Kallela'nın ata evini tikdiyi Ruovesi çölündə Axeli Gallen-Kallela'dan xüsusi dərs almağa başladığı bir dövrdə gəldi. Gallen-Kallela, tələbəsinin istedadını yüksək qiymətləndirdi və onun üçün sənət aləmində böyük bir gələcəyini önə çəkdi, Simberqin əsərlərini hamının eşitməli olduğu həqiqətə və ehtiraslı moizələrə bənzətdi. Simberg, 1895-1897-ci illər arasında üç dəfə Ruovesi'yi ziyarət etdi. Budur, bədii sərbəstlik mühitində tez bir zamanda öz dilini tapdı. Məsələn, Ruovesidə qalmasının ilk payızında məşhur əsərini “ Şaxta"(1895), bir qədər Munkun" Çığırtı "nı xatırladır. Bu vəziyyətdə, hava fenomeni, dünyadakı cütçülərin qorxusu, görünən bir təcəssüm, üz və forma aldı: bu, qulaqları böyük, solğun üstündə oturan və ölümcül nəfəsi ilə ətrafdakı hər şeyi zəhərləyən ölümcül bir solğun fiqurdur. . Bir neçə il əvvəl tamamlanan Munch'un fəryadından fərqli olaraq, Simberqin Frostu tam bir dəhşət və ümidsizlik yox, eyni zamanda qəribə bir təhdid və mərhəmət hissi doğurur.

Simberqin həyatında mühüm bir məqam 1898-ci ilin payız sərgisi oldu, bundan sonra Finlandiya Rəssamlar İttifaqına qəbul edildi. Simberg Avropanı çox gəzdi, dərs verdi, sərgilərdə iştirak etdi. Bununla birlikdə, sənətkarın istedadının həqiqətən miqyası yalnız ölümündən sonra qiymətləndirildi. Qorxunc və fövqəltəbii diqqət o dövrün bütün tənqidçiləri və izləyiciləri tərəfindən başa düşülmədi.

Hugo Simberg ən böyüklərdən biri idi fin Symbolists... Qeyri-adi gündəlik vəziyyətlər onu cəlb etmədi - əksinə başqa bir reallığın qapısını açan, izləyicinin ağlına və ruhuna toxunan bir şey təsvir etdi. Sənəti “qış ortasında bir insanı gözəl bir yay səhərinə köçürmək və təbiətin necə oyandığını və özünüz onunla uyğunlaşdığınızı hiss etmək fürsəti kimi başa düşürdü. Bir sənət əsərində axtardığım budur. Bizimlə bir şey haqqında danışmalı və yüksək səslə danışmalıdır ki, başqa bir dünyaya aparılaq. "

Simberg, yalnız xəyalda görülə bilən şeyləri təsvir etməyi çox sevirdi: mələklər, şeytanlar, trollar və Ölümün özünün şəkilləri. Ancaq bu görüntülərə belə yumşaqlıq və insanlıq verdi. Simbergdə ölüm çox vaxt xeyirxahdır və rəğbətlə doludur, vəzifələrini həvəssiz yerinə yetirir. Yaşlı qadını götürmək üçün üç ağ çiçəklə gəldi. Lakin, Ölüm tələsmir, skripka ifa edən oğlan uşağını dinləməyə kifayət qədər imkanı var. Yalnız divardakı saat zamanın keçdiyini göstərir (“ Ölüm qulaq asır", 1897).

İşdə " Ölüm bağı"(1896), Parisə ilk iş səfəri zamanı yaradılan Simberg, özünün də dediyi kimi, insan ruhunun ölümdən dərhal sonra, cənnətə getmədən əvvəl düşdüyü yeri təsvir etdi. Qara paltarlı üç skelet rahiblərlə eyni məhəbbətlə can-bitkilərə həssaslıqla qulluq edir, monastır bağçasına meyllidir. Bu əsər sənətkar üçün böyük əhəmiyyətə malik idi. Təxminən on il sonra Simberg onu Tampere Katedralində böyük bir fresk şəklində çoxaltdı. Bu əsərin qəribə cazibəsi, sevimli gündəlik detallarda (su qabı, çəngəldən asılan dəsmal), dinc bir atmosferdə və məhv gücü deyil, qayğısının təcəssümü olan Ölümün özünün həlim bir görüntüsündədir. Maraqlıdır ki, Hans Christian Andersen-in "Bir ananın hekayəsi" nağılında da oxşar bir görüntüyə rast gəlirik: hekayəçi nəhəng bir Ölüm istixanasını - hər çiçəyin və ya ağacın arxasında insan ruhunun "düzəldildiyi" istixananı təsvir edir. Ölüm özünü Tanrının bağbanı adlandırır: "Çiçəklərini və ağaclarını götürürəm və naməlum bir ölkədə, böyük Cənnət bağına köçürürəm."

İlk dəfə Ölüm obrazı Simberqin əsərində meydana çıxdı " Ölüm və kəndli"(1895). Qısa qara paltos və qısa şalvar Ölümə zərif, məzlum bir görünüş verir. Bu işi Simberg Ruovesi-də Axeli Gallen-Kallela ilə oxuyarkən həyata keçirmişdir. O bahar müəllimin kiçik qızı o baharda difteriyadan öldü və Ölüm və Kəndli övladını itirən bir insana simpatiya ifadəsi kimi qəbul edilə bilər.

