Müasir Yapon incəsənəti. İkili Perspektiv: Müasir Yapon İncəsənəti

Ermitajda maraqlı bir sərgi - Yaponiyanın Müasir Sənəti "MONO-NO AVARE. The Charm of Things" keçirilir.

Çağdaş sənətin pərəstişkarı olduğumu deyə bilmərəm. Nəzərə alınacaq bir şey olanda daha çox xoşlayıram (məşğul qrafika və ya dekorativ və tətbiqi sənət, etnos mənim hər şeyimdir). Təmiz bir konsepsiyanın gözəlliyinə heyran olmaq mənim üçün həmişə əyləncəli deyil. (Malevich, bağışlayın! Qara kvadratı sevmirəm!)

Ancaq bu gün bu sərgiyə gəldim!

Qiymətli olanlar, əgər Sankt-Peterburqdasınızsa, sənətlə maraqlanırsınız və hələ orada olmamısınızsa, sərgi 9 fevrala qədər açıq olacaq! Get, çünki maraqlıdır!

Anlayışlar yuxarıda yazdığım kimi məni çox inandırmır. Nə isə elə bildim ki, bir ildir ki, müasir sərgiləri ziyarət etmək üçün ən çox bir və ya iki obyekt mənim üçün əyləncəlidir. Və bir çox şey mənə o qədər toxunmur ki, boş yerə sərf etdiyim vaxt üçün peşman oluram. Ancaq bu, hər hansı bir janrda, istənilən sənətdə, istedad və vasatlıq nisbətinin yüzdəsidir, hər ondan biri olsa yaxşıdır! Ancaq bu sərgi çox xoşuma gəldi.

Yapon əsərləri Baş Qərargah Binasının sərgi salonlarında yerləşdirildi. Ziyarətçiləri qarşılayan ilk quraşdırma yerə duz tökülmüş inanılmaz bir labirintdir. Boz döşəmə, ağ duz, inanılmaz dərəcədə səliqəli bir yer, bir sahəyə toxunmuşdur. Böyük bir sərgi salonu və ağ rəngli bir bəzək, təəccüblü bir loach kimi yerə yayıldı. Və sənətin bu sənətin nə qədər müvəqqəti olduğunu başa düşürsən. Sərgi bağlanacaq, labirent süpürgə ilə süpürüləcək. "Kiçik Buddha" filminə baxdım. Və əvvəlində bir Buddist rahib rəngli qumdan mürəkkəb bir bəzək düzəltdi. Və filmin sonunda rahib fırçası və küləkdə səpələnmiş titanik işi ilə kəskin bir hərəkət etdi. Bu, sonra hop idi və yox. Və bu, buradakı gözəlliyi və indi qiymətləndirdiyini söyləyir, hər şey keçicidir. Beləliklə, bu duz labirenti, sizinlə bir dialoqa girir, əvvəl qoyduğu suallara cavab verməyə başlayırsınız. Rəssam - Motoi Yamamoto.

Hə hə! Bu qədər böyük bir labirentdir, miqyasını hiss etdinmi?

Cazibədar ikinci obyekt, polietilen və qara qatran Yasuaki Onişidən hazırlanmış nəhəng günbəzdir. Məkan qeyri-adi şəkildə həll edilmişdir. Qara rəngli ən incə bərabər olmayan qatran saplarında bir az hərəkət edən bir günbəz ... və ya kompleks bir relyefi olan bir dağ asılır. İçəri girəndə nöqtələrin rəngarəng bir naxışını görürsən - qatranın yapışdığı yerlər. Gülməli, sanki qara yağış səssizcə gəlir, sən də örtüyün altındasan.

Bu texnikanı necə düşündünüz? Gülməli, hə? Ancaq canlı olaraq "canlı" görünür, günbəz qonaqları keçənlərin yaratdığı mehdən yüngülcə sallanır. Və obyektlə qarşılıqlı əlaqəniz var. "Mağara" ya daxil ola bilərsiniz, içəridən baxın, necədir!

Ancaq hər şeyin yalnız ağ-qara olduğu təəssüratını yaratmamaq üçün bir-birinə bağlanan halqalardan hazırlanmış kompozisiyanın daha bir neçə şəklini burada yerləşdirəcəyəm. Belə rəngli komik plastik qıvrımlar! Həm də, bu otaqdan çemberlərin içərisində gəzə və ya hər şeyə kənardan baxa bilərsiniz.

Bu obyektləri ən çox bəyəndim. Əlbəttə ki, konseptual çağdaş sənət yeni zamana uyğun olaraq tezliklə fərqli olacaq. Köhnəyə qayıtmayacaq və indiki kimi qalmayacaq. Dəyişəcək. Fəqət nəyin olduğunu, axının harada tələsdiyini və nəyin haradan gəldiyini anlamaq üçün indi nə baş verdiyini bilmək lazımdır. Və bundan çəkinməyin, konsepsiya mənim üçün deyil, onu görməyə və qiymətləndirməyə çalışın. Hər zaman olduğu kimi az istedad var, amma var. Və eksponatlar cavab taparsa, hamısı itirilmir !!!

Müasir Yapon sənətinin "Cüt Perspektiv" sərgisi keçiriləcəkdir.

1. Müasir Yapon sənətində çox sayda qeyri-adi şey var. Məsələn, İzumi Katonun bu rəsmləri fırça istifadə etmədən əl ilə yaradılmışdır.

2. İlk baxışdan bunların adi ampullər olduğu görünə bilər. Ancaq dərin mənalı bu əsər Şimali və Cənubi Koreyanı ayıran 38-ci paralelə həsr edilmişdir.

3. Əlbətdə ki, hər bir işdə səthdə yatmayan bəzi dərin mənalar var, ancaq onu tapmasanız da, məsələn, məharətlə hazırlanmış bu gülün gözəlliyinə heyran ola bilərsiniz.

4. bunlar Kenji Yanobe tərəfindən bir insanın dünyanın sonundan necə xilas ola biləcəyinə dair əsərlərdir

6. Bu, onun Fukusima nüvə stansiyasındakı qəzadan sonra yaratdığı ən məşhur "Günəş Uşağı" əsəridir.

8. Makoto Aida "Bonsai Ai-chan"

9. Bu həm də müasir Yapon sənətidir

10. "Moskvanın mənzillərində Lenin axtarılır" maraqlı layihəsi. Yosinori Niva, moskvalıların evlərində Lenin şəxsiyyəti ilə əlaqəli sağ qalan əşyaları axtarırdı. Ən qəribəsi budur ki, bunu edən bir rus yox, bir yapon idi.

14. Yeri gəlmişkən, bu iş üçün doldurulmuş həqiqi siçovullardan istifadə edilmişdir.

15. bu şəkillər insanların qorxularını göstərir

16 Noyabr 2013 tarixindən etibarən Hermitage "Mono no avare. The Charm of Things. Müasir Yapon İncəsənəti" adlı sərgini açdı. Yaponiyanın Rusiyadakı səfirliyinin dəstəyi ilə Dövlət Ermitaj Muzeyi tərəfindən hazırlanan Baş Qərargah Binasının Şərq Qanadının binasında yerləşdirilən ekspozisiya Yapon rəssamlarının son bir neçə ildə yaratdığı instalyasiyaları, heykəltəraşlıq, video sənəti, fotolarını təqdim edir. illərdir və çıxan Günəş Diyarının çoxəsrlik sənət tarixində yeni bir səhifə doldurmaq üçün ... Evdə bilinən adları, hələ də Rusiya və Avropa ictimaiyyəti üçün praktik olaraq məlum deyil: Kaneuji Teppi, Kengo Kito, Kuwakubo Ryota, Masaya Chiba, Motoi Yamamoto, Onishi Yasuaki, Rieko Shiga, Suda Yoshihiro, Shinishiro Kano, Hiroaki Morita və başqaları Hiraki Sawa ...

10-cu əsrdən bəri mövcud olan "mono-no avare" ifadəsi "bir şeyin cazibəsi" və ya "bir şeydən zövq alma" kimi tərcümə edilə bilər və buddistlərin keçicilik və boşluq ideyası ilə əlaqələndirilir. olmaq. İnsanı əhatə edən maddi və mənəvi obyektlər özlərində yalnız ona xas olan bənzərsiz bir cazibədarlığı (avare) gizlədirlər. Bir insanın və hər şeydən əvvəl bir sənətçinin bu cazibəni tapmaq və hiss etmək, ona daxili reaksiya vermək üçün həssas bir qəlbi olmalıdır. Çağdaş sənətkarların daxili sadəliklərinin parıldadığı incə bir material var. Qəsdən özlərini müəyyən mövzular və motivlərlə məhdudlaşdıraraq qədim yapon bədii texnikalarını yeni bir səviyyədə istifadə edirlər.

