Hvordan sælger man en død haj for 12 millioner dollars?

Hajernes blodige ry har sikret dem popularitet ikke kun blandt indbyggerne i kystbyer, men også blandt de store, der med succes omslutter disse formidable fisk.

At sælge en død fisk for 12 millioner dollars er en aftale, de mest succesrige forretningsmænd nok ikke engang drømmer om.

Dette viste sig dog at være inden for magten hos New York-magnaten i reklamebranchen, den berømte kunstsamler Charles Saatchi.

Oprindelsen til historien om de døde ligger tilbage i 1991, hvor den fashionable britiske kunstner Damien Hirst efter eget udsagn opslåede annoncer for kadaveret af en nyfanget haj på kysten af ​​den australske by Ipswich.

Der blev ikke lovet meget - kun 4 tusind dollars for fangst af rovdyret og yderligere 2 tusind - for det faktum, at kadaveret ville blive dækket af is og sendt med fly til England.

Ingen af ​​fiskerne kunne have forestillet sig, at der senere skulle koges en formue på dette lig!

Den døde haj var nødvendig for, at Hirst kunne skabe et kunstværk under den komplekse titel "The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living" – og det var også bestilt af Saatchi.

For oprettelsen af ​​udstillingen betalte magnaten kunstneren 50 tusind pund sterling (ca. 100 tusind dollars på det tidspunkt).

Faktisk var mesterværket en 5-meter haj balsameret i formalin.

Selv på det tidspunkt virkede beløbet så latterligt, at den berømte ugeavis "Sun" hilste aftalen med overskriften "50 tusind for fisk uden chips!"

Der gik kun et år - og det døde slagtekrop, på grund af mislykket vævsbehandling, begyndte at nedbrydes - rygfinnen faldt af, huden blev rynket og fik en grøn farvetone, formaldehyd i akvariet blev uklar.

Kuratorerne for Saatchi Gallery, i et forsøg på på en eller anden måde at redde udstillingen, tilføjede lidt blegemiddel til tanken, men dette fremskyndede kun nedbrydningen.

Til sidst, i 1993, overgav de sig, flåede liget og trak det over en robust plastikramme. Den døde haj var stadig grøn.

Haj i formalin - kunst uden grænser

Omtrent samtidig rejste dyrerettighedsaktivister med hjælp fra medierne et tumult på avissiderne og hævdede, at det ikke var kunst, men en almindelig hån mod et lig.

Hvad forhindrede Saatchi i simpelthen at smide den rådne fisk ud og erstatte den med nøjagtig den samme, men frisk? Kunstkritikere besvarer dette spørgsmål kategorisk - hvis hajen på en eller anden måde bliver opdateret eller ændret, vil den ikke længere være værket. På samme måde, hvis du maler Rembrandt om, bliver det ikke længere Rembrandt.

Til sidst besluttede Saatchi at sælge udstillingen. Formidleren var den berømte New York-kunsthandler Larry Gagosian.

Flere London-samlere og museer var kendt for at have vist en forbeholden interesse, men ingen af ​​dem udtrykte et bestemt ønske om at købe en længe forkælet død fisk.

12 millioner dollars for døde fisk

Den mest lovende af alle købere viste sig at være Connecticut-milliardærsamleren Steve Cohen. Han købte udstillingen.

12 millioner dollars - prisen på en rådden, halvt kollapset, misfarvet fisk chokerede det globale marked for samtidskunst.

Og pointen er ikke engang, at dette beløb viste sig at være det største i verden, der nogensinde er betalt for et værk af en kunstner i hans levetid.

Steve Cohen, der tjener mere end en halv milliard dollars om året, har sagtens råd til sådan et indfald – simple beregninger viser, at købet kun kostede ham fem dage i indtægt.

Men er sådan en erhvervelse et kunstværk? Meninger fra eksperter, og endda almindelige mennesker, er forskellige.

I mellemtiden, hævder folk, samler reservoiret med den mest berømte døde haj i verden støv i lagerrummene i Steve Cohen Gallery.

En udstilling af Damien Hirst, en af ​​de dyreste og mest berømte samtidskunstnere, er åbnet i Gary Tatintsian-galleriet. Det er ikke første gang, at Hirst bliver hentet til Rusland: før det var der et retrospektiv på det russiske museum, en lille udstilling i Triumph-galleriet samt en samling af kunstneren selv på MAMM. Denne gang vil de besøgende blive præsenteret for de mest betydningsfulde værker fra 2008, solgt af kunstneren selv på en personlig Sotheby's-auktion samme år. Buro 24/7 forklarer, hvorfor sommerfugle, farverige cirkler og tabletter er så vigtige for at forstå Hirsts værk.