Şeytanlar kimi, Hugo Simberg'in mələkləri də insandır və buna görə də həssasdırlar. İnsanları yaxşılıq yolunda yönləndirməyə çalışırlar, amma gerçəklik idealdan çox uzaqdır. İş " Yuxu"(1900) tamaşaçıdan suallar qaldırır. Mələk əri ilə rəqs edərkən bir qadın niyə ağlayır? Bəlkə də ər arvadını başqa bir dünyaya tərk edir? Bu əsərin başqa bir adı "Tövbə" idi, buna görə də müxtəlif şəkildə yozula bilər.

Mələklərin təsvirləri ilk dəfə Simberqin əsərində 1895-ci ilin payızında peyda oldu (əsər “ Təqva"). Bu yaramaz işdə dua edən mələk-qız qonşu mələyin zehnində tamamilə fərqli bir şey olduğunu fərq etməz. Həqiqətən, bu ikinci mələyin qanadları bu qədər ağdan çox uzaqdır. Həssaslıq və mənəviyyat arasındakı mübarizə göz qabağındadır.

Simberqin demək olar ki, həmişə yayı ailə mülkündə keçirdiyi Niemenlautta ərazisindəki gəzinti yeri, axşamlar gənclər üçün məşhur bir görüş yeri idi. Akkordeon səslərinə cəlb olunan gənc kişilər və qadınlar uzaqdan da qayıqla rəqs etmək üçün buraya getdilər. Simberg dəfələrlə rəqqasələrin eskizlərini hazırladı. Amma işdə “ Sahildə rəqs edin"(1899) qızlar oğlanlarla deyil, Ölüm fiqurları ilə rəqs edirlər, çox vaxt Simbergdə görüşürdülər. Bəlkə ölüm bu dəfə dəhşətli bir məhsul üçün gəlmədi, ancaq ümumi əyləncədə iştirak etmək istəyir? Ancaq nədənsə qarmon çalmır.

Gördüyünüz kimi Hugo Simberg - əsəri bir növ istehzadan məhrum olmayan, eyni zamanda mistisizmlə nüfuz edən və sənətə xas olan xeyir və şər, həyat və ölüm mövzularına yönəlmiş son dərəcə orijinal bir sənətkar. simvolikalar... Simberqin əsərlərində dərin fəlsəfi suallar incə yumor və dərin empatiya ilə iç-içədir. "Zavallı şeytan", "həlim Ölüm", qəhramanların kralı - bütün bu obrazlar onun yaradıcılığına yuxulardan və nağıllardan gəldi. Qızıl rəngli çərçivələr və parlaq kətanlar yoxdur: “Yalnız sevgi sənət əsərlərini gerçəkləşdirir. Doğum ağrıları sevgisiz gəlirsə, o zaman uşaq bədbəxt doğulur. "

Athenaeum Muzeyində Hugo Simberqin əsərlərinə əlavə olaraq əsərlər nümayiş etdirilir fin simvolik sənətkarı Magnus Enckel (Magnus enckell) (1870-1925), həmçinin Tampere Katedrali (1907) üçün freskalar üzərində işləyən Simberg. Enckel, Hamina şəhərində bir keşiş ailəsində anadan olmuş, rəssamlıq təhsili almış və 1891-ci ildə Parisə gedərək təhsilini Académie Julian'da davam etdirmişdir. Orada Rosicrucian J. Peladanın simvolizmi və mistik fikirləri ilə maraqlandı. Magnus Enckel, əsərlərində istifadə etməyə başladığı androjin gözəllik idealını sonuncudan mənimsəmişdir. Enckel, itirilmiş bir cənnət, insanın itirilmiş təmizliyi və yenə də çox gənc oğlanlar öz androgin gözəllikləri ilə sənətkar üçün insanın ən təmiz forması kimi təmsil olundu. Unutulmamalıdır ki, Enckel bir homoseksual idi və tez-tez boyanmış çılpaq oğlanlar və açıq şəkildə erotik, şəhvətli görünüşlü kişilər idi. 1894-95-ci illərdə. sənətçi İtaliyaya səyahət etdi və XX əsrin əvvəllərində klassik İtalyan sənətinin təsiri və post-impressionizmin təsiri altında palitrası daha rəngli və işıqlı oldu. 1909-cu ildə rəngçilər Werner Tome və Alfred Finch ilə birlikdə qrupu qurdu Sentyabr.

Digər tərəfdən Maqnus Enckelin erkən əsəri, ələ salınmış bir sıra, rəng zahidliyi ilə qeyd olunur. O dövrdə sənətkarın palitrası yalnız boz, qara və oxra çalarları ilə məhdudlaşırdı. Nümunə şəkli “ Oyanış"(1894), Enckel tərəfindən rəssam V-nin ikinci səfəri zamanı yazılmışdır. Kətan rəng minimalizmi, sadələşdirilmiş kompozisiya və rəsmin vurğulanmış bir xətti ilə seçilir - bunların hamısı şəklin əhəmiyyətini vurğulamaq üçün istifadə olunur. Keçid çağına çatan gənc yuxudan oyanıb çılpaq şəkildə çarpayının üstündə oturur, üzündə ciddi bir ifadə ilə başını aşağı salıb düşüncəyə qapıldı. Bədəninin bükülmüş vəziyyəti yalnız yataqdan qalxmağın adi bir jesti deyil; Symbolist sənətkarlar arasında tez-tez rast gəlinən bu motiv daha mürəkkəbdir. Yetkinlik və cinsi oyanış / günahsızlıq itkisi - bu mövzular Enckelin müasirlərinin çoxunu özünə cəlb etdi (məsələn, Munch-un narahatlıq doğuran "Yetişmə" (1894/95)). Qara və ağ palitrası zalım dünya ilə görüşün həzin əhval-ruhiyyəsini vurğulayır.

