Skulptur fra det 18. århundrede korte besked og fik det bedste svar

Svar fra Orbital Group [guru]
Skulptur fra det 18. århundrede
I anden halvdel af det 18. århundrede begynder en jævn blomstring
husholdningsplast. Rund skulptur udviklede sig langsomt før, C
hårdt overvinde otte hundrede år gamle russiske traditioner i forhold til
hedensk "idiot". Hun gav ikke en eneste stor russisk mester i
første halvdel af det 18. århundrede , men jo mere strålende var hendes start i den næste
periode. Russisk klassicisme som den førende kunstneriske ledelse af denne tid
var den største stimulans for udviklingen af \u200b\u200bkunsten med store borgerlige ideer,
hvilket førte til interessen for skulptur i denne periode. F.I.Shubin, F.G. Gordeev,
M. I. Kozlovsky, F. F. Shchedrin, I. P. Prokofiev, I. P. Martos - hver
selv var den lyseste individualitet, han overlod sin egen, ejendommelig kun for ham
spor i kunst. Men de blev alle forenet af fælles kreative principper
lærte de, mens de stadig var på akademiet, i professor Nicolas Gillets skulpturklasse.
Russiske kunstnere blev også forenet af fælles ideer om civicisme og
patriotisme, høje antikke idealer.
Interessen for "heroisk antikken" påvirker valget af guder og helte:
favoritten på Peters tid, Neptun og Bacchus, blev erstattet af Prometheus,
Polycrates, Marsyas, Hercules, Alexander the Great, homeriske helte
episk. Russiske billedhuggere stræber efter at inkorporere træk i et mandligt billede
heroisk personlighed og hos kvinden - ideelt smuk, harmonisk
klar, perfekt start. Dette kan spores som i et monumentalt,
arkitektonisk, dekorativ og staffeli plast.
I modsætning til den barokke, arkitektoniske og dekorative plast i æraen
klassicisme har et strengt placeringssystem på bygningens facade: hovedsageligt
i den centrale del, hovedportalen og i sideprojektioner eller kroner
bygning læses op mod himlen.
Russisk skulptur fra anden halvdel af det 18. århundrede
Ved siden af \u200b\u200bShubins ekstraordinære figur står en galakse af hans fremragende samtidige som ham, der bidrog til den strålende blomstring af russisk skulptur i anden halvdel af det 18. århundrede.
Sammen med russiske mestre blev berømmelsen af \u200b\u200brussisk skulptur i høj grad fremmet af billedhuggeren Etienne-Maurice Falconet (1716__1791, i Rusland - fra 1766 til 1778), forfatteren af \u200b\u200ben af \u200b\u200bde bedste monumenter i det 18. århundrede - monumentet til Peter I på Senatspladsen i Skt. Petersborg (fig. 161). Opgavens enorme størrelse, højden af \u200b\u200bde ideologiske og æstetiske kriterier, spændingen i den kreative atmosfære i russisk kunst i disse år gjorde det muligt for billedhuggeren at skabe det mest perfekte af sine værker, uløseligt forbundet med det land, hvor den blev født.
Den oprindelige skitse var klar allerede i 1765. Ankom til Skt. Petersborg satte Falcone i gang og afsluttede i 1770 en model i livsstørrelse. En stensten blev leveret til stedet for monumentet, som efter sin delvise opskæring vejede ca. 275 tons. I 1775-1777 blev bronzestatuen støbt, og åbningen af \u200b\u200bmonumentet fandt sted i 1782. Falcones assistent i arbejdet med monumentet var hans studerende Marie-Anne Collot (1748-1821), der skulpturerede Peter's hoved. Efter Falconets afgang overvåger billedhuggeren FG Gordeev installationen af \u200b\u200bmonumentet.
Falcone var udlænding, men han formåede at forstå personligheden hos Peter og hans rolle i Ruslands historiske udvikling på en sådan måde, at monumentet, han skabte, skulle overvejes inden for rammerne af russisk kultur, som forudbestemte den sjælfulde fortolkning af billedet. af Peter givet af billedhuggeren.

Svar fra 3 svar[guru]

Hej! Her er et udvalg af emner med svar på dit spørgsmål: Skulptur fra det 18. århundredes korte besked

Russisk skulptur fra det 18. århundrede

I det gamle Rusland fandt skulptur i modsætning til maleri relativt lidt anvendelse, hovedsageligt som dekoration til arkitektoniske strukturer. I første halvleg Xviiiårhundrede mestrer gradvist alle genrer af staffeli og monumental skulptur. Først og fremmest begyndte monumental og dekorativ plast, tæt knyttet til arkitektur, at udvikle sig. Under ledelse af arkitekten I.P. Zarudny blev der udskåret hvide sten til Ærkeenglen Gabriels Kirke i Moskva (Menshikova Tower). De rige traditioner med gammel russisk skulptur blev ikke glemt - træ og knogleskæring, dekorativ plastik af ikonostaser.

Særlige egenskaber ved den monumentale og dekorative skulptur fra Petrine-æraen blev tydeligt manifesteret i oprettelsen af \u200b\u200bPeterhof-ensemblet, som dog gennemgik drastiske ændringer i løbet af århundredet.

Det første kvartal af det 18. århundrede var ikke kun præget af oprettelsen af \u200b\u200bnye originale værker, men også af manifestationen af \u200b\u200binteresse for de skulpturelle klassikere. For eksempel blev den berømte antikke marmorstatue "Venus of Tauride" købt i Italien på det tidspunkt. De første prøver af sekulær skulptur blev bragt fra europæiske lande, hovedsageligt værker af mestre i den italienske barok.