Hvordan Hirst blev kunstner

Damien Hirst kan fuldt ud betragtes som personificeringen af ​​Young British Artists - en generation af ikke længere unge, men meget succesrige kunstnere, hvis højdepunkt blomstrede i 90'erne. Blandt dem er Tracy Emin med neonskilte, Jake og Dinos Chapmen med en kærlighed til små figurer og et dusin andre håndværkere.

YBA samler ikke kun studier på det prestigefyldte Goldsmiths College, men også den første fælles udstilling Freeze, som fandt sted i 1988 i en tom administrationsbygning på havnen i London. Kurator var Hirst selv - han udvalgte værker, bestilte et katalog og planlagde åbningen af ​​udstillingen. Freeze fangede Charles Saatchi, reklamemogul, samler og fremtidig protektor for unge britiske kunstnere. To år senere erhvervede Saatchi Hirsts første installation i hans samling, A Thousand Years, og tilbød ham sponsorat til hans fremtidige kreationer.

Damien Hirst, 1996. Foto: Catherine McGann / Getty Images

Dødstemaet, som senere blev centralt i Hirsts værk, glider allerede ind i De tusinde år. Essensen af ​​installationen var en konstant cyklus: Fluer dukkede op fra larvernes æg, som kravlede til den rådnende ko's hoved og døde på ledningerne af en elektronisk fluesmækker. Et år senere lånte Saatchi Hirst penge til at skabe endnu et værk om livets cyklus - den berømte udstoppede haj, anbragt i formaldehyd.

"Dødens fysiske umulighed i de levendes sind"

I 1991 købte Charles Saatchi en australsk haj til Hirst for £6.000. I dag symboliserer hajen boblen af ​​moderne kunst. For avisfolk er det blevet en populær basisvare (for eksempel - en artikel af Sun under overskriften "£ 50.000 for en fisk uden chips"), og blev også et af hovedemnerne i økonomen Don Thompsons bog How to Sell a Stuffed Shark for 12 Million: The Scandalous Truth About Contemporary Art og auktionshuse".

På trods af buzzen købte hedgefondens CEO Steve Cohen jobbet i 2006 for 8 millioner dollars. Blandt de interesserede købere var Nicholas Serota, direktør for Tate Modern Gallery, det største sovrisk museum ved siden af ​​New Yorks MoMA og Pompidou Centret i Paris. Opmærksomheden på installationen blev ikke kun tiltrukket af en liste over nøglenavne for samtidskunst, men også af dens eksistens - 15 år. Gennem årene nåede hajens krop at rådne, og Hirst måtte udskifte den og trække den op på en plastikramme. "Dødens fysiske umulighed i en levendes sind" var det første værk i serien "Naturhistorie" - senere anbragte Hirst også et får og parterede køer i formaldehyd.

Den fysiske umulighed af død i sindet på nogen, der lever, 1991

Sorte Får, 2007

Kærlighedens paradoks (overgivelse eller autonomi, adskillelse som forudsætning for forbindelse), 2007

The Tranquility of Solitude (for George Dyer), 2006

Rotationer og kalejdoskoper

Hirsts værker kan opdeles i flere genrer. Ud over de ovenfor nævnte akvarier med formaldehyd er der "rotationer" og "pletter" - sidstnævnte udføres af kunstnerens assistenter i hans atelier. Sommerfugle fortsætter temaet liv og død. Der er et kalejdoskop som et farvet glasvindue i en gotisk katedral og en storslået installation "Falling in Love or Falling Out of Love" - ​​rum fyldt med disse insekter. For at skabe sidstnævnte ofrede Hirst omkring ni tusinde sommerfugle: 400 nye insekter blev dagligt bragt til Tate-galleriet, hvor retrospektivet blev holdt, for at erstatte de døde.

Retrospektivet er blevet det mest besøgte i museets historie: På fem måneder blev det set af næsten en halv million seere. Sammen med temaet liv og død er der også et "apotek" - når man ser på kunstnerens pointbilleder, opstår der associationer til medicin. I 1997 åbnede Damien Hirst restauranten Pharmacy. Det lukkede i 2003 og auktionerede indretning og møbler til forbløffende $11,1 millioner. Hirst udviklede emnet medicin på en mere visuel måde - en separat serie af kunstneren er viet til skabe med håndlagte piller. Det mest økonomisk succesrige værk var "Spring Lullaby" - et stativ med piller indbragte kunstneren 19 millioner dollars.

