Alexander Nikolaevich Skryabin Alexander Nikolaevich Skryabin er en russisk komponist og pianist, en af ​​de lyseste personligheder i russisk og verdensmusikalsk kultur. Skrjabins originale og dybt poetiske værk skilte sig ud for sin innovation selv på baggrund af fødslen af ​​mange nye kunsttendenser forbundet med ændringer i det offentlige liv ved begyndelsen af ​​det 20. århundrede.
Født i Moskva, hans mor døde tidligt, hans far kunne ikke være opmærksom på sin søn, da han tjente som ambassadør i Persien. Scriabin blev opdraget af sin tante og bedstefar, fra barndommen viste han musikalske evner. I begyndelsen studerede han ved kadetkorpset, tog private klaverundervisning, efter eksamen fra korpset gik han ind i Moskva-konservatoriet, hans klassekammerat var S. V. Rachmaninov. Efter sin eksamen fra konservatoriet helligede Scriabin sig helt til musikken - som koncertpianist-komponist turnerede han i Europa og Rusland og tilbragte det meste af sin tid i udlandet.
Toppen af ​​Skrjabins komponerende arbejde var årene 1903-1908, hvor den tredje symfoni ("Det guddommelige digt"), det symfoniske "Ecstasydigt", "Tragiske" og "Sataniske" klaverdigte, 4. og 5. sonater og andre værker blev frigivet. "The Poem of Ecstasy", bestående af flere tema-billeder, koncentrerede Sryabins kreative ideer og er hans lyse mesterværk. Det forenede harmonisk komponistens kærlighed til kraften i et stort orkester og den lyriske, luftige lyd fra soloinstrumenter. Den kolossale livsenergi, brændende lidenskab, viljestærke kraft, der er inkorporeret i "Ecstasydigtet", gør et uimodståeligt indtryk på lytteren og bevarer den dag i dag styrken af ​​sin indflydelse.
Et andet mesterværk af Scriabin er "Prometheus" ("Ilddigtet"), hvor forfatteren fuldstændig opdaterede sit harmoniske sprog, idet han afviger fra det traditionelle tonesystem, og for første gang i historien skulle dette værk være ledsaget af farver musik, men premieren bestod af tekniske årsager ingen lyseffekter.
Det sidste ufærdige "Mysterium" var ideen om Skriabin, en drømmer, romantisk, filosof, for at appellere til hele menneskeheden og inspirere ham til at skabe en ny fantastisk verdensorden, foreningen af ​​den Universelle Ånd med materien.
A.N. Skrjabin "Prometheus"

Sergei Vasilievich Rachmaninov Sergei Vasilievich Rachmaninov er den største verdenskomponist i det tidlige 20. århundrede, en talentfuld pianist og dirigent. Det kreative billede af Rachmaninoff som komponist er ofte defineret af tilnavnet "den mest russiske komponist", idet han i denne korte formulering understreger hans fordele ved at forene de musikalske traditioner fra komponistskolerne i Moskva og St. Petersborg og i at skabe sin egen unikke stil, som skiller sig isoleret ud i verdens musikkultur.
Født i Novgorod-provinsen begyndte han fra en alder af fire at studere musik under vejledning af sin mor. Han studerede på St. Petersburgs konservatorium, efter 3 års studier flyttede han til Moskvas konservatorium og dimitterede med en stor guldmedalje. Han blev hurtigt kendt som dirigent og pianist, der komponerede musik. Den katastrofale uropførelse af den banebrydende First Symphony (1897) i Skt. Petersborg forårsagede en kreativ komponistkrise, som Rachmaninoff kom ud af i begyndelsen af ​​1900-tallet med en stil, der kombinerede russisk kirkesangskrivning, falmende europæisk romantik, moderne impressionisme og nyklassicisme, alt sammen mættet med kompleks symbolik. I denne kreative periode bliver hans bedste værker født, med

P.I. Tjajkovskij betragtes med rette som en reformator af balletgenren. For at forstå dette må man i det mindste forestille sig, hvordan ballet var før ham.

I det 19. århundrede, før Tjajkovskij, var der tre retninger i balletkunsten: italienske, franske og russiske skoler.