De første projekter af monumentale monumenter dukkede op i Peters æra. På en af \u200b\u200bde centrale pladser i Skt. Petersborg var det planlagt at opføre triumfsøjlen til minde om sejren i den nordlige krig i henhold til planen for B.-K. Rastrelli. B.-K. Rastrelli(1675? -1744) var faktisk den første skulpturmester i Rusland. En italiensk af fødsel flyttede han fra Frankrig i 1716 på invitation fra Peter I og fandt et nyt hjem i Rusland, da han kun i Skt. Petersborg fik rigelige muligheder for kreativitet. Bartolomeo-Carlo Rastrelli udført mange værker af portræt, dekorativ og monumental skulptur. Han nyder stor berømmelse bronze buste af Peter I (1723-1730, ill. 40), som på en mesterlig måde formidlede ikke kun lighed, men også karakteren af \u200b\u200bden kejserlige og energiske konge.

Rastrellis dygtighed som portrætmaler manifesterede sig også i bysten af \u200b\u200bA. D. Menshikovudført i 1716-1717 i statuen af \u200b\u200bAnna Ioannovna med den lille arapchon (1741). En følelse af monumentalitet og en fremragende viden om bronze som materiale adskiller denne billedhuggers arbejde. I portrættet af Anna Ioannovna, der langsomt marcherede i en tung kjole broderet med ædelsten, skabte Rastrelli et udtryksfuldt billede af "dronningens frygtelige blik", som hendes samtidige kaldte hende.

Rastrellis mest betydningsfulde arbejde er rytter monument til Peter I. Det afspejler billedhuggerens indtryk af antikviteterne, renæssancen og det 17. århundrede. Peter er afbildet som en triumferende, ridende højtideligt på en hest i påklædning af den romerske kejser.

Dette monuments skæbne er bemærkelsesværdig. Støbt i 1745-1746 efter billedhuggerens død under ledelse af hans søn, arkitekt F.-B. Rastrelli, han lå i stalden glemt af alle i mere end et halvt århundrede. Først i 1800 blev det på ordre af Paul I installeret foran Engineering Castle i Skt. Petersborg og organisk ind i det arkitektoniske ensemble.

I anden halvdel af det 18. århundrede. den virkelige blomstring af russisk skulptur begynder. Det udviklede sig langsomt, men russisk oplysningstænkning og russisk klassicisme var de største stimuli for udviklingen af \u200b\u200bkunsten med store borgerlige ideer, store problemer, der førte til en interesse for skulptur i denne periode. Shubin, Gordeev, Kozlovsky, Shchedrin, Prokofiev, Martos- hver i sig selv var det lyseste individ, satte sit præg på kunsten. Men alle sammen blev forenet af fælles kreative principper, som de lærte af professor Nicolas Gillet, der fra 1758 til 1777 ledede skulpturklassen på Akademiet, generelle ideer om statsborgerskab og patriotisme, høje antikke idealer. Deres uddannelse var primært baseret på studiet af gammel mytologi, afstøbninger og kopier fra antikken og renæssancen i løbet af pensioneringsårene - de originale værker af disse epoker. De stræber efter at inkorporere egenskaberne ved en heroisk personlighed i det mandlige billede og i det kvindelige billede - en ideel, smuk, harmonisk, perfekt begyndelse. Men russiske billedhuggere fortolker disse billeder ikke på et abstrakt og abstrakt plan, men på en helt vital måde. Søgningen efter den generaliserede skønhed udelukker ikke den fulde dybde af forståelsen af \u200b\u200bmenneskelig karakter, ønsket om at formidle dens alsidighed. Denne stræben kan mærkes i den monumentale dekorative plast og skulptur af staffeli i anden halvdel af århundredet, men især i portrætgenren.

Hans højeste præstationer er primært forbundet med kreativitet. Fedot Ivanovich Shubin (1740–1805), en landsmand fra Lomonosov, der ankom til Skt. Petersborg som en kunstner, der havde forstået indviklingen ved udskæring af knogler. Uddannet fra akademiet i klassen Gillet med en stor guldmedalje, rejser Shubin til en pensionisttur, først til Paris (1767-1770) og derefter til Rom (1770-1772), som fra midten af \u200b\u200bårhundredet fra udgravningerne af Herculaneum og Pompeji, igen et attraktionscenter for kunstnere fra hele Europa. Shubins første arbejde derhjemme - buste af A.M. Golitsyn (1773, RM, gips) vidner allerede om mesterens fulde modenhed. Al alsidigheden af \u200b\u200bmodelens egenskaber afsløres under dens cirkulære undersøgelse, skønt der utvivlsomt er skulpturens hovedperspektiv. Intelligens og skepsis, åndelig nåde og spor af mental træthed, klasseeksklusivitet og hånlig selvtilfredshed - Shubin var i stand til at formidle de mest forskellige sider af karakter i dette billede af en russisk aristokrat. Det ekstraordinære udvalg af kunstneriske medier er med til at skabe denne tvetydige karakterisering. Den komplekse oversigt og drejning af hoved og skuldre, fortolkningen af \u200b\u200boverfladen af \u200b\u200bforskellige teksturer (kappe, blonder, paryk), den subtileste modellering af ansigtet (arrogant skæve øjne, fuldblods næselinje, lunefuldt læbemønster) og mere frit billedligt tøj - alt ligner barokens stilistiske udstyr. Men som en søn af sin tid fortolker han sine modeller i overensstemmelse med en generel idealhelts uddannelsesmæssige ideer. Dette er typisk for alle hans værker fra 70'erne, hvilket giver os mulighed for at tale om dem som værker af den tidlige klassicisme. Selvom vi bemærker, at i nybegynderens Shubins teknikker kan træk fra ikke kun barok, men endda rokoko, spores. Over tid i billederne af Shubin øges konkretitet, vitalitet og akut specificitet.

