İtalyan Rönesans rəsmləri - Giotto, Masaccio, Angelico, Titian və Giorgione. İntibah Rəssamları ▲ İngilis İntibah Sənətçiləri

ANGELICO Fra Beato
GIOTTO di Bondone
MANTENIA Andrea
BELLINI Giovani
BOTTICELLI Sandro
VERONEZE Paolo
da VINCI Leonardo
JORDONE
Carpaccio Vittore
MICHELANGELO BUONARROTI
RAFAEL Santi
TİTİAN

Rönesans və ya Rönesans -
(Fransız Rönesansı, İtalyan Rinascimento) -
Avropa mədəniyyəti tarixində bir dövr,
orta əsrlər mədəniyyətini əvəz edən və
müasir dövr mədəniyyətindən əvvəl.
Dövrün təxmini xronoloji çərçivəsi - XIV-XVI əsrlər.
İntibah dövrünün fərqli bir xüsusiyyəti mədəniyyətin dünyəviliyidir
və onun antroposentrizmi (yəni maraq, ilk növbədə,
bir insana və onun fəaliyyətinə).
Qədim mədəniyyətə maraq görünür,
sanki "yenidən doğuş" var - və termin belə ortaya çıxdı.

Rönesans, İtaliyada klassik bir bütünlüklə reallaşdı,
Rönesans mədəniyyətində, Rönesansdan əvvəlki dövrlər mövcuddur
13-cü və 14-cü əsrin əvvəllərindəki hadisələr. (Proto-Rönesans), Erkən Rönesans (XV əsr),
Yüksək İntibah (XV əsrin sonu - XVI əsrin birinci rübü),
Son İntibah (16-cı əsr).
İlk İntibah dövründə yeniliyin mərkəzində dururdu
Florensiya məktəbi bütün sənət növlərində oldu,
memarlar (F. Brunelleschi, L.B. Alberti, B. Rossellino, və s.),
heykəltəraşlar (L. Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, A. Rossellino,
Desiderio da Settignano, və s.), Rəssamlar (Masaccio, Filippo Lippi,
Andrea del Castagno, Paolo Uccello, Fra Angelico,
Sandro Botticelli və başqaları) plastik bir inteqrasiya yaratmış,
daxili birliyə sahib dünya anlayışı,
tədricən İtaliyaya yayılır
(Piero della Francesca'nın Urbino, Vittore Carpaccio,
Ferrara'daki F. Cossa, Mantua'daki A. Mantegna, Antonello da Messina
və Venesiyada Gentile və Giovanni Bellini qardaşları).
Yüksək İntibah dövründə, humanist bir mübarizə üçün
İntibah idealları gərgin və qəhrəman xarakter aldı,
memarlıq və vizual sənətlər enlə işarələnmişdir
ictimai səs, təsvirlərin sintetik ümumiləşdirilməsi və gücü,
mənəvi və fiziki fəaliyyətlə doludur.
D. Bramante, Rafael, Antonio da Sangallo binalarına çatdı
apogeyi mükəmməl bir harmoniya, monumentallıq və aydın nisbətdir;
humanist dolğunluq, bədii təxəyyülün cəsarətli uçuşu,
reallığın əhatə dairəsinin genişliyi ən böyüyünün yaradıcılığı üçün xarakterikdir
bu dövrün təsviri sənətləri - Leonardo da Vinci,
Rafael, Mikelancelo, Giorgione, Titian.
İtaliyanın siyasi böhran dövrünə girdiyi 16-cı əsrin ikinci rübündən
və bir çox ustadın işi olan humanizm fikirlərində məyusluq
mürəkkəb və dramatik bir xarakter qazandı.
Son Rönesansın memarlığında (Michelangelo, G. da Vignola,
Giulio Romano, V. Peruzzi) məkan inkişafına marağı artırdı
binanın tərkibi, geniş şəhərsalma konsepsiyasına tabe olması;
zəngin və inkişaf etmiş ictimai binalarda, məbədlərdə,
villa, Palazzo Erkən İntibahın açıq tektonikası dəyişdirildi
sıx tektonik qüvvələrin toqquşması (binalar J. Sansovino,
G. Alessi, M. Sanmicheli, A. Palladio).
Son Rönesans rəsm və heykəltəraşlıq zənginləşdirildi
dünyanın ziddiyyətli təbiətinin anlaşılması, obraza maraq
dramatik kütləvi fəaliyyət, məkan dinamikasına
(Paolo Veronese, J. Tintoretto, J. Bassano);
görünməmiş dərinliyə, mürəkkəbliyə, daxili faciəyə çatdı
sonrakı əsərlərdəki obrazların psixoloji xüsusiyyətləri
Mikelancelo və Titian.

Venesiya məktəbi

İtaliyanın əsas rəsm məktəblərindən biri olan Venesiya məktəbi
mərkəzində Venesiya (qismən də Terrafarm'ın kiçik şəhərlərində)
materikin Venesiyaya bitişik əraziləri).
Venesiya məktəbi şəkilli başlanğıcın üstünlük təşkil etməsi ilə xarakterizə olunur,
rəng problemlərinə xüsusi diqqət, həyata keçirmək istəyi
varlığın həssas tamlığı və parlaqlığı.
Dövrdə Venedik məktəbinin ən böyük çiçəklənməsi
Erkən və Yüksək Rönesans, Antonello da Messina'nın əsərlərində,
müasirləri üçün yağlı boya sənətinin ifadəli imkanlarını açan,
Giovanni Bellini və Giorgione tərəfindən ideal harmonik şəkillərin yaradıcıları,
öz tuvallərində təcəssüm etdirən ən böyük rəngçi Titian
Venesiya rəssamlığına xas olan şənlik və rəngarəng bolluq.
XVI əsrin II yarısı Venesiya məktəbi ustalarının əsərlərində.
dünyanın rəngarəngliyini çatdırmaqda mahirlik, bayram tamaşalarına sevgi
və çoxşaxəli bir izdiham açıq və gizli drama ilə bir yerdə yaşayır,
kainatın dinamikliyi və sonsuzluğunun həyəcan verici bir hissi
(Paolo Veronese və J. Tintoretto tərəfindən rəsm).
Ənənəvi Venesiya məktəbində 17 yaşında rəng problemlərinə maraq
D. Fetti, B. Strozzi və başqalarının əsərlərində Barok boyama üsulları ilə bir arada mövcuddur,
həmçinin karavaqqizm ruhundakı real meyllər.
18-ci əsrin Venesiya rəsmləri üçün. çiçəklənir
monumental və dekorativ rəsm (G. B. Tiepolo),
janr növü (J. B. Piazzetta, P. Longhi),
sənədləşdirilmiş - dəqiq memarlıq mənzərəsi - qurğuşun
(J.A. Canaletto, B. Belotto) və lirik,
gündəlik həyatın poetik atmosferini incə şəkildə çatdırmaq
Venesiya şəhər mənzərəsi (F. Guardi).

Florensiya məktəbi

İtaliyanın qabaqcıl sənət məktəblərindən biri olan Florensiya Məktəbi
Florensiya şəhərində mərkəzi olan intibah.
Nəhayət XV əsrdə formalaşan Florensiya məktəbinin formalaşması,
humanist düşüncənin çiçəklənməsinə kömək etmişdir
(F. Petrarca, G. Boccaccio, Lico della Mirandola və başqaları),
antik mirasa müraciət etdi.
Giotto, Proto-İntibah dövründə Florensiya məktəbinin qurucusu oldu,
kompozisiyalarına plastik inandırıcılıq və
həyati əminlik.
XV əsrdə. Florensiyada İntibah sənətinin qurucuları
memar F. Brunelleschi, heykəltəraş Donatello,
rəssam Masaccio, ardından memar L.B. Alberti,
heykəltəraşlar L. Ghiberti, Luca della Robbia, Desiderio da Settignano,
Benedetto da Maiano və başqaları
XV əsrdə Florensiya məktəbinin memarlığında. yeni bir tip yaradıldı
İntibah palazzo, ideal tip məbəd binası axtarışına başladı,
dövrün humanist ideallarına cavab verən.
XV əsr Florensiya məktəbinin təsviri sənətləri üçün. xarakterik
perspektiv problemlərinə ehtiras, plastik cəhətdən aydınlığa can atmaq
insan fiquru qurmaq
(A. del Verrocchio, P. Uccello, A. del Castagno, və s.),
və bir çox ustaları üçün - xüsusi bir mənəviyyat və səmimi bir lirik
təfəkkür (B. Gozzoli, Sandro Botticelli,
Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo və başqaları).
XV əsr ustalarının axtarışları İntibahın böyük sənətkarları tərəfindən tamamlandı
Leonardo da Vinci və Michelangelo
Florensiya məktəbi yeni keyfiyyət səviyyəsinə. 1520-ci illərdə.
olmasına baxmayaraq məktəbin tədricən azalması başlayır
bir sıra böyük sənətkarların Florensiyada işləməyə davam etməsi
(rəssamlar Fra Bartolommeo və Andrea del Sarto, heykəltəraş A. Sansovino);
1530-cu illərdən. Florensiya məktəbi əsas mərkəzlərdən birinə çevrilir
stilist sənət (memar və rəssam G. Vasari,
rəssamlar A. Bronzino, J. Pontormo).
17-ci əsrdə Florensiya məktəbi tənəzzülə uğradı.

Erkən intibah

"Erkən İntibah" deyilən dövrü əhatə edir
İtaliyada vaxt 1420 ilə 1500 arasındadır.
Bu səksən il ərzində sənət hələ tamamilə tərk edilməyib
yaxın keçmişin əfsanələrindən, ancaq elementləri onlarla qarışdırmağa çalışır,
klassik antik dövrdən götürülmüşdür.
Yalnız sonralar və getdikcə daha çox təsiri altında az-az
və daha güclü dəyişən həyat və mədəniyyət şərtləri,
sənətkarlar orta əsr təməllərini tamamilə tərk edir və cəsarətlə istifadə edirlər
əsərlərinin ümumi konsepsiyasında olduğu kimi qədim sənət nümunələri,
və onların detallarında.

İtaliyada sənət onsuz da qətiyyətlə təqlid yolu tuturdu
klassik antik, digər ölkələrdə belə idi
Gotik üslub ənənələri. Alpların şimalında və İspaniyada,
Dirçəliş yalnız XV əsrin sonunda gəlir,
və erkən dövrü növbəti əsrin ortalarına qədər davam edir,
Bununla birlikdə, xüsusilə diqqətəlayiq bir şey istehsal etmədən.

Yüksək İntibah

Rönesansın ikinci dövrü - üslubunun ən möhtəşəm inkişaf dövrü -
ümumi olaraq "Yüksək İntibah" adlanır
İtaliyada təxminən 1500 ilə 1580 arasında uzanır.
Bu zaman, Florensiyadan gələn İtalyan sənətinin ağırlıq mərkəzi
II Julius papalığına qoşulma sayəsində Romaya köçür,
iddialı, cəsarətli və təşəbbüskar bir insan,
ən yaxşı İtalyan sənətçilərini məhkəməsinə cəlb etdi,
çoxsaylı və vacib əsərlərlə onları məşğul edən və verdi
başqalarına sənətə məhəbbət nümunəsi. Bu Papa və onun ən yaxın varisləri ilə
Roma, sanki Perikl dövrünün yeni Afinasına çevrilir:
orada bir çox abidə abidəsi yaradılmışdır,
möhtəşəm heykəltəraşlıq əsərləri ifa olunur,
hələ də rəsm inciləri sayılan freskalar və rəsmlər çəkilir;
Sənətin hər üç qolu ahəngdar şəkildə əl-ələ verərkən,
bir-birinə kömək etmək və qarşılıqlı olaraq bir-birinə təsir göstərmək.
Qədimlik indi daha dərindən öyrənilir,
daha sərt və tutarlılıqla çoxaldılır;
oynaq gözəllik əvəzinə sakitlik və ləyaqət qurulur,
əvvəlki dövrün istəyi olan;
orta əsrlər xatirələri tamamilə yox olur və olduqca klassikdir
iz bütün sənət əsərlərinə düşür.
Ancaq köhnələrin təqlidi sənətkarlarda müstəqilliklərini boğmaz,
və onlar böyük bir bacarıqla və fantaziyanın canlılığı ilə,
sərbəst işləyin və tətbiq edin
onun üçün Yunan-Roma sənətindən borc almağın məqsədəuyğun sayılır.

Son Rönesans

İntibahın üçüncü dövrü,
"mərhum İntibah" dövrü,
sənətkarların bəzi ehtiraslı, narahat bir istəyi ilə seçilir
kifayət qədər özbaşına, ağlabatan bir ardıcıllıq olmadan inkişaf etdirin
və xəyali mənzərəyə çatmaq üçün antik motivləri birləşdirin
şişirtmə və formaların iddialılığı.
Barok üslubunu doğuran bu istəyin əlamətləri,
və sonra, 18-ci əsrdə Rokoko stili yenidən göstərildi
əvvəlki dövr böyük ölçüdə istəməz səhv səbəbiylə
böyük Michelangelo, onun dahiyanə, lakin çox subyektivdir
son dərəcə sərbəst bir münasibətin təhlükəli bir nümunəsinin yaradıcılığı
qədim sənət prinsiplərinə və formalarına; amma indi istiqamət
universaldır.

****************************************************

ANGELICO, FRA BEATO -
(Fra Giovanni da Fiesole) (Angelico, fra Beato; fra Giovanni da Fiesole)
(təqribən 1400-1455), Florensiya məktəbinin italyan rəssamı.
Əsərləri dərin dini məzmunu və üslubun incəliyini birləşdirirdi;
Gotik rəsm ənənəsi və İntibahın yeni sənətinin xüsusiyyətləri.
Dünyada Guido di Piero adını alan Fra Angelico,
1400-cü ildə Toskana'nın Vicchio qəsəbəsində anadan olmuşdur. 1417-ci ilə aid bir sənəddə,
onsuz da bir sənətkar kimi xatırlanır; bu da bilinir
1423-cü ildən əvvəl Fiesolda Fra Giovanni da Fiesole adını alaraq Dominik nizamına girdiyini,
və sonra Florensiyadakı San Marco monastırının abbatı idi.
Fra Angelico'nun erkən dövrünə aid bir çox əsər,
indi şagirdlərinin əsərləri, bəstələrinin mövzularındakı dəyişikliklər hesab olunur.
Rəssamın ilk böyük əsərlərindən biri, monastırdan Linayuoli üçbucağıdır
Florensiyadakı San Marco (1433-1435), mərkəzi hissəsində Bakirə və Uşaq təmsil olunur
taxtda və yan panellərdə iki müqəddəs var. Tanrı Anasının rəqəmi ənənəvi olaraq göstərilir,
və dayanan müqəddəslərin təsvirində, üzlərin ağır və sərt modelləşdirilməsi ilə Masaccio rəsminin təsiri nəzərə çarpır.
1430-cu və 1440-cı illərdə Fra Angelico yeni bir qurbangah növü istifadə edənlərdən biri idi,
İntibah dövründə çox populyarlaşan - sacra talkazione (müqəddəs reportaj).
1438-1445-ci illərdə rəssam San Marco Florensiya monastırını fresklərlə boyadı.
Papa IV Eugene tərəfindən Dominik əmrinə təhvil verilən bu monastır bir memar tərəfindən yenidən tikildi
Michelozzo, Duke Cosimo Medici tərəfindən sifariş edildi. Divar kağızlarının mövzusu Dominik Sifarişi ilə əlaqələndirilir,
tarixi, nizamnaməsi, xüsusilə hörmətli müqəddəslər.
Bir nümunə ilahi əsərin freskalarıdır (Ölü Məsih; gəzən şəklində Məsih,
iki Dominik rahibinin qəbul etdiyi; Müqəddəs Peter Şəhidi (Dominiklilərin baş müqəddəsləri);
Müqəddəs Dominik, Çarmıxda diz çökür).
Bölüm salonunda Fra Angelico, iki soyğunçu ilə birlikdə Çarmıxa çəkilmiş böyük bir kompozisiya yazdı
Məsihin tərəflərində və xristianlığın bütün dövrlərindən olan bir çox müqəddəslər çarmıxın ətəyində toplandı.
Kədərli üzləri yerə döndü, heç kim Məsihə baxmır;
rəssam Çarmıxa çəkilməsini tarixi bir hadisə kimi deyil, mistik bir obraz kimi təsvir etdi,
insan şüurunda yaşamaq.
San Marco Manastırının freskaları Məsihin təqlid ruhunu doldurur - mistik bir dini traktat,
Augustinian kanonu Tomas Kempi tərəfindən yazılmışdır.
Hər hücrə də qardaşların inkişafı üçün nəzərdə tutulmuş fresklərlə bəzədilmişdir.
məsələn Məsihin istehzalı kompozisiyası. Bu fresklərin havası sadəliyə və
rəsm çəkməyin sakitliyi.
Ömrünün son on ilini Fra Angelico Romada keçirdi, burada kilsəni fresklərlə bəzədi
Papa V Nikolay (1445-1448). St ömrünün fraqmentləri Lawrence və St. Stefan.
Dizayn olaraq bunlar dua görüntülərindən daha çox izahlı səhnələr idi.
İnşaatında biliklərin hiss olunduğu kompleks memarlıq arxa planlarından istifadə edirlər
qədim sənət ustası və tam olaraq kalibr edilmiş perspektivli konstruksiyaların təsirini görə bilərik
Masaccio və Brunelleschi.

Məryəm Məryəmin tacqoyması

Sts əzabı. Cosmas və Damian

*********************************************

Giotto di Bondone - 1266 və ya 1267-ci il təvəllüdlü
Florensiya yaxınlığındakı Vespignano kəndində kiçik bir torpaq sahibinin ailəsində.
Giotto, ehtimal ki, 10 yaşında rəsm öyrənməyə başladı
məşhur florensiyalı rəssam Cimabue-nin studiyasında.
Giotto, Florensiya vətəndaşı idi, baxmayaraq Assisi, Roma, Padua,
Napoli və Milan. Bədii istedadı və praktik işgüzarlığı təmin edildi
o bərk vəziyyətdədir. Giotto emalatxanasının çiçəklənməsinə baxmayaraq
tarix onun adı ilə imzalanmış yalnız bir neçə tuvalı qoruyub saxlamışdır,
və hətta mütəxəssislərə görə, böyük ehtimalla köməkçilərinin fırçasına aiddirlər.
Giottonun parlaq şəxsiyyəti, Proto-İntibahın İtalyan ustaları arasında fərqlənir,
ilk növbədə yenilik etmək, yeni bir bədii üslub yaratmaq meyli,
gələcək Rönesansın klassik üslubunu əvvəlcədən təyin etdi.
Rəsmində insanlıq ideyası öz əksini tapır və humanizmin ilk başlanğıclarını daşıyır.
1290-99-cu illərdə. Giotto Assisi'deki San Francesco Yuxarı Kilsəsinin divar şəkillərini yaratdı -
Əhdi-Ətiqdəki səhnələri və Assisi Francisin həyatından epizodları əks etdirən 25 fresk
("Mənbənin möcüzəsi"). Freskalar aydınlığı, qələmə alınmamış povesti ilə diqqət çəkir.
təsvir olunan səhnələrə canlılıq və təbiət verən gündəlik detalların olması.
O dövrün sənətinə hakim olan ruhani kanonu rədd edərək,
Giotto personajlarını real insanlara bənzər şəkildə təsvir edir:
mütənasib, əyilmiş cisimlər, yuvarlaq (uzanmamış) üzlərlə,
düzgün göz forması və s. Onun müqəddəsləri yerdən yuxarı qalxmır, hər iki ayağı ilə möhkəm dayanırlar.
Tamamilə insani hissləri və duyğuları yaşayan, cənnətdən daha çox dünyəvi düşünürlər.
İtalyan rəsm tarixində ilk dəfə bir rəsm qəhrəmanının ruh vəziyyəti
mimika, jestlər, duruşla ötürülür.
Ənənəvi qızıl fon əvəzinə Giottonun freskaları bir mənzərəni təsvir edir,
bazilikaların fasadlarında daxili və ya heykəltəraşlıq qrupları.
Hər kompozisiyada sənətkar hərəkətin yalnız bir anını təsvir edir,
və bir çox müasirləri kimi fərqli səhnələrin ardıcıllığı deyil.
1300-cü illərin əvvəllərində. sənətçi Romanı ziyarət etdi.
Gec antik rəsm və P. Cavallininin əsərləri ilə tanışlıq
yaradıcılıq metodunun formalaşmasına kömək etmişdir.
Giottonun yaradıcılıq uğurları, Scrovegni Kapellasının rəsmlərində daha da inkişaf etdirilmişdir
1304-06-cı illərdə Padua'da (Şapel del Arena).
Divarlarda 3 mərtəbəli şapel,
freskler Joachim və Anna'nın həyatından səhnələri təsvir edir
("Joachim çobanlar arasında", "Yoachim'in qurbanı", "Yoachimin xəyali", "Qızıl qapıda görüş"),
Məryəm Məryəm və Məsih ("Milad", "Dəlilərin pərəstişi", "Misirə uçmaq",
"Körpələrin qırğını", "Məsihin vəftizi", "Lazarusun dirilməsi",
"Xəyanət üçün ödəniş alan Yəhuda", "Yəhuda Öpüşü",
"Xaç daşımaq", "Çarmıxa çəkilmək", "Məsihin mərsiyəsi", "Dirilmə"),
eləcə də Axırzamanın səhnələri.
Bu rəsmlər sənətkarın işinin əsas işi və zirvəsidir.
1300-02. Giotto, Floransadakı Badia Kilsəsində divar şəkilləri ifa edir.
1310-20 ilə. Tədqiqatçılar məşhur altarpiece "Madonna Onissanti" aiddir.
Kompozisiya imzalanmamışdır, lakin tədqiqatçılar yekdilliklə Giotto ilə əlaqələndirirlər.
1320-ci illərdə. Giotto, Peruzzi və Bardi kilsələri üçün divar şəkilləri yaradır
Vəftizçi Yəhya həyatının mövzularında olan Santa Croce Florensiya Kilsəsində,
Müjdəçi John və Assisi'nin Francis
("Müqəddəs Francisin damğası", "Müqəddəs Francisin Ölümü və Yüksəlməsi").
1328-33-cü illərdə. Giotto, çoxsaylı tələbələrin köməyi ilə rəsm əsərləri hazırladı
Sənətçiyə "saray" unvanını verən Anjou Kralı Robert Neapolitan məhkəməsi.
1334-cü ildən Giotto Santa Maria del Fiore Katedralinin tikintisinə rəhbərlik etdi
arasında geniş tanınma qazanan Floransa və şəhər istehkamları
Florensiyanın müasirləri və vətəndaşları. Giotto, Campanile layihəsi ilə əlaqələndirilir
Floransa Katedralinin (zəng qüllələri) (1334-cü ildə başladı, inşasına davam edildi)
1337-43-cü illərdə Andrea Pisano, 1359-cu ildə F. Talenti tərəfindən tamamlandı).
Giotto iki dəfə evləndi və səkkiz övladı var.
1337-ci ildə Giotto öldü.