Rusiyada olduğu kimi Yaponiyada da çağdaş sənət xaricdən, qərbdən gətirilən bir fenomendir, həmişə aydın deyil və rədd edilməyə səbəb olur. Hər iki mədəniyyət də İngilis-Amerikan termini çağdaş sənəti yeni açılan mədəni borcun simvolu kimi qəbul etdi. 1990-cı illərdə Rusiyada olduğu kimi, 1970-ci illərdə Yaponiyada da sənətçilər özlərini kənardan hiss edirdilər. Qərbə işləməyə getdilər, amma hələ 1970-ci illərdə Yaponiyada "çağdaş sənət" sözləri müsbət səsləndi və gənc nəslin faciə və tənəzzül ilə əlaqəli "müharibədən sonrakı sənət" tərifini unutmasına imkan verdi.

Çağdaş sənətin Qərb mənasında əsl çiçəklənməsi yalnız Ginza'da deyil, Tokionun digər yerlərində də qalereyaların açıldığı 1980-ci illərin sonlarına doğru gəldi. 1989-cu ildə Hiroşimada ilk çağdaş sənət muzeyi quruldu və qısa müddət sonra Tokyo muzeylərinin açılışı 1990-cı illərdə başladı. O zamandan bəri çağdaş sənət fenomeninin milli səviyyədə tədricən tanınması və mədəni gündəlik həyata başlamışdır. Növbəti addım milli bienal və üçilliyin keçirilməsi idi.

Media texnologiyalarının tamamilə hakim olduğu bir dövrdə Yapon sənətkarları diqqətlərini yerli materiallara, toxunuşlarına, onları dinləməyə yönəldirlər. Sərgi, quruluşuna görə sadə, lakin əsas rolu kölgənin oynadığı Ryota Kuwakubonun (d. 1971) əsəri olan qurğulara böyük maraq göstərir. Sənətçi cisimlərin cizgilərini göstərir və heyrətləndirici bir hərəkətli kaleydoskop yaradır. Kaneuji Teppi (d. 1978) gündəlik ev materiallarından gözlənilməz dizaynları təqdim edir. Topladığı, fərqli rəng və məqsədlərə sahib olan əşyalar, ya modernist heykəllərə, ya da ipək üzərindəki Yapon rəsmlərindən qarla örtülü mənzərələrə çevrilən qəribə formalara bükülür.

Video əsərlərində və "tapılan cisim" janrında "maddi seçimlər" Hiroaki Morita (1973-cü il t.), Rəsmdə - Shinishiro Kano (1982-ci il) və Masaya Chiba (1980-ci il) tərəfindən hazırlanır. Sənətçilər tərəfindən tərtib edilmiş çox prozaik "maddi seçimlərin" potensialı buddizm üçün ənənəvi olan hər şeyin və hər kəsin mənəviyyatına qayıdır, hər varlıqda və hər obyektdə - insandan kiçik bir ot bıçağına - Buddanın təbiəti qoyulub. Gözəllik və cazibə kimi qəbul edilən şeylərin daxili mahiyyətinə də diqqət yetirirlər.

Kengo Quito tərəfindən (1977-ci il təvəllüdlü) halqalardan ibarət quraşdırma eyni zamanda heykəl və əlaqəsi kəsilmiş təyyarələr, əsas rənglər və perspektivli böyük bir rəsm kimidir. İçindəki boşluq gözümüzün önündə bir müstəviyə çevrilir ki, bu da gerçəkliklə əlaqəsini itirmiş bütün bu sənət işarələrini və simvollarını kopyalamağa imkan verir.

Quruluşlarında Yasuaki Onishi (d. 1979) və Motoi Yamamoto (d. 1966) ilə fərqli olaraq işləyirlər. Yoshihiro Suda (1969-cu il təvəllüdlü) bütün bu fərqli yanaşmaları cəlbedici sadəliklə birləşdirərək sanki sərginin içərisinə həqiqi bitkilərə bənzər taxta bitkiləri yerləşdirərək minimal bir istila başlatır.

"Mono no avare. Şeylərin cazibəsi. Yaponiyanın müasir incəsənəti" adlı sərgi, Müasir İncəsənət Departamenti tərəfindən Hermitage 20/21 layihəsi çərçivəsində hazırlanmışdır. Dövlət Ermitajının Baş direktoru Mixail B. Piotrovskinin dediyinə görə: "Layihənin məqsədləri XX-XXI əsrlərin sənətini toplamaq, nümayiş etdirmək, öyrənməkdir. Ermitaj 20/21 ilə ayaqlaşmaq istəyənlərə müraciət olunur. zamanlar - həvəskarlar və peşəkarlar, inkişaf etmiş bilicilər və ən gənc tamaşaçılar. "

Sərginin kuratorları Dövlət Ermitajının Müasir İncəsənət şöbəsinin müdiri, fəlsəfə namizədi Dmitri Yuryeviç Ozerkov və Müasir İncəsənət şöbəsinin müdir müavini Yekaterina Vladimirovna Lopatkindir. Sərginin elmi məsləhətçisi Dövlət Ermitajının Şərq şöbəsinin tədqiqatçısı Anna Vasilievna Savelyevadır. Sərgi üçün illüstrasiyalı broşura hazırlanmışdır, mətnin müəllifi D.Yu. Ozerkov.

Yapon incəsənəti Dövlət Ermitajının kolleksiyasında mühüm yer tutur və təxminən 10.000 əsəri qeyd edir: muzeydə 18-20-ci əsrin ortalarında məşhur yapon oyma ustalarının əsərləri daxil olmaqla 1500 vərəq rəngli ağac kəsmə var; çini və keramika kolleksiyası (2000-dən çox eksponat); 16-20-ci əsrlərdəki laklar; parçalar və kostyum nümunələri. Ermitajın Yapon incəsənəti kolleksiyasının ən dəyərli hissəsi, 17-19-cu əsrlərin 1000-dən çox əsəri olan miniatür heykəli olan netsuke kolleksiyasıdır.

Müasir Yapon sənət səhnəsi tamamilə qloballaşmış kimi görünür. Sənətçilər Tokyo ilə New York arasında səyahət edir, demək olar ki, hamısı Avropa və ya Amerika təhsili almış, əsərlərindən beynəlxalq sənət ingilis dilində danışılır. Ancaq bu şəkil tamamlanmaqdan uzaqdır.

Milli formalar və tendensiyalar Yaponiyanın bədii fikirlər və əsərlər üçün qlobal bazara təqdim etməli olduğu ən çox axtarılan mallardan biri olduğunu sübut edir.

Təyyarə əməliyyatı. Superflat cərəyanı Amerika Geek Mədəniyyətini və Ənənəvi Yapon Rəsmini necə birləşdirir

Əgər Qərb dünyasında demək olar ki, hamı üçün (bəlkə də ən alovlu postmodern nəzəriyyəçiləri istisna olmaqla) yüksək və kütləvi mədəniyyət arasındakı sərhəd problemli də olsa, aktual olaraq qalırsa, Yaponiyada bu dünyalar tamamilə qarışıqdır.

Buna misal olaraq dünyanın ən yaxşı qalereyalarındakı sərgiləri axın istehsalı ilə uğurla birləşdirən Takashi Murakami.

Murakami sərgisinə "Yumşaq yağış yağacaq" turunun yazılması

Bununla birlikdə, Murakaminin populyar mədəniyyətlə əlaqəsi - və Yaponiya üçün ilk növbədə manqa və anime (otaku) pərəstişkarlarının mədəniyyətidir - daha mürəkkəbdir. Filosof Hiroki Azuma otakunun orijinal Yapon fenomeni kimi başa düşülməsini tənqid edir. Otaku özlərini 17-19-cu əsrlər - təcridçilik və modernləşmədən imtina dövrü - Edo dövrünün ənənələri ilə birbaşa əlaqəli hesab edirlər. Azuma, manqa, animasiya, qrafika romanlarına, kompüter oyunlarına bağlı olan otaku hərəkatının yalnız Amerika mədəniyyətinin idxalı nəticəsində müharibədən sonrakı Amerika işğalı kontekstində ortaya çıxa biləcəyini iddia edir. Murakami və ardıcıllarının sənəti otakunu pop sənət texnikaları ilə yenidən kəşf edir və ənənənin həqiqiliyi haqqında millətçi mifdən uzaqlaşdırır. Bu, "Yaponlaşmış Amerika mədəniyyətinin yenidən Amerikalaşmasını" təmsil edir.