Af større kunstnerisk betydning på det tidspunkt var ikke russiske balletter, men franske, primært A. Adam og L. Delibes. En af de første romantiske balletter "Giselle" af A. Adam afslørede indholdet af det lyriske kærlighedsdrama ikke kun i koreografi, men også i musik. Det var ham, der blev Svanesøens umiddelbare forgænger.

Hvis russiske komponister ikke favoriserede ballet med deres opmærksomhed, indsatte de ofte dansepisoder i operaen, hvor musikken spillede en væsentlig rolle. Så strålende danseforestillinger var i to af Glinkas operaer. Men i dem legemliggjorde balletscenerne fjendebillederne ("Livet for zaren" af polakkerne), fantastiske, magiske billeder ("Ruslan og Lyudmila" danser i Chernomors haver) og var kun en del af handlingen. Ikke desto mindre var det operaerne og først og fremmest Glinkas operaer, der mest af alt forberedte Tjajkovskijs balletreform.

Tjajkovskijs innovation manifesterede sig i symfoniseringen af ​​balletten. Komponisten mætter partituret med intens tematisk udvikling og enhed, som tidligere kun var iboende i instrumental- og operamusik. Samtidig forlod han alle de specifikke træk ved selve dansen og dansehandlingen, dvs. gjorde ikke balletten til en symfoni med elementer af dans, sammenlignede den ikke med opera, men beholdt dansesuiter, danse af traditionel klassisk ballet.

Indholdet i alle tre af Tjajkovskijs balletter Svanesøen, Tornerose og Nøddeknækkeren hænger sammen med fantasiverdenen. Tjajkovskij foretrak fabelagtighed i ballet og i opera billedet af sandt liv. Men ikke desto mindre hænger den virkelige og fabelagtig-fantastiske verden i alle komponistens balletter sammen på samme måde, som de er forbundet for hver enkelt lytter i et eventyr. Fortryllende, magisk ballethandling modsiger ikke de mystiske, smukke, luftige vægtløse, men enkle og meget menneskelige billeder skabt af Tjajkovskijs geni.

Og nu vil jeg gerne analysere mere detaljeret de tre balletter af P.I. Tjajkovskij.

§ 1 "Om balletter af P.I. Tjajkovskij"

Tjajkovskij Pjotr ​​Iljitj, russisk komponist. I 1865 dimitterede han fra St. Petersburgs konservatorium (elev af A. G. Rubinshtein). Han var professor ved Moskvas konservatorium (1866-1878).

Tchaikovskys værk hører til højderne af verdens musikalske kultur. Han skrev 11 operaer, 6 symfonier, symfoniske digte, kammerensembler, koncerter for violin og klaver, op. for kor, stemme, klaver osv. Tjajkovskijs musik er kendetegnet ved dybden af ​​ideer og billeder, rigdommen af ​​følelser og fængslende følelsesmæssighed, oprigtighed og sandfærdighed i udtrykket, levende melodi og komplekse former for symfonisk udvikling. Tjajkovskij gennemførte en reform af balletmusikken, uddybede dens ideologiske og figurative begreber og hævede den til nutidig opera og symfoni.

