Den berømte franske koreograf krydsord. Pierre Lacotte - berømt fransk danser og koreograf

hjem / Tidligere

En balletmester er en instruktør af dansenumre ved koncerter, balletforestillinger, koreografiske scener i musikalske og dramatiske forestillinger, lederen af et danseensemble eller en gruppe dansere. Det er den person, der kommer med og bringer billederne af karakterer, deres bevægelser, plastik, vælger musikalsk materiale, og også bestemmer, hvad lyset, makeup, kostumer og dekorationer skal være.

Koreograf

Hvor stærk en følelsesmæssig påvirkning et dansenummer, en koreografisk scene i et musik- og dramateater eller hele balletforestillingen vil have, afhænger af, hvor smukt og præcist dansere og danseres bevægelser og interaktioner er organiseret, på deres udtryksevne og originalitet. bevægelser, om hvordan deres danse kombineres med musikalsk materiale, med scenelys, med kostumer og make-up – alt dette skaber tilsammen et enkelt billede af hele handlingen. Og koreografen er netop den person, der er dens skaber. Han skal kende alle regler og finesser i balletkunsten, dens historie, for at skabe sådanne danse, der vil være interessante for tilskuere at se og dansere optræde. Instruktøren skal have viden, have en arrangørs erfaring og evner, have en rig fantasi, fantasi, være original i sine ideer, have talent, være musikalsk, forstå musik, have sans for rytme, være i stand til at udtrykke følelser med hjælp af plastik - det er fra disse komponenter, kunsten dannes.koreograf. Hvis alt dette er i lederens arsenal, vil hans produktion blive en succes med offentligheden og kritikerne.

Ordet "koreograf" i oversættelse til russisk betyder "mester i dans". Dette erhverv er svært, og det kræver meget arbejde og indsats, både fysisk og moralsk. Instruktøren skal vise alle optrædende deres roller, forklare hvilke følelser de skal udtrykke i plasticitet og ansigtsudtryk. Vanskeligheden ved et sådant arbejde ligger også i, at dansemanuskriptet ikke kan skrives ned på papir, koreografen skal have det i hovedet og vise kunstnerne, så de lærer deres del. Bekendtgørelse af dansere med rollen foregår direkte ved prøverne, mens skuespillere af drama og musikteater har mulighed for at få tekst og musikmateriale på forhånd. Koreografen skal afsløre for udøveren indholdet af sin rolle og vise ham, hvad han skal danse og hvordan. Og jo mere udtryksfuldt instruktøren demonstrerer sin idé for kunstneren, jo hurtigere og lettere vil hans idé blive forstået og assimileret.

Koreografens opgave er også at tilrettelægge dansen eller hele forestillingen på en sådan måde, at den fastholder og øger publikums interesse. Dansebevægelserne i sig selv er kun mekaniske øvelser, et sæt positurer, der ikke fortæller beskueren noget, de vil kun demonstrere fleksibiliteten i udøverens krop, og de vil kun tale, hvis instruktøren fylder dem med tanker og følelser og hjælper kunstneren at give dem også sin sjæl. I høj grad vil forestillingens succes og varigheden af dens "liv" på scenen afhænge af dette. Den allerførste performer af alle danse er koreografen selv, fordi han først skal demonstrere deres roller for de optrædende.

Koreografer fra fortid og nutid

Berømte balletmestre i Rusland og verden af det 19. og 20. århundrede:

Marius Petipa, der ydede et kæmpe og uvurderligt bidrag til russisk ballet;
Jose Mendes - var iscenesætter i mange berømte teatre rundt om i verden, herunder Bolshoi Theatre i Moskva;
Filippo Taglioni;
Jules Joseph Perrot er en af de lyseste repræsentanter for den "romantiske ballet";
Gaetano Gioia - repræsentant for det italienske koreodrama;
George Balanchine - lagde grunden til amerikansk ballet, såvel som moderne ballet-neoklassicisme, mente, at plottet udelukkende skulle udtrykkes ved hjælp af dansernes kroppe, og kulisserne og de frodige kostumer var unødvendige;
Mikhail Baryshnikov - ydede et stort bidrag til verdens balletkunst;
Maurice Béjart er en af det 20. århundredes dygtigste balletmestre;
Maris Liepa;
Pierre Lacotte - var engageret i restaureringen af gammel koreografi;
Igor Moiseev - skaberen af det første professionelle ensemble i Rusland i folkegenren;
Vaclav Nijinsky - var en fornyer i kunsten at koreografi;
Rudolf Nuriev;

Verdens nutidige koreografer:

Jerome Belle - repræsentant for skolen for moderne ballet;
Angelin Preljocaj er en lys repræsentant for det nye

Koreografer fra Rusland i det 21. århundrede:

Boris Eifman - skaberen af sit eget teater;
Alla Sigalova;
Lyudmila Semenyaka;
Maya Plisetskaya;
Gedeminas Taranda;
Evgeny Panfilov er skaberen af sin egen ballettrup, en entusiast i genren fri dans.

Alle disse russiske koreografer er meget berømte ikke kun i vores land, men også i udlandet.

Marius Petipa

Fransk og russisk koreograf, der efterlod en kæmpe arv. I 1847 trådte han i tjeneste som koreograf ved Mariinsky-teatret i Skt. Petersborg og ved Bolshoi-teatret i Moskva efter invitation af den russiske kejser. I 1894 blev han underlagt det russiske imperium. Har instrueret et stort antal balletter som Giselle, Esmeralda, Le Corsaire, Pharaoh's Daughter, Don Quixote, La Bayadere, A Midsummer Night's Dream, Daughter of the Snows, Robert the Devil "Og mange andre. dr.

Roland Petit

Der er berømte koreografer, der betragtes som ballettens klassikere i det 20. århundrede. Blandt dem er en af de lyseste figurer Roland Petit. I 1945 skabte han sin egen ballettrup i Paris, som fik navnet "Ballet de Champs Elysees". Et år senere iscenesatte han det berømte skuespil "The Youth and Death" til musik af I.S. Bach, der trådte ind i verdenskunstens klassikere. I 1948 grundlagde Roland Petit et nyt balletkompagni kaldet Ballet de Paris. I 50'erne var han danseinstruktør for flere film. I 1965 iscenesatte han i Paris den legendariske ballet Notre Dame de Paris, hvor han selv spillede rollen som pukkelryggen Quasimodo, i 2003 iscenesatte han denne produktion i Rusland - på Bolshoi Theatre, hvor Nikolai Tsiskaridze dansede rollen som den grimme klokke ringetone.

Gedeminas Taranda

En anden verdensberømt koreograf er Gedeminas Taranda. Efter sin eksamen fra den koreografiske skole i Voronezh var han solist ved Bolshoi Theatre i Moskva. I 1994 grundlagde han sin "Imperial Russian Ballet", som gav ham verdensomspændende berømmelse. Siden 2012 har han været leder og medstifter af Foundation for the Promotion of Creative Education, formand for Grand Pa Ballet Festival. Gedeminas Taranda har titlen som hædret kunstarbejder i Rusland.

Boris Eifman

En lys, moderne, original koreograf er B. Eifman. Han er grundlæggeren af sit eget balletteater. Har forskellige titler og priser inden for kunst. Hans første opførelser i 1960 var: "Mod livet" til musik af komponisten D.B. Kabalevsky, samt "Icarus" til musik af V. Arzumanov og A. Chernov. Berømmelse som koreograf bragte balletten "Firebird" til komponistens musik, og siden 1977 har han instrueret sit eget teater. Boris Eifmans produktioner er altid originale, de er innovative, de kombinerer akademisk, non-pointe og moderne rockkoreografi. Hvert år tager truppen på turné til Amerika. Teatrets repertoire omfatter børne- og rockballetter.