Shubin blev sjældent til bronze, han arbejdede hovedsageligt i marmor og brugte altid formen af \u200b\u200ben buste. Og det var i dette materiale, at mesteren viste al mangfoldigheden af \u200b\u200bbåde kompositionsløsninger og metoder til kunstnerisk behandling. Ved hjælp af plastens sprog skaber han billeder af ekstraordinær ekspressivitet, ekstraordinær energi, der slet ikke stræber efter deres eksterne heroisering ( buste af feltmarskal Z.G. Chernysheva, marmor, Tretyakov Gallery). Han er ikke bange for at sænke, "jorden" billedet af feltmarskal P.A. Rumyantsev-Zadunaisky, der formidler karakteren af \u200b\u200bhans slet ikke heroiske runde ansigt med en latterligt vendt næse (marmor, 1778, Statens kunstmuseum, Minsk). Han har ingen interesse kun i det "indre" eller kun i det "eksterne". En person vises i ham i al mangfoldighed i sit liv og åndelige udseende. Sådanne er de mesterligt henrettede byster af statsmænd, militærledere, embedsmænd.

Af værkerne fra 90'erne, den mest frugtbare periode i Shubins arbejde, vil jeg bemærke den inspirerende, romantiske billedet af P.V. Zavadovsky (bysten er kun bevaret i gips, Tretyakov Gallery). Hovedets skarpe drejning, det gennemtrængende blik, asketikken i hele udseendet, det fritflydende tøj - alt taler om en speciel følelse, afslører en lidenskabelig, enestående natur. Metoden til fortolkning af billedet foregriber romantikens æra. En kompleks mangesidet karakteristik er givet i bysten på Lomonosov, skabt til Cameron Gallery, for at stå der ved siden af \u200b\u200bbysten af \u200b\u200bgamle helte. Derfor et lidt andet niveau af generalisering og antikken end i andre værker af billedhuggeren (bronze, 1793, Cameron Gallery, Pushkin; gips, RM; marmor, Videnskabsakademi; de sidste to er tidligere). Shubin behandlede Lomonosov med særlig ærbødighed. Den geniale russiske selvlærte videnskabsmand var tæt på billedhuggeren ikke kun som en landsmand. Shubin skabte et billede blottet for enhver formalitet og pragt. Et livligt sind, energi, styrke mærkes i hans udseende. Men forskellige vinkler giver forskellige accenter. Og i en anden drejning læser vi på forsiden af \u200b\u200bmodellen og tristhed og skuffelse og endda et udtryk for skepsis. Dette er så meget mere overraskende, hvis vi antager, at værket ikke er fuldskala, Lomonosov døde 28 år før. I nylige undersøgelser udtrykkes ideen om muligheden for fuldskalaer, der ikke er kommet ned til os.

Lige alsidig i denne alsidighed - modstridende skabt af billedhuggeren billede af Paul I (marmor, 1797, bronze, 1798. State Russian Museum; bronze, 1800, Tretyakov Gallery). Her eksisterer drømmelighed sammen med et hårdt, næsten grusomt udtryk, og grimme, næsten groteske træk fratager ikke billedet af storhed.

Shubin arbejdede ikke kun som portrætmaler, men også som dekoratør. Han udført 58 ovale marmor historiske portrætter til Chesme Palace (placeret i rustningen), skulpturer til Marmorpaladset og til Peterhof, en statue af lovgiveren Katarina II (1789-1790). Der er ingen tvivl om, at Shubin er det største fænomen i den russiske kunstneriske kultur i det 18. århundrede.

En fransk billedhugger arbejdede sammen med russiske mestre i Rusland Etienne-Maurice Falcone(1716-1791; i Rusland - fra 1766 til 1778), hvilket ved monumentet til Peter I på Senatpladsen i Skt. Petersborg udtrykte sin forståelse af Peter personlighed, hendes historiske rolle i Ruslands skæbne. Falcone arbejdede på monumentet i 12 år. Den første skitse blev udført i 1765, i 1770 - en livsstilsmodel og i 1775-1777. en bronzestatue blev støbt, og en piedestal blev forberedt af en stensten, der efter at være skåret vejede ca. 275 tons. Marie-Anne Collot hjalp med i arbejdet på Peter Falcones hoved. Åbningen af \u200b\u200bmonumentet fandt sted i 1782, da Falcone ikke længere var i Rusland, og afsluttede installationen af \u200b\u200bmonumentet til Gordeev... Falcone opgav det kanoniserede billede af den sejrende kejser, den romerske kejser, omgivet af allegoriske figurer af dyd og herlighed. Han stræbte efter at inkorporere billedet af skaberen, lovgiveren, transformatoren, som han selv skrev i et brev til Diderot. Billedhuggeren gjorde kategorisk oprør mod kolde allegorier og sagde, at "dette er en elendig overflod, der altid fordømmer rutine og sjældent et geni." Han efterlod kun en slange, som ikke kun har semantisk, men også kompositionsbetydning. Sådan opstod billedsymbolet med al naturens bevægelse og kropsholdning af hesten og rytteren. Udført på et af de smukkeste firkanter i hovedstaden på dette offentlige forum er dette monument blevet et plastbillede af en hel æra. En opdrætningshest pacificeres af en mægtig rytters faste hånd. Enhedens øjeblik og det evige, indlejret i den generelle løsning, spores også i piedestalen, bygget på en glat stigning til toppen og et skarpt fald ned. Det kunstneriske billede består af et sæt forskellige vinkler, aspekter, synspunkter på figuren. "Idolet på en bronzehest" vises i al sin magt, før man kan se ind i hans ansigt, som D.Ye. Arkin, han handler straks med sin silhuet, gestus, kraften fra plastmasserne, og i dette manifesteres de urokkelige love for monumental kunst. Derfor er den gratis improvisation i tøj ("Dette er en heroisk kjole," skrev billedhuggeren), fraværet af en sadel og stigbøjler, som gør det muligt for en at opfatte rytteren og hesten som en enkelt silhuet. "Helt og hest smelter sammen til en smuk kentaur" (Diderot).