1 Yoahim səhrada təqaüdə çıxdı

2. Madonna və uşaq

3 kədərlənən mələk 1

4. St. Assisi Clara

5. St. Stiqmatizasiya Francis

6 St. Stephen

7 Məsihin doğuşu

8 Bakirin doğuşu

9 Məryəmin məbədə giriş

10. Pieta, fraqment

11 Tanrı və Uşaq Anası taxta oturdu

12 Patmosdakı Müjdəçi John

MANTENIA ANDREA -
(Mantegna, Andrea) (təxminən 1431-1506),
Şimali İtaliyanın ən böyük Rönesans rəssamlarından biridir.
Mantegna XV əsr İntibah ustalarının əsas bədii istəklərini birləşdirdi:
antik dövr üçün ehtiras, ən incə detallara qədər dəqiq və diqqətli maraq,
təbii hadisələrin ötürülməsi və xətti perspektivdə fədakar inam
təyyarədə boşluq illüziyası yaratmaq vasitəsi kimi.
Əsəri Florensiyadakı erkən İntibah arasındakı əsas əlaqə oldu
və Şimali İtaliyada sənətin daha sonra çiçəklənməsi.
Mantegna təxminən anadan olub. 1431; 1441 ilə 1445 arasında Paduadakı rəssamlar emalatxanasına yazıldı
yerli bir sənətçi və antikacı Francesco Squarchone'un övladlığa götürdüyü oğlu olaraq,
1448-ci ilə qədər emalatxanasında işləmişdir.
1449-cu ildə Mantegna Padua'daki Eremitani Kilsəsi üçün bir fresk bəzəyi yaratmağa başladı.
1454-cü ildə Mantegna, Venedikli rəssam Jakopo Bellininin qızı Nikolosa ilə evləndi.
XV əsrin iki görkəmli ustasının bacısı. - Gentile və Giovanni Bellini.
1456 ilə 1459 arasında Veronadakı San Zeno kilsəsi üçün bir qurbangah çəkdi. 1460-cı ildə,
Mantua Lodovico Gonzaga'nın Markizinin dəvətini qəbul edən Mantegna, məhkəməsində qərarlaşdı.
1466-1467-ci illərdə Toskana, 1488-1490-cı illərdə Romanı ziyarət etdi.
burada Papa VIII Məsumun istəyi ilə şapelini fresklərlə bəzədi.
Cəngavərlik ləyaqətinə qaldırılmış, məhkəmədə yüksək vəzifə tutan,
Mantegna, ömrünün sonuna qədər Gonzaga ailəsinə xidmət etdi. Mantegna 13 sentyabr 1506-cı ildə öldü.
16 May 1446 Mantegna və digər üç sənətçiyə Owetari Şapelini çəkmək tapşırıldı
Eremitani'nin Padua kilsəsində (İkinci Dünya Müharibəsi zamanı dağıldı).
Mantegna, fresklərin yaradılmasına dair işlərin çoxuna aiddir (1449-1455),
və ansamblda üstünlük təşkil edən onun bədii üslubudur.
Owetari Şapelindəki Herod Agrippa qarşısında Saint James səhnəsi üslubun bir nümunəsidir.
erkən yaradıcılıq dövrü Mantegna.
Bu zaman Mantegna tərəfindən çəkilən digər rəsmlərdə, məsələn Kubok üçün Dua
(London, National Gallery), yalnız insan fiqurları sərt bir xətt şəklində icra edilmir,
həm də hər daş və ot bıçağının sənətkar tərəfindən diqqətlə araşdırıldığı və çəkildiyi bir mənzərə,
və qayalar qırışlarla və çatlarla nöqtələnir.
Verona'daki San Zeno Kilsəsinin (1457-1459) ibadətgahı şəkilli bir şərhdir
məşhur heykəltəraşlıq St. Donatello tərəfindən yaradılan Antony
Padua'daki Sant Antoni Bazilikası (Santo) üçün. Mantegna'nın triptiki çərçivəyə qoyulub,
yüksək relyefdə və klassik memarlığın təqlid elementlərində icra edilmişdir.
Məkan illüzionist rəssamlığının ən diqqətçəkən nümunələrindən biridir
Mantegna, 1474-cü ildə tamamlanmış, Mantua'daki Palazzo Ducale'daki Chamme degli Sposi'nin bir rəsmidir.
Kvadrat otaq, fresklər ilə əyani şəkildə işıqlı, havadar bir köşkə çevrilir,
sanki iki tərəfə divarlara yazılmış pərdələrlə bağlanmış və digər iki tərəfin açılışı
Gonzaga həyətinin görüntüsü və arxa planda mənzərə panoraması.
Mantegna tonozu bölmələrə bölündü və zəngin bir antikanın çərçivəsi ilə içərisinə yerləşdirildi
Roma imperatorlarının büstlərinin bəzək təsvirləri və klassik mifologiyadan səhnələr.
Kasanın yuxarı hissəsində göyün göründüyü yuvarlaq bir pəncərə var;
zəngin geyimli personajlar güclü perspektivli bir kəsimlə verilmiş korkulukdan aşağıya baxırlar.
Bu fresk ansamblı yalnız yeni Avropa sənətində birincilərindən biri kimi diqqət çəkir
təyyarədə illüziya sahəsi yaratmaqla yanaşı həm də çox kəskin və dəqiq bir kolleksiya kimi nümunələr
şərh olunan portretlər (Gonzaga ailəsinin üzvləri).
Monoxrom rəsmlərin dövrü Sezarın Zəfəri (1482-1492) Francesco Gonzaga tərəfindən sifariş edilmişdir
və Mantuadakı saray teatrını bəzəmək məqsədi daşıyırdı; bu rəsmlər zəif qorunur
və hazırda Londondakı Hampton Məhkəmə Sarayındadırlar.
Doqquz böyük kətan çox sayda antik heykəl ilə uzun bir yürüşü təsvir edir,
zireh, kuboklar. Onun hərəkəti qalib gələn Sezarın qarşısındakı təntənəli yürüşlə başa çatır. Rəsm əsərləri Mantegna'nın qədim sənət və klassik ədəbiyyat haqqında geniş məlumatlarını əks etdirir.
Gonzaga'nın hərbi zəfəri xatirəsinə yazılmış bu dövrdə və Madonna della Vittoria'da (1496, Paris, Luvr),
Mantegna sənəti ən böyük monumentallığa çatdı. İçlərindəki formalar həcmlidir, jestlər inandırıcı və aydındır,
məkan geniş və sərbəst yozulur.
Francesco Gonzaga'nın həyat yoldaşı Isabella d "Este'nin studiyası (kabineti) üçün Mantegna iki əsər yazdı
mifoloji mövzularda (üçüncüsü yarımçıq qaldı): Parnassus (1497) və Minerva,
azğınlıqları (1502, hər ikisi də Luvrda). Mantegna stilinin bir qədər yumşalması onlarda nəzərə çarpır,
yeni mənzərə anlayışı ilə əlaqələndirilir. Belvedere Şapelinin fresk bəzəyi,
1488-ci ildə Papa VIII Məsum üçün Mantegna tərəfindən edam edilmiş, təəssüf ki, zamanı itmişdi
Pius VI pontifikatı dövründə Vatikan Sarayının genişləndirilməsi.
Yalnız yeddi izin şübhəsiz Mantegna'nın əlinə aid olduğu düşünülməsinə baxmayaraq,
ustadın bu sənət növünün inkişafına təsiri olduqca böyükdür. Madonna və Uşaq oymağı göstərir
sənətkarın üslubunun qrafika texnikasında nə qədər üzvi şəkildə mövcud ola biləcəyi,
özünəməxsus elastikliyi və oyma kəsicinin hərəkətini düzəldən xəttin kəskinliyi ilə.
Manteigne aid olan digər qravürlər - Dəniz Tanrıları Döyüşü (London, İngilis Muzeyi)
və Judith (Florensiya, Uffizi Qalereyası).

1 çarmıxa çəkilmə, 1457-1460.

2. Madonna və Uşaq.
1457-59. Fraqment

3. Fincan üçün dua edin.
C. 1460

4. Kardinal Carlo Medici portreti.
1450 ilə 1466 arasında

5. Kamera degli Spozi
Oculus. 1471-74

6. Kamera degli Sposi Şimal divarının parçası.

7. Kamera degli Sposi Şərq divarının parçası.

8. Dəniz tanrılarının döyüşü.
1470s

9 St. Sebastian.
C. 1480

10 Qayaların Madonna
1489-90

12 Madonna della Vittoria
1496

13 Parnass
1497, Luvr, Paris

14. Şamson və Delilah Təxminən 1500
Milli Qalereya, London

****************************

BELLINI Giovanni -
İtalyan rəssam ailəsi olan Bellini,
Venesiyada Rönesans sənətinin qurucuları.
Ailənin başçısı - Jacopo Bellini (təxminən 1400-1470 / 71)
obrazların yumşaq bir lirizmi ilə Gotik ənənələri ilə əlaqəsini qorudu
(“Madonna and Child”, 1448, Brera Gallery, Milan).
Canlı müşahidələrlə dolu rəsmlərində
(qədim abidələrin eskizləri, memarlıq xəyalları),
perspektiv problemlərinə olan marağı, A. Mantegna və P. Uccello'nun təsirini əks etdirdi.
Jacopo Bellini'nin oğlu Gentile Bellini (təxminən 1429-1507) ilə,
Venesiya janrı-tarixi rəsminin doğuşu bağlıdır,
(“San Marco Piazza'da Alay”, 1496, “Müqəddəs Xaç Möcüzəsi”, 1500, -
həm Accademia Qalereyasında, Venedik). Giovanni Bellini (təxminən 1430-1516),
Venesiya məktəbinin ən böyük ustası olan Jacopo Bellini'nin ikinci oğlu
Venesiyada Yüksək İntibah sənətinin əsasları.
Giovanni Bellininin erkən əsərləri dramatik şəkildə kəskin, soyuq rəngdədir
(Məsih üçün mərsiyə, təxminən 1470, Brera Gallery, Milan) 1470-ci illərin sonlarına doğru
görkəmli insan şəkillərinin olduğu ahəngdar aydın şəkillərlə əvəz olunur
mənəviyyat mənzərəsi səssizdir (sözdə "Madonna Gölü", 1490-cı illər, Uffizi;
"Tanrıların Bayramı", Milli İncəsənət Qalereyası, Washington).
Bir çox Madonnası da daxil olmaqla Giovanni Bellininin əsərləri
("Ağaclarla Madonna", 1487, Accademia Galerisi, Venedik; "Madonna", 1488,
Accademia Carrara, Bergamo), sonor yumşaq harmoniya ilə seçilir,
sanki doymuş rənglərin günəşi və işıq və kölgə dərəcələrinin incəliyi ilə doymuş kimi,
sakit təntənə, lirik təfəkkür və aydın obraz şeiri.
Giovanni Bellini'nin əsərində, klassik olaraq sifariş edilmiş kompozisiya ilə birlikdə
İntibah qurbangahı (Müqəddəslərin əhatəsindəki Madonna, 1505,
San Zakkariya Kilsəsi, Venesiya) insanla tam maraq yaratdı
(Doge L. Loredanın portreti, 1502, Milli Qalereya, London;
Condottiere portreti, 1480, Milli Qalereya, Washington).

1. "Müqəddəs George və Ejderha" Qurbangahın Detayı, 1470

2. "Yunan Madonna"
1460

3. "Bir Condottiere Portreti"
1480

4. "Tanrıların Bayramı"
1514

5. "Çarmıxa çəkilmək"
1501-1503

6. "Madonna və Uşaq"
1480

7. "Fəzilət"
1500

8. "Müqəddəs Jerom təbiətdə oxuyur"
1460

9. "Transfiqurasiya"
1485

10. "Kubok üçün dua"
(Bağdakı əzab) Təxminən 1470

11. "Madonna və Uğurla Uşaq"
1510, Brera Collection, Milan

12. "Təmizləmə Allegori" (sol.fr.)
1490-1500, Uffizi Qalereyası

13. "Dörd Allegories
Dözüm və Qədər ", 1490

14. "Təmizləmə Allegori" (r.fr.)
1490-1500, Uffizi Qalereyası

15. "Dörd ittiham
Ehtiyat və hiylə ", 1490

16. "Güzgülü çılpaq gənc qadın"
1505-1510, Vyana, Kunsthistorisches Muzeyi

****************************

Botticelli Sandro -
[Alessandro di Mariano Filipepi uyğun, Alessandro di Mariano Filipepi]
(1445-1510), Erkən İntibahın İtalyan rəssamı.
Florensiya məktəbinə mənsub, təxminən 1465-1466 Filippo Lippi ilə oxudu;
1481-1482-ci illərdə Romada işləmişdir. Botticelli'nin ilk əsərləri xarakterikdir
yerin dəqiq qurulması, aydın kəsilmiş qəlibləmə, ev detallarına maraq
(“Dəlilərin pərəstişi”, təxminən 1476-1471,). 1470-ci illərin sonundan, Botticelli-nin yaxınlaşmasından sonra
Florensiya Medici hökmdarları və Floransalı humanistlər dairəsi ilə,
əsərində kübarlığın və incəliyin xüsusiyyətləri artır, rəsm əsərləri meydana çıxır
şəhvətli bütpərəst obrazların büründüyü qədim və alleqorik mövzularda
ülvi və eyni zamanda şair, lirik mənəviyyat
("Bahar", təxminən 1477-1478, "Veneranın doğuşu", təxminən 1483-1485, - ikisi də Uffizidə).
Mənzərənin canlılığı, fiqurların kövrək gözəlliyi, işığın musiqiliyi, titrəyən sətirlər,
zərif rənglərin şəffaflığı, sanki reflekslərdən toxunmuş kimi, onda bir atmosfer yaradır
xəyalpərəstlik və yüngül kədər.
1481-1482-ci illərdə Vatikandakı Sistine Kapellasında Botticelli tərəfindən hazırlanmış fresklərdə
("Musanın həyatından səhnələr", "Koreyanın cəzası, Dathan və Abiron" və s.)
mənzərə və antik memarlığın əzəmətli ahəngi birləşdirilir
daxili süjet gərginliyi, portret xüsusiyyətlərinə xas olan kəskinlik
insan ruhunun daxili vəziyyətinin incə nüanslarını axtarmaqla yanaşı,
və ustanın dəzgah portretləri (Giuliano Medici portreti, 1470-ci illər, Bergamo;
medallı bir gəncin portreti, 1474, Uffizi Qalereyası, Floransa).
1490-cı illərdə, sosial həyəcan və mistik-zahidlik dövründə
Botticelli sənətində rahib Savonarola'nın xütbələri, dram qeydləri görünür
və dini uca tutma ("Böhtan", 1495-ci ildən sonra, Uffizi), ancaq rəsmləri
Dante'nin İlahi Komediyasına (1492–1497, Oyma Ofisi, Berlin və Vatikan Kitabxanası)
emosional ekspresivliyin kəskinliyi ilə cizgilərin yüngüllüyünü və obrazların İntibah aydınlığını qoruyurlar.

1. Təxminən 1480-ci ildə "Simoneta Vespucci portreti"

2. "Fəzilət Allegori"
1495

3. "Lucretia tarixi"
Təxminən 1500

4. "Medalı olan bir gəncin portreti"

5. "Mistik Milad"
Təxminən 1500

6. "Koreyanın cəzası, Dathan və Abiron"

7. "Müqəddəs Avqustin Mübarək"
C. 1480

8. "Duyuru"
C. 1490

9. "Madonna Magnificat"
1486

10. "Narın Madonnası"
1487

11. "Dəlilərin pərəstiş etməsi"
Zanobi qurbangahı 1475

12. "Böhtan"
1495

13. "Venera və Mars"
1482-1483

14. "Bahar" 1477-1478
Uffizi Qalereyası, Floransa

15. "Kitabın Madonnası" 1485
Poldi Pezzoli Muzeyi, Milan

16. "Pallas Athena və Centaur" 1482
Uffizi Qalereyası, Floransa

17. "Veneranın doğuşu" c. 1482
Uffizi Qalereyası, Floransa

18. Sistine Şapelinin Freskosu
(ətraflı) 1482 Roma, Vatikan

19. "Nastagio degli Onesti'nin Hekayəsi"
C. 1485 Prado, Madrid

****************************

VERONEZE Paolo - (Veronese; uyğun Cagliari, Caliari) Paolo (1528-1588),
Mərhum İntibah dövrünün İtalyan rəssamı.
Verona rəssamı A. Badile ilə oxudu; əsasən Venesiyada, eləcə də Verona, Mantua, Vicenza, Padua-da işləmiş, 1560-cı ildə Romanı ziyarət etmişdir. 1550-ci illərin ortalarında formalaşan Veronese'nin bədii üslubu, Venesiya rəssamlıq məktəbinin ən yaxşı xüsusiyyətlərini özündə cəmləşdirdi: yüngül, bədii cəhətdən zərif rəsm və formanın plastikliyi birləşmiş təmiz rənglərin mürəkkəb birləşmələrinə əsaslanan incə rəng sxemi ilə birləşdirildi. parlaq gümüşü tonla.

1. "Musanı tapmaq"
1580

2. "Müqəddəs Anthony'nin vəsvəsəsi"
1567

3. "Müqəddəs Justin cinayəti"
1573

4. "Daniele Barbaronun Portreti"
1569

5. "Məsih və samariyalı qadın" (ətraflı)
1582

6. "Calvary"
1570-ci

7. "Mars və Venera"
1570-ci

8. "Sevgi alleqoriyası. Xəyanət"
1570

9. "Müqəddəs Lucia"
1580

10. "Məsih Emmausda"
1570-ci

11. "Müqəddəslər Mark və Marcillian'ın Edamı"
1578

12. "Simon's House-da bayram"
C. 1581

13. "Mələklər"
("Zebediya və Məsihin Qadını" fraqmenti)

14. "Susanna çimmək"
1570-ci illər, Luvr, Paris

15. "Mənə toxunma!" 1570-ci
İncəsənət Muzeyi, Grenoble

16. "Bathsheba çimmək" 1570s
Lyon Gözəl Sənətlər Muzeyi

****************************

LEONARDO DA VINCI -
(Leonardo da Vinci) (1452-1519),
İtalyan rəssam, heykəltəraş, memar, alim və mühəndis.
Yüksək İntibahın bədii mədəniyyətinin banisi,
Leonardo da Vinci bir usta olaraq inkişaf etdi
Florensiyada A. del Verrocchio ilə birlikdə təhsil alır.
Verrocchionun bədii praktika olduğu atelyedə iş üsulları
texniki eksperimentlərlə qarşılaşdırılmış,
astronom P. Toscanelli ilə dostluğun yanında qatqı təmin etdi
gənc da Vinçinin elmi maraqlarının yaranması.

1. "İplik Təkərinin Madonnası" 1501

2. "Müqəddəs Anne ilə bakirə və uşaq"
C. 1507

3. "Bacchus"
1510-1513

4. "Vəftizçi Yəhya"
1513-1517

5. "Leda və Qu quşu"
1490-1500-cü

6. "Qərənfil Madonna" 1473

7. "Beatrice portreti" Este "
1490-cı

8. "Ginevra Benchi Portreti"
1476

9. "Duyuru"
1472-1475

10. "Son Şam yeməyi"
(mərkəzi fraqment) 1495-1497, Milan

11. Son Şam yeməyi freskasının bərpa versiyası
(mərkəzi fraqment)

12. "Madonna Litta"
Təxminən 1491, Ermitaj, Sankt-Peterburq

13. "Bir minalı xanım" 1485-1490
Milli Muzey, Krakov

14. "Bir musiqiçinin portreti" 1490
Pinacoteca Ambrosiana, Milan

15. "Mona Lisa" (La Gioconda)
1503-1506, Luvr, Paris

16. "Madonna Benoit" 1478
Ermitaj, Sankt-Peterburq

17. "Naməlum Portret"
Təxminən 1490, Luvr, Paris

18. "Qayaların Madonnası". 1511
Milli Qalereya, London

****************************

GORGONE -
(Giorgione; əslində Giorgio Barbarelli da Castelfranco,
Barbarelli da Castelfranco) (1476 və ya 1477-1510),
İtalyan rəssam, qurucularından biridir
Yüksək İntibah sənəti.
Yəqin ki, Giovanni Bellini ilə oxudu,
Venesiya humanistləri dairəsinə yaxın idi,
bir müğənni və musiqiçi kimi də məşhurdur.
Dini mövzulardakı kompozisiyalarla yanaşı
(“Çobanların pərəstişi”, Milli İncəsənət Qalereyası, Washington).
Giorgione dünyəvi, mifoloji mövzularda rəsm əsərləri yaratdı,
məhz onun işində üstünlük təşkil etdilər.