I Frankrig onsdag d. I århundreder var dans en del af folkelege og kirkefester. Fra det 14. århundrede. han var med i bjergene. teaterforestillinger og palads-mellemspil, nogle gange i form af indsatte scener. I det 15. århundrede. "momerias" med danse blev opført under turneringer og festligheder. Prof. dans på ons århundrede udviklet på folkloristisk basis i jonglørkunsten. En anden kilde var balsaldans (basdans) til paladsfestlighederne. På grundlag af en række forskellige festlige forlystelser blev den form for forestilling dannet, som fik til sidst. 1500-tallet navn "ballet". Arrangører af paladsfester, italiensk. dansemestre, der mestrede det 16. århundredes Italien. dans. skole, var iscenesættere. The Ballet of Polish Ambassadors (1573) og The Queen's Comedy Ballet (1581), iscenesat af Balthazarini di Belgioioso (Baltazar de Beaujouillet), blev de første fuldgyldige eksempler på en ny genre - en forestilling med en konsekvent udviklende handling, der inkluderede ord , musik og dans. Gennem det 17. århundrede. udvikling af "hofballet" har passeret flere. niveauer. I 1600-10 var disse "balletter-masquerades" ("Masquerade of Saint-Germain Fair", 1606), i 1610-1620 - "melodramatiske balletter" med sang, baseret på mytologiske. plots og produktioner. litteratur ("Argonauternes Ballet", 1614; "Rolands vanvid", 1618), holdt så ud til slutningen. 17. århundrede balletter ved udgangene (Nattens Kongelige Ballet, 1653). Deres udøvere var hofmænd (i 1651-70 - Kong Ludvig XIV) og prof. danserne er "baladens". I 1660'erne og 70'erne. Moliere sammen med komp. J. B. Lully og ballet. P. Beauchamp skabte genren "komedie-ballet" ("Bourgeois i adelen", 1670), hvor dansen blev dramatiseret, gennemsyret af moderne. indhold. I 1661 blev Beauchamp leder af Royal Academy of Dance (eksisterede indtil 1780), designet til at regulere balletdansens former og terminologi, som begyndte at tage form i systemet med klassisk dans. I 1669 blev det grundlagt og åbnet i 1671 muser. teater - Royal Academy of Music, som i 1672 blev ledet af Lully. I hans operaer ("lyriske tragedier"), der efterhånden fortrængte hofballetten, indtog dansen en underordnet position. Men inden for forestillingen var der en proces med professionalisering af dansen, polering af dens former i kunsten Beauchamp, danseren G.L. Pekura og prof. dansere (La Fontaine m.fl.), som første gang optrådte i 1681 i Lullys ballet Kærlighedens triumf. Til slutningen. 17. århundrede præstationer af koreografi afspejles i det teoretiske. værkerne af K. F. Menetrie ("Om balletter gamle og moderne ifølge teatrets love", 1682) og R. Feye ("Koreografi og kunsten at optage en dans", 1700). Ved overgangen til 17-18 århundreder. berømte var danserne N. Blondy og J. Balon, danseren M. T. de Subliny.

Elg. teater 2. sal 17-18 århundreder var klassicistisk, men i balletten blev barokkens træk på grund af dens langsomme udvikling bevaret længe. Forestillingerne forblev frodige og besværlige, blottet for stilistisk enhed.

I begyndelsen af det 18. århundrede. der var tegn på stagnation i ballettens ideologisk-figurative indhold med den yderligere berigelse af danseteknikken. Den generelle tendens i udviklingen af balletteater i det 18. århundrede var - ønsket om selvbestemmelse, skabelsen af en integreret forestilling, hvis indhold ville komme til udtryk i pantomime og dans. De gamle former holdt sig dog gennem hele 1700-tallet, især på Det Kongelige Musikkonservatoriums scene, hvilket fremkaldte kritik af oplysningsfolkene (D. Diderot m.fl.). I begyndelsen. 1700-tallet disse var galante præster fra 30'erne. - opera-balletter komp. J. F. Rameau ("Gallant Indien", 1735), hvor dans stadig figurerede i form af svagt forbundet med plottet af udgangene. Virtuose kunstnere blev berømte i disse forestillinger: danser M. Camargo, danser L. Dupre, bror og søster til Lani. Forsøg på at formidle en dramatisk dans. indholdet var skitseret i danseren F. Prevosts kunst (pantomime om plottet af episoden fra "The Horatii" af P. Corneille til musik af JJ Mouret, 1714; "Characters of the Dance" til musik af JF Rebel , 1715) og især M. Sallé, der i samarbejde med Royal Academy of Music også i London iscenesatte "dramatiske handlinger" der i antikken. temaer ("Pygmalion", 1734).

Under indflydelse af oplysningstidens ideer i arbejdet med ballet-teatrets mest progressive skikkelser gav underholdning plads til "naturefterligning", som antog karakterernes naturlighed og følelsernes sandhed. Disse oplevelser nåede dog næppe op på scenen på Det Kongelige Musikkonservatorium. Aktiviteterne for den store reformator af balletteatret J. J. Novers fandt sted uden for dette teater og delvist uden for Frankrig (Stuttgart, Wien, London). Principperne for reformen af ballet-teatret blev skitseret af Nover i teorien. værket "Breve om Dans og Balletter" (1. udg., 1760). De balletter, han skabte under indflydelse af oplysningstidens ideer, var ikke et underholdende show, men et seriøst teater. forestilling, ofte om emner af klassicistiske tragedier. De besad integritet, karakterernes handlinger og oplevelser blev udtrykt ved hjælp af koreografi (kap. Arr. Pantomime), uden deltagelse af ord. På Royal Academy of Music i 1776-78 blev hans "Medea and Jason" og "Appeles and Campasp" af Rodolphe, "Horace" Granier og "Trinkets" af Mozart iscenesat. I 2. sal. 1700-tallet en række koreografer udførte deres eksperimenter i det italienske komedieteater i Paris og i teatrene i Lyon og Bordeaux. En tilhænger af Novers, J. Doberval, arbejdede i Bordeaux, skaberen af en ny type balletkomedie (A Vain Precaution, 1789). Til sidst. 1700-tallet berømte dansere M. Guimard, M. Allard, A. Geinel, Theodore, danserne G. Vestris, M. og P. Gardel, Doberval.

Siden 80'erne. 1700-tallet indtil 20'erne. 19. århundrede P. Gardel stod i spidsen for Musikakademiets trup (i 1789-1814 skiftede den navn flere gange). Repertoiret omfattede hans balletter ("Telemac" og "Psyche" af Miller, 1790; "Dancing" af Megul, 1800; "Paul and Virginia" af Kreutzer, 1806) og balletter af L. Milon ("Nina" til musik af Peruis efter Daleirak, 1813; "Karnaval i Venedig" på Perseuis' musik efter Kreutzer, 1816). I 20'erne. der var balletter af J. Omer: "A Vain Precaution" af Herald ifølge Doberval (1828), "Somnambul" af Herald (1827), "Manon Lescaut" af Halevy (1830). Af 1780-1810'ernes optrædende. O. Vestris var især berømt, i 10-20'erne. - dansere M. Gardel, E. Bigottini, J. Goslin, danser L. Duport. I løbet af disse år ændrede danseteknikken sig dramatisk: ikke glatte, yndefulde, men virtuose rotations- og springbevægelser blev bevægelser på halvfingre fremherskende. Når i 30'erne. balletteatret var påvirket af romantikkens ideer, disse teknikker fik ny mening. I F. Taglionis forestillinger iscenesat for hans datter M. Taglioni (La Sylphide, 1832; Jomfruen fra Donau, 1836), kap. karaktererne var fantastiske. skabninger, der dør af kontakt med virkeligheden. Her blev en ny dansestil udviklet, baseret på luftflyvningen af bevægelser og teknikken til at danse på pointe, hvilket skaber en følelse af vægtløshed. I 30-50'erne. ballet i Frankrig nåede sin højeste stigning. En af de mest meningsfulde. manuf. denne retning blev iscenesat af J. Coralli og J. Perrot "Giselle" (1841). Musikakademiets repertoire 40-50'erne bestod af romantisk. balletter Coralli (Tarantula af K. Gide, 1839; Peri, 1843) og J. Mazilier (Paquita, 1846; Le Corsaire, 1856). Samtidig optrådte Perrault uden for Frankrig (mest i London, men udført af franske kunstnere) sine bedste balletter - Esmeralda (1844), Catharina, Røverens Datter (1846) osv. Dette var forestillinger tæt på kunsten at romantiske digtere fra den revolutionære æra. ups, der påvirkede publikum heroisk. patos, lidenskabens kraft. Den intense handling blev legemliggjort i kulminationen. øjeblikke af udviklet dans, blev der lagt særlig vægt på den karakteristiske dans. F. Elsler havde stor succes i dem. Andre berømte romantiske musikere optrådte i Frankrig. dansere - K. Grisi, L. Gran, F. Cerrito. Praksis og teori romantisk. ballet afspejles i værker af F.A.J. Castile-Blaz og T. Gaultier, som også var forfatter til en række manuskripter.

