Maria callas synger om den franske revolution. Maria Callas: biografi

Fra oversætteren

Før os er der en bog, der aldrig er udgivet i Rusland: Callas M. Lezioni di canta alla Juilliard School of Music di J. Ardoin (Maria Callas. Sangundervisning på Juilliard School of Music). Traduzione di L. Spagnol. - Milano: Longanesi & C., 1988. - 313 s.

Omstændighederne med bogens udseende er beskrevet af udgiveren nedenfor, jeg kan kun tilføje, at først "Singing Lessons at the Juilliard School of Music" blev udgivet på engelsk, og derefter blev den oversat til italiensk, hvorfra denne oversættelse blev foretaget . Forfatterens stil er eftertrykkeligt enkel. Derfor forsøgte jeg under oversættelsen at undgå ændringer i den syntaktiske opbygning af sætninger, der kunne bryde ånden i teksten. Prologen og forlagets meddelelse forkortes.

Daria Mitrofanova
Skt. Petersborg, 2002

Fra udgiveren

Femten år efter begyndelsen af \u200b\u200bsin teatralkarriere, i 1965, forlod Maria Callas scenen for at arbejde med sin egen stemme og reflektere over problemerne med at optræde i hendes fritid. Et par år senere accepterede hun et tilbud fra Peter Mennin, som dengang var præsident for Juilliard School of Music i New York, om at arbejde sammen med en gruppe unge professionelle vokalister og give dem en række lektioner for at forbedre deres færdigheder.

Af de tre hundrede ansøgere blev der valgt 25 personer som et resultat af Callas audition. Kurset varede tolv uger, fra oktober 1971 til maj 1972, lektioner blev afholdt to gange om ugen. Under klassen skiftede eleverne udgaver af operaer; under vejledning af Maria Callas analyserede de de studerede scores detaljeret.

Sangeren satte sig ikke som opgave at skabe nye små "callas", men forsøgte at afsløre de enkelte studerendes individuelle kvaliteter og værdighed. Hun sagde ikke blot: "Gør dette", men "Gør dette, fordi ..."

Denne bog kan være meget nyttig ikke kun for professionelle sangere og studerende, men også for lærere.

Af forskellige grunde var ikke alle lektioner inkluderet i bogen, da forlagene stødte på visse vanskeligheder under forberedelsen. Det var umuligt bare at optage Callas 'tale - de fleste af klasser blev afholdt i shows, ikke i forklaringer. Det, hun forsøgte at udtrykke gennem vokale eksempler, skulle oversættes til ord. Derudover var mange af Callas 'råd specifikke for sangere og deres specifikke problemer. Men i de fleste tilfælde forsøgte vi stadig at gengive hendes tale så præcist som muligt.

Når man arbejder med en bog, skal man være særlig opmærksom på musikalske eksempler. Når du sammenligner dem med partituret, vil du se, at Maria Callas ofte foretager nogle ændringer i komponistens tekst.

Prologen til denne bog blev skrevet af mig baseret på interviews, som Callas gav til mig og andre journalister. Når jeg arbejdede med teksten, forsøgte jeg at strukturere den, som om den blev talt af Callas selv.

Under udarbejdelsen af \u200b\u200bbogen blev der anvendt lydoptagelser af lektioner, venligt leveret af M.Kallas søster, J. Statopulu-Kalageropoulou.

John Arduan
Dallas, 1987

Prolog

Ligesom min lærer Elvira de Hidalgo begyndte jeg at synge tidligt. Jeg tror, \u200b\u200bkvinder har tendens til at starte tidligt. Husk også, at jeg er græsk, og de Hidalgo er spansk. Det vil sige, at vi begge er indfødte i Middelhavet; piger i denne region udvikler sig tidligt. Sangerens karriere er hovedsageligt bygget i sin ungdom; visdom kommer senere. Desværre kan vi ikke optræde i alderdommen, som f.eks. Dirigenter. Jo hurtigere vi mestrer det grundlæggende, jo hurtigere får vi visdom.

De Hidalgo havde en rigtig bel canto-skole, måske var hun den sidste arving til denne store metode. Jeg blev betroet hendes pleje meget ung, jeg var kun tretten år gammel, og hun var nødt til at lære mig hemmelighederne og måden ved bel canto. Denne skole er ikke bare "smuk sang". Belcanto er en metode, en slags tvangstrøje. Han lærer, hvordan man nærmer sig en note, hvordan man angriber den, hvordan man former en legato, hvordan man skaber en atmosfære, hvordan man trækker vejret for at skabe et samlet indtryk fra start til slut. Det skal virke som om du kun tog vejret én gang, selvom du i virkeligheden synger mange små sætninger og gentagne gange tager vejret imellem.

Bel canto er først og fremmest udtryksfuldhed. Smuk lyd alene er ikke nok. For eksempel er mel grundlaget i enhver kage. Men for at få resultatet, udover de andre ingredienser, har du brug for en masse kunst. Konservatoriets sangere lærer det grundlæggende. Hvad vi får der er alt. Hvis starten er vellykket, så har vi det godt for livet. Men hvis starten var dårlig, vil det med tiden blive sværere at rette dårlige vaner.

Efter eksamen fra konservatoriet spiller du musik ved hjælp af det, du har lært. Så gentager jeg, det er ikke nok at have en god stemme. Du er nødt til at tage denne stemme og dele den i tusind stykker, så den kan tjene musikens og ekspressionens behov. Komponisten skrev noder til dig, men musikken skal læse musikken i dem. I virkeligheden er vi baseret på ren mildhed. Er der ikke bøger, der skal læses mellem linjerne for at forstå deres sande betydning? Sangere bør gøre det samme med deres dele; vi skal tilføje, hvad komponisten ønskede, vi skal finde farver og udtryksevne.

Forestil dig, hvor kedeligt Jasha Kheifetz ville være, hvis han bare var teknisk perfekt. Men han er en stor violinist, fordi han læser mellem noterne. For en sanger er denne færdighed endnu vigtigere, for ud over noterne har vi også ord til rådighed. Vi har brug for at være i stand til at gøre alt, hvad en instrumentalist gør og meget mere. Dette er et meget seriøst og vanskeligt arbejde, og talent og lyst alene er ikke nok her, du har også brug for kærlighed og kald til det, du laver. Dette er de stærkeste grunde til at gøre noget.

Arbejde har aldrig været for hårdt for mig. I min ungdom følte jeg mig altid meget ensom; Jeg elskede musik mere end noget andet. Alt, der på en eller anden måde var forbundet med musik, fascinerede mig. I Athen lyttede jeg til alle de Hidalgo-studerende, uanset det repertoire, de udførte: operaer, operetter, arier for mezzosopran, for tenor. Jeg kom til vinterhaven klokken ti om morgenen og gik med den sidste studerende. Selv de Hidalgo var overrasket over dette. Hun spurgte mig ofte: "Hvad laver du her?" Jeg svarede, at du altid kan lære noget fra selv den svageste studerende - når alt kommer til alt kan en stor danser lære noget fra en kabaretkunstner.

Denne tankegang og adfærd blev dannet i mig ret tidligt, men ikke takket være mig selv, men hovedsagelig takket være min familie; især min mor, som altid befalede hende. Hun besluttede, at jeg skulle blive sanger, kunstner. Mødre siger ofte: "Jeg ofrede alt for dig, nu skal du blive, hvad jeg ikke er blevet i mit liv." I det mindste var det sådan med min mor. Hun lærte mig fra barndommen ikke at bukke under for følelser, medmindre de var absolut nødvendige, selvom jeg af natur ikke havde nogen tilbøjelighed til dette.

Min mor og jeg tog til Athen, da jeg var tretten år gammel. Oprindeligt blev det antaget, at jeg kun skulle studere og ikke optræde på den professionelle scene. Dette varede dog ikke længe, \u200b\u200bfor seks måneder efter at jeg havde startet mine studier med de Hidalgo, blev jeg inviteret til Nationalteatret. De havde brug for en dramatisk sopran, og de hyrede mig i et år, forudsat at jeg ikke ville synge andre steder. De Hidalgo selv foreslog denne betingelse. De penge, jeg tjente i teatret, gjorde det muligt for mig at afsætte mig helt til mine studier uden at tænke på anden indtjening.

Jeg har allerede sunget Rural Honor og søster Angelica på konservatoriet; omkring halvandet år efter starten af \u200b\u200barbejdet i teatret var det Tosca's tur. Dette er hårde dele for en ung pige, men de Hidalgo lærte mig ikke at være bange for scoringsvanskelighederne. Stemmen skal forblive lys, og lyden ikke tvunget, fingerfærdig som en atletes krop. Jeg elskede at opnå denne lethed. Jeg har altid været fascineret af at løse komplekse problemer. Jeg kan godt lide udfordringen. Når du har løst et vanskeligt problem, skal du præsentere det offentligt.

Denne lethed, som jeg stræbte efter, var ikke kun en del af bel canto-skolen, som de Hidalgo lærte mig. Dette var en del af hendes filosofi, ifølge hvilken stemmen skulle dannes i et område, hvor det ikke er for stort i volumen, men har en gennemtrængende kraft. Denne tilgang gør det muligt med stor lethed at udføre al nåde ved bel canto, som i sig selv er et ret udviklet udtryksmiddel. Sangeren lærer at håndtere vanskeligheder på samme måde som instrumentalisten, startende med langsomme skalaer og arpeggioer, der gradvist øger hastighed og fingerfærdighed. Det er for sent at lære dette på scenen. Denne slags arbejde varer livet ud. Jo mere du lærer, jo mere indser du, hvor lidt du ved. Du står uendeligt over for nye problemer og nye vanskeligheder; og du har altid brug for kærlighed til dit arbejde og et lidenskabeligt ønske om at blive bedre.

Forestillingerne, hvor jeg deltog i Grækenland, var en slags forberedende periode; en tilføjelse til studieårene for at sige det. Så indså jeg mine muligheder. Først efter eksamen bliver du musiker, du leverer dit instrument til orkesterets tjeneste. Prima Donna er forestillingens vigtigste instrument. Dette lærte jeg af Tulio Serafina. Det faktum, at min debut i Italien i Verona i 1947 (den sande begyndelse på min karriere) fandt sted under hans ledelse, betragter jeg den største succes i mit liv.

Hvor meget fik jeg af denne mand! Han lærte mig at sætte udtryksfuldhed og mening i alt, hvad vi gør. Jeg indså, at enhver dekoration skulle tjene musikens interesser: hvis vi virkelig holder af komponistens intentioner og ikke kun om personlig succes, finder vi altid mening i triller eller skalaer, der kan udtrykke glæde, angst eller længsel. Generelt åbnede Maestro Serafin musikdybden for mig. Og jeg tog alt, hvad jeg kunne, fra ham. Han var den første sådan dirigent, jeg stødte på, og jeg er bange, også den sidste. Han viste mig, at hvis du ikke ved, hvad du laver, og hvorfor, kan musik blive et slags fængsel for dig, et sted med konstant tortur.

Seraphin fortalte mig en ting, der for evigt er tilbage i min hukommelse: ”Når du har brug for at finde en passende gestus eller bevægelse, er det nok at se på partituren; komponisten har allerede vist det i musik. " Og dette er den sande sandhed: Hvis du spænder alle dine ører og koncentrerer dig åndeligt (hjernen er mindre involveret), vil du altid finde det, du har brug for. Han lærte mig også, at hver episode i en opera skal være en perfekt fusion af sang og skuespil, og hele forestillingen samler simpelthen disse episoder. Dette kan kun opnås, hvis du gør din opgave godt. Når du går på scenen, bør der ikke være nogen overraskelser.

Min teateruddannelse var rent musikalsk. Selvfølgelig lærte de Hidalgo mig, hvordan jeg kunne tilpasse mig min krop; for dette fik hun mig til at lave specielle øvelser, hun lærte mig at falde uden at ramme, hvilket er meget vigtigt på scenen. Længe senere spurgte jeg hende, om jeg spillede naturligt som studerende. ”Ja,” svarede hun mig, “ekstraordinært naturligt. Jeg har altid beundret, selv på det tidspunkt, dine hænder og din iboende bevægelsesfrihed. Dette var nyt for mig. Jeg indså straks, at du har noget specielt, kun iboende i dig. "

Jeg husker godt det venlige råd, som en instruktør fra Nationaltheatret gav mig: "Løft aldrig din hånd uden at følge dens bevægelse med dit sind og hjerte." Tanken udtrykkes ret underligt, men den er retfærdig. Han har måske også sagt dette til andre, men ingen fulgte dette råd fuldt ud. Jeg er som en svamp: Jeg kan godt lide at absorbere, hvad andre har at sige, og bruge det, jeg har brug for.

Den instruktør fortalte mig også: "Når du synger med nogen, så prøv at glemme øvelserne, reager som om du hører ordene for første gang." Jeg prøvede så hårdt på at få succes med dette, at hvis min kollega glemte teksten, kunne jeg ikke foreslå den. Teatret skal være ægte, der skal altid være et sted for noget nyt. Det er som vores underskrift: det er umuligt at abonnere to gange nøjagtigt det samme, men det forhindrer ikke det i at være vores. I kunst, i musik skal der være den samme elasticitet, men kun til en vis grad. Der er altid en slags begrænsning. Som i musik skal der være en rytme i bevægelserne. Alt skal verificeres. Hold ikke tankeløst en lang note. Alt skal tænkes i komponistens stil. Hvad er stil? Bare god smag.

Efter min debut med Seraphin i Italien er der ikke skrevet meget om mig. Jeg var noget nyt: min stemme generede publikum, min skuespil fik dem til at tænke. Efter at have lyttet til mig kunne folk ikke sige: "Åh, hvilken smuk stemme! .. Åh, hvilken note! .. Åh, hvor sødt, hvor dejligt ... lad os gå hjem." Blandt mine kolleger var der endda dem, der sagde: "Vi følte os så godt uden hende, nu skal vi arbejde dobbelt så meget." Jeg må sige, at jeg har forårsaget nogle ændringer i vores kunst.

Sandsynligvis på et tidspunkt, hvor ingen var opmærksomme på mig, måtte jeg bruge en lederes tjenester. Måske måtte jeg betale for konsekvenserne af ikke at have det. Når alt kommer til alt er der mere ved kunsten end skønhed. Men jeg er en meget uafhængig person, og jeg kan godt lide at få det, jeg fortjener, fuldt ud. Publikum skal elske mig for den jeg er; ellers giver det ingen mening at forfølge en karriere.

Først kunne publikum ikke lide mig, da jeg overtrådte dårlige operatraditioner. Da jeg blev berømt, kontaktede ledere ofte mig og sagde: "Et sådant og sådan teater vil invitere dig." Jeg svarede dem: "Tak, men jeg er allerede blevet kontaktet, jeg behøver ikke at ty til din hjælp." Dette skabte mig mange problemer op til fløjten i teatret. Ledere ønsker at arbejde med stjerner, da det giver dem mulighed for at placere deres mindre heldige afdelinger i teatre, der ønsker stjerner. Men hvad har alt dette at gøre med kunst?

Jeg opnåede dele ved at spille roller, som ingen ønskede at spille. En ambitiøs kunstner skal ofte spille alle de roller, som han er inviteret til, selvom de ikke interesserer ham, og han ikke føler nogen gunst over for dem. På trods af dette sang jeg først hver fjerde til femte måned. Da det lykkedes mig at få en del (det være sig Turandot eller Aida), var der folk, der sagde: "Dens øverste noter er gode, men de nederste er ubrugelige." Andre sagde: "Midterregistret er godt, men de øverste noter er skræmmende." Der var ingen aftale mellem dem. Men jeg var altid overrasket over, at de alle sagde: "Selvfølgelig kan hun bevæge sig rundt på scenen."

Det var Seraphin, der gav mig en reel chance. Et år efter min debut i Verona ledte han efter Isolde til at opføre i Venedig og tilbød mig denne del. Jeg kendte ikke spillet, men af \u200b\u200bdesperation var jeg enig. Han lavede en aftale med mig, og jeg sang anden akt fra syne. Alt gik godt. Så tilstod jeg over for ham, at jeg havde set noterne for første gang. "Hvad betyder det noget," sagde Seraphin, "om to måneder lærer du alt." Jeg kan huske, at han insisterede på, at jeg bestilte kostumer specielt til Isolde, og på det tidspunkt havde jeg absolut ikke råd til det "Hvorfor," spurgte jeg ham, "er det virkelig nødvendigt?" ”Tristans første handling varer halvfems minutter, og uanset hvordan du fascinerer publikum med din stemme, har de tid nok til at se på dig fra top til tå og undersøge dit kostume i detaljer. Scenebilledet skal være i harmoni med musikken. "

Et år senere inviterede Seraphin mig til Venedig for at synge "Valkyrie"; derefter Wagner blev sunget på italiensk, da publikum ikke accepterede ham på tysk. I den periode dirigerede Seraphin også puritanerne; en influenzaepidemi væltede hans sopran. Signora Serafin, der hørte mig synge til "The Voice is Here ...", bad mig om at synge det foran min mand, når han vender tilbage til hotellet. Jeg gjorde det. Den næste dag, klokken ti, efter min anden Valkyrie, ringede telefonen på mit værelse. Det var Maestro Seraphin. ”Kom ned til mit værelse hurtigst muligt,” sagde han til mig. "Maestro, men jeg er endnu ikke klædt og kæmmet, giv mig en halv time." "Det betyder ikke noget, kom som det er."

Seraphin kunne ikke nægtes, i de dage følte vi en reel ærbødighed for dirigenterne. Jeg tog min kappe på og gik ned til ham. Teaterdirektøren sad på sit værelse. "Syng den arie, som du sang i går aftes," beordrede Seraphin mig. " Jeg sang. ”Hør, Maria,” sagde han til mig, når jeg er færdig, “i næste uge synger du puritaner. ”Men dette er umuligt,” svarede jeg, “Jeg er nødt til at udføre et par flere Valkyries; det er blandt andet sjovt, min stemme er for tung. " "Jeg forsikrer dig, du kan gøre det," sagde Seraphin.

Nå, tænkte jeg, hvis en så erfaren og erfaren person som Seraphin siger det, ville det være dumt at nægte. Jeg svarede: "Okay, maestro, jeg vil prøve." Mens jeg sang Brünnhilde, formåede jeg at lære den del af Elvira. Jeg var stadig ung, og unge mennesker er risikoen værd. Men jeg vidste, at jeg havde en god baggrund bag mig, bel canto-skolen, og tro mig: bel canto er lige så nødvendigt for Wagner som det er for Bellini. Med andre ord var jeg klar til at tage denne udfordring på mig. Der blev ikke forventet nogen overraskelser.

Når du lærer en ny del, skal du lære den nøjagtigt som skrevet af komponisten. Dirigenten vil fortælle dig, hvilke regninger han lavede, og hvis der er kadenser, vil han fortælle dig, hvad de skulle være. En ansvarlig musiker vil gøre dem i musikånden. Bellini er forskellig fra Donizetti, og Donizetti er forskellig fra Rossini.

Når du har lært noterne, skal du prøve at spille ordene på en sådan måde, at du finder en naturlig rytme i dem. Jeg mener ikke musikken, den er allerede skrevet, men udtalen. Dette er især vigtigt for recitativ og introduktion til arier. Recitativer er ofte gode alene, men de er altid meget vanskelige at mestre, svære at finde den rigtige rytme. Jeg forstod vigtigheden af \u200b\u200brecitativ på tidspunktet for min første "Norma", som jeg forberedte med Seraphin. Efter den første øvelse sagde han til mig: ”Gå nu hjem, min kære Callas, og øv disse linjer, se hvilke proportioner, hvilken rytme du kan finde. Du skal observere, hvad der er skrevet, men prøv at være så fri som muligt, prøv at finde en fri rytme af recitativ. "

At udføre recitativer er et eksempel på rubato-kunst. Det vigtigste kendetegn ved italiensk musik er fri bevægelighed, uanset hvor langsom den er. Det er umuligt at lære dette på en dag eller en uge. Jeg tror slet ikke, at dette kan mestres fuldt ud.

I perioden med at studere musik (på dette tidspunkt behøver du kun at tænke på det faktum, at to to er fire), skal du have en god vejleder-controller, der ville være ret alvorlig, altid ville minde betydningen af \u200b\u200bhver tone, og ville ikke miste noget af syne. Du skal have meget mod og lytte til hans råd, for jo bedre vi synger, jo mindre ønsker vi at blive rettet. Nogle gange bliver du meget vred, især på dig selv og tænker: "Jeg kunne selv have nået dette." Ofte er fejl resultatet af dårlige vaner, såsom vanen med at trække ord eller overbelastning af de endelige stavelser. Ofte er du ikke længere opmærksom på disse fejl, derfor skal der være nogen, der vil gøre det for os.

Når festen er lært i alle dens komponenter, kan du komme i gang med arbejdet. Jeg gik altid til alle prøver, selvom jeg ikke blev kaldt for at "vænne mig til musikken." Dette skal gøres startende fra den første øvelse for at teste dine evner og din styrke; Jeg anser det også for nødvendigt at altid synge højt. Efter øvelsen på første fase kan du starte rigtigt, seriøst arbejde og fylde festen med de manglende nuancer. Indtil da kan der kun laves en grov skitse. Og kun øvelser foran publikum hjælper med at tilføje det usynlige, der er i musikken.

Det meste af arbejdet er at kombinere bevægelse og musik for at skabe karakteren. Jeg finder karakteren af \u200b\u200bkarakteren i musikken, ikke i librettoen, selvom teksterne er meget vigtige. Under alle omstændigheder kommer billedets sandhed fra musikken. Over tid bliver billedet af vores karakter dybere, hvis vi selvfølgelig er den type mennesker, der kan lide at vokse og ikke stå stille. For eksempel har min Medea ændret sig meget. Først opfattede jeg hende som en meget statisk skikkelse, en barbarisk skabning, der ved hvad den vil helt fra starten. Over tid gjorde jeg hende mere menneskelig, men ikke mindre grusom. Hendes ræsonnement er retfærdigt, kun hvis Iason under alle omstændigheder er endnu værre end hende. Derfor forsøgte jeg at afsløre hendes feminine essens, herunder ved hjælp af hendes hår og blødere bevægelser. Jeg ville gøre hende mere livlig og mere attraktiv.

Min La Traviata er også ændret, Norma i meget mindre grad. Med hensyn til Violetta indså jeg gradvist, at hendes sygdom ikke tillod hende at bevæge sig meget eller hurtigt. Jeg bemærkede også, at jo mindre hun bevæger sig, især i tredje og fjerde handling, jo mere vinder musikken. I den sidste handling, så hun ikke virkede for stiv, fandt jeg små, tilsyneladende ubrugelige bevægelser for hende. For eksempel, da hun forsøgte at tage et spejl eller noget andet fra natbordet, faldt hendes hånd magtesløst og kunne ikke bevæge sig. I sidste handling skulle vejrtrækningen blive endnu kortere og stemningens farve endnu mere træt end før. Jeg arbejdede meget hårdt for at finde den rigtige farve til lyden. Det tog mig lang tid at gøre dette, og jeg oplevede følelsen, som om jeg hængte på en skrøbelig tråd, der kunne bryde i ethvert øjeblik.

Vi er nødt til at se efter noget nyt hele tiden og tilskynde offentligheden til at tro på det, vi laver. Opera er en død udtryksform i den forstand, at det i dag er svært at acceptere, når nogen simpelthen synger "Jeg elsker dig" eller "Jeg hader dig." Du kan sige det eller råbe det ud - det er ikke moderigtigt at synge. Vi skal dog få publikum til at acceptere vores arbejde, og den eneste måde at gøre dette på er at bringe frisk luft til operaen. Vi er nødt til at stoppe for lang musik, vi skal gøre vores bevægelser så troværdige som muligt, vi skal skabe en atmosfære, hvor der er et sted at forstå. Alt skal blive så sandfærdigt som muligt inden for de grænser, som komponisten har sat.