1. "Fırtına"
1505

2. "Döyüşçü ilə döyüşçü"
1509

3. "Madonna taxta oturdu
və müqəddəslər "1505

4. "Mənzərədə Madonna"
1503

5. "Üç yaş ömrü"
1510

6. "Kitabın Madonnası"
1509-1510

7. "Musanı tapmaq"
1505

8. "Çobanlara pərəstiş"
Təxminən 1505

9. "Antonio Broccardo Portreti"

10. "Kənd konserti"
1510

11. "Yaşlı bir qadının portreti"
C. 1510

12. "Ceres"
Təxminən 1508

13. "Gənc Adamın Portreti"
C. 1506

14. "Gün batımında"
1506

15. "Madonna və Uşaq Müqəddəslər"
1510

16. "Judith" c.1504
Ermitaj, Sankt-Peterburq

17. "Laura" 1506
Kunsthistorisches Muzeyi, Vyana

18. "Yatan Venera"
Təxminən 1510, Drezden Qalereyası

19. "Üç filosof" 1508
Kunsthistorisches Muzeyi, Vyana

****************************

CARPACCIO Vittore -
(Carpaccio) Vittore
(təxminən 1455 və ya 1456 - təxminən 1526),
Erkən İntibahın İtalyan rəssamı.
Gentile Bellini ilə oxudu; Venesiyada işləmişdir.
Carpaccio, əfsanəvi müqəddəs hadisələri real səhnələr kimi şərh etdi,
müasir Venesiya məkanında yerləşdirilmiş,
şəhər mənzərələri və interyerləri, çoxsaylı janr detalları,
şəhər sakinlərinin həyatını canlı şəkildə yenidən qurmaq (Müqəddəs Ursula həyatından rəsm dövrləri, 1490-1495,
Accademia Qalereyası, Venesiya və Müqəddəs George və St. Jerome, 1502-1507,
Scuola di San Giorgio degli Schiavoni, Venesiya).
Kainatın bütöv bir mənzərəsini yaratmaq istəyi əsərlərdə birlikdə mövcuddur
Cazibədar bir povest ilə Carpaccio,
detalların şair və bir qədər sadəlövh təravəti.
İşıq-hava mühitinin yumşaldıcı təsirini incə şəkildə çatdırmaq
yerli rəngli ləkələr,
Carpaccio, 16-cı əsrdə Venesiya rəssamlıq məktəbinin koloristik kəşflərini hazırladı.

1. "Hacıların gəlişi
Kölnə "
1490

2. "Madonna, Vəftizçi John və müqəddəslər"
1498

3. "Müqəddəs Markın Aslanı"
(fraqment)
1516

4. "Müqəddəs Stivenin mübahisəsi"
Müqəddəs Stefanın həyatı
1514

5. "Xilaskar və dörd həvari"
1480

6. "Müqəddəs George Ejderhanı öldürür"
1502-1508

7. "Müqəddəs Ursulanın apoteozi"
1491

8. "On min öldürmək"
1515

9. "Selenitlərin Müqəddəs Georgi tərəfindən vəftizi"
1507

10. "Gənc Cəngavər" 1510,
Thyssen-Bornemisza Kolleksiyası, Madrid

11. "Allegory. Məsihin ehtirası"
1506, Metropolitan, New York

12. "Hacıların Papa ilə görüşü"
1493, Accademia Qalereyası, Venedik

13. "Müqəddəs Xaç möcüzəsi"
1494, Accademia Qalereyası, Venedik

****************************

MICHELANGELO Buonarotti -
(Michelangelo Buonarroti; aka Michelagnolo di Lodovico di Lionardo di Buonarroto Simoni)
(1475-1564), İtalyan heykəltəraş, rəssam, memar və şair
.Michelangelo sənətində, böyük ifadəedici güclə, dərin insan kimi təcəssüm etdilər,
qəhrəmanlıq pafosları ilə dolu Yüksək İntibahın idealları, həm də faciəvi böhran hissi
mərhum İntibah dövrünə xas olan humanist dünyagörüşü.
Mikelancelo Florensiyada D.Girlandaio (1488-1489) və emalatxanasında oxudu
heykəltəraş Bertoldo di Giovanni (1489-1490) tərəfindən,
lakin Mikelancelonun yaradıcı inkişafı üçün həlledici əhəmiyyət onun tanışlığı idi
Giotto, Donatello, Masaccio, Jacopo della Quercia,
antik plastik abidələrin öyrənilməsi.
Mikelancelonun yaradıcılığı,
İtalyan İntibahının parlaq final mərhələsi olan,
Avropa sənətinin inkişafında böyük rol oynadı,
tərbiyənin formalaşmasını böyük ölçüdə hazırladı,
Barok prinsiplərinin formalaşmasına böyük təsir göstərmişdir.

1. Sistine Kapelinin tonozunda rəsm çəkmək

2. Lunetlər (peyğəmbərlər və papalar)

3. "Adəmin yaradılması" tablosunun detalı

4. Ətraflı "Peyğəmbərlər Yeremya və Yeşaya"

5. "Həvvanın yaradılması" tablosunun detalı

6. "Müqəddəs Ailə" 1506

7 Sistine ibadətgahı
"Daşqın"

8 Sistine ibadətgahı
"Liviya sibili"

9 sistine ibadətgahı
"İşığın qaranlıqdan ayrılması"

10 Sistine Şapel
"Payız"

11 Sistine Şapel
"Eritreya sibili"

12 Sistine Şapel
"Peyğəmbər Zəkəriyyə"

****************************

RAPHAEL Santi -
(əslində Raffaello Santi və ya Sanzio, Raffaello Santi, Sanzio)
(1483-1520), İtalyan rəssam və memar.
Əsərində ən böyük aydınlıqla təcəssüm etdirildi
Yüksək İntibahın humanist təmsilçiliyi
dünya ilə harmoniyada yaşayan gözəl və mükəmməl bir insan haqqında
dövrün xarakterik həyat təsdiqləyən gözəllik idealları.
Rəssam Giovanni Santi'nin oğlu Rafael, ilk illərini Urbinoda keçirdi,
1500-1504-cü illərdə Peruginoda Perugino ilə oxudu.
Bu dövrün əsərləri incə poeziya ilə qeyd olunur
və mənzərə fonlarının yumşaq lirizmi.
XVI-XIX Avropa rəsm əsərlərinə böyük təsir göstərən Rafael sənəti
və qismən 20-ci əsrin əsrlər boyu sənətkarları və tamaşaçıları üçün qorunub saxlanılmışdır
danılmaz bədii nüfuz və modelin dəyəri.

1. "Madonna Granduca"
1504

2. "Madonna del Impannata"
1504

3. "Yaşılda Madonna"
Təxminən 1508

4. "Palıd altında Müqəddəs Ailə"
1518

5. "Müqəddəs Nikolayın qurbangahı"
(fraqment) 1501

6. "Əjdaha ilə Müqəddəs Georgi Döyüşü"
1502

7. "Üç lütf"
1502

8. "Cəngavərin Yuxusu"
1502

9. "Galatea'nın zəfəri"
1514

10. "Anside Madonna"
Təxminən 1504

11. "Xaç daşımaq"
1516

12. "Müqəddəs Michael və Ejderha"
1514

13. "Adəm və Həvva"
1509-1511

14. "Aragon John"
1518

15. "Tek Atlı Xanım"
Təxminən 1502

16. "Margarita Lutinin Portreti"
1519

17. "Balthasar Castiglione portreti" 1515

18. "Madonna Kanidzhani" 1508
Köhnə Pinakothek, Münhen

19. "Madonna Conestabile" 1502-1504
Ermitaj, Sankt-Peterburq

20. "Hizqiyalın baxışı" 1515
Palazzo Pitti, Florensiya

21. "Sistine Madonna" 1514
Şəkil qalereyası, Drezden

****************************

TİTİAN -
(əslində Tiziano Veccellio, Tiziano Veccellio),
(1476/77 və ya 1480s - 1576),
Dövrün İtalyan rəssamı
Yüksək və Son Rönesans.
Giovanni Bellini ilə birlikdə Venesiyada oxudu,
emalatxanasında Giorgione-yə yaxınlaşdı;
Venesiyada, həmçinin Padua, Ferrara, Mantua, Urbino, Roma və Augsburqda işləmişdir.
Venesiya sənət dairələri ilə sıx əlaqəlidir
(Giorgione, J. Sansovino, yazıçı P. Aretino və başqaları),
Venesiya rəsm məktəbinin görkəmli ustası,
Titian, əsərində İntibah dövrünün humanist ideallarını təcəssüm etdirmişdir.
Həyatı təsdiqləyən sənəti çox yönlüdür,
reallığın əhatə dairəsinin genişliyi, dövrün dərin dramatik ziddiyyətlərinin açıqlanması.
Titianın rəngləmə texnikasının gələcəyə müstəsna təsiri var idi,
iyirminci əsrə qədər təsviri sənət dünyasının inkişafı.

1. "Dünyəvi sevgi"
(Vanity) 1515

2. "Diana və Callisto"
1556 - 1559

3. "Bacchus və Ariadne"
1523-1524

4. "Avropanın Zorlanması"
1559 - 1562

5. "Düşmək"
1570

6. "Flora"
1515

7. "İolanta"
(La Bella Gatta)

8. "Mantuanın Federigo Gonzaga"
1525

9. "Güzgü ilə Venera" 1555

10. "Danae və Cupid"
1546

11. "Dünyəvi və cənnət sevgisi"
1510

12. "Gənc Qadın Portreti"
Təxminən 1530, Ermitaj, Sankt-Peterburq

13. "Tövbə edən Magdalalı Məryəm"
1560-cı il, Ermitaj, Sankt-Peterburq

14. "Diana və Actaeon" 1556
Nat. Şotlandiya Qalereyası, Edinburq

15. "Bacchanalia"
1525, Luvr Muzeyi, Paris

16. "Urbinskaya Venerası"
1538, Uffizi, Florensiya

17. "Venera və Adonis"
1554, Prado, Madrid

****************************

İntibah və ya İntibah bizə çox böyük sənət əsərləri bəxş etmişdir. Yaradıcılığın inkişafı üçün əlverişli bir dövr idi. Bir çox böyük sənətkarın adları İntibahla əlaqələndirilir. Botticelli, Michelangelo, Rafael, Leonardo Da Vinci, Giotto, Titian, Correggio o dövrün yaradıcılarının adlarından yalnız bir neçəsidir.

Yeni üslubların və rəssamlığın yaranması bu dövrlə əlaqələndirilir. İnsan bədənini təsvir etməyə yanaşma demək olar ki, elmi hala gəldi. Sənətçilər gerçəkliyə can atırlar - hər incəliklə işləyirlər. O dövrün rəsmlərindəki insanlar və hadisələr son dərəcə real görünür.

Tarixçilər İntibah dövründə rəngkarlığın inkişafındakı bir neçə dövrü fərqləndirirlər.

Gotik - 1200s... Məhkəmədə məşhur stil. Dəbdəbə, iddialılıq, həddindən artıq rəng ilə seçilirdi. Boya kimi istifadə olunur. Rəsmlər qurbangah mövzusundadır. Bu cərəyanın ən məşhur nümayəndələri İtalyan sənətçilər Vittore Carpaccio, Sandro Botticelli.

Sandro Botticelli

Proto-İntibah - 1300-cü illər... Bu zaman rəssamlıqda mənaların yenidən qurulması baş verir. Dini mövzular arxa plana çəkilir və dünyəvi mövzular getdikcə daha çox populyarlıq qazanır. Rəsm ikonanın yerini alır. İnsanlar daha real təsvir olunur, mimika və jestlər sənətkarlar üçün vacib hala gəlir. Yeni təsviri sənət növü ortaya çıxır -. Bu zamanın nümayəndələri Giotto, Pietro Lorenzetti, Pietro Cavallini.

Erkən İntibah - 1400-cü illər... Dini olmayan rəsmlərin çiçəklənməsi. İkonalardakı üzlər də daha canlı olur - insani xüsusiyyətlər əldə edirlər. Əvvəlki dövrlərin sənətkarları mənzərələr çəkməyə çalışdılar, ancaq yalnız əsas obrazın tamamlayıcı, arxa planı rolunu oynadılar. Erkən Rönesans dövründə müstəqil bir növ olur. Portret inkişaf etməyə davam edir. Alimlər xətti perspektiv qanununu kəşf edirlər və sənətkarlar öz rəsmlərini bu əsasda qururlar. Doğru üç ölçülü boşluq onların tuvallərində görülə bilər. Bu dövrün görkəmli nümayəndələri Masaccio, Piero Della Francesco, Giovanni Bellini, Andrea Mantegna.

Yüksək İntibah - Qızıl Əsr... Sənətçilərin dünyagörüşü daha da genişlənir - maraqları Kosmos məkanına uzanır, insanı kainatın mərkəzi hesab edirlər.

Bu zaman Rönesansın "titanları" ortaya çıxdı - Leonardo Da Vinci, Mikelancelo, Titian, Rafael Santi və başqaları. Bunlar maraqları yalnız rəsm çəkməklə məhdudlaşmayan insanlardır. Onların bilikləri daha da genişləndi. Ən görkəmli nümayəndə yalnız böyük bir rəssam deyil, eyni zamanda bir alim, heykəltəraş, dramaturq olan Leonardo Da Vinci idi. Rəssamlıqda fantastik texnika yaratdı, məsələn, "hamar" - məşhur "La Gioconda" nı yaratmaq üçün istifadə edilən duman illüziyası.

Leonardo Da Vinci

Son Rönesans - İntibahın yox olması (1500-cü illərin ortalarında 1600-cü illərin sonları). Bu zaman dəyişikliklər, dini böhranla əlaqələndirilir. Çiçəklənmə bitir, tuvallərin üzərindəki xətlər daha çox əsəbi olur, fərdiyyətçilik ortadan qalxır. Sıxlıq getdikcə rəsmlərin imicinə çevrilir. O dövrün istedadlı əsərləri Paolo Veronese, Jacopo Tinoretto qələminə aiddir.

Paolo Veronese

İtaliya dünyaya İntibah dövrünün ən istedadlı sənətkarlarını bəxş etdi, bunlar rəssamlıq tarixində ən çox xatırlandı. Bu arada, bu dövrdə digər ölkələrdə rəssamlıq da inkişaf etmiş və bu sənətin inkişafına təsir göstərmişdir. Bu dövrdə digər ölkələrin rəsmlərinə Şimali Rönesans deyilir.

Yüksək İntibah dövrü (XV əsrin sonu - XVI əsrin birinci rübü) mükəmməllik və azadlıq dövrüdür. Bu dövrün digər sənət növləri kimi, rəsm insana, onun yaradıcılıq gücünə və ağlının gücünə olan dərin bir inamla qeyd olunur. Yüksək İntibah ustalarının rəsmlərində gözəllik, humanizm və harmoniya idealları hökm sürür, bunlardakı insan kainatın əsasını təşkil edir.

Bu dövrün rəssamları asanlıqla bütün görüntü vasitələrindən istifadə edirlər: rəng, hava, işıq və kölgə ilə zənginləşdirilmiş və rəsm, sərbəst və kəskin; əla perspektiv və əhatə dairəsinə sahibdirlər. İnsanlar nəfəs alır və sənətkarların tuvalləri üzərində hərəkət edir, hissləri və təcrübələri dərin emosional görünür.

Bu dövr dünyaya dörd dahi bəxş etdi - Leonardo da Vinci, Rafael, Mikelancelo, Titian. Rəsmlərində Yüksək İntibahın xüsusiyyətləri - ideallıq və harmoniya, obrazların dərinliyi və canlılığı ilə birləşərək özlərini ən qabarıq şəkildə göstərdi.

Leonardo da Vinci

15 Noyabr 1452-ci ildə Florensiyadan az bir məsafədə yerləşən İtaliyanın kiçik Vinci qəsəbəsində notarius Piero da Vinci'nin qanuni olmayan bir oğlu dünyaya gəldi. Ona Leonardo di ser Piero d'Antonio adını verdilər. Oğlanın anası, müəyyən bir Katerina, bir az sonra bir kəndli ilə evləndi. Ata qanunsuz körpəni tərk etmədi, onu təhsilə apardı və yaxşı bir təhsil verdi. 1469-cu ildə Leonardonun babası Antonio'nun ölümündən bir il sonra notarius ailəsi ilə birlikdə Florensiyaya getdi.

Kiçik yaşlarından Leonardonun rəsm həvəsi oyanır. Bunu görən ata, uşağı o dövrdə ən məşhur heykəltəraşlıq, rəsm və zərgərlik ustalarından biri olan Andrea Verrocchio (1435-1488) ilə oxumağa göndərdi. Verrocchio emalatxanasının şöhrəti qeyri-adi dərəcədə böyük idi. Şəhərin zadəgan sakinləri davamlı olaraq rəsm və heykəltəraşlıq üçün çox sayda sifariş aldılar. Andrea Verrocchionun şagirdləri ilə böyük nüfuz qazanması təsadüfən deyildi. Çağdaşları onu Florensiya İntibahının rəsm və heykəltəraşlıq ideyalarının ən istedadlı davamçısı hesab edirdilər.

Verrocchionun bir sənətkar kimi yeniliyi ilk növbədə rəssamdan naturalistik xüsusiyyətlər əldə edən obrazın yenidən düşünülməsi ilə əlaqələndirilir. Verrocchionun emalatxanasından çox az əsər gəlib çatıb. Tədqiqatçılar bu atelyedə məşhur "Məsihin vəftizi" nin yaradıldığına inanırlar. Bundan əlavə, tablonun arxa tərəfindəki mənzərənin və sol tərəfdəki mələklərin Leonardonun fırçasına aid olduğu təsbit edildi.

Artıq bu erkən işdə, gələcək məşhur sənətkarın yaradıcılıq fərdiliyi və yetkinliyi özünü göstərdi. Leonardonun çəkdiyi mənzərə, Verrocchionun özünün təbiət şəkillərindən xeyli dərəcədə fərqlənir. Gənc bir sənətkara məxsus, yüngül bir dumana bürünmüş və məkanın sonsuzluğunu və sonsuzluğunu simvollaşdırır.

Leonardonun yaratdığı obrazlar da fərqlidir. İnsan bədəninin, eləcə də ruhunun anatomiyasını dərindən bilmək sənətkara mələklərin qeyri-adi dərəcədə ifadəli obrazları yaratmağa imkan verdi. İşıq və kölgə oyununun ustalığı sənətkara canlı, dinamik fiqurları təsvir etməyə kömək etdi. İnsan mələklərin bir müddət donub qaldığı təəssüratını alır. Bir neçə dəqiqə keçəcək - və canlanacaqlar, hərəkət edəcəklər, danışacaqlar ...

Sənət tarixçiləri və da Vinci bioqrafları iddia edirlər ki, 1472-ci ilə qədər Leonardo Verrocchio'nun emalatxanasını tərk edərək rəssamlar emalatxanasında usta oldu. 1480-ci ildən etibarən Leonardoya görə insan bədəninin hərəkət dinamikasını ifadə etməyin ən sadə yolu olan heykəltəraşlığa üz tutdu. O vaxtdan bəri Rəssamlıq Akademiyasında çalışır - bu, Qanuni Lorenzo təşəbbüsü ilə yaradılan San Marco Piazza bağçasında yerləşən atelyenin adı idi.

1480-ci ildə Leonardo San Donato Sopeto Kilsəsindən "Dəlilərin pərəstişi" bədii kompozisiyası üçün bir sifariş aldı.

Florensiyada Leonardo uzun yaşamadı. 1482-ci ildə Milana getdi. Yəqin ki, bu qərara rəssamın Sistine Kapellinin üzərində işləmək üçün Romaya dəvət edilməməsi böyük təsir göstərdi. Usta bu və ya digər şəkildə məşhur İtaliyanın hersoqu Ludovico Sforzanın qarşısına qısa müddətdə çıxdı. Milanlılar Leonardonu isti qarşılamışdılar. Porta Ticinese məhəlləsində yerləşdi və uzun müddət yaşadı. Və onsuz da növbəti 1483-cü ildə San Francesco Grande kilsəsindəki Immacolata ibadətgahı üçün sifariş verilmiş qurbangahı boyadı. Bu şah əsər sonralar Qayaların Madonnası adı ilə məşhurlaşdı.

Eyni vaxtda, Leonardo Francesco Sforza üçün bürünc bir abidə yaradılması üzərində işləyirdi. Ancaq nə eskizlər, nə sınaq eskizləri və atışları sənətkarın niyyətini ifadə edə bilmədi. İş yarımçıq qaldı.

1489 ilə 1490 arasında Leonardo da Vinci, Gian Galeazzo Sforza'nın toy günü Castello Sforzesco'yu çəkdi.

Demək olar ki, bütün 1494 Leonardo da Vinci özü üçün yeni bir işə - hidravlikaya həsr edir. Eyni Sforzanın təşəbbüsü ilə Leonardo Lombard düzünün ərazisini qurutmaq üçün bir layihə hazırlayır və həyata keçirir. Lakin onsuz da 1495-ci ildə ən böyük təsviri sənət ustası rəssamlığa qayıtdı. Bu il, Santa Maria delle Grazie Kilsəsi yaxınlığında yerləşən monastırın yeməkxanasının divarlarını bəzəyən məşhur fresk "Son Şam yeməyi" freskasının yaradılması tarixində ilkin mərhələdir.

1496-cı ildə Fransa kralı XII Lüdovik tərəfindən Milad knyazlığının işğalı ilə əlaqədar Leonardo şəhəri tərk etdi. Əvvəlcə Mantuaya köçdü və sonra Venesiyada yerləşdi.

1503-cü ildən bəri sənətçi Florensiyada yaşayır və Mikelancelo ilə birlikdə Palazzo Signoria'daki Böyük Şura Salonunun rəsm əsərləri üzərində çalışır. Leonardonun "Anghiari Döyüşü" nü canlandırması lazım idi. Ancaq davamlı yaradıcılıq axtarışında olan usta başladığı işi tez-tez tərk edir. Beləliklə, "Anghiari Döyüşü" ilə baş verdi - fresk yarımçıq qaldı. Sənətşünaslar məhz o zaman məşhur "La Gioconda" nın yaradıldığını düşünürlər.

1506-1507-ci illərdə Leonardo yenidən Milanda yaşayır. Hersoq Maksimilian Sforza 1512-ci ildən bəri orada hökm sürür. 24 sentyabr 1512-ci il tarixində Leonardo Milandan ayrılıb Romadakı şagirdləri ilə yerləşməyə qərar verdi. Burada o, sadəcə rəsmlə məşğul deyil, həm də riyaziyyat və digər elmlərin öyrənilməsinə üz tutur.

1513-cü ilin mayında Fransız kralı I Fransiskdən dəvət aldıqdan sonra Leonardo da Vinci Amboise köçdü. Burada ölənə qədər yaşayır: şəkillər çəkir, tətil bəzəkləri ilə məşğul olur, Fransa çaylarının istifadəsinə yönəlmiş layihələrin praktik tətbiqi üzərində işləyir.