Damien Hirst, Uden titel, 1992; In Search of Nirvana, 2007 (installationsfragment)

"For Guds skyld"

Et andet berømt værk af Hirst (og også dyrt i enhver forstand) er et kranium, besat med mere end otte tusinde diamanter. Værket har fået sit navn fra det første Johannesbrev - "For dette er Guds kærlighed." Dette henviser os igen til temaet om livets skrøbelighed, dødens uundgåelighed og ræsonnement om livets essens. På panden af ​​kraniet er en diamant på 4 millioner pund. Selve produktionen kostede Hirst 12 millioner, og prisen for arbejdet var omkring 50 millioner pund (ca. 100 millioner dollars). Kraniet blev vist på Amsterdams statsmuseum og derefter solgt til en gruppe investorer gennem White Cube Gallery af Jay Jopling, en anden stor forhandler, der arbejdede med Hirst.

Damien Hirst, For This Is Love For God, 2007

Plader, forfalskninger og fænomenet berømmelse

Selvom Hirst ikke sætter absolutte rekorder, regnes han som en af ​​de dyreste blandt nulevende kunstnere. Stigningen i priserne på hans arbejde toppede i slutningen af ​​2000'erne - med salget af en haj, et kranie og andre værker. En separat episode kan kaldes Sotheby's-auktionen på højden af ​​den økonomiske krise i 2008: den indbragte ham 111 millioner pund, hvilket er 10 gange mere end den tidligere rekord - en lignende auktion af Picasso i 1993. Den dyreste vare var Guldkalv - kadaveret af en tyr i formalin, solgt for 10,3 millioner pund.

Historien om Hirsts dannelse er et eksempel på et ideelt scenarie for enhver samtidskunstner, hvor kompetent markedsføring nærmest spillede en nøglerolle. Selv latterlige historier som gallerirenseren Eyestorm, der lagde kunstnerens installation i en affaldspose, eller en præst i Florida, der blev dømt for at forsøge at sælge Hirsts forfalskninger i 2014, ser uforståelige ud på baggrund af kunstnerens højprofilerede løjer. Faldet i interessen for Hirst blev tydeligst i de sidste fem år efter endnu en udstilling på White Cube- kritikernes pres blev mere håndgribeligt, Hirsts opfindsomhed overraskede ikke længere det slidte publikum, og auktionsrekorder gik videre til andre spillere - Richter, Koons og Kapoor. På den ene eller anden måde breder Hirsts glorie af berømmelse sig videre til hans gamle værker, som i dag kan ses i det tatintsiske galleri. Hirst har nye projekter forude - på tærsklen til Venedig Biennalen åbner kunstneren en stor udstilling i Palazzo Grassi og Punta della Dogana. Ifølge pressemeddelelsen er de "frugten af ​​et årtis arbejde" - det er sandsynligt, at alle begynder at tale om Damien Hirst igen.

Dominerende i kunstscenen siden 1990'erne.

I 1980'erne blev Goldsmith College anset for at være banebrydende: I modsætning til andre skoler, der tiltrak elever, der ikke formåede at komme ind på et rigtigt college, tiltrak Goldsmith School mange talentfulde elever og ressourcestærke lærere. Goldsmith introducerede et innovativt program, der ikke krævede, at eleverne tegnede eller malede. I løbet af de sidste 30 år er denne uddannelsesmodel blevet udbredt over hele verden.

Som elev på skolen besøgte Hirst jævnligt lighuset. Senere vil han bemærke, at mange af temaerne i hans værker stammer fra der.

Karriere

I juli 1988 kuraterede Hirst den roste Freeze-udstilling i den tomme Port Authority Building i Londons dokker; udstillingen præsenterede værker af 17 elever på skolen og hans egen skabelse - en sammensætning af papkasser malet med latexmaling. Selve udstillingen Fryse var også frugten af ​​Hirsts arbejde. Han udvalgte selv værkerne, bestilte kataloget og planlagde åbningsceremonien.

Fryse blev udgangspunktet for flere YBA-kunstnere; desuden henledte den berømte samler og protektor for kunsten Charles Saatchi opmærksomheden på Hirst.