Sənət tarixi baxımından superflat erkən yapon ukiyo-e rəngkarlığına ən yaxındır. Bu ənənədəki ən məşhur əsər Katsushika Hokusai'nin (1823-1831) "Kanagavadan böyük dalğa" oymağıdır.

Qərb modernizmi üçün Yapon rəssamlığının kəşfi bir irəliləyiş idi. Şəkli bir təyyarə kimi görməyə imkan verdi və bu xüsusiyyətin öhdəsindən gəlməməyə, onunla işləməyə çalışdı.

Tamaşanın qabaqcılları. 1950-ci illərin Yapon incəsənəti bu gün nə deməkdir?

Akira Kanayama və Kazuo Shiragi'nin yaradıcılıq müddətinin sənədləşdirilməsi

Superflat yalnız 2000-ci illərdə formalaşdı. Fəqət dünya sənəti üçün əlamətdar olan sənət hadisələri Yaponiyada Qərbdən daha erkən və hətta daha erkən başladı.

Sənətdə ifaedici bir dönüş keçən əsrin 60-70-ci illərinin başlanğıcında baş verdi. Yaponiyada tamaşa əllinci illərdə ortaya çıxdı.

Gutai Qrupu ilk dəfə diqqətini müstəqil obyektlərin yaradılmasından onları istehsal prosesinə keçirdi. Buradan bədii obyektdən imtina edərək müvəqqəti bir hadisənin lehinə getmək bir addımdır.

Gutai-dən fərdi sənətkarlar (və iyirmi ildə 59 nəfər var idi) beynəlxalq bir kontekstdə fəal şəkildə mövcud olsalar da, ümumiyyətlə müharibədən sonrakı Yapon sənətinin kollektiv fəaliyyətlərinin Qərbdə son zamanlarda necə başladığını başa düşmək. Bum 2013-cü ildə gəldi: New York və Los Angelesdəki kiçik qalereyalarda bir neçə sərgi, MoMA-da "Tokyo 1955-1970: yeni bir avanqard" və Guggenheim Muzeyində geniş miqyaslı tarixi retrospektiv "Gutai: Splendid Playground". . Moskvanın yapon sənətinin idxalı bu tendensiyanın demək olar ki, dərhal davamı kimi görünür.

Bu retrospektiv sərgilərin nə qədər müasir görünməsi təəccüblüdür. Məsələn, Guggenheim Muzeyindəki sərginin mərkəzi məqsədi, muzeyin rotunda səviyyələrinin rəngli su ilə polietilen borularla birləşdirildiyi Sadamasa Motonaginin İş (Su) yenidən qurulmasıdır. Kətandan qoparılan fırça vuruşlarına bənzəyirlər və Gutai'nin mərkəzini “konkretliyə”, sənətkarın yapon dilində işlədiyi obyektlərin maddiliyinə nümunə göstərirlər.

Bir çox Gutai iştirakçısı klassik nihonga rəssamlığı ilə əlaqədar təhsil aldı, bir çoxu bioqrafik olaraq Zen Buddizminin dini kontekstinə, xarakterik yapon xəttatlığına bağlıdır. Hamısı yeni, prosedur və ya iştirakçı (tamaşaçıların iştirakı ilə əlaqəli. - Red.), Qədim ənənələrə yanaşma tapdı. Kazuo Shiraga, Rauschenberqi gözləyən monoxromatik rənglərini ayaqları ilə necə çəkdiyini və hətta ictimai yerlərdə şəkillər yaratdığını videoya yazdı.

Minoru Yoshida, yapon izlərindən çiçəkləri psixodelikli əşyalara çevirdi - bunun bir nümunəsi dünyanın ilk kinetik (hərəkətli) heykəllərindən biri olan Biseksual Çiçəkdir.

Guggenheim Muzeyindəki sərginin kuratorları bu əsərlərin siyasi əhəmiyyətindən danışırlar:

"Gutai, sərbəst fərdi fəaliyyətin əhəmiyyətini nümayiş etdirdi, tamaşaçıların gözləntilərini və hətta axmaqlığı bir neçə onilliklər ərzində militarist hökumətə kritik təsir kütləsi qazanmağa, Çini işğal etməyə və sonra qoşulmağa imkan verən sosial passivlik və konformizmə qarşı çıxmağın yolları kimi göstərdi. İkinci dünya müharibəsi."

Yaxşı və müdrik. 1960-cı illərdə sənətçilər niyə Yaponiyadan Amerikaya getdilər?

Gutai müharibədən sonrakı Yaponiyada qayda istisna idi. Avanqard qruplar cüzi olaraq qaldı, sənət dünyası qətiliklə iyerarxikdi. Tanınmanın əsas yolu klassik sənətkarların tanınmış dərnəkləri tərəfindən keçirilən müsabiqələrdə iştirak etmək idi. Buna görə çoxları Qərbə getməyi və İngilis dilindəki sənət sisteminə inteqrasiya etməyi üstün tutdu.

Xüsusilə qadınlar üçün çətin idi. Proqressiv Gutayda belə, onların payı beşdə birinə də çatmadı. Xüsusi bir təhsilin tələb olunduğu ənənəvi qurumlar haqqında nə deyə bilərik. Altmışıncı illərdə qızlar artıq ona hüququ qazanmışdılar, lakin sənət öyrətmək (əgər bacarıq dəstinin bir hissəsi olan dekorativ deyildisə) ryosai kenbo - yaxşı bir arvad və ağıllı bir ana) sosial olaraq ruhdan düşmüşdü.

Yoko Ono. Parçanı kəsin

Midori Yoshimotonun “Performansa: Nyu-Yorkdakı Yapon Qadın Sənətçiləri” adlı əsəri beş güclü Yapon sənətçisinin Tokiodan ABŞ-a köçməsini araşdırdı. Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi və Shigeko Kubota karyeralarının başlanğıcında Nyu-Yorka getməyə qərar verdilər və Yapon incəsənəti ənənələrinin müasirləşdirilməsi də daxil olmaqla orada çalışdılar. Yalnız Yoko Ono ABŞ-da böyüdü - ancaq 1962-1964-cü illərdə qısa bir müddət qaldığı müddətdə Tokionun bədii iyerarxiyasından məyus olduqdan sonra bilərəkdən Yaponiyaya qayıtmaqdan imtina etdi.

Ono bu beşdən ən məşhuru oldu - yalnız John Lennonun həyat yoldaşı kimi deyil, həm də qadın bədəninin obyektivləşdirilməsinə həsr olunmuş proto-feminist tamaşaların müəllifi kimi. Tamaşaçıların sənətkarın geyim parçalarını kəsdirə biləcəyi Cut Piece Ono ilə Marina Abramoviçin "tamaşa nənəsi" nin "Ritm 0" arasında açıq paralellər var.

Qısa ayaqlarda. Tadashi Suzuki tərəfindən müəllif aktyorluq təhsili necə keçiləcək

Ono və Gutai məsələsində müəlliflərdən ayrı işlərinin metodları və mövzuları beynəlxalq əhəmiyyətli oldu. İxracın başqa formaları da var - sənətkarın əsərləri beynəlxalq aləmdə maraqla qəbul edildikdə, lakin metodun borclanması özünəməxsusluğu səbəbindən baş vermir. Ən təəccüblü hadisə Tadashi Suzuki-nin aktyorluq təlim sistemidir.

Suzuki teatrı hətta Rusiyada da sevilir və bu təəccüblü deyil. Sonuncu dəfə 2016-cı ildə Euripides mətnləri əsasında hazırlanmış "Trojan" tamaşası ilə yanımızda olmuş və 2000-ci illərdə Şekspir və Çexovun əsərləri ilə bir neçə dəfə gəlmişdi. Suzuki tamaşaların hərəkətini mövcud Yapon kontekstinə köçürdü və mətnlərin aşkar olmayan şərhlərini təklif etdi: İvanovoda antisemitizm kəşf etdi və bunu yaponların çinlilərə qarşı məzhəkə münasibəti ilə müqayisə etdi, Kral Learın hərəkətini bir yapon dilinə köçürdü. dəli sığınacaq.