Başqa fin simvolik rəssamı, ən məşhur olmasa da Väinö Bloomstedt (Blomstedt) (Väinö Blomstedt) (1871-1947). Bloomstedt bir rəssam və tekstil dizayneri idi və xüsusilə Yapon sənətinin təsiri altındadır. Əvvəlcə Finlandiyada, daha sonra Pekka Halonen ilə birlikdə təhsil aldı. Artıq bildiyimiz kimi, bu Fin sənətçiləri Parisə gəldikləri müddətdə Tahitidən qayıtmış Gauguin ilə tanış oldular və ondan dərs almağa başladılar. Dürtüsel Bloomstedt dərhal Gauguin və rəngli nəfəs verən rəsmlərinin təsiri altına düşdü. Gauguin əsərindəki itirilmiş cənnəti axtarmaq Bloomstedt-ə çox yaxın idi. Yalnızca Gauguin bu cənnəti ekzotik ölkələrdə axtarırdısa, onda Väinö Bloomstedt, o dövrün bir çox Fin sənətkarı kimi, vətəni, bakirə ölkəsi Kalevala'nın köklərini axtarmağa yönəlmişdi. Bloomstedt rəsmlərinin qəhrəmanları çox vaxt xəyali və ya mifoloji obrazlardır.

Gauguin ilə tanış olduqdan sonra, 18990-cı illərin ortalarında Bloomstedt realist rəsm əsərlərindən imtina etdi və üz tutdu simvolizm və parlaq çox rəngli sintetik palitrası. Sembolizm ideologiyasına görə, vizual müşahidəyə əsaslanan real sənət çox məhduddur və insandakı ən vacib şeyin, onun emosional və mənəvi mahiyyətinin, həyatın özünün dərk edilməsinə imkan vermir. Gündəlik reallığın arxasında başqa bir dünya dayanır və simvolistlərin məqsədi bu dünyanı sənət vasitəsilə ifadə etməkdir. Simvolist sənətkarlar üç ölçülü bir reallıq illüziyası yaratmaq əvəzinə stilizə, sadələşdirməyə, dekorativliyə müraciət etdilər və saf və poetik bir şey tapmağa çalışdılar. Erkən İtalyan Rönesansına, tempera və fresk texnikalarının istifadəsinə olan maraqları bundan irəli gəlir. Parlaq nümunələrdən biri fin sənətkarlarının əsərlərindəki simvolizm şəkildir Väinö Bloomstedt « Francesca"(1897), izləyicini yuxu və unutma dünyasına qərq edən, statik və sehrli bir atmosferlə dolu olan haşhaş xaşxaş qoxusu ilə.

Bu şəkil üçün ilham Dante'nin Cəhənnəmdə Francesca da Rimini ilə görüşdüyü və Paolo'ya faciəvi sevgisinin hekayəsini izah etdiyi İlahi Komediya idi. Madonnanı xatırladan bir qız obrazı, qaranlıq sərvlər və rəsmin şəffaf rəngli səthi olan “İntibah” mənzərəsi (kətan boyanın içərisindən aydın şəkildə işıq saçır) İtalyan kilsələrində köhnə freskalardan xəbər verir. Bundan əlavə, xüsusi bir icra texnikasına görə şəkil qismən köhnəlmiş bir goblenə bənzəyir. Rəsm, Bloomstedt tərəfindən İtaliyaya səfəri zamanı çəkilmişdir. Prefaelitlərin sənətinin təsirini də görür.

Sənətdəki qadınlar: Fin sənətçiləri

Athenaeum Muzeyi kolleksiyasının əhəmiyyətli bir hissəsinin əsərlərdən ibarət olması ilə də diqqət çəkir qadın sənətçilərkimi dünyaca məşhur olanlar da daxil olmaqla fin sənətçisi Helena Schjerfbeck... 2012-ci ildə Athenaeum Muzeyində Helena Schjerfbeck-in anadan olmasının 150-ci ildönümünə təsadüf edən geniş bir əsər sərgisi təşkil edildi. Athenaeum Muzeyində Helena Schjerfbeck'in (212 rəsm, rəsm, eskiz kitabları) dünyanın ən böyük və ən eksiksiz kolleksiyası var.

