Historien om fremkomsten af teater i Rusland. Litteratur og musik i det gamle Rusland
slide 1
Fra en runddans til en stand Kommunal uddannelsesinstitution gymnasium nr. 8, Severomorsk - 3, Murmansk-regionenslide 2
slide 3
I gamle dage i Rusland var en runddans et populært folkespil. Han afspejlede en række livsfænomener. Der var kærlighed, militær, familie, arbejdsdans ... Vi kender tre typer runddans:
slide 4
I runddanseleg blev koret og den dramatiske begyndelse organisk smeltet sammen. Sådanne spil begyndte normalt med "set" sange og sluttede med "sammenklappelige", og sangene blev kendetegnet ved en klar rytme. Efterfølgende, med en ændring af strukturen i stammesamfundet, ændrede runddanseleg sig også. Solister-ledere (lysmænd) og skuespillere (skuespillere) dukkede op. Der var normalt ikke mere end tre skuespillere. Mens koret sang sangen, spillede de dens indhold. Der er en mening om, at det var disse skuespillere, der blev grundlæggerne af de første buffoons.
slide 5
Russisk dans er en integreret del af folkelege og festligheder. Hun har altid været forbundet med sang. Det var denne kombination, der var et af folketeatrets vigtigste udtryksmidler. Siden oldtiden har russisk folkedans været baseret på konkurrerende partneres vovemod på den ene side og enhed, glatte bevægelser på den anden side.
slide 6
Russisk dans blev født fra hedenske ritualer. Efter det 11. århundrede, med fremkomsten af professionelle bølleskuespillere, ændrede dansens karakter sig også. Buffoons ejede en udviklet danseteknik; sorter af buffoon-dansere opstod. Der var buffoon-dansere, der ikke kun dansede, men også spillede pantomimeforestillinger ved hjælp af dans, som oftest var improviseret. Dansere-dansere dukkede op, som regel var de buffons hustruer. Russisk dans
Slide 7
Dans har indtaget en stor plads i forskellige teaterformer. Han var en del af ikke kun spil og festligheder, men også opførelserne af Petrushka-dukketeateret, der ofte fyldte pausen mellem akter i skoledramaet. Mange traditioner for russisk dans har overlevet den dag i dag.
Slide 8
Lederbjørne har været nævnt i kilder siden 1500-tallet, selvom det er muligt, at de dukkede op meget tidligere. En respektfuld holdning til dette udyr opstod i hedensk tid. Bjørnen er stamfader. Han er et symbol på sundhed, frugtbarhed, velstand, han er stærkere end onde ånder.
Slide 9
Blandt bøflerne blev bjørnen betragtet som familiens forsørger, dens fulde medlem. Sådanne kunstnere blev kaldt ved navn og patronym: Mikhailo Potapych eller Matrena Ivanovna. I deres forestillinger skildrede guider normalt almindelige menneskers liv, mellemspil handlede om en bred vifte af hverdagslige emner. Ejeren spurgte for eksempel: "Og hvordan, Misha, går små børn for at stjæle ærter?" - eller: "Og hvordan vandrer kvinder langsomt hen til mesterens arbejde?" - og udyret viste det hele. I slutningen af forestillingen udførte bjørnen flere tillærte bevægelser, og ejeren kommenterede dem.
slide 10
"Bjørnekomedien" i det 19. århundrede bestod af tre hoveddele: For det første bjørnens dans med "geden" (geden blev normalt afbildet af en dreng, der satte en pose på hovedet; en pind med et gedehoved og horn blev gennemboret gennem posen fra oven; en trætunge var fastgjort til hovedet, fra hvis klapper der var en frygtelig lyd), så kom udyrets optræden under guidens vittigheder, og så dets kamp med "geden" eller ejeren. De første beskrivelser af sådanne komedier går tilbage til det 18. århundrede. Dette håndværk eksisterede i lang tid, indtil 30'erne af forrige århundrede.
slide 11
Siden oldtiden var det i mange europæiske lande sædvanligt at opstille en krybbe med figurer af jomfruen, en baby, en hyrde, et æsel og en tyr midt i kirken til jul. Efterhånden voksede denne skik til en slags teaterforestilling, som ved hjælp af dukker fortalte de berømte evangelielegender om Jesu Kristi fødsel, tilbedelsen af magi og den grusomme kong Herodes. Juleforestillingen var godt spredt i katolske lande, især i Polen, hvorfra den flyttede til Ukraine, Hviderusland og derefter, i en let modificeret form, til Vilikorossia.
slide 12
Da juleskikken gik ud over den katolske kirkes grænser, fik den navnet vertep (gammelslavisk og gammelrussisk - hule). Det var et dukketeater. Forestil dig en kasse opdelt indvendigt i to etager. Toppen af kassen endte med et tag, dens åbne side vendt mod offentligheden. På taget er et klokketårn. Et lys blev sat på den bag glas, som brændte under forestillingen, hvilket gav handlingen en magisk, mystisk karakter. Dukker til krybbeteatret var lavet af træ eller klude og fastgjort til en stang. Den nederste del af stangen blev holdt af dukkeføreren, så dukkerne bevægede sig og endda vendte sig. Dukkeføreren var selv gemt bag en kasse. På den øverste etage af hulen blev der udspillet bibelske historier, på den nederste etage - hverdag: hverdag, komisk, nogle gange social. Og sættet af dukker til den nederste etage var det sædvanlige: mænd, kvinder, djævelen, sigøjnere, en gendarme og en simpel mand viste sig altid at være mere udspekuleret og klogere end en gendarme. Det var fra Nativity Theatre, at Petrushka-teatret, så populært blandt folket, senere blev født.
slide 13
Alle vil danse, men ikke som en bøvl," siger et russisk ordsprog. Ja, mange kunne spille spil, men ikke alle kunne være professionelle bøvler. Favoritten blandt folket blandt professionelle bøvler var dukketeaterskuespilleren, og den mest populære var komedien om Petrusjka. Petrushka er en yndlingshelt blandt både de bøller, der gav forestillingen og publikum. Dette er en vovet vovehals og en bølle, som i enhver situation har bevaret en sans for humor og optimisme. Han bedragede altid de rige og myndighederne, og som talsmand for protesten nød han publikums opbakning.
slide 14
I sådan en teaterforestilling optrådte to helte samtidigt (ifølge dukkeførerens antal hænder): Petrushka og lægen, Petrushka og politimanden. Plotterne var de mest almindelige: Petrusjka bliver gift eller køber en hest osv. Han deltog altid i en konfliktsituation, mens Petrusjkas repressalier var ret grusomme, men offentligheden fordømte ham aldrig for dette. I slutningen af forestillingen blev Petrushka ofte overhalet af "himmelsk straf". Dukketeatret Petrushka var mest populært i det 17. århundrede.
slide 15
Siden slutningen af 1700-tallet kunne man på messen ofte se en lyst klædt mand, der bar en pyntet æske (rayok) og råbte højt: ”Kom her med mig for at snakke, ærlige mennesker, både drenge og piger, og godt gået og godt gået, og købmænd og købmænd, og ekspedienter og ekspedienter og officielle rotter og ledige festglade. Jeg vil vise jer alle mulige billeder: både herrer og mænd i fåreskindsfrakker, og I lytter med opmærksomhed til vittigheder og diverse vittigheder, spiser æbler, gnaver nødder, ser billeder og passer på jeres lommer. De vil snyde." Rayok
slide 16
Raek kom til os fra Europa og går tilbage til store panoramaer. Kunsthistorikeren D. Rovinsky beskriver det i bogen "Russian Folk Pictures" som følger: "Raek er en lille æske, arshin i alle retninger, med to forstørrelsesglas foran. Indeni er en lang stribe med hjemmedyrkede billeder af forskellige byer, fantastiske mennesker og begivenheder viklet tilbage fra den ene skøjtebane til den anden. Tilskuere, "på en skilling fra trynen," kigger ind i glasset. Rayoshnik flytter billederne og fortæller ordsprog til hvert nyt nummer, ofte meget indviklet."
slide 17
Raek var meget populær blandt folket. I den kunne man se både panoramaet af Konstantinopel og Napoleons død, kirken St. Peter i Rom og Adam med sin familie, helte, dværge og freaks. Desuden viste beboeren ikke bare billeder, men kommenterede de begivenheder, der var afbildet på dem, og kritiserede ofte myndighederne og den eksisterende orden, med et ord, berørte de mest brændende problemer. Som et tivoli eksisterede rayek indtil slutningen af det 19. århundrede.