Suzuki sistemini Rus teatr məktəbinə qarşı qurdu. 19-cu əsrin sonunda, Meiji adlanan dövrdə, modernləşən imperator Yaponiya müxalifət hərəkatlarının yüksəlişini yaşadı. Nəticə, əvvəllər son dərəcə qapalı bir mədəniyyətin kütləvi şəkildə Qərbləşməsi oldu. İdxal olunan formalar arasında hələ də Yaponiyada (və Rusiyada da) əsas rejissor üsullarından biri olan Stanislavski sistemi var idi.

Suzuki məşqləri

Suzuki karyerasına başladığı altmışlı illərdə, yapon aktyorlarının bədən xüsusiyyətlərinə görə Qərb mətnlərindən o zamankı repertuarı dolduran rollara alışa bilmədikləri tezisi getdikcə daha geniş yayıldı. Gənc rejissor ən inandırıcı alternativ təklif etməyi bacardı.

Suzuki bacak qrammatikası adlanan məşqlər sistemi, oturmağın, gəzməyin daha çox yolunu özündə birləşdirir.

Aktyorları ümumiyyətlə ayaqyalın oynayır və cazibə mərkəzinin enməsi səbəbi ilə yerə mümkün qədər sıx, ağır görünürlər. Suzuki, müasir avadanlıqla dolu köhnə yapon evlərində Toga kəndindəki çıxışlarında onlara və xarici iştirakçılara dərs verir. Onun truppası ildə yalnız 70-ə yaxın tamaşa göstərir, qalan vaxtı isə demək olar ki, heç kəndi tərk etmir və şəxsi işlərinə vaxt tapmır - yalnız işləyir.

Toga Center 1970-ci illərdən başlayır və rejissorun istəyi ilə dünyaca məşhur memar Arata Isozaka tərəfindən dizayn edilmişdir. Suzuki'nin sistemi patriarxal və mühafizəkar görünə bilər, lakin özü də müasir mərkəzsizləşmə baxımından Toga haqqında danışır. Hələ 2000-ci illərin ortalarında Suzuki, sənətin paytaxtdan bölgələrə ixrac edilməsinin və istehsal nöqtələrinin yerli olaraq təşkil edilməsinin vacibliyini başa düşdü. Rejissorun sözlərinə görə, Yaponiyanın teatr xəritəsi bir çox cəhətdən Rusiyaya bənzəyir - sənət Tokioda və bir neçə kiçik mərkəzdə cəmlənmişdir. Rus teatrı mütəmadi olaraq kiçik şəhərlərdə qastrol səfərlərinə gedən və paytaxtdan kənarda yerləşən bir şirkətdən də faydalana bilər.

Çiçək yolları. Müasir teatr no və kabuki sistemlərində hansı mənbəyi kəşf etmişdir?

Suzuki metodu iki qədim yapon ənənəsindən - eyni zamanda kabuki-dən də böyüyür. Bu teatr növləri tez-tez gəzinti sənəti kimi xarakterizə olunur, həm də daha aydın detallarda. Suzuki tez-tez bütün rolları oynayan kişilərin qaydalarına riayət edir, xarakterik məkan həllərindən istifadə edir, məsələn, kabuki naxışının hanamichi ("çiçəklər yolu") - səhnədən auditoriyanın daxili hissəsinə qədər uzanan bir platformadır. Çiçəklər və kitablar kimi olduqca tanınan simvollardan da istifadə edir.

Əlbətdə ki, qlobal dünyada yaponların milli formalarından istifadə etmək imtiyazından söhbət gedə bilməz.

Dövrümüzün ən önəmli rejissorlarından biri olan Amerikalı Robert Vilsonun teatrı, ancaq borclar əsasında qurulub.

Yalnızca ümumi auditoriyaya Yaponiyanı xatırladan maskalar və makiyajlardan istifadə etmir, həm də jestin maksimum ləngiməsinə və özünə yetərli ifadə qabiliyyətinə əsaslanaraq hərəkət üsullarını borcludur. Ənənəvi və ritualistik formaları qabaqcıl işıqlandırma skorları və minimalist musiqi ilə birləşdirərək (Wilsonun ən məşhur əsərlərindən biri Philip Glass-ın sahildə Einstein operasının istehsalıdır) Wilson, əslində çağdaş sənətlərin çoxunun səy göstərdiyi mənşə və aktuallığın sintezini istehsal edir. .

Robert Wilson. "Einstein sahildə"

Müasir rəqsin sütunlarından biri - sözün əsl mənasında tərcümə olunan butoh - qaranlıq rəqsi noh və kabuki-dən çıxdı. 1959-cu ildə xoreoqraflar Kazuo Ono və Tatsumi Hijikata tərəfindən ixtira edilmiş, aşağı çəki mərkəzindən və ayaqlara diqqət ayıran Butoh, travmatik hərbi təcrübə haqqında düşüncənin bədən ölçüsünə köçürülməsi idi.

“Xəstə, dağılmış, hətta dəhşətli, dəhşətli bir bədən göstərdilər.<…> Hərəkət yavaş, sonra qəsdən kəskin, partlayıcıdır. Bunun üçün hərəkət, əsas əzələlərin iştirakı olmadan, skeletin sümük qolları sayəsində həyata keçirildiyi zaman xüsusi bir texnikadan istifadə edilir ", - rəqs tarixçisi Irina Sirotkina bədən azadlığı tarixində butoh yazır balet normativliyindən çıxması ilə. Butohu 20-ci əsrin əvvəllərindəki rəqqas və xoreoqrafların - Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman təcrübələri ilə müqayisə edir və sonrakı "postmodern" rəqsin təsirindən danışır.

Butoh ənənəsinin müasir davamçısı Katsura Kanın rəqsinin parçası

Bu gün butoh orijinal şəklində artıq avanqard bir praktika deyil, tarixi bir yenidənqurma işidir.

Bununla birlikdə, Ono, Hijikata və ardıcılları tərəfindən inkişaf etdirilən hərəkət lüğəti müasir xoreoqraflar üçün əhəmiyyətli bir qaynaq olaraq qalır. Qərbdə Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky və hətta Həftə Sonu'nun "Dünyaya aid" videosunda istifadə olunur. Yaponiyada Butoh ənənəsinin davamçısı, məsələn, oktyabr ayında Rusiyaya gələcək Saburo Tesigawara'dır. Özü qaranlığın rəqsi ilə paralelliklərdən imtina etsə də, tənqidçilər kifayət qədər tanınan əlamətlər tapırlar: zahirən sümüksüz bir bədən, kövrəklik, bir addımın səssizliyi. Düzdür, onlar artıq postmodern xoreoqrafiya kontekstində yerləşdirilir - yüksək templə, qaçışla, post-sənaye səs-küy musiqisi ilə işləyir.

Saburo Tesigawara. Metamorfoz

Yerli olaraq qlobal. Müasir Yapon incəsənəti niyə hələ də Qərb sənətinə bənzəyir?

Tesigavara və bir çox həmkarının əsərləri ən yaxşı Qərb çağdaş rəqs festivallarının proqramlarına üzvi şəkildə uyğundur. Yapon teatrının illik ən böyük şousu olan Festival / Tokyo-da nümayiş olunan tamaşaların və şouların təsvirlərini nəzərdən keçirsəniz, Avropa tendensiyalarından köklü fərqləri sezmək çətin olacaq.

Sahəyə özünəməxsusluq mərkəzi mövzulardan birinə çevrilir - Yapon sənətkarları, göydələnlər şəklində kapitalizmin laxtalarından otaku konsentrasiyasının marjinal sahələrinə qədər Tokionun məkanlarını araşdırırlar.