Helena Schjerfbeck (Helena schjerfbeck) (1862-1946) Helsinki’də anadan olmuş, erkən yaşlarda rəssamlıq öyrənməyə başlamış və gəncliyində gözə çarpan bir bacarıq qazanmışdır. Uşaqlıqda pilləkənlərdən yıxılaraq Helenanın həyatına ağır bir kalça zədəsi vuruldu. Bu səbəbdən qız evdə təhsil almışdı - adi bir məktəbə getməmişdi, ancaq rəsm çəkmək üçün çox vaxtı var idi və qeyri-adi dərəcədə erkən yaşda sənət məktəbinə qəbul edildi. (Təəssüf ki, bud itkisi ömrünün sonuna kimi bir topal idi.) Adolf von Beckerin xüsusi akademiyasında da daxil olmaqla Finlandiyada oxuduqdan sonra Schjerfbeck təqaüd aldı və Colarossi Akademiyasında oxuduğu yerə getdi. 1881 və 1883-84-cü illərdə. o da Brittany'deki rəssam koloniyalarında çalışdı (rəsm " Kiçik bacısını bəsləyən oğlan”(1881), Fransanın bu bölgəsində yazılmış, indi hətta Fin modernizminin başlanğıcı hesab olunur). Bretaniyada naməlum bir İngilis sənətçisi ilə tanış oldu və onunla evləndi, lakin 1885-ci ildə bəy nişanını pozdu (ailəsi Helenanın kalça problemlərinin atasının öldüyü vərəmlə əlaqəli olduğuna inanırdı). Helena Schjerfbeck heç vaxt evlənməyib.

1890-cı illərdə Schjerfbeck bir vaxtlar özü bitirdiyi İncəsənət Cəmiyyəti Məktəbində dərs verdi. 1902-ci ildə səhhətindəki problemlər üzündən müəllimlikdən ayrıldı və anası ilə uzaq bir Hyvinkää əyalətinə köçdü. Səssizliyə ehtiyac duyan sənətkar, mükəmməl bir həyat sürdü, lakin sərgilərdə iştirak etməyə davam etdi. Schjerfbeck'in xalqa "kəşfi" 1917-ci ildə baş verdi: Rəssamın ilk fərdi sərgisi, Helsinki'deki ust Stenman sənət salonunda oldu, izləyicilər və tənqidçilərlə böyük bir müvəffəqiyyət qazandı və onun tənha varlığını narahat etdi. Növbəti geniş sərgi, 1937-ci ildə Stockholmda yüksək qiymətləndirmələr keçirildi, ardından İsveç daxilində bir sıra oxşar sərgilər izlənildi. 1935-ci ildə anası öldükdə Helena Tammisaaridə yaşamağa köçdü və son illərini İsveçdə, Saltsjobadendəki bir sanatoriyada keçirdi. Finlandiya, Schjerfbeck'in yaradıcılığına münasibət uzun müddət mübahisəli idi (istedadı yalnız 20-ci əsrin ikinci yarısında tanınmışdı), İsveçdə isə sənəti böyük bir həvəslə olduqca erkən qəbul edildi. Ancaq Schjerfbeckin həqiqətən geniş yayılmış beynəlxalq tanınması 2007-ci ildə Paris, Hamburg və Laheydə əsərlərinin genişmiqyaslı retrospektiv sərgilərinin keçirildiyi vaxt gəldi.

Helena Schjerfbeck'in bütün rəsmləri arasında dünyanın ən məşhurları həm üslubunun təkamülünü, həm də qocalma üzünü amansızcasına düzəldən sənətkarın özündəki dəyişiklikləri izləməyə imkan verən çoxsaylı özünütənqid portretləridir. Ümumilikdə, Schjerfbeck ilk 16 yaşında, sonuncusu 83 yaşında 40-a yaxın portret yazdı. Bunlardan altısı Athenaeum kolleksiyasındadır.

Ancaq yəqin ki, ən məşhur rəsm Helena Schjerfbeck kətandır " Sağalma " (1888), tez-tez inci adlanır athenaeum Muzeyi... İctimaiyyət tərəfindən yüksək qiymətləndirilən 26 yaşlı sənətkarın 1889-cu ildə Parisdəki Ümumdünya Sərgisində bürünc medala layiq görüldü (bu kətan "İlk Yaşıllar" adı altında sərgiləndi ( Première verdure) - bu, Schjerfbeck'in əvvəlcə şəkli adlandırdığı şeydir). Xəstə uşaqların mövzusu 19-cu əsrdə sənətdə yaygındır, lakin Schjerfbeck yalnız bir xəstə deyil, yaxşılaşan bir uşağı təsvir edir. Bu əsəri İngiltərənin cənub-qərbindəki Cornwall'daki mənzərəli St Ives sahil qəsəbəsində çəkdi, burada sənətkar 1887-1888, sonra 1889-1890-cı illərdə avstriyalı dostunun tövsiyəsi ilə getdi.

Bu əsər tez-tez Schjerfbeck əsərindəki naturalist işıq rəsminin son nümunəsi adlanır (daha sonra üslublu modernizmə və zahid palitrası ilə demək olar ki, mücərrəd ekspressionizmə keçdi). Burada sənətkar işıqla ustalıqla işləyir, tamaşaçının baxışlarını saçları tüklü və qızmar qızılı yanaqları olan, əlində baharın və yeni həyatın simvolu olan kövrək çiçək açan budaqlı bir kupa tutan bir qızın üzünə çəkir. Uşağın dodaqlarında sağalma ümidini ifadə edən bir təbəssüm oynayır. Bu həyəcan verici şəkil izləyicini tutur, ona empatiya hiss etdirir. Bir mənada, rəsm o dövrdə nişan vermə fasiləsindən sonra özünə gəlməyə çalışan rəssamın avtoportreti adlandırıla bilər. Bu şəkildəki Schjerfbeckin özünü bir uşaq kimi təsvir etməsi, bizə özünü necə hiss etdiyini, tez-tez yataqda olduğunu və baharın ilk əlamətlərindən sevindiyini izah etməsi də mümkündür.