Rytterens hoved er også et helt nyt billede i Peters ikonografi, forskelligt fra det strålende portræt af Rastrelli og fra den ganske almindelige byste, der udføres af Collot. På billedet af Falcone er det ikke den filosofiske kontemplation og omtanke af Marcus Aurelius, der dominerer, ikke Condottiere Colleonis offensive kraft, men triumfen af \u200b\u200bklar fornuft og effektiv vilje.

I brugen af \u200b\u200ben naturlig klippe som en piedestal blev det grundlæggende æstetiske princip i oplysningen fra det 18. århundrede udtrykt. - loyalitet over for naturen.

”Dette arbejde med monumental skulptur er baseret på den højtliggende idé om Rusland, dets ungdommelige magt, dets sejrrige opstigning langs veje og historie. Derfor genererer monumentet i seeren mange følelser og tanker, nære og fjerne tilknytninger, mange nye billeder, blandt hvilke det sublime billede af det heroiske menneske og heltefolket, moderlandsbillede, dets magt, dets herlighed, store historisk kald dominerer altid "(Arkin D. E.E.-M. Falcone // History of Russian Art. M., 1961. T. VI. s. 38).

I 70'erne arbejdede et antal unge kandidater fra akademiet sammen med Shubin og Falcone. Et år senere tog Shubin eksamen fra det og gik på pension med ham. Fedor Gordeevich Gordeev (1744–1810), hvis kreative vej var tæt forbundet med akademiet (han var endda dets rektor i nogen tid). Gordeev er en mester i monumental og dekorativ skulptur. I hans tidlige arbejde blev N.M.s gravsten Golitsyna, det kan ses, hvordan russiske mestre var i stand til dybt at trænge ind i idealerne for antik, specielt græsk plastik. Ligesom i middelalderen adopterede de kreativt traditionerne for byzantinsk kunst, så i klassikismens periode forstod de principperne for hellenistisk skulptur. Det er vigtigt, at udviklingen af \u200b\u200bdisse principper og skabelsen af \u200b\u200bderes egen nationale stil af klassicisme for de fleste af dem ikke gik glat, og arbejdet hos næsten hver af dem kan betragtes som en "kamparena" mellem barok, undertiden rocaille og nye, klassicistiske tendenser. Desuden indikerer udviklingen af \u200b\u200bkreativitet ikke nødvendigvis sidstnævnte sejr. Så Gordeevs første arbejde "Prometheus" (1769, gips, RM, bronze - Ostankino Museum) og to gravstener fra Golitsyn (Feltmarskal A.M. Golitsyn, helt Khotin, 1788, GMGS, Skt. Petersborg og D.M. Golitsyn, grundlæggeren af \u200b\u200bdet berømte hospital bygget af Kazakov, 1799, GNIMA, Moskva) bærer de funktioner, der er forbundet med baroktraditionen: kompleksitetssilhuet, udtryk og dynamik ("Prometheus"), maleriet af det generelle kompositionsdesign, patetiske gestus af allegoriske figurer (dyd og krigsgeni i en gravsten. Sorg og trøst i en anden).

N.M.s gravsten Golitsyna ligner en gammel græsk stele. Basrelieffiguren for en sørger, taget mindre end i naturen, er angivet i profil, placeret på en neutral baggrund og indskrevet i en oval. Majestæt og højtidelighed af den sørgelige følelse formidler hendes kappes langsomme folder. Et udtryk for ædel tilbageholdenhed stammer fra denne gravsten. Der er absolut ingen barokpatos i den. Men det mangler også den abstrakte symbolik, der ofte er til stede i værkerne i den klassiske stil. Sorgen er stille her, og sorgen er rørende menneskelig. Billedets lyrik, den skjulte, dybt skjulte sorg og dermed intimiteten, oprigtigheden bliver de karakteristiske træk ved russisk klassicisme. Principperne for klassicisme manifesterede sig endnu tydeligere i basrelieffer på antikke emner til facaderne og interiørerne i Ostankino-paladset (Moskva, 80-90'erne).

I arbejdet med en bemærkelsesværdig russisk billedhugger med en sjælden række interesser Mikhail Ivanovich Kozlovsky (1753-1802) man kan også spore denne konstante "kamp", en kombination af træk fra barok og klassicisme, med overvægt af nogle stilistiske enheder over andre i hvert enkelt arbejde. Hans arbejde er et tydeligt bevis på, hvordan russiske mestre omarbejdede gamle traditioner, hvordan russisk klassicisme tog form. I modsætning til Shubin og Gordeev begyndte Kozlovskys pensionering lige fra Rom, og derefter flyttede han til Paris. Da han vendte tilbage til sit hjemland, var hans første værker to lettelse for Marmorpaladset, hvor selve navnene: "Regulus farvel til borgerne i Rom" og "Camille, befri Rom fra gallerne" - tal om mesterens store interesse for antik historie (begyndelsen af \u200b\u200b80'erne).