Med romantikkens tilbagegang (70-90'erne i det 19. århundrede) mistede balletten sin forbindelse med vor tids ideer. Produktioner af A. Saint-Léon på Musikakademiet i 60'erne. tiltrukket af dansens rigdom og overfloden af sceneoptrædener. effekter ("Nemea" af Min-kus osv.). Den bedste ballet fra Saint-Léon er Coppelia (1870). I 1875 begyndte teatertruppen at arbejde i en ny bygning, bygget af arkitekt. C. Garnier, og navnet på balletten i Pariseroperaen blev etableret bag hende. Men balletkunst i 80-90'erne. 19. århundrede forringet. På Paris Opera er ballet blevet et vedhæng til operaforestillingen. En appel til balletterne af komponisterne L. Delibes ("Sylvia" i posten. Meranta, 1876), E. Lalo ("Namuna" i posten. L. Petipa, 1882), A. Messager ("To duer" i posten. Meranta, 1886 ) ændrede ikke stilling. Forestillinger af Merant i 70-80'erne, I. Hansen i 90'erne. og i begyndelsen. 20. århundrede ("Maladetta" Vidal, 1893; "Bacchus" Duvernois, 1905) nød ikke succes på trods af deltagelse af den fremragende danser K. Zambelli. Genoplivningen af balletten i Frankrig fandt sted under indflydelse af den russiske og var forbundet med de russiske årstider, som SPDiaghilev dirigerede i Paris fra 1908 (den første balletforestilling i 1909), samt med aktiviteterne i Diaghilev Russian Ballet trup, som optrådte i Frankrig i 1911-29 ... Mange kunstnere og koreografer, der arbejdede her, blev senere knyttet til franskmændene. balletteater: M. M. Fokin, L. F. Myasin, B. F. Nizhinskaya, J. Balanchine, S. Lifar. Indflydelse blev også udøvet af andre russ. trupper og kunstnere: I. L. Rubinsteins trup (1909-11 og i 1920'erne), for hvilken K. Debussy ("Martyrdommen af St. Sebastian", ballet. Rubinstein, 1911) og M. Ravel ("Bolero", ballet Nizhinskaya, 1928); N.V. Trukhanov, som blev iscenesat af I.N. Khlyustin, som også arbejdede på Paris Opera. Rus. tropper henvendte sig til franskmændenes musik. komp. (Ravel, Debussy, Duque, i 1920'erne - komponister af "Six"), for deres præstationer skabte sceneriet for franskmændene. kunstnere (P. Picasso, A. Matisse, F. Léger, J. Rouault m.fl.). Efter 1. Verdenskrig blev pl. Russisk kunstnere åbnede balletskoler i Paris, som opfostrede mere end én generation af franskmænd. kunstnere. Direktøren for Paris Opera (1910-44) J. Rouche, der stræbte efter at højne ballettens niveau, inviterede fremtrædende kunstnere til teatret (LS Bakst, R. Dufy, M. Brianchon, I. Breyer, M. Detoma). Russisk. kunstnere, koreografer. En vis genoplivning af Operaballettens aktivitet blev skitseret i 10-20'erne. En række postforestillinger. L. Stats ("Bierne" til musik af Stravinsky, 1917; "Sidaliz and Satyr" af Piernet, 1923), inviterede Fokine ("Daphnis og Chloe", 1921), O. A. Spesivtseva. Efter 1929, på baggrund af Diaghilevs entreprise, en række russisk-franske. balletkompagnier: "Balle rus de Monte-Carlo" m.fl.. I 1930-59 (pause 1944-47) blev Operaens trup ledet af S. Lifar, der iscenesatte St. 50 forestillinger. Hans aktiviteter var af stor betydning for franskmændene. ballet, som har genvundet sin tidligere prestige. Operaens repertoire er blevet fuldstændig fornyet. Store komponister, kunstnere og manuskriptforfattere var involveret i skabelsen af balletter. Til sine forestillinger brugte Lifar antikke, bibelske, legendariske emner og fortolkede dem nogle gange symbolsk: Icarus til Sifers rytmer (1935, genoplivet i 1962 med dekorationer af P. Picasso), Jeanne af Tsarissa af Egka (1942), Phaedra Orica ( 1950, med manuskript og kulisser af J. Cocteau), Sauguet's Visions (1947), Delannoy's Fantastic Wedding (1955). Fra sine ældre samtidige, koreograferne fra Diaghilev-bedriften, overtog Lifar traditionerne fra Fokins balletdrama og traditionerne fra 1800-tallets koreografi, hvor det vigtigste udtryksmiddel var det klassiske. dans. Dans. han moderniserede sproget og byggede billeder på grundlag af rationelle, ikke følelsesmæssige (Lifars "neoklassicisme"). Mere end én generation af franskmænd blev opdraget på hans præstationer. kunstnere: dansere S. Schwartz, L. Darsonval, I. Shovire, M. Lafon, K. Vossard, L. Deide, K. Bessie; dansere M. Reno, M. Bozzoni, A. Kalyuzhny, J. P. Andreani, A. Labis. Men den abstrakte retorik, der ligger i Lifars balletter, tabet af forbindelse med det moderne. Virkeligheden, især mærket efter 2. Verdenskrig 1939-45, vakte utilfredshed på dette tidspunkt. Unge kunstnere, der ledte efter nye måder og tilnærmelse af kunst til modernitet, begyndte at arbejde uden for Operaen, hvis repertoire Lifar begrænset til hans egne produktioner. R. Petit skabte balletten Champs Elysees (1945-51) og Paris-balletten (1948-67, med mellemrum), hvor han iscenesatte balletterne The Wandering Comedians Soge (1945), The Youth and Death til musik. JS Bach (1946), "Carmen" om musik. Bizet (1949), "Ulven" af Dutilleux (1953). Senere (i 60'erne og 70'erne) var blandt hans bedste værker Notre Dame Cathedral (1965, Paris Opera) og Light the Stars! til den kombinerede musik (1972, "Marseille Ballet"). Petit arbejder i den dramatiske genre. ballet (adskillige scenarier for ham blev skrevet af J. Anouille), som først henvender sig til tragedie, dernæst, især i den tidlige periode, til bøvlkomedie, men altid bygget på levende karakterer og en kombination af dans. former med dagligdags ordforråd. I de bedste balletter vender han sig mod konflikter, der afspejler livets virkelige modsætninger, og løser dem på en humanistisk måde. plan (afvisning af ondskabens uundgåelighed, moralsk styrke, tro på en person). Sammen med Petit selv, danserne N. Vyrubova, R. Zhanmer, E. Pagava, N. Filippar, K. Marchand, V. Verdi, I. Skorik, danserne J. Babile, Y. Algarov, R. Briand. I 50'erne. andre trupper opstod, hvor der blev søgt inden for temafornyelse og dans. sprog: Ballet of France og anden trup J. Charr, "Balle de l'Eguale" under ledelse af M. Bejart. Bejart, på trods af at han siden 1960 blev leder af Bruxelles-truppen Ballet i det XX århundrede, er en af de førende franske balletmestre. Han ser i koreografiens kunst et middel til at udtrykke en holdning til livets problemer, nogle gange direkte, nogle gange i et filosofisk eller mystisk aspekt.Koreografen viser en særlig interesse for østlig filosofi, østlige teaterformer og østlige teaterformer. dans (ballet "Bakti" til indisk musik, 1968 Han skabte nye former for koreografisk optræden: en slags "total teater" med en overvægt af koreografi ("The Four Sons of Emon" til kombineret musik, 1961), balletter med verbal tekst ("Baudelaire" til kombineret musik og poesi, 1968; "Vores Faust "til den kombinerede musik, 1975), monumentale optrædener på sportsarenaer og i cirkus ("Den niende symfoni "til musik af L. Beethoven, 1964). Han iscenesatte hans egne versioner af berømte balletter: "The Rite of Spring", 1959;" Bolero", 1961; "The Firebird", 1970. En skarp sans for modernitet gør t balletter af Bejart er tæt på publikum, der tidligere var fremmed for denne kunst, især ungdommen.