Hirst dimitterede fra Goldsmiths College i 1989. I 1990 organiserede han sammen med sin ven Karl Friedman en anden udstilling, Spille, i en hangar, i en tom Bermondsey fabriksbygning. Denne udstilling blev besøgt af Saatchi: Friedman husker at stå med åben mund foran Hirsts installation A Thousand Years - en visuel demonstration af liv og død. Saatchi erhvervede denne kreation og tilbød Hirst penge til at skabe fremtidige værker.

Således, med Saatchis penge, i 1991, blev den fysiske umulighed af død skabt i en levendes bevidsthed, som er et akvarium med en tigerhaj, hvis længde nåede 4,3 meter. Arbejdet kostede Saatchi £ 50.000. Hajen blev fanget af en autoriseret fisker i Australien og var prissat til £ 6.000. Som et resultat blev Hirst nomineret til en Turner-pris, som gik til Greenville Davey. Selve hajen blev solgt i december 2004 til samleren Steve Cohen for 12 millioner dollars (6,5 millioner pund).

Hirsts første internationale anerkendelse kom til kunstneren i 1993 på Venedig Biennalen. Hans arbejde, Mother and Child Separated, bestod af dele af en ko og en kalv placeret i separate formaldehydakvarier. I 1997 udkom kunstnerens selvbiografi I Want To Spend the Rest of My Life Everywhere, with Everyone, One to One, Always, Forever, Now.

Hirsts seneste projekt, der larmede meget, er et billede i naturlig størrelse af et menneskekranie; selve kraniet er kopieret fra kraniet af en europæer på omkring 35 år, som døde et sted mellem 1720 og 1910; tænderne sættes ind i kraniet. Kreationen er beklædt med 8601 industrielle diamanter med en samlet vægt på 1100 karat; de dækker det som et fortov. I midten af ​​panden af ​​kraniet er en stor, 52,4 karat, standard brillantslebet, lyserød diamant. Skulpturen hedder For the Love of God og er den dyreste skulptur af en nulevende forfatter til 50 millioner pund.

I 2011 designede Hirst coveret til Red Hot Chili Peppers' album I'm with you.

Arbejde

Tekst: Ksyusha Petrova

Gary Tatintsyan Gallery åbner i Moskva i dag den første udstilling siden 2006 af Damien Hirst, en britisk kunstner, der ikke forgæves kaldes "great and terrible", sammenligner den med genier fra renæssancen, dengang med hajer fra Wall Street. Hirst betragtes som den rigeste nulevende forfatter, hvilket kun giver næring til kontroverser omkring hans værk. Siden Charles Saatchi bogstaveligt talt har set på installationen Tusind år med åben mund - en spektakulær og dyster illustration af hele livets rejse fra fødsel til død - er støjen omkring de kreative metoder og den æstetiske værdi af Hirsts værker ikke lagt sig, hvilket bl.a. kunstneren selv er selvfølgelig kun glad for ... Vi fortæller, hvorfor Hirsts værker virkelig er værdige til den enorme opmærksomhed, de får, og vi forsøger at forstå kunstnerens indre verden – meget mere tvetydig og subtil, end den kan se ud udefra.

"Væk fra flokken", 1994

Hirst er nu enoghalvtreds, og for ti år siden holdt han helt op med at ryge, stoffer og alkohol - chancerne er gode for, at hans karriere fortsætter flere årtier endnu. Samtidig er det svært at forestille sig, hvad der kunne være næste skridt for en kunstner af denne størrelsesorden - Hirst har allerede repræsenteret sit land ved åbningsceremonien for OL i London, optaget en video for Blur-gruppen, lavet verdens mest dyrt kunstværk (et platin kranium indlagt med diamanter), i værksteder på det beskæftiger mere end hundrede og tres ansatte (dette var aldrig engang drømt om af Andy Warhol med sin "Factory"), og hans formue overstiger en milliard dollars. Brawlerens billede, der glorificerede Hirst, sammen med hans serie af alkoholiserede dyr i 1990'erne, ændrede sig gradvist til et mere afslappet billede: Selvom kunstneren stadig elsker læderbukser og ringe med kranier, har han ikke vist sin penis til fremmede i lang tid , som han gjorde i "år med militær herlighed", Og ligner mere og mere en succesfuld iværksætter end en rockstjerne, selvom det faktisk er begge dele.