2 may 1519-cu ildə böyük sənətkar vəfat etdi. Leonardo da Vinci, San Fiorentinonun Amboise kilsəsində dəfn edilmişdir. Lakin dini müharibələrin qızğın vaxtında (16-cı əsr) sənətkarın qəbri dağıdıldı və tamamilə dağıdıldı. XV-XVI əsrlərdə təsviri sənətin zirvəsi sayılan şah əsərləri bu gün də belədir.

Da Vinçinin tuvalləri arasında "Son Şam yeməyi" freski xüsusi yer tutur. Məşhur freskanın tarixi maraqlı və heyrətləndiricidir. Yaranması 1495-1497-ci ilə təsadüf edir. Milandakı Santa Maria delle Grazie kilsəsinin yaxınlığında yerləşən monastırdakı yeməkxananın divarlarını bəzəmək istəyən Dominik ordeni rahiblərinin əmri ilə boyandı. Freskdə kifayət qədər tanınmış bir İncil hekayəsi nümayiş olundu: İsa Məsihin on iki həvarisi ilə son yeməyi.

Bu şah sənətkarın bütün əsərlərinin zirvəsi kimi tanınır. Məsihin və ustadın yaratdığı həvarilərin obrazları qeyri-adi dərəcədə parlaq, ifadəli, canlıdır. Konkretliyə, təsvir olunan vəziyyətin gerçəkliyinə baxmayaraq, freskin məzmunu dərin fəlsəfi məna ilə doludur. Burada xeyirlə şər, özündənrazılıq və mənəvi səssizlik, həqiqət və yalan arasındakı ziddiyyətin əbədi mövzusu təcəssüm etdirildi. Çıxarılan obrazlar təkcə fərdi xarakter xüsusiyyətlərinin toplusu deyil (hər bir fərd öz temperamentinin bütün müxtəlifliyində), həm də bir növ psixoloji ümumiləşdirmədir.

Şəkil çox dinamikdir. Tamaşaçılar, həvarilərdən birinin etməsi lazım olan yaxınlaşan xəyanət haqqında Məsihin söylədiyi peyğəmbərlik sözlərindən sonra yeməkdə olanların hamısını bürüyən həyəcanı həqiqətən hiss edirlər. Kətan, insan duyğularının və əhval-ruhiyyəsinin ən incə çalarlarının bir növ ensiklopediyasına çevrilir.

Leonardo da Vinci işi təəccüblü bir şəkildə sürətlə bitirdi: cəmi iki ildən sonra rəsm tamamilə başa çatdı. Lakin rahibələr bunu bəyənmədilər: icra qaydası əvvəllər qəbul edilmiş şəkilli yazı üslubundan çox fərqli idi. Ustadın yeniliyi yeni tərkibdəki boyaların istifadəsində yalnız və o qədər də çox deyildi. Xüsusi diqqət şəkildəki perspektivin təsvir olunmasına yönəldilmişdir. Xüsusi bir texnikada hazırlanmış fresk, real məkanı genişləndirir və genişləndirir. Rəsmdə təsvir olunan otağın divarlarının monastırın yeməkxanasının divarlarının davamı olduğu təəssüratı yaranır.

Rahiblər sənətkarın yaradıcı niyyətini və nailiyyətlərini qiymətləndirmədilər və anlamadılar, buna görə də tablonun qorunub saxlanmasına çox əhəmiyyət vermədilər. Freskanın rənglənməsindən iki il sonra, boyaları pisləşməyə başladı və solğunlaşdı, divarın üzərinə tətbiq olunan şəkil ilə səthi ən yaxşı maddə ilə örtülmüşdü. Bu, bir tərəfdən yeni boyaların keyfiyyətsiz olması səbəbindən, digər tərəfdən də monastırın mətbəxindən sızan nəm, soyuq hava və buxarın davamlı məruz qalması səbəbindən baş verdi. Rahiblər yeməkxanaya əlavə bir girişi dəqiq bir şəkildə divarda bir fresklə kəsməyə qərar verdikdə, rəsmin görünüşü tamamilə pozuldu. Nəticədə şəkil altdan kəsildi.

Şah əsərini bərpa etmək cəhdləri XIII əsrdən bəri həyata keçirilir. Ancaq hamısı boşa çıxdı, boya pisləşməyə davam edir. Bunun səbəbi hazırda ekoloji vəziyyətin pisləşməsidir. Freskin keyfiyyətinə havadakı işlənmiş qazların artan konsentrasiyası, həmçinin fabriklər və fabriklər tərəfindən atmosferə atılan uçucu maddələr təsir göstərir.

İndi hətta rəsmin bərpası ilə bağlı ilk işlərin yalnız lazımsız və mənasız olduğunu, həm də mənfi tərəfinin olduğunu söyləyə bilərik. Bərpa prosesində sənətkarlar tez-tez kətandakı obrazların görünüşünü və təsvir olunan interyerini dəyişdirərək freskini tamamladılar. Beləliklə, bu yaxınlarda həvarilərdən birinin əvvəlcə uzun, qıvrılmış saqqalı olmadığı məlum oldu. Bundan əlavə, yeməkxananın divarlarında təsvir olunan qara rəngli kətanların kiçik xalçalardan başqa bir şey olmadığı ortaya çıxdı. Yalnız
XX əsrdə. bəzəklərini tapıb qismən bərpa etməyi bacardı.

Aralarında Carlo Berteli'nin başçılıq etdiyi qrupun seçildiyi müasir bərpaçılar, freskin daha sonra tətbiq olunan elementlərdən azad olaraq orijinal görünüşünü bərpa etməyə qərar verdilər.

Analıq mövzusu, övladına heyran olan gənc bir ananın obrazları uzun müddət böyük ustadın işində əsas olaraq qaldı. Əsl şah əsərləri onun "Madonna Litta" və "Çiçəkli Madonna" ("Benois Madonna") şəkilləridir. Hazırda "Madonna Litta" Sankt-Peterburqdakı Dövlət Ermitaj Muzeyində saxlanılır. Rəsm Rus İmperatoru II Aleksandr tərəfindən 1865-ci ildə əvvəllər Viskonti Hersoqlarından bağışlandığı İtalyan Dükü Antonio Littanın ailəsindən alınıb. Rus çarının əmri ilə rəsm ağacdan kətana köçürüldü və məşhur Sankt-Peterburq muzeyinin salonlarından birində asıldı.

Sənətşünaslar rəsmin yaradılması üzərində işin müəllifin özü tərəfindən tamamlanmadığına inanırlar (və elmi araşdırmalar bunu sübut etdi). Leonardonun tələbələrindən biri Boltraffio tərəfindən tamamlandı.

Kətan, İntibah dövrünün rəsm əsərlərində analıq mövzusunun ən canlı ifadəsidir. Madonna-ananın obrazı yüngül və mənalıdır. Körpəyə baxan baxış qeyri-adi dərəcədə mülayimdir, eyni zamanda ifadə edir və
kədər, dinclik və daxili rahatlıq. Burada ana və uşaq sanki özlərinə məxsus, bənzərsiz dünyalarını təşkil edir, vahid bir ahəngdar bütövlük təşkil edirlər. Şəklin çarpaz düşüncəsi aşağıdakı sözlərlə ifadə edilə bilər: ana və uşaq olan iki canlı varlıq həyatın əsasını və mənasını ehtiva edir.

Madonna'nın qucağında bir uşağı olan obrazı monumentaldır. Tamamlılıq və incəlik, işığa və kölgəyə xüsusi, hamar bir keçid verir. Rəqəmin həssaslığı və kövrəkliyi qadının çiyinlərinə bükülmüş plaşın pərdələri ilə vurğulanır. Arxa plandakı pəncərələrin şəkilləri balanslaşdırır və kompozisiyanı tamamlayır, iki sevdiyinizin dünyadan ayrı olduğunu vurğulayır.

Təxminən 1478-ci ildə Çiçəkli Madonna (Madonna Benois) tablosu son Rus sahiblərindən Çar II Nikolay tərəfindən 1914-cü ildə, xüsusən Ermitaj üçün alınıb. İlkin sahibləri naməlum qaldı. Yalnız bir İtalyan gəzən aktyorun Rusiyaya gətirdiyini izah edən bir əfsanə var, bundan sonra 1824-cü ildə tacir Sapozhnikov tərəfindən Samara'da satın alındı. Daha sonra, rəsm imperatorun satın aldığı M.A.Sapozhnikova (Benoitlə evli) atadan qızıya miras qaldı. O vaxtdan bəri, rəsmin iki adı var: "Çiçəkli Madonna" (müəllif) və "Madonna Benoit" (son sahibinin adından sonra).

Tanrı və Uşağın Anasını təsvir edən tablo ananın övladı ilə oynadığı adi, dünyəvi hisslərini əks etdirir. Bütün mənzərə ziddiyyət üzərində qurulub: gülən ana və bir uşaq çiçəyi ciddi şəkildə araşdırır. Tamamilə bu müxalifətə diqqət yetirən sənətkar, insanın biliyə can atdığını, həqiqət yolundakı ilk addımlarını göstərir. Kətanın əsas fikri budur.

İşıq və kölgə oyunu bütün kompozisiya üçün xüsusi, səmimi bir ton qoyur. Ana və körpə öz aləmindədir, yerin səs-küyündən boşanmışlar. Təsvir olunan pərdələrin bəzi açı və sərtliyinə baxmayaraq, Leonardo da Vinci fırçasını istifadə olunan rənglərin çalarlarının və ağ-qara birləşmələrin hamar, yumşaq keçidləri ilə tanımaq olduqca asandır. Kətan yumşaq, sakit rənglərlə boyanır, tək bir rəng sxemində davam etdirilir və bu, şəkilə yumşaq bir xarakter verir və dünyadakı, kosmik harmoniya və əmin-amanlıq hissi yaradır.

Leonardo da Vinci, tanınmış bir portret ustasıdır. Ən məşhur tuvalləri arasında "Bir Ermineli Xanım" (təxminən 1483-1484) və "Bir Musiqiçinin Portreti" var.

Sənətşünaslar və tarixçilər "Ermineli xanım" tablosunda Milan Hersoqu Louis Moreau-nun evliliyindən əvvəlki sevimlisi Cecilia Gallerani-ni təsvir etdiyini irəli sürürlər. Cecilia'nın o dövrdə çox nadir görülən çox savadlı bir qadın olduğuna dair dəlillər var. Bundan əlavə, məşhur sənətkarın tarixçiləri və bioqrafları da bir vaxtlar portretini çəkməyə qərar verən Leonardo da Vinçi ilə yaxından tanış olduğunu düşünürlər.

Bu kətan bizə yalnız yenidən yazılmış bir versiyada gəldi və buna görə də alimlər uzun müddət Leonardonun müəllifliyinə şübhə etdilər. Bununla birlikdə, bir minanı və gənc bir qadının üzünü əks etdirən rəsm əsərinin yaxşı qorunub saxlanılan hissələri böyük ustad da Vinçinin üslubları barədə inamla danışmağımızı təmin edir. Sıx qaranlıq fonun və saç düzümünün bəzi detallarının sonradan çəkilən əlavə rəsmlər olması da maraqlıdır.

"Ermine ilə xanım" sənətkarın portret qalereyasında ən parlaq psixoloji tablolardan biridir. Qızın bütün fiquru irəliləməyə can atan bir dinamizmi ifadə edir, qeyri-adi dərəcədə güclü iradəli və güclü bir insan xarakterinə dəlalət edir. Düzgün üz xüsusiyyətləri yalnız bunu vurğulayır.

Portret həqiqətən mürəkkəb və çoxşaxəlidir, görüntünün harmoniyası və tamlığı bir neçə elementi birləşdirərək əldə edilir: üz ifadələri, başın fırlanması, əl mövqeyi. Qadının gözləri fövqəladə bir ağıl, enerji, düşüncə əks etdirir. Sıx sıxılmış dodaqlar, düz burun, iti çənə - hər şey iradə, qətiyyət, müstəqilliyi vurğulayır. Başın zərif bir dönüşü, açıq bir boyun, zərif heyvanı sığallayan uzun barmaqları olan bir əl, bütün rəqəmin kövrəkliyini və incəliyini vurğulayır. Xanımın qucağında bir silah olması təsadüfi deyil. İlk qar kimi bənzər heyvanın ağ kürkü burada gənc bir qadının mənəvi təmizliyini simvollaşdırır.

Portret təəccüblü dərəcədə dinamikdir. Usta, bir hərəkətin digərinə rahat keçməsi lazım olan anı dəqiq bir şəkildə tutmağı bacardı. Buna görə, görünür ki, qız dirçəlmək üzrədir, başını çevirsin və əli heyvanın yumşaq xəzi boyunca sürüşsün ...

Kompozisiyanın fövqəladə ifadə qabiliyyəti, rəqəmləri meydana gətirən xətlərin aydınlığı, eyni zamanda kölgədə işığın kölgəyə keçid texnikasının mənimsənilməsi və istifadəsi ilə verilir, bunun köməyi ilə kətan üzərində formalar yaradılır.

"Musiqiçi Portreti" Leonardo da Vinçinin şah əsərləri arasında yeganə kişi portretidir. Bir çox tədqiqatçı bu modeli Milanın xor direktoru Franchino Gaffurio ilə eyniləşdirir. Ancaq bir sıra elm adamları bu rəyi təkzib edərək burada təsvir olunan regentin deyil, adi bir gəncin, bir musiqiçinin olduğunu söyləyirlər. Da Vinçinin yazı texnikasına xas olan bəzi detalların olmasına baxmayaraq, sənət tənqidçiləri hələ də Leonardonun müəllifliyinə şübhə edirlər. Yəqin ki, bu şübhələr Lombard portretçilərinin bədii ənənələrinə xas olan elementlərin kətan üzərində istifadəsi ilə bağlıdır.

Portret texnikası bir çox cəhətdən Antonello da Messinanın əsərlərini xatırladır. Sulu qıvrım saçların fonunda üzün aydın, sərt xətləri bir qədər kəskin şəkildə fərqlənir. Güclü bir xarakterə sahib olan ağıllı bir adam tamaşaçı qarşısına çıxır, baxmayaraq ki, baxışlarında ruhdan düşmüş bir şey tuta bilər. Bəlkə də bu an musiqiçinin ruhunda bir müddətdən sonra bir çox insanın qəlbini fəth edəcək yeni, ilahi bir melodiya doğulur.

Ancaq sənətkarın bir insanı süni şəkildə ucaltmağa çalışdığını söyləmək olmaz. Usta insan ruhunun bütün sərvət və genişliyini incə və ustalıqla, hiperbol və pafoslara müraciət etmədən çatdırır.

Da Vinçinin ən məşhur rəsmlərindən biri də məşhur Qayaların Madonnasıdır (1483-1493). Leonardo tərəfindən Milandakı San Francesco Grande Kilsəsinin rahibləri tərəfindən sifariş edilmişdir. Kompozisiya Immacolat ibadətgahında qurbangahı bəzəmək məqsədi daşıyırdı.

Rəsm əsərinin biri Parisdəki Luvrda, digəri Londondakı Milli Qalereyada saxlanılan iki versiyası var.

Kilsə qurbangahını bəzəyən Qayaların Luvr Madonnası idi. Alimlər sənətkarın özünün Fransız kralı XII Lüdovikə verdiyini düşünürlər. Tarixçilərə görə bunu, rəsm müştəriləri ilə ifaçı-rəssamlar arasında yaranan münaqişənin həllində kralın iştirakına görə minnətdarlıq əlaməti olaraq etdi.

Təqdim olunan versiya, indi London Milli Qalereyasında olan başqa bir rəsm ilə əvəz olundu. 1785-ci ildə müəyyən bir Hamilton onu alıb İngiltərəyə gətirdi.

"Qayaların Madonnası" nın fərqli bir xüsusiyyəti, insan fiqurlarının mənzərə ilə birləşməsidir. Bu, böyük sənətkarın müqəddəs obrazlarının varlığından ilham alaraq təbiətlə ahəngdar bir şəkildə qarışdığı ilk şəklidir. Ustadın əsərində ilk dəfə fiqurlar memarlıq quruluşunun hər hansı bir elementinin fonunda deyil, sərt qayalı bir mənzərəyə daxil edilmiş kimi təsvir olunur. Bu hiss, işığın və düşən kölgələrin xüsusi oyunu sayəsində kompozisiyada da yaradılmışdır.

Madonna obrazı burada qeyri-adi mənəviyyatlandırılmış və qeyri-adi şəkildə təqdim olunur. Mələklərin üzünə yumşaq işıq düşür. Sənətçi qəhrəmanları canlanmadan və obrazlarının parlaq və ifadəli olmasından əvvəl bir çox eskiz və eskiz hazırladı. Eskizlərdən birində bir mələyin başı təsvir edilmişdir. Qız və ya oğlan olduğunu bilmirik. Ancaq bir şeyi əminliklə söyləmək olar: bu, həssaslıqla, mehribanlıqla, saflıqla dolu, dünyadakı bir məxluqdur. Bütün mənzərə sakitlik, sakitləşdirmə və sükut hissi ilə əhatə olunmuşdur.

Ustadın daha sonra yazdığı versiya birincisindən bir sıra detallarla fərqlənir: müqəddəslərin başları üzərində halolar görünür, kiçik Vəftizçi Yəhya xaç tutur, mələyin mövqeyi dəyişir. İcra texnikasının özü də şəkil müəllifliyini Leonardonun tələbələrinə aid etmək üçün səbəblərdən biri oldu. Burada bütün rəqəmlər daha yaxın, daha böyük bir miqyasda təqdim olunur və bundan əlavə onları meydana gətirən xətlər daha nəzərə çarpacaq, daha ağır, daha sivri olur. Bu effekt kölgələri qalınlaşdırmaq və kompozisiyada müəyyən yerləri vurğulamaqla yaradılır.

Rəsmin ikinci versiyası, sənətşünaslara görə daha adi, dünyagörüşlüdür. Bəlkə də bunun səbəbi rəsmin Leonardonun tələbələri tərəfindən tamamlanması idi. Ancaq bu, kətanın dəyərini azaltmaz. Rəssamın niyyəti onda aydın görünür, ustaların obrazların yaradılması və ifadəsindəki ənənəsi yaxşı izlənilir.

Leonardo da Vinçinin "Annunciation" (1470-ci illər) tərəfindən çəkilən məşhur rəsminin tarixi də az maraqlı deyil. Tablonun yaradılması rəssamın yaradıcılığındakı ilk dövrlərə, Andrea Verrocchio studiyasında oxuduğu və işlədiyi dövrlərə təsadüf edir.

Yazı texnikasının bir sıra elementləri məşhur şah əsərinin müəllifinin Leonardo da Vinci olduğunu inamla elan etməyə imkan verir və yazılarında Verrocchio və ya digər şagirdlərinin iştirakını istisna edir. Bununla birlikdə, kompozisiyadakı bəzi detallar Verrocchio məktəbinin bədii ənənəsi üçün xarakterikdir. Bu, gənc rəssamın o dövrdə ortaya çıxan orijinallığa və istedada baxmayaraq, hələ də müəyyən dərəcədə müəlliminin təsiri altında olduğunu göstərir.

Rəsmin tərkibi olduqca sadədir: mənzərə, kənd villası, iki fiqur - Məryəm və mələk. Arxa planda
gəmiləri, bəzi binaları, limanı görürük. Bu cür detalların olması tamamilə Leonardonun yaradıcılığı üçün xarakterik deyil və burada da əsas olanlar deyil. Rəssam üçün uzaqlarda yerləşən dumanlı dumanın içində gizlənmiş dağları və az qala şəffaf bir səmanı göstərmək daha vacibdir. Müjdəni gözləyən gənc bir qadının və bir mələyin ruhani görüntüləri fövqəladə dərəcədə gözəl və həssasdır. Formalarının xətləri da Vinci üsulu ilə davam etdirilir, bu da bir vaxtlar kətanı erkən Leonardonun fırçasına aid bir şah əsər kimi təyin etməyə imkan verdi.

Kiçik detalların icrası texnikası da məşhur ustanın ənənəsi üçün xarakterikdir: cilalanmış skamyalar, daş parapet, inanılmaz bitkilərin qarmaqarışıq dalları ilə bəzədilmiş kitab sahibi. Yeri gəlmişkən, San Lorenzo kilsəsində quraşdırılan Giovanni və Piero Medici türbəsinin lahitləri sonuncunun prototipi hesab olunur. Verrocchio məktəbinə xas olan və sonuncunun işinə xas olan bu elementlər da Vinci tərəfindən bir qədər düşünülmüşdür. Onlar canlı, həcmlidir, ümumi tərkibə ahəngdar şəkildə toxunurlar. Görünən odur ki, müəllif müəlliminin repertuarını əsas götürərək öz texnikasından və bədii ifadə vasitələrindən istifadə edərək istedad dünyasını açmağı qarşısına məqsəd qoymuşdur.

Hal hazırda rəsmin variantlarından biri də Florensiyadakı Uffizi Qalereyasındadır. Kompozisiyanın ikinci versiyası Parisdəki Luvrda saxlanılır.

Luvr rəsm əsəri əvvəlki versiyasından bir qədər mürəkkəb şəkildə tikilmişdir. Burada daş parapetin divarlarının həndəsi cəhətdən düzgün xətləri aydın görünür, naxışı Məryəm fiqurunun arxasında yerləşən oturacaqlar tərəfindən təkrarlanır. Ön plana çıxarılan şəkillər kompozisiyada uyğun və məntiqli şəkildə yerləşdirilir. Məryəm və mələyin paltarları, ilk versiya ilə müqayisədə daha ifadəli və tutarlı şəkildə yazılmışdır. Başı aşağı əyilmiş, tünd göy rəngli paltar geyinmiş, çiyinlərinə göy-göy rəngli paltar geymiş Maria, dünyadakı bir məxluqa bənzəyir. Paltarın tünd rəngləri parıldayır və üzünün ağlığını yola salır. Madonnaya müjdə verən bir mələyin obrazı daha az ifadəli deyil. Sarımsı bir məxmər, dərin qırmızı paltar, hamarlıqla aşağıya enir, mehriban bir mələyin inanılmaz görüntüsünü tamamlayır.

Gec kompozisiyada ustad tərəfindən incə bir şəkildə çəkilən mənzərə xüsusi maraq doğurur: hər hansı bir konqresdən məhrum olan məsafələrdə böyüyən ağaclar, demək olar ki, real görünən, açıq mavi, şəffaf səma, yüngül dumanın gizləddiyi dağlar, ayaqlarının altında təzə çiçəklər. mələk.