I 70'erne. Paris Opera blev reorganiseret. To tendenser er dukket op her: på den ene side at inkludere godkendte balletter af prominente koreografer (Balanchine, Robbins, Petit, Bejart, Alicia Alonso, Grigorovich) i repertoiret og genskabe det kanoniske. udgave af gamle balletter ("La Sylphide" og "Coppelia" som revideret af P. Lakot) giver på den anden side mulighed for unge franskmænd til at eksperimentere. koreografer (F. Blaska, N. Shmuki) og udlændinge, inkl. repræsentanter for moderne dans (G. Tetley, J. Butler, M. Cunningham). I Operaen blev Teatergruppen oprettet i 1974. søger under hænderne. Amerikanske kvinder K. Carlson. Afvigende fra den sædvanlige akademiske, følger Paris Opera den generelle tendens fra franskmændene. ballet, hvor der er øget interesse for det nyeste teater. formularer. I 60'erne og 70'erne. mange mennesker arbejdede i Frankrig. balletkompagnier: "Grand Balle du Marc de Cuevas" (1947-62), som fokuserede på det traditionelle repertoire, der tiltrækker berømte kunstnere (T. Tumanova, N. Vyrubova, S. Golovin, V. Skuratov); Samtidsballet i Paris (ballet af F. og D. Dupuis, siden 1955), Fransk Danseteater J. Lazzini (1969-71), Ballet af Felix Blaski (siden 1969, siden 1972 i Grenoble), Nat. ballet af muser. Frankrigs unge (ballet. Lacotte, fra 1963 - til slutningen. 60-erne.), Ballettrup under hænderne på. J. Roussillo (fra 1972), Stilhedens Teater (fra 1972). Mange trupper arbejder i provinserne: Modern Ballet Theatre (ballet F. Adre, siden 1968 i Amiens, siden 1971 i Angers), Ballet of Marseille (ballet Petit, siden 1972), Rhine Ballet (siden 1972 i Strasbourg, ballet P. van Dijk siden 1974), i operahusene i Lyon (ballet af V. Biagi), Bordeaux (ballet af Skuratov). Førende solister fra 60'erne og 70'erne: J. Amiel, S. Atanasov, C. Bessy, J. P. Bonfoux, R. Briand, D. Ganio, J. Guizerix, M. Denard, A. Labis, C. Motte, J. Piletta , N. Pontois, V. Piollet, J. Rayet, G. Tesmar, N. Thibon, JP Franchetti.

Skolen ved Paris Opera blev grundlagt. i 1713 (siden 1972 dens direktør K. Bessie). I Paris siden 20'erne. 20. århundrede arbejdet talrige. privatskoler: M.F.Kshesinskaya, O.I. Preobrazhenskaya, L.N. Egorova, A.E. grundlagt af R. Hightower). Paris har været vært for årlige dansefestivaler siden 1963; dans tager stor plads på festivalen i Avignon mv.

Blandt balletblade: "Archives internationale de la danse" (1932-36), "Tribune de la danse" (1933-39), "Art et danse" (siden 1958), "Toute la danse et la musique" (siden 1952) ), "Danse et rythmes" (fra 1954), "Les saisons de la danse" (fra 1968).

De mest berømte forskere og kritikere (20. århundrede): A. Prunnier, P. Thugal, F. Reina, P. Michaud, L. Vaya, M.F. Cristu, I. Lidova, Y. Sazonova, A. Livio, Zh K. Dieni , AF Ersen. Lifar skrev mere end 25 bøger.

Ballet. Encyclopedia, SE, 1981

Fransk ballet FRANSK BALET. I Frankrig var dansen i Compare århundrede en del af plankesengene. spil og kirke. festligheder. Fra det 14. århundrede. han var med i bjergene. teaterforestillinger og palads-mellemspil, nogle gange i form af indsatte scener. I det 15. århundrede. "momerias" med danse blev opført under turneringer og festligheder. Prof. dans i Sravn århundrede udviklet på et folkloristisk grundlag i jonglørkunsten. En anden kilde var balsaldans (basdans) til paladsfestlighederne. På grundlag af en række forskellige festlige forlystelser blev den form for forestilling dannet, som fik til sidst. 1500-tallet navn "ballet". Arrangører af paladsfester, italiensk. dansemestre, der mestrede det 16. århundredes Italien. dans. skole, var iscenesættere. The Ballet of Polish Ambassadors (1573) og The Queen's Comedy Ballet (1581), iscenesat af Balthazarini di Belgioioso (Baltazar de Beaujouillet), blev de første fuldgyldige eksempler på en ny genre - en forestilling med en konsekvent udviklende handling, der inkluderede ord , musik og dans.

Gennem det 17. århundrede. udvikling af "hofballet" har passeret flere. niveauer. I 1600-10 var disse "balletter-masquerades" ("Masquerade of the Fair of Saint-Germain", 1606), i 1610-1620 - "melodramatiske balletter" med sang, baseret på mytologisk. plots og produktioner. litteratur ("Argonauternes Ballet", 1614; "Rolands vanvid", 1618), holdt så ud til slutningen. 17. århundrede balletter ved udgangene (Nattens Kongelige Ballet, 1653). Deres udøvere var hofmænd (i 1651–70 - Kong Ludvig XIV) og prof. danserne er "baladens". I 1660'erne og 70'erne. Moliere sammen med komp. J. B. Lully og ballet. P. Beauchamp skabte genren "komedie-ballet" ("Bourgeois i adelen", 1670), hvor dansen blev dramatiseret, gennemsyret af moderne. indhold. I 1661 stod Beauchamp i spidsen for Royal Academy of Dance (eksisterede indtil 1780), designet til at regulere balletdansens former og terminologi, som begyndte at tage form i det klassiske system. dans. I 1669 blev det grundlagt og åbnet i 1671 muser. tr - Royal Academy of Music, to-ry i 1672 ledet af Lully. I hans operaer ("lyriske tragedier"), der efterhånden fortrængte hofballetten, indtog dansen en underordnet position. Men inden for forestillingen var der en proces med at professionalisere dansen, polere dens former i kunsten Beauchamp, danseren G.L.Pekura og prof. dansere (og andre.>.), som første gang optrådte i 1681 i Lullys ballet "Kærlighedens triumf". Til slutningen. 17. århundrede præstationer af koreografi afspejles i det teoretiske. værkerne af K. F. Menetrie ("Om balletter gamle og moderne ifølge teatrets love", 1682) og R. Feye ("Koreografi og kunsten at optage en dans", 1700). Ved overgangen til det 17. og 18. århundrede. berømte var danserne N. Blondy og J. Balon, danseren M. T. de Subliny.

Elg. tr 2. sal 17-18 århundreder var klassicistisk, men i balletten blev barokkens træk på grund af dens langsomme udvikling bevaret længe. Forestillingerne forblev frodige og besværlige, blottet for stilistisk enhed.