Nəzərinizə çatdıraq ki, Helena Schjerfbeckin ən məşhur əsərləri hazırda İsveçdə "qastrol səfərindədir". Bir sərgi Stokholmda reallaşır və fevralın sonuna qədər, digəri Göteborqda (avqust 2013-cü ilə qədər) davam edəcək.

Bir daha fin sənətçisi, əsərləri ilə Athenaeum Muzeyində tanış ola bilərsiniz Problem Shernschanz (Sternschantz)(Beda stjernschantz) (1867-1910). Yeri gəlmişkən, muzeydə 2014-cü ildə rəssamın əsərlərindən ibarət genişmiqyaslı sərginin keçirilməsi planlaşdırılır. Bede Schernschanz bir nəslin vacib üzvü idi fin Symbolist Rəssamları 19-cu və 20-ci əsrlərin sonlarında. Porvoo şəhərində bir kübar ailəsində anadan olub. 1886-cı ildə atası vəfat etdi və ailə maddi çətinliklərlə üzləşdi. Digər qadın sənətçilərdən fərqli olaraq, Schernschanz dolanışıq üçün çalışmalı idi. 1891-ci ildə, başqa bir məşhur Fin sənətçisi Ellen Tesleff ilə eyni vaxtda Parisə gəldi və qızlar birlikdə Colarossi Akademiyasına yazıldı. Bede'nin müəllimi Magnus Enkell idi, onun təsiri altında simvolizm fikirlərini mənimsəmişdi. Bu cərəyanın nümayəndələri əmindilər ki, sənət təbiəti köləliklə kopyalamamalı, əksinə gözəllik, incə hiss və təcrübələrin ifadəsi üçün təmizlənməlidir. Pul çatışmazlığı səbəbindən Schernschanz Parisdə yalnız bir il yaşadı. Finlandiyaya qayıdaraq özünə yer tapa bilmədi və 1895-ci ildə dilini, adətlərini və geyimlərini qoruyan uzun müddətdir davam edən bir İsveç məskəninin olduğu Estoniyanın Vormsi adasına getdi. Orada rəssam “ Hər yerdə bir səs bizə zəng edir"(1895). Rəsmin adı o vaxtlar məşhur olan Finlandiya Mahnılarından bir sitatdır ( Suomen laulu) sözlərini şair Emil Kwanten tərəfindən yazılmışdır. Gördüyünüz kimi, yalnız Kareliya Fin sənətçilərinin təmiz təbiət və insanlar axtarmağa getdiyi bir yer deyildi.

Rəssam bu poetik kətan üzərində milli ənənələrini və dilini yad bir mühitdə qorumağı bacaran bir qrup İsveçli uşağı təsvir etdi. Bu səbəbdən, bəzi tənqidçilər, xüsusən qızlardan birinin ifa etdiyi kantele aləti kompozisiyada mühüm yer tutduğundan, rəsmdə vətənpərvər bir məna gördülər. Başqa bir qız oxuyur və bu səslər sərt mənzərəni yel dəyirmanları ilə doldurur. Tamamilə statik, donmuş pozalar və ətrafdakı mənzərənin boşluğu sayəsində tamaşaçı, sanki, kətanda səslənən musiqini dinləməyə başlayır. Görünür, hətta külək də susdu, nə bitkilər, nə də yel dəyirmanları hərəkət edir, sanki sehrlənmiş bir səltənətdəyik, vaxtı keçmiş bir məkanda. Əgər mənzərənin simvolik təfsirinə əsaslansaq, bu mistik mənzərənin fonunda dindar və fokuslanmış uşaqların üzləri günahsızlıq vəziyyətini çatdırmaq üçün bir yoldur. Bundan əlavə, simvolistlərin bir çox digər əsərlərində olduğu kimi, sənətlərin ən ethereal və ən nəcibləri olan musiqiyə xüsusi bir vəzifə verilir.

1897-98-ci illərdə. Finlandiya hökumətindən bir qrant alan Bede Shernschanz, İtaliyanı gəzməyə getdi, lakin bu müddətdən sonra yaradıcılıq fəaliyyəti azaldı. Sənətkarın irsi kiçik olsa da, tədqiqatçıların marağına səbəb oldu və gələcəkdə əsrin başlanğıcındakı beynəlxalq şəraitdə əsərlərinin əhəmiyyəti haqqında daha çox məlumat alması üçün bir sıra konfrans və nəşrlərin aparılması gözlənilir.

Eyni dövrün başqa bir maraqlı fin sənətçisi Elin Danielson-Qamboca (Elin Danielson-Gambogi) (1861-1919). Elin Danielson-Qamboca birinci nəsil fin dilinə aid idi qadın sənətçilərpeşə təhsili alanlar. Əsasən realist portret janrında çalışıb və həm həyatda, həm də işdə azadlığı və bohem həyat tərzi ilə həmkarlarından fərqlənib. Qadınların cəmiyyətdəki mövqeyini tənqid etdi, şalvar geydi və siqaret çəkdi, antikonformist bir həyat sürdü və Norveç heykəltəraşı Gustav Vigeland da daxil olmaqla bir çox sənətçi ilə əlaqə qurdu (1895-ci ildə bir əlaqələri vardı). Gündəlik vəziyyətlərdə qadınları əks etdirən rəsmləri bir çox tənqidçi tərəfindən ədəbsiz və ədəbsiz hesab olunurdu.