I 1788 tog Kozlovsky igen til Paris, men allerede som mentor for pensionister og befandt sig midt i revolutionære begivenheder. I 1790 optrådte han statuen af \u200b\u200bPolycrates (RM, gipsstøbning), hvor lidelsen og impulsen til befrielsen lyder patetisk. Samtidig er der i Polycrates 'krampagtige bevægelse, indsatsen fra hans kædede hånd, den dødelige martyrs udtryk i hans ansigt, nogle træk ved naturalismen.

I midten af \u200b\u200b90'erne, da han vendte tilbage til sit hjemland, begynder den mest frugtbare periode i Kozlovskys arbejde. Hovedtemaet for hans staffelier (og han arbejdede primært inden for staffelieplast) er fra oldtiden. Hans "Hyrde med hare" (1789, marmor. Pavlovsk Palace Museum), " Sovende Amor " (1792, marmor, RM), "Amor med en pil" (1797, marmor, Tretyakov Gallery) og andre taler om en subtil og usædvanlig dyb indtrængning i den hellenistiske kultur, men på samme tid er de blottet for enhver ekstern efterligning. Dette er en skulptur fra det 18. århundrede, og det er Kozlovsky, der med delikat smag og sofistikering roste skønheden i den ungdommelige krop. Hans "Vagt af Alexander den Store" (anden halvdel af 80'erne, marmor, RM) forherliger den heroiske personlighed, det borgerlige ideal, der svarer til de moraliserende tendenser i klassicisme: befalingen tester vil modstå søvn; Iliadrullen ved siden af \u200b\u200bham er et bevis på hans uddannelse. Men antikken for den russiske mester var aldrig det eneste genstand for undersøgelse. I hvordan tilstanden med halv døsighed, halv søvn følelsesløshed naturligt formidles, er der en livlig akut observation, i alt kan man se en omhyggelig undersøgelse af naturen. Og vigtigst af alt er der ingen altforbrugende dominans af fornuft over følelse, tør rationalitet, og dette er efter vores mening en af \u200b\u200bde væsentlige forskelle i russisk klassicisme.

Kozlovsky, klassikeren, bæres naturligvis af heltenes tema, og han optræder flere terrakotter baseret på Iliaden (Ajax med kroppen af \u200b\u200bPatroclus, 1796, RM). Billedhuggeren giver sin egen fortolkning til en episode fra Peters historie i statuen af \u200b\u200bYakov Dolgoruky, en tilnærmelse af kongen, oprørt over uretfærdigheden i et dekret fra kejseren (1797, marmor, RM). I statuen af \u200b\u200bDolgoruky bruger billedhuggeren bredt traditionelle attributter: en brændende fakkel og skalaer (et symbol på sandhed og retfærdighed), en besejret maske (bedrag) og en slange (ondskab, ondskab). Kozlovsky udvikler et heroisk tema til billedet af Suvorov: først skaber mesteren et allegorisk billede af Hercules til hest (1799, bronze, RM) og derefter et monument til Suvorov, udtænkt som en livstidsstatue (1799-1801, Skt. Petersborg). Monumentet har ingen direkte lighed med portræt. Det er snarere et generaliseret billede af en kriger, en helt, i en militærdragt, hvor elementer af våben fra en gammel romer og en middelalderlig ridder kombineres (og ifølge de seneste oplysninger - og elementer af den form, som Paulus ønskede, men formåede ikke at introducere). Energi, mod, adel stammer fra hele kommandørens udseende, fra hans stolte hoveddrejning, den yndefulde gest, hvormed han løfter sværdet. En lys figur på en cylindrisk piedestal skaber et enkelt plastvolumen med det. Kombinationen af \u200b\u200bmaskulinitet og nåde imødekommer Suvorovs image både den klassiske standard for den heroiske og den generelle forståelse af det smukke som en æstetisk kategori, der er karakteristisk for det 18. århundrede. Det skabte et generaliseret billede af en nationalhelt, og forskere tilskrev ham med rette de mest perfekte kreationer af russisk klassicisme sammen med Falconets "Bronze Rytter" og monumentet til Minin og Pozharsky Martos.

I disse år arbejder Kozlovsky over statuen af \u200b\u200bSamson - centralt i den store kaskade af Peterhof (1800-1802). Sammen med de bedste billedhuggere - Shubin, Shchedrin, Martos, Prokofiev - deltog Kozlovsky i at erstatte statuerne af Peterhof-springvandene og udfyldte en af \u200b\u200bde vigtigste ordrer. I "Samson", som det traditionelt kaldes, kombineres kraften fra gamle Hercules (ifølge nogle nylige undersøgelser er dette Hercules) og udtrykket af Michelangelos billeder kombineres. Billedet af en kæmpe, der river en løvs mund (billedet af en løve var inkluderet i Sveriges våbenskjold) personificerede Ruslands uovervindelighed.

Under den store patriotiske krig blev monumentet stjålet af nazisterne. I 1947 billedhuggeren V.L. Simonov genskabte det på baggrund af de overlevende fotografiske dokumenter.