Men vi er ofte nødt til at starte med to modsatte synspunkter: tolken, der tjener komponisten, og publikum, der lytter. Vi må prøve at forstå, hvor komponisten gik galt, og hvordan vi kan hjælpe ham med at nå publikum. Livet har trods alt ændret sig siden Verdis eller Donizettis dage. Folk klæder sig anderledes, tænker anderledes. Det eneste der ikke har ændret sig er dybe og oprigtige følelser: de har altid eksisteret, men livet fortsætter, og operaen fortsætter med det. Vi skal ændre os med livet, hvis vi vil tjene en komponist. Af denne grund er jeg overbevist om behovet for regninger. Gentagelse af en melodi er næsten aldrig nødvendig. Jo hurtigere du kommer til det punkt, jo bedre. Du må aldrig risikere det to gange. Der er selvfølgelig undtagelser. I Somnambul gentog jeg to gange: ”Ah! Det går ikke ”, for hvis jeg skal være ærlig, er dette et effektivt fragment, et udtryk for glæde og lykke, ren vokalisering er berettiget i dette tilfælde. Men når du gentager det, skal du altid ændre musikken lidt for at den skal være interessant for offentligheden. Dette skal naturligvis ske med god smag og i komponistens stil.

At udtrykke alt, hvad du finder i partituret, bliver en slags stof. Når du kommunikerer med offentligheden, falder du ind i en ekstraordinær beruselse, som du inficerer alle omkring dig. Under alle omstændigheder skal du i slutningen af \u200b\u200bdagen eller forestillingen kigge ind i dig selv og sige: "Nå, det lykkedes os det og det." Og straks skal du glemme dine succeser og tænke på, hvordan du retter fejl. Måske er jeg for hård, men for mig er det bedre end at hvile på dine laurbær - det er slutningen på stor kunst. Når du er tilfreds med det, du laver, er der ikke plads til forbedringer.

Min største fejl er, at jeg er en skræmmende pessimist. Jeg tror ofte, at jeg ikke er i stand til at gøre noget godt, og derfor prøver jeg at gøre det endnu bedre. Men der er en fare ved at forsøge at opnå de bedste resultater med uimodståelig udholdenhed: du kan ødelægge det gode ved at miste kontrol eller overdrive. Uanset hvad det er, er et opmærksomt, sejt og meningsfuldt kig på hvad du laver kunstnerens bedste assistent.

Men som jeg ser, er det få, der har det. I dag er der få mennesker, der virkelig er klar til at synge. Jeg mener ikke at sige, at der ikke er nogen gode stemmer; men få stemmer har en god nok skolegang til at synge vanskelige dele. Sangere har brug for erfaring, som det er umuligt at erhverve, hvis du begynder at synge i Metropolitan eller La Scala. Erfaring opnås i små teatre, der starter med de mindste roller. Dette er ikke et job, som vi kan lide at udføre. Men efter det, på scenerne i store teatre, er vi klar til store kampe. Der er ikke plads til amatører i vores arbejde.

Opera er den sværeste kunstform. For at få succes med det er det ikke nok at være en førsteklasses sanger; du skal også være en førsteklasses skuespiller. Det giver ingen mening at sige, at det er nødvendigt at finde et fælles sprog med kolleger (først og fremmest med dirigenten, derefter med andre sangere og til sidst med instruktøren), fordi opera er en stor enhed, hvor alle spiller en stor rolle.

Jeg gik med på at tage dette kursus for at hjælpe sangere med at komme godt i gang. Naturligvis er problemet med mange sangere, at de accepterer kontrakter, inden de får reel træning; en gang på scenen kan det være svært at vende tilbage til skolen. Ydmyghed er en af \u200b\u200bde højeste dyder hos en sanger. Jeg vil gerne formidle til de unge, hvad de store dirigenter, mine lærere lærte mig, og især hvad jeg selv lærte, og mine studier er ikke forbi endnu. Jeg tror, \u200b\u200bjeg har en slags naturlig intuition om musik, men bortset fra det tager jeg altid besværet med at finde ud af komponistens intentioner. Glem ikke, at vi kun er kunstnere i komponistens tjeneste, og vi gør et meget delikat stykke arbejde. Derudover skal store scener med store traditioner respekteres.

I vores arbejde skal du aldrig røre ved "vokalkapitalen", vi kan kun bruge interesse fra den. Hvis du tjener kunst godt, vil alt komme: du bliver rig, stor og berømt. Men dette er hårdt arbejde: før, under og efter.

Vi har dog også privilegier. Jeg føler mig speciel, fordi jeg var i stand til at formidle sandheden om min sjæl og mit hjertes sandhed og se, at den blev accepteret. Men jeg skabte denne store magt til at tjene en af \u200b\u200bde største kunst - musik.

I løbet af hendes levetid blev hendes navn legendarisk. Hun blev beundret, frygtet. På trods af al hendes genialitet og modsigelser forblev hun altid en kvinde, der ville blive elsket og havde brug for.

Hvad har Maria Callas, en af \u200b\u200bde mest fremragende opera sangere i det 20. århundrede, opnået og tabt?

Som barn var Maria fed og grim. Men denne pige viste pludselig rigtigt talent. I en alder af otte satte hun sig ved klaveret, og det blev straks klart: hun blev født for at være forbundet med musik. Da hun endnu ikke havde mestret musikalsk notation, kunne hun allerede ganske vellykket vælge forskellige melodier på klaveret.

Klokken ti sang Maria sine første arier fra Bizets opera Carmen. Ved at gøre dette overraskede han sin mor, en tidligere mislykket pianist. Evangelierne begyndte at tilskynde til opførelsen af \u200b\u200bderes yngste datter ved alle slags børnekoncerter og matiner.

I 1934 deltog den ti år gamle Maria i den nationale radiokonkurrence for amatørsangere, tog andenpladsen og modtog et armbåndsur som gave.

Første succes

I tro på, at det vil være svært at få succes i Amerika, transporterer moderen den tretten år gamle Maria til Grækenland. Der lærer Callas hurtigt et helt ukendt græsk sprog, og efter at have forvirret, at hun allerede var seksten, går hun først ind på det nationale konservatorium og to år senere - i Athen. Den berømte sangerinde, ejer af den vidunderlige coloraturasopran Elvira de Hidalgo, der senere erstattede sin mor og hendes første venner, blev hendes nye lærer.

I 1940 debuterede Callas på scenen i Athen National Opera. En af teaterets førende sangere blev pludselig syg, og Maria blev tilbudt hovedrollen i Puccinis opera Tosca. I øjeblikket, hvor man gik på scenen, sagde en af \u200b\u200barbejderne højlydt: "Er en sådan elefant i stand til at synge Tosca?" Maria reagerede straks.

Ingen havde tid til at komme til sig selv, da gerningsmandens revne skjorte allerede strømmede blod ud af hans egen næse. I modsætning til den dumme arbejdstager var publikum glade for at høre den smukke forestilling. Det blev gentaget af kritikere, der postede ros og rave noter i deres aviser den næste dag.

I 1945 besluttede Maria at vende tilbage til Amerika, hvor hendes far og ... usikkerhed ventede på hende.

Millionær fra Verona

Succes i Grækenland viste sig næsten ikke at være noget for amerikanske producenter. Efter to års fiasko møder hun Giovanni Zenatello, der tilbød hende rollen som La Gioconda i operaen med samme navn. Og i lang tid var Marias liv forbundet med Italien.

Det var i Verona, hun mødte den lokale industriist Giovanni Batista Meneghini. Han var to gange hendes alder og elskede lidenskabelig opera og med hende Maria. I løbet af sæsonen bragte han hende enorme buketter med blomster hver aften. Dette blev efterfulgt af optrædener og kærlighedserklæringer. Giovanni solgte fuldstændigt sin forretning og viet sig til Callas.

I 1949 underskrev Maria Callas med Verona-millionæren. Batista blev alt for Maria - både en trofast ægtefælle og en kærlig far og en hengiven manager og en generøs producent. Meneghini aftalt også med den berømte dirigent Tullio Serafin om at påtage sig sin kones træning. Det var Tullio, der opdagede Callas til verdensscenen og efterfølgende generationer af elskere af klassisk musik. I 1950 talte hele verden allerede om det. Hun er inviteret af den legendariske Teatro alla Scala i Milano, efterfulgt af Londons Covent Garden og New Yorks Metropolitan Opera.

Modstridende billede

Med fremkomsten af \u200b\u200bpopularitet begynder Callas at danne sit nye scenebillede, som bliver hendes kendetegn i de næste tyve år.

Hun går på en hidtil uset diæt, hvilket resulterer i, at hun formår at tabe femogtredive kilo. Hendes karakter gennemgik også metamorfoser.

Callas har altid været hårdtarbejdende og omhyggelig, når det kommer til kunst. Hun blev rasende, hvis hun så, at nogen gav mindre til kunst, end hun gjorde. Det var dengang, at Callas fik et ry som en slagsmænd.

Situationen blev kompliceret af administratorerne: de mente, at Maria altid skulle være i form. Skandalen brød ud, da republikkens præsident kom til produktionen af \u200b\u200bNorma i Rom. Allerede før forestillingen startede, følte Maria sig utilpas og tilbød at erstatte hende med en anden kunstner, men teateradministrationen insisterede på at optræde. Chanting den første handling fik på en eller anden måde hende til at føle sig endnu værre. For ikke endelig at miste sin stemme nægtede Maria at fortsætte forestillingen. Avismændene præsenterede dog alt på deres egen måde.

"Ignorerer mit helbred begyndte de at tale om min dårlige karakter med magt og hoved,"

- Callas vil sige senere.

Afgørende øjeblik

Skandalen i Rom markerede begyndelsen på tilbagegangen i den store sangeres karriere. Dagen før premieren på Bellinis opera Pirate blev Callas opereret. Restitutionsperioden var meget vanskelig. Maria spiste ikke noget og holdt næsten helt op med at sove. På trods af sværhedsgraden af \u200b\u200bhendes tilstand gik hun ind på La Scala-scenen og var som altid uforlignelig. Publikum begyndte at hilse på deres gudinde. Men teaterledelsen tænkte anderledes.

I selve klimaks, da Maria var klar til at træde ud bag gardinerne, faldt et brandforebyggende jerntæppe på scenen, der fuldstændigt beskyttede hende mod det entusiastiske publikum. For Callas var dette et entydigt tegn.

”Det var som om de sagde til mig:” Gå ud! Showet er slut! "

- indrømmede hun i et interview. Med et tungt hjerte forlader hun Italien og koncentrerer sine kræfter på at optræde i Amerika.

Krisen i professionel aktivitet faldt sammen med Maria med ikke mindre dramatiske begivenheder i hendes personlige liv. Batista Meneghini viste sig at være en god impresario, men ikke den mest succesrige mand. Hans holdning til Callas var mere som en faderlig bekymring end en fuldgyldig kærlighed til en mand til en kvinde.

Gylden græsk

I 1958 blev Maria inviteret med sin mand til den årlige venetianske bold, der var vært for grevinden af \u200b\u200bCastelbarco. Blandt andre gæster var den græske tankskib Aristoteles Onassis og hans kone Tina også til stede. Ari var altid forelsket i alt det smukke og verdensberømte og blev fascineret af opera-divaen.

Forsøg på at charmere Callas, Onassis tyede til sin yndlings taktik - han inviterede Maria og hendes mand til sin luksuriøse yacht Christina. Callas bemærkede, at hun med glæde ville acceptere denne invitation, men hun måtte udsættes for tiden på grund af sin travle turnéplan. For eksempel vil hun nu optræde i Londons Covent Garden. Efter at have altid haft foragt for opera, overraskede Aristoteles sin kone meget, da han hurtigt sagde: "Vi vil helt sikkert være der!"

Da han hørte dette, oplevede Giovanni en underlig følelse af frygt og beklagelse, som om han indvarslede begyndelsen på slutningen af \u200b\u200bderes ægteskab. Der var for mange ligheder mellem slægtninge til de græske sjæle Aristoteles og Mary. Det så ud til, at de fandt hinanden i denne uendelige hvirvelvind med hektisk liv.

Signor Meneghini blev ikke bedraget af forkyndelser. Som lovet deltog Ari i premieren og organiserede en smuk banket til ære for operagudinden efter forestillingen. Hundrede og tres mennesker - de mest betydningsfulde og indflydelsesrige mennesker i Storbritannien - modtog en invitation, der lyder: "Mr. og fru Onassis har den ære at invitere dig til middag på Dorchester Hotel den 17. juni kl. 23.15." . Ari sendte også de fyrre mest fremtrædende gæster billetter til selve forestillingen, som det var guld værd på det tidspunkt.

Fejringen varede indtil morgenen. Ved afslutningen af \u200b\u200bbanketten accepterede Maria, alligevel under pres fra Onassis, at acceptere hans invitation til et krydstogt i Middelhavet. Stepping på dækket af "Christina" tog Maria et skridt ind i en ny æra i sit liv.

Den overdådige yacht, mere som et flydende museum end et køretøj, satte sejl fra kajen i Monte Carlo og satte kursen mod et tre ugers luksussejl. Callas var ikke den eneste æresgæst på dette krydstogt.

Foruden hende var den store Winston Churchill også til stede med sin kone Clementine, datter Sarah, personlig læge Lord Moran og elskede kanariefugl Toby. Da "Christina" anløb i Delphi, tog det berømte selskab en behagelig tur til Apollo-templet. Alle var ved godt humør og forsvandt i forventning om de berømte profetier.

Men denne gang slog Delphic Oracle alle med tavshed. Og hvad kunne han have forudsagt? Verdenspolitikens patriark, Sir Winston Churchill, ventede på slutningen af \u200b\u200bsit liv, Tina - en skilsmisse fra Aristoteles, Onassis selv - hans søns død og et mislykket ægteskab med Jacqueline Kennedy, Maria - den tragiske afslutning på en stjernernes karriere, Giovanni Meneghini, der ofrede alt for sin kone - en skandaløs skilsmisse og triste minder om tidligere lykke. Det er overflødigt at sige, at Delphic Oracle handlede klogt.

Under krydstogtet brugte Onassis al sin charme til at forføre Mary. Og hun gav op ... Og straks ikke vant til at skjule sine tanker og følelser, rapporterede hun dette til sin mand:

”Det er overstået mellem os. Jeg er vild med Ari. "

Efter Eros's nåde

Forholdet til Aristoteles Onassis var det mest spændende i en operagudindes liv. Han blev hendes første kærlighed, så stærk som den var forsinket.

Maria forsøgte at dykke ned i alle aspekter af sin elskedes liv. I modsætning til sin første kone kunne Maria gå ind i kabyssen før middagen uden nogen advarsel og personligt se madlavningsprocessen.

Denne besættelse forårsagede en masse angst blandt kokken Onassis, Clement Miral. Han blev især forfærdet, da Callas med luften fra en sofistikeret gourmet løftede låget på en lækker skål og dyppede et stykke brød i det, smagte på det. På Mirals forbløffede spørgsmål, hvad han ville fortælle sin chef, da han fandt stykker brød i sin tallerken, svarede hun nonchalant:

"Sig til ham, at det er hans nye elskeres skyld!"

Da oplysninger om forholdet mellem Callas og Onassis blev lækket til pressen, brød en sekulær skandale ud.

Onassis kone Tina tog straks sine børn - 12-årige Alexander og 9-årige Christina - og forsvandt i en ukendt retning. Hjørnet, udadtil forblev Onassis rolig og besvarede spørgsmål fra journalister:

"Jeg er sømand, og denne slags ting kan ske med søfolk fra tid til anden."

Inderst inde var Ari ganske bekymret over situationen. Efter at have lært gennem sine kanaler, at Tina gemte sig med sin far, den græske reder Stavros Livanos, begyndte Aristoteles at belejre sin kone og forsøgte at forklare, at Callas bare var en intelligent og hengiven kæreste for ham og hjalp ham med at løse forretningsproblemer. Det er usandsynligt, at Tina kunne overbevises af en åbenlyst løgn. Og Meneghini blev nervøs, da han indså, at Maria aldrig ville vende tilbage til ham. De forladte ægtefæller - Giovanni og Tina - indgav en skilsmisse.

Mange indflydelsesrige venner af Aristoteles blev trukket ind i den højt profilerede skandale. Selv en nær ven af \u200b\u200bOnassis, Whiston Churchill, forsøgte de at involvere sig i et grimt opgør. Men han fnysede bare i utilfredshed og mumlede noget, der ikke var helt klart for sig selv. Spørgsmålene om familie og ægteskab har altid betydet lidt i livet for patriarken i verdenspolitikken, men med alderdommens begyndelse, tynget af melankoli og depression, var der absolut ingen plads tilbage for dem.

Disse var ikke de bedste tider for både Onassis og Maria. Aristoteles kastede mellem to kvinder, mens Mary forsøgte at vænne sig til sin nye elskerinde-rolle. Deres følelser syntes at blive testet for styrke.

Og de bestod denne test med ære. I 1960 blev begge gratis.

Gratis svømning

Maria var optimistisk med hensyn til de ændringer, der havde fundet sted. Endelig tilhørte hun sig selv og en anden, meget værdifuld og elsket. Hun indrømmede:

”Jeg levede for længe med en person, der var meget ældre end mig selv, det begyndte endda at virke for mig, at jeg blev gammel på forhånd. Mit liv gik som i et bur, og først da jeg første gang mødte Aristo og hans venner og udstrålede al livets mangfoldighed, blev jeg en helt anden kvinde. "

Nye livshorisonter åbnede sig for hende. Og snart opdagede Callas, at hun var gravid. Et nyt kapitel begyndte i hendes livs bog, hvis særpræg var at være hjemmekomfort, munter børns gråd og den elskede mands blide omfavnelse. Og arbejde - hendes yndlingsværk - kunne ikke lade være med at hævne sig på sangeren for sådan uopmærksomhed. Pludselig begyndte hendes uforglemmelige stemme at ændre sig, og der var intet hun kunne gøre ved det. År senere vil Mary sige:

”For første gang havde jeg komplekser, og jeg begyndte at miste mit tidligere mod. Negative anmeldelser har haft en frygtelig indvirkning og ført mig ind i en kreativ krise. Dette er første gang, jeg har mistet kontrollen med min egen stemme. "

Callas havde brug for hjælp, rådgivning og support mere end nogensinde før. Hun henvender sig til den person, der er tættest på hende - Aristoteles. Men det ser ud til, at det var en dårlig kandidat. Onassis er for langt væk fra kunstens problemer og den elskede mentale kval. Et fælles barn kunne ændre situationen, men selv her var Callas i en bitter skuffelse. Drengen, som hun kaldte Omero, blev født død. Hun havde kun én ting at gøre: forsøge at genvinde sin tidligere glans og gifte sig med Aristoteles og erhverve status som en officiel kone og husholderske.

Første dame

Efter smertefuld skilsmissesag begyndte Aristoteles og Mary at dukke sammen i samfundet uden tøven. Et af vidnerne til deres næste date i natklubben Monte Carlo mindede om:

”De kan ikke danse kind mod kind, fordi Miss Callas er noget højere end Mr. Onassis. Derfor, når de danser, vipper Mary hovedet og klemmer let sin elskers øre med læberne og får ham til at grine entusiastisk.

At se, hvor hurtigt forholdet mellem elskere udvikler sig, levede alle kun i forventning om et nyt smukt bryllup. Imidlertid skyndte hverken Mary eller Aristoteles tingene. Som svar på påtrængende spørgsmål fra et italiensk magasin var Callas undvigende og hemmelighedsfuld:

"Jeg kan kun sige en ting - der er et meget ømt og følsomt venskab mellem mig og Mr. Onassis."

Men på trods af alle forventningerne fandt ægteskabet aldrig sted - hverken i 1960 eller efter. Tre år efter skilsmissen vises en ny kvinde i Onassis liv, som han ikke kun vil tilbyde en hånd og et hjerte, men også en rimelig andel af sin formue.

I sommeren 1963 inviterede Aristoteles den amerikanske førstedame Jacqueline Kennedy til sin yacht Christina. Allerede før personligt møde fru Kennedy, blev Onassis fascineret af hendes image, der kombinerede skønhed og høj position i samfundet.

Og da Jackie trådte på båden på sin yacht, oversvømmede han hende med gaver. Når den første dame vender tilbage til Det Hvide Hus, vil en af \u200b\u200bhendes mands assistenter bemærke:

"Stjerner skinnede i Jackies øjne - græske stjerner!"

Callas anerkendte ikke straks fru Kennedy som en trussel. Maria var sikker på, at Onassis aldrig ville gå imod præsidenten for De Forenede Stater for endnu en kærlighedsaffære. Situationen ændrede sig dramatisk efter de tragiske skud i Dallas.

Efter Johns død begynder Aristoteles aktivt at passe på Jacqueline. Nu med hende begyndte han at tage ensomme sejladser på "Christina" i Det Ægæiske Hav og Middelhavet. Callas var foruroliget, men hun kunne ikke ændre noget. Jackie er yngre og mere berømt end hende. Onassis holdning ændrede sig også. I stedet for en konstant ledsager forvandlede han sig til Maria til en afslappet ledsager, der fra tid til anden besøgte hende.

Nogle gange var disse besøg ret spændende for både Callas og Ari selv. En gang, undergivet øjeblikkelig fornøjelse, gik han med på at tage Mary som sin kone. Forberedelserne til brylluppet, som det blev besluttet at spille i begyndelsen af \u200b\u200bmarts 1968 i London, fandt sted i en atmosfære med den strengeste hemmeligholdelse.

I sidste øjeblik var Callas forfærdet over at finde ud af, at hun ikke havde et fødselsdokument. Kopien var klar to uger senere, hvilket blev fatalt i den store sangeres liv. Bare et par minutter før bryllupsceremoniens start faldt hun ud med brudgommen og mistede ham næsten for evigt. I juni samme år spillede Onassis endnu et bryllup, kun bruden var ikke Callas, men den tidligere førstedame i USA, Jacqueline Kennedy. Den mest tragiske fase i Marias liv begyndte.

Endelig gardin

Hun forsøgte stadig at vende tilbage til scenen. Men det var en anden tid og en anden stemme. Nu måtte Maria konkurrere med sit tidligere selv, og resultatet var tydeligvis ikke i hendes favør. I øjeblikke af åbenhed indrømmer hun:

”Dagen er let at leve, men natten ... Du lukker døren til soveværelset og er alene. Hvad vil du lave? Hyl som en ulv? "

Utroligt nok fortsatte Onassis trods sit ægteskab med at blive i sit liv og besøgte, når han havde lyst. Ægteskabet med Jacqueline lykkedes ikke, så hemmelige møder mellem to elskere var ikke så sjældne. Men alligevel var det ikke det, ikke så ... Deres kærlighed døde.

Derfor ændrede Onassis 'virkelige død i marts 1975 ikke noget i Marias liv. Hun har længe været alene ... Ingen havde brug for, ingen elskede. Måske var dette en af \u200b\u200bde mest dystre sætninger for en kvinde, der blev hyldet af tusinder og tilbedt af millioner.

Livet ophørte med at have nogen mening. Den 16. september 1977 blev Maria fundet død i sin lejlighed.

År vil gå, og hensynsløs tid vil slette fra mindet om mange deltagere i dette drama. Kun Maria Callas 'guddommelige stemme forbliver. En der er i stand til at gøre folk lysere og renere. Men det bragte aldrig ejeren lykke.

Maria Callas er en fantastisk kvinde med en unik lys stemme, der har fascineret seerne til de bedste koncertsale i verden i mange år. Stærk, smuk, utroligt sofistikeret, hun erobrede millioner af lytteres hjerter, men hun kunne ikke vinde hjertet af sin eneste elskede person. Skæbnen har forberedt opera-divaen mange forsøg og tragiske vendinger, op- og nedture, fornøjelser og skuffelser.