Tjajkovskij begyndte at skrive balletter som en moden komponist, selvom han viste en forkærlighed for at komponere dansemusik fra de første trin af sit kreative arbejde. Danserytmer og genrer med rod i hverdagsmusikken blev brugt af Tjajkovskij ikke kun i små instrumentale stykker, men også i opera og symfoniske værker. Før Tjajkovskij havde musik i en balletforestilling en overvejende anvendt betydning: Mens den gav et rytmisk grundlag for dansen, indeholdt den dog ikke dybe ideer og figurative karakteristika. Den var domineret af rutine og klichéer, den samme type danseformer blev tilpasset til at legemliggøre en række forskellige emner. Reformen af ​​Tchaikovsky blev forberedt af erfaringen med at implementere dansegenrer og -former i verdens klassiske opera- og symfonimusik, herunder i hans eget værk, af de udviklede dansescener i operaerne af MI Glinka og andre russiske komponister, af ønsket om at lede koreografer for at øge værdien af ​​musik i en balletforestilling. Essensen af ​​Tjajkovskijs reform er en radikal ændring af musikkens rolle i balletten. Fra et hjælpeelement blev det til et definerende element, der berigede plottet og gav indholdet af koreografien. Tchaikovskys balletmusik er "dansant", dvs. skabt med hensyn til dens danseformål, implementerer alle de opnåede resultater på dette område, den er teatralsk, da den indeholder en beskrivelse af handlingens hovedbilleder, situationer og begivenheder, definerende og udtrykker sin udvikling. Samtidig er Tjajkovskijs balletter i forhold til deres dramaturgi, principper og stiltræk tæt på symfonisk og operamusik, og stiger til niveau med verdensmusikalske kunstens højder. Uden at forkaste traditioner, uden at ødelægge de historisk etablerede genrer og former for balletmusik, fyldte Tjajkovskij dem samtidig med nyt indhold og mening. Hans balletter bevarer en nummerstruktur, men hvert nummer er en stor musikalsk form, underlagt lovene for symfonisk udvikling og giver et bredt spillerum for dans. Af stor betydning for Tjajkovskij er lyriske og dramatiske episoder, der legemliggør nøglemomenterne i handlingens udvikling (adagio, pas d "handling osv.), valse, der skaber en lyrisk atmosfære af handlingen, suiter af nationale karakteristiske danse, handling -pantomimescener, der skildrer begivenhedernes gang og subtile ændringer i karakterernes følelsesmæssige tilstande.Tjajkovskijs balletmusik er gennemsyret af en enkelt linje af dynamisk udvikling inden for et enkelt nummer, scene, akt, hele forestillingen som helhed.

Ch.s første ballet, Svanesøen, (op. 1876); 1892, Mariinsky Teater, koreograf Ivanov).

Den reform af balletmusikken, som Tjajkovskij gennemførte, havde en dyb indvirkning på den efterfølgende udvikling af balletkunsten.

§ 2 Ballet "Svanesøen"

"Svane sø". Af alle de balletter, der er skabt i verden, er han måske den mest berømte og populære. Med Swan Lake begyndte verdensballetteatret en ny fase i sin udvikling, karakteriseret ved en tæt forening af choreo, grafik og musik, balletkunstens to hovedkomponenter.

"Svanesøen" - som verdensballettens mesterværk - er ikke en specifik forestilling af Petipa, Vaganova eller Grigorovich. Vi taler om skabelsen af ​​et værk givet af Tjajkovskij, som blev behandlet af forskellige choreo­, grafer, og som allerede har en århundrede gammel scenehistorie. "Svanesøen" er først og fremmest scoret af Tchaikovsky, på grundlag af hvilket forestillingerne blev skabt til en vis grad succesrige.

Mens han arbejdede på Svanesøen, må Tjajkovskij have været udmærket klar over Bolshoi Ballet Companys kreative muligheder. Komponisten var jo som bekendt en meget sofistikeret ballettilskuer. "Fra hyppige besøg (balletforestillinger. - A.D.),- skriver M. I. Tjajkovskij, - erhvervede han. forståelse for dansekunstens teknik og værdien af ​​"ballon", "elevation", "sok hårdhed" mv. visdom." en

". På tærsklen til "Faust" så jeg, eller rettere sagt, "lyttede til" P. Tchaikovskys ballet "Svanesøen" i samme teater. Efter at have læst, at jeg "lyttede" til balletten, vil læseren måske betragte mig som en overdreven samvittighedsfuld anmelder, for en specialist, der er besat af en så smertefuld ærlighed, at han selv i ballet ikke et minut glemmer den gerning, som han er udsat for. tildelt, følger nøje hver syvende akkord og vender det blinde øje til alt andet. Ak!

Læseren giver mig æren ikke & genert, velfortjent. Hvis en seriøs person ikke skulle være interesseret i ballet, så må jeg med anger af hjertet give afkald på titlen som en seriøs person og de rettigheder og fordele, der er forbundet med denne titel. Som for nogen, men for mig, har "Russian Terpsichores sjæl, flyvning udført" en ubeskrivelig charme, og jeg holdt aldrig op med at fortryde, at mere begavede musikere ikke deler min svaghed og ikke vender deres komponists styrker til dette felt , hvor det synes, sådan et luksuriøst rum for finurlig fantasi. Med ganske få undtagelser holder seriøse, højreorienterede komponister sig langt fra ballet: om den stivhed, der får dem til at se ned på ballet som en "lav slags musik", er skylden, eller en anden årsag - kan jeg ikke formode at løse . Hvorom alting er, P. I. Tjajkovskij er fri for denne stivhed, eller i det mindste en gang i sit liv var han fri for den. Og det takker vi ham meget for: måske vil hans eksempel finde efterlignere i hans kreds, i de højere sfærer af kompositionsverdenen. Men med al min kærlighed til briller af denne art lyttede jeg til opførelsen af ​​balletten af ​​P. I. Tchaikovsky meget mere, end jeg så. Den musikalske side råder afgørende over den koreografiske side. Musikalsk er Svanesøen den bedste ballet, jeg nogensinde har hørt, hvilket selvfølgelig betyder hele balletten, og ikke divertissement i operaer som Et liv for zaren eller Ruslan og Lyudmila. 2