I begyndelsen af det 18. århundrede. der var tegn på stagnation i ballettens ideologisk-figurative indhold med den yderligere berigelse af danseteknikken. Den generelle tendens i udviklingen af ballet t-ra i det 18. århundrede. - ønsket om selvbestemmelse, skabelsen af en integreret forestilling, hvis indhold ville komme til udtryk i pantomime og dans. De gamle former holdt sig imidlertid ved gennem hele 1700-tallet, især på Det Kongelige Musikkonservatoriums scene, hvilket fremkaldte kritik fra oplysningsfolkene (D. Diderot m.fl.). I begyndelsen. 1700-tallet disse var galante præster fra 30'erne. - opera-balletter komp. J. F. Rameau ("Gallant Indien", 1735), hvor dans stadig figurerede i form af svagt forbundet med plottet af udgangene. Virtuose kunstnere blev berømte i disse forestillinger: danser M. Camargo, danser L. Dupre, bror og søster til Lani. Forsøg på at formidle en dramatisk dans. indholdet blev skitseret i akten af danseren F. Prevost (pantomime om plottet af episoden fra "The Horatii" af P. Corneille til musik af JJ Mouret, 1714; "Characters of the Dance" til musik af JF Rebel, 1715) og især M. Salle, kanter, der arbejdede sammen med Royal Academy of Music også i London, iscenesatte der "dramatiske handlinger" i det antikke. temaer ("Pygmalion", 1734).

Under indflydelse af oplysningstidens ideer i arbejdet med ballet-teatrets mest progressive skikkelser gav underholdning plads til "naturefterligning", som antog karakterernes naturlighed og følelsernes sandhed. Disse oplevelser nåede dog næppe op på scenen på Det Kongelige Musikkonservatorium. Aktiviteterne for den store reformator af balletteatret J. J. Nover fandt sted uden for dette teater og delvist uden for Frankrig (Stuttgart, Wien, London). Principperne for reformen af balletten t-ra blev skitseret af Nover i teoretisk. værket "Breve om Dans og Balletter" (1. udg., 1760). De balletter, han skabte under indflydelse af oplysningstidens ideer, var ikke et underholdende show, men et seriøst teater. forestilling, ofte om emner af klassicistiske tragedier. De besad integritet, karakterernes handlinger og oplevelser blev udtrykt ved hjælp af koreografi (kap. Arr. Pantomime), uden deltagelse af ord. På Royal Academy of Music blev i 1776-78 iscenesat hans "Medea and Jason" og "Appeles and Campasp" af Rodolphe, "Horace" Granier og "Trinkets" af Mozart. I 2. sal. 1700-tallet en række koreografer udførte deres eksperimenter i den italienske komedies parisiske teater og i teatrene i Lyon og Bordeaux. En tilhænger af Novers, J. Doberval, arbejdede i Bordeaux, skaberen af en ny type balletkomedie (A Vain Precaution, 1789). Til sidst. 1700-tallet berømte dansere M. Guimard, M. Allard, A. Geinel, Theodore, danserne G. Vestris, M. og P. Gardel, Doberval.

Siden 80'erne. 1700-tallet indtil 20'erne. 19. århundrede P. Gardel stod i spidsen for Musikakademiets trup (i 1789-1814 skiftede den navn flere gange). Repertoiret omfattede hans balletter ("Telemac" og "Psyche" af Miller, 1790; "Dancing" af Megul, 1800; "Paul and Virginia" af Kreutzer, 1806) og balletter af L. Milon ("Nina" til musik af Peruis efter Daleirak, 1813; "Karnaval i Venedig" på Perseuis' musik efter Kreutzer, 1816). I 20'erne. der var balletter af J. Omer: "A Vain Precaution" af Herald ifølge Doberval (1828), "Somnambul" af Herald (1827), "Manon Lescaut" af Halevy (1830). Af 1780-1810'ernes optrædende. O. Vestris var især berømt, i 10-20'erne. - dansere M. Gardel, E. Bigottini, J. Goslin, danser L. Duport. I løbet af disse år ændrede danseteknikken sig dramatisk: ikke glatte, yndefulde, men virtuose rotations- og springbevægelser blev bevægelser på halvfingre fremherskende. Når i 30'erne. balletten t-r var påvirket af romantikkens ideer, disse teknikker fik ny meningsfuldhed. I F. Taglionis forestillinger iscenesat for hans datter M. Taglioni (La Sylphide, 1832; Jomfruen fra Donau, 1836), kap. karaktererne var fantastiske. skabninger, der dør af kontakt med virkeligheden. Her blev en ny dansestil udviklet, baseret på luftflyvningen af bevægelser og teknikken til at danse på pointe, hvilket skaber en følelse af vægtløshed. I 30'erne og 50'erne. ballet i Frankrig nåede sin højeste stigning. En af de mest meningsfulde. manuf. denne retning blev iscenesat af J. Coralli og J. Perrot "Giselle" (1841). Musikakademiets repertoire 40-50'erne bestod af romantisk. balletter Coralli (Tarantula af K. Gide, 1839; Peri, 1843) og J. Mazilier (Paquita, 1846; Le Corsaire, 1856). Samtidig optrådte Perrault uden for Frankrig (mest i London, men udført af franske kunstnere) sine bedste balletter - Esmeralda (1844), Catharina, Røverens Datter (1846) osv. Dette var forestillinger tæt på kunsten at romantiske digtere fra den revolutionære æra. ups, to-rye påvirket publikum heroisk. patos, lidenskabens kraft. Den intense handling blev legemliggjort i kulminationen. øjeblikke af udviklet dans, blev der lagt særlig vægt på den karakteristiske dans. F. Elsler havde stor succes i dem. Andre har optrådt i Frankrig. berømt romantiker. dansere - K. Grisi, L. Gran, F. Cerrito. Praksis og teori romantisk. ballet afspejles i værker af F.A.J. Castile-Blaz og T. Gaultier, som også var forfatter til en række manuskripter.