Barndom

Sangeren Maria Callas blev født i 1923 i New York i en familie af græske emigranter, der kort før deres datters fødsel flyttede til Amerika på jagt efter et bedre liv. Før Marys fødsel havde Callas-familien allerede børn - en søn og en datter. Drengens liv blev dog afbrudt så tidligt, at forældrene ikke engang havde tid til at nyde at opdrage deres søn.

Moderen til den fremtidige verdensstjerne under graviditeten gik til sorg og bad de højere kræfter om, at en søn skulle fødes - en erstatning for det afdøde barn. Men en pige blev født - Maria. Først nærmede kvinden sig ikke engang barnets vugge. Og i mange års liv stod kulde og en vis løsrivelse i forhold til hinanden mellem Maria Callas og hendes mor. Der har aldrig været et godt forhold mellem kvinder. De var kun forbundet med konstante krav og uudtalte vrede mod hinanden. Dette var livets grusomme sandhed.

Marias far forsøgte at engagere sig i apotekbranchen, men den økonomiske krise i 30'erne af det tyvende århundrede, der greb USA, efterlod ingen chancer for at opfylde regnbuedrømmen. Der manglede konstant penge, hvilket gjorde skandaler i Callas-familien normen. Maria voksede op i en sådan atmosfære, og det var en vanskelig test for hende. I sidste ende, efter meget overvejelser, der ikke var i stand til at modstå den fattige, næsten tiggerlige eksistens, tog Marias mor dem og hendes søster, skiltes fra sin mand og vendte tilbage til deres hjemland til Grækenland. Her tog Maria Callas biografi en skarp drejning, hvorfra det hele begyndte. Maria var på det tidspunkt kun 14 år gammel.

Studerer på konservatoriet

Maria Callas var et begavet barn. Fra barndommen viste hun evnen til musik, havde en fremragende hukommelse, huskede let alle de sange, hun hørte, og gav dem straks ud til retten i gademiljøet. Pigens mor indså, at datterens studium af musik kan være en god investering i en behagelig fremtid for familien. Maria Callas musikalske biografi begyndte sin nedtælling nøjagtigt fra det øjeblik, hvor hendes mor gav den fremtidige stjerne til Ethnikon Odeon Conservatory i Athen. Pigens første lærer var Maria Trivella, kendt i musikalske kredse.

Musik var alt for Maria Callas. Hun boede kun inden for klasselokalets vægge - hun elskede, åndede, følte - uden for skolen og blev til en pige, der ikke var tilpasset livet, fuld af frygt og modsætninger. Udadtil grimt - fedt, i forfærdelige briller - inde i Maria skjulte hele verden, lys, livlig, smuk og vidste ikke om den sande værdi af hendes talent.

Succes inden for musikalsk læsefærdighed var gradvis og uhurtig. At studere blev givet ved hårdt arbejde, men det bragte stor glæde. Jeg må sige, at naturen har tildelt Maria pedantry. Omhyggelighed og omhyggelighed var meget åbenlyse træk ved hendes karakter.

Senere flyttede Callas til et andet vinterhave - Odeon Afion, i klassen af \u200b\u200bsangeren Elvira de Hidalgo, må jeg sige, en fremragende sanger, der hjalp Maria ikke kun med at danne sin egen stil i udførelsen af \u200b\u200bmusikmateriale, men også bringe sin stemme til fuldkommenhed.

Første succeser

Maria smagte sin første succes efter en strålende debutoptræden i Athens operahus med Santuzza i Mascagni's Rural Honor. Det var en uforlignelig følelse, så sød og berusende, men den vendte ikke pigens hoved. Callas forstod, at det er nødvendigt med udmattende arbejde for at opnå ægte højder. Og arbejde skulle have været udført ikke kun med stemmen. Marias eksterne data, eller rettere, hendes udseende, på det tidspunkt gav ikke et eneste gram hos en kvinde tegn på en fremtidig gudinde for operamusik - hun var fed, i uforståelige tøj, der lignede mere en hættetrøje end et koncertdragt, med skinnende hår ... hvad der i starten var det, der i årenes løb gjorde tusinder af mænd skøre og satte bevægelsesvektoren i stil og mode for mange kvinder.

Konservatorietræning sluttede i midten af \u200b\u200b40'erne, og Maria Callas musikalske biografi blev suppleret med turné i Italien. Byer og koncertsteder ændrede sig, men salene var fulde overalt - operaelskere kom for at nyde pigens storslåede stemme, så inderlig og oprigtig, hvilket fascinerede og fascinerede alle, der hørte det.

Det menes, at bred popularitet kom til hende først efter rollen som La Gioconda i operaen med samme navn, der blev udført på scenen i Arena di Verona-festivalen.

Giovanni Battista Meneghini

Snart præsenterede skæbnen Maria Callas for et møde med sin fremtidige mand, Giovanni Battista Meneghini. En italiensk industri, en voksen mand (næsten to gange Marys alder), han var meget glad for opera og var meget sympatisk over for Callas.

Meneghini var en ejendommelig person. Han boede hos sin mor, han havde ikke en familie, men ikke fordi han var en overbevist bachelor. Det var bare, at der i lang tid ikke var nogen passende kvinde til ham, og Giovanni selv søgte ikke specifikt efter en livspartner. Af natur var han ganske beregningsfuld, entusiastisk over sit arbejde, langt fra smuk, desuden ikke høj.

Han begyndte at passe på Maria, give hende smukke buketter, dyre gaver. For en pige, der hidtil kun havde levet i musik, var alt dette nyt og usædvanligt, men meget behageligt. Som et resultat accepterede operasangeren gentleman's frieri. De glædede sig.

Maria var ikke tilpasset livet, og Giovanni var alt for hende i denne forstand. Han erstattede sin elskede far, lyttede til en kvindes følelsesmæssige bekymringer og bekymringer, var hendes fortrolige med anliggender og udførte rollen som impresario, gav liv, fred og trøst.

Familieliv

Deres ægteskab var ikke bygget på følelser og lidenskaber, det lignede snarere en stille oase, hvor der ikke er noget sted for uro og storm.

Den nyoprettede familie bosatte sig i Milano. Deres smukke hjem - en familie rede - var under opsyn og streng kontrol af Mary. Ud over husarbejde studerede Callas musik, turnerede i USA, Latinamerika og Sydamerika og tænkte aldrig engang på ægteskabs utroskab. Selv forblev hun tro mod sin mand og tænkte aldrig på at være jaloux eller mistænke ham for utroskab. Så var Callas stadig, at Maria, der kunne gøre meget for en mand, for eksempel uden tøven, forlade en karriere af hensyn til en familie. Du var bare nødt til at spørge hende om det ...

I de tidlige 50'ere vendte lykken sig mod Maria Callas. Hun blev inviteret til at optræde på La Scala i Milano. Det var et virkelig godt forslag, og det var ikke det eneste. Covent Garden i London, Chicago Opera House og Metropolitan Opera i New York åbnede straks deres døre for sangeren. I 1960 blev Maria Callas fuldtids solist på La Scala, og hendes karriere blev genopfyldt med de bedste operaroller. Maria Callas arier er mange, blandt dem rollen som Lucia og Anne Boleyn i Lucia di Lammermoor og i Anne Boleyn af Donizetti; Violetta i Verdis La Traviata, Tosca i Puccinis Tosca osv.

Transformation

Gradvist, med fremkomsten af \u200b\u200bberømmelse og berømmelse, ændrede udseendet af Maria Callas sig. Kvinden fik et rigtigt gennembrud og blev i en periode fra en grim ælling til en virkelig smuk svane. Hun gik på en brutal diæt og tabte sig til utrolige parametre og blev raffineret, elegant og utrolig velplejet. Antikke ansigtsegenskaber skinnede med nye farver, et lys dukkede op i dem, der kom indefra og tændte millioner af hjerter rundt om i verden.

Sangerens mand tog ikke fejl i sine "beregninger". Han syntes at have forudset, at Maria Callas, hvis foto nu ikke har efterladt aviser og magasiner, er en diamant, der simpelthen kræver et snit og en smuk ramme. Giv det lidt opmærksomhed, og det skinner med et magisk lys.

Maria levede et tempofyldt liv. Øvelser om eftermiddagen, optræden om aftenen. Callas havde en talisman, uden hvilken hun ikke gik på scenen - et lærred med et bibelsk billede doneret af sin mand. Succes og anerkendelse krævede konstant titanisk arbejde. Men hun var glad, fordi hun vidste, at hun ikke var alene, hun havde et hus, hvor hun blev forventet.

Giovanni forstod perfekt, at hans kone måtte bekymre sig, og forsøgte på en eller anden måde at gøre hendes liv lettere og lettere og forsøge at beskytte hende mod alt, selv fra moderens bekymringer. Parret havde ingen børn - Meneghini forbød simpelthen Maria at føde.

Maria Callas og Onassis

Ægteskabet mellem Maria Callas og Giovanni Battista Meneghini varede i 10 år. Og så dukkede en ny mand op i operaen divas liv, den eneste elskede. Først med ham oplevede hun hele spektret af følelser - kærlighed, skør lidenskab, ydmygelse og forræderi.

Det var en græsk millionær, ejeren af \u200b\u200b"aviser, fabrikker og skibe" Aristoteles Onassis - en regnemand, der ikke gjorde noget uden fordel for sig selv. Han skabte sin formue dygtigt under Anden Verdenskrig ved at sælge olie til lande, der deltog i fjendtligheder. På et tidspunkt giftede han sig (ikke bare sådan på grund af følelser, men med et økonomisk perspektiv) med Tina Livanos, datter af en velhavende reder. I ægteskabet havde de to børn - en søn og en datter.

Aristoteles var ikke en smuk mand, der straks kørte kvinder til galskab. Han var en almindelig mand, temmelig kort i statur. Det er selvfølgelig svært at sige med sikkerhed, om han havde ægte, oprigtige følelser for Maria Callas. Dette er kun kendt af ham og Gud, men spændingen, jægerens instinkt sprang i ham - dette er utvivlsomt. Sådan tilbedt af alle Maria Callas, en ung 35-årig smuk kvinde, velplejet og smuk. Han ønskede at blive ejere af dette trofæ, så eftertragtet ...

Skilsmisse

De mødtes i Venedig på en bold. Nogen tid senere blev ægtefællerne Maria Callas og Giovanni Meneghini venligt inviteret til Onassis yacht til en spændende krydstogt. Atmosfæren på yachten var ukendt for opera-divaen: rige og berømte mennesker, der med glæde brugte deres tid på barer og underholdningsbegivenheder; den blide sol, havluften og generelt den usædvanlige situation - alt dette kastede Maria Callas i afgrunden af \u200b\u200btidligere uudforskede følelser. Hun indså, at der foruden koncerter og konstant arbejde og øvelser er et andet liv. Hun blev forelsket. Forelskede sig og startede en affære med Onassis foran sin kone og hendes egen mand.

Den græske millionær gjorde sit bedste for at vinde Marias hjerte. Han opførte sig som hendes tjener og prøvede at opfylde ethvert indfald.

Giovanni Battista bemærkede forandringerne i sin kone og forstod alt. Og snart var hele offentligheden opmærksom på, hvad der skete: Aristoteles Onassis og Maria Callas, hvis fotos pralede på sladdernes sider, tænkte ikke engang på at gemme sig for nysgerrige øjne.

Battista var klar til at tilgive sin kone for hendes forræderi og starte forfra. Han forsøgte at nå ud til Marys grund og sunde fornuft. Men kvinden havde ikke brug for det. Hun fortalte sin mand, at hun elskede en anden og informerede ham om, at hun havde til hensigt at skilles.

Nyt ulykkeligt liv

At skille sig fra sin mand bragte ikke Maria lykke. Først blev der skitseret et fald i hendes anliggender, fordi der ikke var nogen anden, der kunne håndtere hendes forestillinger og tilrettelæggelsen af \u200b\u200bhendes koncerter. Operasangeren var som en lille pige, hjælpeløs og forladt af alle.

I hendes personlige liv var alt vagt. Callas ventede på det øjeblik, hvor den elskede endelig ville skille sig fra sin kone og gifte sig med hende, men Aristoteles havde ikke travlt med at bryde familiebånd. Han opfyldte alle sine ønsker og glædede det mandlige ego og stolthed; beviste for sig selv, at han er i stand til at erobre selv den mest stolte gudinde for operaen, som mange ønsker. Der var ikke noget at prøve nu. Elskerinden begyndte gradvist at trætte ham. Han gav hende mindre og mindre opmærksomhed med henvisning til konstant beskæftigelse og forretning. Maria forstod, at den mand, hun elskede, havde andre kvinder, men hun kunne ikke modstå sine følelser.

Da Maria var lidt over 40, gav skæbnen hende en sidste chance for at blive mor. Men Aristoteles stillede kvinden foran et smertefuldt valg, og Callas kunne ikke vende sig om og opgive sin elskede mand.

Fald i arbejde og forræderi til en elsket

Fejl fulgte divaen ikke kun i hendes personlige liv. Maria Callas stemme begyndte at lyde dårligere og gav hende elskerinde flere og flere problemer. Kvinden indså et eller andet sted i dybden af \u200b\u200bsin sjæl, at højere kræfter straffede hende for hendes uretfærdige livsstil og for det faktum, at hun engang havde forrådt sin mand.

Kvinden gik til verdens bedste specialister, men ingen kunne hjælpe hende. Læger lavede en hjælpeløs gestus og talte om fraværet af synlige patologier, hvilket antydede den psykologiske komponent i sangers problemer. Arias udført af Maria Callas forårsagede ikke længere en storm af følelser.

I 1960 modtog Aristoteles en skilsmisse, men giftede sig aldrig med sin berømte elskerinde. Maria ventede på et ægteskabsforslag fra ham i nogen tid, og så stoppede hun simpelthen med at håbe.

Livet skiftede farve og ramte kvinden på den sygeste. Marias karriere udviklede sig slet ikke, hun udførte mindre og mindre. Hun begyndte gradvist at blive opfattet ikke som en opera-diva, men som elskerinde til den velhavende Aristoteles Onassis.

Og snart stak en elsket i ryggen - han blev gift. Men ikke på Mary, men på Jacqueline Kennedy, enken efter den myrdede præsident. Det var et meget rentabelt ægteskab, der åbnede vejen for den ambitiøse Onassis for den politiske elites verden.

Glemsel

Et vartegn i Maria Callas skæbne og musikalske karriere var hendes optræden på La Scala med Paolinas rolle i Polievkta i 1960, hvilket viste sig at være en fuldstændig fiasko. Stemmen lyttede ikke til sangeren, og i stedet for en strøm af fortryllende lyde faldt en opera fuld af falskhed over seeren. For første gang kunne Maria ikke kontrollere sig selv. Dette var begyndelsen på slutningen.

Callas forlod gradvist scenen. I et stykke tid, efter at have bosat sig i New York, underviste Maria på en musikskole. Hun flyttede senere til Paris. I Frankrig havde hun erfaring med at filme en film, men han bragte hende hverken glæde eller tilfredshed. Hele sangerens Maria Callas liv var kun for evigt forbundet med musik.

Hun længtes konstant efter sin elskede. Og så en dag tilstod han hende. Kvinden tilgav sin forræder. Men foreningen fungerede ikke for anden gang. Onassis dukkede sjældent op til Marias hus, fra tid til anden, kun når han selv ville have det. Kvinden vidste, at denne mand ikke kunne ændres, men hun elskede ham, som han var. I 1975 døde Aristoteles Onassis. Samme år fandt åbningen af \u200b\u200bden internationale musikkonkurrence for opera og klavermusik, opkaldt efter Maria Callas, sted i Athen.

Efter en elskedes død levede kvinden i to år til. Maria Callas biografi blev afbrudt i Paris i 1977. Operadivaen døde i en alder af 53 år. Den officielle dødsårsag er et hjerteanfald, men der er en anden version af, hvad der skete: mange mener, at det var et mord. Operasangerens aske blev spredt over vandet i Det Ægæiske Hav.

Siden 1977 er Maria Callas internationale konkurrence blevet en årlig begivenhed, og siden 1994 er den eneste pris tildelt, Maria Callas Grand Prix.

Legendarisk operasanger af græsk herkomst, en af \u200b\u200bde bedste sopraner i det 20. århundrede. Unikke stemmedata, imponerende bel canto-teknik og en virkelig dramatisk tilgang til ydeevne Maria Callas den største stjerne på verdensoperaen, og den tragiske historie om hans personlige liv tiltrak konstant offentlighedens og pressens opmærksomhed på hende. For sit fremragende musikalske og dramatiske talent blev hun udnævnt til "Goddess" (La Divina) af kendere af opera.

Maria Callas, født Sophia Cecelia Kalos (Sophia Cecelia Kalos), blev født den 2. december 1923 i New York i en familie af indvandrere fra Grækenland. Hendes mor, Evangelierne i Kalos (Evangelia Kalos), der bemærkede sin datters musikalske talent, tvang hende til at synge i en alder af fem, hvilket den lille slet ikke kunne lide. I 1937 blev Marias forældre adskilt, og hun flyttede sammen med sin mor til Grækenland. Forholdet til sin mor blev kun forværret, i 1950 holdt Maria op med at holde kontakten med hende.

Maria modtog sin musikalske uddannelse ved Athens konservatorium.

Hendes lærer Maria Trivella (Maria Trivella) minder om: „Hun var den perfekte studerende. Fanatisk, kompromisløs, helt dedikeret til at synge hendes hjerte og sjæl. Hendes fremskridt har været fænomenal. Hun øvede fem til seks timer om dagen, og seks måneder senere sang hun de sværeste arier. "

I 1938 fandt den første offentlige optræden sted Callaskort tid derefter fik hun mindre roller i National Greek Opera. Den lille løn, hun modtog der, hjalp sin familie til at få enderne til at møde i vanskelige krigstider. Marias debut i titelrollen fandt sted i 1942 på Olympia Theatre og modtog strålende anmeldelser fra pressen.

Efter krigen tog Callas til USA, hvor hendes far boede. George Callas(George Kalos). Hun blev accepteret i den prestigefyldte Metropolitan Opera, men afslog snart en kontrakt, der tilbød upassende roller og lav løn. I 1946 flyttede Callas til Italien. I Verona mødtes hun Giovanni Battista Meneghini (Giovanni Battista Meneghini). Den velhavende industriist var meget ældre end hende, men i 1949 giftede hun sig med ham. Før deres skilsmisse i 1959 instruerede Meneghini en karriere Callas, bliver hendes impresario og producent. I Italien formåede sangeren at møde en fremragende dirigent Tullio Seraphin (Tullio Serafin). Deres fælles arbejde markerede starten på hendes succesrige internationale karriere.

I 1949 i Venedig Maria Callasudførte en meget forskelligartet rolle: Brunhilde i "Valkyrie" Wagnerog Elvira i "Puritanerne" Bellini- en hidtil uset begivenhed i operaens historie. Dette blev efterfulgt af strålende roller i operaer Cherubiniog Rossini... I 1950 holdt hun 100 koncerter og satte sit personlige rekord. I 1951 debuterede Callas på den legendariske La Scala-scene i operaen Verdi"Sicilianske vespers". På verdens største opera-scene deltog hun i produktioner Herbert von Karajan (Herbert von Karajan), Marguerite Wallmann (Margherita Wallmann), Luchino Visconti (Luchino Visconti) og Franco Zeffirelli. Et langt og meget frugtbart samarbejde begyndte i 1952 Maria Callas med London Royal Opera.

I 1953 tabte Callas hurtigt vægten og tabte 36 kg på et år. Hun ændrede bevidst sin figur for at udføre. Mange mener, at den pludselige vægtændring var årsagen til det tidlige tab af stemme, samtidig er det ubestrideligt, at hun fik tillid, og hendes stemme blev blødere og mere feminin.

I 1956 vendte hun triumferende tilbage til Metropolitan Opera med roller i Norma Belliniog "Aide" Verdi... Hun optrådte på de bedste opera-scener og udførte klassikere: dele i Lucia di Lammermoor Donizetti, "Trubadur" og "Macbeth" Verdi, "Toske" Puccini.

I 1957 Maria Callas mødte manden, der vendte sit liv på hovedet - en multimilliardær, græsk reder Aristoteles Onassis... I 1959 forlod Callas sin mand, Onassiss kone indgav en skilsmisse. Den lyse parts høje romantik tiltrak pressens opmærksomhed i ni år. Men i 1968 kollapsede Callas 'drømme om et nyt ægteskab og et lykkeligt familieliv: Onassis giftede sig med enken til den amerikanske præsident Jacqueline Kennedy(Jacqueline Kennedy).

Faktisk sluttede hendes berømte karriere, da hun var i begyndelsen af \u200b\u200b40'erne. Hun holdt sin sidste koncert i Royal Opera House i 1965. Hendes teknik var stadig fremragende, men hendes unikke stemme manglede styrke.

I 1969 Maria Callas den eneste gang hun medvirkede i en film, ikke i en operarolle. Hun spillede rollen som heltinden fra de antikke græske myter Medea i filmen med samme navn af den italienske instruktør Pier Paolo Pasolini(Pier Paolo Pasolini).

Pausen med Onassis, stemmetab og førtidspensionering lammet Maria. Den mest succesrige operasanger i det 20. århundrede tilbragte de sidste år af sit liv næsten alene og døde pludselig i 1977 i en alder af 53 år af et hjerteanfald. Ifølge hendes testamente var asken spredt over Det Ægæiske Hav.

Sanger Montserrat Caballe(Montserrat Caballé) om rollen Callasi verdensoperaen: ”Det åbnede døren for alle verdens sangere, bag hvilke ikke kun var fantastisk musik, men også den store fortolkningside. Hun gav os chancen for at gøre ting, der syntes utænkelige for hende. Jeg drømte aldrig om at nå hendes niveau. Det er forkert at sammenligne os - jeg er meget mindre end hende. "

I 2002 blev Callas en ven Franco Zeffirelli lavede en film til minde om den store sanger - Callas Forever. Callas rolle blev spillet af franskkvinden Fanny Ardant.

I 2007 Callasblev posthumt tildelt Grammy for Excellence in Music. Samme år blev hun udnævnt til Bedste tiders sopran af BBC Music Magazine. Tredive år efter hendes død udstedte Grækenland en mindemønter på € 10, der skildrer Callas. Callas dedikation i deres arbejde blev foretaget af et stort antal forskellige kunstnere: grupper R.E.M., Enigma, Faithless, sangere Celine Dion og Rufus Wainwright.

Maestro Carlo Maria Giulini (Carlo Maria Giulini) på stemmen Callas: ”Det er meget vanskeligt at finde ord til at beskrive hendes stemme. Han var et specielt redskab. Dette sker med strygere: violin, viola, cello - når du først hører dem, gør de et mærkeligt indtryk. Men det er værd at lytte til i et par minutter, blive beslægtet med denne lyd, og det får magiske kvaliteter. Callas stemme var sådan. "

(Engelsk Maria Callas; navn i fødselsattesten - Sophia Cecelia Kalos, engelsk Sophia Cecelia Kalos, døbt som Cecilia Sophia Anna Maria Kalogeropoulos - græsk Μαρ? Α Καλογεροπο? Λου; 2. december (4), 1923, New York - 16. september, 1977, Paris) er en amerikansk operasanger (sopran).

Maria Callas rangerer blandt sådanne opera-reformatorer som Richard Wagner og Arturo Toscanini. Kulturen i anden halvdel af det 20. århundrede er uløseligt forbundet med hendes navn. I begyndelsen af \u200b\u200b1950'erne, lige før fænomenet postmodernisme, da opera fra det 19. århundrede blev en æstetisk anakronisme, bragte Maria Callas operakunst tilbage til toppen af \u200b\u200bscenen Olympus. Efter at have genoplivet bel canto-æraen begrænsede Maria Callas sig ikke til virtuos koloratur i operaer af Bellini, Rossini og Donizetti, men vendte sin stemme til det vigtigste udtryksmiddel. Hun er blevet en alsidig sangerinde med et repertoire, der spænder fra klassiske operaserier som Spontinis Vestal, til Verdis nyeste operaer, Puccinis veristooperaer og Wagners musikalske dramaer.