Balletten "Svanesøen" blev startet af Tjajkovskij i maj 1875 og sluttede i Glebov den 10. april 1876. Denne dato blev fastsat af komponisten selv på det endelige manuskript til partituret: "The end. Glebovo. 10. april 1876." På dette tidspunkt blev separate numre af de første akter allerede øvet på Bolshoi Theatre. Og den 20. februar 1877 hørte Moskva et nyt værk af komponisten Tchaikovsky, hans første ballet - Svanesøen. Således begyndte scenelivet for dette mesterværk af russiske og verdensklassikere.

Publikationssektionen Teatre

Berømte russiske balletter. Top 5

Klassisk ballet er en fantastisk kunstform, der blev født i Italien under den modne renæssance, "flyttede" til Frankrig, hvor fordelen ved dens udvikling, herunder grundlæggelsen af ​​Danseakademiet og kodificeringen af ​​mange bevægelser, tilhørte kong Ludvig XIV. . Frankrig eksporterede teatralsk dans til alle europæiske lande, inklusive Rusland. I midten af ​​det 19. århundrede var hovedstaden for europæisk ballet ikke længere Paris, som gav verden romantikkens mesterværker La Sylphide og Giselle, men Petersborg. Det var i den nordlige hovedstad, at den store koreograf Marius Petipa arbejdede i næsten 60 år, skaberen af ​​systemet med klassisk dans og forfatteren af ​​mesterværker, der stadig ikke forlader scenen. Efter Oktoberrevolutionen ønskede de at smide balletten af ​​modernitetens skib, men det lykkedes dem at forsvare den. Sovjettiden var præget af skabelsen af ​​et betydeligt antal mesterværker. Vi præsenterer fem hjemlige topballetter - i kronologisk rækkefølge.

"Don Quixote"

Scene fra balletten Don Quixote. En af de første produktioner af Marius Petipa

Uropførelse af balletten af ​​L.F. Minkus "Don Quixote" på Bolshoi Teatret. 1869 Fra albummet af arkitekten Albert Kavos

Scener fra balletten Don Quixote. Kitri - Lyubov Roslavleva (i midten). Iscenesættelse af A.A. Gorsky. Moskva, Bolshoi Teater. 1900

Musik af L. Minkus, libretto af M. Petipa. Første produktion: Moscow, Bolshoi Theatre, 1869, koreografi af M. Petipa. Efterfølgende produktioner: St. Petersborg, Mariinsky Teater, 1871, koreografi af M. Petipa; Moskva, Bolshoi Theatre, 1900, Skt. Petersborg, Mariinsky Theatre, 1902, Moskva, Bolshoi Theatre, 1906, alt - koreografi af A. Gorsky.

Balletten "Don Quixote" er en teaterforestilling fuld af liv og jubel, en evig fest for dansen, som aldrig trætter voksne, og som forældre tager deres børn med til med fornøjelse. Selvom det kaldes navnet på helten i den berømte roman Cervantes, er den baseret på en af ​​dens episoder, "The Wedding of Quiteria and Basilio", og fortæller om eventyrene fra unge helte, hvis kærlighed til sidst vinder, på trods af modstanden af heltindens stædige far, som ville gifte hende med den rige Gamache.

Så Don Quixote har næsten intet med det at gøre. Gennem hele forestillingen går en høj, tynd kunstner, akkompagneret af en kort, tyk kollega, der portrætterer Sancho Panza, rundt på scenen, hvilket nogle gange gør det svært at se de smukke danse komponeret af Petipa og Gorsky. Ballet er i bund og grund en koncert i kostumer, en fejring af klassisk og karakteristisk dans, hvor alle kunstnere i enhver ballettrop har noget at lave.