Med romantikkens tilbagegang (70-90'erne i det 19. århundrede) mistede balletten sin forbindelse med vor tids ideer. Produktioner af A. Saint-Léon på Musikakademiet i 60'erne. tiltrukket af dansens rigdom og overfloden af sceneoptrædener. effekter ("Nemea" Min-kusa og andre.>.). Den bedste ballet fra Saint-Léon er Coppelia (1870). I 1875 begyndte t-ra-truppen at arbejde i en ny bygning, bygget af arkitekt. C. Garnier, og navnet på balletten i Pariseroperaen blev etableret bag hende. Men balletkunst i 80'erne og 90'erne. 19. århundrede forringet. På Paris Opera er ballet blevet et vedhæng til operaforestillingen. En appel til balletterne af komponisterne L. Delibes ("Sylvia" i posten. Meranta, 1876), E. Lalo ("Namuna" i posten. L. Petipa, 1882), A. Messager ("To duer" i posten. Meranta, 1886 ) ændrede ikke stilling. Forestillinger af Merant i 70-80'erne, I. Hansen i 90'erne. og i begyndelsen. 20. århundrede ("Maladetta" Vidal, 1893; "Bacchus" Duvernois, 1905) nød ikke succes på trods af deltagelse af den fremragende danser K. Zambelli. Genoplivningen af balletten i Frankrig fandt sted under indflydelse af den russiske og var forbundet med de russiske årstider, som SPDiaghilev dirigerede i Paris fra 1908 (den første opførelse af balletten i 1909), såvel som med Diaghilevs aktiviteter Russisk Ballettrop, som optrådte i Frankrig i 1911 –29. Mange kunstnere og koreografer, der arbejdede her, blev senere knyttet til franskmændene. ballet t-rom: M. M. Fokin, L. F. Myasin, B. F. Nizhinskaya, J. Balanchine, S. Lifar. Andre havde også indflydelse. Russisk trupper og kunstnere: I. L. Rubinsteins trup (1909-11 og i 1920'erne), som de skrev K. Debussy (The Martyrium of St. Sebastian, ballet Rubinstein, 1911) og M. Ravel ( "Bolero", ballet Nizhinskaya) , 1928); N.V. Trukhanov, for et snit blev iscenesat af I.N. Khlyustin, som også arbejdede på Paris Opera. Rus. tropper henvendte sig til franskmændenes musik. komp. (Ravel, Debussy, Duque, i 1920'erne - komponister af de seks), for deres præstationer blev sceneriet skabt af franskmændene. kunstnere (P. Picasso, A. Matisse, F. Leger, J. Rouault m.fl.). Efter 1. Verdenskrig blev pl. Russisk kunstnere åbnede balletskoler i Paris, som opfostrede mere end én generation af franskmænd. kunstnere. Direktøren for Paris Opera (1910-44) J. Rouchet, der stræbte efter at højne ballettens niveau, inviterede fremtrædende kunstnere til teatret (LS Bakst, R. Dufy, M. Brianchon, I. Breyer, M. Detoma). Russisk. kunstnere, koreografer. En vis genoplivning af Operaballettens aktivitet blev skitseret tilbage i 10-20'erne. En række postforestillinger. L. Stats ("Bier" til musik af Stravinsky, 1917; "Sidalise and Satyr" af Piernet, 1923), inviterede Fokine ("Daphnis og Chloe", 1921), O. A. Spesivtseva. Efter 1929, på baggrund af Diaghilevs entreprise, en række russisk-franske. balletkompagnier: "Balle rus de Monte-Carlo" m.fl. I 1930–59 (pause 1944–47) blev operatruppen ledet af S. Lifar, som dirigerede St. 50 forestillinger. Hans aktiviteter var af stor betydning for franskmændene. ballet, som har genvundet sin tidligere prestige. Operaens repertoire er blevet fuldstændig fornyet. Store komponister, kunstnere og manuskriptforfattere var involveret i skabelsen af balletter. Til sine forestillinger brugte Lifar antikke, bibelske, legendariske emner og fortolkede dem nogle gange symbolsk: Icarus til Sifers rytmer (1935, genoplivet i 1962 med dekorationer af P. Picasso), Jeanne af Tsarissa af Egka (1942), Phaedra Orica ( 1950, med manuskript og kulisser af J. Cocteau), Sauguet's Visions (1947), Delannoy's Fantastic Wedding (1955). Fra sine ældre samtidige, koreograferne fra Diaghilev-bedriften, overtog Lifar traditionerne fra Fokins balletdrama og traditionerne fra 1800-tallets koreografi, hvor det vigtigste udtryksmiddel var det klassiske. dans. Dans. han moderniserede sproget og byggede billeder på grundlag af rationelle, ikke følelsesmæssige (Lifars "neoklassicisme"). Mere end én generation af franskmænd blev opdraget på hans præstationer. kunstnere: dansere S. Schwartz, L. Darsonval, I. Shovire, M. Lafon, K. Vossard, L. Deide, K. Bessie; dansere M. Reno, M. Bozzoni, A. Kalyuzhny, J. P. Andreani, A. Labis. Men den abstrakte retorik, der ligger i Lifars balletter, tabet af forbindelse med det moderne. Virkeligheden, især mærket efter 2. Verdenskrig 1939-45, vakte utilfredshed på dette tidspunkt. Unge kunstnere, der ledte efter nye måder og tilnærmelse af kunst til modernitet, begyndte at arbejde uden for Operaen, hvis repertoire Lifar begrænset til hans egne produktioner. R. Petit skabte truppen Ballet of the Champs Elysees (1945–51) og Ballet of Paris (1948–67, med mellemrum), hvor han iscenesatte balletterne The Wandering Comedians Soge (1945), The Youth and Death til musik. JS Bach (1946), "Carmen" om musik. Bizet (1949), "Ulven" af Dutilleux (1953). Senere (i 60'erne og 70'erne) var blandt hans bedste værker Notre Dame Cathedral (1965, Paris Opera) og Light the Stars! til den kombinerede musik (1972, "Marseille Ballet"). Petit arbejder i den dramatiske genre. ballet (adskillige scenarier for ham blev skrevet af J. Anouille), som først henvender sig til tragedie, dernæst, især i den tidlige periode, til bøvlkomedie, men altid bygget på levende karakterer og en kombination af dans. former med dagligdags ordforråd. I de bedste balletter vender han sig mod konflikter, der afspejler livets virkelige modsætninger, og løser dem på en humanistisk måde. plan (afvisning af ondskabens uundgåelighed, moralsk styrke, tro på en person). Sammen med Petit selv, danserne N. Vyrubova, R. Zhanmer, E. Pagava, N. Filippar, K. Marchand, V. Verdi, I. Skorik, danserne J. Babile, Y. Algarov, R. Briand. I 50'erne. andre opstod også. trupper, hvor der blev søgt inden for temafornyelse og dans. sprog: Frankrigs ballet og andre. trupper J. Charr, "Ballee de l'Eguale" under ledelse af M. Bejart. Bejart er, på trods af at siden 1960 blev leder af Bruxelles ballettrup i det XX århundrede, en af de førende franske balletmestre. Han ser koreografi i kunsten som et middel til at udtrykke en holdning til livets problemer, nogle gange direkte, nogle gange i et filosofisk eller mystisk aspekt. Koreografen viser en særlig interesse for østlig filosofi, østlige teaterformer og dans (ballet "Bakti" til indisk musik, 1968). former for koreografisk fremførelse: en slags "totalt teater" med en overvægt af koreografi ("Four Sons of Emon" til den kombinerede musik, 1961), balletter med verbaltekst ("Baudelaire" til den kombinerede musik og poesi, 1968; "Our Faust" til den kombinerede musik, 1975), monumentale forestillinger i sportsarenaer og cirkus (Den niende symfoni til musik af L. Beethoven, 1964) Han iscenesatte sine egne versioner af berømte balletter: Forårets rite, 1959 ; Bolero, 1961; Heat -bird ", 1970. En skarp sans for modernitet gør, at Bejarts balletter er tæt på for denne påstand fra publikum, især ungdommen.

I 60'erne og 70'erne. mange mennesker arbejdede i Frankrig. ballettrupper: "Grand Balle du Marc de Cuevas" (1947–62), som fokuserede på det traditionelle repertoire, der tiltrak berømte kunstnere (T. Tumanova, N. Vyrubova, S. Golovin, V. Skuratov); Samtidsballet i Paris (ballet af F. og D. Dupuis, siden 1955), Fransk Danseteater J. Lazzini (1969–71), Ballet af Felix Blaski (siden 1969, siden 1972 i Grenoble), Nat. ballet af muser. Frankrigs unge (ballet. Lacotte, fra 1963 - til slutningen. 60-erne.), Ballettrup under hænderne på. J. Roussillo (fra 1972), Stilhedens Teater (fra 1972). Mange trupper arbejder i provinserne: Modern Ballet Theatre (ballet F. Adre, siden 1968 i Amiens, siden 1971 i Angers), Ballet of Marseille (ballet Petit, siden 1972), Rhine Ballet (siden 1972 i Strasbourg, ballet P. van Dijk siden 1974), på opera teatrene i Lyon (ballet af V. Biagi), Bordeaux (ballet af Skuratov). Førende solister fra 60'erne – 70'erne: J. Amiel, S. Atanasov, C. Bessy, J. P. Bonfoux, R. Briand, D. Ganio, J. Guizerix, M. Denard, A. Labis, C. Motte, J. Piletta , N. Pontois, V. Piollet, J. Rayet, G. Tesmar, N. Thibon, JP Franchetti.

Skolen ved Paris Opera blev grundlagt. i 1713 (siden 1972 dens direktør K. Bessie). I Paris siden 20'erne. 20. århundrede arbejdet talrige. privatskoler: M. F. Kshesinskaya, O. I. Preobrazhenskaya, L. N. Egorova, A. E. Volinin, H. Lander, B. Knyazev, M. Gube og andre. Classic Center blev åbnet i Cannes i 1962. dans (stiftet af R. Hightower). Paris har været vært for årlige dansefestivaler siden 1963; dans indtager en stor plads på festivalen i Avignon m.fl.