Fremkomsten af \u200b\u200bCallas 'karriere i midten af \u200b\u200bdet 20. århundrede blev ledsaget af LP'ens optræden i optagelsen og venskabet med den fremtrædende figur af EMI-pladeselskabet Walter Legge.

Ankomsten til operahuset af en ny generation af dirigenter som Herbert von Karajan og Leonard Bernstein og filmskabere som Luchino Visconti og Franco Zeffirelli gjorde hver forestilling med Maria Callas til en begivenhed. Hun gjorde opera til et ægte dramateater og tvang endda "triller og skalaer til at udtrykke glæde, angst eller længsel."

Maria Callas blev født i New York til en familie af græske indvandrere. I 1936 vendte Marias mor, Gospel, tilbage til Athen for at fortsætte datterens musikalske uddannelse. Mor ønskede at legemliggøre sine mislykkede talenter i sin datter og begyndte at tage hende med til New York Library på Fifth Avenue. Maria begyndte at lytte til klassisk musik i en alder af tre, klokken fem begyndte hun at tage klaverundervisning, og i en alder af otte begyndte hun at tage vokalundervisning. I en alder af 14 begyndte Maria at studere ved Athens konservatorium under vejledning af den tidligere spanske sangerinde Elvira de Hidalgo.

I juli 1941, i det tysk-besatte Athen, debuterede Maria Callas ved Athen Opera som Tosca.

I 1945 vendte Maria Callas tilbage til New York. En række fiaskoer fulgte: hun blev ikke introduceret til Toscanini, hun nægtede at synge delen af \u200b\u200bCio-Cio-San på Metropolitan Opera på grund af sin vægt, håber på en genoplivning af Lyric Opera i Chicago, hvor hun håbede på at synge , kollapsede.

I 1947 debuterede Callas på Arena di Verona i Ponchiellis La Gioconda under ledelse af Tullio Serafin. Mødet med Seraphin var med Callas selv ord: "Den sande begyndelse på en karriere og den største succes i mit liv."

Tullio Seraphin introducerer Callas til den store operaverden. Hun synger de første dele i Verdis Aida og Bellinis Norma i slutningen af \u200b\u200b1948. I begyndelsen af \u200b\u200b1949 inden for en uge skabte de vokale uforenelige roller Brunhilde i Wagners Valkyrie og Elvira i Bellinis The Puritans det kreative fænomen af \u200b\u200bsanger Maria Callas. Hun sang lyriske, dramatiske og coloratura-dele, hvilket var et synligt mirakel - "fire stemmer i en hals". I 1949 gik Callas på turné til Sydamerika. I 1950 synger hun for første gang på La Scala og bliver "Dronningen af \u200b\u200bitalienske primadonnaer".

I 1953 frigiver EMI komplette optagelser af operaer med Maria Callas for første gang. Samme år taber hun sig med 30 kg. Den transformerede Callas erobrer publikum på opera- scenerne i Europa og Amerika i operaerne: Lucia di Lammermoor af Donizetti, Norma af Bellini, Medea af Cherubini, Verdis Troubadour og Macbeth og Tosca af Puccini.

I september 1957 mødte Maria Callas først Aristoteles Onassis på en bold til ære for fødselsdagen for journalisten Elsa Maxwell i Venedig. I foråret 1959, i Venedig, mødtes de igen ved en bold. Derefter tog Onassis til London for en Callas-koncert. Efter denne koncert inviterede han hende og hendes mand til sin yacht. I slutningen af \u200b\u200bnovember 1959 indgav Onassiss kone Tina en skilsmisse, og Callas og Onassis optrådte på dette tidspunkt åbent i samfundet sammen. Parret skændt næsten konstant, og i 1968 lærte Maria Callas af aviserne, at Aristoteles Onassis havde giftet sig med enken til De Forenede Staters præsident, Jacqueline Kennedy.

I 1959 fandt et vendepunkt sted i hans succesrige karriere. Dette blev lettet af et tab af stemme, en række skandaler, en skilsmisse, en pause med Metropolitan Opera, en tvunget afgang fra La Scala, en ulykkelig kærlighed til Aristoteles Onassis og tabet af et barn. Et forsøg på at vende tilbage til scenen i 1964 slutter med endnu en fiasko.

I Verona mødte Maria Callas den lokale industriist Giovanni Batista Meneghini. Han var to gange hendes alder og havde en passion for opera. Snart tilstod Giovanni sin kærlighed til Maria, solgte sin forretning fuldstændigt og viet sig til Callas.

I 1949 blev Maria Callas og Giovanni Meneghini gift. Han blev alt for Maria: både en trofast ægtefælle og en kærlig far og en hengiven manager og en generøs producent.

I 1969 inviterede den italienske instruktør Pier Paolo Pasolini Maria Callas til at medvirke i rollen som Medea i filmen med samme navn. Selvom filmen ikke var en kommerciel succes, er den af \u200b\u200bstor filminteresse ligesom alle Pasolinis andre værker. Medeas rolle var for Maria Callas den eneste rolle uden for operaen.

De sidste år af sit liv boede Maria Callas i Paris næsten uden at forlade lejligheden, hvor hun døde i 1977. Hun blev kremeret og begravet på Pere Lachaise kirkegården. Senere blev hendes aske spredt over Det Ægæiske Hav. Italienske foniatere (læger med speciale i sygdomme i stemmebåndene) Franco Fussi og Nico Paolillo har fastslået den mest sandsynlige dødsårsag for operadivaen Maria Callas, skriver italienske La Stampa (oversættelse af artiklen til engelsk udgivet af Parterre Box). Ifølge deres forskning døde Callas af dermatomyositis, en sjælden lidelse i bindevæv og glat muskel. Fussi og Paolillo kom til denne konklusion efter at have studeret Callas 'optagelser foretaget i forskellige år og analyseret den gradvise forringelse af hendes stemme. Spektrografisk analyse af studieoptagelser og liveoptræden viste, at i slutningen af \u200b\u200b1960'erne, da hendes vokale forværring blev tydelig, havde Callas stemmeområde faktisk ændret sig fra sopran til mezzosopran, hvilket forklarede ændringen i lyden af \u200b\u200bhøje toner i hendes optræden.

Derudover afslørede en omhyggelig undersøgelse af videoerne fra hendes senere koncerter, at sangerens muskler var væsentligt svækket: hendes bryst steg næsten ikke ved vejrtrækning, og ved indånding løftede sangeren skuldrene og spændte deltamusklerne, det vil sige i faktisk lavede hun den mest almindelige fejl, da hun understøttede vokalmuskelen.

Dødsårsagen til Maria Callas er ikke kendt med sikkerhed, men det antages, at sangeren døde af hjertestop. Ifølge Fussi og Paolillo indikerer resultaterne af deres arbejde direkte, at det resulterende myokardieinfarkt var en komplikation som et resultat af dermatomyositis. Det er bemærkelsesværdigt, at denne diagnose (dermatomyositis) af Callas blev stillet kort før hendes død af hendes læge, Mario Jacovazzo (dette blev først kendt i 2002).

Operaroller af Maria Callas
Santuzza - Rural Honor af Mascagni (1938, Athen)
Tosca - "Tosca" af Puccini (1941, Athen Opera)
La Gioconda - La Gioconda af Ponchielli (1947, Arena di Verona)
Turandot - "Turandot" af Puccini (1948,
Aida - Aida af Verdi (1948, Metropolitan Opera, New York)
Norma - Bellinis Norm (1948, 1956, Metropolitan Opera; 1952, Covent Garden, London; 1954, Lyric Opera, Chicago)
Brünnhilde - Wagners Valkyrie (1949-1950, Metropolitan Opera)
Elvira - Bellinis puritaner (1949-1950, Metropolitan Opera)
Elena - Verdis sicilianske vespers (1951, La Scala, Milano)
Kundry - Wagner's Parsifal (La Scala)
Violetta - Verdis La Scala (La Scala)
Medea - "Medea" Cherubini (1953, "La Scala")
Julia - "Vestal" Spontini (1954, "La Scala")
Gilda - Verdis Rigoletto (1955, La Scala)
Madame Butterfly (Chio-Chio-san) - "Madame Butterfly" af Puccini ("La Scala")
Lady Macbeth - "Macbeth" Verdi
Fedora - Giordano's "Fedora"
Anne Boleyn - "Anne Boleyn" af Donizetti
Lucia - "Lucia di Lammermoor" af Donizetti
Amina - Bellinis Somnambula
Carmen - "Carmen" Bizet

Joyce DiDonato er en berømt amerikansk operasanger, mezzosopran. Han betragtes som en af \u200b\u200bvores tids førende mezzosopraner og den bedste tolk af værkerne fra Gioacchino Rossini. Joyce DiDonato (født Joyce Flaherty) blev født den 13. februar 1969 i Pryre Village, Kansas, USA til en familie med irske rødder, den sjette af syv børn. Hendes far var leder af det lokale kirkekor, Joyce sang i det og drømte om at blive en Broadway-stjerne. I 1988 trådte hun ind i Wichita State University, hvor hun studerede vokal. Efter universitetet besluttede Joyce DiDonato at fortsætte sin musikalske uddannelse og trådte i 1992 ind i Academy of Vocal Arts i Philadelphia. Efter akademiet deltog hun i flere år i uddannelsesprogrammerne "Young Artist" i forskellige operaselskaber: i 1995 - i "Santa Fe Opera", hvor hun modtog musikalsk praksis og fik sin operadebut på den store scene, men så langt i mindre roller i operaer "Ægteskabet med Figaro" af W. A. \u200b\u200bMozart, "Salome" af R. Strauss, "grevinde Maritza" af I. Kalman; fra 1996 til 1998 - i Houston Grand Opera og blev anerkendt som den bedste "nye kunstner"; Sommer 1997 - på San Francisco Opera i Merola Opera træningsprogram. Under sine studier og indledende praksis deltog Joyce DiDonato i flere berømte vokalkonkurrencer. I 1996 blev hun nummer to i Eleanor McCollum-konkurrencen i Houston og vandt District Audition til Metropolitan Opera Competition. I 1997 vandt hun William Sullivan Award. I 1998 tog hun andenpladsen i Placido Domingo's Operalia-konkurrence i Hamborg og førstepladsen i George London-konkurrencen. I de efterfølgende år modtog hun mange flere forskellige priser og priser. Joyce DiDonato begyndte sin professionelle karriere i 1998 med optrædener i adskillige regionale operaselskaber i USA, primært ved Houston Grand Opera. Og hun blev kendt for et bredt publikum takket være optrædenen i tv-verdenspremieren på Mark Adamos opera "Lille kvinde". I sæsonen 2000-2001. DiDonato fik sin europæiske debut, startede med det samme med La Scala som Angelina i Rossinis Askepot. I den følgende sæson udvidede hun sit bekendtskab med europæisk publikum ved at optræde i den nederlandske opera som Händels Sesta Julius Caesar, i Paris Opera som Rosina i Rossinis Barber i Sevilla og ved den bayerske statsopera som Cherubino i Mazarts ægteskab med Figaro. og i koncertprogrammerne "Glory" af Vivaldi med Ricardo Muti og La Scala orkester og "A Midsummer Night's Dream" af F. Mendelssohn i Paris. I samme sæson i USA debuterede hun i Washington State Opera som Dorabella i Mozarts "This Is What All Women Do". På dette tidspunkt var Joyce DiDonato allerede blevet en rigtig operastjerne med verdensberømmelse, elsket af publikum og rost af pressen. Yderligere karriere udvidede kun hendes turnégeografi og åbnede dørene til nye operahuse og festivaler - Covent Garden (2002), Metropolitan Opera (2005), Opera Bastille (2002), Royal Theatre i Madrid, New National Theatre i Tokyo, Wien State Opera et al. Joyce DiDonato har samlet en rig samling af forskellige musikpriser og priser. Som kritikere påpeger, er dette måske en af \u200b\u200bde mest succesrige og glatte karrierer i den moderne operaverden. Og selv ulykken, der opstod på scenen i Covent Garden den 7. juli 2009 under forestillingen af \u200b\u200b"The Barber of Seville", da Joyce DiDonato gled på scenen og brød hendes ben, afbrød ikke denne forestilling, som hun sluttede på krykker eller de efterfølgende planlagte forestillinger, som hun førte ud af kørestolen, til stor glæde for publikum. Denne "legendariske" begivenhed er optaget på DVD. Joyce DiDonato begyndte sæsonen 2010-2011 med Salzburg Festival og debuterede som Adalgiz i Norma Belinni med Edita Gruberova som Norma, derefter med et koncertprogram på Edinburgh Festival. I efteråret i Berlin udførte hun rollen som Rosina i Barberen i Sevilla og i Madrid i rollen som Octavian i Rosens ridder. Året sluttede med flere priser, den første fra det tyske optageakademi "Echo Klassik", der udnævnte Joyce DiDonato til "Bedste kvindelige sanger 2010". De næste to priser på én gang fra det engelske magasin om klassisk musik "Gramophone", der udnævnte hende til "Årets bedste kunstner" og valgte hendes cd med Rossinis arier som den bedste "Årets betragtning". Fortsættelse af sæsonen i USA optrådte hun i Houston og derefter en betragtning i Carnegie Hall. Metropolitan Opera bød hende velkommen i to roller - siden Isolier i "Count Ori" af Rossini og komponisten i "Ariadne auf Naxos" af R. Strauss. Afsluttede sæsonen i Europa med ture i Baden-Baden, Paris, London og Valencia. Sangerens hjemmeside indeholder en travl oversigt over hendes fremtidige forestillinger, på denne liste er der kun i første halvdel af 2012 omkring 40 forestillinger i Europa og Amerika. Joyce DiDonato er nu gift med den italienske dirigent Leonardo Vordoni, som de bor sammen med i Kansas City, Missouri, USA. Joyce bruger fortsat efternavnet på sin første mand, som hun giftede sig lige uden for college.

Jo Sumi er en koreansk operasanger, coloratura sopran. Den mest berømte operasanger er fra Sydøstasien. Sumi Cho blev født den 22. november 1962 i Seoul, Sydkorea. Hans rigtige navn er Jo Sugyeong. Hendes mor var amatør sanger og pianist, men var ude af stand til at opnå en professionel musikuddannelse på grund af den politiske situation i Korea i 1950'erne. Hun var fast besluttet på at give sin datter en god musikalsk uddannelse. Sumi Cho begyndte klaverundervisning ved 4 år og vokaltræning 6 år gammel, selv som barn måtte hun nogle gange bruge op til otte timer i musikundervisning. I 1976 trådte Sumi Cho ind i Seoul Art School (Private Academy) "Sang Hwa", som hun dimitterede i 1980 med eksamensbeviser i vokal og klaver. Fra 1981-1983 fortsatte hun sin musikalske uddannelse ved Seoul National University. Mens han var på universitetet, lavede Sumi Cho sin første professionelle debut, optrådte i flere koncerter arrangeret af koreansk tv og sang rollen som Suzanne i "Figaro's Wedding" i Seoul Opera. I 1983 besluttede Cho at forlade Seoul Universitet og flyttede til Italien for at studere musik ved den ældste musikinstitution, National Academy of Saint Cecilia i Rom, hvor han dimitterede med hædersbevisning. Hendes italienske lærere omfattede Carlo Bergonzi og Gianella Borelli. Under sine studier på akademiet kunne Cho ofte høres i koncerter i forskellige italienske byer såvel som på radio og tv. Det var i denne periode, at Cho besluttede at bruge navnet "Sumi" som hendes scenenavn for at være mere forståelig for det europæiske publikum. Hun dimitterede fra akademiet i 1985 med en specialisering inden for klaver og sang. Efter akademiet tog hun vokalundervisning fra Elizabeth Schwarzkopf og vandt adskillige vokalkonkurrencer i Seoul, Napoli, Barcelona, \u200b\u200bPretoria og det vigtigste i 1986, en international konkurrence i Verona, hvor kun vindere af andre vigtige internationale konkurrencer kunne deltage, så at sige den bedste af de bedste unge sangere. Sumi Cho fik sin europæiske operadebut i 1986 som Gilda i Rigoletto på Giuseppe Verdi-teatret i Trieste. Denne forestilling fangede opmærksomhed fra Herbert von Karajan, der inviterede hende til at spille rollen som Oscars side i operaen "Masquerade Ball" med Placido Domingo, som blev iscenesat ved Salzburg-festivalen i 1987. I løbet af de næste år gik Sumi Cho støt til operaen Olympus og udvidede konstant geografien for sine forestillinger og ændrede sit repertoire fra små roller til større. I 1988 debuterede Sumi Cho på La Scala og den bayerske statsopera, i 1989 ved Wiener Staatsopera og Metropolitan Opera, i 1990 ved Chicago Opera Lyricist og Covent Garden. Sumi Cho blev en af \u200b\u200bde mest efterspurgte sopraner i vores tid og forbliver i denne status den dag i dag. Publikum elsker hende for sin lyse, varme, fleksible stemme såvel som for hendes optimisme og lette humor på scenen og i livet. Hun er let og fri på scenen og giver hver af sine forestillinger subtile orientalske mønstre. Sumi Cho har besøgt alle de lande i verden, hvor de elsker opera, herunder flere gange i Rusland, det sidste besøg var i 2008, da de turnerede adskillige lande i en duet med Dmitry Hvorostovsky som en del af en turné. Hun har en travl arbejdsplan, herunder operaproduktioner, koncertprogrammer og arbejde med pladeselskaber. Sumi Chos diskografi har i øjeblikket over 50 optagelser, inklusive ti soloalbum og crossover-cd'er. Hendes to album er bedst kendte - i 1992 blev hun tildelt Grammy-prisen for bedste operaoptagelse for Wagners opera Woman Without a Shadow med Hildegard Behrens, Jose van Dam, Julia Varadi, Placido Domingo, dirigent Georg Solti og et album med operaen "Masquerade Ball" af G. Verdi, som modtog en pris fra den tyske grammofon.

Salome Amvrosievna Krushelnytska er en berømt ukrainsk operasanger (sopran), lærer. I løbet af sin levetid blev Salome Krushelnitskaya anerkendt som en fremragende sangerinde i verden. Hun havde en enestående styrke- og skønhedsstemme fra en bred vifte (ca. tre oktaver med et frit mellemregister), musikalsk hukommelse (hun kunne lære operedele på to eller tre dage), et lyst dramatisk talent. Sangerens repertoire bestod af over 60 dele af forskellige karakterer. Blandt hendes mange priser og udmærkelser, især titlen "Wagner's Diva of the 20th Century". Den italienske komponist Giacomo Puccini præsenterede sangeren for sit portræt med indskriften "smuk og charmerende sommerfugl". Salome Krushelnytska blev født den 23. september 1872 i landsbyen Belyavintsy, nu Buchatsky-distriktet i Ternopil-regionen, i en præstes familie. Kommer fra en ædel og gammel ukrainsk familie. Siden 1873 flyttede familien flere gange, i 1878 flyttede de til landsbyen Belaya nær Ternopil, hvorfra de aldrig forlod. Hun begyndte at synge fra en ung alder. Som barn kendte Salome mange folkesange, som hun lærte direkte af bønderne. Hun fik det grundlæggende i musikalsk træning på Ternopil gymnasium, hvor hun bestod eksamen som ekstern studerende. Her kom hun tæt på gymnasiets musikcirkel, som Denis Sichinsky også var medlem af - senere en berømt komponist, den første professionelle musiker i det vestlige Ukraine. I 1883, ved Shevchenko-koncerten i Ternopil, fandt Salomes første offentlige optræden sted, der sang i koret i det russiske samtaleforening. I Ternopil blev Salome Krushelnytska først bekendt med teatret. Fra tid til anden optrådte det russiske samtalesamfunds Lviv-teater her. I 1891 gik Salome ind i Lviv Conservatory. På vinterhaven var hendes lærer den daværende berømte Lviv-professor Valery Vysotsky, der opdragede en hel galakse af berømte ukrainske og polske sangere. Under hendes studier på konservatoriet fandt hendes første solo-optræden sted den 13. april 1892 fremførte sangeren hovedrollen i oratoriet "Messiah" af GF Handel. Den første operadebut af Salome Krushelnytska fandt sted den 15. april 1893, hun udførte rollen som Leonora i stykket "Favorit" af den italienske komponist G. Donizetti på scenen i Lviv City Theatre. I 1893 dimitterede Krushelnytska fra Lviv Conservatory. I Salomesexamen blev der skrevet: "Dette eksamensbevis modtages af Panna Salome Krushelnitskaya som bevis for hendes kunstneriske uddannelse, opnået ved eksemplarisk flid og ekstraordinær succes, især ved en offentlig konkurrence den 24. juni 1893, som hun blev tildelt for. en sølvmedalje. "Mens hun studerede på konservatoriet, modtog Salome Krushelnytska et tilbud fra operahuset i Lviv, men hun besluttede at fortsætte sin uddannelse. Hendes beslutning var påvirket af den berømte italienske sanger Gemma Bellincioni, der turnerede i Lviv på det tidspunkt. Efteråret af 1893 gik Salome for at studere i Italien, hvor hun blev undervist af professor Fausta Crespi. Under studietiden var en god skole for Salome forestillinger ved koncerter, hvor hun sang operaarier. I anden halvdel af 1890'erne, hendes triumferende forestillinger begyndte på scener på teatre rundt om i verden: Italien, Spanien, Frankrig, Portugal, Rusland, Polen, Østrig, Egypten, Argentina, Chile i operaerne "Aida", "Troubadour" af D. Verdi, "Faust" af C. Gounod, "Terrible Yard" af S. Monyushko, "African" af D. Meyerbeer, "Manon Lescaut" og "Cio-Cio-San" af G. Puccini, "Carmen" af J. Bizet, "Electra" af R. Strauss, "Eugene Onegin" og "Spadronningen" af P. Tchaikovsky osv. 17. februar 1904 i Teatro alla Scala i Milano præsenterede Giacomo Puccini sin nye opera Madame Butterfly. " Aldrig før har komponisten været så sikker på succes ... men publikum bukkede operaen med indignation. Den berømte maestro følte sig knust. Venner overtalte Puccini til at omarbejde sit arbejde og invitere Salome Krushelnitskaya til hovedrollen. Den 29. maj, på scenen i Teatro Grande i Brescia, fandt premieren på den fornyede Madame Butterfly sted, denne gang en triumferende. Publikum indkaldte skuespillerne og komponisten til scenen syv gange. Efter forestillingen sendte Puccini bevæget og taknemmelig Krushelnitskaya sit portræt med indskriften: "Den smukkeste og charmerende sommerfugl." I 1910 giftede S. Krushelnitskaya sig med borgmesteren i Viareggio (Italien) og advokaten Cesare Riccioni, som var en fin musikvenner og en lærd aristokrat. De blev gift i et af templerne i Buenos Aires. Efter brylluppet bosatte Cesare og Salome sig i Viareggio, hvor Salome købte en villa, som hun kaldte "Salome" og fortsatte med at turnere. I 1920 forlod Krushelnitskaya opera-scenen på berømmelsens højdepunkt og optrådte for sidste gang på Napoli-teatret i hendes yndlingsoperaer Lorelei og Lohengrin. Hun viet sit videre liv til kammerkoncertaktiviteter og udførte sange på 8 sprog. Gennemførte en rundvisning i Europa og Amerika. Alle disse år indtil 1923 kom hun konstant til sit hjemland og optrådte i Lvov, Ternopil og andre byer i Galicien. Hun var bundet af stærke venskabsbånd med mange ledere i det vestlige Ukraine. Et særligt sted i sangerens kreative aktivitet blev besat af koncerter dedikeret til mindet om T. Shevchenko og I.Ya. Frank. I 1929 fandt den sidste rundvisning i S. Krushelnitskaya sted i Rom. I 1938 døde Krushelnitskajas mand, Cesare Riccioni. I august 1939 besøgte sangeren Galicien og kunne på grund af udbruddet af 2. verdenskrig ikke vende tilbage til Italien. Under den tyske besættelse af Lvov var S. Krushelnitskaya meget fattig, så hun gav private vokalundervisning. I efterkrigstiden begyndte S. Krushelnytska at arbejde på Lysenko Lviv State Conservatory. Imidlertid var hendes undervisningskarriere næsten ikke begyndt og næsten afsluttet. Under "udrensningen af \u200b\u200bkadrer fra nationalistiske elementer" blev hun anklaget for manglen på et konservatoriumeksamen. Senere blev eksamensbeviset fundet i midlerne fra byhistorisk museum. Mens han boede og underviste i Sovjetunionen, kunne Salome Amvrosievna, på trods af adskillige appeller, i lang tid ikke opnå sovjetisk statsborgerskab og forbliver et emne for Italien. Efter at have skrevet en erklæring om overførslen af \u200b\u200bhendes italienske villa og al ejendom til den sovjetiske stat, blev Krushelnitskaya statsborger i Sovjetunionen. Villaen blev straks solgt og kompenserede ejeren for en ringe del af dens værdi. I 1951 blev Salome Krushelnitskaya tildelt titlen æret kunstarbejder for den ukrainske SSR, og i oktober 1952, en måned før hendes død, modtog Krushelnitskaya titlen professor. Den 16. november 1952 holdt hjertet af den store sanger op med at slå. Hun blev begravet i Lviv på Lychakiv kirkegård ved siden af \u200b\u200bgraven til sin ven og mentor Ivan Franko. I 1993 blev en gade i Lviv opkaldt efter S. Krushelnytska, hvor hun boede de sidste år af sit liv. Mindesmuseet for Salome Krushelnitskaya blev åbnet i sangerens lejlighed. I dag er navnet på S. Krushelnytska Lviv Opera House, Lviv Music High School, Ternopil Music College (hvor avisen "Salome" udgives), 8-årig skole i landsbyen Belaya, gader i Kiev, Lviv, Ternopil, Buchach (se Salome Krushelnytska Street). Et bronze-monument over Salome Krushelnytska er rejst i Mirror Hall of Lviv Opera and Ballet Theatre. Mange kunstneriske, musikalske og filmiske værker er afsat til Salome Krushelnitskayas liv og arbejde. I 1982 skød instruktør O. Fialko i filmstudiet A. Dovzhenko den historiske og biografiske film "Sommerfuglens tilbagevenden" (baseret på romanen med samme navn af V. Vrublevskaya), dedikeret til livet og arbejdet med Salome Krushelnitskaya. Billedet er baseret på de virkelige fakta i sangerens liv og er bygget som hendes minder. Dele af Salome udføres af Gisela Tsipola. Salome's rolle i filmen blev spillet af Elena Safonova. Derudover er der oprettet dokumentarfilm, især "Salome Krushelnytska" (instrueret af I. Mudrak, Lvov, "Broen", 1994) "Two Lives of Salome" (instrueret af A. Frolov, Kiev, "Kontakt" , 1997), blev et tv-show udarbejdet fra cyklus "Names" (2004), dokumentarfilm "Solo-mea" fra cyklussen "Game of Fate" (instruktør V. Obraz, studie VIATEL, 2008). 18. marts 2006 på scenen i Lviv National Academic Opera and Ballet Theatre opkaldt efter S. Krushelnytska var vært for premieren på Miroslav Skoriks ballet "The Butterfly's Return", baseret på fakta fra Salome Krushelnytska's liv. Balletten bruger Giacomo Puccinis musik. I 1995 fandt premieren på stykket "Salome Krushelnytska" (forfatter B. Melnichuk, I. Lyakhovsky) sted på Ternopil Regional Drama Theatre (nu det akademiske teater). Siden 1987 har Salome Krushelnytska-konkurrencen været afholdt i Ternopil. Hvert år er Lviv vært for Krushelnytska International Competition; opera festivaler er blevet traditionelle.