Den første produktion af balletten fandt sted i Moskva, hvor Petipa rejste fra tid til anden for at hæve niveauet for den lokale trup, hvilket ikke kunne sammenlignes med den strålende trup i Mariinsky Theatre. Men i Moskva var det nemmere at trække vejret, så koreografen iscenesatte i det væsentlige en balletminde om de vidunderlige ungdomsår tilbragt i et solrigt land.

Balletten var en succes, og to år senere flyttede Petipa den til Sankt Petersborg, hvilket nødvendiggjorde en omarbejdelse. Der var karakteristiske danse meget mindre interesserede end rene klassikere. Petipa udvidede "Don Quixote" til fem akter, komponerede en "hvid handling", den såkaldte "Dream of Don Quixote", et rigtigt paradis for elskere af ballerinaer i tutus, ejere af smukke ben. Antallet af amoriner i "Drømmen" nåede tooghalvtreds...

Don Quixote kom til os i en omarbejdning af Moskva-koreografen Alexander Gorsky, som var glad for Konstantin Stanislavskys ideer og ønskede at gøre den gamle ballet mere logisk og dramatisk overbevisende. Gorsky ødelagde Petipas symmetriske kompositioner, annullerede tutus i "Dream"-scenen og insisterede på brugen af ​​mørk sminke til de spanske dansere. Petipa kaldte ham en "gris", men allerede i den første ændring af Gorsky blev balletten opført på scenen i Bolshoi Theatre 225 gange.

"Svane sø"

Landskab til den første forestilling. Stort teater. Moskva. 1877

Scene fra balletten "Svanesøen" af P.I. Tchaikovsky (koreograferne Marius Petipa og Lev Ivanov). 1895

Musik af P. Tchaikovsky, libretto af V. Begichev og V. Geltser. Første produktion: Moscow, Bolshoi Theatre, 1877, koreografi af V. Reisinger. Efterfølgende produktion: St. Petersborg, Mariinsky Theatre, 1895, koreografi af M. Petipa, L. Ivanov.

Den elskede ballet, hvis klassiske version blev iscenesat i 1895, blev faktisk født atten år tidligere på Moskva Bolshoi Theatre. Partituret af Tjajkovskijs, hvis verdensberømmelse endnu ikke var på vej, var en slags samling af "sange uden ord" og virkede for kompliceret til den tid. Balletten fandt sted omkring 40 gange og sank i glemmebogen.

Efter Tjajkovskijs død blev Svanesøen opført på Mariinskijteatret, og alle efterfølgende opsætninger af balletten var baseret på denne version, som blev en klassiker. Handlingen fik stor klarhed og logik: Balletten fortalte om skæbnen for den smukke prinsesse Odette, der efter det onde geni Rothbarts vilje blev forvandlet til en svane, om hvordan Rothbart bedrog prins Siegfried, der forelskede sig i hende, ty til sin datter Odiles charme og om heltenes død. Tchaikovskys partitur blev reduceret med omkring en tredjedel af dirigenten Ricardo Drigo og omorkestreret. Petipa skabte koreografien til første og tredje akt, Lev Ivanov til anden og fjerde. Denne opdeling svarede ideelt set til begge geniale koreografers kald, hvoraf den anden måtte leve og dø i skyggen af ​​den første. Petipa er den klassiske ballets fader, skaberen af ​​upåklageligt harmoniske kompositioner og sangeren af ​​en kvindefe, et kvindelegetøj. Ivanov er en innovativ koreograf med en usædvanlig følsom fornemmelse for musik. Rollen som Odette-Odile blev spillet af Pierina Legnani, "Queen of Milanese ballerinas", hun er også den første Raymonda og opfinderen af ​​32 fouettes, den sværeste type rotation på pointe-sko.

Du ved måske ikke noget om ballet, men Svanesøen er kendt af alle. I de sidste år af Sovjetunionens eksistens, hvor gamle ledere afløste hinanden ret ofte, indvarslede den inderlige melodi af den "hvide" duet af ballettens hovedpersoner og udbrud af vingearme fra tv-skærmen en trist begivenhed. Japanerne elsker Svanesøen så meget, at de er klar til at se den om morgenen og om aftenen, fremført af enhver trup. Ikke en eneste turnerende trup, som der er mange af i Rusland, og især i Moskva, kan undvære Lebedinoy.