Kozlovskys kammerat var Fedos Fedorovich Shchedrin(1751-1825). Han gennemgik de samme faser af uddannelse på akademiet og pensionering i Italien og Frankrig. Henrettet af ham i 1776 "Marsyas" (gips, NIMAKH) er ligesom Gordeevs "Prometheus" og "Polycrates" af Kozlovsky fuld af turbulent bevægelse og en tragisk holdning. Som alle billedhuggere i klassicismens æra er Shchedrin fascineret af antikke billeder ( Sovende endymion1779, bronze, RM; "Venus", 1792, marmor, RM), mens de viser en særlig poetisk indtrængen i deres verden. Han er også involveret i skabelsen af \u200b\u200bskulpturer. til Peterhof-springvand ("Neva", 1804). Men de mest betydningsfulde værker af Shchedrin hører allerede til den periode med sen klassicisme. I 1811-1813. det virker over det skulpturelle kompleks i Zakharov Admiralty. Han opfyldte tre-figur grupper af "Sea Nymphs" bærer en kugle, - majestætisk og monumental, men også yndefuld på samme tid; statuer af fire store gamle krigere: Achilles, Ajax, Pyrrhus og Alexander den Store - på hjørnerne af loftet i det centrale tårn. I admiralitetskomplekset formåede Shchedrin at underordne det dekorative princip til monumental syntese, hvilket demonstrerede en fremragende følelse af arkitektoniske egenskaber. Skulpturelle grupper af nymfer er tydeligt synlige i deres volumen på baggrund af glatte vægge, og figurer af krigere organiserer organisk det centrale tårn. Fra 1807 til 1811 arbejdede Shchedrin også over den enorme frise "Carrying the Cross" til konkylien i den sydlige apsis i Kazan-katedralen.

Hans samtidige Ivan Prokofievich Prokofiev(1758-1828) i 1806-1807 ... skaber en frise i Kazan-katedralen på loftet af den vestlige passage af søjlegangen om emnet "The Brazen Serpent". Prokofiev er en repræsentant for anden generation af akademiske billedhuggere; i de senere år studerede han hos Gordeev i 1780–1784. studerede i Paris og rejste derefter til Tyskland, hvor han havde succes som portrætmaler (kun to portrætter af Prokofiev har overlevet labzinerne, 1802, begge terracotta, RM). Et af hans tidlige værker - "Actaeon" (1784, RM) vidner om dygtigheden hos en allerede fuldt udviklet kunstner, der dygtigt formidler en stærk, fleksibel bevægelse, et elastisk løb af en ung mand forfulgt af Dianas hunde. Prokofiev er overvejende en lettelse-mester, der fortsætter de bedste traditioner for antik reliefskulptur (en række gipsrelieffer foran og støbejern-trapper fra Kunstakademiet; huset IIBetsky, paladset i Pavlovsk - alle 80'erne, med undtagelse af Akademiets støbejerntrapper, henrettet i biennium 1819-1820). Dette er en idyllisk linje i Prokofjevs arbejde. Men mesteren var også fortrolig med høje dramatiske noter (den allerede nævnte frise fra Kazan-katedralen "Kobberslangen"). For Peterhof Prokofiev optrådte sammen med Shchedrins "Neva" statuen af \u200b\u200b"Volkhov" og gruppen "Tritons".

Ivan Petrovich Martos (1754–1835) levede et meget langt kreativt liv, og hans mest betydningsfulde værker blev skabt allerede i det 19. århundrede. Men Martos gravsten, hans mindeskulptur fra 80-90'erne, i deres humør og. plastikopløsning hører til det 18. århundrede. Martos var i stand til at skabe billeder oplyst, blæst med stille sorg, høj lyrisk følelse, klog accept af døden, udført derudover med sjælden kunstnerisk perfektion ( gravsten af \u200b\u200bM.P. Sobakina, 1782, GNIMA; gravsten af \u200b\u200bE.S. Kurakina, 1792, GMGS).

Efter 1720--1730'erne, "tiden med paladskupp" og "Bironovismens æra", begyndte en ny stigning i national bevidsthed, forstærket af kampen mod udenlandsk dominans. Elizabeth Petrovna, datter af Peter I, blev tiltrådt af det russiske samfund som begyndelsen på genoplivningen af \u200b\u200bRusland og fortsættelsen af \u200b\u200bPeters traditioner. Under hende blev Moskva Universitet og Akademiet for de tre mest fremtrædende kunst grundlagt, som i fremtiden vil spille en stor rolle i uddannelsen af \u200b\u200bhusholdningspersonale inden for videnskab og kunst.

En af de første professorer i det nyåbnede kunstakademi var den franske billedhugger Nicola François Gillet, en repræsentant for den sene barok, der lærte de studerende at beherske forskellige typer plastik, en lærer for mange senere kendte mestre.

Andreas Schlüter (1660 / 1665-1714)

Konrad Osner (1669-1747)

Bartolomeo Carlo Rastrelli (1675-1744)

Den mest betydningsfulde mester i russisk skulptur i første halvdel af det 18. århundrede var grev Bartolomeo Carlo Rastrelli, en italiensk af oprindelse. Efter at have gjort noget væsentligt i Italien og Frankrig ankom han til Skt. Petersborg i 1716, hvor han begyndte at udføre store statsordrer, først for Peter I, derefter for Anna Ioannovna og Elizaveta Petrovna.

Arbejder i Rusland indtil sin død skabte billedhuggeren et antal fremragende værker af monumental, dekorativ og staffeli skulptur.

De første kreationer af menneskelige hænder, der kan kaldes skulptur, dukkede op i forhistorisk tid og repræsenterede de afguder, som vores forfædre tilbad. I løbet af de sidste hundreder af tusinder af år har kunsten at skulptur nået hidtil usete højder, og i dag på museer og på gaderne i mange byer rundt om i verden kan du se virkelige mesterværker, der altid giver beundring blandt besøgende og forbipasserende. Så hvem af de berømte russiske og udenlandske mestre i forskellige epoker kan hævde at få sit navn klassificeret som "berømte billedhuggere", og hvilke værker af deres blev inkluderet i den gyldne fond for verdens kunst?