Hirst forklarer sin ekstraordinære kommercielle succes med, at han havde mere motivation til at tjene end resten af ​​medlemmerne af Young British Artists-sammenslutningen, som han stod i spidsen for (selv mens han studerede på Goldsmiths, organiserede Hirst den legendariske udstilling Freeze, som tiltrak sig opmærksomhed fra eminente galleriejere til unge kunstnere). Hirsts barndom kan ikke kaldes rig og lykkelig: han så aldrig sin biologiske far, hans stedfar forlod familien, da drengen var tolv, og hans katolske mor modstod desperat sin søns forsøg på at blive en del af den dengang meget unge punk-subkultur.

Ikke desto mindre støttede hun hans kunststudier - måske af fortvivlelse, for Hirst var en svær teenager, og alle fag, undtagen tegning, fik ham med nød og næppe. Damien blev jævnligt fanget i små butikstyverier og andre ubehagelige historier, men samtidig nåede han at skitsere i det lokale lighus og studere medicinske atlas, som var inspirationskilden for hans yndlingsforfatter - den dystre ekspressionist Francis Bacon. Bacons malerier påvirkede Hirst stærkt: Grinet fra den berømte alkoholiserede haj ligner det gentagne motiv af Bacons mund åben i skrigende, rektangulære akvarier findes konstant på Bacons lærreder og piedestaler.

For et par år siden præsenterede Hirst, der aldrig havde optrådt inden for det traditionelle maleri, for offentligheden en række af sine egne malerier, tydeligt inspireret af Bacons værker, og mislykkedes dybt: Kritikere kaldte Hirsts nye værker for en patetisk parodi på mesterens malerier og sammenlignede det med "smag fra en nybegynder, der ikke giver store forhåbninger". Måske sårede disse stikkende anmeldelser kunstnerens følelser, men påvirkede tydeligvis ikke hans produktivitet: med hjælp fra assistenter, der udfører alt det rutinemæssige arbejde, fortsætter Hirst sin endeløse serie af lærreder med flerfarvede prikker, "roterende" billeder skabt ved at rulle dåser med maling i en centrifuge, installationer med tabletter og i industriel skala giver storsælgende arbejde.

← "Untitled AAA", 1992

Mens Hirst altid har sagt, at penge primært er et redskab til produktion af kunst i stor skala, kan det ikke nægtes, at han besidder et ekstraordinært talent for iværksætteri - lige så meget, hvis ikke overlegent i skala, til kunstnerisk talent. Den ikke-beskedne brite mener, at alt, hvad han rører ved, bliver til guld - og det ser ud til at være sandt: Selv i det deprimerede 2008 overgik den to-dages auktion over hans værker hos Sotheby's, arrangeret af Hirst selv, alle forventninger og brød Picasso'en. auktionsrekord. Hirst, der ligner en simpel fyr fra Leeds, tøver ikke med at tjene penge på genstande, der ser ud til at være fremmede for højkunst - det være sig souvenir-skateboards til seks tusinde dollars eller den trendy London-restaurant Pharmacy, indrettet i kunstnerens ånd. "apotek" serien. Køberne af Hirsts værker er ikke kun Oxford-kandidater fra gode familier, men også et nyt lag af samlere - dem, der kom nedefra og tjente en formue fra bunden, som kunstneren selv.

Hirsts stjernestatus og de svimlende omkostninger ved hans arbejde gør det ofte svært at gennemskue deres essens – hvilket er ærgerligt, for ideerne, der er indlejret i dem, er ikke mindre imponerende end savede kokroppe i formaldehyd. Selv i, hvad der ser ud til at være hundrede procent kitsch, har Hirst en ironi: hans berømte diamantbesatte kranie, som blev solgt for hundrede millioner dollars, hedder "For the Love of God" (et udtryk, der bogstaveligt kan oversættes som " I Guds kærligheds navn" som en træt persons forbandelse: "Nå, for guds skyld!"). Ifølge kunstneren blev han tilskyndet til at skabe dette værk af ordene fra sin mor, som engang spurgte: "Gud forbarme dig, hvad skal du så gøre?" ("For Guds kærlighed, hvad skal du så gøre?"). Cigaretskod, lagt ud med manisk pedanteri i et udstillingsvindue, er en måde at beregne levetider på: ligesom dyr i formalin og et diamantkranie, med henvisning til det klassiske plot af memento mori, minder røgede cigaretter om tilværelsens skrøbelighed, som med alt ønsket, vores sind er ikke i stand til at forstå. Og flerfarvede cirkler og cigaretskod og hylder med medicin - et forsøg på at strømline det, der adskiller os fra døden, for at udtrykke alvoren af ​​at være i denne krop og i denne bevidsthed, som kan bryde af når som helst.