Digər bir mövzu, nəsillərarası anlaşılmazlığın, teatrın müxtəlif yaşda insanların canlı görüşmə və mütəşəkkil ünsiyyət yeri kimi hazırlanmasıdır. Toshiki Okada və Akira Tanayamanın ona həsr etdiyi layihələr bir neçə ildir ardıcıl olaraq Avropanın əsas ifaçılıq sənət festivallarından birinə Vyanaya gətirilir. 2000-ci illərin sonuna qədər sənədli materialların və şəxsi hekayələrin səhnəyə köçürülməsində yeni bir şey yox idi, lakin Vyana Festivalının kuratoru bu layihələri başqa bir mədəniyyətlə canlı, nöqtə təması imkanı olaraq ictimaiyyətə təqdim etdi.

Digər bir əsas xətt travmatik təcrübənin inkişafıdır. Yaponlar üçün bu, Qulaq və ya Holokostla deyil, Hirosima və Naqasakinin bombalanması ilə əlaqələndirilir. Teatr ona daim istinad edir, lakin atom partlayışları haqqında bütün müasir Yapon mədəniyyətinin yaranma anı kimi ən güclü açıqlama yenə də Takashi Murakamiyə məxsusdur.

"Kiçik oğlan: Yaponiyanın İnkişaf edən İncəsənəti", 2005-ci ildə New Yorkda qurduğu layihəsinin adıdır. "Kiçik oğlan" - rus dilində "körpə" - 1945-ci ildə Yaponiyaya atılan bombalardan birinin adı. Qabaqcıl illüstratorlardan yüzlərlə manqa komiksini, fərqli üzüm oyuncaqlarını və Godzilla-dan Hello Kitty-yə qədər məşhur anime ilhamlanaraq xatirə əşyalarını toplayan Murakami, sevimli - kawaii konsentrasiyasını muzey məkanına son dərəcə çatdırdı. Paralel olaraq, mərkəzi görüntülərin partlayış şəkilləri, çılpaq torpaqlar, dağıdılmış şəhərlər olduğu animasiyalar seçimini başlatdı.

Bu müxalifət, TSSB ilə mübarizə aparmaq üçün bir yol olaraq Yapon mədəniyyətinin infantilizasiyası haqqında ilk geniş miqyaslı bəyanat idi.

İndi bu nəticə artıq açıq görünür. Inuhiko Yomota'nın kawaii haqqında akademik araşdırması buna əsaslanır.

Daha sonra travmatik tetikleyiciler də meydana gəlir. Ən əhəmiyyətlisi - 11 Mart 2011 hadisələri, Fukusima nüvə stansiyasında böyük bir qəzaya səbəb olan zəlzələ və sunami. Festival / Tokyo-2018-də altı tamaşadan ibarət bir proqram təbii və texnoloji fəlakətin nəticələrini dərk etməyə həsr olunmuşdu; ayrıca Solyanka'da təqdim olunan əsərlərdən birinin mövzusu oldu. Bu nümunə Qərb və Yapon sənətindəki kritik metodların arsenalının kökündən fərqli olmadığını açıq şəkildə göstərir. Haruyuki Ishii, zəlzələ televiziya verilişlərinin yüksək templi montajlı və döngülü görüntülərini yayımlayan üç televiziyanın quraşdırılması ilə məşğul olur.

"Əsər, sənətçinin gördüyü hər şeyin bədii ədəbiyyat kimi qəbul edildiyi ana qədər xəbərlərdə hər gün izlədiyi 111 videodan ibarətdir" deyə kuratorlar izah edirlər. Yeni Yaponiya, sənətin mif əsaslı təfsirə müqavimət göstərməməsinin parlaq bir nümunəsidir, eyni zamanda tənqidi bir göz, eyni təfsirin hər hansı bir mənşəli sənət üçün əlaqəli ola biləcəyini göstərir. Kuratorlar, Lao Tzudan sitatlara əsaslanaraq, Yapon ənənəsinin əsasını təşkil edən düşüncədən bəhs edirlər. Eyni zamanda, sanki demək olar ki, bütün müasir incəsənətin "müşahidəçi təsiri" üzərində cəmləşdiyi mötərizələri tərk etmək (sərginin adı belədir) - istər tanış olan hadisələrin qavranılması üçün yeni kontekstlər yaratmaq şəklində olsun, istərsə də poz vermə şəklində kimi adekvat qavrayışın mümkünlüyü məsələsi.

Imagined Communities, video sənətçisi Haruyuki Ishii'nin başqa bir əsəridir

Oyun

Bununla birlikdə, 2010-cu illərin Yaponiyasının mütərəqqi bir konsentrasiya olduğunu düşünmək olmaz.

Yaxşı köhnə ənənəvilik vərdişləri və şərqşünas ekzotizm sevgisi hələ də aradan qaldırılmayıb. "Bakireler Teatrı" Rusiyanın mühafizəkar "PTZh" jurnalında Yaponiyanın "Takarazuka" teatrı haqqında olduqca məmnun bir məqalənin adıdır. Takarazuka, 19-cu əsrin sonunda təsadüfən xüsusi bir dəmir yolunun terminal stansiyasına çevrilən eyni adlı ucqar şəhərə turist cəlb etmək üçün bir iş layihəsi olaraq meydana çıxdı. Teatrda yalnız evlənməmiş qızlar oynayır, dəmir yolu sahibinin planına görə, kişi tamaşaçıları şəhərə cəlb etməli idi. Bu gün Takarazuka bir sənaye kimi fəaliyyət göstərir - öz televiziya kanalı, sıx konsert proqramı və hətta yerli əyləncə parkı ilə. Ancaq truppada yalnız evlənməmiş qızların hələ də olmaq hüququ var - gəlin ümid edək, heç olmasa bakirəliyini yoxlamırlar.

Bununla birlikdə, Takarazuka, Yaponiyanın da teatr adlandırdığı Kyotodakı Toji Deluxe klubu ilə müqayisədə solğunlaşır. Bunlara görə tamamilə vəhşi görünürlər təsviri New Yorker köşə yazarı Ian Buruma, striptiz şousu: Səhnədəki bir neçə çılpaq qız cinsiyyət orqanlarının nümayişini ictimai bir mərasimə çevirdi.

Bir çox bədii təcrübə kimi, bu şou da qədim əfsanələrə əsaslanır (şam və böyüdücü şüşə köməyi ilə tamaşaçılar arasındakı kişilər növbə ilə “ana tanrıçası Amaterasunun sirlərini” araşdırırdılar) və müəllifin özünə yox ənənəsi.

Takarazuki və Toji üçün qərbli həmkarlarının axtarışı oxucunun ixtiyarına veriləcək - tapmaq çətin deyil. Yalnız qeyd edək ki, məhz bu cür zülm tətbiqetmələri ilə mübarizə aparmaqla müasir sənətin əhəmiyyətli bir hissəsi - həm Qərb, həm də Yapon, superflatdan butoh rəqsinə qədər yönəldilmişdir.

Yaponlar 9-12-ci əsrlərdə, Heian dövründə (794-1185) şeylərdə gizlənmiş gözəlliyi kəşf etdilər və hətta onu “mono no avare” (Yapon 物 の 哀 れ (も の の あ わ)) anlayışı ilə təyin etdilər. "Şeylərin cazibəsini kədərləndirmək" mənasını verən れ)). "Əşyaların cazibəsi" Yapon ədəbiyyatında gözəlliyin ilk təriflərindən biridir, hər şeyin öz tanrısı - kami və özünəməxsus cazibəsinə sahib olduğu Sinto inamı ilə əlaqələndirilir. Avare şeylərin daxili mahiyyətidir, zövqə, həyəcana səbəb olur.

- Wasi və ya wagami.
Əl ilə kağız istehsalı. Orta əsr yaponları washi-ni yalnız praktik keyfiyyətlərinə görə deyil, həm də gözəlliyinə görə yüksək qiymətləndirirdilər. O, incəliyi ilə, demək olar ki, şəffaflığı ilə məşhur idi, lakin onu gücündən məhrum etmədi. Washi kozo (tut) ağacının və bəzi digər ağacların qabığından hazırlanır.
Washi kağızı əsrlər boyu qorunub saxlanılmışdır ki, bu da əsrlər boyu günümüzə qədər gələn qədim yapon xəttatlıq albomları və cildləri, rəsm əsərləri, ekranlar, qravürlərdir.
Wasya'nın kağızı liflidir, mikroskopdan baxsanız, havanın və günəş işığının nüfuz etdiyi yarıqları görəcəksiniz. Bu keyfiyyət ekranlar və ənənəvi yapon fənərləri istehsalında istifadə olunur.
Washi suvenirləri avropalılar arasında çox populyardır. Bu kağızdan bir çox kiçik və faydalı əşyalar hazırlanır: cüzdanlar, zərflər, fanatlar. Eyni zamanda kifayət qədər güclü və yüngüldürlər.