Pauline Viardot, fuldt navn Pauline Michelle Ferdinand García-Viardot (fr. Pauline Michelle Ferdinande García-Viardot) er en førende fransk sanger, mezzosopran fra det 19. århundrede, vokallærer og komponist af spansk oprindelse. Pauline Viardot blev født den 18. juli 1821 i Paris. Datter og elev af den spanske sanger og lærer Manuel Garcia, søster til Maria Malibran. Som barn studerede hun kunsten at spille klaver med Franz Liszt og skulle blive pianist, men hendes fantastiske vokalfærdigheder bestemte hendes erhverv. Hun optrådte i forskellige teatre i Europa og holdt mange koncerter. Hun var berømt for rollerne som Fides ("Profeten" af Meyerbeer), Orfeus ("Orfeus og Eurydice" af Gluck), Rosina ("Barberen i Sevilla" af Rossini). Forfatteren af \u200b\u200bromancer og komiske operaer på en libretto af Ivan Turgenev, hendes nære ven. Sammen med sin mand, der oversatte Turgenevs værker til fransk, fremmede hun den russiske kulturs præstationer. Hendes efternavn staves i forskellige former. Med sit pigenavn Garcia opnåede hun berømmelse og berømmelse, efter ægteskabet brugte hun dobbeltnavnet Garcia-Viardot i nogen tid, og på et tidspunkt opgav hun sit pigenavn og kaldte sig selv "Fru Viardot". I 1837 gav den 16-årige Pauline Garcia sin første koncert i Bruxelles, og i 1839 debuterede hun som Desdemona i Rossinis Othello i London og blev sæsonens højdepunkt. På trods af nogle mangler kombinerede pigens stemme udsøgt teknik med fantastisk lidenskab. I 1840 giftede Pauline sig med Louis Viardot, komponist og direktør for Théatre Italien i Paris. Da hun var 21 år ældre end sin kone, begyndte hendes mand at forfølge sin karriere. I 1844, i hovedstaden i det russiske imperium, byen Skt. Petersborg, optrådte hun på samme scene med Antonio Tamburini og Giovanni Batista Rubini. Viardot havde mange fans. Især den russiske forfatter Ivan Sergeevich Turgenev blev lidenskabeligt forelsket i sangeren i 1843 efter at have hørt hendes optræden i Barberen i Sevilla. I 1845 forlod han Rusland for at følge Pauline og blev til sidst næsten medlem af Viardot-familien. Forfatteren behandlede Polinas fire børn som sine egne og elskede hende indtil sin død. Hun var til gengæld en kritiker af hans arbejde, og hendes position i lys og forbindelser præsenterede forfatteren i det bedste lys. Den sande karakter af deres forhold er stadig et spørgsmål om debat. Derudover kommunikerede Pauline Viardot med andre store mennesker, blandt hvilke Charles Gounod og Hector Berlioz var. Viardot er kendt for sine vokale og dramatiske evner og inspirerede komponister som Frédéric Chopin, Hector Berlioz, Camille Saint-Saëns og Giacomo Meyerbeer, forfatteren af \u200b\u200boperaen Profeten, hvor hun blev den første udøver af Fidesz-delen. Hun betragtede sig aldrig som en komponist, men komponerede faktisk tre musiksamlinger og hjalp også med at skrive musik til roller, der blev oprettet specielt til hende. Senere, efter at have forladt scenen, skrev hun en opera kaldet Le dernier sorcier. Viardot talte flydende spansk, fransk, italiensk, engelsk, tysk og russisk og brugte forskellige nationale teknikker i sit arbejde. Takket være sit talent optrådte hun i de bedste koncertsale i Europa, herunder operahuset i Skt. Petersborg (i 1843-1846). Viardots popularitet var så stor, at Georges Sand gjorde hende til prototype for hovedpersonen i romanen Consuelo. Viardot sang mezzosopran-delen i Tuba Mirum (Mozarts Requiem) ved Chopins begravelse den 30. oktober 1849. Hun udførte hovedrollen i Glucks opera Orpheus og Eurydice. I 1863 forlod Pauline Viardot-Garcia scenen, forlod Frankrig med sin familie (hendes mand var modstander af Napoleon III-regimet) og bosatte sig i Baden-Baden. Efter Napoleon IIIs fald vendte Viardot-familien tilbage til Frankrig, hvor Pauline underviste ved konservatoriet i Paris indtil hendes mands død i 1883 og også holdt en musiksalon på Boulevard Saint-Germain. Blandt Pauline Viardots elever og studerende er den berømte Desire Artaud-Padilla, Sophie Roer-Brainin, Bilodz, Hasselman, Holmsen, Schliemann, Schmeiser, Bilbo-Bachelet, Meyer, Rollant og andre. Hun havde en fremragende vokalskole for mange russiske sangere, herunder F.V. Litvin, E. Lavrovskaya-Tserteleva, N. Iretskaya, N. Shtemberg. Den 18. maj 1910 døde Pauline Viardot omgivet af kærlige slægtninge. Begravet på Montmartre kirkegård i Paris. Den russiske digter Alexei Nikolaevich Pleshcheev dedikerede sit digt til sin "Sanger" (Viardot Garcia): Nej! Jeg glemmer dig ikke, fængslende lyde. Som de første søde kærlighedstårer glemmer jeg ikke! Da jeg lyttede til dig, ydmyges pine i brystet, og igen var jeg klar til at tro og elske! Jeg glemmer hende ikke ... Enten en inspireret præstinde, dækket af en bredbladet krans, hun viste sig for mig ... og sang en hellig salme, og hendes blik brændte af guddommelig ild ... Så så jeg Desdemona i hendes blege billede, da hun bøjede sig over gylden harpe, sang hun en sang om pilen ... og stønnene blev afbrudt af den triste overløb af den gamle sang. Hvor dybt hun forstod, studerede den, der kendte mennesker og deres hjerter; Og hvis en stor rejste sig fra graven, ville han lægge sin krone på hendes pande. Nogle gange dukkede Rosina op for mig, ung og lidenskabelig som naturen i sit hjemland ... Og lytter til sin magiske stemme, til det frugtbare land kæmpede jeg med min sjæl, hvor alt fortryller hørelsen, alt glæder øjnene, hvor himmelens evige blå hvælving skinner, hvor nattergalene fløjter på grene af platanetræet, og cypressen skygger på vandets overflade! Og mit bryst, fuld af hellig fornøjelse, ren glæde, hævet højt, og foruroligende tvivl fløj væk, og min sjæl var rolig og lys. Som ven efter dage med smertefuld adskillelse var jeg klar til at omfavne hele verden ... Åh! Jeg glemmer dig ikke, fængslende lyde. Som de første søde kærlighedstårer glemmer jeg ikke!<1846>

Maria Nikolaevna Kuznetsova er en russisk operasanger (sopran) og danser, en af \u200b\u200bde mest berømte sangere i det prærevolutionære Rusland. Førende solist af Mariinsky Theatre, deltager i Sergei Diaghilevs Russian Seasons. Hun arbejdede med N. Rimsky-Korsakov, Richard Strauss, Jules Massenet, sang sammen med Fyodor Chaliapin og Leonid Sobinov. Efter at have forladt Rusland efter 1917 fortsatte hun med succes at udføre i udlandet. Maria Nikolaevna Kuznetsova blev født i 1880 i Odessa. Maria voksede op i en kreativ og intellektuel atmosfære, hendes far Nikolai Kuznetsov var kunstner, og hendes mor kom fra Mechnikov-familien, Marias onkler var nobelpristageren biolog Ilya Mechnikov og sociologen Lev Mechnikov. Pyotr Ilyich Tchaikovsky besøgte Kuznetsovs hus, der henledte opmærksomheden på den fremtidige sangeres talent og komponerede børnesange til hende, siden barndommen Maria drømte om at blive skuespillerinde. Hendes forældre sendte hende til et gymnastiksal i Schweiz, vendte tilbage til Rusland, hun studerede ballet i Skt. Petersborg, men opgav at danse og begyndte at studere vokal med den italienske lærer Marty og senere med barytonen og hendes scenepartner IV Tartakov. Alle bemærkede hendes rene, smukke lyriske sopran, skuespillerindens mærkbare talent og kvindelige skønhed. Igor Fedorovich Stravinsky beskrev hende som "... en dramatisk sopran, der kunne ses og lyttes til med samme appetit." I 1904 debuterede Maria Kuznetsova på scenen i Skt. Petersborg Konservatorium som Tatyana i Tchaikovsky's Eugene Onegin og på Mariinsky Theatre i 1905 som Margarita i Charles Gounods Faust. Solist af Mariinsky Theatre, med en kort pause, forblev Kuznetsova indtil 1917-revolutionen. I 1905 blev der udgivet to grammofonplader med en optagelse af hendes forestillinger i Skt. Petersborg, og i alt lavede hun 36 plader i løbet af sin kreative karriere. Én gang, i 1905, kort efter Kuznetsovas debut på Mariinsky, under hendes optræden i teatret, brød der ud en skænderi mellem studerende og officerer, situationen i landet var revolutionerende og panik begyndte i teatret. Maria Kuznetsova afbrød Elsas arie fra R. Wagners "Lohengrin" og sang roligt den russiske hymne "God Save the Tsar", busterne blev tvunget til at stoppe skænderiet og publikum roede sig ned, forestillingen fortsatte. Maria Kuznetsovas første mand var Albert Albertovich Benois, fra det berømte dynasti af russiske arkitekter, kunstnere, historikere Benois. I sin karriere var Maria kendt under det dobbelte efternavn Kuznetsov-Benoit. I det andet ægteskab blev Maria Kuznetsova gift med producenten Bogdanov, i det tredje med bankmanden og industrien Alfred Massenet, nevøen til den berømte komponist Jules Massenet. Gennem hele sin karriere har Kuznetsova-Benoit deltaget i mange europæiske opera-premierer, herunder rollerne som Fevronia i The Legend of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia af N. Rimsky-Korsakov og Cleopatra fra operaen med samme navn af J Massenet, som komponisten skrev specielt til hende. Og også på den russiske scene præsenterede hun for første gang rollerne som Vogdolina i "The Rhine Gold" af R. Wagner, Cio-Cio-san i "Madame Butterfly" af G. Puccini og mange andre. Har turneret med Mariinsky Opera Company til byer i Rusland, Frankrig, Storbritannien, Tyskland, Italien, USA og andre lande. Blandt hendes bedste roller: Antonida ("Et liv for tsaren" af M. Glinka), Lyudmila ("Ruslan og Lyudmila" af M. Glinka), Olga ("Rusalka" af A. Dargomyzhsky), Masha ("Dubrovsky" af E. Napravnik), Oksana ("Cherevichki" af P. Tchaikovsky), Tatiana ("Eugene Onegin" af P. Tchaikovsky), Kupava ("The Snow Maiden" af N. Rimsky-Korsakov), Juliet ("Romeo og Juliet" af C. Gounod), Carmen ("Carmen" Bizet), Manon Lescaut (Manon af J. Massenet), Violetta (La Traviata af G. Verdi), Elsa (Lohengrin af R. Wagner) og andre. I 1914 blev Kuznetsova midlertidigt forlod Mariinsky Theatre og sammen med den russiske ballet "Sergei Diaghilev optrådte i Paris og London som en ballerina, og sponsorerede også delvist deres forestilling. Hun dansede i balletten "The Legend of Joseph" af Richard Strauss, balletten blev udarbejdet af stjernerne i sin tid - komponist og dirigent Richard Strauss, instruktør Sergei Diaghilev, koreograf Mikhail Fokin, kostumer og sæt Lev Bakst, førende danser Leonid Myasin . Det var en vigtig rolle og godt selskab, men helt fra starten løb produktionen ind i nogle vanskeligheder: der var ikke meget tid til prøver, Strauss var i dårligt humør, da de inviterede ballerinaer Ida Rubinstein og Lydia Sokolova nægtede at deltage, og Strauss kunne heller ikke lide at arbejde med franske musikere og skændte konstant med orkesteret, og Diaghilev var stadig bekymret for, at danseren Vaslav Nijinsky forlod gruppen. På trods af problemerne bag kulisserne debuterede balletten med succes i London og Paris. Ud over at prøve sin hånd på ballet har Kuznetsova udført adskillige operaoptrædener, herunder Borodins produktion af prins Igor i London. Efter revolutionen i 1918 forlod Maria Kuznetsova Rusland, som det er passende for en skuespillerinde, hun gjorde det dramatisk smukt - i tøjet på en kabinedreng gemte hun sig på nederste dæk på et skib, der sejlede til Sverige. Hun blev operasanger ved Stockholm Opera, derefter i København og derefter i Royal Opera House, Covent Garden, London. Hele denne tid kom hun konstant til Paris og i 1921 bosatte hun sig endelig i Paris, som blev hendes andet kreative hjem. I 1920'erne arrangerede Kuznetsova private koncerter, hvor hun sang russiske, franske, spanske og sigøjnere, romancer og operaer. På disse koncerter dansede hun ofte spanske folkedanse og flamenco. Nogle af hendes koncerter var velgørende for at hjælpe den trængende russiske emigration. Hun blev stjernen i den parisiske opera, og det blev betragtet som en stor ære at blive modtaget i hendes salon. "Samfundets blomst", ministre og industriister trængte sig sammen foran hende. Ud over private betragtninger har hun ofte arbejdet som solist i mange operahuse i Europa, herunder Covent Garden og Paris Opera og Opéra Comic. I 1927 organiserede Maria Kuznetsova med prins Alexei Tsereteli og baryton Mikhail Karakash et privat firma "Russian Opera" i Paris, hvor de inviterede mange russiske operasangere, der havde forladt Rusland. Den Russiske Opera har iscenesat Sadko, Fortællingen om tsar Saltan, Legenden om den usynlige by Kitezh og Jomfruen Fevronia, Sorochinskaya Fair og andre operaer og balletter af russiske komponister og har optrådt i London, Paris, Barcelona, \u200b\u200bMadrid, Milano og i det fjerne Buenos Aires. Den russiske opera eksisterede indtil 1933, hvorefter Maria Kuznetsova begyndte at give færre forestillinger. Maria Kuznetsova døde den 25. april 1966 i Paris, Frankrig.

Rita Streich (18. december 1920 - 20. marts 1987) - en af \u200b\u200bde mest ærede og indspillede tyske operasangere i 40-60'erne i det 20. århundrede, sopran. Rita Streich blev født i Barnaul, Altai Krai, Rusland. Hendes far Bruno Streich, en korporal fra den tyske hær, blev fanget på fronten af \u200b\u200bførste verdenskrig og blev forgiftet i Barnaul, hvor han mødte en russisk pige, den fremtidige mor til den berømte sanger Vera Alekseeva. Den 18. december 1920 blev en datter, Margarita Streich, født af Vera og Bruno. Snart tillod den sovjetiske regering tyske krigsfanger at vende hjem, og Bruno sammen med Vera og Margarita gik til Tyskland. Takket være sin russiske mor talte og sang Rita Streich godt på russisk, hvilket var meget nyttigt for hendes karriere på samme tid på grund af hendes "ikke rene" tyske sprog. I starten var der nogle problemer med det fascistiske regime. Ritas vokale evner blev opdaget tidligt, startende fra de grundlæggende karakterer, hun var den førende kunstner ved skolekoncerter, hvor den store tyske operasanger Erna Berger bemærkede hende og tog hende med til at studere i Berlin. Også på forskellige tidspunkter blandt hendes lærere var den berømte tenor Willie Domgraf-Fasbender og sopranen Maria Ifogun. Rita Streich debuterede i 1943 i Ossig (Aussig, nu Usti nad Labem, Tjekkiet) med rollen som Zerbinetta i operaen Ariadne auf Naxos af Richard Strauss. I 1946 debuterede Rita i Berlin Staatsopera i hovedtroppen med rollen som Olympia i Jacques Offebachs "The Tales of Hoffmann". Derefter begyndte hendes scenekarriere at starte, som varede indtil 1974. Rita Streich forblev ved operaen i Berlin indtil 1952, flyttede derefter til Østrig og tilbragte næsten tyve år på scenen i Wiener Opera. Her blev hun gift og fødte i 1956 en søn. Rita Streich besad en lys coloratura-sopran og udførte let de sværeste dele i verdensopera-repertoiret, hun blev kaldt den "tyske nattergal" eller "wienens nattergal". I løbet af sin lange karriere optrådte Rita Streich i mange verdens teatre - hun havde kontrakter med La Scala og bayersk radio i München, sang i Covent Garden, Paris Opera samt Rom, Venedig, New York, Chicago, San Francisco har rejst til Japan, Australien og New Zealand og har optrådt på operaerne i Salzburg, Bayreuth og Glyndebourne. Hendes repertoire omfattede næsten alle vigtige operaroller for sopran - hun var kendt som den bedste performer af rollerne som Nattedronningen i Mozarts Tryllefløjte, Annchen i Webers Free Shooter og andre. Hendes repertoire omfattede blandt andet værker af russiske komponister, som hun opførte på russisk. Hun blev også betragtet som en fremragende fortolker af operettens repertoire og folkesange og romancer. Hun har arbejdet med de bedste orkestre og dirigenter i Europa, indspillet 65 store grammofonplader. Efter at have afsluttet sin karriere var Rita Streich siden 1974 professor ved Musikkonservatoriet i Wien, underviste på en musikskole i Essen, gav mesterkurser og ledede Center for Udvikling af Lyric Art i Nice. Rita Streich døde den 20. marts 1987 i Wien og blev begravet på den gamle bykirkegård ved siden af \u200b\u200bsin far Bruno Streich og mor Vera Alekseeva.

Angela Gheorghiu (rumænsk Angela Gheorghiu) er en rumænsk operasanger, sopran. En af de mest berømte operasangere i vores tid. Angela Gheorghiu (Burlacu) blev født den 7. september 1965 i den lille by Adjud, Rumænien. Fra den tidlige barndom var det tydeligt, at hun ville blive sanger, hendes skæbne var musik. Hun studerede på Music School i Bukarest og dimitterede fra National University of Music i Bukarest. Hendes professionelle operadebut fandt sted i 1990 som Mimi i Puccinis La Boheme i Cluj, samme år vandt hun Hans Gabor International Vocal Competition Belvedere i Wien. Efternavnet Georgiu forblev hos hende fra sin første mand. Angela Georgius internationale debut fandt sted i 1992 i Royal Opera House, Covent Garden i La Boheme. Samme år debuterede hun ved Metropolitan Opera i New York og ved Wiener Staatsopera. I 1994 sang hun på Royal Opera House, Covent Garden, for første gang rollen som Violetta i La Traviata, i dette øjeblik fandt "stjernens fødsel" sted, Angela Georgiu begyndte at nyde konstant succes i operahuse og koncertsale rundt om i verden: i New York, London, Paris, Salzburg, Berlin, Tokyo, Rom, Seoul, Venedig, Athen, Monte Carlo, Chicago, Philadelphia, Sao Paulo, Los Angeles, Lissabon, Valencia, Palermo, Amsterdam, Kuala Lumpur, Zürich, Wien, Salzburg, Madrid, Barcelona, \u200b\u200bPrag, Montreal, Moskva, Taipei, San Juan, Ljubljana. I 1994 mødte hun tenoren Roberto Alagna, som hun blev gift i 1996. Bryllupsceremonien fandt sted i Metropolitan Opera i New York. I lang tid var parret Alanya-Georgiu den mest slående kreative familieunion på opera-scenen, nu er de skilt. Hendes første eksklusive kontrakt med et pladeselskab blev underskrevet i 1995 med Decca, hvorefter hun havde flere albums om året, nu har hun omkring 50 albums, både iscenesatte operaer og solokoncerter. Alle hendes cd'er har modtaget gode anmeldelser fra kritikere og er blevet tildelt mange internationale priser, herunder priser fra Gramophone-magasinet, den tyske Echo-pris, den franske Diapason d'Or og Choc du Monde de la Musique og mange andre. To gange i 2001 og 2010 blev hun udnævnt til "Årets bedste kvindelige kunstner" af British Classical BRIT Awards. Rækkevidden af \u200b\u200bAngela Gheorghiu er meget bred, hendes operaer af Verdi og Puccini er især elskede af hende. Det italienske repertoire, måske på grund af den relative lighed mellem de rumænske og italienske sprog, klarer hun sig godt, nogle kritikere bemærker, at franske, tyske, russiske og engelske operaer udføres svagere. Angela Gheorghius vigtigste roller: Bellini "Somnambula" - Amina Bizet "Carmen" - Michaela, Carmen Chilea "Adriana Lecouvreur" - Adriana Lecouvreur Donizetti "Lucia di Lammermoor" - Lucia Donizetti "Lucrezia Borgia" - Don Lucrezia Borgia drikker Adina Goun "Faust" - Margarita Gounod "Romeo and Juliet" - Juliet Massenet "Manon" - Manon Massenet "Werther" - Charlotte Mozart "Don Giovanni" - Zerlina Leoncavallo "Pagliacci" - Nedda Puccini "Swallow" - Magda Puccini "Bohemia" - Mimi Puccini "Gianni Schicchi" - Loretta Puccini "Tosca" - Tosca Puccini "Turandot" - Liu Verdi Troubadour - Leonor Verdi "La Traviata" - Violetta Verdi "Louise Miller" - Luisa Verdi "Simon Boccanegra" - Maria Angela Gheorghiu fortsætter med at udføre aktivt og er øverst i operaen Olympus. Fremtidige forpligtelser inkluderer forskellige koncerter i Europa, Amerika og Asien, "Tosca" og "Faust" i Royal Opera House, Covent Garden.