"Müqəddəs Jerome" tablosu, Leonardo da Vinçinin Andrea Verrocchio studiyasındakı işinə (sənətkarın əsərinin Florensiya dövrü deyilən) aiddir. Kətan yarımçıq qaldı. Kompozisiyanın əsas mövzusu tənha qəhrəman, tövbə edən günahkardır. Bədəni aclıqdan quruyub. Bununla birlikdə, qətiyyət və iradə ilə dolu görünüşü bir insanın inadkarlığının və mənəvi gücünün canlı ifadəsidir. Leonardonun yaratdığı heç bir obrazda ikililiyə, baxışda qeyri-müəyyənliyə rast gələ bilmərik.

Rəsmindəki personajlar həmişə çox müəyyən bir dərin ehtiras və duyğunun ən yüksək dərəcəsini ifadə edir.

Usta ilə boyanan zahidin başı da Leonardonun müəllifliyinə dəlalət edir. Bunun adi bir yayılması rəsm sənətinin əla ustalığından və ustanın insan bədəninin anatomiyasının incəliklərinə dair biliklərindən danışmır. Kiçik bir şərt qoymaq lazım olsa da: bir çox cəhətdən sənətçi Andrea Del Castagno və Domenico Veneziano ənənələrini təqib edir, bu da öz növbəsində Antonio Pollaiolodan gəlir.

Jeromun fiquru qeyri-adi dərəcədə ifadəli olur. Görünür diz çökmüş zahid hamısı irəli yönəldilib. Sağda
bir an əlində bir daş tutur - və onunla sinəsini vuracaq, bədənini qamçılayacaq və günahlarına görə ruhuna lənət edəcək ...

Rəsmin kompozisiya quruluşu da maraqlıdır. Bütün bunlar, sanki qayalıqlardan başlayan bir spiral içərisinə girmiş, tövbənin ayaqlarında yerləşən bir aslan fiquru ilə davam edən və bir zahid fiquru ilə bitmiş olduğu ortaya çıxır.

Bəlkə də dünya təsviri sənətinin bütün şah əsərlərindən ən populyarı "La Gioconda" dır. Maraqlı bir həqiqət budur ki, portret üzərində işi başa vuran sənətkar, ölümünə qədər onunla ayrılmadı. Daha sonra tablo, Luvrda yerləşdirən Fransız kralı I Francis'e gəldi.

Bütün sənətşünaslar rəsmin 1503-cü ildə çəkildiyini qəbul edirlər. Bununla birlikdə, portretdə təsvir olunan gənc qızın prototipi ilə bağlı mübahisələr hələ də davam edir. Portretin Florensiya vətəndaşı Francesco di Giocondo-nun həyat yoldaşı Mona Lizanı təsvir etməsi ümumiyyətlə qəbul edilir (ənənə məşhur bioqrafiya yazarı Giorgio Vasaridən gəlir).

Şəkilə baxaraq sənətkarın insan obrazı yaratmaqda mükəmməllik qazandığını inamla deyə bilərik. Burada usta əvvəllər qəbul edilmiş və geniş yayılmış portret tərzindən yola düşür. La Gioconda yüngül bir fonda boyanır və üstəlik dörddə üçdə dönər, baxışları birbaşa izləyiciyə yönəldilir - bu, o dövrün portret sənətində yeni idi. Qızın arxasındakı açıq mənzərə sayəsində sonuncunun rəqəmi, peyzajın bir hissəsi olduğu kimi, harmonik şəkildə onunla birləşdi. Buna Leonardonun yaratdığı və əsərində istifadə etdiyi sfumato - xüsusi bədii və qrafika texnikası sayəsində nail olur. Onun mahiyyəti, kontur xətlərinin qeyri-müəyyən şəkildə göstərildiyində, bulanıklaşmasında, bu kompozisiyada ayrı-ayrı hissələrin birləşmə, bir-birinə girmə hissi yaradır.

Portretdə belə bir texnika (insan fiqurunun və geniş miqyaslı təbii mənzərənin qaynaşması) fəlsəfi bir fikri ifadə etmək üsuluna çevrilir: insan dünyası ətrafımızdakı təbiət aləmi qədər nəhəng, irimiqyaslı və müxtəlifdir. . Lakin, digər tərəfdən, kompozisiyanın əsas mövzusu insan aləminin təbii aləmini tam bilməyin mümkünsüzlüyü kimi təqdim edilə bilər. Məhz bu düşüncə ilə bir çox sənətşünas Mona Lizanın dodaqlarında donmuş ironik təbəssümü əlaqələndirir. Deyəsən deyirdi: "İnsanın dünyanı tanımaq üçün göstərdiyi bütün səylər tamamilə boşa və boşa çıxır."

La Gioconda portreti, sənətşünaslara görə, Leonardo da Vinçinin ən yüksək nailiyyətlərindən biridir. İçində sənətkar həqiqətən harmoniya və dünyanın sonsuzluğu, ağıl və sənət prioriteti ideyasını təcəssüm etdirə və ən tam şəkildə ifadə edə bildi.

Michelangelo Buonarroti

İtalyan rəssam, heykəltəraş, memar və şair Michelangelo Buonarroti 6 Mart 1475 -ci ildə Floransa yaxınlığındakı Caprese şəhərində anadan olmuşdur. Mikelancelonun atası Lodovico Buonarroti, Caprese şəhərinin bələdiyyə başçısı idi. Oğlunun vəzifəsində tezliklə onu əvəz edəcəyini xəyal edirdi. Lakin, atasının istəklərinin əksinə olaraq, Mikelanjelo ömrünü rəsmə həsr etməyə qərar verir.

1488-ci ildə Michelangelo Florensiyaya getdi və o vaxt məşhur sənət ustası Domenico Ghirlandaio-nun rəhbərlik etdiyi bir sənət məktəbinə daxil oldu. Bir il sonra, 1489-cu ildə, gənc rəssam artıq Lorenzo Medici'nin qurduğu atelyedə çalışırdı. Burada gənc, dövrünün başqa bir məşhur rəssamı və heykəltəraşı, Donatellonun tələbəsi olan Bertoldo di Giovannidən rəsm öyrənir. Bu atelyedə Michelangelo Angelo Poliziano və Pico della Mirandola ilə birlikdə çalışdı, bu da gənc rəssamın bədii metodunun formalaşmasına böyük təsir göstərdi. Bununla birlikdə, Mikelancelonun işi Lorenzo Medici dairəsi məkanında qapalı olmadı. İstedadı daim inkişaf edirdi. Rəssamın diqqətini getdikcə böyüklər Giotto və Masaccio-nun əsərlərinin böyük qəhrəmanlıq obrazları cəlb edirdi.

90-cı illərin ilk yarısında. XV əsrdə Mikelancelo tərəfindən hazırlanan ilk heykəllər meydana çıxdı: "Pilləkənlərdə Madonna" və "Centaurs Döyüşü".

"Madonna" da o dövrün sənətində ümumiyyətlə qəbul edilmiş bədii təsvir üsulunun təsirini görmək olar. Michelangelo'nun işində, rəqəmlərin plastisiyasında eyni detal var. Lakin burada da gənc heykəltəraşın hündür, qəhrəman obrazların yaradılmasında özünü göstərən tamamilə fərdi texnikasını görmək olar.

"Centaurs Döyüşü" relyefində kənar təsir izləri yoxdur. Bu əsər istedadlı ustadın fərdi üslubunu göstərən ilk müstəqil işidir. Rölyefdə, Lapitlərin kentavrlarla döyüşünün mifoloji mənzərəsi bütün məzmununun dolğunluğunda görünür. Səhnə təsvir olunan fiqurların dəqiq göstərilmiş plastikası ilə ifadə olunan qeyri-adi dramatikliyi və realizmi ilə diqqət çəkir. Bu heykəl qəhrəmana, insan gücünə və gözəlliyinə ilahi sayıla bilər. Süjetin bütün dramaturgiyasına baxmayaraq, ümumi kompozisiya dərin daxili bir ahəng içərisindədir.

Sənətşünaslar "Centavrların Döyüşü" nü Mikelancelonun yaradıcılığının başlanğıc nöqtəsi hesab edirlər. Sənətkarın dahisinin məhz bu əsərdə qaynaqlandığını deyirlər. Ustadın erkən əsərləri ilə əlaqəli relyef, Mikelancelonun bədii tərzinin bütün zənginliyinin bir növ əksidir.

1495-1496-cı illər arasında Michelangelo Buonarroti Boloniyada. Burada yaradılan obrazların monumentallığı ilə gənc sənətkarın diqqətini çəkən Jacopo della Quercia'nın tuvalləri ilə tanış olur.

1496-cı ildə usta Romada yerləşdi, burada Laocoon və Belvedere gövdəsi də daxil olmaqla yaxınlarda kəşf edilmiş antik heykəllərin plastisiyasını və icra üsulunu araşdırdı. Qədim Yunan heykəltəraşlarının bədii tərzi Mikelancelo tərəfindən Bacchus-da əks olunmuşdur.

1498-1501-ci illərdə sənətkar "Pieta" adlı mərmər qrupunun yaradılması üzərində işləyir və Mikelanceloya İtaliyanın ilk ustalarından biri kimi şöhrət gətirir. Qətlə yetirilmiş oğlunun cəsədi üzərində ağlayan gənc bir ananın təsvir olunduğu bütün mənzərə qeyri-adi bir xeyriyyəçilik və həssaslıq hissi ilə nüfuz edir. Təsadüfi deyil ki, sənətçi bir model olaraq gənc bir qızı - mənəvi saflığı təcəssüm etdirən bir obraz seçdi.

Gənc ustadın ideal qəhrəmanları göstərən bu əsəri XV əsrdə yaradılan heykəllərdən xeyli dərəcədə fərqlənir. Mikelancelonun obrazları daha dərindir və daha psixoloji. Kədər və kədər hissləri, paltarın yumşaq pərdələri ilə əyriləri vurğulanan ananın üzünün, əllərinin mövqeyinin, bədəninin xüsusi ifadəsi ilə incə bir şəkildə çatdırılır. Sonuncunun obrazı, bu arada, ustadın işində bir növ geriyə addım kimi qəbul edilə bilər: kompozisiya elementlərinin (bu halda paltarın və başlığın qatları) ətraflı təfərrüatları xarakterikdir İntibahdan əvvəl sənətinin xüsusiyyəti. Ümumi kompozisiya qeyri-adi dərəcədə ifadəli və acınacaqlıdır ki, bu da gənc heykəltəraş əsərinin fərqli bir xüsusiyyəti sayılır.

1501-ci ildə onsuz da İtaliyada məşhur heykəltəraşlıq ustası olan Mikelancelo yenidən Florensiyaya yola düşdü. Burada onun mərmər "David" i yerləşir. Sələflərindən fərqli olaraq (Donatello və Verrocchio), Mikelancelo, gənc qəhrəmanı döyüşə yeni hazırlaşdığını canlandırdı. Nəhəng heykəl (hündürlüyü 5,5 m) insanın qeyri-adi dərəcədə güclü iradəsini, bədəninin fiziki gücünü və gözəlliyini ifadə edir. Mikelancelonun düşüncəsindəki bir insanın obrazı mifoloji nəhəng titanların rəqəmlərinə bənzəyir. David burada yolundakı bütün maneələri dəf etməyə hazır olan mükəmməl, güclü və azad bir insanın ideyasının təcəssümü kimi görünür. Qəhrəmanın ruhunda qaynayan bütün ehtiraslar bədənin dönməsi və Davudun qətiyyətli və iradəli xarakterindən bəhs edən üzündəki ifadə ilə çatdırılır.

Davud heykəlinin şəhər dövlətinin gücünün, fövqəladə gücünün və müstəqilliyinin rəmzi olaraq Palazzo Vecchio-nun (Floransa şəhər hökumətinin binası) girişini bəzəməsi təsadüfi deyil. Bütün kompozisiya güclü bir insan ruhu və eyni dərəcədə güclü bir bədənin harmoniyasını ifadə edir.

1501-ci ildə Davidin heykəli ilə birlikdə monumental ("Kaşin Döyüşü") və molbert ("Dəyirmi formatda" Madonna Doni)) rəsm əsərlərinin ilk əsərləri ortaya çıxdı. Sonuncusu hazırda Florensiyadakı Uffizi Qalereyasında saxlanılır.

1505-ci ildə Mikelancelo Romaya qayıtdı. Burada Papa II Julius türbəsinin yaradılması üzərində işləyir. Plana görə, türbə möhtəşəm bir memarlıq quruluşu olmalı idi, ətrafında mərmər və bürünc relyeflərdən oyulmuş 40 heykəl yerləşəcəkdir. Lakin bir müddət sonra Papa II Julius onun əmrini rədd etdi və Mikelancelonun möhtəşəm planları gerçəkləşmədi. Mənbələr müştərinin usta ilə olduqca kobud davrandığını, nəticədə özünə qarşı təhqir olunduğunu, paytaxtdan ayrılıb yenidən Florensiyaya qayıtmağa qərar verdiyini göstərir.

Lakin, Florensiya rəhbərliyi məşhur heykəltəraşı Papa ilə barışmağa razı saldı. Tezliklə yeni bir təkliflə - Sistine Şapelinin tavanını bəzəmək üçün Mikelanceloya müraciət etdi. Özünü əvvəlcə heykəltəraş hesab edən usta əmri könülsüz qəbul etdi. Buna baxmayaraq, hələ də dünya sənətinin tanınmış şah əsəri olan və bir çox nəsillər boyu rəssamın yaddaşında qalan bir kətan yaratdı.

Qeyd etmək lazımdır ki, Michelangelo, sahəsi 600 kvadratmetrdən çox olan tavan boyaması üzərində işləyirdi. m, tamamilə tək, köməkçilərsiz. Lakin, dörd il sonra fresk tamamilə tamamlandı.

Boyama üçün tavanın bütün səthi bir neçə hissəyə bölündü. Mərkəzi yeri dünyanın yaradılmasını, eləcə də ilk insanların həyatını əks etdirən doqquz səhnə tutur. Hər belə səhnənin künclərində çılpaq gənclərin fiqurları var. Bu kompozisiyanın solunda və sağında yeddi peyğəmbər və beş falçı təsvir olunan freskalar var. Tavan, tağlı tonozlar və soyma ayrı-ayrı İncil səhnələri ilə bəzədilmişdir. Qeyd etmək lazımdır ki, Mikelancelonun fiqurları burada fərqli ölçülərdədir. Bu xüsusi texnika müəllifə tamaşaçı diqqətini ən vacib epizodlara və görüntülərə yönəltməyə imkan verdi.

İndiyə qədər sənət alimləri freskin ideoloji konsepsiyası problemi ilə qarışıqdırlar. Həqiqət budur ki, onu təşkil edən bütün süjetlər İncil süjetinin inkişafının məntiqi ardıcıllığını pozaraq yazılmışdır. Beləliklə, məsələn, "Nuhun Sərxoşluğu" tablosu, əksinə olmalı olsa da, "İşığın qaranlıqdan ayrılması" kompozisiyasından əvvəl gəlir. Lakin bu cür səpələnmiş mövzular heç bir şəkildə rəssamın bədii ustalığına əks olunmayıb. Göründüyü kimi, sənətkar üçün hekayənin məzmununu açmaq yox, yenə də ("David" heykəlində olduğu kimi) gözəl, ülvi bir insan ruhu ilə onun güclü, güclü bədəninin ahəngdarlığını göstərmək daha vacib idi.
Bunu koridorları yaradan titana bənzər bir ev sahibinin şəkli (fresk "Günəşin və Ayın Yaranması") təsdiqləyir.

Dünyanın yaranmasından bəhs edən demək olar ki, bütün freskalarda, yaradıcının istəyi ilə həyat, qətiyyət, güc və oyanacaq nəhəng bir adam tamaşaçıların qarşısına çıxır. Müstəqillik fikri, "Düşmə" tablosundakı davamlı bir mövzudır, Həvva qadağan olunmuş bir meyvəyə əl ataraq sanki taleyə bir meydan oxuyur, qəti bir azadlıq arzusunu ifadə edir. Qəhrəmanları həyatın və ailənin davamına inandıqları Daşqın freskinin şəkilləri eyni əyilməzlik və həyat susuzluğu ilə doludur.

Sibil və peyğəmbərlərin obrazları güclü hissləri və xarakterlərin parlaq şəxsiyyətini təcəssüm etdirən insanların rəqəmləri ilə təmsil olunur. Müdrik Joel, ümidsiz Hizqiyalın əksinədir. İzləyicini ruhlandırılmış Yeşaya və proqnoz anında göstərilən gözəl, böyük, aydın gözlərlə Delfik sibil obrazları heyrətləndirir.

Yuxarıda, Mikelancelonun yaratdığı obrazların patetikası və monumentallığı artıq bir dəfədən çox qeyd edilmişdir. Maraqlı bir həqiqət belə sözdədir. köməkçi fiqurlara əsas qəhrəmanlarla eyni xüsusiyyətlərin ustası bəxş edilmişdir. Fərdi rəsmlərin köşelerində yerləşən gənc kişilərin obrazları, bir insanın yaşadığı həyat sevincinin və özünün mənəvi və fiziki gücünün şüurunun təcəssümüdür.

Sənətşünaslar, Sistine Kapellasının rəsmini haqlı olaraq Mikelancelonun yaradıcılıq formalaşması dövrünü tamamlayan bir əsər hesab edirlər. Burada usta plafonu o qədər uğurla böldü ki, bütün müxtəlif mövzulara baxmayaraq, fresk bütövlükdə sənətkarın yaratdığı obrazların harmoniyası və birliyi təəssüratını yaratdı.

Mikelancelonun fresk üzərində işlədiyi bütün dövrlərdə sənətkarın bədii üsulu tədricən dəyişdi. Sonrakı simvollar daha geniş miqyasda təqdim olunur - bu, onların monumentallığını əhəmiyyətli dərəcədə artırdı. Bundan əlavə, görüntünün belə bir miqyası rəqəmlərin plastikinin daha da çətinləşməsinə gətirib çıxardı. Ancaq bu, şəkillərin ifadəli olmasına heç bir şəkildə təsir göstərmədi. Bəlkə də, burada başqa bir yerdən daha çox insan fiqurunun hər hərəkət xəttini incə şəkildə çatdırmağı bacaran bir heykəltəraşın istedadı özünü göstərdi. İnsan rəsmlərin boyalarla boyanmadığı, ustalıqla həkk olunmuş həcmli kabartmalar olduğu təəssüratını qazanır.

Tavanın müxtəlif hissələrindəki fresklərin təbiəti fərqlidir. Mərkəzi hissə ən nikbin əhval-ruhiyyəni ifadə edirsə, tağlı tonozlarda bütün tutqun hisslərin çalarlarını təcəssüm etdirən şəkillər var: barış, kədər və narahatlıq burada qarışıqlıq və uyuşma ilə əvəz olunur.

Mikelancelonun Məsihin əcdadlarının təsvirlərini şərh etməsi də maraqlıdır. Bəziləri qohumluq hisslərini ifadə edirlər. Digərləri isə bir-birlərinə qarşı kin və kinlə doludur, bu dünyaya işıq və yaxşılıq gətirməyə çağırılan İncil qəhrəmanlarına xas deyil. Sənətşünaslar ibadətgahın sonrakı əlavələrini yeni sənət metodunun təzahürü, məşhur usta rəssamın yaradıcılığında keyfiyyətcə yeni bir dövrün başlanğıcı kimi qəbul edirlər.

20-ci illərdə. 16-cı əsrdə Mikelancelo tərəfindən Papa II Juliusun məzarını bəzəmək məqsədi daşıyan əsərlər meydana çıxır. Sonuncunun inşası üçün sifariş məşhur heykəltəraş tərəfindən Papanın varislərindən alınıb. Bu versiyada məzar minimum heykəl sayı ilə bir qədər kiçik olmalı idi. Tezliklə usta üç heykəlin icrası üzərində işi tamamladı: iki kölə və Musanın heykəlləri.

Mikelancelo 1513-cü ildən bəri əsirlərin şəkilləri üzərində işləyir. Bu əsərin əsas mövzusu ona düşmən qüvvələrə qarşı mübarizə aparan bir insandır. Burada qalib gələn qəhrəmanların monumental fiqurları dəyişdirilir: şərlə bərabər olmayan bir mübarizədə həlak olan personajlar. Üstəlik, bu obrazlar sənətkarın heç bir hədəfinə və vəzifəsinə tabedir, əksinə duyğu və hisslərin bir araya gəlməsini təmsil edir.

Təsvirin çox yönlü olması ustadın istifadə etdiyi bir növ bədii və təsviri metodun köməyi ilə ifadə olunur. Əgər o zamana qədər Mikelancelo bir tərəfdən bir fiqur və ya heykəltəraşlıq qrupu göstərmək üçün səy göstərirdisə, indi sənətkarın yaratdığı obraz dəyişir, plastik olur. İzləyici heykəlin hansı tərəfində olduğuna görə müəyyən konturları əldə edir və bu və ya digər problem daha kəskinləşir.

Bağlı Məhbus yuxarıdakıların bir nümunəsi ola bilər. Beləliklə, izləyici heykəlin ətrafında saat yönündə gəzirsə, asanlıqla aşağıdakıları görəcəkdir: əvvəlcə başı geri atılmış və köməksiz bir cəsəd bağlanan bir məhbus şəkli öz gücsüzlüyünün şüurundan qeyri-insani əzabları ifadə edir insan ruhunun və bədəninin zəifliyi. Lakin heykəlin ətrafında daha da irəlilədikdə, şəkil xeyli dəyişir. Məhbusun əvvəlki zəifliyi yox olur, əzələləri güclə dolur, başı qürurla qalxır. Və indi izləyicinin qarşısında artıq tükənmiş bir şəhid deyil, bəzi gülünc bir qəza ilə özünü qandallı tapan bir titan qəhrəmanının güclü bir siması var. Görünür başqa bir an - və istiqrazlar pozulacaq. Ancaq bu baş vermir. Hərəkətə davam edən izləyici insan bədəninin yenidən necə zəiflədiyini, başının aşağı endiyini görür. Və yenə qarşımızda taleyinə istefa edən yazıq bir məhbus var.