- Gohei.
Kağız zolaqlardan hazırlanmış maskot. Gohei, kağız ziqzaq zolaqlarının yapışdırıldığı bir Sinto keşişinin ritual çubuğu. Eyni kağız zolaqları bir Sinto ziyarətgahının girişində asılır. Şintoizmdə kağızın rolu ənənəvi olaraq çox böyük olmuşdur və həmişə ezoterik bir məna kağız məhsullarına bağlanmışdır. Və hər şeyin, hər fenomenin, hətta sözlərin bir kami - tanrı - ehtiva etdiyi inamı, gohei kimi bir növ tətbiqi sənətin görünüşünü də izah edir. Sintoizm bəzi mənalarda bütpərəstliyimizə çox oxşayır. Şintoistlər üçün kami xüsusilə qeyri-adi bir şeydə yerləşməyə hazırdır. Məsələn, kağızda. Və daha da çoxu gohei-də bu gün Şinto ziyarətgahlarının girişinin qarşısında asılan və məbəddə bir tanrı varlığını göstərən hiyləgər bir ziqzaqa bükülmüşdür. Gohei qatlamaq üçün 20 seçim var və xüsusilə qeyri-adi olanlar kami cəlb edəcəkdir. Çox hissəsi üçün gohei ağ rəngdədir, eyni zamanda qızıl, gümüşü və digər bir çox çalar var. 9-cu əsrdən bəri Yaponiyada sumo güləşçilərinin kəmərlərindəki gohei mübarizəyə başlamazdan əvvəl gücləndirmək adət olmuşdur.

- Anesama.
Kağız kuklaların hazırlanmasıdır. 19-cu əsrdə samuray arvadları uşaqlardan fərqli paltar geydirərək oynadıqları kağızdan kuklalar düzəltdilər. Oyuncaqların olmadığı bir dövrdə anesama, ana, böyük bacı, uşaq və dost rolunu “oynayan” uşaqlar üçün yeganə həmsöhbət idi.
Kukla Yaponiyanın washi kağızından yuvarlanır, saçlar buruşmuş kağızdan düzəldilir, mürəkkəblə boyanır və yapışqanla örtülür və bu da parıldayır. Fərqli bir xüsusiyyət, uzanan bir üzdəki sevimli kiçik bir burun. Bu gün bacarıqlı əllərdən başqa bir şey tələb etməyən bu sadə oyuncaq ənənəvi formadadır və əvvəlki qaydada hazırlanmağa davam edir.

- Origami.
Qədim qatlanan kağız fiqurları sənəti (Yaponca 折 り 紙, hərfi mənası: "qatlanmış kağız"). Origami sənətinin kökləri kağızın icad edildiyi qədim Çindədir. Əvvəlcə origami dini mərasimlərdə istifadə edilmişdir. Uzun müddət bu sənət növü yalnız yuxarı siniflərin nümayəndələri üçün əlçatan idi, burada yaxşı formanın bir əlaməti kağız qatlama texnikasının ustalığı idi. Yalnız İkinci Dünya Müharibəsindən sonra origami Şərqdən kənara çıxdı və Amerika və Avropada dərhal pərəstişkarlarını tapdı. Klassik origami kvadrat bir kağızdan qatlanır.
Ən mürəkkəb məhsulun belə qatlama sxeminin eskizini çəkmək üçün lazım olan müəyyən bir şərti işarələr var. Ənənəvi işarələrin çoxu 20-ci əsrin ortalarında məşhur Yapon ustası Akira Yoshizawa tərəfindən tətbiq olundu.
Klassik origami, yapışqan və qayçı olmadan bir kvadrat, bərabər rəngli bir vərəqdən istifadəni təyin edir. Çağdaş sənət növləri bəzən bu kanondan uzaqlaşır.

- Kirigami.
Kirigami, qayçı istifadə edərək bir neçə dəfə qatlanmış bir vərəqdən müxtəlif formaları kəsmək sənətidir. Model hazırlama prosesi zamanı qayçı və kağız kəsmə istifadəsinə imkan verən bir origami növü. Kirigami ilə digər kağız qatlama üsulları arasındakı əsas fərq budur, adı ilə vurğulanır: 切 る (kiru) - kəsmək, 紙 (gami) - kağız. Uşaqlıqda hamımız qar dənələrini kəsməyi sevirdik - kirigaminin bir növü, bu texnikada yalnız qar dənələrini deyil, müxtəlif fiqurları, çiçəkləri, çələngləri və kağızdan hazırlanmış digər sevimli şeyləri də kəsə bilərsiniz. Bu məhsullar təzyiqlər, dekorasiya albomları, kartpostallar, foto çərçivələr, moda dizaynı, daxili dizayn və digər müxtəlif dekorasiyalar üçün şablon kimi istifadə edilə bilər.

- Ikebana.
Ikebana, (Jap 生 け 花 və ya い け ば な) Yapon dilində - ike "- həyat," bana "- çiçəklər və ya" yaşayan çiçəklər. " Yapon çiçək tərtibatı sənəti, yapon xalqının ən gözəl ənənələrindən biridir. İkibananı tərtib edərkən çiçəklərlə birlikdə kəsilmiş budaqlar, yarpaqlar və tumurcuqlar istifadə olunur.Təməl prinsip bitkilərin təbii gözəlliyini vurğulamağa çalışdıqları nəfis sadəlik prinsipidir. Ikebana, bir çiçəyin gözəlliyi ilə kompozisiya yaradan ustanın ruh gözəlliyinin harmonik şəkildə birləşdirildiyi yeni bir təbii formanın yaradılmasıdır.
Bu gün Yaponiyada 4 ən böyük ikebana məktəbi var: Ikenobo, Koryu, Ohara, Sogetsu. Onlara əlavə olaraq, bu məktəblərdən birinə riayət edən minə yaxın fərqli istiqamət və tendensiya var.

- Oribana.
17-ci əsrin ortalarında iki Ohara (İkebananın əsas forması - Oribana) və Koryu (əsas forma - Sseca) Ikenobodan ayrıldı. Yeri gəlmişkən, Ohara məktəbi hələ də yalnız Oribanunu oxuyur. Yaponların dediyi kimi, origaminin origomiyə çevrilməməsi çox vacibdir. Gomi, Yapon dilində zibil deməkdir. Axı bu necə olur, bir kağızı qatladı və sonra bununla nə etməli? Oribana daxili bəzək üçün buketlər üçün bir çox fikir təklif edir. ORIBANA \u003d ORIGAMI + IKEBANA

- Yanlış.
Çiçəkçilikdən doğan bir növ gözəl sənət. Yaponiyada altı yüz ildən çox mövcud olmasına baxmayaraq çiçək sənətimiz səkkiz il əvvəl ortaya çıxdı. Bir zamanlar orta əsrlərdə samuraylar bir döyüşçü yolunu başa düşdülər. Səhv, hiyeroglif yazmaq və qılınc gəzdirmək kimi, bu yolun bir hissəsi idi. Səhvin mənası bu anda (satori) ümumi bir vəziyyətdə usta qurudulmuş çiçəklərin (preslənmiş çiçəklər) bir şəkil yaratması idi. O zaman bu şəkil səssizliyə girməyə hazır olanlar üçün bir açar, bələdçi rolunu oynaya bilər və o qədər də satori yaşaya bilər.
Sənətin "yanlış" mahiyyəti budur ki, çiçəkləri, otları, yarpaqları, qabıqları mətbuatın altına yığaraq qurudub bazaya yapışdıraraq, müəllif bitkilərin köməyi ilə həqiqətən "rəsm" əsəri yaradır. Başqa sözlə, səhv edir - bu bitkilərlə rəngləməkdir.
Gülçülərin bədii yaradıcılığı qurudulmuş bitki materialının forma, rəng və toxumasının qorunmasına əsaslanır. Yaponlar "səhv" şəkilləri tükənmək və qaralmaqdan qorumaq üçün bir texnika inkişaf etdirdilər. Onun mahiyyəti odur ki, şüşə ilə rəsm arasında hava pompalanır və bitkilərin pisləşməsinin qarşısını alan vakuum yaranır.
Yalnız bu sənətin qeyri-ənənəvi təbiəti ilə deyil, həm də təsəvvürünü, zövqünü, bitkilərin xüsusiyyətlərini bilmək fürsəti ilə cəlb olunur. Çiçəkçilər bəzək əşyaları, mənzərələr, natürmortlar, portretlər və mövzu rəsmlərini ifa edirlər.