Anna Yurievna Netrebko - russisk operasanger, sopran. Anna Netrebko blev født den 18. september 1971 i Krasnodar. Fader - Netrebko Yuri Nikolaevich (1934), uddannet geologisk ingeniør fra Leningrad Mining Institute. Bor i Krasnodar. Mor - Netrebko Larisa Ivanovna (1944-2002), kommunikationsingeniør. Annas ældre søster, Natalia (1968), bor sammen med sin familie i Danmark. Anna Netrebko har stræbt efter at komme på scenen siden barndommen. Mens hun var i skole, var hun solist fra Kuban Pioneer-ensemblet på Krasnodar Palace of Pioneers. I 1988, efter eksamen fra skolen, besluttede Anna at gå til Leningrad - at gå ind i en musikskole til operetteafdelingen for derefter at overføre til et teateruniversitet. Imidlertid gik hendes musikalske evner ikke ubemærket af skolens optagelsesudvalg - Anna blev optaget på vokalafdelingen, hvor hun studerede hos Tatyana Borisovna Lebed. To år senere bestod hun succesfuldt konkurrencen uden at tage eksamen fra universitetet og gik ind i St.Petersborgs statskonservatorium opkaldt efter N.A. Rimsky-Korsakov, hvor hun studerede vokal hos professor Tamara Dmitrievna Novichenko. På det tidspunkt var Anna alvorligt interesseret i opera, og Mariinsky-teatret, der ligger ikke langt fra vinterhaven, blev hendes andet hjem. For regelmæssigt at besøge teatret og kunne se alle forestillingerne på scenen fik Anna et job som rengøringsassistent og vaskede i to år sammen med sine studier på vinterhaven gulvene i teaterfoyeren. I 1993 blev All-Russian Competition of Vocalists opkaldt efter V.I. M.I. Glinka. Konkurrencens jury blev ledet af People's Artist fra USSR Irina Arkhipova. Som 4. studerende ved konservatoriet deltog Anna Netrebko ikke kun i konkurrencen, men blev også vinder efter at have modtaget 1. præmie. Efter at have vundet konkurrencen auditionede Anna på Mariinsky Theatre. Den kunstneriske leder af teatret, Valery Gergiev, der var til stede ved auditionen, gav hende straks rollen som Barbarina i den kommende produktion af Mozarts opera "Figaros ægteskab". Pludselig foreslog instruktør Yuri Alexandrov på en af \u200b\u200bprøverne, at Anna forsøgte at synge den del af Suzanne, som Anna gjorde lige der uden en eneste fejltagelse, og så blev hun godkendt til hovedrollen. Så i 1994 debuterede Anna Netrebko på Mariinsky Theatre. Efter sin debut bliver Anna Netrebko en af \u200b\u200bde førende solister på Mariinsky Theatre. Under sit arbejde med det sang hun i mange forestillinger. Blandt rollerne på Mariinsky-scenen var: Lyudmila (Ruslan og Lyudmila), Ksenia (Boris Godunov), Martha (Tsarens Brud), Louise (Betrothal i et kloster), Natasha Rostova (Krig og fred), Rosina (" Barberen i Sevilla "), Amina (" Somnambula "), Lucia (" Lucia di Dammermoor "), Gilda (" Rigoletto "), Violetta Valeri (" La Traviata "), Musetta, Mimi (" La Boheme "), Antonia ("The Tales of Hoffmann"), Donna Anna, Zerlina ("Don Juan") og andre. I 1994 begyndte Anna Netrebko at turnere i udlandet med Mariinsky Theatre-truppen. Sangeren har optrådt i Finland (Mikkeli festival), Tyskland (Schleswig-Holstein festival), Israel, Letland. Den første af Anna Netrebkos skæbnesvangre udenlandske forestillinger fandt sted i 1995 på USA på San Francisco Opera. Ifølge Anna selv spillede Placido Domingo en stor rolle i den amerikanske debut. Ni forestillinger af "Ruslana og Lyudmila", hvor Anna sang Lyudmilas hovedrolle, bragte hende den første høje succes i sin karriere i udlandet. Siden da har Anna Netrebko optrådt på de mest prestigefyldte opera-scener i verden. Et særligt sted i Annas karriere blev besat af året 2002, da hun fra en berømt sanger blev til en prima af verdensopera. I begyndelsen af \u200b\u200b2002 optrådte Anna Netrebko sammen med Mariinsky Theatre i Metropolitan Opera i stykket Krig og fred. Hendes optræden af \u200b\u200bden del af Natasha Rostova gjorde en fornemmelse. "Audrey Hepburn med en stemme" - sådan blev Anna Netrebko kaldt i den amerikanske presse og bemærkede sit vokale og dramatiske talent kombineret med en sjælden charme. Om sommeren samme år udførte Anna rollen som Donna Anna i operaen Don Giovanni af W.A. Mozart på Salzburg Festival. Hun blev inviteret til denne rolle af den berømte dirigent Nikolaus Arnoncourt. Annas optræden i Salzburg gjorde et stænk. Så Salzburg gav verden en ny superstjerne. Efter Salzburg vokser Anna Netrebkos popularitet hurtigt fra performance til performance. Nu prøver verdens førende operahuse at få Anna til at deltage i forestillingerne. Siden da skynder opera-divaens Anna Netrebko liv på togens hjul, flyver på passagerflyvningen. Byer og lande, teatre og koncertsale blinker forbi. Efter Salzburg - London, Washington, Skt. Petersborg, New York, Wien ... I juli 2003 synger Anna for første gang på scenen for den bayerske opera i La Traviata med den mexicanske tenor Rolando Villazon. Denne forestilling gav anledning til den mest berømte og krævede opera-duet i dag, eller, som det kaldes, "drømmeparret" - en duet af drømme. Forestillinger og koncerter med deltagelse af Anna og Rolando er planlagt i mange år fremover. Lande og byer blinker igen. New York, Wien, München, Salzburg, London, Los Angeles, Berlin, San Francisco ... Men den vigtigste, virkelig triumferende succes kom til Anna i 2005 i samme Salzburg, da hun optrådte i den historiske produktion af Willie Decker, i Verdis opera La Traviata. Denne succes løftede hende ikke kun til toppen - han løftede hende til operaverdenens Olympus! Anna Netrebko optræder med verdens største dirigenter, herunder Valery Gergiev, James Levine, Seiji Ozawa, Nikolaus Arnoncourt, Zubin Meta, Colin Davis, Claudio Abbado, Daniel Barenboim, Emmanuel Villum, Bertrand de Buyy, Marco Armiliato. I 2003 underskrev det berømte Deutsche Gramophone-selskab en eksklusiv kontrakt med Anna Netrebko. I september 2003 blev Anna Netrebkos første album, "Opera Arias", udgivet. Sangeren indspillede det med Wien Philharmonic Orchestra (dirigent Janandrea Noseda). Albummet indeholder populære arier fra forskellige operaer - "Mermaids", "Faust", "Bohemians", "Don Giovanni", "Somnambula". En utrolig succes var filmen "Kvinderne - stemmen", hvor Anna medvirkede i fem operaklip skabt af Hollywood-instruktøren Vincent Patterson, der tidligere arbejdede med Michael Jackson og Madonna. I august 2004 blev sangers andet soloalbum "Semper Libera" udgivet, indspillet med Mahler Orchestra og Claudio Abbado. Det tredje soloalbum, indspillet med Mariinsky Theater Orchestra og Valery Gergiev, russisk album, blev udgivet i 2006. Alle tre album blev platin i Tyskland og Østrig, og "Russian Album" blev nomineret til en Grammy. I 2008 udgav Deutsche Gramophone Annas fjerde solodisk, Souvenirs, som blev indspillet med Prags symfoniorkester og Emmanuel Willum. Stor succes ventede på endnu en cd - "Duets", som Anna indspillede sammen med sin faste partner Rolando Villazon. I begyndelsen af \u200b\u200b2009 blev der udgivet en CD med indspilningen af \u200b\u200bden Wiener forestilling "Capuleti og Montagues" fra 2008, hvor Anna sang sammen med en anden superstjerne - den lettiske mezzosopran Elina Garanca. To fremragende operasangere og smukke kvinder - Anna Netrebko og Elina Garanchu - er for nylig blevet kaldt det kvindelige drømmepar - den kvindelige "drømmeduet". Deutsche Gramophone samt flere andre selskaber har udgivet videoer af flere operaoptrædener med Anna Netrebkos deltagelse. Blandt dem - "Ruslan og Lyudmila" (1995), "Betrothal i et kloster" (1998), "Kærlighedsdrink" (Wien, 2005), "Traviata" (Salzburg, 2005), "Puritanere" (MET, 2007), "Manon" (Wien, 2007), "Manon" (Berlin, 2007). I begyndelsen af \u200b\u200b2008 skød direktør Robert Dornholm en film - operaen La Boheme med Anna Netrebko og Rolando Villazon i hovedrollen. Filmen havde premiere i Østrig og Tyskland i efteråret 2008. Mange lande i verden har erhvervet retten til at vise filmen. I marts 2009 begynder Axiom Films at sælge filmen til DVD. Anna Netrebko medvirkede også i en cameo-rolle i Hollywood-filmen Princess Diary 2 (Walt Disney Studios, instrueret af Harry Marshall). Anna Netrebkos koncertforestillinger fik ekstraordinær popularitet. Blandt de mest berømte er koncerten i Carnegie Hall med Dmitry Hvorostovsky i 2007 i Royal Albert Hall i London (Prom BBC-koncert, 2007) samt de legendariske fælleskoncerter af Anna Netrebko, Placido Domingo og Rolando Villazon (Berlin 2006 , Wien 2008). Tv-udsendelser såvel som optagelser af koncerter i Berlin og Wien på DVD var en stor succes. Efter at have vundet konkurrencen. Glinka i 1993 blev Anna Netrebko gentagne gange tildelt en række priser, titler, priser. Blandt hendes præstationer: - vinder af II International Competition for Young Opera Singers opkaldt efter NA Rimsky-Korsakova (Skt. Petersborg, 1996) - pristager af "Baltika" -prisen (1997) - pristager for den russiske musikpris "Casta Diva" (1998) - pristager for den højeste teaterpris i Skt. Petersborg "Golden Soffit "(1999, 2005, 2009). Anna Netrebkos andre præstationer inkluderer den prestigefyldte tyske Bambi, østrigske Amadeus Awards, Årets sanger og Årets kvindelige musiker (Classical BRIT Awards), ni Echo Klassik-priser i Tyskland og også to Grammy-nomineringer (til "Violetta" "Russian Album" -diske). I 2005 uddelte den russiske præsident Vladimir Putin i Kreml Anna Netrebko den russiske føderations statspris, som hun blev tildelt "for sit fremragende bidrag til den russiske musikalske kultur." I 2006 tildelte guvernøren for Krasnodar Territory A. Tkachev medaljen "Net of the Kuban's Labor Hero" for Anna Netrebko for hendes høje bidrag til verdensoperaen. I 2007 inkluderede Time Magazine Anna Netrebko på listen over de 100 mest indflydelsesrige mennesker i verden. Dette er første gang i historien, at en operasanger har været med på Time's liste, der inkluderer "mænd og kvinder, hvis magt, talent og moralske eksempel ændrer verden." Anna Netrebko modtog den mest betydningsfulde titel i sin karriere i 2008, da det autoritative amerikanske magasin "Musical America" \u200b\u200budnævnte Anna Netrebko til "Årets musiker". Denne pris svarer ikke til Oscar, men snarere Nobelprisen. Hvert år siden 1960 navngiver magasinet den vigtigste person inden for verdensmusik. I hele denne ærehistorie er kun fem operasangere blevet hædret - Leontine Price, Beverly Sills, Marilyn Horn, Placido Domingo, Carita Mattila. Anna Netrebko blev den sjette i den valgte række af de mest fremragende opera kunstnere. Mange "blanke" magasiner viet lange artikler til Netrebko - herunder Vogue, Vanity Fair, Town & Country, Harper's Bazaar, Elle, W Magazine, Inquire, Playboy. Hun var gæst og heltinde i sådanne populære tv-programmer som Good Morning America på NBC (Night Show med Jay Lino "på NBC), 60 minutter på CBS og tyske Wetten, dass ..? Dokumentarfilm om Anna blev vist på tv-kanaler i Østrig, Tyskland, Rusland. To af hendes biografier blev offentliggjort i Tyskland. Ifølge verdenspressen blev Anna Netrebko i slutningen af \u200b\u200b2007 forlovet med en kollega på opera-scenen - den uruguayanske baryton Erwin Schrott. I begyndelsen af \u200b\u200bfebruar 2008 verden og russiske medier rapporterede om en sensation: Anna Netrebko forventer en baby! Annas sidste forestilling før pausen i forbindelse med fødsel fandt sted den 27. juni 2008 i Wien på Schönnbrunn-paladset. Anna optrådte i en koncert med sine berømte partnere. Placido Domingo og Rolando Villazon To måneder og en uge senere, den 5. september 2008 i Wien, havde Anna en søn, som de glade forældre navngav med et latinamerikansk navn - Thiago Arua. Allerede den 14. januar 2009 genoptog Anna Netrebko sin scene aktiviteter th, efter at have optrådt i Mariinsky Theatre spille "Lucia di Lammermoor". I slutningen af \u200b\u200bjanuar - begyndelsen af \u200b\u200bfebruar sang Anna delen af \u200b\u200bLucia ved Metropolitan Opera. Den sidste, fjerde forestilling, der fandt sted den 7. februar, blev sendt direkte under programmet "The MET Live in HD" på biograferne i Amerika og Europa. Broadcasten blev set af seere i 850 biografer i 31 lande. Anna Netrebko modtog denne ære for tredje gang. Tidligere blev forestillingerne fra Metropolitan Opera - Romeo og Juliet og Puritanerne - udsendt live på biografer rundt omkring i verden. I 2006 modtog Anna Netrebko østrigsk statsborgerskab og bevarede russisk. Mens hun konstant bevæger sig rundt i verden, fra et land til et andet, er Anna ikke desto mindre altid glad for at vende tilbage til sit eget hjem. Hvor præcis? Anna har lejligheder i Skt. Petersborg, Wien og New York. Ifølge Anna selv er hun "slet ikke besat af operaen og scenen." Det er klart, at Anna med sin fødsel tilbringer alle sine sjældne gratis dage og timer til sin søn, der konstant ledsager Anna på alle hendes rejser og ture. Men inden hun blev mor, nød Anna i sin fritid at tegne, shoppe og gå i biografen, lytte til populær musik. Favoritforfatter - Akunin, yndlingsfilmskuespillere - Brad Pitt og Vivien Leigh. Blandt de populære sangere udpegede Anna Justin Timberlake, Robbie Williams og gruppen "Greenday" og for nylig - Amy Winehouse og Duffy. Anna Netrebko deltager i velgørenhedsprogrammer og kampagner både i Rusland og i udlandet. Blandt de mest seriøse er SOS-KinderDorf-projektet, der opererer i 104 lande rundt om i verden. Derudover deltager sangeren i "Anna" -projektet (et program til at hjælpe børnehjem i Kaliningrad og Kaliningrad-regionen), hjælper den internationale velgørende fond "Roerich Heritage" samt børnenes ortopædiske institut i Pushkin. G.I. Turner. Kilde: http://annanetrebko-megastar.ru/

Lyubov Yuryevna Kazarnovskaya - sovjetisk og russisk operasanger, sopran. Doktor i musikvidenskab, professor. Lyubov Yurievna Kazarnovskaya blev født den 18. maj 1956 i Moskva, mor, Kazarnovskaya Lidia Aleksandrovna - filolog, lærer i russisk sprog og litteratur, far, Kazarnovsky Yuri Ignatievich - general i reserve, ældre søster - Bokadorova Natalya Yurievna - filolog, professor i fransk sprog og litteratur. Lyuba sang altid, efter skole vovede hun at ansøge om Gnessin Institute - fakultetet for musikalske teateraktører, selvom hun forberedte sig på at blive studerende ved fakultetet for fremmedsprog. Studieårene gav Lyuba meget som skuespillerinde, men det afgørende møde var med Nadezhda Matveyevna Malysheva-Vinogradova, en vidunderlig lærer, vokalist, ledsager af Chaliapin, en studerende fra Stanislavsky selv. Ud over uvurderlige sangundervisning afslørede Nadezhda Matveyevna, enken til litteraturkritikeren og Pushkin-lærde akademiker V.V. Vinogradov, for Lyuba al den magt og skønhed, der er i russiske klassikere, hende at forstå den enhed af musik og ord, der er skjult i hende. Mødet med Nadezhda Matveevna bestemte endelig den unge sangeres skæbne. I 1981, i en alder af 21 år, mens han stadig var studerende ved Moskvas konservatorium, debuterede Lyubov Kazarnovskaya i rollen som Tatiana (Eugene Onegin af Tchaikovsky) på scenen i Stanislavsky og Nemirovich-Danchenko Musical Theatre. Præmier for All-Union Glinka Competition (II-pris). Siden da har Lyubov Kazarnovskaya været i centrum for Ruslands musikalske liv. I 1982 dimitterede hun fra Moskva State Conservatory, i 1985 - kandidatskole i klassen af \u200b\u200blektor Elena Ivanovna Shumilova. 1981-1986 - Solist af Stanislavsky og Nemirovich-Danchenko Musical Academic Theatre, i repertoiret af Tchaikovsky's Eugene Onegin, Iolanta, Rimsky-Korsakov's May Night, Leoncavallo's Pagliacci, Puccinis La Boheme. 1984 - på invitation af Svetlanov sang den del af Fevronia i den nye produktion af Rimsky-Korsakovs "Legenden om den usynlige by Kitezh", og derefter i 1985 - den del af Tatiana (Eugene Onegin af Tchaikovsky) og Nedda (Pagliacci af Leoncavallo) i det russiske statsakademiske teater. 1984 - Grand Prix for UNESCO-konkurrencen for unge kunstnere (Bratislava). Præmiepristageren Miriam Hellin (Helsinki) - III-pris og et æresdiplom for udførelsen af \u200b\u200bden italienske arie - personligt fra konkurrencens formand og den legendariske svenske operasanger Birgit Nilsson. 1986 - Laureat af Lenin Komsomol-prisen. 1986 -1989 - Førende solist af det statlige akademiske teater. Kirov: Leonora (“Destiny Force” af Verdi), Margarita (“Faust” af Gounod), Donna Anna og Donna Elvira (“Don Juan” af Mozart), Leonora (“Troubadour” af Verdi), Violetta (“Traviatta ”Af Verdi), Tatiana (” Eugene Onegin ”af Tchaikovsky), Liza (“ Spades dronning ”af Tchaikovsky), Sopran (“ Requiem ”af Verdi). Tæt samarbejde med dirigenter som Jansson, Temirkanov, Kolobov, Gergiev. Den første udenlandske triumf - på Covent Garden Theatre (London), som Tatiana i Tchaikovskys opera "Eugene Onegin" (1988) 1989. - “Verdens Maestro” Herbert von Karajan inviterer den unge sangerinde til ”sin egen” festival - sommerfestivalen i Salzburg. I august 1989 - en triumfdebut i Salzburg (Verdis Requiem, dirigent Ricardo Muti). Hele den musikalske verden bemærkede og værdsatte udførelsen af \u200b\u200ben ung sopran fra Rusland. Denne sensationelle forestilling markerede starten på en svimlende karriere, som senere førte hende til operahuse som Covent Garden, Metropolitan Opera, Lyric Chicago, San Francisco Opera, Wiener Staatsoper, Teatro Colon, Houston Grand Opera. Hendes partnere er Pavarotti, Domingo, Carreras, Araiza, Nucci, Capucciilli, Cossotto, von Stade, Baltza. September 1989 - deltagelse i verdens galakoncert på scenen for det russiske statsakademiske Bolshoi-teater til støtte for ofrene for jordskælvet i Armenien sammen med Kraus, Bergonzi, Prey, Arkhipova. Oktober 1989 - deltog i turnéen i Milanos operahus "La Scala" i Moskva (G. Verdi "Requiem"). 1991 - Salzburg. 1992-1998 - tæt samarbejde med Metropolitan Opera. 1994-1997 - tæt samarbejde med Mariinsky Theatre og Valery Gergiev. I 1996 debuterede Lyubov Kazarnovskaya med succes på Teatro alla Scala i Prokofjevs opera The Gambler, og i februar 1997 sang hun med triumf rollen som Salome på Santa Cecilia Theatre i Rom. Ledende opera-mestre i vores tid arbejder sammen med hende - sådanne dirigenter som Muti, Levine, Thielemann, Barenboim, Haitink, Temirkanov, Kolobov, Gergiev, instruktører - Dzefirelli, Egoyan, Vikk, Taymor, Dew ... "La Kazarnovskaya", som det er navngivet af den italienske presse og har mere end halvtreds dele på sit repertoire. Hun kaldes den bedste Salome i vores dage, den bedste performer af operaer af Verdi og Verists, for ikke at nævne den del af Tatiana fra Eugene Onegin, hendes telefonkort. Hun var især succesrig med at udføre hovedrollerne i operaerne Salome af Richard Strauss, Eugene Onegin af Tchaikovsky, Manon Lescaut og Tosca af Puccini, Destiny Force og Traviatta af Verdi. 1997 - Lyubov Kazarnovskaya opretter sin egen organisation i Rusland - "The Lyubov Kazarnovskaya Foundation", til støtte for den russiske operakunst: inviterer førende mestere inden for vokalkunst til Rusland til koncerter og mesterklasser, såsom Renata Scotto, Franco Bonisolli, Simon Estes , Jose Cura et al. , etablerer stipendier til at hjælpe unge russiske sangere. * 1998-2000 - tæt samarbejde med Bolshoi Theatre of Russia. 2000 - sangeren nedladende verdens eneste børneopera teater opkaldt efter Lubovi Kazarnovskaya (Dubna). Med dette teater planlægger Lyubov Kazarnovskaya interessante projekter i Rusland og i udlandet. 2000 - Leder af det kreative koordineringsråd for Kulturcenteret "Union af byer", der udfører et stort kulturelt og uddannelsesmæssigt arbejde i byer og regioner i Rusland. 25/12/2000 - en anden premiere fandt sted i Rossiya Concert Hall - det strålende opera show "Faces of Love", der blev sendt live over hele verden. Den tre timers musikalske handling, præsenteret for første gang i verden af \u200b\u200ben førende operasanger, blev begivenheden i det sidste år i det udgående århundrede og tiltrak entusiastiske svar i Rusland og i udlandet. 2002 - Lyubov Kazarnovskaya er i centrum for aktive sociale aktiviteter, blev valgt som formand for Kommissionen for kulturelt og humanitært samarbejde i Den Russiske Føderations kommuner og er formand for bestyrelsen for det russiske musikalske uddannelsesforening. Lyubov Kazarnovskaya blev tildelt et eksamensbevis fra et prestigefyldt center i Cambridge (England) som en af \u200b\u200bde 2000 mest fremragende musikere i det 20. århundrede. Lyubov Kazarnovskayas kreative liv er en række hurtige og uimodståelige sejre, opdagelser og præstationer, som epitetet "først" er passende i mange henseender: * Grand Prix ved UNESCOs vokalkonkurrence. * Kazarnovskaya er den første russiske sopran, der er inviteret til Salzburg af Herbert von Karajan. * Den eneste russiske sanger, der har udført Mozarts dele i komponistens hjemland i Salzburg på hans 200-års fødselsdag. * Den første og indtil videre den eneste russiske sanger, der udfører den sværeste del af Salome (“Salome” af Richard Strauss) på de største operascener i verden med en enorm succes. L. Kazarnovskaya betragtes som den bedste Salome i vores dage. * Den første sanger, der indspillede (på CD) alle 103 af Tsjajkovskijs romancer. * Med disse diske og hendes mange koncerter i alle verdens musikalske centre afslører Lyubov Kazarnovskaya for den vestlige offentlighed den russiske komponists musikalske kreativitet. * Den første operasanger på international skala, der lavede et hidtil uset show i sit sortiment - opera, operette, romantik, chanson ... * Den første og eneste sanger, der udførte to roller på en aften (i operaerne "Manon Lescaut" af Puccini) i stykket "Portrait of Manon" på scenen i Bolshoi Theatre of Russia. For nylig har Lyubov Kazarnovskaya foruden sine internationale aktiviteter givet meget energi og tid til udviklingen af \u200b\u200bmusiklivet i de russiske regioner. Uden tvivl er hun det mest slående fænomen i Ruslands vokale og musikalske liv, og pressen helliget hende er uden fortilfælde i genrer og volumen. Hendes repertoire inkluderer over 50 operaroller og et enormt repertoire af kammermusik. Hendes yndlingsroller er Tatiana, Violetta, Salome, Tosca, Manon Lescaut, Leonora ("Destiny Force"), Amelia ("Masquerade Ball"). Ved at vælge et program til solo-aftener undgår Kazarnovskaya et forskelligt udvalg af endda vindende, attraktive ting, idet de foretrækker specielle cyklusser, der repræsenterer forskellige forfatteres arbejde. Sangerens unikke, fortolkede lysstyrke, subtile sans for stil, individuelle tilgang til udførelsen af \u200b\u200bkomplekse billeder i værker af forskellige epoker gør hendes forestillinger til ægte begivenheder i kulturlivet. Talrige lyd- og videooptagelser understreger de enorme vokalfunktioner, den høje stil og det største musikalske talent hos denne strålende sanger, der aktivt demonstrerer det virkelige niveau af russisk kultur over hele verden. Det amerikanske firma VAI (Video Artists International) har udgivet en serie videobånd med deltagelse af den russiske diva, herunder "Great Singers of Russia 1901-1999" (to bånd), "Gypsy Love" (videooptagelse af Lyubov Kazarnovskayas koncert i den store hal i Moskvas konservatorium). Diskografien fra Lyubov Kazarnovskaya inkluderer optagelser til DGG, Philips, Delos, Naxos, Melodia. I øjeblikket forbereder Lyubov Kazarnovskaya nye programmer til solo-koncerter, nye operaroller (Carmen, Isolde, Lady Macbeth), planlægger adskillige ture i udlandet og over hele Rusland og har medvirket i film. Hun har været gift med Robert Rostsik siden 1989, i 1993 blev hendes søn Andrey født. Disse få citater er kun en lille del af de entusiastiske svar, der ledsager Lyubov Kazarnovskayas forestillinger: "Hendes stemme er dyb og forførende insinuerende ... Rørende, smukt udførte scener fra Tatianas brev og hendes sidste møde med Onegin giver ingen tvivl om sangers højeste dygtighed (Metropolitan Opera, "New York Times") "Kraftig, dyb, fremragende kontrolleret sopran, udtryksfuld over hele spektret ... Omfanget og lysstyrken af \u200b\u200bvokalegenskaber er særligt imponerende" (Lincoln Center, betragtning, New York Times) " Kazarnovskayas stemme er fokuseret, fint dybt i midterregistret og lys i den øverste ... Hun er en strålende Desdemona "(Frankrig," Le Monde de la Musique ")" ... Lyuba Kazarnovskaya charmerede publikum med sin sensuelle, magiske lydende sopran i alle registre "(" Muenchner Merkur ")" Russian Diva så strålende i rollen som Salome, - isen begyndte at smelte på gaderne, da Lyuba Kazarnovskaya sang Salome's sidste scene ... "(" Cincinnati Enquirer " ) Infor mation og fotos fra det officielle websted: http://www.kazarnovskaya.com Nyt sted om smukke blomster. Irisens verden. Opdræt, forlader, transplanterer iris.