slide 18
Ikke en eneste messe i det 18. århundrede var komplet uden en bod. Teaterboder bliver den tids yndlingsprogrammer. De blev bygget lige på pladsen, og ved den måde, boden var indrettet, kunne man umiddelbart forstå, om dens ejer var rig eller fattig. Normalt blev de bygget af brædder, taget var lavet af lærred eller linned.
slide 19
Indenfor var der en scene og et gardin. Almindelige tilskuere sad på bænke og under forestillingen spiste de forskellige slik, donuts og endda kålsuppe. Senere dukkede et rigtigt auditorium op i boderne med boder, kasser og en orkestergrav. Udenfor var kabiner dekoreret med guirlander, skilte, og når der dukkede gasbelysning op, så med gaslamper. Truppen bestod normalt af professionelle og omrejsende skuespillere. De gav op til fem forestillinger om dagen. I teaterboden kunne man se harlequinaden, tricks, mellemspil. Her optrådte sangere, dansere og bare "outlandish" mennesker. Populær var den person, der drak den brændende væske, eller den "afrikanske kannibal", der spiste duer. Kannibalen var normalt en kunstner smurt med harpiks, og duen var et fugleskræmsel med en pose tranebær. Almindelige mennesker så naturligvis altid frem til en messe med en teaterbod.
slide 20
Der var også cirkusboder, deres skuespillere var "jack of all trades". Yu. Dmitriev i bogen "Cirkus i Rusland" citerer en besked om ankomsten af komikere fra Holland, som "går på et reb, danser, hopper i luften, på trapperne, holder fast i ingenting, spiller violin og gå op ad trapperne, danse, hoppe enormt højt og lave andre fantastiske ting.” I løbet af de lange år af deres eksistens har kabinerne ændret sig, i slutningen af det 19. århundrede forsvandt de næsten fra det russiske teaters historie for altid.
slide 21
1672 - forestillinger af tsar Alexei Mikhailovichs hoftrup begyndte
slide 22
1702 - det første russiske offentlige teater på Den Røde Plads Festlige processioner, fyrværkeri, maskerader, forsamlinger bliver populære
slide 23
Sådan så teatret i Yaroslavl ud i 1909. I 1911 blev han opkaldt efter Fjodor Volkov
Russisk teater RUSSISK TEATER (THEATRE OF RUSSIA) gik gennem en anden dannelses- og udviklingsvej end det europæiske, østlige eller amerikanske teater. Stadierne på denne vej er forbundet med originaliteten af Ruslands historie - dets økonomi, ændringer i sociale formationer, religion, russernes særlige mentalitet osv. TEATER
Oprindelsen og dannelsen af det russiske teaterteater i dets rituelle og ceremonielle former, som i ethvert gammelt samfund, var også udbredt i Rusland, det eksisterede i mystiske former. I dette tilfælde mener vi mysterium ikke som en genre af middelalderlig europæisk teater, men som en gruppehandling forbundet med hverdagens og hellige mål, oftest - at få hjælp fra en guddom i situationer, der er vigtige for det menneskelige fællesskabs funktion.
Oprindelsen og dannelsen af det russiske teater. Det var stadierne i landbrugscyklussen - såning, høst, naturkatastrofer - tørke, epidemier og epizootier, stamme- og familiebegivenheder - ægteskab, fødsel, død osv. Disse var prateaterforestillinger baseret på gammel stamme- og landbrugsmagi, så teatret i denne periode studeres hovedsageligt af folklorister og etnografer, og ikke teaterhistorikere. Men denne fase er ekstremt vigtig - ligesom enhver begyndelse, der sætter vektoren for udvikling.
Oprindelsen og dannelsen af det russiske teater Fra sådanne rituelle handlinger blev udviklingslinjen for det russiske teater født som en folklore, folketeater, præsenteret i mange former - et dukketeater (Petrushka, fødselsscene osv.), en bod (raek, bjørnesjov osv.), omvandrende skuespillere (harpespillere, sangere, historiefortællere, akrobater osv.) osv. Indtil 1600-tallet teatret i Rusland udviklede sig kun som et folkloristisk teater, der var ingen andre teatralske former, i modsætning til i Europa. Indtil det 10.–11. århundrede Russisk teater udviklede sig langs den vej, der er karakteristisk for det traditionelle teater i Østen eller Afrika - ritual, folklore, helligt, bygget på original mytologi
Oprindelsen og dannelsen af det russiske teater Omtrent fra det 11. århundrede. situationen ændrer sig, først - gradvist, derefter - stærkere, hvilket førte til en grundlæggende ændring i udviklingen af det russiske teater og dets videre dannelse under indflydelse af europæisk kultur.
Professionelt teater De første repræsentanter for det professionelle teater var buffoner, der arbejdede i næsten alle genrer af gadeforestillinger. Det første vidnesbyrd om bøvler går tilbage til det 11. århundrede, hvilket gør det muligt at sikre sig, at bøffelkunst var et fænomen, der længe var blevet dannet og trådte ind i alle lag af det daværende samfunds liv. Dannelsen af russisk original bøffelkunst, der stammer fra ritualer og ritualer, blev også påvirket af "turen" af vandrende europæiske og byzantinske komikere - histrioner, troubadourer, vaganter
Skole-kirketeatret "Stoglavy"-katedralen i den russisk-ortodokse kirke i 1551 spillede en afgørende rolle i etableringen af ideen om en religiøs-statslig enhed og betroede gejstligheden pligten til at skabe åndelige uddannelsesinstitutioner. I denne periode optrådte skoledrama og skole-kirkeforestillinger, som blev opført i teatre på disse uddannelsesinstitutioner (højskoler, akademier). Figurer, der personificerer staten, kirken, den gamle Olympus, visdom, tro, håb, kærlighed osv., dukkede op på scenen, overført fra bøgernes sider.
Skole- og kirketeater Efter at være opstået i Kiev, begyndte skolekirketeatret at dukke op i andre byer: Moskva, Smolensk, Yaroslavl, Tobolsk, Polotsk, Tver, Rostov, Chernigov osv. Efter at være vokset op inden for en teologisk skoles mure afsluttede han teatraliseringen af kirkelige ritualer: liturgi, hellige uges gudstjenester, jul, påske og andre ritualer. Skoleteatret, der opstod under det fremvoksende borgerlige livs betingelser, adskilte for første gang på vor jord skuespilleren og scenen fra beskueren og auditoriet, førte for første gang til et vist scenebillede for både dramatikeren og skuespilleren.
Court Theatre Dannelsen af hofteatret i Rusland er forbundet med navnet på zar Alexei Mikhailovich. Tiden for hans regeringstid er forbundet med dannelsen af en ny ideologi fokuseret på at udvide diplomatiske forbindelser med Europa. Orientering til den europæiske livsstil førte til mange ændringer i det russiske hofs liv. I. Rozanov. Portræt af grundlæggeren af det første hofteater Artamon Sergeevich Matveev
Hofteater. Aleksey Mikhailovichs forsøg på at organisere det første hofteater går også tilbage til 1660: i "listen" over ordrer og indkøb til tsaren indskrev den engelske købmand Gebdon, Alexei Mikhailovichs hånd, opgaven "At tilkalde komediemestre fra de tyske lande til Moskva-staten”. Dette forsøg var imidlertid mislykket; den første opførelse af det russiske hofteater fandt sted først i maj 1672, zaren udstedte et dekret, hvori oberst Nikolai von Staden (en ven af boyaren Matveev) blev pålagt at finde folk i udlandet, der kunne "spille komedier".
Court Theatre Performances er blevet en af de foretrukne underholdninger ved Moskva-domstolen. Der var 26 russiske skuespillere. Drengene spillede de kvindelige roller. Rollen som Ester i Artaxerxes' handling blev spillet af søn af Blumentrost. Både udlændinge og russiske skuespillere blev uddannet i en specialskole, som blev åbnet den 21. september 1672 i gården til Gregorys hus i den tyske bosættelse. Det viste sig at være svært at undervise russiske og udenlandske elever, og i anden halvdel af 1675 begyndte to teaterskoler at fungere: ved det polske hof - for udlændinge, i Meshchanskaya Sloboda - for russere
Hofteater Det første hofteaters fremkomst faldt sammen med Peter I's fødsel (1672), som så de sidste forestillinger af dette teater som barn. Efter at have besteget tronen og startet et stort arbejde med europæiseringen af Rusland, kunne Peter I ikke lade være med at vende sig til teatret som et middel til at fremme hans innovative politiske og sociale ideer.