Lit .: Khudekov S., Dansens historie, del 1–3, Skt. Petersborg – P., 1913–15; Levinson Α., Balletmestre, St. Petersborg, 1914; Sollertinsky I., Jean Georges Noverres liv og teaterværk, i bogen; Noverre J. J., Breve om dans, [overs. fra fransk], L., 1927; Mokulsky S., Det vesteuropæiske teaters historie, del 1, M., 1936; Koreografi klassikere. [lør], L. - M., 1937; Yu. Slonimsky, Balletmestere, M. - L., 1937; hans, Dramaturgi af balletteatret i det XIX århundrede, M., 1977; Iofiev M., Ballet "Grand Opera" i Moskva, i sin bog: Profiles of Art, M., 1965; Chistyakova V., Roland Petit, L., 1977; V. Krasovskaya, Vesteuropæisk Balletteater. Essays om historie. Fra oprindelsen til midten af det 18. århundrede, L., 1979; Prunleres H., Le ballet de cour en France avant Benserade et Lully, R. 1914; Levinson H., La vie de Noverre, i: Noverre J. G., Lettres sur la danse et sur les ballets, R.,; ham, Marie Taglioni (1804–1884), R., 1929; Beaumont C. W., Tre franske dansere fra det 18. århundrede: Camargo, Sallé, Guimard, L., 1935; Lifar S., Giselle, apothéose du ballet romantique, P.,; Michaut R., Le ballet contemporain, R. 1950; Lidova I., Dix-sept visages de la danse française, R., 1953; Kochno B., Le ballet. R., 1954; Reyna F., Des origines du ballet, s. 1955; Arout G., La danse contemporaine, R. 1955; Ouest I., The Ballet of the Second Empire, 1-2, L., 1953-1955; hans, Den romantiske ballet i Paris, L., 1966; hans, Le ballet de l "Opéra de Paris, R., 1976; Lobet M., Le ballet français d" aujourd "hui de Lifar à Béjart, Brux., 1958; Tugal R., Jean-Georges Noverre. Der große Reformator des Balletts, V., 1959, Laurent J., Sazonova J., Serge Lifar, rénovateur du ballet français (1929-1960), R., 1960, Christout MF, Le ballet de cour de Louis XIV, R., 1967; hende, Maurice Béjart, R., 1972.

E. Ya. Surits.

Scene fra balletten "Triumph of Love"

En scene fra balletten "La Sylphide". Ballet. F. Taglioni

"Phaedra". Paris Opera. Ballet. S. Lifar

"Ungdom og Død". Ballet på Champs Elysees. Ballet. R. Petit

"Ildfugl". Paris Opera. Ballet. M. Bejart

Ballet. Encyklopædier. - M .: Store sovjetiske encyklopædi. Chefredaktør Yu.N. Grigorovich. 1981 .

Se, hvad "Fransk ballet" er i andre ordbøger:

VERDENSBALLET- Det Forenede Kongerige. Før turnéen for Diaghilev og Anna Pavlovas trup i London i 1910-1920'erne, blev ballet præsenteret i England hovedsageligt ved opførelser af visse berømte ballerinaer på scenerne i musiksale, for eksempel den danske kvinde Adeline Genet (1878 1970). .. Colliers Encyclopedia

BALLET TIL 1900- Ballettens oprindelse som et hofskuespil. I slutningen af middelalderen lagde de italienske fyrster stor vægt på de storslåede paladsfestligheder. Dans indtog en vigtig plads i dem, hvilket gav anledning til behovet for professionelle dansemestre. ... ... Colliers Encyclopedia

Ballet- Siden midten af 30'erne. XVIII århundrede i Sankt Petersborg blev hofballetforestillinger regelmæssige. I 1738 blev den første russiske balletskole åbnet i Sankt Petersborg (fra 1779 Teaterskolen), som omfattede balletundervisning (nu Koreografiskolen); ... Sankt Petersborg (leksikon)

Ballet "Giselle"- Giselle (det fulde navn på Giselle, eller Wilis, fransk Giselle, ou les Wilis) er en pantomimeballet i to akter til musik af Adolphe Charles Adam. Libretto af Théophile Gaultier, Vernois de Saint Georges og Jean Coralli. Balletten Giselle blev til på baggrund af en gammel ... ... Encyclopedia of Newsmakers

Igor Stravinskys ballet "Ildfuglen"- Firebird-balletten er et af de tidligste værker af Igor Stravinsky og den første ballet om et russisk tema i Sergei Diaghilevs virksomhed, en fremragende arrangør af de russiske årstider i Paris. Ideen om at skabe et sceneværk af et sådant emne opstod ... ... Encyclopedia of Newsmakers

Pierre Lacotte er danser og koreograf, en anerkendt ekspert i antik koreografi. Han kaldes balletarkæolog, en koreografisk antikvar. Han er en anerkendt genskaber af de glemte mesterværker fra de sidste århundreder.

Pierre Lacotte blev født den 4. april 1932. Han studerede på balletskolen ved Paris Opera, tog lektioner fra de store russiske ballerinaer - Matilda Kshesinskaya, Olga Preobrazhenskaya, Lyubov Egorova. Han kom særligt godt ud af det med sin første lærer Egorova - hun havde en fremragende hukommelse, hun huskede Marius Petipas balletter i alle detaljer og fortalte drengen alle rollerne, både store og små.

Besøger den grønne stue - Pierre Lacotte,

I en alder af 19 blev Pierre Lacotte den første danser på hovedteatret i Frankrig. Han dansede med stjerner som Yvette Chauvire, Lisette Darsonval, Christian Vossard. I en alder af 22 blev han interesseret i moderne dans, begyndte at iscenesætte på egen hånd, opgav sin karriere som klassisk danser og forlod i 1955 Paris Opera. I 1957 dansede han på New York Metropolitan Opera.

I anden halvdel af halvtredserne og begyndelsen af tresserne ledede Lacotte Eiffeltårnets ballettrup, som optrådte på Théâtre des Champs Elysees, iscenesat for hendes forestillinger "The Fairy Night", "The Parisian Boy" til musik af Charles Aznavour m.fl. . I 1963-1968 var han kunstnerisk leder af truppen National Ballet of French Musical Youth, for hvilken han iscenesatte A Simple Symphony til Brittens musik, Hamlet til Waltons musik og Future Passions til Lutoslawskis musik. Der gav den geniale danser Ghilen Tesmar, som senere blev Lacottes hustru, sig for første gang til kende.

"Sylphide" er et absolut symbol på romantisk ballet. Det var i La Sylphide, at ballerinaen Maria Taglioni først rejste sig på spidssko ("ikke for virkningen, men for fantasifulde opgaver"). Taglionis heltinde virkede virkelig som et overnaturligt væsen, ikke en kvinde, men en ånd, der trodsede tiltrækningslovene, da danseren "glidede" hen over scenen, næsten uden at røre gulvet, og frøs et øjeblik i en flyvende arabesk, som hvis den understøttes af en mirakuløs kraft på spidsen af en buet fod. Det var denne "La Sylphide", iscenesat for Maria af hendes far Filippo Taglioni, som den franske koreograf Pierre Lacotte omhyggeligt genoplivede 150 år senere.

I 1971 rekonstruerede Lacotte uventet balletten La Sylphide, iscenesat i 1832 af Philippe Taglioni til sin legendariske datter. Forestillingen, lavet til tv, slog til, blev overført til scenen i Paris Opera i 1972, affødte en mode for gamle balletter og blev den første i en lang række af Lacotte-relanceringer. Rekonstruktionen var ikke hundrede procent - Lacotte kunne ikke "synke" ned til den ufuldkomne teknik fra danserne fra den æra og sætte alle ballerinaerne på spidssko, selvom "La Sylphide" i 1832 kun stod Maria Taglioni på tæerne, og dette blev udspillet i koreografien.

Ballettens handling er baseret på den fantastiske novelle Trilby (1822) af den franske forfatter Charles Nodier. Uropførelsen af balletten til musik af den franske komponist Jean Schneizhoffer fandt sted i 1832 på Grand Opera i Paris.
Komponist: J. Schneitzhoffer. Scenekoreograf: Pierre Lacotte
Scenografi og kostumer: Pierre Lacotte. Mariinskii Operahus. Musik - Cesare Puni. Koreografi - Pierre Lacotte
Medvirkende: Undine - Evgenia Obraztsova, Matteo - Leonid Sarafanov, Dzhanina - Yana Serebryakova, Lady of the Sea - Ekaterina Kondaurova, Two undine - Nadezhda Gonchar og Tatiana Tkachenko.