"Klaustrofobi / Agorafobi", 2008

I sine interviews fortæller Hirst i stigende grad, at han i sin ungdom følte sig evig, og nu har emnet døden for ham mange andre nuancer. "Skat, min ældste søn, Connor, er seksten. Flere af mine venner er allerede døde, og jeg er ved at blive gammel, - forklarer kunstneren. "Jeg er ikke den bastard, der forsøgte at råbe ad hele verden længere." Hirst er en overbevist ateist og vender jævnligt tilbage til religiøse emner, dissekerer dem hensynsløst og udtaler igen og igen, at Guds eksistens er umulig, ligesom "døden i de levendes sind."

En række værker med levende og døde sommerfugle legemliggør kunstnerens refleksioner over skønhed og dens skrøbelighed. Denne idé kommer tydeligst til udtryk i installationen In and Out of Love: flere tusinde sommerfugle udklækkes fra kokoner, lever og dør i gallerirummet, og deres kroppe klæbet til lærreder forbliver som en påmindelse om skønhedens skrøbelighed. Ligesom de gamle mestres værker er det ønskværdigt at se Hirsts værker mindst én gang live: både den memetiske "Dødens fysiske umulighed i sindet af en levende" og "Separeret mor og barn" gør et helt andet indtryk, hvis man står ved siden af ​​dem. Disse og andre værker fra "Naturhistorie"-serien er ikke en provokation for provokationens skyld, men et tankevækkende og lyrisk udsagn om den menneskelige eksistens grundlæggende spørgsmål.

Som Hirst selv siger, er der i kunsten, som i alt, hvad vi gør, kun én idé - søgen efter et svar på filosofiens hovedspørgsmål: hvor kom vi fra, hvor skal vi hen, og er der nogen mening i dette? En haj i alkohol, inspireret af Hirsts barndomsminder om gyseren "Jaws", konfronterer vores bevidsthed med et paradoks: hvorfor føler vi os utilpas ved siden af ​​kadaveret af et dødbringende dyr, fordi vi ved, at det ikke kan skade os? Er det, vi føler, ikke en af ​​manifestationerne af en irrationel dødsangst, der altid rager et sted på kanten af ​​bevidstheden – og i så fald, hvordan påvirker dette vores handlinger og hverdag?

Hirst er blevet kritiseret mere end én gang for sine kreative metoder og barske udtalelser: For eksempel måtte kunstneren i 2002 give en offentlig undskyldning for at sammenligne 9/11-angrebet med en kunstnerisk proces. Den levende klassiker fordømte Hirst for ikke at lave arbejdet med egne hænder, men bruge assistenternes arbejde, og kritikeren Julian Spaulding opfandt endda parodibegrebet "Con Art", som kan oversættes til "konceptualisme for suckers". Det kan ikke siges, at alle de forargede udråb mod Hirst var grundløse: Kunstneren blev mere end én gang dømt for plagiat og også anklaget for kunstigt at hæve priserne på sine værker, for ikke at nævne udtalelserne fra Selskabet for Dyrenes Beskyttelse, som var bekymret for betingelserne for at holde sommerfugle på museet. ... Den måske mest absurde konflikt, der er forbundet med navnet på den skandaløse brite, er hans konfrontation med den sekstenårige kunstner Cartraine, der solgte collager med et fotografi af Hirsts værk "In the Name of the Love of God". Mangemillionærkunstneren beslaglagde to hundrede pund fra teenageren, som han tjente på sine collager, hvilket forårsagede voldsom indignation blandt repræsentanterne for kunstmarkedet.

← "Enchanted", 2008

Hirsts konceptualisme er ikke så åndssvag, som den kan se ud: faktisk skaber kunstneren en idé, og snesevis af hans navnløse assistenter er engageret i legemliggørelsen - dog viser praksis, at Hirst virkelig bekymrer sig om hans værkers skæbne. Sagen om den meget alkoholiserede haj, der begyndte at nedbrydes, er blevet en af ​​kunstverdenens yndlingsanekdoter. Charles Saatchi besluttede at redde jobbet ved at trække skindet af den langmodige fisk over en kunstig ramme, men Hirst afviste det konverterede værk og sagde, at det ikke længere gør så skræmmende et indtryk. Som følge heraf blev den allerede beskadigede installation solgt for tolv millioner dollars, men på kunstnerens insisteren blev hajen udskiftet.