Petrovsky Theatre Petrovsky Theatre Fra slutningen af det 17. århundrede. i Europa kom maskerader på mode, som den unge Peter I kunne lide, og i 1698 deltog han i en frisisk bondes dragt i den wienske maskerade. Peter besluttede at popularisere sine reformer og innovationer gennem teatrets kunst. Han planlagde at bygge et teater i Moskva, men ikke for eliten, men åbent for alle. I 1698–1699 arbejdede en dukketeatertrup i Moskva med Jan Splavsky i spidsen, og i 1701 pålagde Peter at invitere komikere fra udlandet. I 1702 ankommer truppen Johann Kunst til Rusland
Fremkomsten af et offentligt (offentligt) teater Efter at Elizabeth Petrovna besteg tronen i 1741, fortsatte introduktionen af det europæiske teater. Udenlandske trupper turnerede ved hoffet - blandt andet italienske, tyske, franske - drama, opera og ballet, commedia dell'arte. I samme periode blev grundlaget for det nationale russiske professionelle teater lagt, det var under Elizabeths regeringstid, at den fremtidige "fader til det russiske teater" Fyodor Volkov studerede i Moskva, deltog i juleforestillinger og absorberede oplevelsen af at turnere europæiske trupper.
Teatre på uddannelsesinstitutioner I midten af 1700-tallet. teatre er organiseret i uddannelsesinstitutioner (1749 - St. Petersburg Gentry Corps, 1756 - Moskva Universitet), russiske teaterforestillinger arrangeres i Skt. Petersborg (arrangør I. Lukin), i Moskva (arrangører K. Baikulov, kontorister ledet af Khalkov og Glushkov, mester "Ivanov og andre), i Yaroslavl (arrangører N. Serov, F. Volkov). I 1747 fandt en anden vigtig begivenhed sted: den første poetiske tragedie blev skrevet - Khorev A. Sumarokov.
Nationalt offentligt teater Alt dette skaber forudsætningerne for fremkomsten af et nationalt offentligt teater. For at gøre dette blev Volkovs trup i 1752 kaldt fra Yaroslavl til St. Petersborg. Talentfulde amatørskuespillere er fast besluttet på at studere i herrekorpset - A. Popov, I. Dmitrevsky, F. og G. Volkov, G. Emelyanov, P. Ivanova og andre. Blandt dem er fire kvinder: A. Musina-Pushkina, A. Mikhailova, søstrene M. og O. Ananiev.
Petrovsky-teatret Petrovsky-teatret Under Peter den Store blev forestillinger i Sibirien initieret af metropoliten i Tobolsk, Philotheus Leshchinsky. I en håndskrevet krønike under 1727 hedder det: “Philotheus var en jæger efter teaterforestillinger, han lavede herlige og rige komedier, når det var nødvendigt for samlerens tilskuer til komedie, så herre ind i domkirkens klokker til indsamling af blasfemi produceret, og teatrene var mellem katedralen og St. Sergius kirker og vzvozu, hvor folk gik. Innovationen af Metropolitan Philotheus blev videreført af hans efterfølgere, hvoraf nogle var elever fra Kiev Academy.
Teater under Anna Ioannovna Anna Ioannovna brugte enorme summer på forskellige festligheder, baller, maskerader, højtidelige modtagelser af ambassadører, fyrværkeri, belysninger og teatralske processioner. Ved hendes hof genoplivede klovnekulturen og fortsatte traditionerne for de "siddende" bøffer - hun havde kæmper og dværge, narrer og kiks. Den mest berømte teatralske ferie var det "kuriøse" bryllup mellem narren Prins Golitsyn med Kalmyk-jokeren Buzheninova i Ishuset den 6. februar 1740.
Permanent offentligt teater Det første russiske permanente offentlige teater blev åbnet i 1756 i Skt. Petersborg i Golovkinsky-huset. En række skuespillere fra Yaroslavl-truppen af F. Volkov, herunder tegneserieskuespilleren Y. Shumsky, blev føjet til de skuespillere, der var uddannet i herrekorpset. Teatret blev ledet af Sumarokov, hvis klassicistiske tragedier dannede grundlaget for repertoiret. Den første plads i truppen blev besat af Volkov, der erstattede Sumarokov som direktør og holdt denne stilling indtil sin død i 1763 (dette teater i 1832 vil blive kaldt Alexandrinsky - til ære for konen til Nicholas I.)
Oprettelse af et dramateater De første offentlige forestillinger i Moskva går tilbage til 1756, hvor studerende på universitetets gymnasium under vejledning af deres direktør, digteren M. Kheraskov, dannede en teatertrup inden for universitetets mure. Repræsentanter for det højeste Moskva-samfund blev inviteret til forestillingerne. I 1776 blev der på grundlag af den tidligere universitetstrup oprettet et dramateater, som fik navnet Petrovsky (det er også Medox-teatret). Bolshoi (opera og ballet) og Maly (dramatisk) teatre i Rusland leder deres slægtsforskning fra dette teater.
Historien om Maly Theatre Maly Theatre er det ældste teater i Rusland. Hans trup blev oprettet ved Moskva Universitet i 1756, umiddelbart efter det velkendte dekret fra kejserinde Elizaveta Petrovna, som markerede fødslen af et professionelt teater i vores land: Vi beordrede nu etableringen af et russisk teater til præsentation af komedier og tragedier ... Købmanden Vargins hus, hvor Maly Teatret blev åbnet i 1824
Maly-teatrets historie I 1824 genopbyggede Beauvais købmanden Vargins palæ til teatret, og den dramatiske del af Moskva-truppen af det kejserlige teater fik sin egen bygning på Petrovsky-pladsen (nu Teatralnaya) og sit eget navn - Maly Teater. I 1824 genopbyggede Beauvais købmanden Vargins palæ til teatret, og den dramatiske del af Moskva-truppen af Imperial Theatre fik sin egen bygning på Petrovskaya (nu Teatralnaya) Plads og sit eget navn - Maly Theatre. Bygningen af Moscow Maly Theatre, fotografi af 90'erne i det XIX århundrede
Teater i sentimentalismens æra Klassicismens periode i Rusland varede ikke længe - allerede fra midten af 1760'erne begyndte sentimentalismens dannelse. Der er "tårefulde komedier" af V. Lukinsky, M. Veryovkin, M. Kheraskov, komisk opera, småborgerligt drama. Styrkelsen af demokratiske tendenser i teatret og dramaturgien blev lettet af forværringen af sociale modsætninger i perioden med bondekrigen 1773-1775 og folketeatrets traditioner. Så ifølge samtidige brugte Shumsky spilleteknikker tæt på bøffer. En satirisk komedie er under udvikling - Undergrowth D. Fonvizin
Fæstnings teatre Ved slutningen af det 18. århundrede. fæstningsteatre breder sig. Teaterspecialister - skuespillere, koreografer, komponister - var inviteret her til undervisning med skuespillere. Nogle af fæstningsteatrene (Sheremetev i Kuskovo og Ostankino, Yusupov i Arkhangelsk) overgik statsteatrene i rigdommen af deres produktioner. I begyndelsen af det 19. århundrede ejerne af nogle livegne-teatre begynder at gøre dem til kommercielle virksomheder (Shakhovskaya og andre). Mange berømte russiske skuespillere kom ud af livegne-teatrene, som ofte blev frigivet til quitrent for at spille i "gratis" teatre - inkl. på den kejserlige scene (M. Shchepkin, L. Nikulina-Kositskaya og andre). Slotteaterdanser
Teater ved århundredeskiftet Generelt processen med dannelsen af et professionelt teater i Rusland i det 18. århundrede. sluttede. Det næste, 19. århundrede, blev en periode med hurtig udvikling af alle områder af det russiske teater. Eremitageteatret, bygget efter ordre fra Katarina den Store i årene
Russisk teater på 19 c Russisk teater på 19 c Spørgsmål relateret til udviklingen af teatret i begyndelsen af det 19. århundrede. blev diskuteret på møder i Free Society of Lovers of Literature, Sciences and Arts. En tilhænger af Radishchev, I. Pnin, argumenterede i sin bog Experience on Enlightenment with Respect to Russia (1804), at teatret skulle bidrage til samfundets udvikling. For det andet bidrog relevansen af de patriotiske tragedier iscenesat i denne periode, fulde af hentydninger til den moderne situation (Ødipus i Athen og Dmitry Donskoy V. Ozerov, skuespil af F. Schiller og W. Shakespeare), til dannelsen af romantikken. Det betyder, at nye principper for skuespil, ønsket om individualisering af scenekarakterer, afsløringen af deres følelser og psykologi, blev bekræftet.