Den franske maestro arbejdede på balletten "Ondine" i flere år - en sjælden begivenhed i den vestlige verden. Det begyndte med, at han kom til Sankt Petersborg på invitation fra direktionen for Mariinsky-teatret til forhandlinger - hvad Lacotte kunne iscenesætte i dette teater. Koreografen Nikita Dolgushin fandt et gammelt partitur til Ondine, en Petersburg-version af balletten iscenesat af Jules Perrot i 1851. Lacotte indså, at det var skæbnen. Han tog "Ondine" op, begyndte at samle versionerne i St. Petersborg og London, baseret på tre scenarier Perrault skabte en, og balletten viste sig at være langt fra perfekt, men gav en idé om datidens koreografi .

For Paris Opera-trup restaurerede Lacotte Arthur Saint-Léons Coppelia i 2001, som havde premiere i 1870. Han spillede selv rollen som den gamle excentriske Coppelius.

I 1980 iscenesatte den franske koreograf sammen med Moscow Classical Ballet-ensemblet for Ekaterina Maximova stykket Natalie, eller den schweiziske mælkepige, en anden stort set glemt ballet af Filippo Taglioni.

Men Lacotte er ikke en turnerende koreograf uden sin egen trup. I 1985 blev han direktør for Monte Carlo Ballet. I 1991 blev Pierre Lacotte direktør for State Ballet of Nancy og Lorraine. Med hans ankomst blev balletten i byen Nancy den næstvigtigste klassiske trup i Frankrig (efter Paris Opera).

Han erhvervede Maria Taglionis arkiv og vil udgive en bog om denne legendariske ballerina. Han er fuld af nye ideer ...

belcanto.ru ›lacotte.html

Fransk og russisk ballet har beriget hinanden mere end én gang. Og den franske balletmester Roland Petit betragtede sig selv som "arving" af traditionerne fra S. Diaghilevs "Russiske Ballet".

Roland Petit blev født i 1924. Hans far var ejer af en spisestue - hans søn havde endda en chance for at arbejde der, og senere til minde om dette iscenesatte han et koreografisk nummer med en bakke, men hans mor var direkte relateret til balletkunst: hun grundlagde Repetto-kompagniet, som producerer tøj og sko til ballet. I en alder af 9 erklærer drengen, at han vil forlade hjemmet, hvis han ikke får lov til at studere ballet. Efter at have bestået eksamenen på Paris Opera School, studerede han der S. Lifar og G. Rico, et år senere begyndte han at optræde i efterligning i operaforestillinger.

Efter sin eksamen i 1940 blev Roland Petit corps de ballet-kunstner ved Paris Opera, et år senere blev han valgt som partner til M. Burg, og senere gav han balletaftener med J. Charr. Ved disse aftener opføres små numre i koreografi af J. Charr, men her præsenterer R. Petit sit første værk - "Skihop". I 1943 spillede han en solorolle i balletten Love the Enchantress, men han var mere tiltrukket af en koreografs aktivitet.

Efter at have forladt teatret i 1940 iscenesatte den 20-årige R. Petit takket være sin fars økonomiske støtte balletten "Comedians" på Théâtre des Champs Elysees. Succesen gik over al forventning - hvilket gjorde det muligt at skabe deres egen trup, kaldet "Balletten på Champs Elysees". Det varede kun syv år (uenighederne med teaterforvaltningen spillede en fatal rolle), men der blev opført en masse forestillinger: "Ungdommen og Døden" til musik og andre værker af R. Petit selv, opførelser af andre koreografer fra den tid. , uddrag fra klassiske balletter - "La Sylphide" , "Sleeping Beauty", " ".

Da "Ballet de Champs Elysees" ophørte med at eksistere, skabte R. Petit "Ballet of Paris". Den nye trup omfattede Margot Fontaine - det var hende, der spillede en af de centrale roller i balletten Girl in the Night til musik af J. France (den anden hoveddel blev danset af R. Petit selv), og i 1948 dansede han i balletten Carmen på musik af J. Bizet i London.

Roland Petits talent blev værdsat ikke kun blandt balletfans, men også i Hollywood. I 1952 spiller han i musicalfilmen "HC Andersen" rollen som Prinsen fra eventyret "Den Lille Havfrue", og i 1955 medvirker han som koreograf i skabelsen af filmene "Krystaltøffelen" baseret på eventyret "Askepot" og - sammen med danseren F. Astaire - "Langbenet far".

Men Roland Petit er allerede erfaren nok til at skabe en multi-act ballet. Og han skabte sådan en produktion i 1959, baseret på dramaet af E. Rostand "Cyrano de Bergerac". Et år senere blev denne ballet filmet sammen med tre andre produktioner af koreografen - "Carmen", "Eater of Diamonds" og "Mourning for 24 Hours" - alle disse balletter blev inkluderet i Terence Youngs film "One, Two, Three, Fire eller sorte trikoter." ... I tre af dem spillede koreografen selv hovedrollerne - Cyrano de Bergerac, Jose og brudgommen.

I 1965 iscenesatte Roland Petit balletten Notre Dame de Paris til musik af M. Jarre i Paris Opera. Af alle karaktererne efterlod koreografen fire hovedkarakterer, som hver især inkarnerer et bestemt kollektivt billede: Esmeralda - renhed, Claude Frollo - ondskab, Phoebus - åndelig tomhed i en smuk "skal", Quasimodo - en engels sjæl i en grim krop (denne rolle blev spillet af R. Petit). Sammen med disse helte er der en ansigtsløs skare i balletten, som med samme lethed kan redde og dræbe ... Det næste værk var balletten Paradise Lost, der blev opført i London, og som afslører temaet for poetiske tankers kamp i menneskesjæl med en grov sensuel natur. Nogle kritikere så det som en "skulpturel abstraktion af sex." Slutscenen, hvor kvinden sørger over den tabte renhed, virkede ret uventet - hun lignede en omvendt fromhed ... Margot Fonteyn og Rudolf Nureyev dansede i denne forestilling.

Roland Petit stod i spidsen for Balletten i Marseille i 1972 og tager som grundlag for balletforestillingen ... versene af V. V. Mayakovsky. I denne ballet med titlen "Lys stjernerne" spiller han selv hovedrollen, som han barberer hovedet for. Det næste år samarbejder han med Maya Plisetskaya - hun danser i hans ballet Den syge rose. I 1978 iscenesatte han balletten The Queen of Spades for Mikhail Baryshnikov, og derefter - balletten om Charlie Chaplin. Koreografen var personligt bekendt med denne store skuespiller, og efter hans død fik han samtykke fra skuespillerens søn til at skabe en sådan produktion.

Efter 26 års ledelse af Ballet de Marseille forlod R. Petit truppen på grund af en konflikt med administrationen og forbød endda at iscenesætte sine egne balletter. I begyndelsen af det XXI århundrede samarbejdede han med Bolshoi-teatret i Moskva: "Passacaglia" til musik af A. Webern, "Spadedronningen" til PI Tchaikovskys musik, blev opført i Rusland og hans "Notre Dame-katedralen" ". Publikum var meget interesserede i programmet Roland Petit Tells, der blev præsenteret på Bolshoi Theatre på den nye scene i 2004: Nikolai Tsiskaridze, Lucia Lakkara og Ilze Liepa fremførte uddrag fra hans balletter, mens koreografen selv fortalte om sit liv.

Koreografen døde i 2011. Roland Petit har iscenesat omkring 150 balletter - han hævdede endda at være "mere produktiv end Pablo Picasso." For sit arbejde har koreografen gentagne gange modtaget statspriser. Hjemme i 1974 blev han tildelt Æreslegionens orden, og for balletten Spades dronning blev han tildelt Den Russiske Føderations Statspris.

Musik sæsoner