Eyni dəyişkənlik Ölməkdə olan Məhbus heykəlində də görülə bilər. İzləyici irəlilədikcə izləyici əzab içində döyən bədənin tədricən necə sakitləşdiyini və uyuşduğunu görür və əbədi sülh və sakitlik fikrini oyadır.

Məhkumların heykəlləri fiqurların hərəkətinin plastikliyinin real şəkildə ötürülməsi sayəsində yaradılmış qeyri-adi ifadəli olur. Tamaşaçı gözü qarşısında canlanırlar. Əsir heykəlinin icrasının gücünü yalnız ustadın ən qədim heykəli - "Kentavrların Döyüşü" ilə müqayisə etmək olar.

"Musa" heykəli, "Əsir" lərdən fərqli olaraq xarakter baxımından bir qədər təmkinli, lakin daha az ifadəli deyil. Burada Michelangelo yenidən titanik bir insan qəhrəmanı obrazının yaradılmasına müraciət edir. Musanın fiquru bir liderin, liderin, qeyri-adi dərəcədə güclü bir iradəyə sahib bir insanın təcəssümüdür. Davudla müqayisədə mahiyyəti ən tam şəkildə ortaya qoyulur. Əgər ikincisi birinin gücünə və yenilməzliyinə inamı simvolizə edirsə, onda Musa qələbənin böyük səylər tələb etdiyi fikrinin şəxsiyyətidir. Qəhrəmanın bu mənəvi gərginliyi usta tərəfindən yalnız üzündəki möhtəşəm ifadə ilə deyil, həm də rəqəmin plastisiyasının köməyi ilə çatdırıldı: paltar qırışlarının kəskin qırılması, Musanın saqqalının tərpədilmiş telləri.

1519-cu ildən bəri Mikelancelo daha dörd əsir heykəlinin yaradılması üzərində işləyir. Bununla birlikdə, yarımçıq qaldılar. Daha sonra, Florensiyada yerləşən Boboli Bağlarında mağaranı bəzəmək üçün istifadə edildi. Hazırda heykəllər Florensiya Akademiyasında saxlanılır. Bu əsərlərdə Mikelanjelo üçün yeni bir mövzu ortaya çıxır: heykəltəraşlıq şəkli ilə mənbə olaraq götürülmüş daş blok arasındakı əlaqə. Heykəltəraş burada sənətkarın əsas məqsədi ideyasını irəli sürür: obrazı daş qandallardan azad etmək. Heykəllərin yarımçıq qaldığı və işlənməmiş daş parçalarının alt hissələrində aydın şəkildə göründüyünə görə izləyici obrazı yaratmaq müddətini görə bilər. Burada yeni bir bədii qarşıdurma nümayiş olunur: bir insan və ətraf aləm. Üstəlik, bu münaqişə şəxsin xeyrinə həll olunmur. Bütün hissləri və ehtirasları ətraf mühit tərəfindən bastırılır.

Florensiyadakı Medici Çapelinin rəsm əsəri, Yüksək İntibah mərhələsinin başa çatdığını bildirən və eyni zamanda Mikelancelonun yaradıcılığında yeni bir mərhələ idi. Əsər 1520-ci ildən 1534-cü ilədək 15 il müddətində aparıldı. Bir müddət sənətkar, o dövrdə İtaliyada baş verən siyasi hadisələrə görə işi dayandırmaq məcburiyyətində qaldı. 1527-ci ildə Romanın məğlubiyyətinə cavab olaraq Florensiya özünü bir respublika elan etdi.

Michelangelo, respublika dövlət quruluşunun tərəfdarı olaraq istehkam başçısı vəzifəsinə seçildi və şəhərin müdafiəsinə böyük töhfə verdi. Floransa yıxıldıqda və Medici yenidən hakimiyyətə gələndə məşhur sənətçi və indi də bir siyasətçi üzərində ciddi bir ölüm təhlükəsi qaldı. Qurtuluş tamamilə gözlənilmədən gəldi. Papa VII Klement Medici, qürurlu və boş yerə bir insan olaraq, gələcək nəsillərə özünün və yaxınlarının xatirəsini qoymağı arzuladı. Gözəl şəkillər çəkmək və əla heykəllər nümayiş etdirmək sənəti ilə məşhur olan Mikelancelodan başqa kim bunu edə bilər?

Beləliklə, Medici Şapelinin inşasında işlər davam etdirildi. İkincisi, hündür divarları olan, üstündə günbəzlə örtülmüş kiçik bir quruluşdur. Şapeldə iki türbə var: divarları boyunca yerləşən Nemours Giuliano və Urbino Lorenzo hersoqları. Üçüncü divarda, qurbangahın qarşısında Madonnanın heykəli durur. Solunda və sağında Saints Cosmas və Damian obrazlarını təcəssüm etdirən heykəllər var. Bunların böyük ustadın şagirdləri tərəfindən hazırlandığı müəyyən edilmişdir. Tədqiqatçılar Medici türbəsi üçün "Apollon" (başqa adı - "David") və "Crouching Boy" heykəllərinin də hazırlandığını irəli sürürlər.

Prototiplərinə xarici bənzərliyi olmayan hersoqların heykəlləri ilə yanaşı, alleqorik fiqurlar da yerləşdirilmişdir: "Səhər", "Gün", "Axşam" və "Gecə". Onlar burada dünyəvi vaxtın və insan həyatının keçiciliyinin simvolları kimi təqdim olunur. Dar nişlərdə yerləşən heykəllər depressiya, dəhşətli və qorxunc bir şeyin tezliklə gəlməsi təsiri bağışlayır. Hər tərəfdən daş divarlar tərəfindən əzilən knyazların həcm fiqurları, mənzillərin qırıqlığını və daxili boşluğunu ifadə edir.

Bu ansambldakı ən ahəngdar Madonna obrazıdır. Qeyri-adi ifadəli və lirizmlə dolu, birmənalı və qaranlıq cizgilərlə yüklənməmişdir.

Medici kilsəsi memarlıq və heykəltəraşlıq formalarının bədii birliyi baxımından xüsusi maraq kəsb edir. Binanın və heykəllərin xətləri burada sənətkarın bir fikrinə tabedir. Şapel, birinin hissələri digərinin elementlərinin mənasını ahəngdar bir şəkildə tamamladığı və inkişaf etdirdiyi iki sənətin - heykəltəraşlıq və memarlığın qarşılıqlı əlaqəsinin sintezi və harmoniyasının ən bariz nümunəsidir.

1534-cü ildən bəri Mikelancelo Florensiyanı tərk edərək Romaya yerləşdi və ömrünün sonuna qədər orada qaldı. Böyük ustadın yaradıcılığının Roma dövrü, İntibah yazıçıları, rəssamları və heykəltəraşlarının tərif etdiyi fikirlərə qarşı Əks Reformasiya mübarizəsi şəraitində keçdi. Metodistlərin sənəti sonuncunun yaradıcılığını əvəz edir.

Romada Mikelancelo, o dövrün məşhur İtalyan şairi Vittoria Colonnanın rəhbərlik etdiyi dini və fəlsəfi bir dairə quran insanlara yaxınlaşdı. Ancaq gəncliyində olduğu kimi, Mikelancelonun düşüncələri və fikirləri dairələrin başında dayanan fikirlərdən uzaq idi. Əslində, usta Romada bir anlaşılmazlıq və mənəvi tənhalıq mühitində yaşayırdı və işləyirdi.

Sistin Kapellasının qurbangah divarını bəzəyən Axırıncı Qiyamət freski məhz bu vaxt (1535-1541) ortaya çıxdı.

İncil süjeti burada müəllif tərəfindən yenidən şərh olunur. Son Məhkəmənin mənzərəsi tamaşaçı tərəfindən müsbət bir başlanğıc, ən yüksək ədalətin təntənəsi kimi deyil, əksinə Apocalypse kimi bütün irq ölümünün ortaq bir insan faciəsi kimi qəbul edilir. Nəhəng insan fiqurları kompozisiyanın dramaturgiyasını gücləndirir.

Şəklin spontan təbiəti rəssamın tapşırığına tamamilə uyğundur - ümumi kütlədə itirilən insanı göstərmək. Bədii obrazın belə bir həlli sayəsində tamaşaçı bu dünyada yalnızlıq hissi və düşmən qüvvələrin qarşısında gücsüzlük hissi keçirir, bununla döyüşməyin mənası yoxdur. Faciəvi notlar daha pirsinqli bir səs qazanır, çünki ustad burada bir insan kollektivinin ayrılmaz, monolit bir obrazına sahib deyil (bu, Son İntibah rəssamlarının tuvallarında təqdim ediləcəkdir), hər biri özünə məxsus yaşayır həyat. Bununla birlikdə, sənətkarın şübhəsiz ləyaqəti, hələ də əlaqəsiz, lakin artıq şəxssiz bir insan kütləsi göstərməsidir.

Son Qiyamətdə Michelangelo qeyri-adi dərəcədə ifadəli bir kolorist texnika təqdim edir. Açıq çılpaq cəsədlərin və qaranlıq, qara və mavi səmanın kontrastı kompozisiyada faciəvi gərginlik və depressiya təəssüratını artırır.

Mikelancelo. Son Məhkəmə. Vatikandakı Sistine Şapelinin Freskosu. Fraqment. 1535-1541

1542-1550-ci illər arasında Mikelancelo Vatikandakı Paolina Şapelinin divarlarını boyadı. Böyük usta rəssamın fırçaları iki freskaya aiddir, bunlardan biri daha sonra "Paulun Dönüşümü", digəri isə "Peterin çarmıxa çəkilməsi" adlandı. İkincisində, Peterin edamını izləyən personajlarda səssiz razılıq, hərəkətsizlik və bir insanın taleyinə tabe olması fikri tamamilə təqdim olunur. İnsanlar şiddətə və pisliyə bir növ müqavimət göstərmək üçün nə fiziki, nə də zehni gücə sahib deyillər.

1530-cu illərin sonlarında. Mikelancelonun başqa bir heykəli - Brutun büstü meydana çıxır. Bu əsər məşhur ustadan qohumu Lorenzonun törətdiyi zalım Dyuk Alessandro Mediçinin qətlinə bir növ cavab olaraq xidmət etdi. Həqiqi motivlərdən asılı olmayaraq, sonuncunun hərəkəti rəssam - Respublikaçıların tərəfdarı tərəfindən sevinclə qarşılandı. Brutusun obrazı ustadın nəcib, qürurlu, müstəqil, böyük ağıl və isti ürək sahibi kimi təmsil etdiyi vətəndaş pafosları ilə doludur. Burada Michelangelo, sanki, yüksək mənəvi və intellektual keyfiyyətlərə sahib ideal bir insan obrazına qayıdır.

Mikelancelonun yaradıcılığının son illəri dostlarını və qohumlarını itirmək və daha da ağırlaşan ictimai reaksiya şəraitində keçdi. Əks-islahatçıların yenilikləri Rönesansın ən mütərəqqi fikirlərinin təzahür etdiyi ustadın əsərlərinə toxunmaya bilməzdi: humanizm, azadlıq sevgisi, taleyə üsyan. Təkcə onu demək kifayətdir ki, əks-reformların şiddətli pərəstişkarlarından biri olan Paul IV Karaffanın qərarı ilə məşhur rəssam tərəfindən Axırıncı Məhkəmənin tərkibində dəyişiklik edildi. Papa freskdəki ədəbsiz şəkildə təsvir olunan insanların çılpaq fiqurlarını tapdı. Onun əmri ilə Michelangelo tələbəsi Daniele da Volterra bəzi Michelangelo şəkillərinin çılpaqlığını burnu pərdələri ilə gizlədir.

Mikelancelonun son əsərləri - bir sıra rəsmlər və heykəllər - tutqun və ağrılı bir tənha və bütün ümidlərin çöküş əhval-ruhiyyəsi ilə nüfuz edir. Tanınmış ustadın daxili ziddiyyətlərini ən aydın şəkildə əks etdirən bu əsərlərdir.

Beləliklə, Fələstinli Pieta'daki İsa Məsih xarici qüvvələrin hücumları altında qırılan bir qəhrəman kimi təqdim olunur. Floransa Katedralindəki "Pieta" dakı ("Entombment") eyni obraz onsuz da daha dünyəvi və humanistdir. Bu artıq titan qəhrəmanı deyil. Buradakı sənətkar üçün personajların mənəvi gücünü, duyğularını və təcrübələrini göstərmək daha vacibdir.

Məsihin cəsədinin qırıq konturları, oğlunun cəsədinin üstünə əyilən ananın obrazı, Nikodem cəsədi endirir
İsa qəbirdə - hər şey bir vəzifəyə tabedir: insan təcrübələrinin dərinliyini təsvir etmək. Üstəlik, doğrudur
bu əsərlərin üstünlüyü, ustadın obrazların parçalanmasını aradan qaldırmasıdır. Rəsmdəki insanları dərin mərhəmət hissi və itkinin acısı birləşdirir. Michelangelo’nun bu texnikası, İtalyan sənətinin formalaşmasının növbəti mərhələsində, Son İntibah dövrünün sənətkarları və heykəltəraşlarının əsərlərində inkişaf etdirilmişdir.

Mikelancelonun yaradıcılığının son mərhələsinin zirvəsi sonradan "Pieta Rondanini" adlandırılan heykəltəraşlıq hesab edilə bilər. Burada göstərilən şəkillər həssaslığın, mənəviyyatın, dərin kədər və kədərin təcəssümü kimi təqdim olunur. Burada hər zamankindən daha çox insanın olduğu bir dünyada insan təkliyi mövzusu kəskin səslənir.

Rəssamlığı heykəltəraşlıq, rəsm və memarlığın təməl prinsipi hesab edən böyük ustadın sonrakı qrafik əsərlərində də eyni motivlər eşidilir.

Mikelancelonun qrafik əsərlərinin obrazları onun monumental kompozisiyalarının qəhrəmanlarından fərqlənmir: eyni əzəmətli titan qəhrəmanları burada təmsil olunur. Mikelancelo işinin son dövründə müstəqil bir bədii və vizual janr kimi rəsm çəkməyə başladı. Beləliklə, 30-40-cı illərdə. 16-cı əsrdə ustadın "Faetonun çöküşü" və "Məsihin dirilməsi" kimi ən canlı və ifadəli kompozisiyaları ortaya çıxdı.

Rəssamın bədii metodunun təkamülü qrafik əsərlər üzərində asanlıqla izlənilə bilər. Bir qələmlə çəkilmiş ilk rəsmlərdə konturların kəskin konturları olan fiqurların çox spesifik təsvirləri varsa, sonrakı şəkillər daha qeyri-müəyyən və yumşaq olur. Bu yüngüllük sənətkarın ya сангвиник, ya da daha incə və daha incə cizgilərin yaradıldığı italyan qələmindən istifadə etməsi səbəbindən yaranır.

Bununla birlikdə, Michelangelo'nun sonrakı işləri yalnız faciəvi bir ümidsiz şəkillərlə qeyd olundu. Böyük ustadın bu zamandan bəri olan memarlıq tikililəri, deyəsən İntibah ənənələrini davam etdirir. Onun müqəddəs Peter Katedrali və Romadakı Kapitolinin memarlıq ansamblı yüksək humanizm İntibah fikirlərinin təcəssümüdür.

Michelangelo Buonarroti, 18 fevral 1564-cü ildə Romada öldü. Cəsədi ən sərt bir şəkildə gizli şəkildə paytaxtdan çıxarıldı və Florensiyaya göndərildi. Böyük sənətkar Santa Croce kilsəsində dəfn edildi.

Rəssamlıq və heykəltəraşlıq sənətinin işi bir çox Mikelancelonun davamçılarının bədii metodunun formalaşmasında və inkişafında mühüm rol oynadı. Bunların arasında məşhur rəssamın yaratdığı obrazların sətirlərini tez-tez kopyalayan metodistlər Rafael də var. Mikelancelonun sənəti Barok dövrünün sənətçiləri üçün heç də az əhəmiyyət daşımırdı. Ancaq barok obrazlarının (daxili impulslarla deyil, xarici qüvvələr tərəfindən irəli sürülən bir şəxs) Mikelancelo qəhrəmanlarına bənzər olduğunu, insanın humanizmini, iradəsini və insanın daxili gücünü tərənnüm etdiyini söyləmək səhv olardı.

Rafael Santi

Rafael Santi 1483-cü ildə kiçik Urbino qəsəbəsində anadan olmuşdur. Böyük rəssamın doğum tarixini dəqiqləşdirmək mümkün deyildi. Bəzi mənbələrə görə, 26 və ya 28 Martda anadan olub. Digər alimlər Rafaelin doğum tarixinin 1483-cü il 6 aprel olduğunu iddia edirlər.

XV əsrin sonlarında Urbino ölkənin ən böyük mədəniyyət mərkəzlərindən birinə çevrildi. Bioqraflar Rafaelin atası Giovanni Santi ilə birlikdə təhsil aldığını irəli sürür. 1495-ci ildən bəri gənc Urbino ustası Timoteo della Vite'nin sənət atelyesində çalışır.

Rafaelin ən erkən əsərləri "Bir Cəngavərin Rüyası" və "Üç Graces" miniatürləri sayılır. Artıq bu əsərlərdə İntibah ustalarının təbliğ etdiyi humanist ideallar tam əksini tapmışdır.

Şövalye Rüyasında bir seçimlə üzləşən Heraklın mifoloji mövzusunun bir növ yenidən düşünülməsi: Dəyərmi yoxsa Zövq?? Rafael Herkülü yuxuda yatan bir cəngavər kimi təsvir edir. Qarşısında iki gənc qadın var: biri əlində bir kitab və bir qılınc (bilik simvolları, şücaət və döyüş qüdrətləri), digəri çiçək açan bir dal ilə zövq və zövqü ifadə edir. Bütün kompozisiya gözəl mənzərənin fonunda yerləşdirilib.

"Üç lütf" də yenə də antik şəkillər, ehtimal ki, qədim bir yunan kamosundan (qiymətli və ya yarımqiymətli bir daş üzərində bir şəkil) götürülmüşdür.

Gənc sənətkarın ilk əsərlərində bir çox borcların olmasına baxmayaraq, müəllifin yaradıcılıq fərdiliyi burada olduqca aydın şəkildə özünü göstərir. Bu, obrazların lirikasında, əsərin xüsusi ritmik təşkilində, fiqurları təşkil edən sətirlərin yumşaqlığında ifadə olunur. Rafaelin ilk əsərləri üçün xarakterik olan boyalı obrazların qeyri-adi harmoniyası, kompozisiya aydınlığı və aydınlığı, Yüksək İntibah sənətkarı haqqında danışır.

1500-cü ildə Rafael məmləkətini tərk edir və Umbria'nın əsas şəhəri olan Perugia'ya gedir. Burada Umbrian sənət məktəbinin qurucusu olan Pietro Peruginonun studiyasında rəssamlıq təhsili aldı. Rafaelin müasirləri şahidlik edirlər: bacarıqlı tələbə müəlliminin yazı tərzini o qədər dərindən mənimsəmişdi ki, onların tətillərini belə ayırd etmək olmurdu. Çox vaxt Rafael və Perugino şəkil üzərində birlikdə işləyərək əmri yerinə yetirirdilər.

Ancaq bu dövrdə gənc sənətkarın orijinal istedadının ümumiyyətlə inkişaf etmədiyini söyləmək səhv olardı. Bunu 1504-cü ildə yaradılmış məşhur "Conestabile Madonna" təsdiqləyir.

Bu kətanda ilk dəfə Madonna obrazı ortaya çıxır ki, bu da sonradan sənətkarın işində aparıcı yerlərdən birini tutacaqdır. Madonna ağacları, təpələri və gölü olan ecazkar bir mənzərənin fonunda boyandı. Görüntüləri Madonna və körpənin baxışlarının gənc ananın oxuduğu kitaba yönəldilməsi birləşdirir. Kompozisiyanın tamlığı yalnız əsas qəhrəmanların fiqurları ilə deyil, eyni zamanda şəklin şəkli - tondo (dəyirmi) ilə çatdırılır ki, bu da görüntü azadlığını qətiliklə məhdudlaşdırmır. Həcmli və yüngüldirlər. Təbiilik və realizm təəssüratı açıq soyuq rənglərin və onların tərkibindəki xüsusi birləşmələrin istifadəsi sayəsində yaranır: Madonnanın dərin mavi başlığı, şəffaf mavi səma, yaşıl ağaclar və göl suyu, ağ zirvələri olan qarlı dağlar. Bütün bunlar şəkilə baxarkən saflıq və həssaslıq hissi yaradır.

Rafaelin yaradıcılığının ilk dövrü ilə əlaqəli, eyni dərəcədə məşhur bir başqa əsəri 1504-cü ildə "Mary Betrothal" adlı bir kətandır. Rəsm hazırda Milandakı Brera Qalereyasında saxlanılır. Kompozisiya quruluşu burada xüsusi maraq kəsb edir. Rəssam nişanlanmanın dini və ritual hərəkətini məsafədən görünən kilsənin divarlarından küçəyə köçürdü. Rəbbin aydındır açıq mavi göy altında. Şəklin ortasında kahin, solunda və sağında Məryəm və Yusif var, yanında kiçik qruplarda gənc qızlar və oğlanlar var. Kompozisiya perspektivində yerləşdirilən kilsə, nişanlanmanın yaşandığı bir növ zəmindir. Məryəm və Yusif üçün ilahi meylin və lütfün simvoludur. Kətanın yuxarı hissəsindəki yarım dairəvi çərçivə, kilsənin günbəzinin xəttini təkrarlayaraq şəkilə məntiqi tamlığını verir.

Şəkildəki fiqurlar qeyri-adi lirik və eyni zamanda təbiidir. Burada hərəkətlər, insan bədəninin plastikliyi çox dəqiq və incə şəkildə çatdırılmışdır. Buna parlaq bir nümunə, kompozisiyanın ön plandakı bir oğlanın dizindəki dəyənəyi sındırmasıdır. Maria və Joseph zərif görünür, izləyiciyə demək olar ki, efirdir. Onların ruhi üzləri sevgi və həssaslıqla doludur. Rəqəmlərin düzülüşünün müəyyən bir simmetriyasına baxmayaraq, kətan lirik səsini itirmir. Rafaelin yaratdığı obrazlar sxem deyil, hisslərinin müxtəlifliyi ilə yaşayan insanlardır.