Opdeling af teatret i to trupper I den første fjerdedel af det 19. århundrede. den første officielle adskillelse af det russiske dramateater i en separat retning fandt sted (tidligere arbejdede dramatruppen sammen med operaen og balletten, og de samme skuespillere optrådte ofte i forestillinger af forskellige genrer). I 1824 blev Medox' tidligere teater opdelt i to trupper - drama (Maly Theatre) og opera og ballet (Bolshoi Theatre). Maly Teatret får en separat bygning. (I Skt. Petersborg blev dramatruppen skilt fra musiktruppen i 1803, men før de flyttede til en separat bygning af Alexandrinsky-teatret i 1836, arbejdede den stadig sammen med opera- og ballettruppen på Mariinsky-teatret.)
Alexandrinsky Theatre Til Alexandrinsky Theatre, anden halvdel af det 19. århundrede. viste sig at være en sværere periode. På trods af separate produktioner af skuespil af Ostrovsky, I. Turgenev, A. Sukhovo-Kobylin, A. Pisemsky, på foranledning af direktoratet for de kejserlige teatre, dannede vaudeville og pseudo-folkedramaturgi hovedgrundlaget for repertoiret på det tidspunkt. Truppen omfattede mange talentfulde kunstnere, hvis navne er indskrevet i det russiske teaters historie: A. Martynov, P. Vasiliev, V. Asenkova, E. Guseva, Yu. Linskaya, V. Samoilov, senere ved udgangen af det 19. århundrede. - P. Strepetova, V. Komissarzhevskaya, M. Dalsky, K. Varlamov, M. Savina, V. Strelskaya, V. Dalmatov, V. Davydov m.fl.. Men hver af disse geniale skuespillere optrådte som om de var alene, og optrådte stjerner udgjorde ikke et sceneensemble. Generelt var Alexandrinsky-teatrets tilstand på det tidspunkt ikke særlig misundelsesværdig: truppelederne ændrede sig konstant, der var ingen stærk retning, antallet af premierer steg, og øvetiden blev reduceret.
Det største opera- og balletteater i Rusland, et af de ældste musikteatre i vores land. Det stammer fra Stone (Bolshoi) Teatret, der åbnede i 1783. Det har eksisteret i en moderne bygning (genopbygget efter en brand i Cirkusteatret) siden 1860, samtidig fik det et nyt navn - Mariinsky Teatret.
Teater ved århundredeskiftet Det 19. og 20. århundredes skifte blev perioden med hurtig stigning og hurtig opblomstring af det russiske teater. Denne gang var et vendepunkt for hele verdensteatret: en ny teaterprofession dukkede op - instruktøren, og i forbindelse hermed dannedes en grundlæggende ny æstetik for instruktørteatret. I Rusland er disse tendenser særligt udtalte. Det var en periode med hidtil uset stigning i al russisk kunst, som senere fik navnet sølvalderen. Og dramateatret - sammen med poesi, maleri, scenografi, ballet - dukkede op i en lang række æstetiske retninger, der fokuserede på verdens teatralske samfund.
Russisk teater ved overgangen til det 19.-20. århundrede Russisk teater ved overgangen til det 19.-20. århundrede For at betragte Rusland ved overgangen til det 19.-20. århundrede. fokus på verdens teatralske præstationer, ville det være nok for en K. Stanislavsky med sine fantastiske innovative ideer og Moskvas kunstteater skabt af ham sammen med V. Nemirovich-Danchenko (1898). På trods af det faktum, at Moskvas kunstteater åbnede med en forestilling af zar Fedor Ioannovich af A.K. Tolstoy, blev A. Chekhovs dramaturgi, mystisk, ikke helt afsløret selv i dag, banneret for det nye teater. Ikke underligt, at der er en måge på gardinet af Moskvas kunstteater, som refererer til titlen på et af Tjekhovs bedste skuespil og er blevet et symbol på teatret. Men en af Stanislavskys vigtigste fordele for verdensteatret er uddannelsen af talentfulde studerende, der har absorberet oplevelsen af hans teatersystem og udviklet det yderligere i de mest uventede og paradoksale retninger (lyse eksempler er V. Meyerhold, M. Chekhov, E. Vakhtangov).
VERA FYODOROVNA KOMISSARZHEVSKAYA V. Komissarzhevskaya var datidens "nøglefigur" i St. Petersborg. Debuterede på scenen i Alexandrinsky Theatre i 1896 (før det spillede hun i amatørforestillinger af Stanislavsky), vandt skuespillerinden næsten øjeblikkeligt publikums brændende kærlighed. Hendes eget teater, grundlagt i 1904, spillede en stor rolle i dannelsen af en strålende konstellation af russiske instruktører. I teatret i Komissarzhevskaya i 1906-1907 hævdede Meyerhold først principperne for det konventionelle teater på hovedstadens scene (senere fortsatte han sine eksperimenter i de kejserlige teatre - Alexandrinsky og Mariinsky, såvel som i Tenishevsky-skolen og i teaterstudiet på Borodinskaya Street)
Moscow Art Theatre Moscow Art Theatre Moscow Art Theatre var centrum for teaterlivet. En strålende konstellation af skuespillere var samlet der, som spillede i forestillinger, der tiltrak et stort antal tilskuere: O. Knipper, I. Moskvin, M. Lilina, M. Andreeva, A. Artem, V. Kachalov, M. Chekhov og andre. moderne instruktion: ud over Stanislavsky og Nemirovich-Danchenko var disse værker af L. Sulerzhitsky, K. Mardzhanov, Vakhtangov; den verdensberømte G. Krag kom også til produktionen. Moskvas kunstteater lagde grundlaget for moderne scenografi: M. Dobuzhinsky, N. Roerich, A. Benois, B. Kustodiev og andre var involveret i arbejdet med dets forestillinger. Moskvas kunstteater på det tidspunkt bestemte faktisk hele det kunstneriske liv af Moskva, inkl. - og udvikling af små teaterformer; Den mest populære Moskva-teater-kabaret "Flagermusen" bliver skabt på grundlag af sketcherne fra Moskvas kunstteater.
Russisk teater efter 1917 Den nye regering forstod vigtigheden af teaterkunst: den 9. november 1917 blev der udstedt et dekret af Rådet for Folkekommissærer, der overførte alle russiske teatre til jurisdiktionen af kunstafdelingen under Statens Uddannelseskommission. Og den 26. august 1919 udkom et dekret om nationalisering af teatre, for første gang i Ruslands historie blev teatret fuldstændigt en statsanliggende (i det antikke Grækenland blev en sådan statspolitik gennemført så tidligt som den 5. århundrede f.Kr.). De førende teatre blev tildelt akademiske titler: i 1919 - Maly Theatre, i 1920 - Moskva Art Theatre og Alexandrinsky Theatre (omdøbt til Petrograd State Academic Drama Theatre). Nye teatre åbner. I Moskva - det 3. studie af Moskvas kunstteater (1920, senere Vakhtangov-teatret); Revolutionens teater (1922, senere - Mayakovsky-teatret); teater opkaldt efter MGSPS (1922, i dag - teater opkaldt efter Mossovet); Moskva Teater for børn (1921, siden 1936 - Central Children's Theatre). I Petrograd - Bolshoi Drama Theatre (1919); GOSET (1919, flyttede til Moskva i 1920); Teater for unge tilskuere (1922).
Teater opkaldt efter Evgeny Vakhtangov Teatrets historie opkaldt efter Evgeny Vakhtangov Vakhtangov begyndte længe før hans fødsel. I slutningen af 1913 organiserede en gruppe meget unge studerende på atten til tyve Moskva-studerende Student Drama Studio, der besluttede at engagere sig i teaterkunst i henhold til Stanislavsky-systemet.