« AvtoportretElin Danielson-Gambodia (1900), sənətkarın Avropada tanınmağa başladığı bir dövrdə çəkilmişdir. Sənətçi əlindəki fırça və palitrası ilə studiyasında təsvir olunur və pəncərənin önündəki pərdənin içərisindən işıq axınları keçirərək başının ətrafında halo yaradır. Kətanın geniş formatı, sənətkarın pozası və baxışı - bütün bunlar müstəqil və özünə inanan bir təbiəti ifadə edir. Bu rəsm üçün Danielson-Gambodia 1900-cü ildə Florensiyada gümüş medala layiq görülmüşdür.

Elin Danielson-Qamboca, Pori şəhəri yaxınlığında bir kənddə anadan olub. Onların ailə təsərrüfatı 1871-ci ildə iflas etdi və atası bir il sonra intihar etdi. Buna baxmayaraq, ana 15 yaşında Elin köçdü və rəsm öyrənməyə başladığı üçün vəsait tapmağı bacardı. Qız sərt sosial mühitdə, sərbəst bir atmosferdə böyüdü. 1883-cü ildə Danielson-Qamboca, təhsilini Colarossi Akademiyasında davam etdirdiyi yola getdi və yayda Bretanidə rəssamlıq təhsili aldı. Sonra sənətçi Finlandiyaya qayıtdı, burada digər rəssamlarla söhbət etdi və sənət məktəblərində dərs verdi və 1895-ci ildə təqaüd aldı və Florensiyaya getdi. Bir il sonra Antignano kəndinə köçdü və İtalyan sənətçisi Qambocalı Rafaello ilə evləndi. Cütlük Avropadakı çoxsaylı sərgilərdə iştirak etmişdir; əsərləri Parisdəki 1900 Dünya Sərgisində və 1899-cu ildə Venesiya Biennalesində nümayiş olundu. Ancaq 20-ci əsrin əvvəllərində ailə problemləri və maddi çətinliklər, xəyanət və ərinin xəstəliyi başladı. Elin Danielson-Qamboca, sətəlcəmdən öldü və Livornoda dəfn edildi.

Nəhayət, arasında fin qadın sənətçilər ad çəkməmək mümkün deyil Ellen Tesleff (Ellen thesleff) (1869-1954). Bu qədər erkən tanınmağı Finlandiya müəllifləri azdır. Artıq 1891-ci ildə gənc Tesleff Finlandiya İncəsənət Cəmiyyətinin sərgisində ecazkar işi ilə iştirak etdi " Echo» ( Kaiku) (1891), tənqidçilərdən yüksək tərif aldı. O dövrdə Gunnar Berndtson'un xüsusi akademiyasını yenicə bitirmişdi ( GunnarBerndtson) və qızın dostu Beda Shernschanz ilə Colarossi Akademiyasına daxil olduğu ilk səyahətinə gedirdi. Parisdə simvolizmlə tanış oldu, amma ilk vaxtlardan bəri sənətdə öz müstəqil yolunu seçdi. Bu dövrdə, zahid rəngli rəsmlər yaratmağa başladı.

Ellena Tesleff üçün ən vacib ilham mənbəyi İtalyan sənəti idi. Artıq 1894-cü ildə, erkən İntibahın doğulduğu yerə, Florensiyaya getdi. Burada sənətçi Luvrda olarkən əsərlərinə heyran qaldığı Botticelli'nin əsərləri də daxil olmaqla bir çox möhtəşəm dini rəsm əsərlərini gördü. Tesleff monastır fresklərini də kopyaladı. Ruhani İtalyan rəssamlığının təsiri onun poetik, ülvi bir sənətə can atmasını daha da gücləndirdi və sonrakı illərdə əsərindəki rəngli zahidlik maksimum dərəcədə artırıldı. Əsərlərinin tipik motivləri sərt, qaranlıq mənzərələr və xəyalpərəst və melankolik insan fiqurlarıdır.

Bu dövrə aid əsərlərə təvazökar ölçülü “ Avtoportret"(1894-95) Ellen Tesleff, sadə qələmlə çəkilmişdir. Florensiyada yaradılan bu avtoportret iki illik hazırlıq işinin nəticəsidir. Qaranlıqdan çıxan ruhi üz bizə sənətkar və o dövrdəki idealları haqqında çox şey izah edir. Sembolizm fəlsəfəsinə uyğun olaraq, varlığın təməl suallarını verdi və insan hisslərini araşdırdı. Bu avtoportretdə Leonardo da Vinçi sənətinin müasir suallarını və həyat sirlərini əks etdirən təcəssümünü görə bilərsiniz. Eyni zamanda, şəkil çox fərdi: Tesleffin iki il əvvəl baş verən sevimli atasının ölümü ilə bağlı kədərini əks etdirir.