Əvvəlki əsərlərlə müqayisədə ilk dəfə olaraq, gənc ustadın bir kompozisiya ritmini incə bir şəkildə təşkil etmək bacarığında ən dəqiq şəkildə bu əsər ortaya çıxdı. Bu xüsusiyyət sayəsində, yalnız Rafael peyzajının bir elementi olmayan, həm də əsas qəhrəmanlarla eyni səviyyədə olan, mahiyyətini və xarakterini ortaya qoyan memarlıq quruluşlarının təsvirləri ümumi mənzərəyə uyğun şəkildə daxil edilmişdir.

Əsərdə xüsusi bir ritm yaratmaq istəyi sənətkarın müəyyən tonların rənglərindən istifadə etməsi ilə şərtləndirilir. Beləliklə, "Məryəmin Betrothal" kompozisiyası yalnız dörd rəng üzərində qurulub.

Qəhrəmanların paltarında, mənzərəsində, memarlığında və ümumi kompozisiya üçün lazımi ritmin qurulmasında qızıl sarı, yaşıl və qırmızı tonlar səmanın açıq mavi çalarları ilə bir ahəng yaradır.

Tezliklə Peruginonun sənət atelyesi, rəssamın istedadının daha da böyüməsi üçün çox kiçik olur. 1504-cü ildə Rafael, Yüksək İntibah sənətinin fikir və estetikasının inkişaf etdirildiyi Florensiyaya köçməyə qərar verdi. Burada Rafael Mikelancelo və Leonardo da Vinçinin əsərləri ilə tanış olur. Gənc rəssamın yaradıcılıq metodunun formalaşmasının bu mərhələsində onun müəllimləri olduqlarını söyləmək olar. Bu sənətkarların əsərlərində gənc rəssam Umbriya məktəbində olmayan bir şey tapdı: orijinal şəkillər yaratmaq tərzi, təsvir olunan fiqurların ifadəli plastisiyası, gerçəkliyin daha həcmli bir nümayişi.

1505-ci ildə Rafaelin yaratdığı əsərlərdə yeni bədii və şəkilli həllər artıq öz əksini tapmışdır. O vaxt Floransadan olan məşhur xeyriyyəçi Angelo Doni və həyat yoldaşının portretləri indi Pitti Qalereyasında saxlanılır. Şəkillər heç bir qəhrəmanlıq pafosundan və şişirtmədən məhrumdur. Bunlar ən yaxşı insani keyfiyyətlərə sahib olan adi insanlardır, bunların arasında qətiyyət və güclü iradə var.

Burada, Florensiyada, Rafael Madonnaya həsr olunmuş bir rəsm əsəri yazır. Onun "Yaşılda Madonna", "Qızıl çimdiklə Madonna", "Bağban Madonna" tuvalləri ortaya çıxdı. Bu kompozisiyalar bir parçanın variantlarıdır. Bütün kətanlarda kiçik vəftizçi Yəhya ilə Madonna və Uşaq təsvir olunur. Rəqəmlər inanılmaz dərəcədə gözəl mənzərənin fonunda yerləşdirilib. Rafaelin obrazları qeyri-adi lirik, yumşaq və həssasdır. Madonna, hər şeyi bağışlayan, sakit bir ana sevgisinin təcəssümüdür. Bu əsərlərdə qəhrəmanların xarici gözəlliyinə müəyyən dərəcədə həssaslıq və həddindən artıq heyranlıq var.

Bu dövrdə rəssamın bədii metodunun fərqli bir xüsusiyyəti, Florensiya məktəbinin bütün ustalarına xas olan aydın bir rəng vizyonunun olmamasıdır. Kətanlarda dominant rəng yoxdur. Şəkillər pastel rənglərdə verilir. Bir sənətkar üçün rəng əsas deyil. Fiquru meydana gətirən cizgiləri mümkün qədər dəqiq çatdırması onun üçün daha vacibdir.

Rafaelin monumental rəsminin ilk nümunələri Florensiyada yaradıldı. Bunların arasında ən maraqlısı, Vəftizçi John və St. Nicholas "(ya da" Anside Madonna "). Rəssamın yaradıcılıq üsulu, əsasən Leonardo da Vinci və Fra Bartolomeo-nun Florensiya rəssamlarının tuvallərindən təsirləndi.

1507-ci ildə Florensiya məktəbinin ən yaxşı ustaları ilə müqayisə etmək istəyən Leonardo da Vinci və Mikelancelo idi, Rafael "Entombment" adlı kifayət qədər böyük bir kətan yaradır. Kompozisiya şəkillərinin bəzi elementləri məşhur rəssamların təkrarlarıdır. Beləliklə, Məsihin başı və bədəni Mikelancelonun "Pieta" heykəltəraşlığından (1498-1501), Məryəmə dəstək olan bir qadın obrazından isə həmin ustad "Madonna Doni" nin kətanından götürülmüşdür. Bir çox sənətşünas Rafaelin bu əsərini orijinal istedadını və bədii və şəkil üsulunun xüsusiyyətlərini ortaya qoyaraq orijinal hesab etmir.

Son uğursuz işinə baxmayaraq, Rafaelin sənətdəki uğurları əhəmiyyətli idi. Tezliklə müasirlər gənc sənətkarın əsərlərini fərq etdilər və tanıdılar və müəllifin özü də İntibahın görkəmli sənətkar-rəssamları ilə bir səviyyəyə qoyuldu. 1508-ci ildə məşhur memar Bramante, həmyerlisi Rafaelin himayəsində olan rəssam, Papa sarayına dəvət olunanlar arasında olduğu Romaya gedir.

O dövrdə Papa taxtında olan II Julius boş, qəti və iradəli bir insan kimi tanınırdı.
Papa mülkləri müharibələr yolu ilə çox genişlənmişdi. Mədəniyyət və incəsənətin inkişafı ilə əlaqədar olaraq eyni "hücum" siyasəti aparıldı. Beləliklə, ən məşhur sənətkarlar, heykəltəraşlar və memarlar papa sarayına dəvət edildi. Çoxsaylı memarlıq binaları ilə bəzədilmiş Roma nəzərəçarpacaq dərəcədə dəyişməyə başladı: Bramante Müqəddəs Peter Katedralini tikirdi; Michelangelo, II Julius türbəsinin tikintisini müvəqqəti dayandıraraq Sistine Kapellasının tavanını rəngləməyə başladı. Tədricən Papanın ətrafında yüksək humanist prinsipləri və fikirləri təbliğ edən bir şair və alim dairəsi meydana gəldi. Florensiyadan gələn Rafael Santi belə bir atmosferə girdi.

Romaya gələn Rafael, Papanın mənzillərinin (sözdə bənd) boyanması üzərində işləməyə başladı. Freskalar 1509 - 1517-ci illərdə yaradılıb. Digər sənətkarlar tərəfindən oxşar xarakterli əsərlərdən bir sıra xüsusiyyətləri ilə seçilir. Hər şeydən əvvəl, rəsmlərin miqyasıdır. Əvvəlki rəssamların əsərlərində bir divarda bir neçə kiçik kompozisiya var idisə, Rafaelin hər rəsm üçün ayrı bir divarı var. Buna görə təsvir olunan rəqəmlər də "böyüdü".

Bundan əlavə, Rafaelin freskalarının müxtəlif dekorativ elementlərlə zənginliyini qeyd etmək lazımdır: süni mərmər və qızılla bəzədilmiş tavanlar, fresk və mozaika kompozisiyaları, zərif naxışla boyanmış bir döşəmə. Bu cür müxtəliflik həddindən artıq və xaos təəssüratı yaratmır. Yerlərində düzülmüş və məharətlə düzülmüş dekorativ elementlər ustad tərəfindən müəyyən bir harmoniya, nizam və müəyyən bir ritm hissi oyadır. Bu cür yaradıcı və texniki yeniliklər nəticəsində rəssamın rəsmlərdə yaratdığı obrazlar tamaşaçıya aydın görünür və bu səbəbdən lazımi aydınlıq və aydınlıq qazanır.

Bütün freskalar ortaq bir mövzuya tabe olmalı idi: Katolik Kilsəsinin və başının təriflənməsi. Bu baxımdan, rəsmlər İncil süjetlərinə və Papalıq tarixindən səhnələrə (II Julius və onun varisi X Leo şəkilləri ilə) əsaslanır. Bununla birlikdə, Rafaeldə bu cür konkret obrazlar İntibahın humanist fikirlərinin mahiyyətini açaraq ümumiləşdirilmiş bir alleqorik məna qazanır.

Bu baxımdan Stanza della Senyatura (imza otağı) xüsusi maraq doğurur. Kompozisiyanın freskaları insanın mənəvi fəaliyyətinin dörd sahəsinin ifadəsidir. Beləliklə, "Mübahisə" freski ilahiyyatı, "Afina məktəbi" - fəlsəfəni, "Parnassus" - şeir, "Hikmət, Təmkin və Güc" - ədaləti göstərir. Hər bir freskanın üstünə müəyyən bir fəaliyyət növünü təmsil edən bir alleqorik fiqur qoyulur. Tağların köşelerində bu və ya digər freskaya bənzər kiçik əsərlər var.

Stanza della Senyaturadakı rəsm kompozisiyası İncil və qədim yunan subyektlərinin (İncil - "Düşmə", antik - "Apollonun Marsyas üzərində qələbəsi") birləşməsinə əsaslanır. Papa otaqlarını bəzəmək üçün mifoloji, bütpərəst və dünyəvi mövzuların birləşməsindən istifadə olunmasının özü o dövrün insanların dini dogmalara münasibətindən xəbər verir. Rafaelin freskaları dünyəvi prinsipin kilsə dininə nisbətən prioritetliyini ifadə edirdi.

Ən parlaq və ən çox əks olunan dini kult freski "Mübahisə" tablosu idi. Burada kompozisiya iki hissəyə bölünmüş kimi görünür: göy və yer. Aşağıda, yerdə kilsə atalarının, eləcə də ruhanilərin, ağsaqqalların və gənclərin fiqurları var. Onların şəkilləri cisimlərin, döngələrin və hərəkətlərin plastikasının realist şəkildə çoxaldılması köməyi ilə yaradılan qeyri-adi təbiidir. Dante, Savonarola, rəssam Fra Beato Angelico burada asanlıqla üz kütlələri arasında tanınır.

İnsanlar rəqəmlərinin üstündə Müqəddəs Üçlüyü simvolizə edən şəkillər var: Ata Allah, biraz aşağıda - İsa Məsih Tanrının Anası və Vəftizçi Yəhya ilə birlikdə, altlarında - göyərçin - Müqəddəs Ruhun şəxsiyyəti. Ümumi kompozisiyanın mərkəzində, rabbanın rəmzi olaraq, gofret var.

"Mübahisə" də Rafael misilsiz bəstəkar ustası kimi görünür. Bir çox simvollara baxmayaraq, şəkil fövqəladə bir görüntü aydınlığı və müəllifin çatdırdığı düşüncənin aydınlığı ilə seçilir. Kompozisiyanın yuxarı hissəsindəki fiqurların düzülüşünün simmetriyası, kompozisiyanın aşağı hissəsindəki xaotik şəkildə yerləşdirilmiş fiqurlar ilə yumşaldılır. Və buna görə birincinin bəzi sxematik təsvirləri çətinliklə nəzərə çarpır. Buradakı kompozisiya elementi yarım dairədir: müqəddəslərin və həvarilərin buludlardakı yuxarı hissəsində yerləşən yarım daire və əks-sədası kimi, şəklin aşağı hissəsindəki insanların sərbəst və daha təbii fiqurlarının yarım dairəsi.

Rafaelin yaradıcılığının bu dövrünə aid ən yaxşı fresklərindən və əsərlərindən biri "Afina məktəbi" tablosudur. Bu fresk Qədim Yunanıstan sənəti ilə əlaqəli uca humanist idealların təcəssümüdür. Rəssam məşhur qədim filosofları və alimləri təsvir etmişdir. Kompozisiyanın mərkəzi hissəsində Platon və Aristotelin fiqurları yer alıb. Platonun əli dünyaya, Aristotel isə cənnətə işarə edir ki, bu da qədim filosofların təlimlərini simvollaşdırır.

Platonun sol tərəfində, bədəni mərmi ilə qorunan və başı dəbilqə ilə örtülü olan gənc Alcibiadesin üzü önə çıxan bir qrup insanla söhbət aparan Socrates fiquru. Pillələrdə kiniklər fəlsəfi məktəbinin qurucusu Diogen var. Burada məbədin girişində dayanan və sədəqə diləyən bir dilənçi kimi təmsil olunur.

Kompozisiyanın alt hissəsində iki qrup insan göstərilir. Sol tərəfdə şagirdlərin əhatəsində Pifaqor fiquru var. Sağda Öklid, şagirdlərin əhatəsində, şifer lövhədə bir şeylər çəkir. Son qrupun sağında Zərdüşt və əlində kürə olan taclı Ptolemey var. Yaxınlıqda müəllif öz portretini və rəssam Sodomunun fiqurunu yerləşdirdi (Stanza della Senyatura'nın rəsmləri üzərində işləməyə başladı). Mərkəzin sol tərəfində, sənətçi dalğın Efes Heraklitini yerləşdirdi.

Disput fresklərindəki şəkillərlə müqayisədə Afina Məktəbinin fiqurları daha böyük və abidəlidir. Bunlar görkəmli bir ağıl və böyük bir cəsarətlə təmin olunmuş qəhrəmanlardır. Freskonun əsas obrazları Platon və Aristoteldir. Onların əhəmiyyəti yalnız kompozisiyadakı yerlə (mərkəzi yeri tutur) deyil, üz ifadəsi və cisimlərin xüsusi plastisiyasına görə müəyyən edilir: bu rəqəmlər həqiqətən şöhrətpərəst bir duruşa və yerişə malikdir. Maraqlı bir həqiqət budur ki, Platonun obrazının prototipi Leonardo da Vinçi idi. Öklid obrazını yazmaq üçün model memar Bramante idi. Heraklitin prototipi Mikelancelonun Sistine Kapellasının tavanında təsvir etdiyi fiqur idi. Bəzi tədqiqatçılar, Heraklitusun təsvirinin usta tərəfindən Mikelancelonun özünün eskiz olduğunu düşünürlər.

Mövzu burada da dəyişir: fresk insan şüuruna və insan iradəsinə bir növ himn kimi səslənir. Buna görə bütün personajlar insan zehninin və yaradıcı düşüncəsinin sonsuzluğunu simvollaşdıran möhtəşəm memarlıq tikililəri fonunda qurulur. "Mübahisələr" qəhrəmanları passivdirsə, "Afina məktəbi" ndə təqdim olunan obrazlar həyatlarının fəal və enerjili qurucuları, dünya ictimai quruluşunun transformatorlarıdır.

Freskin kompozisiya həlləri də maraqlıdır. Beləliklə, Platon və Aristotelin arxa planda yerləşdiyi fiqurlar hərəkətdə göstərildiklərinə görə şəkildəki əsas rəqəmlərdir. Həm də kompozisiyanın dinamik mərkəzini təşkil edirlər. Dərinliklərdən danışarkən, dinləyicilərin təəssüratını yaradan, yarımdairəvi bir tağla haşiyələnmiş kompozisiyanın inkişaf etdirildiyi izləyiciyə doğru gedirlər.

Stanza d'Eliodoro möhür otağının arxasındakı rəsm işləri 1511-1514-cü illərdə Rafael tərəfindən həyata keçirildi. Papalıq tarixindən bəhs edilən əfsanələr və həqiqətlər bu otaqda əsas yerin yerləşdiyi hekayələrlə bəzədilmiş fresklərin mövzusu oldu. ilahi təminata və möcüzəyə verildi.

Otaq, adını Qüds qalasında saxlanan sərvətləri oğurlamaq istəyən Suriyalı komandir Eliodorun hekayəsi olan "Eliodorun qovulması" adlı fresk üzərində dekorativ işlərin tamamlanmasından sonra aldı. Lakin, cənnət sürücüsü ona mane oldu. Fresko Papa II Julius qoşunlarının necə məğlub olduğunu və rüsvayçılıqla Fransız ordusunu Papa Dövlətlərindən qovduğunu xatırladırdı.

Lakin bu fresk sənətkarın yaradıcılıq niyyətinin ifadə gücü ilə seçilmir. Bu, ehtimal ki, ümumi kompozisiyanın iki ayrı hissəyə ayrılmasıdır. Solda, iki mələklə birlikdə Eliodoru məğlub etməyə çalışan gözəl bir atlı var. Freskonun sağ tərəfində, sedye uzanmış II Julius var. Xərəkə dəstək verənlər arasında rəssam məşhur Alman rəssamı Albrecht Durer'i təsvir etdi. Süjetin güman edilən qəhrəmanlıq pafosuna baxmayaraq, Rafael obrazları tamamilə dinamikadan və dramadan məhrumdur.

Xarakteri baxımından bir qədər daha güclü və kompozisiya quruluşunda mükəmməl olan "Kütlə bolsendə" adlı freskdir. Onun süjeti, rabbani ayini keçirmə zamanı vafli qanla bulaşmış kafir bir kahindən bəhs edən bir hekayəyə əsaslanır. Papa II Julius, kardinallar və arxasında olan gözətçi İsveçrəli, Rafaelin kətanında bu möcüzəyə şahid oldular.

Məşhur sənətkarın bu əsərinin fərqli bir xüsusiyyəti əvvəlki əsərlərlə müqayisədə qəhrəmanların təsvirindəki təbiilik və təbiilik dərəcəsi böyük bir hala gəldi. Bunlar artıq xarici gözəllikləri ilə diqqət çəkən mücərrəd rəqəmlər deyil, olduqca real insanlardır. Bunun ən təəccüblü dəlili, üzləri daxili enerji ilə dolu, güclü bir insan iradəsini ifadə edən Papa keşikçisindən olan İsveçrəlilərin görüntüləridir. Lakin hissləri sənətkarın təxəyyülü deyil. Bunlar çox həqiqi insan duyğularıdır.

Bu əsərdə müəllif rəngə, kətanın və obrazların rəngli dolğunluğuna çox diqqət yetirir. Rəssam indi yalnız fiqurların kontur cizgilərinin dəqiq bərpası ilə deyil, həm də şəkillərin rəng doyması, onların daxili aləminin müəyyən bir tonla nümayişi ilə maraqlanır.

Eyni dərəcədə ifadəli, Həvari Peterin bir mələk tərəfindən azad edilməsi səhnəsini təsvir edən "Peter Kitabı" freskidir. Sənətşünaslar bu şəklin papa mirası X Leo'nun (sonradan Papa oldu) Fransız əsarətindən qurtuluşunun bir növ simvolu olduğuna inanırlar.

Bu freskada xüsusi maraq doğuran müəllifin tapdığı kompozisiya və rəng şemasıdır. Gecə işıqlandırmasını əks etdirir, bu da ümumi kompozisiyanın dramatik xarakterini artırır. Dəqiq seçilmiş memarlıq arxa planı, məzmunun açıqlanmasına və şəklin daha çox emosional dolğunluğuna kömək edir: kütləvi kərpiclərdən tikilmiş bir zindan, ağır bir tağlı tonoz, bir qəfəsin qalın çubuqları.

Daha sonra "Papa I Leo'nun Attila ilə görüşməsi" adını alan Stanza d'Eliodorodakı dördüncü və sonuncu fresk, Rafaelin eskizlərinə görə tələbələri Giulio Romano ve Francesco Penni tərəfindən yapıldı. İş 1514-cü ildən 1517-ci ilədək aparılmışdır. O vaxta qədər şöhrəti İtaliyaya yayılmış və çoxlu sifariş alan qeyri-adi populyar bir sənətkara çevrilmiş ustanın özü papalı bəzəmək işini başa çatdıra bilmədi otaqlar. Bundan əlavə, Rafael bu dövrdə Müqəddəs Pyotr Katedralinin baş memarı təyin edildi və eyni zamanda o dövrdə Romada və onun ətrafında aparılan arxeoloji qazıntılara nəzarət etdi.

Stanza del Inchendio-nu bəzəyən rəsmlər papalıq tarixinin hekayələri əsasında yazılmışdır. Bütün freskalar arasında bəlkə də yalnız biri xüsusi diqqətə layiqdir - "Borqodakı Atəş". 847-ci ildə Roma məhəllələrindən birində baş verən yanğından bəhs edir. Papa IV Leo o dövrdə yanğının söndürülməsində iştirak etdi. Bu fresk, fəlakətdən qaçmağa çalışan insanların timsalında həddindən artıq pafos və süni dramatikliyi ilə seçilir: ata daşıyan bir oğul, divarın üstünə çıxan bir gənc, əlində küp.

Vatikan misralarının freskaları Rafaelin yaradıcılığının təkamülünü yaxşı göstərir: sənətkar tədricən erkən əsərlərin ideal obrazlarından dramaturgiyaya və eyni zamanda, mərhum dövrlə əlaqəli əsərlərdə (mövzu kompozisiyaları və portretlər) həyatla yaxınlaşmağa doğru gedir. .

1509-cu ildə Romaya gəlişindən dərhal sonra, Madonna mövzusuna davam edən Rafael "Madonna Alba" tablosunu çəkir. Madonna Conestabilin rəqəmləri ilə müqayisədə, Madonna Alba-dakı görüntülər daha mürəkkəbdir. Məryəm burada güclü bir xarakterə sahib, enerjili və özünə inanan gənc bir qadın kimi təsvir edilmişdir. Körpənin hərəkətləri də eyni dərəcədə güclüdür. Rəsm tondo şəklində hazırlanır. Bununla birlikdə, rəqəmlər burada tamamilə boyanmışdır ki, bu da yuvarlaq kətanlar üçün tipik deyildi. Fiqurların bu düzülüşü, statik şəkillərin görünməsinə səbəb olmur. Bütün kompozisiya kimi bütövlükdə onlar dinamikada göstərilir. Bu hiss, ustanın insan bədəninin hərəkətlərinin plastikliyini incə və dəqiq bir şəkildə çatdırması sayəsində yaranır.

Rəssamın yaradıcılıq metodunun formalaşması üçün xüsusi əhəmiyyət kəsb edən işi 1516-cı ildə tamamlanmış olan "Bir koltukta Madonna" (və ya "Madonna della Cedia") rəsm əsəridir. Madonnanın bir qədər idealizə edilmiş obrazı burada yerləşdiyi üçün beton, həqiqi elementlərin tərkibə daxil edilməsi. Məsələn, Məryəmin sinəsi saçaqlı geniş parlaq bir eşarpla örtülmüşdür. O dövrdə belə şallar bütün İtalyan kəndli qadınlarının ən sevimli geyimləri idi.