Hirsts ven og YBA-kollega Matt Collishaw beskriver ham som en "hooligan og æstet"

Damien Stephen Hirst (født 7. juni 1965, Bristol, Storbritannien) er en engelsk kunstner, iværksætter, kunstsamler og den mest berømte figur blandt de unge britiske kunstnere, som har domineret kunstscenen siden 1990'erne.

Ifølge Sunday Times estimater er Hirst den rigeste nulevende kunstner i verden med en anslået formue på £215 millioner i 2010. Tidligt i sin karriere arbejdede Damien tæt sammen med den kendte samler Charles Saatchi, men voksende uenighed endte i 2003.

Døden er et centralt tema i hans værk. Kunstnerens mest berømte serie er Natural History: døde dyr (inklusive haj, får og ko) i formaldehyd. Væsentligt arbejde - "Dødens fysiske umulighed i sindet på nogen, der lever": en tigerhaj i et akvarium med formaldehyd. Dette værk er blevet et symbol på det grafiske arbejde i britisk kunst fra 1990'erne og et symbol på Britart i hele verden.

Sommerfugle er et af de centrale genstande for at udtrykke Hirsts arbejde, han bruger dem i alle mulige former: billeder i malerier, fotografier, installationer. For eksempel brugte han 9.000 levende sommerfugle til en af ​​sine installationer In and Out of Love, afholdt på Tate Modern fra april til september 2012 i London, som gradvist døde under begivenheden. Efter denne hændelse kritiserede repræsentanter for RSPCA Animal Welfare Fund kunstneren hårdt.

I september 2008 solgte Hirst den komplette Beautiful Inside My Head Forever-kollektion hos Sotheby's for £111 millioner ($198 millioner), hvilket slog rekorden for en auktion med én kunstner.

Damien Hirst er født i Bristol og opvokset i Leeds. Hans far var mekaniker og bilsælger, han forlod familien, da Damien var 12 år gammel. Hans mor, Mary, var en amatørkunstner. Hun mistede hurtigt kontrollen over sin søn, som blev anholdt to gange for butikstyveri. Først studerede Damien på en kunstskole i Leeds, derefter forsøgte han, efter to år at arbejde på byggepladser i London, at komme ind på Central College of Art and Design opkaldt efter St. Martin og et college i Wales. Til sidst blev han optaget på Goldsmiths College (1986-1989).

I 1980'erne blev Goldsmith College anset for at være banebrydende: I modsætning til andre skoler, der tiltrak elever, der ikke formåede at komme ind på et rigtigt college, tiltrak Goldsmith School mange talentfulde elever og ressourcestærke lærere. Goldsmith introducerede et innovativt program, der ikke krævede, at eleverne tegnede eller malede. I løbet af de sidste 30 år er denne uddannelsesmodel blevet udbredt over hele verden.

Som elev på skolen besøgte Hirst jævnligt lighuset. Senere vil han bemærke, at mange af temaerne i hans værker stammer fra der.

I juli 1988 kuraterede Hirst den roste Freeze-udstilling i den tomme Port Authority Building i Londons dokker; udstillingen præsenterede værker af 17 elever på skolen og hans egen skabelse - en sammensætning af papkasser malet med latexmaling. Selve Freeze-udstillingen var også frugten af ​​Hirsts arbejde. Han udvalgte selv værkerne, bestilte kataloget og planlagde åbningsceremonien.

Freeze var udgangspunktet for flere YBA-kunstnere; desuden henledte Charles Saatchi, en kendt samler og NATO-propagandakurator, opmærksomheden på Hirst.

Hirst dimitterede fra Goldsmiths College i 1989. I 1990 organiserede han sammen med vennen Karl Friedman en anden udstilling, Gamble, i en hangar i en tom Bermondsey-fabriksbygning. Denne udstilling blev besøgt af Saatchi: Friedman husker at stå med åben mund foran Hirsts installation A Thousand Years - en visuel demonstration af liv og død. Saatchi erhvervede denne kreation og tilbød Hirst penge til at skabe fremtidige værker.

Dette er en del af en Wikipedia-artikel, der er licenseret under CC-BY-SA-licensen. Den fulde tekst af artiklen er her →