Teater i 1930'erne En ny periode af det russiske teater begyndte i 1932 med en resolution fra Centralkomiteen for Bolsjevikkernes Kommunistiske Parti "Om omstruktureringen af litterære og kunstneriske organisationer". Metoden til socialistisk realisme blev anerkendt som hovedmetoden i kunsten. Tiden for kunstneriske eksperimenter er forbi, selvom det ikke betyder, at de efterfølgende år ikke bragte nye bedrifter og succeser i udviklingen af teaterkunsten. Det er bare, at "territoriet" for tilladt kunst er blevet indsnævret, fremførelser af visse kunstneriske tendenser blev godkendt - som regel realistiske. Og et yderligere evalueringskriterium dukkede op: ideologisk-tematisk. Så for eksempel forestillingerne af den såkaldte. "Leninians", hvor billedet af V. Lenin blev bragt til scenen (A Man with a Gun in the Vakhtangov Theatre, B. Shchukin i rollen som Lenin; Pravda i Revolution Theatre, M. Strauch i rollen som Lenin osv.). Praktisk taget dømt til succes var enhver forestilling baseret på skuespil af "grundlæggeren af den socialistiske realisme" M. Gorky. Dette betyder ikke, at enhver ideologisk opretholdt optræden var dårlig, bare kunstneriske kriterier (og nogle gange publikumssucces) i den statslige evaluering af præstationer holdt op med at være afgørende.
Teater i 1930'erne (og anden halvdel af 1940'erne, hvor den ideologiske politik fortsatte) var tragisk for mange personer i det russiske teater. Det russiske teater fortsatte dog med at udvikle sig. Nye instruktørnavne dukkede op: A.Popov, Yu.Zavadsky, R.Simonov, B.Zakhava, A.Dikiy, N.Okhlopkov, L.Vivien, N.Akimov, N.Gerchakov, M.Kedrov, M.Knebel, V .Sakhnovsky, B.Sushkevich, I.Bersenev, A.Bryantsev, E.Radlov m.fl. Disse navne var hovedsageligt forbundet med Moskva og Leningrad og instruktørskolen for landets førende teatre. Men værker af mange instruktører i andre byer i Sovjetunionen vinder også berømmelse: N. Sobolshchikov-Samarin (Gorky), N. Sinelnikov (Kharkov), I. Rostovtsev (Yaroslavl), A. Kanin (Ryazan), V. Bityutsky (Sverdlovsk), N. Pokrovsky (Smolensk, Gorky, Volgograd) osv.
Teater under den store patriotiske krig Under den store patriotiske krig vendte russiske teatre sig hovedsageligt til det patriotiske tema. Skuespil skrevet i denne periode (L. Leonovs invasion, A. Korneichuks front, En fyr fra vores by og K. Simonovs russiske folk), og skuespil med historiske og patriotiske temaer (Peter I AN Tolstoj, feltmarskal Kutuzov) blev opført på niveauer
Teater under den store patriotiske krig Perioden 1941-1945 havde en anden konsekvens for teaterlivet i Rusland og Sovjetunionen: en betydelig stigning i det kunstneriske niveau i provinsteatrene. Evakueringen af teatre i Moskva og Leningrad og deres arbejde i periferien pustede nyt liv i lokale teatre, bidrog til integrationen af scenekunsten og udvekslingen af kreative erfaringer.
Det russiske teater i 1950-1980 Det russiske teater i 1950-1980 Et stort bidrag til dannelsen af russisk teaterkunst blev ydet af mange skuespillere fra Leningrad: I. Gorbatjov, N. Simonov, Yu. Tolubeev, N. Cherkasov, B. Freindlich, O. Lebzak, L. Shtykan, N. Burov og andre (Pushkin Theatre); D. Barkov, L. Dyachkov, G. Zhzhenov, A. Petrenko, A. Ravikovich, A. Freindlich, M. Boyarsky, S. Migitsko, I. Mazurkevich og andre (Lensovet Theatre); V. Yakovlev, R. Gromadsky, E. Ziganshina, V. Tykke og andre (Lenin Komsomol Teater); T. Abrosimova, N. Boyarsky, I. Krasko, S. Landgraf, Yu Ovsyanko, V. Osobik og andre (Komissarzhevskaya Theatre); E. Junger, S. Filippov, M. Svetin m.fl. (Komedieteater); L. Makariev, R. Lebedev, L. Sokolova, N. Lavrov, N. Ivanov, A. Khochinsky, A. Shuranova, O. Volkova og andre (Young Spectators Theatre); N. Akimova, N. Lavrov, T. Shestakova, S. Bekhterev, I. Ivanov, V. Osipchuk, P. Semak, I. Sklyar og andre (MDT, også kendt som Theatre of Europe). Den russiske hærs teater THEATRE OF THE RUSSIAN HÆR er det første professionelle dramateater i forsvarsministeriets system. Indtil 1946 blev det kaldt Teatret for Den Røde Hær, derefter blev det omdøbt til Teatret for den sovjetiske hær (senere - det centrale akademiske teater for den sovjetiske hær). Siden 1991 - Central Academic Theatre of the Russian Army. THEATRE OF THE RUSSIAN HÆR er det første professionelle dramateater i forsvarsministeriets system. Indtil 1946 blev det kaldt Teatret for Den Røde Hær, derefter blev det omdøbt til Teatret for den sovjetiske hær (senere - det centrale akademiske teater for den sovjetiske hær). Siden 1991 - Central Academic Theatre of the Russian Army.
Den Russiske Hærs Teater I 1930-1931 blev Teateret for Den Røde Hær ledet af Yu.A. Zavadsky. Her iscenesatte han en af de bemærkelsesværdige forestillinger i Moskva på det tidspunkt, Mstislav Udaloy I. Prut. Et studie arbejdede på teatret, dets kandidater genopfyldte truppen. I 1935 blev teatret ledet af A.D. Popov, hvis navn er forbundet med den røde hærs storhedstid. Arkitekt KS Alabyan skabte et projekt af en meget speciel teaterbygning - i form af en femtakket stjerne, med to auditorier (Den Store Sal med 1800 pladser), med en rummelig scene, præget af en hidtil uset dybde indtil da, med mange lokaler indrettet til værksteder, teatergudstjenester, øvelokaler. I 1940 blev bygningen bygget, indtil det tidspunkt spillede teatret sine forestillinger i Red Banner Hall i House of the Red Army, gik på lange ture.
Russisk teater i den postsovjetiske periode Russisk teater i den post-sovjetiske periode Ændring af politisk dannelse i begyndelsen af 1990'erne og en lang periode med økonomisk ødelæggelse ændrede radikalt det russiske teaters liv. Den første periode med svækkelse (og efter - og ophævelse) af ideologisk kontrol blev ledsaget af eufori: nu kan du tage på og vise publikum hvad som helst. Efter afskaffelsen af centraliseringen af teatrene blev der organiseret mange nye grupper af teaterstudier, virksomheder mv. Men de færreste af dem overlevede under de nye forhold - det viste sig, at der ud over det ideologiske diktat er seerens diktat: offentligheden vil kun se, hvad den vil. Og hvis det under betingelserne for statsfinansiering af teatret ikke er særlig vigtigt at fylde auditoriet, så med selvforsyning er et fuldt hus i hallen den vigtigste betingelse for overlevelse.
Teater i dag Nutiden for det russiske teater er forbundet med sølvalderen med hensyn til antallet og mangfoldigheden af æstetiske tendenser. Instruktører af traditionelle teatralske tendenser sameksisterer med eksperimentatorer. Sammen med anerkendte mestre - P. Fomenko, V. Fokin, O. Tabakov, R. Viktyuk, M. Levitin, L. Dodin, A. Kalyagin, G. Volchek, K. Ginkas, G. Yanovskaya, G. Trostyanetsky, I Reichelgauz, K. Raikin, S. Artsibashev, S. Prokhanov, S. Vragova, A. Galibin, V. Pazi, G. Kozlov, såvel som endnu yngre og mere radikale avantgarde-kunstnere: B. Yukhananov, A. Praudin, A .Mighty, V.Kramer, Klim og andre.