"Nøddeknækkeren"

Scene fra balletten Nøddeknækkeren. Første iscenesættelse. Marianna - Lydia Rubtsova, Clara - Stanislava Belinskaya, Fritz - Vasily Stukolkin. Mariinsky Teater. 1892

Scene fra balletten Nøddeknækkeren. Første iscenesættelse. Mariinsky Teater. 1892

Musik af P. Tchaikovsky, libretto af M. Petipa. Første produktion: St. Petersborg, Mariinsky Theatre, 1892, koreografi af L. Ivanov.

Fra bøger og hjemmesider strejfer der stadig fejlagtige oplysninger om, at Nøddeknækkeren blev iscenesat af faderen til den klassiske ballet Marius Petipa. Faktisk skrev Petipa kun manuskriptet, og den første produktion af balletten blev udført af hans underordnede, Lev Ivanov. En umulig opgave tilfaldt Ivanovs lod: manuskriptet, der blev skabt i stil med den dengang fashionable ballet-extravaganza med uundværlig deltagelse af en italiensk gæstekunstner, var i åbenlys modstrid med Tjajkovskijs musik, der, skønt skrevet i nøje overensstemmelse med Petipas instruktioner, var kendetegnet ved stor følelse, dramatisk rigdom og kompleks symfonisk udvikling. Derudover var ballettens heltinde en teenagepige, og ballerina-stjernen var kun forberedt til den sidste pas de deux (en duet med en partner, bestående af en adagio - en langsom del, variationer - solodanse og en coda (virtuos finale)). Den første produktion af Nøddeknækkeren, hvor den første, overvejende en pantomime-akt, adskilte sig markant fra den anden, en divertissement-akt, var ikke særlig vellykket, kritikere bemærkede kun Waltz of the Snow Flakes (64 dansere deltog i den) og Pas de deux af Dragee-feen og kighosteprinsen, inspireret af Ivanovs Adagio med en rose fra Tornerose, hvor Aurora danser med fire herrer.

Men i det 20. århundrede, som var i stand til at trænge ind i dybet af Tjajkovskijs musik, var Nøddeknækkeren bestemt til en virkelig fantastisk fremtid. Der er utallige balletforestillinger i Sovjetunionen, europæiske lande og USA. I Rusland er produktionerne af Vasily Vainonen på Leningrad State Academic Opera and Ballet Theatre (nu Mariinsky Theatre i Skt. Petersborg) og Yuri Grigorovich på Moskva Bolshoi Theatre særligt populære.

"Romeo og Julie"

Ballet Romeo og Julie. Juliet - Galina Ulanova, Romeo - Konstantin Sergeev. 1939

Fru Patrick Campbeple som Julie i Shakespeares Romeo og Julie. 1895

Finale af Romeo og Julie. 1940

Musik af S. Prokofiev, libretto af S. Radlov, A. Piotrovsky, L. Lavrovsky. Første produktion: Brno, Opera- og Balletteater, 1938, koreografi af V. Psota. Efterfølgende produktion: Leningrad, Statens Akademiske Opera og Balletteater. S. Kirov, 1940, koreografi af L. Lavrovsky.

Hvis Shakespeares sætning i en kendt russisk oversættelse lyder "Der er ingen mere trist historie i verden end historien om Romeo og Julie", så sagde de om balletten af ​​den store Sergei Prokofiev skrevet på dette plot: "Der er ingen tristere historie i verden end Prokofievs musik i ballet". Virkelig forbløffende i skønhed, rigdom af farver og udtryksfuldhed virkede partituret af "Romeo og Julie" på det tidspunkt, det dukkede op, for kompliceret og uegnet til ballet. Balletdansere nægtede simpelthen at danse til hende.

Prokofiev skrev partituret i 1934, og oprindeligt var det ikke beregnet til teatret, men til den berømte Leningrad Academic Choreographic School for at fejre sit 200-års jubilæum. Projektet blev ikke implementeret på grund af mordet på Sergei Kirov i Leningrad i 1934, og ændringer brød ud i det førende musikteater i den anden hovedstad. Heller ikke planen om at iscenesætte Romeo og Julie ved Bolshoi i Moskva gik i opfyldelse. I 1938 blev premieren vist af et teater i Brno, og kun to år senere blev Prokofievs ballet endelig opført i forfatterens hjemland, på det daværende Kirov Teater.