Tesleff bir musiqi ailəsində böyüdü və uşaqlıqdan bacıları ilə mahnı oxumağı və musiqi oynamağı çox sevirdi. Onun yaradıcılığında ən çox görülən motivlərdən biri səsin ən ibtidai növü olan əks-səda və ya qışqırıq idi. Həm də ən əzəmətli və mürəkkəb musiqi alətlərindən biri olan skripkada ifa edirdi. Məsələn, “rəsm üçün bir model Skripka çalır"(" Skripkaçı ") (1896), sənətçinin 1890-cı illərdə onun üçün tez-tez poz verən bacısı Tira Elizabeth tərəfindən səsləndirildi.

Kompozisiya isti şəffaf, inci-opal tonlarında davamlıdır. Skripkaçı diqqətini oyuna yönəldərək izləyicidən uzaqlaşdı. Ən mənəvi, ilahi sənət kimi qiymətləndirilən musiqi mövzusu simvolizmdə ən geniş yayılmış mövzulardan biri idi, lakin sənətçilər nadir hallarda qadın musiqiçiləri təsvir edirdilər.

Dostu Magnus Enckel kimi, işinin ilk mərhələsində Ellen Tesleff rəng zahidliyinə üstünlük verdi. Ancaq sonra onun tərzi dəyişdi. Kandinsky və onun Münhen dairəsinin təsiri altında sənətçi Finlandiyada ilk fovist oldu və 1912-ci ildə Fin birliyinin sərgisində iştirak etməyə dəvət edildi. Sentyabr, parlaq təmiz rənglər üçün ayağa qalxdı.

Lakin onun iştirakı sərgidən kənara çıxmadı: Tesleff tənhalığın güclü bir şəxsiyyətin normal vəziyyəti olduğunu düşünərək heç bir qrupa qoşulmadı. Köhnə boz-qəhvəyi çeşiddən uzaqlaşaraq, daha yetkin yaşda, Tesleff rəngarəng və çox qatlı rəng xülyaları yaratmağa başladı. Bacısı və anası ilə birlikdə dəfələrlə Toskana ziyarət etdi, burada günəşli İtalyan mənzərələrini çəkdi.

Tesleff heç vaxt evlənməyib, lakin yaradıcı bir insan kimi iştirak edib. Sənətçi uzun bir ömür yaşadı və tanınmağa başladı.

Afinada xarici sənət

Afina Muzeyinin xarici sənət kolleksiyasında Sezanne, Vaq Qoq, Şaqal, Modigliani, Munk, Repin, Rodin, Zorn kimi məşhur ustaların yaratdığı 650-dən çox rəsm, heykəl və rəsm təqdim olunur.

Xarici kolleksiyadan athenaeum Muzeyi vurğulamaq van Qoqun "Auvers-sur-Oise Caddesi" adlı rəsm əsəri (1890). Vincent van Gogh bu şəkli ölümündən bir az əvvəl, kiçik Auvers-sur-Oise qəsəbəsində çəkdi ( Auvers-sur-Oise), Seine qolu vadisində, təxminən 30 km şimal-qərbdə yerləşir. Zehni xəstəliklərdən əziyyət çəkən Van Gogh, qardaşı Theo-nun tövsiyəsi ilə Dr Paul Gachet tərəfindən müalicə üçün Auvers-sur-Oise'a getdi. Bu həkimin klinikası Auvers-sur-Oise-də yerləşirdi - sənətə laqeyd olmayan, bir çox Fransız sənətkarına bələd olan və Van Qoqun dostu olan bir adam.

Auvers-sur-Oise qəsəbəsi, sonunda qardaşı və ailəsi üçün bir yük kimi hiss edən sənətçinin ölüm yerinə çevrildi. Van Qoq özünü vurdu və sonra qan itkisindən öldü. Sənətçi ömrünün son 70 günü ərzində Auvers-sur-Oise şəhərində yaşamış, bu qısa müddətdə 74 rəsmini tamamlamış, bunlardan biri indi Helsinki’nin əsas sənət muzeyindədir. Bəlkə də rəsm yarımçıq qalıb (bəzi yerlərdə astar görünür). Göyün parlaqlığı yerin daha sakit yaşıl tonları və kirəmitli çatıların qırmızı rəngləri ilə təyin olunur. İnsan bütün mənzərənin mənasız bir hərəkətdə olduğu, narahat bir enerji içində olduğu təəssüratını alır.

Çox maraqlı bir hekayə "Auvers-sur-Oise'deki bir küçə" tablosunun necə içəri girməsidir athenaeum Muzeyi... Van Gogh'un ölümündən bir müddət sonra, sənətkarın qardaşı Theo-ya, daha sonra Julien Leclerc tərəfindən rəsm əsərini aldığı dul qadına ( Julien Leclercq) bir Fransız şair və sənətşünasdır. 1900-cü ildə Leklercin Van Qoqun ən azı 11 əsərini Teo'nun dul qadınından aldığı məlumdur. Bir il sonra Van Goghun ilk retrospektiv sərgisini təşkil etdi, lakin çox keçmədən gözlənilmədən öldü. Leclerc'in həyat yoldaşı pianoçu Fanny Flodine idi ( FannyFlodin), Fin rəssam və heykəltəraş Hilda Flodinin bacısı ( Hilda flodin). 1903-cü ildə Fanny Van Gogh rəsmini yuxarıda göstərilən kolleksiyaçı Fridtjof Antellin nümayəndələrinə 2500 markaya (müasir pulla təxminən 9500 avro) satdı. Bu kətan oldu köhnə Kilsənin Vaq Qoqun ilk rəsm əsəri

Fin sənətçisi Berndt Lindholm (1841-1914).