Teater i dag I den postsovjetiske periode ændrede konturerne af teatralske reformer sig dramatisk, de flyttede hovedsageligt til området for finansiering af teatergrupper, behovet for statsstøtte til kultur i almindelighed og teatre i særdeleshed, og så videre. Den mulige reform forårsager mange forskellige meninger og heftig debat. De første skridt i denne reform var den russiske regerings dekret i 2005 om yderligere midler til en række teatre og uddannelsesteaterinstitutioner i Moskva og Skt. Petersborg. Der er dog et stykke vej endnu før den systemiske udvikling af teaterreformordningen. Hvad det bliver, er endnu uklart.
Russisk teatralsk kreativitet opstod i æraen med det primitive kommunale system og er i højere grad end maleri og arkitektur forbundet med folkekunst. Jorden, hvor dens oprindelige elementer optrådte, var slavernes produktionsaktivitet, som i folkeritualer og helligdage gjorde det til et komplekst system af dramatisk kunst.
Folkloreteater i de slaviske lande eksisterer stadig i dag. Bryllupper, begravelser, landbrugsferier er komplekse ritualer, som nogle gange varer flere dage og i vid udstrækning bruger teatralske elementer som dramatisk action, sang, dans, kostume, kulisser (matchmakerens, brudens påklædning, runddans, ritual- eller underholdningsspil osv.) . De gamle slaver afspejlede også feriedagen for opstandelsen af den døde natur, karakteristisk for verdenshedenskab.
Efter vedtagelsen af kristendommen faldt folkespillenes rolle i samfundslivet betydeligt (kirken forfulgte hedenskab). Teatralsk folkekunst fortsatte dog med at leve indtil det 20. århundrede. Til at begynde med var dens bærere buffoner. Ved folkespillene blev der opført populære "mummers", "afdøde" forestillinger med en "lært bjørn". Folkets Teater gav Petrusjka Teatret.
Favorit i Rusland var dukketeater - en julekrybbe, senere et distrikt (Ukraine), i syd og vest - batleyka (Hviderusland). Disse forestillinger blev givet ved hjælp af en trækasse opdelt i øvre og nedre etager. På øverste etage blev en seriøs del af forestillingen spillet med temaet den bibelske fortælling om Kristi fødsel og kong Herodes. På underetagen blev der vist hverdagskomiske og satiriske scener, der på mange måder mindede om Petrusjka-teatret. Efterhånden blev den seriøse del af krybbeforestillingen reduceret, og anden del voksede, suppleret med nye komiske scener. 
og krybben fra en to-lags boks blev en enkelt-tier.
Indtil det 17. århundrede i Rusland var teatraliteten en organisk komponent i folkeritualer, kalenderferier og runddanse. Elementer af det indgik i gudstjenesten, og det er her, efterhånden som det sekulære princip skærpes i det russiske samfund, at et professionelt teater begynder at tage form.
I første omgang opstod liturgiske forestillinger. Disse er ret komplekse teaterforestillinger, der bruges til at øge virkningen af kirkelige tjenester og forherlige statens og kirkens myndigheders enhed. Kendt er "komfur-aktionen" (en iscenesættelse af kong Nebukadnezars massakre på kristne) og "at gå på et æsel" (tegning af Bibelens plot palmesøndag).
Hof- og skoleteatrene i det 17. århundrede bidrog til den videre udvikling af teatervirksomheden i Rusland. Selv under zar Alexei Mikhailovich begyndte hoffestligheder, receptioner, ceremonier at tage form med en stor portion teatralskhed - udtryksfuldt og storslået. Det første russiske professionelle komedieteater var et hofteater og var et af zarens regulerede "sjov". Den blev ledet i 1662 af teologimesteren, præst og skoleleder ved den lutherske officerskirke i Moskvas tyske kvarter, I. Gregory. Den selvsamme bygning blev åbnet i 1672 i landsbyen Preobrazhensky med skuespillet "Artaxerxes Action".
Fremkomsten af skoleteatret i Rusland er forbundet med udviklingen af skoleundervisning. I Vesteuropa opstod den i 1100-tallet i humanistiske skoler som en slags pædagogisk redskab og tjente i starten kun undervisnings- og uddannelsesformål. Han hjalp eleverne i form af et spil til at mestre forskellig viden: det latinske sprog og bibelske historier, poetik og oratorium. I 1500-tallet begyndte man at bruge mulighederne for skoleteatrets åndelige indflydelse til religiøse og politiske formål: Luther i kampen mod katolikker, jesuitterne mod lutheranismen og ortodoksi. I Rusland, skole 
teatret blev brugt af ortodoksien i kampen mod romersk-katolsk indflydelse. Dens oprindelse blev lettet af en munk, en kandidat fra Kiev-Mohyla Academy, en uddannet person, politiker, pædagog og digter Simeon Polotsky. I 1664 kom han til Moskva og blev lærer for de kongelige børn ved hoffet. I samlingen af hans værker "Rhymologion" blev to skuespil udgivet - "Komedien om kongen Novkhudonosor, om liget af guld og om de tre børn, der ikke blev brændt i hulen" og komedien "Lignelsen om den fortabte søn" ".
S. Polotskys skuespil er i sagens natur designet til hofteatret. I deres fortjenester står de over datidens skolestykker og foregriber udviklingen af det 18. århundredes teater. Således var funktionen af "komedietemplet" og udseendet af de første professionelle dramatiske værker af S. Polotsky begyndelsen på en historisk nødvendig og naturlig proces med at mestre resultaterne af verdens teaterkultur i Rusland.
Simeon Polotsky var ikke kun en talentfuld digter og dramatiker. I verdens kunstneriske kultur spillede han en væsentlig rolle som den største slaviske kunstteoretiker, i betragtning af problemerne med kunstnerisk kreativitet - litteratur, musik, maleri. Som teolog bemærkede han, at kunst er den højeste åndelige kreativitet. Ham tilskrev han poesi, musik og maleri.
S. Polotskys æstetiske og pædagogiske syn på kunst er interessante. Munken hævdede, at skønhedskunsten "er en åndelig og åndelig fordel for mennesker." Ifølge hans ræsonnement er der ingen poesi, maleri, musik uden harmoni, proportioner og rytme. Uden kunst er der ingen uddannelse, for gennem dens indvirkning på menneskers sjæle bliver negative følelser erstattet af positive følelser. Gennem musikkens og ordenes skønhed bliver de utilfredse tålmodige, de dovne bliver hårde arbejdere, de dumme bliver kloge, de beskidte bliver rene af hjertet.
S. Polotsky skabte den første klassifikation af billedkunst i den slaviske region, og hævede maleriet til de syv liberale kunster. Det samme gælder for musik. Han underbyggede dens æstetiske værdi og beviste kirkens nødvendighed af polyfonisk sang i en harmonisk kombination af stemmer. Den modal-tonale variation af musik, bemærkede S. Polotsky, er dikteret af dens pædagogiske funktion.
blog.site, med hel eller delvis kopiering af materialet, kræves et link til kilden.
MKOU "Torbeevskaya Basic School opkaldt efter A.I. Danilov"
Novoduginsky-distriktet, Smolensk-regionen
Historien om teatret i Rusland
Udført: Folkeskolelærer
Smirnova A.A.
d. Torbeevo
2016
Folkekunst Russisk teater opstod i oldtiden i folkekunst. Det var ritualer, helligdage. Med tiden mistede ritualer deres betydning og blev til præstationsspil. Elementer af teatret blev manifesteret i dem - dramatisk handling, forklædning, dialog. Det ældste teater var folkeskuespillernes spil - buffoner.
bøffer
I 1068 nævnes bøffer første gang i krøniker. De falder i tid sammen med udseendet på væggene i Kiev Sophia-katedralen af fresker, der skildrer buffoon-forestillinger. Krønikeskriveren munken kalder bøfferne for djævlernes tjenere, og kunstneren, der malede katedralens vægge, fandt det muligt at inkludere deres billede i kirkedekorationer sammen med ikoner.
Sophia-katedralen i Kiev
Fresker på væggene i St. Sophia-katedralen
Hvem er bøffer?