Berømte billedhuggere i den antikke verden

Som allerede nævnt opstod skulpturkunsten for mange årtusinder siden, hvilket fremgår af de mange sten- og lervolumetriske billeder af mennesker, dyr og mytiske væsner, der blev fundet under arkæologiske udgravninger. Naturligvis ved ingen, hvem deres forfattere var, men historien har bevaret navnene på nogle af de store billedhuggere, der arbejdede fra det 14. århundrede f.Kr. e. og indtil det 1. århundrede e.Kr. e.

For eksempel, når man bliver spurgt, hvem der er de mest berømte billedhuggere i den antikke verden, nævnes den store antikke egyptiske billedhugger Thutmose den yngre nødvendigvis. Han arbejdede ved farao Akhenatens domstol og skabte et af de mest berømte kunstværker i Amarna-perioden - dronning Nefertitis byste. Der er meget mere information om, hvem de mest berømte billedhuggere i Grækenland og Rom i den antikke periode er. Især skibsførerne Kritias og Nesiot skabte i det 5. århundrede f.Kr. e. den storslåede komposition af Harmodius og Aristogiton, som efterfølgende mere end en gang inspirerede billedhuggere fra senere tider. Endnu større højder i skulpturens dygtighed blev opnået af den store Phidias, der er forfatter til guld og elfenben, anerkendt som et af vidundere i den antikke verden. Det skal bemærkes, at det enorme bidrag til udviklingen af \u200b\u200bantik kunst, der blev leveret af sådanne berømte billedhuggere som Scopas, Praxiteles og Lysippos, der skabte den såkaldte quadriga af St. Mark. Hvad de romerske billedhuggere angår, er de fleste af deres kreationer, for eksempel den berømte Apollo of Belvedere, kopier fra de græske originaler.

Verdens berømte billedhuggere: middelalderen

Som du ved, var begyndelsen på den historiske periode, der fulgte det vestlige romerske imperiums fald, ikke det bedste tidspunkt for kunstudvikling. Derfor kendes ingen specielt betydningsfulde skulpturelle kunstværker tilbage til 5.-12. Århundrede i dag. Heldigvis over tid begyndte kirkens diktatur at blive svækket, og skulpturer af hellige og herskere dukkede op, hvis forfattere tillod sig at afvige fra de strenge kanoner for religiøs kunst og gøre deres kreationer mere realistiske. Som et eksempel kan vi nævne herrer som far og søn til Pisano, der arbejdede i slutningen af \u200b\u200bdet 13. og begyndelsen af \u200b\u200bdet 14. århundrede. Og selvfølgelig, når det kommer til, hvem de mest berømte billedhuggere fra den gotiske periode er, kan man kun nævne Adam Kraft, der skabte den storslåede altertavle i Tetzel Chapel.

Renæssanceskulptur

Måske er der næppe en person, der ikke ved, hvem de mest berømte billedhuggere og deres værker fra renæssanceperioden er. Sådanne mesterværker som statuen af \u200b\u200bDavid og kopier deraf pryder katolske kirker rundt om i verden samt monumentet til Gattamelata Donatello og "Perseus" af Benvenuto Cellini hører trods alt til denne æra. Blandt de franske mestre er det værd at bemærke Jean Goujon og Germain Pilon, der arbejdede under indflydelse af deres italienske kolleger.

Bemærkelsesværdige mestre af skulptur fra det 18. århundrede

Den berømte Trevifontænen ved Palazzo Poli i Rom, der betragtes som et af symbolerne i den italienske hovedstad, er et storslået eksempel på kunsten at moderne skulptur. Dens forfattere er Nicolo Salvi og Pietro Bracci, der udførte figuren Neptun og tritoner. I det 18. århundrede arbejdede også Edmond Bouchardon og Jean Baptiste Pigall, berømte billedhuggere fra Frankrig, berømte for sine gravsten. Hvad de engelske mestre angår, kan der skelnes mellem en ejendommelig trio bestående af John Flaxman, Joseph Nollekens og Thomas Banks.

Europæisk skulptur fra det 19. århundrede

Begyndelsen af \u200b\u200bdet 19. århundrede var præget af udseendet af en lys stjerne i verdensskulpturen - Bertel Thorvaldsen, der i 1803 præsenterede sin "Jason" for offentligheden. Efter en rungende verdensdebut blev han en yderst populær mester blandt fremtrædende kunder fra forskellige lande, og i løbet af sit ret lange kreative liv skulpturerede han mange fremragende kompositioner og portrætter af berømte mennesker. Især er det værd at nævne den enorme frise, der skildrer Alexander den Stores bedrageri, skabt af ham i 1812 for at dekorere Quirinal Palace.

Når man overvejer, hvem de mest berømte billedhuggere og deres værker fra det 19. århundrede var, er Auguste Rodin et af de første navne, der kommer til at tænke på. Og dette er slet ikke overraskende, da hans værker "The Thinker" og "The Kiss" anerkendes som verdens største kunstværker. Hvad de tyske billedhuggere angår, fortjener L. Schwanthaler en særlig omtale, der skabte mange vidunderlige værker, der dekorerede paladser og andre vigtige bygninger i München.

Billedhuggere fra det 20. - 21. århundrede

I det sidste århundrede blev traditionerne fra de store italienske mestere fortsat af Giacomo Manza, som blev berømt for sin skabelse "Dødens port", skabt til i Rom. Derudover er det værd at nævne sådanne kunstnere som Jacques Lipschitz og Osip Zadkin, der arbejdede i den surrealistiske stil. Kategorien "De mest berømte billedhuggere i verden" inkluderer også værket "The Walking Man", der skabte i 1961, som blev estimeret på Sothebys auktion til 104,3 millioner amerikanske dollars. Blandt billedhuggerne i slutningen af \u200b\u200bdet 20. århundrede er Lynn Chadwick og Barry Flanagan også værd at nævne.