Berndt Adolph Lindholm Berndt Adolf Lindholm, (Loviisa 20 Avqust 1841 - 15 May 1914, Göteborg, İsveç) bir Fin ressamı idi, həm də ilk Finlandiya impressionistlərindən biri sayılır. Lindholmeyni zamanda Parisdə təhsil alan ilk Skandinaviya sənətkarı idi. Pporvoudakı ilk rəsm dərslərini rəssam Johan Knutsondan almış və daha sonra Turku'daki İncəsənət Cəmiyyətinin Fin Rəsm Məktəbinə köçmüşdür. 1856-1861-ci illərdə. o Ekmanın tələbəsidir.1863-1865 Lindholm xaricdə təhsilini Düsseldorf İncəsənət Akademiyasında davam etdirdi.Almaniyanı tərk etdi və birlikdə ( Hjalmar Munsterhelm) Magnus Hjalmar Munsterhjelm (1840-1905) (Tulos 19 oktyabr 1840 - 2 aprel 1905)karlsruhe'deki vətəninə döndü (1865-1866), burada xüsusi dərs almağa başladıHans Fredrik Gude (1825-1903), və sonra 1873-1874-cü illərdə Leon Bonnanın müəllimi olduğu Parisə iki dəfə baş çəkdi. Fransabarbizon adamı Charles-Francois Daubigny ilə yaxından ünsiyyət qurdu.Théodore Rousseau-nun işini də qiymətləndirdi və Jean-Baptiste Camille Corotun işinə heyran qaldı.İlk fərdi sərgi 1870-ci ilin payızında Lindholmun yüksək qiymətləndirildiyi Helsinki-də təşkil edildi. 1873-cü ildə İncəsənət Akademiyası "Savolas əyalətindəki meşə" və digər rəsm əsərlərinə görə akademik adını verdi., 1876-cı ildə Filadelfiyadakı Dünya Sərgisinin medalına layiq görüldü; 1877-ci ildə Finlandiya Dövlət Mükafatına layiq görülmüşdür.daha çox xaricdə yaşayırdılar. 1876-cı ildə Göteborqa köçdü və muzey kuratoru olaraq çalışdı (1878-1900). Göteborq Rəsm və Rəssamlıq Məktəbində də dərs demiş, daha sonra Gözəl Sənətlər Akademiyasının prezidenti və İsveç Kral Akademiyasının üzvü seçilmişdir..O sənətkar dostu və rəqibindən daha çox yönlü idi Maqnus Hjalmar Munsterhelmömrü boyu romantik mənzərəyə sadiq qalan.Başlanğıcda Lindholm tipik romantik mənzərələr də çəkdi və sonra Fransız plein hava rəsminin təsiri altında tədricən realizmə yaxınlaşdı. Karyerasının sonlarında yalnız sahil və dəniz mənzərələrinə keçdi, bunun da bilinir Lindholm Zacharias Topelius - (Zacharias Topelius, 1818-1898) - Fin ədəbiyyatının ən görkəmli nümayəndələrindən biri olan kitabın illüstrasiyasında iştirak etmişdir. Şair, romançı, hekayəçi, tarixçi və publisist - həm evdə, həm də hüdudlarından çox kənarda sevgi və tanınma qazandı. Topelius İsveç dilində yazırdı, baxmayaraq ki, Fin dilini yaxşı bilirdi. Topeliusun əsərləri iyirmidən çox dilə tərcümə edilmişdir. Qeyri-adi dərəcədə çoxşaxəli bir istedada və inanılmaz iş qabiliyyətinə sahib idi, əsərlərinin tam kolleksiyası otuz dörd cilddir. (Z. Topelius. Finlandiyada səyahət. Nəşr F. Tilgman, 1875. İsveç F. Heuren-dən tərcümə edilmişdir. A. von Becker, A. Edelfelt, R. V. Eckmann, V. Holmberg, KE-nin orijinal rəsmlərindən bir çox qravür var Janson, O. Kleine, I. Knutson, B. Lindholm, G. Munstergelm və B. Reingold). Lindholmun 10 illüstrasiyası İmatra şəlaləsinə həsr olunmuşdur.Finlandiyada sənətkarın Fransada olduğu müddətdə etdiyi əsərlər tam qiymətləndirilməmiş, demək olar ki, hamısı şəxsi kolleksiyalardadır.

Qayalı çimərlik . Daha... ">

Günəşin işıqlandırdığı qayalar.

Şam meşəsinin kənarı.

Bir ağac kəsən fiquru olan meşə mənzərəsi.

Çay axır qayalıq sahə

Yulaf yığın.

Sahil xətti

Ay işığında qış mənzərəsi

Sahildən mənzərə.

Rıhtımdakı qayıqlar

Ətəklər.

Huş ağacı ilə mənzərə

Dəniz mənzərəsi.

Dəniz mənzərəsi.

Qayaların görünüşü.

Həsrət

Günəş işığı meşə.

Ladoga görünüşü.

Balıqçılar səhər duman

Üfüqdə gəmilər.

Montmart, Paris.

Porvoo adasından

Otlaqdakı inəklər