Her er definitionen givet af kompilatoren af den forklarende ordbog V.I. Dal:
"En bøvl, en bøvl, en musiker, en piber, en mirakelmager, en sækkepiber, en gusler, en jæger til at danse med sange, vittigheder og tricks, en skuespiller, en komiker, en joker, en bugbear, en lomaka, en nar"
Persille
I det 17. århundrede udviklede de første mundtlige dramaer sig, enkle i plot, der afspejlede populære stemninger. Dukkekomedien om Petrushka (hans fornavn var Vanka-Ratatouille) fortalte om eventyrene fra en klog, glad fyr, der ikke var bange for noget i verden. .
hofteater
Planer om at skabe et hofteater dukkede først op med zar Mikhail Fedorovich i 1643. Moskva-regeringen forsøgte at finde kunstnere, der ville acceptere at gå ind i den kongelige tjeneste. I 1644 ankom en trup komikere fra Strasbourg til Pskov. De boede i Pskov i omkring en måned, hvorefter de af en eller anden ukendt årsag blev udvist af Rusland.
Zar Mikhail Fedorovich Romanov
Kongelige Teater Det første kongelige teater i Rusland tilhørte zar Alexei Mikhailovich og eksisterede fra 1672 til 1676. Dens begyndelse er forbundet med navnet på boyaren Artamon Matveev. Artamon Sergeevich beordrede præsten i den tyske bosættelse Johann Gottfried Gregory, der boede i Moskva, til at rekruttere en skuespillertrup.
Tsar Alexei Mikhailovich
Artamon Matveev
Præsten rekrutterede 64 unge mænd og teenagedrenge og begyndte at lære dem skuespillerfærdigheder. Han komponerede et skuespil om en bibelsk historie. Den var skrevet på tysk, men forestillingen blev givet på russisk. Den 17. oktober 1672 blev det længe ventede teater åbnet i zarens residens nær Moskva, og den første teaterforestilling fandt sted.
sjov afdeling
Det Kongelige Teater blev som bygning kaldt Forlystelseskammeret.
skoleteater
I det 17. århundrede dukkede et skoleteater op i Rusland på det slavisk-græsk-latinske akademi. Skuespillene var skrevet af lærere, og eleverne iscenesatte historiske tragedier, dramaer og satiriske hverdagsscener. Skoleteatrets satiriske scener lagde grunden til komediegenren i den nationale dramaturgi. I begyndelsen af skoleteatret var en berømt politisk skikkelse, dramatikeren Simeon Polotsky.
Simeon Polotsky
Fæstnings teatre
Og i slutningen af 1600-tallet dukkede de første livegne-teatre op. Fæstningsteatre bidrog til kvindernes udseende på scenen. Blandt de fremragende russiske livegne-skuespillerinder er den, der skinnede i greve Sheremetevs teater Praskovya Zhemchugova-Kovalev. Fæstningsteatrenes repertoire bestod af værker af europæiske forfattere, primært franske og italienske.
Grev Sheremetev
Praskovya Zhemchugova-Kovaleva
Grev Sheremetevs fæstningsteater
hjemmebiograf bygning
Sheremetevs
Skuespiller kostumer
teatersal
Hvornår optrådte teatret i byen Smolensk?
1) i 1708
2) i 1780
3) i 1870
4) i 1807
I 1780 for ankomsten Catherine II ledsaget af Kejser Josef II , byens guvernør, Prince N.V. Repnin, forberedte et "operahus", hvor "russisk komedie med et kor" blev præsenteret af "adel af begge køn".
N. V. Repnin
Catherine II
Kejser Josef II
Hvis navn er Smolensk Drama Theatre?
1) A.S. Pushkin?
2) F.M. Dostojevskij?
3) L.N. Tolstoj?
4) A.S. Griboyedov?
Hvilket teater er ikke i Smolensk?
Kammerteater
Dukketeater
Opera og Ballet Teater
Der er ikke noget opera- og balletteater i Smolensk, der er en filharmonisk orkester opkaldt efter M.I. Glinka
Smolensk Regional Philharmonic M.I. Glinka
Koncert hal Smolensk Filharmonikerne
Historien om fremkomsten af det russiske teater
Introduktion
Historien om det russiske teater er opdelt i flere hovedstadier. Den indledende, legende scene har sit udspring i et stammesamfund og slutter i det 17. århundrede, hvor der sammen med en ny periode i russisk historie begynder en ny, mere moden fase i teatrets udvikling, som kulminerer med etableringen af en permanent stat. professionelt teater i 1756.
Begreberne "teater", "drama" kom først ind i den russiske ordbog i det 18. århundrede. I slutningen af det 17. århundrede blev udtrykket "komedie" brugt, og gennem århundredet - "sjovt" (morsomt skab, forlystelseskammer). I de populære masser blev udtrykket "teater" forudgået af udtrykket "skam", udtrykket "drama" - "spil", "spil". I den russiske middelalder var definitioner synonyme med dem almindelige - "dæmoniske" eller "sataniske", buffoon-spil. Alle mulige kuriositeter bragt af udlændinge i det 16.-17. århundrede, og fyrværkeri blev også kaldt sjovt. Den unge zar Peter I's militære besættelser blev også kaldt sjove. I denne forstand blev både brylluppet og udklædningen kaldt "leg", "leg". "Leg" har en helt anden betydning i forhold til musikinstrumenter: spille tamburiner, snuse osv. Begreberne "spil" og "leg" i forhold til mundtlig dramatik blev bevaret blandt folket indtil 1800- og 1900-tallet.
Folkekunst
Russisk teater opstod i oldtiden. Dens oprindelse går til folkekunst - ritualer, ferier forbundet med arbejdsaktivitet. Med tiden mistede riterne deres magiske betydning og blev til præstationsspil. Elementer af teatret blev født i dem - dramatisk handling, forklædning, dialog. I fremtiden blev de enkleste spil til folkedramaer; de blev skabt i processen med kollektiv kreativitet og gemt i folks hukommelse, og de gik fra generation til generation.
I processen med deres udvikling blev spillene differentieret, opløst i beslægtede og samtidig flere og fjernere varianter - til dramaer, ritualer, spil. De blev kun bragt sammen af det faktum, at de alle afspejlede virkeligheden og brugte lignende metoder til udtryksevne - dialog, sang, dans, musik, forklædning, forklædning, skuespil.
Spil indgydte smag for dramatisk kreativitet.
Spil var oprindeligt en direkte afspejling af stammesamfundets organisation: de havde en runddans, korkarakter. I runddanseleg blev kor og dramatisk kreativitet organisk smeltet sammen. Sange og dialoger, der var rigeligt med i spillene, var med til at karakterisere de legende billeder. Massehøjtideligheder havde også en legende karakter; de blev tidsbestemt til at falde sammen med foråret og blev kaldt "havfruer". I det XV århundrede blev indholdet af begrebet "Rusalia" defineret som følger: dæmoner i menneskelig form. Og Moskva "Azbukovnik" fra 1694 definerer allerede havfruer som "buffoon-spil".
Den teaterkunst af folkene i vores fædreland stammer fra ritualer og spil, rituelle handlinger. Under feudalismen blev teaterkunsten dyrket på den ene side af de "folkelige masser" og på den anden side af den feudale adel, og buffonerne blev differentieret i overensstemmelse hermed.
I 957 stiftede storhertuginde Olga bekendtskab med teatret i Konstantinopel. Hippodromeforestillinger er afbildet på freskoerne i Kiev Sophia-katedralen i den sidste tredjedel af det 11. århundrede. I 1068 blev buffoner første gang nævnt i annalerne.
Tre typer teatre var kendt af Kievan Rus: hof, kirke, folkemusik.
bølleri
Det ældste "teater" var folkeskuespillernes spil - buffoner. Generthed er et komplekst fænomen. Buffoner blev betragtet som en slags troldmænd, men dette er forkert, fordi buffoons, der deltog i ritualer, ikke kun forbedrede deres religiøse og magiske karakter, men tværtimod introducerede verdsligt, sekulært indhold.
Enhver kunne buffon, det vil sige synge, danse, joke, spille sketches, spille musikinstrumenter og optræde, det vil sige portrættere en slags person eller væsen, enhver kunne. Men kun den, hvis kunst skilte sig ud over massernes kunsts niveau ved sin kunstfærdighed, blev og blev kaldt en bøffelhåndværker.