Elina Garanca er en lettisk sanger (mezzosopran), en af \u200b\u200bvores tids førende operasangere. Elina Garanca blev født den 16. september 1976 i Riga i en familie af musikere, hendes far er kordirektør, og hendes mor, Anita Garanca, er professor ved det lettiske musikakademi, lektor ved det lettiske kulturakademi , en vokal lærer ved den lettiske nationalopera. I 1996 gik Elina Garanca ind på det lettiske musikakademi i Riga, hvor hun studerede vokal hos Sergei Martynov, og fra 1998 fortsatte hun sine studier hos Irina Gavrilovich i Wien og derefter hos Virginia Zeani i USA. En af de mest indflydelsesrige begivenheder på Elina under hendes studier var opførelsen i 1998 af Jane Seymours rolle fra operaen "Anne Boleyn" af Gaetano Donizetti - Garanca lærte rollen på ti dage og opdagede en dyb sympati for bel canto repertoire. Efter at have afsluttet sine studier, lavede Garancha sin professionelle operadebut på State Theatre of South Thuringia i Meiningen, Tyskland, med rollen som Octavian i Der Rosenkavalier. I 1999 blev hun vinder af Miriam Helin Vocal Competition i Helsinki, Finland. I 2000 vandt Elina Garanca hovedprisen ved den lettiske nationale performer-konkurrence, og derefter blev hun optaget i truppen og arbejdede i Frankfurt Opera, hvor hun sang rollen som Anden Dame i Tryllefløjten, Hansel i Humperdinks opera Hansel og Gretel og Rosina i frisør i Sevilla ". I 2001 blev hun finalist ved den prestigefyldte internationale konkurrence mellem operasangere i Cardiff og udgav sit debut soloalbum med et program med operaarier. Den unge sanger gjorde sit internationale gennembrud i 2003 på Salzburg-festivalen, da hun sang Annio-delen i en produktion af Mozarts opera Titus 'barmhjertighed under Nicolaus Arnoncourts stafettestang. Denne forestilling blev efterfulgt af succes og mange engagementer. Det vigtigste arbejdssted var Wiener Staatsopera, hvor Garanca udførte rollerne som Charlotte i "Werther" og Dorabella i "Everybody Does It" i 2003-2004. I Frankrig optrådte hun først i Théâtre des Champs-Elysees (Angelina i Rossinis Askepot) og derefter i Paris Opera (Opera Garnier) som Octavian. I 2007 optrådte Elina Garanca for første gang på hovedoperscenen i sin hjemby Riga ved den lettiske nationalopera med rollen som Carmen. Samme år debuterede hun ved Berlin Statsopera (Sextus) og på Royal Theatre "Covent Garden" i London (Dorabella) og i 2008 - på "Metropolitan Opera" i New York med rollen som Rosina i "Barber of Sevilla" og ved den bayerske opera i München (Adalgiza). I øjeblikket optræder Elina Garanca på scenerne i verdens førende operahuse og koncertsteder som en af \u200b\u200bde lyseste musikstjerner takket være hendes smukke stemme, musikalitet og overbevisende dramatiske talent. Kritikere har kommenteret den lethed, hastighed og ren komfort, hvormed Garancha styrer sin stemme, og den succes, hvormed hun anvendte moderne stemmeteknik til det komplekse Rossini-repertoire i det tidlige 19. århundrede. Elina Garanca har en solid samling af lyd- og videooptagelser, herunder en Grammy-vindende optagelse af Antonio Vivaldis "Bayazet" instrueret af Fabio Biondi, hvor Elina sang Andronicus del. Elina Garanca er gift med den engelske dirigent Karel Mark Chichon, og parret forventer deres første barn i slutningen af \u200b\u200boktober 2011.

Teatro Massimo (italiensk Il Teatro Massimo Vittorio Emanuele) er et operahus i Palermo, Italien. Teatret er opkaldt efter kong Victor Emmanuel II. Oversat fra italiensk betyder Massimo største, største - teatrets arkitektoniske kompleks er det største blandt operahusene i Italien og en af \u200b\u200bde største i Europa. I Palermo, den næststørste by i det sydlige Italien, har der længe været tale om behovet for et operahus i byen. I 1864 blev en international konkurrence annonceret af borgmesteren i Palermo, Antonio Rudini, om et projekt om at bygge et stort operahus, der skulle forskønne byens udseende og hæve byens image i lyset af Italiens nylige nationale enhed. I 1968 blev den berømte sicilianske arkitekt Giovanni Battista Filippo Basile valgt som resultat af en konkurrence. For det nye teater blev der identificeret et sted, hvor kirken og klosteret San Giuliano var placeret, de blev revet ned på trods af de franciskanske nonner. Ifølge legenden vandrer "Klostrets sidste abbedisse" stadig gennem teatersalene, og de, der ikke tror på hende, snubler altid på et trin ("nonns trin") ved indgangen til teatret. Byggeriet begyndte med en højtidelig ceremoni med lægning af den første sten den 12. januar 1875, men skred langsomt med konstant mangel på finansiering og skandaler, i 1882 blev den frosset i otte år og genoptaget først i 1890. I 1891 døde arkitekten Giovanni Basile inden åbningen af \u200b\u200bsit projekt, arbejdet blev fortsat af hans søn Ernesto Basile. Den 16. maj 1897, 22 år efter byggestart, åbnede teatret sine døre for operaelskere. Den første opera, der blev arrangeret på scenen, var "Falstaff" af Giuseppe Verdi under ledelse af Leopoldo Munone. Giovani Basile blev inspireret af gammel siciliansk arkitektur, og teatret blev således bygget i en neoklassisk streng stil med elementer fra antikke græske templer. Den monumentale trappe, der fører til teatret, er dekoreret med bronze løver, der bærer kvindestatuer på ryggen - den allegoriske "Opera" og "Tragedie". Bygningen er kronet med en stor halvcirkelformet kuppel. Rocco Lentini, Ettore de Maria Begler, Michele Cortejani, Luigi di Giovanni arbejdede på indretningen af \u200b\u200bteatret, som opretholdes i stil med den sene renæssance. En rummelig lobby fører til auditoriet, selve hallen er i form af en hestesko, den plejede at være 7-lags og designet til mere end 3.000 tilskuere, nu kan den rumme 1.381 sæder med fem kasser og et galleri. De første sæsoner var meget succesrige. Tak til den største forretningsmand og senator Ignazio Florio, der sponsoreret teatret og forsøgte at gøre Palermo til operahovedstaden, tiltrak byen mange gæster, herunder kronede hoveder, der regelmæssigt besøgte teatret. Ledende dirigenter og sangere har optrådt på teatret, startende med Enrico Caruso, Giacomo Puccini, Renata Tebaldi og mange andre. I 1974 blev Massimo-teatret lukket for fuldstændig restaurering, men på grund af korruptionsskandaler og politisk ustabilitet blev restaureringen forsinket i 23 år. Den 12. maj 1997, fire dage før hundredeårsdagen, åbnede teatret igen med en forestilling af G. Mahlers anden symfoni, men restaureringen var endnu ikke fuldført, og den første operaproduktion fandt sted i 1998 - Verdis Aida og den almindelige opera sæson begyndte i 1999 år.

Teatro Carlo Felice er det største operahus i Genova, Italien. Teatret ligger i byens centrum tæt på Ferrari-pladsen og er symbolet for byen; foran teatret er der et rytter monument over Giuseppe Garibaldi. Beslutningen om at bygge et nyt operahus i Genova blev taget i 1824, da det blev klart, at de eksisterende byteatre ikke opfyldte byens behov. Det nye teater skulle stå i en række og konkurrere med de bedste operahuse i Europa. En arkitektkonkurrence blev annonceret, hvor de valgte designet af operahuset af den lokale arkitekt Carlo Barbarino, lidt senere blev den berømte Milanese Luigi Canonica desuden inviteret til at bygge scenen og salen, for hvis regning han allerede havde deltog i flere store projekter - restaurering af La Scala, opførelse af teatre i Milano, Cremona, Brescia m.fl. For teatret blev der valgt et sted, hvor det tidligere dominikanske kloster og kirken San Domenico var placeret. Dette klosterkompleks, der går tilbage til det trettende århundrede, har været kendt for sin arkitektoniske storhed og dyrebare kunstværker til indretning. Nogle hævder, at klosteret blev ofret til teatret, men dette er ikke sandt. Tilbage i Napoleons "Kongeriget Italien" havde klosteret kaserne og lagre i hans hær. Komplekset var dårligt forfaldent, og i henhold til byens genopbygningsplan i 1821 blev det fuldstændig revet ned, og beslutningen om at bygge et teater blev taget i 1824. Den første sten i den nye bygning blev lagt den 19. marts 1826. Den storslåede åbning fandt sted den 7. april 1828, selvom konstruktion og dekoration ikke var fuldstændig afsluttet. Den første opera på scenen i teatret var "Bianca og Fernando" af Vincenzo Belinni. Teatret er opkaldt efter hertug Carlo Felice fra Savoy, hersker over Genova. Den fem-trins hal kunne rumme omkring 2.500 tilskuere. I de efterfølgende år blev teatret restaureret flere gange, i 1852 blev der installeret gasbelysning i 1892 - elektrisk belysning. I næsten fyrre år, siden 1853, tilbragte Giuseppe Verdi vintre i Genova og gentagne gange iscenesat sine operaer i Teatro Carlo Felice. I 1892, efter genopbygning for at fejre 400-året for Christopher Columbus opdagelse af Amerika (Genova bestrider retten til at blive betragtet som det lille hjemland Columbus), blev Verdi bedt om at komponere en passende opera til denne begivenhed og lægge den i teatret. , men han nægtede med henvisning til sin høje alder. Teatro Carlo Felice blev konstant renoveret og forblev i god stand indtil Anden Verdenskrig. Den første skade blev sket i 1941, da bygningens tag blev ødelagt af de allieredes troppers beskydning, og det unikke maleri af auditoriets loft blev hårdt beskadiget. I august 1943, efter at en brandbombe ramte, brændte backstage-værelserne ud, dekorationerne og make-up-værelserne blev ødelagt, men ilden påvirkede ikke storsalen, desværre den gang led teatret mere af røvere, der stjal mange værdifulde ting. Endelig, i september 1944, efter et luftangreb, var kun væggene tilbage fra teatret. Teatret, der hurtigt blev renoveret, fortsatte sin aktivitet hele denne tid, og endda Maria Callas optrådte i det. Planerne for hovedgendannelsen af \u200b\u200bteaterbygningen begyndte i 1946. I 1951 blev et projekt valgt på baggrund af en konkurrence, men det blev aldrig til virkelighed. Teatret blev lukket på grund af nødsituationer i begyndelsen af \u200b\u200b1960'erne. I 1963 blev den berømte arkitekt Carlo Scarpa betroet udviklingen af \u200b\u200bgenopbygningsprojektet, men han forsinkede arbejdet, og projektet var først klar i 1977, men på grund af arkitektens uventede død i 1978 blev projektet stoppet. Den næste plan blev vedtaget i 1984, Aldo Rossi blev valgt som chefarkitekter for det nye teater, Carlo Felice. Udviklernes hovedmotiv var kombinationen af \u200b\u200bhistorie og modernitet. Væggene i det gamle teater og facaden med basrelieffer blev efterladt samt nogle elementer af indretningen, som det lykkedes os at passe ind i det nye interiør, men det meste af teatret blev dog genopbygget fra bunden. Den 7. april 1987 blev grundstenen til det nye teater lagt. En ny højhus blev tilføjet bag det gamle teater, boligscener, mobile platformkontroller, øvelsesrum og påklædningsrum. Selve auditoriet er placeret i det "gamle" teater, arkitektenes mål var at genskabe atmosfæren på det gamle teaterplads, da forestillingerne blev afholdt på gaden i byens centrum. Derfor blev der lavet vinduer og balkoner på hallens vægge, der efterlignede bygningernes ydre vægge, og loftet er oversået med en "stjernehimmel". Den 18. oktober 1991 steg gardinet til Carlo Felice Theatre endelig, den første åbningsbegivenhed for sæsonen var operaen "Troubadour" af Giuseppe Verdi. Teatro Carlo Felice er et af de største operahuse i Europa med en storhal med en kapacitet på 2.000.

Metropolitan Opera er et musikteater i Lincoln Center i New York, New York, USA. Det største operahus i verden. Det kaldes ofte "Met" i forkortet form. Teatret tilhører de mest berømte operascener i verden. Teaterens kunstneriske leder er James Levine. CEO - Peter Gelb. Oprettet med midler fra Metropolitan Opera House Company. Subsidieret af velhavende virksomheder, enkeltpersoner. Metropolitan Opera åbnede med en forestilling af Charles Gounods Faust den 22. oktober 1883, hvor den svenske sopran Christina Nilsson spillede den vigtigste kvindelige rolle. Teatret er åbent syv måneder om året: fra september til april. Omkring 27 operaer arrangeres pr. Sæson. Forestillingerne afholdes dagligt, ca. 220 forestillinger i alt. Fra maj til juni går teatret på turné. Derudover giver teatret i juli gratis forestillinger i New Yorks parker og tiltrækker et stort antal tilskuere. Der er regelmæssige radio- og tv-udsendelser. Teaterets orkester og kor fungerer permanent, og solister og dirigenter inviteres på kontraktbasis i en sæson eller til visse forestillinger. Opera udføres traditionelt på originalsproget. Repertoiret er baseret på verdensklassikere, herunder russiske komponister. Den første Metropolitan Opera, designet af J. Cleveland Cady, var placeret på Broadway, mellem 39 og 40 gader. I 1966 flyttede teatret til det nye Lincoln Center på Manhattan og har en hovedscene og tre hjælpestadier. Hovedsalonen har 3.800 pladser og er på trods af sin størrelse kendt for sin fremragende akustik.

Teatro dell "Opera di Roma" (Teatro dell "Opera di Roma) er et opera- og balletteater i Rom, Italien. Nogle gange kaldes Teatro Costanzi efter dens skaber Domenico Costanzi (1810-1898). Det romerske operahus blev bygget af en privat entreprenør og finansmand. Domenico Costanzi (1810-1898), arkitekt for projektet, var Milanese Achille Sfondrini (1836-1900). Teatret blev bygget i atten måneder og åbnet den 27. november 1880 med en produktion af operaen Semiramis af Gioachino Rossini.En af funktionerne i teatret var dens nærhed til hotellet, også ejet af Costanzi, der var en underjordisk passage mellem hotellet og teatret og gæster, inklusive skuespillere, hvis de ikke ønskede at blive set på gaden, kunne komme ind i teatret inkognito langs denne passage. Oprindeligt havde Costanzi-teatret med en kapacitet på mere end 2.200 tilskuere et amfiteater, tre kasser, to separate gallerier. Kuppelen blev dekoreret med fresker af Anibale Brugnoli. Costanzi-familien ledede uafhængigt teatret, først Domenico selv, derefter hans søn Enrico og På trods af at mange økonomiske vanskeligheder opstod, var teatret et af de førende i Italien og var vært for mange verdenspremiere, herunder "Rural Honor" af Pietro Mascagni og "Tosca" af Giacomo Puccini. I 1907 blev teatret erhvervet af "International and National Theatre Company", Emma Carell blev udnævnt til leder af teatret. I fjorten år af sin ledelse forblev teatret også et af de førende i Italien. Det var vært for mange verdens-, europæiske og italienske premierer for operaer og balletter, herunder Mussorgskys Boris Godunov og Stravinskys ildfugl, iscenesat af Diaghilevs russiske ballet. I november 1926 blev "Teatro Costanzi" købt af det romerske byråd. Teatret gennemgik en betydelig omstrukturering i henhold til arkitekten Marcello Piacentinis plan: facaden blev genopbygget, den centrale indgang blev flyttet til den modsatte side, amfiteatret blev fjernet inde i teatret, og endnu et niveau blev tilføjet, interiøret blev dekoreret med nyt stuklister og dekorative elementer, møbler blev udskiftet, og en storslået ny 6 meter lysekrone blev ophængt i diameter med 27.000 stykker krystal. Teatret fik navnet "Royal Opera House" og genåbnede dørene den 27. februar 1928 med operaen "Nero" af Arrigo Boito. Fra 1946 til i dag kaldes teatret Operahuset i Rom. I 1958 blev bygningen rekonstrueret og moderniseret igen og fik sit nuværende udseende. Den samme arkitekt Marcello Piacentini udarbejdede et projekt, der involverede en ændring af facaden, den centrale indgang og foyeren, hallen var udstyret med aircondition og en større renovering blev foretaget. På nuværende tidspunkt er hallens kapacitet ca. 1600 pladser. Det romerske operahus har også sine egne opera- og balletkompagnier og en skole for klassisk dans, ballet i Rom er ikke mindre populær end opera. Siden 1937, om sommeren, har operahuset holdt sine forestillinger i det fri i Caracalla-badene på baggrund af et arkitektonisk monument fra oldtiden.

La Scala (italiensk Teatro alla Scala eller La Scala) er et verdensberømt operahus i Milano (Italien). Alle førende operastjerner i de sidste to og et halvt århundrede har betragtet det som en ære at optræde på La Scala. Teatro alla Scala er hjemsted for operatruppen, kor, ballet og symfoniorkester med samme navn. Det er også forbundet med Teatro alla Scala Academy, der tilbyder professionel træning i musik, dans og scenestyring. I foyeren på teatret er der et museum, der viser malerier, skulpturer, kostumer og andre dokumenter relateret til opera- og teaterhistorien. Bygningen af \u200b\u200bteatret blev bygget efter ordre fra Østrigs kejserinde Maria Teresa og designet af arkitekten Giuseppe Piermarini i 1776-1778. på stedet for kirken Santa Maria della Scala, hvor selve teatret kommer fra. Kirken modtog igen sit navn i 1381 fra protektoren - en repræsentant for familien til herskerne i Verona ved navn Scala (Scaliger) - Beatrice della Scala (Regina della Scala). Teatret blev åbnet den 3. august 1778 med produktionen af \u200b\u200boperaen "Anerkendt Europa" af Antonio Salieri. I slutningen af \u200b\u200bdet 18. - tidlige 19. århundrede optrådte operaer af italienske komponister P. Anfossi, P. Guglielmi, D. Cimarosa, L. Cherubini, G. Paisiello, S. Mayra i teaterets repertoire. Premiere på operaerne af G. Rossini "Touchstone" (1812), "Aurelian in Palmyra" (1813), "A Turk in Italy" (1814), "The Thief Magpie" (1817) og andre (i en af \u200b\u200bdem Caroline Unger debuterede i Italien) samt operaer af J. Meyerbeer "Margaret af Anjou" (1820), "Eksil fra Grenada" (1822) og en række værker af Saverio Mercadante. Siden 1830'erne har værker af G. Donizetti, V. Bellini, G. Verdi, G. Puccini vist sig i teatrets repertoire og for første gang "Pirate" (1827) og "Norma" (1831) af Bellini, " Lucretius Borgia ”(1833) Donizetti, Oberto (1839), Nabucco (1842), Othello (1887) og Falstaff (1893) af Verdi, Madame Butterfly (1904) og Turandot af Puccini. Under Anden Verdenskrig blev teatret ødelagt. Efter restaureringen af \u200b\u200bdets oprindelige udseende af ingeniør L. Secchi blev teatret genåbnet i 1946. Teaterbygningen er blevet restaureret mere end én gang. Den sidste restaurering varede i tre år, der blev brugt over 61 millioner euro på den. Det første stykke musik, der blev udført på den fornyede scene den 7. december 2004, var operaen "Anerkendt Europa" af Antonio Salieri. Antallet af pladser er 2030, hvilket er meget mindre end før den sidste restaurering, antallet af pladser er reduceret med henblik på brandsikkerhed og øget komfort. Traditionelt begynder den nye sæson på La Scala om vinteren - den 7. december (hvilket er usædvanligt sammenlignet med andre teatre i verden) på St. Ambrose-dagen, skytshelgen for Milano, og slutter i november. Og hver forestilling skal slutte inden midnat, hvis operaen er meget lang, så starter den tidligt.