- Bonsai.
Bonsai, bir fenomen olaraq, min ildən çox əvvəl Çində ortaya çıxdı, ancaq bu mədəniyyət yalnız Yaponiyada zirvəsinə çatdı. (bonsai - yapon 盆栽 lit. "bir qazandakı bitki") - həqiqi bir ağacın dəqiq surətini miniatürdə böyütmə sənəti. Bu bitkilər eramızdan bir neçə əsr əvvəl Buddist rahiblər tərəfindən yetişdirilmiş və daha sonra yerli zadəganların fəaliyyətlərindən biri olmuşdur.
Bonsai Yapon evlərini və bağlarını bəzəyirdi. Tokugawa dövründə park dizaynı yeni bir təkan aldı: böyüyən azalea və ağcaqayınlar varlılar üçün əyləncəyə çevrildi. Cırtdan bitki yetişdirmə (hachi-no-ki - "dibçəkli ağac") da inkişaf etmişdi, lakin o dövrdə bonsai çox böyük idi.
Hal-hazırda bonsai üçün adi ağaclardan istifadə olunur, davamlı budama və digər müxtəlif üsullar sayəsində kiçik olur. Eyni zamanda, qab sisteminin həcmi ilə məhdudlaşan kök sisteminin ölçüsü və bonzanın yer hissəsi, təbiətdəki bir yetkin ağacın nisbətlərinə uyğundur.

- Mizuhiki.
Makrame analoqu. Bu, xüsusi iplərdən müxtəlif düyünlər bağlamaq və onlardan naxışlar yaratmaq qədim bir Yapon tətbiqi sənətidir. Bu cür sənət əsərləri hədiyyə kartlarından və məktublardan saç düzümlərinə və çantalara qədər olduqca geniş bir tətbiq sahəsinə sahib idi. Hal-hazırda mizuhiki hədiyyə sənayesində son dərəcə geniş istifadə olunur - həyatdakı hər hadisə üçün hədiyyə çox spesifik bir şəkildə bükülərək bağlanmalıdır. Mizuhiki sənətində çox sayda düyün və kompozisiya var və hər yapon hamısını əzbərdən bilmir. Əlbətdə ki, ən çox istifadə olunan ən ümumi və sadə düyünlər var: bir uşağın doğulması münasibətilə təbrik edərkən, bir toy və ya dəfn mərasimi, ad günü və ya universitetə \u200b\u200bqəbul.

- Kumihimo.
Kumihimo bir Yapon hörmə toxumasıdır. İplər toxunduqda, lentlər və bağcıqlar əldə edilir. Bu bağcıqlar xüsusi maşınlarda toxunur - Marudai və Takadai. Marudai dəzgahı dəyirmi, Takadai dəzgahı düz bağcıq toxumaq üçün istifadə olunur. Yapon dilində Kumihimo "iplər toxumaq" mənasını verir (kumi - toxuma, qatlanmaq, himo - ip, krujeva). Tarixçilər inadla bu cür toxuculuğun Skandinaviyalılar və And dağlarının sakinləri arasında tapıla biləcəyini israr etmələrinə baxmayaraq, Yapon kumihimo sənəti həqiqətən ən qədim toxuma növlərindən biridir. Bu barədə ilk bəhs 550-ci ildə, Buddizmin Yaponiyaya yayıldığı və xüsusi mərasimlər üçün xüsusi bəzəklərin tələb olunduğu vaxta aiddir. Daha sonra kumihimo bağcıqları, qadınların kimonosunda obi kəməri üçün bir fiksator kimi, bütün samuray silah arsenalını "qablaşdırmaq" üçün iplər kimi istifadə olunmağa başladı (samuraylar zirehlərini və at zirehlərini bağlamaq üçün kumihimo'yu dekorativ və funksional məqsədlər üçün istifadə etdilər), eləcə də ağır əşyaların qablaşdırılması üçün.
Müasir kumihimonun müxtəlif naxışları evdə hazırlanan karton dəzgahlarda çox asanlıqla toxunur.

- Komono.
Kimononun müddəti bitdikdən sonra nə qalır? Sizcə onu atırlar? Belə bir şey yoxdur! Yaponlar heç vaxt bunu etməzlər. Kimono bahalı bir şeydir. Tullamaq o qədər asandır ki, ağlasığmaz və mümkünsüzdür ... Kimononun təkrar istifadəsi ilə yanaşı, sənətkar qadınlar kiçik qırıntılardan da kiçik suvenirlər hazırlayırdılar. Bunlar uşaqlar üçün kiçik oyuncaqlar, kuklalar, broşlar, çələnglər, qadın zinət əşyaları və digər məhsullardır, köhnə kimono "komono" adlanan kiçik şirin şeylər hazırlamaq üçün istifadə olunur. Kimononun yolunu davam etdirərək özlərinə məxsus bir həyat alacaq kiçik şeylər. Komono sözünün mənası budur.

- Kanzashi.
Saç sancaqlarını bəzəmək sənəti (ən çox kumaşdan (əsasən ipəkdən) çiçəklərlə (kəpənəklər və s. İlə bəzədilmişdir). Yapon kanzashi (kanzashi) ənənəvi yapon qadın saç düzümü üçün uzun saç sancağıdır. Bunlar taxta, lak, gümüşdən hazırlanmışdır. , ənənəvi Çin və Yapon saç düzümlərində istifadə olunan tısbağa kabuğu. 400 ilə yaxın əvvəl Yaponiyada qadınların saç düzümü dəyişdi: qadınlar saçlarını ənənəvi formada - taregami (uzun düz saçlar) daramağı dayandırdılar və mürəkkəb və qəribə formalarda tərtib etməyə başladılar. - nihongami. müxtəlif obyektlərdən - saç sancaqlarından, çubuqlardan, daraqlardan istifadə edirdi. O zaman sadə bir daraq-tarak kuşi belə əsl sənət əsərinə çevrilən fövqəladə gözəlliyin zərif aksesuarına çevrilirdi. Yapon qadınlarının ənənəvi kostyumu bilək bəzəklərinə icazə vermirdi. və boyunbağılar, buna görə də saç bəzəyi özünü ifadə etmək üçün əsas gözəllik və sahə idi - həm cüzdanın dadını və qalınlığını nümayiş etdirdi bka sahibi. İzlərdə, yaxından baxsanız - Yapon qadınlarının saç düzümlərində iyirmiyə qədər bahalı kanzaşini necə asanlıqla asdığını görə bilərsiniz.
Hal-hazırda saç düzümlərinə zəriflik və zəriflik qatmaq istəyən gənc yapon qadınları arasında kanzaşi istifadə ənənəsinin bir canlanması var, müasir saç sancaqları yalnız bir və ya iki əl işi çiçəklərlə bəzədilə bilər.

- Kinusaiga.
Yaponiyadan inanılmaz bir növ iynə işi. Kinusaiga (絹 彩画) batik və yamaq işlərinin arasındakı bir keçiddir. Əsas fikir köhnə ipək kimonodan parçaların yeni rəsmlərə - əsl sənət əsərlərinə yığılmasıdır.
Əvvəlcə rəssam kağız üzərində bir eskiz hazırlayır. Sonra bu rəsm bir taxta taxta köçürülür. Naxışın konturu yivlərlə və ya yivlərlə kəsilir, daha sonra köhnə bir ipək kimonodan rəng və tonda uyğun kiçik ləkələr kəsilir və bu yamaqların kənarları yivləri doldurur. Belə bir şəkilə baxdığınız zaman bir fotoşəkilə baxdığınız və ya sadəcə pəncərənin xaricindəki mənzərəni seyr etdiyiniz hissi çox realistdir.