Parallelt med folketeatret udviklede der sig professionel teaterkunst, hvis bærere i det gamle Rusland var buffoner. Udseendet af et dukketeater i Rusland er forbundet med buffoon-spil. Den første kronikinformation om buffoner falder i tid sammen med udseendet på væggene i Kiev Sophia-katedralen af fresker, der skildrer buffoon-forestillinger. Krønikeskriveren munken kalder bøfferne for djævlernes tjenere, og kunstneren, der malede katedralens vægge, fandt det muligt at inkludere deres billede i kirkedekorationer sammen med ikoner. Buffoner var forbundet med masserne, og en af typerne af deres kunst var "gummi", det vil sige satire. Skomorokhovs kaldes "fjolser", det vil sige spottere. Glum, hån, satire vil fortsat være fast forbundet med bøvler.
Den verdslige kunst af bøvler var fjendtlig over for kirken og den gejstlige ideologi. Det had, som kirkemændene havde til kunsten at bøvle, vidnes om af krønikeskrivernes optegnelser ("The Tale of Bygone Years"). Kirkelære fra det 11.-12. århundrede erklærer, at forklædning, som bøfferne tyr til, også er en synd. Buffonerne blev udsat for særlig stærk forfølgelse i årene med det tatariske åg, hvor kirken begyndte intensivt at prædike en asketisk levevis. Ingen forfølgelse har udryddet bøllekunsten blandt folket. Tværtimod udviklede den sig med succes, og dens satiriske brod blev mere og mere akut.
Kunstrelateret håndværk var kendt i det gamle Rusland: ikonmalere, juvelerer, træ- og knogleskærere og bogskrivere. Buffoner tilhørte deres nummer, idet de var "udspekulerede", "mestre" i sang, musik, dans, poesi, drama. Men de blev kun betragtet som morsomme, sjove mennesker. Deres kunst var ideologisk forbundet med folkets masser, med håndværkerfolket, som normalt var i opposition til de herskende masser. Dette gjorde deres færdigheder ikke kun ubrugelige, men fra feudalherrernes og gejstlighedens synspunkt også ideologisk skadelige og farlige. Repræsentanter for den kristne kirke anbragte bøffer ved siden af vise mænd og spåkoner. I ritualer og spil er der stadig ingen opdeling i udøvere og tilskuere; de mangler udviklede plots, reinkarnation til et billede. De optræder i et folkedrama gennemsyret af skarpe sociale motiver. Udseendet af den mundtlige traditions firkantede teatre er forbundet med folkedramaet. Skuespillerne i disse folketeatre (bøvler) latterliggjorde magthaverne, gejstligheden, de rige, sympatisk viste almindelige mennesker. Forestillinger af folketeatret var bygget på improvisation, inkluderet pantomime, musik, sang, dans, kirkenumre; kunstnere brugte masker, make-up, kostumer, rekvisitter.
Karakteren af buffonernes præstationer krævede i starten ikke, at de skulle kombineres i store grupper. Til fremførelsen af eventyr, epos, sange, at spille instrumentet var kun én performer nok. Buffoner forlader deres hjem og strejfer rundt i det russiske land på jagt efter arbejde, flytter fra landsbyer til byer, hvor de tjener ikke kun landdistrikterne, men også byens borgere og nogle gange fyrstelige domstole.
Buffoner blev også tiltrukket af folkehofforestillinger, som mangedobledes under indflydelse af bekendtskab med Byzans og dets hofliv. Da det morsomme skab (1571) og forlystelseskammeret (1613) blev arrangeret ved Moskva-hoffet, befandt sig bøfferne sig i positionen som hofnarer dér.
Buffonernes forestillinger forenede forskellige typer kunst: både egentlig dramatisk kunst og kirke og "varietet".
Den kristne kirke modsatte sig folkelege og bøffernes kunst med rituel kunst, mættet med religiøse og mystiske elementer.
Forestillinger af buffoner udviklede sig ikke til et professionelt teater. Der var ingen betingelser for fødslen af teatertrupper - myndighederne forfulgte trods alt bøffer. Kirken forfulgte også bøvler og henvendte sig til sekulære myndigheder for at få hjælp. Mod bøflerne blev der sendt et charter til Trinity-Sergius-klosteret i det XV århundrede, det lovpligtige charter fra begyndelsen af det XVI århundrede. Kirken satte vedholdende bøvler på niveau med bærerne af det hedenske verdensbillede (magikere, troldmænd). Og alligevel fortsatte buffoon-forestillingerne med at leve, folketeatret udviklede sig.
Samtidig tog kirken alle forholdsregler for at hævde sin indflydelse. Dette kom til udtryk i udviklingen af det liturgiske drama. Nogle liturgiske dramaer kom til os sammen med kristendommen, andre i det 15. århundrede, sammen med den nyligt vedtagne højtidelige charter for "den store kirke" ("Procession på jorden", "Fødvask").
På trods af brugen af teatralske og spektakulære former skabte den russiske kirke ikke sit eget teater.
I det 17. århundrede forsøgte Simeon af Polotsk (1629-1680) at skabe et kunstnerisk litterært drama på baggrund af liturgisk drama, dette forsøg viste sig at være isoleret og frugtesløst.
Teatre i det 17. århundrede
I det 17. århundrede udviklede de første mundtlige dramaer sig, enkle i plot, der afspejlede populære stemninger. Dukkekomedien om Petrushka (hans fornavn var Vanka-Ratatouille) fortalte om eventyrene fra en klog, glad fyr, der ikke var bange for noget i verden. Teatret dukkede for alvor op i 1600-tallet - hof- og skoleteatret.
hofteater
Hofteatrets fremkomst var forårsaget af hofadelens interesse for vestlig kultur. Dette teater dukkede op i Moskva under zar Alexei Mikhailovich. Den første opførelse af skuespillet "Artaxerxes' handling" (historien om den bibelske Esther) fandt sted den 17. oktober 1672. I starten havde hofteatret ikke egne lokaler, kulisser og kostumer blev overført fra sted til sted. De første forestillinger blev iscenesat af pastor Gregory fra den tyske bosættelse, skuespillerne var også udlændinge. Senere begyndte de at rekruttere og træne russiske "unge". Deres løn blev udbetalt uregelmæssigt, men de sparede ikke på kulisser og kostumer. Forestillingerne udmærkede sig ved stor pragt, nogle gange ledsaget af musikinstrumenter og dans. Efter zar Alexei Mikhailovichs død blev hofteatret lukket, og forestillingerne blev kun genoptaget under Peter I.
skoleteater
Ud over hofteatret var der i Rusland i det 17. århundrede også et skoleteater ved det slavisk-græsk-latinske akademi, i teologiske seminarer og skoler i Lvov, Tiflis og Kiev. Skuespillene var skrevet af lærere, og eleverne iscenesatte historiske tragedier, allegoriske dramaer tæt på europæiske mirakler, mellemspil – satiriske hverdagsscener, hvor protest mod samfundssystemet lød. Mellemspil fra skoleteatret lagde grunden til komediegenren i den nationale dramaturgi. I begyndelsen af skoleteatret var en berømt politisk skikkelse, dramatikeren Simeon Polotsky.
Udseendet af retsskoleteatret udvidede omfanget af det russiske samfunds åndelige liv.
Teater fra det tidlige 18. århundrede
På foranledning af Peter I, i 1702, blev det offentlige teater skabt, designet til massepublikummet. Især for ham, ikke på Den Røde Plads i Moskva, blev der bygget en bygning - "Comedy Temple". Den tyske trup af I. Kh. Kunst gav forestillinger der. Repertoiret omfattede udenlandske skuespil, der ikke havde succes hos offentligheden, og teatret ophørte med at eksistere i 1706, da tilskuddene til Peter I ophørte.
Konklusion
En ny side i historien om scenekunsten for folkene i vores fædreland blev åbnet af livegne og amatørteatre. I de livegne-trupper, der eksisterede fra slutningen af det 18. århundrede, blev der opført vaudeville, tegneserieoperaer og balletter. På baggrund af livegne-teatre opstod private virksomheder i en række byer. Den russiske teaterkunst havde en gavnlig effekt på dannelsen af det professionelle teater for folkene i vores fædreland. Tropperne i de første professionelle teatre omfattede talentfulde amatører - repræsentanter for den demokratiske intelligentsia.
Teater i Rusland i det 18. århundrede opnåede enorm popularitet, blev de brede massers ejendom, en anden offentlig sfære for folks åndelige aktivitet.