Samara Academic Opera and Ballet Theatre er et musikteater i Samara, Rusland. Samara Academic Opera and Ballet Theatre er et af de største russiske musikteatre. Åbningen af \u200b\u200bteatret fandt sted den 1. juni 1931 med Mussorgskys opera Boris Godunov. Dens oprindelse var fremragende russiske musikere - en elev af Taneyev og Rimsky-Korsakov, dirigent og komponist Anton Eichenwald, dirigent af Bolshoi Theatre Ariy Pazovsky, berømte russiske dirigent Isidor Zak, direktør for Bolshoi Theatre Joseph Lapitsky. Sådanne mestre som dirigenter Savely Bergolts, Lev Ossovsky, instruktør Boris Ryabikin, sangere Alexander Dolsky, People's Artist of the Ukraine SSR Nikolai Poludenny, People's Artist of Russia Viktor Chernomortsev, People's Artist of the RSFSR, future solist of the Bolshoi Theatre Natalya Shpiller, Lorey og mange andre. Balletgruppen blev ledet af solisten fra Mariinsky Theatre, en deltager i de legendariske Diaghilev-sæsoner i Paris, Yevgeny Lopukhova. Hun åbnede en række strålende Petersborgskoreografer, der i forskellige år stod i spidsen for Samara-balletten. Samara-teaterets koreografer var den talentfulde koreograf Natalya Danilova, studerende af Agrippina Vaganova, den legendariske Petersburg ballerina Alla Shelest, solist af Mariinsky-teatret Igor Chernyshev, Folkekunstner for Sovjetunionen Nikita Dolgushin. Teatret vinder hurtigt et repertoire. Produktionerne fra 1930'erne inkluderer opera- og balletklassikere: operaer af Tchaikovsky, Glinka, Rimsky-Korsakov, Borodin, Dargomyzhsky, Rossini, Verdi, Puccini, balletter af Tchaikovsky, Minkus, Adam. I henhold til tidens krav lægger teatret stor vægt på det moderne repertoire. I førkrigsperioden blev operaerne Steppen af \u200b\u200bA. Eichenwald, Tanya af Kreitner, Temmingen af \u200b\u200bshrew af Shebalin og andre iscenesat for første gang i landet. Et dristigt kreativt eksperiment, en appel til ukendt eller ufortjent glemte mesterværker, er iboende i teatret i efterkrigsårene. Dens plakater indeholder snesevis af titler fra klassikerne fra det 18. århundrede. ("Medea" af Cherubini, "Det hemmelige ægteskab" af Cimarosa) og lidt udførte værker af russiske komponister fra det 19. århundrede. ("Servilia" af Rimsky-Korsakov, "Enchantress" af Tchaikovsky, "Elka" af Rebikov) til den europæiske avantgarde i det 20. århundrede. (Dværgen af \u200b\u200bvon Zemlinsky, Les Noces af Stravinsky, Arlecchino af Busoni). En særlig side i teatrets liv er co-creation med nutidige russiske forfattere. Fremragende russiske komponister Sergei Slonimsky og Andrei Eshpai, Tikhon Khrennikov og Andrei Petrov betroede deres værker til vores scene. Den mest betydningsfulde begivenhed, langt ud over Samara-kulturlivet, var verdenspremieren på Slonimskys opera The Vision of Ivan the Terrible, fremført af den store musiker fra det 20. århundrede Mstislav Rostropovich i samarbejde med fremragende scenemestre, instruktør Robert Sturua og kunstner Georgy Alexi- Meskhishvili. I begyndelsen af \u200b\u200bden store patriotiske krig ændrede den kulturelle situation i byen sig dramatisk. I oktober 1941 blev Sovjetunionens statsbolsjojteater evakueret til Kuibyshev / Samara ("reservehovedstaden"). Det kunstneriske initiativ går til de største mestre i den sovjetiske opera og ballet scene. For 1941 - 1943. Bolshoi Theatre viste 14 operaer og balletter i Samara. Verdensberømte sangere Ivan Kozlovsky, Maxim Mikhailov, Mark Reisen, Valeria Barsova, Natalia Shpiller, ballerina Olga Lepeshinskaya udført på Samara-scenen, dirigeret Samosud, Fayer, Melik-Pashaev. Indtil sommeren 1943 boede og arbejdede Bolshoi Theatre-kollektivet i Kuibyshev. I taknemmelighed for hjælp fra lokale beboere i denne vanskelige tid kom hans kunstnere til Volga mere end en gang efter krigen med deres nye værker såvel som med det historiske repertoire af krigen. I 2005 til minde om 60-årsdagen for Sejr i den store patriotiske krig, præsenterede kollektivet for Russlands Bolshoi-teater Samara-publikum et nyt møde med deres kunst. Turnéforestillinger og koncerter (Shostakovichs ballet The Bright Stream, Mussorgskys opera Boris Godunov, den store Victory Symphony - Shostakovichs syvende symfoni, et brassorkorps og opera solisters koncert) var en triumferende succes. Som generaldirektøren for Bolshoi-teatret i Rusland A. Iksanov bemærkede, "For hele personalet på Bolshoi-teatret er disse ture endnu en mulighed for at udtrykke dyb taknemmelighed over for beboerne i Samara for det faktum, at Bolshoi-teatret fandt et andet hjem her i den sværeste krigstid. " Højdepunktet i Samaras musikalske liv i det tyvende århundrede, en virkelig historisk begivenhed, var forestillingen på scenen til Samara Opera House of the Seventh ("Leningrad") symfoni af Dmitry Shostakovich. Det store arbejde, der afspejler de tragiske begivenheder i krigstid, og som formidler al storhed ved sovjetiske soldaters bedrift, blev afsluttet af komponisten i december 1941 i evakuering i Samara og udført af Bolshoi Theater Orchestra under ledelse af Samuil Samosud den 5. marts , 1942. Teatret lever et intenst liv. Genopbygningen nærmer sig slutningen, nye navne vises på plakaten, sangere og dansere vinder prestigefyldte internationale og all-russiske konkurrencer, nye kreative kræfter strømmer ind i truppen. Teaterpersonalet kan være stolt af koncentrationen af \u200b\u200btalentfulde, lyse kreative individer. Ærede kunstnere i Rusland Mikhail Gubsky og Vasily Svyatkin er solister ikke kun af Samara Theatre, men også af Bolshoi Theatre of Russia og Moscow Novaya Opera Theatre. Anatoly Nevdakh deltager i forestillingerne på Bolshoi Theatre, Andrei Antonov udfører med succes på scenerne i russiske og udenlandske teatre. Niveauet af operatruppen er også bevist ved tilstedeværelsen af \u200b\u200bet stort antal "titlede" sangere i den: 5 folks kunstnere, 8 ærede kunstnere, 10 pristagere af internationale og all-russiske konkurrencer. Der er mange talentfulde unge mennesker i truppen, som den ældre generation af kunstnere villigt deler hemmelighederne med deres færdigheder med. Siden 2008 har teatrets balletgruppe hævet ribben markant. Teaterkollektivet ledes af den ærede kunstner i Rusland Kirill Shmorgoner, der i lang tid prydede Perm-teaterets balletgruppe. K. Shmorgoner inviterede til teatret en stor gruppe af sine studerende, der var kandidater fra en af \u200b\u200bde bedste uddannelsesinstitutioner i landet - Perm Koreografisk skole. Unge balletdansere Ekaterina Pervushina og Viktor Malygin blev pristagere af den prestigefyldte internationale Arabesque-konkurrence, en hel gruppe af Samara-dansere med succes udført på Delphic Games all-Russian festival. I de senere år har teatret været vært for flere premierer, der har modtaget et stort publikumsvar: operaerne Mozart og Salieri af Rimsky-Korsakov, Mavra af Stravinsky, Maid-Lady af Pergolesi, Eugene Onegin af Tchaikovsky, Rigoletto af Verdi, Madame Butterfly ”Af Puccini, koreografisk kantate“ Les Noces ”af Stravinsky, ballet af Hertel“ A Vain Precaution ”. Teatret samarbejder aktivt i disse produktioner med Moskva-mestre fra Bolshoi Theatre, Novaya Opera og andre russiske teatre. Der lægges stor vægt på at iscenesætte musikalske eventyr for børn. Opera- og balletkunstnere optræder også på koncertscenen. Teaterets turruter inkluderer Bulgarien, Tyskland, Italien, Spanien, Kina og russiske byer. Den intensive turnépraksis i teatret gjorde det muligt for beboerne i Samara-regionen at stifte bekendtskab med de nyeste værker. Festivaler er en lys side i teatrets liv. Blandt dem er festivalen for klassisk ballet opkaldt efter Alla Shelest, den internationale festival "Basser i det XXI århundrede", "Fem aftener i Togliatti", festivalen for operakunst "Samara Spring". Takket være teaterets festivalinitiativer kunne Samara-tilskuere stifte bekendtskab med kunsten fra snesevis af de største mestre inden for russisk og udenlandsk opera og balletkunst. Teatrets kreative planer inkluderer iscenesættelse af operaen "Prince Igor", balletter "Don Quixote", "Den sovende skønhed". Ved 80-årsdagen planlægger teatret at vise Mussorgskys opera Boris Godunov og dermed vende tilbage til oprindelsen på et nyt stadium i sin historiske udvikling. En massiv grå bygning rejser sig på byens centrale firkant - ifølge kunstkritikernes udtalelser “et storslået monument i den sene” pilonadestil ”, som brutale klassikere er blevet tilføjet”, “et slående eksempel på arkitektur fra 30'erne ”. Forfatterne af projektet er Leningrad arkitekter N.A. Trotsky og N. D. Katselenegbogen, der vandt konkurrencen om oprettelsen af \u200b\u200bKulturpaladset i 1935. Teatret var placeret i den centrale del af bygningen. I venstre fløj var der et regionalt bibliotek i nogen tid, i højre fløj var der en sportsskole og et kunstmuseum. I 2006 begyndte genopbygningen af \u200b\u200bbygningen, der krævede udsættelse af sportsskolen og museet. I 2010, teatrets jubilæumsæson, blev genopbygningen afsluttet. Kilde: den officielle hjemmeside for Samara Opera and Ballet Theatre

Mariinsky Theatre er et opera- og balletteater i Skt. Petersborg, Rusland. Åbnet i 1860, et fremragende russisk musikteater. På scenen var der premiere på mesterværker af Tchaikovsky, Mussorgsky, Rimsky-Korsakov og mange andre komponister. Mariinsky Theatre er hjemsted for opera- og balletkompagnierne og Mariinsky Theatre Symphony Orchestra. Kunstnerisk leder og chefdirigent Valery Gergiev. I mere end to århundreder af sin historie har Mariinsky Theatre præsenteret verden for mange store kunstnere: den fremragende bas, grundlæggeren af \u200b\u200bden russiske udøvende operaskole Osip Petrov, serverede her, sådanne store sangere som Fjodor Chaliapin, Ivan Ershov, Medea og Nikolai Figner finpudset deres færdigheder og nåede berømmelsens højder., Sophia Preobrazhenskaya. Balletdansere skinnede på scenen: Matilda Kshesinskaya, Anna Pavlova, Vatslav Nijinsky, Galina Ulanova, Rudolf Nureyev, Mikhail Baryshnikov, George Balanchine begyndte sin kunstkarriere. Teatret har været vidne til blomstringen af \u200b\u200btalentet hos strålende dekoratører som Konstantin Korovin, Alexander Golovin, Alexander Benois, Simon Virsaladze, Fyodor Fedorovsky. Og mange, mange andre. Det har længe været en tradition, at Mariinsky-teatret opretholder en slægtsforskning, der tæller et århundrede fra 1783, da der den 12. juli blev udstedt et dekret om godkendelse af teaterudvalget "til at styre shows og musik", og den 5. oktober blev Bolshoi Kamenny Theatre højtideligt åbnet på Carousel Square. Teatret gav pladsen et nyt navn - det har overlevet den dag i dag som Teatralnaya. Bygget i henhold til projektet fra Antonio Rinaldi, overraskede Bolshoi Theatre fantasien med sin størrelse, majestætiske arkitektur, scene, udstyret med det nyeste teaterudstyr fra den tid. Ved åbningen blev Giovanni Paisiellos opera Il Mondo della luna ("Lunar World") givet. Den russiske trup optrådte her skiftevis med den italienske og franske, der var dramatiske forestillinger, og der blev også arrangeret vokale og instrumentale koncerter. Petersborg var under opførelse, dets udseende ændrede sig konstant. I 1802-1803 gennemførte Thomas de Thomon - en strålende arkitekt og tegner - en større omorganisering af det indre layout og udsmykning af teatret og ændrede mærkbart dets udseende og proportioner. Det nye, ceremonielle og festlige udseende, Bolshoi Theatre blev et af de arkitektoniske vartegn i Neva-hovedstaden sammen med Admiralitetet, børsen og Kazan-katedralen. Men natten til 1. januar 1811 brød en massiv brand ud i Bolshoi Theatre. På to dage blev teaterets rige interiørdekoration ødelagt i ilden, og facaden blev alvorligt beskadiget. Thomas de Thomon, der udarbejdede et projekt for at genoprette sit elskede hjernebarn, levede ikke for at se dets implementering. Den 3. februar 1818 åbnede det genåbnede Bolshoi-teater igen med prologen Apollo og Pallas i nord og Charles Didlots ballet Zephyr og Flora til musik af komponisten Catharino Cavos. Vi nærmer os den "gyldne tidsalder" i Bolshoi Theatre. Repertoiret i "post-fire" æraen inkluderer "Tryllefløjten", "Bortførelse fra Seraglio", "Mercy of Titus" af Mozart. Den russiske offentlighed er betaget af Rossinis "Askepot", "Semiramis", "Magpie-tyv", "Barberen i Sevilla". I maj 1824 havde Webers Free Shooter premiere, et værk, der betød så meget for fødslen af \u200b\u200brussisk romantisk opera. Vaudeville spiller af Alyabyev og Verstovsky; En af de mest elskede og repertoireoperaer er Cavos Ivan Susanin, der løb indtil udseendet af Glinkas opera om samme emne. Fødslen af \u200b\u200bden russiske ballets verdensberømmelse er forbundet med den legendariske figur af Charles Didlot. Det var i disse år, at Pushkin var regelmæssig i St. Petersburg Bolshoi og skildrede teatret i udødelig poesi. I 1836, for at forbedre akustikken af \u200b\u200barkitekten Alberto Cavos, søn af en komponist og bandmester, blev det kuplede loft i teatersalen erstattet af et fladt, og over det var der et kunstværksted, en hal til maling af dekorationer . Alberto Cavos fjerner søjlerne i auditoriet, der hindrede udsigten og forvrænget akustik, giver auditoriet en velkendt hesteskoform, øger dens længde og højde og bringer antallet af tilskuere til to tusind. Den 27. november 1836 genoptog den første forestilling af Glinkas opera A Life for the Tsar forestillingerne fra det genopbyggede teater. Af en tilfældighed eller måske ikke uden god hensigt fandt premieren på Ruslan og Lyudmila, Glinkas anden opera sted nøjagtigt seks år senere, den 27. november 1842. Disse to datoer ville have været nok for Skt. Petersborg Bolshoi-teater til at komme ind i den russiske kulturs historie for evigt. Men selvfølgelig var der også mesterværker af europæisk musik: operaer af Mozart, Rossini, Bellini, Donizetti, Verdi, Meyerbeer, Gounod, Aubert, Thom ... Over tid blev forestillingerne fra det russiske operakompagni overført til scenen af Alexandrinsky Theatre og det såkaldte Circus Theatre beliggende overfor Bolshoi (hvor forestillinger af balletgruppen samt den italienske opera fortsatte). Da Circus Theatre brændte ned i 1859, blev der bygget et nyt teater i stedet for den samme arkitekt Alberto Cavos. Det var han, der fik navnet Mariinsky til ære for den regerende kejserinde Maria Alexandrovna, hustru til Alexander II. Den allerførste teatersæson i den nye bygning åbnede den 2. oktober 1860 med operaen Life for the Tsar af Glinka dirigeret af chefdirigenten for den russiske opera Konstantin Lyadov, far til den fremtidige berømte komponist Anatoly Lyadov. Mariinsky Theatre har konsolideret og udviklet de store traditioner i den første russiske musikscene. Med ankomsten i 1863 af Eduard Napravnik, der erstattede Konstantin Lyadov som chefdirigent, begyndte den mest strålende æra i teatrets historie. Det halve århundrede, som Napravnik gav Mariinsky Theatre, har været præget af premiererne for de mest betydningsfulde operaer i russisk musikhistorie. Lad os nævne nogle få af dem - "Boris Godunov" af Mussorgsky, "The Pskovite", "May Night", "The Snow Maiden" af Rimsky-Korsakov, "Prince Igor" af Borodin, "The Maiden of Orleans", " Enchantress "," The Queen of Spades "," Iolanta "Tchaikovsky," The Demon "af Rubinstein," Oresteya "af Taneev. I begyndelsen af \u200b\u200bdet 20. århundrede omfattede teaterets repertoire Wagners operaer (blandt dem tetralogien Der Ring des Nibelungen), Elektra af Richard Strauss, Legenden om den usynlige by Kitezh af Rimsky-Korsakov og Khovanshchina af Mussorgsky. Marius Petipa, der ledede teaterets balletgruppe i 1869, fortsatte traditionerne fra sine forgængere Jules Perrot og Arthur Saint-Léon. Petipa bevarede nidkært sådanne klassiske forestillinger som Giselle, Esmeralda, Le Corsaire og udsatte dem for kun omhyggelig redigering. "La Bayadere" iscenesat af ham for første gang bragte balletstadiet ånde for en stor koreografisk komposition, hvor "dansen blev som musik." Petipas glade møde med Tchaikovsky, der hævdede, at "ballet er den samme symfoni", førte til fødslen af \u200b\u200b"Den sovende skønhed" - et ægte musikalsk og koreografisk digt. Kødografien af \u200b\u200bNøddeknækkeren blev oprettet i samarbejde med Petipa og Lev Ivanov. Efter Tsjajkovskijs død fandt Swan Lake et andet liv på scenen i Mariinsky-teatret - og igen i den fælles koreografi af Petipa og Ivanov. Petipa styrkede sit ry som koreograf-symfonist med produktionen af \u200b\u200bGlazunovs ballet Raymonda. Hans innovative ideer blev taget op af den unge Mikhail Fokin, der iscenesatte på Mariinsky Theatre Cherepnins Pavillon af Armida, Saint-Saens Svanen, Chopiniana til Chopins musik samt balletter oprettet i Paris - Scheherazade til Rimsky's musik. -Korsakov, "Firebird" og "Petrushka" af Stravinsky. Mariinsky Theatre er blevet rekonstrueret flere gange. I 1885, da de fleste forestillinger blev overført til Mariinsky-scenen inden lukningen af \u200b\u200bBolshoi-teatret, tilføjede hovedarkitekten for de kejserlige teatre Viktor Schreter en tre-etagers bygning til bygningens venstre fløj til teaterworkshops, øvelsesrum , et kraftværk og et kedelrum. I 1894 blev træbjælkerne under ledelse af Schroeter udskiftet med stål og armeret beton, sidevinger blev bygget på, og tilskuerens lobbyer blev udvidet. Hovedfacaden har været under genopbygning, som har fået en monumental form. I 1886 blev balletforestillinger, som fortsatte med at køre på scenen i Bolshoi Stone Theatre, overført til Mariinsky Theatre. Og på stedet for Bolshoi Kamenny blev bygningen af \u200b\u200bSt.Petersburg Conservatory rejst. Ved et regeringsdekret den 9. november 1917 blev Mariinsky Theatre erklæret stat og overført til jurisdiktion for People's Commissariat for Education. I 1920 begyndte det at blive kaldt State Academic Opera and Ballet Theatre (GATOB), og i 1935 blev det opkaldt efter SM Kirov. Sammen med klassikerne i det sidste århundrede optrådte moderne operaer på scenen i teatret i 1920'erne og begyndelsen af \u200b\u200b1930'erne - Kærligheden til tre appelsiner af Sergei Prokofiev, Wozzeck af Alban Berg, Salome og Der Rosenkavalier af Richard Strauss; der er født balletter, der bekræfter en ny koreografisk retning, der er populær i årtier, den såkaldte trommeballet - "Red Poppy" af Reingold Glier, "The Flame of Paris" og "The Fountain of Bakhchisarai" af Boris Asafiev, "Laurencia" af Alexander Crane, "Romeo og Juliet" af Sergei Prokofiev osv. Den sidste opera-premiere af Kirov-teatret før krigen var Wagners Lohengrin, hvis anden forestilling sluttede sidst på aftenen den 21. juni 1941, men forestillingerne var planlagt til juni 24 og 27 blev erstattet af Ivan Susanin. Under den store patriotiske krig blev teatret evakueret til Perm, hvor premiere på flere forestillinger fandt sted, herunder premieren på Aram Khachaturians ballet Gayane. Da han vendte tilbage til Leningrad, åbnede teatret sæsonen den 1. september 1944 med Glinkas opera Ivan Susanin. I 50-70'erne. teatret arrangerede sådanne berømte balletter som "Shurale" af Farid Yarullin, "Spartacus" af Aram Khachaturian og "Twelve" af Boris Tishchenko, koreograferet af Leonid Yakobson, "Stone Flower" af Sergei Prokofiev og "The Legend of Love" af Arif Melikov , koreografi af Yuri Grigorovich Dmitri Shostakovichs "Leningrad Symphony" koreograferet af Igor Belsky, mens de nye balletter blev iscenesat, blev balletklassikerne omhyggeligt bevaret i teaterets repertoire. Operaer af Prokofiev, Dzerzhinsky, Shaporin, Khrennikov dukkede op i det operatiske repertoire sammen med Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov, Mussorgsky, Verdi, Bizet. I 1968-1970. en generel rekonstruktion af teatret blev udført i henhold til Salome Gelfer-projektet, som et resultat af, at bygningens venstre fløj var "langstrakt" og fik sit nuværende udseende. En vigtig fase i teatrets historie i 1980'erne var forestillingerne af Tsjajkovskijs operaer "Eugene Onegin" og "Spadronningen", udført af Yuri Temirkanov, der ledede teatret i 1976. I disse produktioner, der stadig er bevaret på teaterets repertoire, har en ny generation af kunstnere erklæret sig selv. I 1988 blev Valery Gergiev chefdirigent for teatret. Den 16. januar 1992 blev teatret tilbage til sit historiske navn - Mariinsky. Og i 2006 modtog teatergruppen og orkestret til deres rådighed Koncertsalen på Dekabristov Street 37, bygget på initiativ af den kunstneriske leder og direktør for Mariinsky Theatre Valery Gergiev.