- Temari.
bunlar vaxtilə uşaq oyuncağı rolunu oynayan və ən sadə dikişlərlə düzəldilmiş ənənəvi yapon həndəsi işlənmiş toplardır və indi yalnız Yaponiyada deyil, bütün dünyada çox sayda pərəstişkarı olan tətbiqi sənət növünə çevrilmişdir. Uzun müddət əvvəl bu məhsulların əyləncə üçün samuray arvadları tərəfindən hazırlandığına inanılır. İlk əvvəllər həqiqətən top oynamaq üçün bir top kimi istifadə olunurdular, lakin addım-addım bədii elementlər əldə etməyə başladılar, daha sonra dekorativ bəzəklərə çevrildilər. Bu topların incə gözəlliyi bütün Yaponiyada məlumdur. Və bu gün rəngarəng, diqqətlə hazırlanmış məhsullar Yapon xalq sənətkarlığının növlərindən biridir.

- Yubinuki.
Yapon üçbucaqları, əl ilə tikərkən və ya naxış edərkən, işləyən əlin orta barmağının orta falanksına qoyulur, barmaq uclarının köməyi ilə iynəyə istənilən istiqamət verilir və orta barmağındakı üzük iynəni içəri itələyir. iş. Başlanğıcda, Yapon yubinuki yüksükləri olduqca sadə bir şəkildə hazırlanmışdır - bir neçə təbəqədə təxminən 1 sm enində sıx bir parça və ya dəri zolağı barmağın ətrafına möhkəm bükülmüş və bir neçə sadə dekorativ tikişlə birləşdirilmişdir. Ətəklər hər evdə zəruri bir əşyalar olduğundan, ipək saplarla həndəsi tikmə ilə bəzənməyə başladılar. Dikişlərin toxunuşundan rəngli və mürəkkəb naxışlar yaradıldı. Sadə bir ev əşyasından olan Yubinuki, gündəlik həyatı bəzəyən "heyran olmaq" üçün bir əşyaya çevrildi.
Yubinuki hələ də tikiş və tikmə işlərində istifadə olunur, lakin bunlara dekorativ üzüklər kimi hər hansı bir barmağın üzərində sadəcə əllərdə geyilən də tapıla bilər. Yubinuki üslubunda tikmə müxtəlif üzük şəkilli əşyaların - salfet üzüklərinin, bilərziklərin, temari tutucuların, naxışlı ətəklərin bəzədilməsində istifadə olunur və eyni üslubda işlənmiş pincaslar da mövcuddur. Etek naxışları temaridə obi tikmə üçün böyük bir ilham mənbəyi ola bilər.

- Suibokuga və ya sumie.
yapon mürəkkəb rəsm. Bu Çin rəsm tərzi Yapon rəssamları tərəfindən XIV əsrdə və XV əsrin sonlarında qəbul edilmişdir. Yapon rəssamlığının əsas axını oldu. Suibokuga tək rənglidir. Qara mürəkkəbin (sumi), qatı bir kömür forması və ya mürəkkəblə üyüdülən, su ilə seyreltilmiş və kağız və ya ipək üzərində fırçalanmış, Çin mürəkkəbindən hazırlanmış bir mürəkkəb kömür forması ilə xarakterizə olunur. Monoxrom, sənətçiyə çinlilərin çoxdan mürəkkəbin "rəngləri" olaraq tanıdıqları sonsuz ton variantları təklif edir. Suibokuga bəzən həqiqi rənglərin istifadəsinə imkan verir, lakin onu həmişə mürəkkəb xəttinə tabe qalan incə, şəffaf vuruşlarla məhdudlaşdırır. Mürəkkəb boyama, xəttatlıq sənəti ilə sıx nəzarət olunan ifadə və formanın texniki ustalığı kimi vacib xüsusiyyətləri bölüşür. Mürəkkəblə rənglənmə keyfiyyəti, xəttatlıqda olduğu kimi, sümüklərin üzərində toxuma saxladığı kimi bir sənət əsərini özündə saxlayan mürəkkəblə çəkilmiş bir xəttin bütövlüyünə və cırılmasına qarşı müqavimətə qədər azalır.

- Etagami.
Çəkilmiş kartpostallar (e - şəkil, etiketlər - məktub). Öz əlinizlə kartpostal hazırlamaq ümumiyyətlə Yaponiyada çox populyar bir fəaliyyətdir və tətil öncəsi populyarlığı daha da artır. Yaponlar kartpostallarını dostlarına göndərməyi sevirlər və onlar da qəbul etməyi sevirlər. Bu, xüsusi boşluqlarda sürətli bir məktub növüdür, zərf olmadan poçtla göndərilə bilər. Eteqamidə xüsusi qaydalar və üsullar yoxdur; xüsusi təhsili olmayan hər kəs edə bilər. Etagami əhval-ruhiyyəni, təəssüratları dəqiq ifadə etməyə kömək edir, bu, göndəricinin istilik, ehtiras, qayğı, sevgi və s. Kimi hisslərini çatdıran bir şəkil və qısa bir məktubdan ibarət əl istehsalı bir kartdır. Bu kartları tətillərə göndərirlər və bunun kimi fəsilləri, hərəkətləri, tərəvəz və meyvələri, insanları və heyvanları əks etdirirlər. Bu şəkil nə qədər sadə çəkilirsə, bir o qədər maraqlı görünür.

- Furoshiki.
Yapon qablaşdırma texnikası və ya qatlanan parça sənəti. Furoshiki uzun müddət Yaponların həyatına girdi. Kamakura-Muromachi dövrlərinə aid (1185 - 1573) qədim kitabələr, başlarına parça içərisinə paketlənmiş paltar gəzdirən qadınların təsvirləri ilə günümüzə gəlib çatmışdır. Bu maraqlı texnika, Yaponiyada miladi 710 - 794-cü illərdən başlayır. "Furoşiki" sözü hərfi mənada "hamam döşəməsi" mənasını verir və hər forma və ölçüdə cisimlərin bükülməsi və daşınması üçün istifadə olunan kvadrat bir parça parçadır.
Köhnə günlərdə, Yapon hamamlarında (furo) qonaqların evdən özləri ilə gətirdiyi yüngül pambıq kimonolarda gəzmək adət idi. Yuyunan da soyunarkən üzərində durduğu xüsusi bir xalça (şiki) gətirdi. "Hamam" kimono halına gələn qonaq paltarını bir xalı ilə bükdü və hamamdan sonra yaş kimononu evə gətirmək üçün bir xalıya bükdü. Beləliklə, hamam döşəyi çoxfunksiyalı bir çantaya çevrildi.
Furoshiki istifadəsi çox asandır: parça bükdüyünüz obyektin formasını alır və tutacaqlar yükün daşınmasını asanlaşdırır. Bundan əlavə, sərt kağıza deyil, yumşaq, çox qatlı bir parçaya bükülmüş bir hədiyyə xüsusi ifadə qabiliyyəti qazanır. Hər hansı bir münasibətlə, gündəlik və ya tətildə furoshiki qatlamaq üçün bir çox sxem var.

- Amigurumi.
Yaponların kiçik yumşaq heyvanları və insanabənzər canlıları toxumaq və ya toxumaq sənəti. Amigurumi (Yaponca 編 み 包 み, yandır. "Trikotajla bükülmüş") ən çox sevimli heyvanlardır (ayı, dovşan, pişik, it, və s.), Kiçik kişilər, lakin bunlar insana bəxş edilmiş cansız əşyalar da ola bilər. xüsusiyyətləri. Məsələn, tortlar, papaqlar, əl çantaları və başqaları. Amigurumi toxunur və ya toxunur və ya toxunur. Son zamanlarda toxunmuş amigurumi daha populyar və daha çox yayılmışdır.
iplikdən sadə bir toxuma üsulu ilə toxunur - spiral şəklində və Avropa toxuma üsulundan fərqli olaraq dairələr ümumiyyətlə birləşdirilmir. Həm də ipliyin qalınlığına nisbətən daha kiçik bir ölçüyə toxunaraq yastıqların çıxması üçün boşluqlar olmadan çox sıx bir parça meydana gətirirlər. Amigurumi tez-tez hissələrdən olmayan, ancaq bir bütövlük təşkil edən başı və gövdəsi olan bəzi amigurumi istisna olmaqla, hissələrdən hazırlanır və sonra birləşdirilir. Əllər bəzən diri çəki vermək üçün plastik parçalarla doldurulur, bədənin qalan hissəsi lif dolgu ilə doldurulur.
Amigurumi estetikası incəliyi ilə yayılır ("kawaii").