Madonna, körpə Məsih və kiçik Vəftizçi Yəhya fiqurları bir-birinə yaxındır. Görünüşlərin bir-birinə rəvan axdığı təəssüratı yaranır. Bütün mənzərə qeyri-adi dərəcədə yüngül bir lirik hissə bürünmüşdür. Əbədi canlı ana məhəbbəti mövzusu burada yalnız Məryəmin baxışlarında deyil, həm də simasının plastisiyasında çatdırılır. Tondonun forması bütün kompozisiyaya məntiqi bir tamlıq verir. Dəyirmi bir kətana qoyulmuş Məryəm və körpənin fiqurları ən yaxın iki insanın birliyinin rəmzidir: ana və uşaq. Bu
Rafaelin tablosu müasirləri tərəfindən təkcə kompozisiya quruluşu baxımından deyil, həm də təsvirlərin plastik xəttlərinin incə ötürülməsi sayəsində dəzgah rəngkarlığının zirvəsi kimi tanınmışdır.

10-cu illərdən bəri. XVI əsr Rafael qurbangah əsərləri üçün əsərlər üzərində işləyir. Beləliklə, 1511-ci ildə "Madonna Foligno" ortaya çıxdı. Və 1515-ci ildə məşhur sənətkar daha sonra rəssamlara böyük bir sənətkarın şöhrətini gətirəcək və birdən çox insan nəslinin qəlbini fəth edəcək bir kətan yaratmağa başladı. Sistine Madonna, Rafaelin bədii metodunun inkişafının son mərhələsini təyin edən bir rəsmdir. Analıq mövzusu burada əvvəlki əsərlərlə müqayisədə ən böyük inkişaf və ən mükəmməl bir təcəssüm aldı.

Katedralə girdikdən sonra izləyici dərhal körpə İsa Məsihi qucağında daşıyan Madonnanın əzəmətli fiquruna üz tutur. Bu təsir simvolların xüsusi bir kompozisiya düzəldilməsi sayəsində əldə edilir. Yarı açıq pərdə, Müqəddəslər Sixtus və Barbara'nın Məryəmə yönəlmiş baxışları - bunların hamısı gənc ananın kompozisiyanın mərkəzinə çevrilməsinə yönəldilmişdir.

Madonna obrazını açıqlamaqda Rafael İntibah sənətçilərindən uzaqlaşdı. Madonna burada birbaşa izləyici ilə danışır. Bir uşaqla məşğul deyil (Madonna Leonardo da Vinci kimi) və özünə batmır (ustadın ilk əsərlərinin qəhrəmanları kimi). Qarlı ağ buludlar boyunca izləyiciyə doğru irəliləyən bu Maria onunla söhbət aparır. Geniş açılan gözlərində ana sevgisini, bir qədər qarışıqlığı, ümidsizliyi və təvazökarlığı və oğlunun gələcək taleyi üçün dərin narahatlığı görə bilər. Görücü kimi övladının başına gələcək hər şeyi bilir. Ancaq insanları xilas etmək üçün ana onu qurban verməyə hazırdır. Körpə Məsihin obrazı da eyni ciddiyyətlə bəxş edilmişdir. Onun gözlərində, sanki bütün dünya başa çatıb, bir peyğəmbər kimi bizə insanlığın və özünün taleyini izah edir.

Rafael. Sistine Madonna. 1515-1519

Məryəm obrazı dramla doludur və qeyri-adi dərəcədə ifadəli olur. Ancaq idealizasiyadan məhrumdur və hiperbolik xüsusiyyətlərə sahib deyil. Tamamlanma, obrazın tamlığı hissi burada fiqurların plastisiyasının dəqiq və sədaqətli ötürülməsi və qəhrəmanların paltarının pərdəsi ilə ifadə olunan kompozisiyanın dinamikliyi sayəsində yaranır. Bütün rəqəmlər canlı, mobil, parlaq şəkildə təqdim olunur. Məryəmin üzü, uşaqlıqdan kədərli olmayan gözləri olan Məsih körpəsi kimi, tamaşaçı gözü qarşısında bir-birinin ardınca dəyişən bütün hisslər hissini ifadə edir: kədər, narahatlıq, təvazökarlıq və nəhayət, qətiyyət.

Sənətşünaslar arasında Sistine Madonnanın prototipi məsələsi hələ də açıqdır. Bəzi tədqiqatçılar bu obrazı "Çadranlı xanım" (1514) portretində təsvir olunan gənc bir qadın obrazı ilə eyniləşdirirlər. Bununla birlikdə, sənətkarın müasirlərinin ifadələrinə görə, "Sistine Madonna" kətanındakı Mary, kiminsə özünəməxsus bir obrazından çox ümumiləşdirilmiş bir qadın tipi, Rafael idealıdır.

Rafaelin portret əsərləri arasında 1511-ci ildə çəkilmiş Papa II Juliusun portreti böyük maraq doğurur. Əsl insan burada rəssamın yaradıcılıq metodunun səciyyəvi xüsusiyyəti olan bir növ ideal kimi göstərilir.

1515-ci ildə yaradılmış qraf Baldassare Castiglione'nin sakit, balanslı, ahəngdar inkişaf etmiş bir insanı əks etdirən portreti xüsusilə diqqət çəkir. Rafael burada gözəl bir rəng ustası kimi çıxış edir. Mürəkkəb rəng birləşmələrindən və ton keçidlərindən istifadə edir. Eyni kölgə sənətkarlığı rəssamın başqa bir işini fərqləndirir: dominant rəngin ağ rəng olduğu bir qadının portreti "Çadranlı Xanım" ("La donna velata", 1514) (qadının qar kimi ağ libası işıq yandırır). örtük).

Rafaelin yaradıcılığının əhəmiyyətli bir hissəsini monumental əsərlər tutur. Sonrakı bənzər əsərləri arasında ən maraqlısı, ilk növbədə, Villa Farnezina-nın divarlarını bəzəyən (əvvəllər zəngin adam Çiqinin mülkü) "Galatea Triumph" freskidir. Bu şəkil qeyri-adi dərəcədə sevincli bir əhval-ruhiyyə ilə seçilir. Təsvirlər sözün əsl mənasında xoşbəxtliklə doludur. Bənzər bir ton parlaq, doymuş rənglərin xüsusi bir birləşməsindən istifadə edərək yaranır: çılpaq ağ cisimlər burada şəffaf bir mavi səma və dənizin mavi dalğaları ilə harmonik şəkildə birləşdirilir.

Rafaelin son abidə işi Vatikan Sarayının ikinci mərtəbəsində yerləşən tağlı qalereyanın divarlarının bəzədilməsi idi. Salonlar üçün dekor süni mərmərdən hazırlanan rəsm və mozaika ilə bəzədilmişdir. Freskalar üçün mövzular sənətkar tərəfindən İncil əfsanələrindən və s. qrotesklər (qədim yunan türbələrində tapılan rəsmlər - qrottolar). Cəmi 52 rəsm var. Daha sonra "Rafaelin İncili" adlı ümumi başlıq altında bir dövrəyə birləşdirildi. Məşhur sənətkarın, Vatikan Sarayının salonlarının bəzədilməsi üzərində işlərini şagirdləri ilə birlikdə apardığı da maraqlıdır, aralarında görkəmli bir yer Giulio Romano, Francesco Penny, Perino del Vaga, Giovanni da Udine tərəfindən tutulmuşdur.

Rafaelin sonrakı tezgah tuvalələri ustadın tədricən böyüyən yaradıcılıq böhranının bir növ əks və ifadəsi idi. Yüksək İntibah ustaları tərəfindən yaradılan, lakin eyni zamanda onsuz da formalaşmış bədii təsvir metodlarına sadiq qalaraq artan obrazların dramatizasiyası yolunu tutaraq, Rafael üslubdakı ziddiyyətlərə gəlir. Düşüncələrini ifadə etmək vasitələri və üsulları, daxili aləmini və xarici gözəlliklərini çatdırmaq baxımından keyfiyyətcə yeni, daha mükəmməl obrazlar yaratmaq üçün çox azdır. Rafaelin bu dövrünü əks etdirən canlı nümunələr "Xaç daşımaq" (1517), "Müqəddəs ailələr" dövrü (təxminən 1518), "Transfiguration" qurbangah kompozisiyasıdır.

Rafael kimi istedadlı bir rəssamın, ustadın bütün müasirlərini şoka salan qəfil ölümü olmasaydı, belə bir yaradıcılıq çıxmazından çıxış yolu tapması tamamilə mümkündür. Rafael Santi 6 aprel 1520-ci ildə 37 yaşında vəfat etdi. Dəbdəbəli bir cənazə təşkil edildi. Böyük sənətkarın külləri Romadakı Panteonda dəfn olunur.

Rafaelin əsərləri bu günə qədər dünya sənətinin şah əsərləri olaraq qalır. Klassik sənət nümunəsi olan bu rəsmlər bəşəriyyətə mükəmməl, qəribə bir gözəllik göstərmək üçün dizayn edilmişdir. İnsanlara yüksək hiss və düşüncələrin sahib olduğu bir dünyanı izləyiciyə təqdim etdilər. Rafaelin əsəri insanı dəyişdirən, onu daha təmiz, daha parlaq, daha gözəl edən sənətə aid bir ilahidir.

Titian (Tiziano Vecellio)

Tiziano Vecellio, dağlarda və Venesiya adasının bir hissəsində yerləşən kiçik Pieve di Cadore qəsəbəsində hərbi bir ailədə anadan olub. Elm adamları Titianın doğum tarixini və ilini dəqiqləşdirə bilmədilər. Bəziləri bunun 1476-1477 olduğuna inanır, bəziləri - 1485-1490.

Alimlər Vecellio ailəsinin qədim və şəhərdə kifayət qədər təsirli olduğunu irəli sürürlər. Oğlanda rəssamlıq üçün erkən bacarıqlarını görən valideynlər, Tiziano'yu Venedik mozaika ustasının sənət atelyesinə göndərməyə qərar verdilər. Bir müddət sonra gənc Vecellio, əvvəl Gentile Bellini, sonra Giovanni Bellini tərəfindən atelyedə təhsil almağa tapşırıldı. Bu zaman gənc sənətkar təsiri ilk əsərlərində əks olunan Giorgione ilə tanış olur.

Bütün sənətkarın işləri şərti olaraq iki dövrə bölünə bilər: birincisi - sözdə. Chordzhonevsky - 1515-1516-a qədər (Giorgionun təsiri rəssamın əsərlərində ən güclü şəkildə ifadə edildikdə); ikinci - 40-cı illərdən. 16-cı əsr (bu zaman Titian artıq Son İntibah sənətini təmsil edən köklü bir usta idi).

Giorgione və İntibah rəssamlarının bədii metodunun formalaşmasının ilk mərhələsindən sonra Titian bədii problemlərin həlli yollarını yenidən nəzərdən keçirir. Rəssamın fırçasından, üstün və incə fiqurlardan, məsələn, Rafael və Leonardo da Vinci ilə əhəmiyyətli dərəcədə fərqlənən yeni şəkillər ortaya çıxır. Titianın qəhrəmanları yer üzündə, tam bədənli, həssasdır, böyük ölçüdə içərisində bütpərəst bir prinsip var. Rəssamın erkən tuvalları, olduqca qeyri-adi bir sevinc əhval-ruhiyyəsi və dünyəvi həyatın buludsuz xoşbəxtlik, dolğunluq və sonsuzluq şüuru ilə nüfuz edən olduqca sadə bir kompozisiya ilə fərqlənir.

Bu dövrün əsərləri arasında, sənətkarın yaradıcılıq metodunu ən tam ifadə edən, ən parlaqlarından biri, 10-cu illərə aid "Dünyəvi və səmavi sev" adlı kətandır. 16-cı əsr. Müəllif üçün yalnız süjeti çatdırmaq deyil, həm də varlıq sükunəti və xoşbəxtliyi düşüncələrini və bir qadının həssas gözəlliyini doğuran gözəl bir mənzərəni göstərmək vacibdir.

Qadın fiqurları, şübhəsiz ki, ülvi, lakin həyatdan mücərrəd deyil və müəllif tərəfindən idealizə edilmir. Yumşaq rənglərdə boyanmış və arxa plana qoyulmuş mənzərə, zərif və zərif, eyni zamanda olduqca real, konkret qadın obrazları üçün əla bir fon kimi xidmət edir: Dünyəvi Sevgi və Göy Sevgisi. Məharətlə bəstələnmiş bir kompozisiya və incə rəng hissi sənətkarın qeyri-adi dərəcədə ahəngdar bir əsər yaratmasına kömək etdi, hər elementi müəllifin dünyəvi təbiətin və insanın təbii gözəlliyini göstərmək istəyinə tabe olduğu ortaya çıxdı.

Daha sonra, 1518-ci ilə aid olan Titianın "Assunta" (və ya "Məryəmin Yüksəlməsi") adlı əsəri, "Dünyəvi və Cənnət Sevgisi" əsərində səslənən o qədər sakit düşüncə və sükunətə sahib deyil. Daha çox dinamika, güc, enerji var. Kompozisiyanın mərkəzi fiquru dünyəvi gözəllik və güclə dolu bir gənc qadın tərəfindən göstərilən Məryəmdir. Həvarilərin baxışları ona yönəldilmişdir, şəkilləri eyni daxili canlılığı və enerjini ifadə edir. "Bacchus and Ariadne" kompozisiyası ("Bacchanalia" tsiklindən, 1523) insan gözəlliyinə və güclü insan hissinə bir növ ilahidir.

Dünyəvi qadın gözəlliyinin təriflənməsi, Titianın "Urbino Venerası" adlı başqa bir əsərinin mövzusu oldu. 1538-ci ildə yaradılmışdır. Təsəvvürün qətiliklə sublimliyi və mənəviyyatı olmamasına baxmayaraq, ikincisi hələ də kətanın estetik dəyərini azaltmır. Venera burada həqiqətən çox gözəldir. Bununla birlikdə, onun gözəlliyi yer üzündə və təbiidir, bu da Titianın Botticelli-nin Venerasından yaratdığı obrazı fərqləndirir.

Lakin sənətkarın yaradıcılığının inkişafındakı ilk dövr görüntülərinin yalnız bir insanın xarici gözəlliyini tərənnüm etdiyini söyləmək səhv olardı. Bütün görünüşləri xarici gözəlliyi mənəvi ilə eyniləşdirilən və eyni dərəcədə gözəl bir ruhun arxa tərəfi olan ahəngdar bir insanı təsvir edir.

Bu baxımdan, İsa Məsihin 1515-1520-ci illər arasında yaradılan "Sezar Denarius" kətanındakı şəkli ən çox maraq doğurur.Titian, İsa peyğəmbəri heç ilahi, uca, səmavi bir varlıq kimi göstərmir. . Üzündəki ruhani ifadə, tamaşaçı qarşısında mükəmməl bir zehni təşkilatına sahib bir nəcib bir şəxsin olduğunu göstərir.

1519-1526-cı illər arasında yazılmış "Pesaro Madonna" qurbangah kompozisiyasında yaradılan şəkillər eyni mənəviyyatla doludur.Bu qəhrəmanlar sxem və ya abstrakt deyildir. Canlı, həqiqi bir mənzərənin yaradılması ustanın müxtəlif rəngli bir gamutdan istifadə etməsi ilə asanlıqla asanlaşdırılır: Məryəmin qarlı ağ örtüyü, göy-mavi, qırmızı, parlaq qırmızı, qəhrəmanların qızıl geyimləri, zəngin bir yaşıl xalça. Bu cür müxtəlif tonlar kompozisiyaya xaos gətirmir, əksinə, rəssamın ahəngdar və ahəngdar görüntülər sistemi yaratmasına kömək edir.

1520-ci illərdə. Titian dramatik xarakterli ilk əsəri yaratdı. Bu məşhur "Entombment" tablosudur. Məsihin obrazı burada "Sezarın Denariusu" tablosunda olduğu kimi şərh olunur. İsa, insanlığı xilas etmək üçün göydən enən bir varlıq kimi deyil, bərabər olmayan bir döyüşdə yıxılan tamamilə dünyəvi bir qəhrəman kimi təqdim olunur. Süjetin bütün faciəsinə və dramaturgiyasına baxmayaraq, kətan tamaşaçıda ümidsizlik əhval-ruhiyyəsi yaratmır. Əksinə, Titianın yaratdığı obraz bir insanın daxili gözəlliyini, nəcibliyini və ruhunun gücünü təcəssüm etdirərək nikbinlik və qəhrəmanlıq rəmzidir.

{!LANG-4eeb9cacf468a4b5c79099444e07afd9!}

{!LANG-6765db386bbda9ef6eafa05b368f6f17!}

{!LANG-401b35757e6bc643de4d5cbdb9fca5a4!}

{!LANG-3c3af1b50614af3966879904de4f39ca!}

{!LANG-1f575f601aeb32556c92bf99645629ac!}

{!LANG-25f2dbdd2bdb3575f4495c91c3e05273!}

{!LANG-5e89bea2416cce9b5c712698b1bfcd83!}

{!LANG-5921a975d961e76125148d7f8822c075!}

{!LANG-dd7ec203d8f0092d88d4c120d17dbd7f!}

{!LANG-5ce0177d9439e94b0085767f50d445f7!}
{!LANG-2f4ca6367d97ff6cf9deff9acca61569!}

{!LANG-d9da10cacaaa473f91be710c7c40e3ff!}

{!LANG-75be5098a8620a10ac6c16476c590e9c!}
{!LANG-4d7760ed0cbae05c585f504882a3c16e!}

{!LANG-8be2a66e036f172ce6d77103fde87538!}

{!LANG-779931f63353f102d8d1b089471f2fc3!}

{!LANG-15de24cb88e9d89f6a8210ade0276a79!}

{!LANG-9e58343a60f3be1e7dfa55333caeb019!}

{!LANG-f3c1783f88549fff2ca377db77b64c24!}

{!LANG-4f45af806a54c463d6c9c15409c5d499!}
{!LANG-a08ed5e5b2aed7caee7e65c6322b0ade!}

{!LANG-77f5fbb0c4673d0c61199128496de2d9!}

{!LANG-f145168b503535116259c90b9b4272f7!}

{!LANG-b74f3314fb552306e378973f156c5b2d!}

{!LANG-35619de133d99bd114ac9f0ac57b8347!}

{!LANG-bd9670e140722d6b599e67bbfacfead9!}

{!LANG-a65758a40e090659c3cf36146ae42d91!}

{!LANG-aece41025d88b96e4db949101af835fd!}

{!LANG-9be72e62b454c33bc5bbf3f130e4c5f5!}

{!LANG-419e285d173e660d76769ba6475ed640!}

{!LANG-fc6ae539ad94c05d29bf8540192c2730!}

{!LANG-250d8f95f30aa5f167d9da10f6c0316b!}

{!LANG-81e46c48a0be7c41a8879106bebcc5de!}

{!LANG-d688094b9277c4c1803482c32ca79c35!}

{!LANG-1779e49153c90ef9f245b359a2e9e49f!}

{!LANG-d518b27a72ca2f71c83cee157384fc8f!}

{!LANG-ce794551b9bf88fa2aab0c3eeee8a53a!}

{!LANG-62f977ae7b470061cbf9af8ef5fa4fb7!}

{!LANG-100d1c82ca8ca9713b0e822b0e6d6bb7!}

{!LANG-e0c26356b3f6384ba7cee8941aacdb79!}

{!LANG-7c274a3a003de12d2e5869ceaa836b7a!}

{!LANG-ca02cf5a49056d3f5b63af1a15189698!}

{!LANG-ed660ffde7e93b0a2b910b2dd69924d8!}

{!LANG-b77b68de8e90b94704f31925bd3794c1!}

{!LANG-4f89ef4df1330d3fc66b5280b3463292!}

{!LANG-9db46230c9294f6fae6e087fc9109b14!}

{!LANG-567771b7b90f0f3a36c4e5a4642a9f99!}

{!LANG-c42557084e9df5a8a39c9b36a070f28e!}

{!LANG-62e8a8eb651daeb570b6ab838f24248a!}

{!LANG-d898f6dcb598436871caac81d9c31332!}

{!LANG-c51790c18d1d7d61f02415d2bb55ff61!}

{!LANG-a58a7f77f698450d30cb06a0f98c96b3!}

{!LANG-632e5219bb948cafa62fd6ad59cc7ad0!}

{!LANG-93dce92fbdc378f700eda011b0b52fb6!}

{!LANG-edf1dd038beb8ce10d6c68d5d51a31c1!}

{!LANG-2180c47d0013b4359ca5d30f536d8daa!}

{!LANG-34bbfa547f401eb72bde71db9404d9c7!}

{!LANG-faaaaf746edd1ef56d608dbd9d540e75!}

{!LANG-cc40906c6bc27ec20ad6505f16a6d5ea!}

{!LANG-e44d3ce2ca6beb93bb1772aff9155013!}

{!LANG-a8aa7101fbb33bd3351140b71793ef76!} {!LANG-90e5ba6aaa0a856e9dfa16f9f0191d3d!}{!LANG-540c7aa94ececa9a81c93e56166ffeb5!} {!LANG-c676ee0f465996d96bf306ae75dfc45f!}{!LANG-af2975d8dc6422220c6c1905f807507e!} {!LANG-ee49b86248994e7cc4b7b6ba5fc082bb!}{!LANG-27a19fb1326368cd7257d25e71e146d5!} {!LANG-2b73c6966682bf5b7bb4d1d3813c8127!}{!LANG-b23ad5a01e923295f1579966dbdec749!}

{!LANG-3e1b045783cd2ace72f03422ce51975a!}

{!LANG-a3edde7c0045778d24d3ca6cd1e0f817!}

{!LANG-fa9588c8fec67440c84f3004c0689fb5!}

{!LANG-572e6db2343ff4a8928d17ed685b1072!}

{!LANG-8d1986ecb79962992e55577a62698a0f!}

{!LANG-503a543f8df8ed8b191b9749dd7d0785!}

{!LANG-228c6deef78fde946fb948323675b9a7!}

{!LANG-d949d4f48abc126ec0db15ce29e38663!}