Koreografen Leonid Lavrovsky skabte inden for rammerne af "drambalet"-genren (en form for koreografisk drama karakteristisk for balletten i 1930'erne og 50'erne), der blev hilst velkommen af ​​de sovjetiske myndigheder, et imponerende, spændende skue med omhyggeligt skulpturerede massescener og fint definerede psykologiske karakteristika ved karaktererne. Til hans rådighed var Galina Ulanova, den mest raffinerede ballerina-skuespillerinde, som forblev uovertruffen i rollen som Juliet.

Prokofievs partitur blev hurtigt værdsat af vestlige koreografer. De første versioner af balletten dukkede op allerede i 1940'erne. Deres skabere var Birgit Kuhlberg (Stockholm, 1944) og Margarita Froman (Zagreb, 1949). Berømte produktioner af "Romeo og Julie" tilhører Frederick Ashton (København, 1955), John Cranko (Milano, 1958), Kenneth MacMillan (London, 1965), John Neumeier (Frankfurt, 1971, Hamborg, 1973).I. Moiseev, 1958, koreografi af Y. Grigorovich, 1968.

Uden "Spartacus" er konceptet "sovjetisk ballet" utænkeligt. Dette er et rigtigt hit, et symbol på æraen. Den sovjetiske periode udviklede andre temaer og billeder, dybt forskellige fra den traditionelle klassiske ballet, der er arvet fra Marius Petipa og de kejserlige teatre i Moskva og St. Petersborg. Eventyr med lykkelige slutninger blev arkiveret og erstattet af heltehistorier.

Allerede i 1941 talte en af ​​de førende sovjetiske komponister, Aram Khachaturian, om sin intention om at skrive musik til en monumental, heroisk forestilling, der skulle opføres på Bolsjojteatret. Temaet for det var en episode fra oldtidens romerske historie, et oprør af slaver ledet af Spartacus. Khachaturian skabte et farverigt partitur ved hjælp af armenske, georgiske, russiske motiver og fuld af smukke melodier og brændende rytmer. Produktionen skulle iscenesættes af Igor Moiseev.

Det tog mange år for hans arbejde at komme ud til publikum, og det dukkede ikke op på Bolshoi-teatret, men på teatret. Kirov. Koreografen Leonid Yakobson skabte en forbløffende og innovativ forestilling, der forlod de traditionelle egenskaber ved klassisk ballet, inklusive pointedans, ved at bruge gratis plastik og ballerinaer iført sandaler.

Men balletten "Spartacus" blev et hit og et symbol på æraen i hænderne på koreografen Yuri Grigorovich i 1968. Grigorovich imponerede seeren med en fuldstændig bygget dramaturgi, subtil skildring af hovedpersonernes karakterer, dygtig iscenesættelse af publikumsscener, renhed og skønhed af lyriske adagios. Han kaldte sit værk "en forestilling for fire solister med en corps de ballet" (corps de ballet - kunstnere involveret i massedansepisoder). Vladimir Vasiliev spillede rollen som Spartacus, Crassus - Maris Liepa, Phrygia - Ekaterina Maksimova og Aegina - Nina Timofeeva. Card de ballet var overvejende mandligt, hvilket gør balletten "Spartacus" enestående.

Ud over de velkendte oplæsninger af Spartacus af Yakobson og Grigorovich er der omkring 20 flere produktioner af balletten. Blandt dem er versionen af ​​Jiri Blazek for Prag Ballet, Laszlo Serega for Budapest Ballet (1968), Jüri Vamos for Arena di Verona (1999), Renato Zanella for Wiens Statsopera Ballet (2002), Natalia Kasatkina og Vladimir Vassilev for Statens Akademiske Teater, de instruerer klassisk ballet i Moskva (2002).

Ballet er en form for scenekunst; det er en følelse, der er legemliggjort i musikalske og koreografiske billeder.

Ballet, koreografiens højeste stadium, hvor dansekunsten stiger til niveauet for musikalsk sceneoptræden, opstod som en hofaristokratisk kunst meget senere end dansen i det 15.-16. århundrede.