Berømte russiske billedhuggere fra det 18. til det 19. århundrede

Der er ikke behov for at tale om kunsten at skulpturere i Rusland i perioden før Petrine, da den simpelthen ikke eksisterede. Grundlæggelsen af \u200b\u200bSkt. Petersborg fik folk til at tænke på at dekorere sine paladser og pladser med skulpturelle kompositioner, som det var almindeligt i europæiske lande, så udenlandske mestre begyndte at blive inviteret til retten. Således var de første kendte "russiske" billedhuggere udlændinge. For eksempel er flere omfattende portrætter kommet ned til os, kastet af faren til den fremtidige store arkitekt - KB Rastrelli.

Efter grundlæggelsen af \u200b\u200bKunstakademiet af Katarina II begyndte russerne at studere der. Især i løbet af hendes regeringstid adskilte sig pionerer inden for den indenlandske skulpturkunst som F. Shubin, M. Kozlovsky og F. Gordeev, der skabte den berømte Samson. Især mange begavede håndværkere dukkede op i det 19. århundrede. Især var det i denne periode, at sådanne berømte billedhuggere i Rusland som MM Antokolsky, forfatteren af \u200b\u200bmonumentet til Peter den Store i Peterhof, A.M. Opekushin, P. Velionsky og I. Shroder arbejdede.

Et af de mest genkendelige skulpturværker i første halvdel af det 20. århundrede er selvfølgelig det berømte monument over Vera Mukhina "Arbejder og kollektiv gårdkvinde" - et anerkendt mesterværk af socialistisk realisme. Ikke mindre interessant er værkerne af E. Vutechich, der skabte "Soldier-Liberator" til Berlin Treptower Park og den verdensberømte statue "Motherland" og M. Anikushin - forfatteren af \u200b\u200bmonumenterne til AP Chekhov og A. Pushkin , som blev installeret i Leningrad i 1957.

Med hensyn til hvem de mest berømte russiske billedhuggere i den post-sovjetiske periode er, så sandsynligvis Ernst Neizvestny, der, efter at være begyndt på sit arbejde tilbage i sovjettiden, blev tvunget til at emigrere til USA og hans mest betydningsfulde arbejde - "Mask of Sorg "over Magadan-mindesmærket over ofre for stalinistisk undertrykkelse - skabt i 1996. En anden billedhugger, der har modtaget bred anerkendelse i de seneste årtier, er M. Shemyakin, blandt hvis værker den multifigurede komposition "Children - Victims of Adult Vices" fortjener særlig omtale.

Lister over ikoniske og indflydelsesrige billedhuggere

Gamle egyptiske billedhuggere

De innovative og opfindsomme egyptiske billedhuggere og udskærere samt middelhavshåndværkere fra nabolandene forblev næsten helt anonyme.

Gamle græske billedhuggere (500-100 f.Kr.)

Græsk skulptur menes at være en blanding af ideer og teknikker fra egyptiske, mykeniske og persiske kulturer. Græske billedhuggere studerede både stenudskærings- og bronzearbejde. Overraskende, på trods af Grækenlands utrolige bidrag til udviklingen af \u200b\u200bskulptur, har en hel del navne på berømte mestre overlevet den dag i dag.

Fragment af frisen fra Halicarnassus-mausoleet. Scopas.

• Phidias (ca. 488-431 f.Kr.). Største billedhugger i den klassiske periode;
• Myron of Eleuther (ca. 480-444 f.Kr.). Master i bronzeskulptur;
• Lysippos (ca. 395-305 f.Kr.). Berømt billedhugger under protektion af Alexander den Store;
• Polycletus (5. århundrede f.Kr.);
• Callimachus (5. århundrede f.Kr.);
• Scopas (ca. 395-350 f.Kr.);
• Praxiteles (ca. 395-350 f.Kr.);
• Leochares (ca. 350 f.Kr.).

• Honore Daumier (1808-1879);
• George Frederick Watts (1817-1904)
• Jean-Baptiste Carpeau (1827-1875)
• Frederick Leighton (1830-1896)
• Constantin Meunier (1831-1905);
• Frederic-Auguste Bartholdi (1834-1904)
• Edgar Degas (1834-1917);
• Georges Minne (1866-1941).

Ugolino og hans børn. Jean-Baptiste Carpeau.

Moderne billedhuggere: 20. århundrede

De første år af det 20. århundrede blev revolutionerende inden for skulptur, takket i vid udstrækning kunstnere som Picasso, Boccioni og Naum Gabo samt nye modernistiske bevægelser (kubisme, surrealisme, dadaisme osv.). Nye abstrakte former og objekter af skulptur vises.

Siddende. Ernst Barlach. Skulptur foran universitetet i Madrid. Hyatt Huntington.

20. århundrede: moderne billedhuggere

Overgangen fra modernisme til postmodernisme diversificerede meget skulptur. Nye materialer (for eksempel konkret), nye former (superrealisme, abstrakte værker) og teknologier dukker op. Imidlertid er traditionelle værker stadig relevante på trods af de mange forskelle fra nutidige værker.

• Louise Bourgeois (1911–2010);
• Joseph Beuys (1921-1986);
• Cesar Baldachini (1921-1998);
• Eduardo Paolozzi (1924-2005);
• Donald Judd (1928-1994);
• Saul Levitt (1928-2007);
• Niki de Saint Phalle (1930-2002).

Den præsenterede liste over billedhuggere er ikke komplet og indeholder ikke et antal berømte navne, men det giver en generel ide om mestre, stil og ideer fra forskellige epoker.

De bedste billedhuggere nogensinde opdateret: 23. september 2017 af forfatteren: Gleb