Udtrykket "ballet" dukkede op i renæssancens Italien i det 16. århundrede og betød ikke en forestilling, men en dansepisode. Ballet er en kunst, hvor dans, ballettens vigtigste udtryksmiddel, er tæt forbundet med musik, med et dramatisk grundlag - en libretto, med scenografi, med arbejde fra en kostumedesigner, lysdesigner osv.

Balletten er mangfoldig: plot - klassisk narrativ multi-act ballet, dramatisk ballet; plotløs - ballet-symfoni, ballet-stemning, miniature.

Verdensscener har set mange balletforestillinger baseret på mesterværker af litteratur til musik af strålende komponister. Derfor besluttede den britiske internetressource Listverse at lave sin egen vurdering af historiens bedste balletproduktioner.

"Svane sø"
Komponist: Pjotr ​​Tjajkovskij

Den første, Moskva-produktion af Svanesøen, var ikke vellykket - dens glorværdige historie begyndte næsten tyve år senere i St. Petersborg. Men det var Bolshoi-teatret, der bidrog til, at verden var begavet med dette mesterværk. Pjotr ​​Iljitsj Tjajkovskij skrev sin første ballet bestilt af Bolsjojteatret.
Et lykkeligt sceneliv blev givet til Svanesøen af ​​den berømte Marius Petipa og hans assistent Lev Ivanov, som gik over i historien primært takket være iscenesættelsen af ​​standard "svane"-scener.

Petipa-Ivanov-versionen er blevet en klassiker. Det ligger til grund for de fleste efterfølgende produktioner af Svanesøen, bortset fra de ekstremt modernistiske.

Prototypen til svanesøen var søen i Davydov Lebedeva-økonomien (nu Cherkasy-regionen, Ukraine), som Tjajkovskij besøgte kort før han skrev balletten. Når forfatteren hvilede der, tilbragte forfatteren mere end én dag på kysten og så snehvide fugle.
Handlingen er baseret på mange folkloremotiver, blandt andet en gammel tysk legende om den smukke prinsesse Odette, der blev forvandlet til en svane af den onde troldmands, ridder Rothbarts forbandelse.

"Romeo og Julie"

Romeo og Julie af Prokofiev er en af ​​de mest populære balletter i det tyvende århundrede. Premieren på balletten fandt sted i 1938 i Brno (Tjekoslovakiet). Alment kendt var dog udgaven af ​​balletten, som blev præsenteret på Kirov-teatret i Leningrad i 1940.

Romeo og Julie er en ballet i 3 akter 13 scener med en prolog og en epilog baseret på tragedien af ​​samme navn af William Shakespeare. Denne ballet er et mesterværk af verdenskunst, legemliggjort gennem musik og fantastisk koreografi. Selve forestillingen er så imponerende, at den er værd at se mindst én gang i livet.

"Giselle"
Komponist: Adolf Adam

Giselle er en "fantastisk ballet" i to akter af den franske komponist Adolphe Adam til en libretto af Henri de Saint-Georges, Theophile Gauthier og Jean Coralli, baseret på en legende genfortalt af Heinrich Heine. I sin bog "Om Tyskland" skriver Heine om vilis - piger, der døde af ulykkelig kærlighed, som, efter at have forvandlet sig til magiske skabninger, danser ihjel de unge mennesker, de møder om natten, og hævner sig på dem for deres ødelagte liv.

Uropførelsen af ​​balletten fandt sted den 28. juni 1841 i Grand Opera, koreograferet af J. Coralli og J. Perrault. Produktionen var en stor succes, der var gode anmeldelser i pressen. Forfatteren Jules Janin skrev: "Der er intet i dette værk. Og fiktion, og poesi, og musik, og sammensætningen af ​​nye pas, og smukke dansere, og harmoni, fuld af liv, ynde, energi. Det er det, man kalder ballet."

"Nøddeknækkeren"
Komponist: Pjotr ​​Tjajkovskij

Historien om sceneopsætninger af Tjajkovskijs ballet Nøddeknækkeren, baseret på Ernst Theodor Amadeus Hoffmanns eventyr Nøddeknækkeren og musekongen, kender mange forfatterudgaver. Balletten havde premiere på Mariinsky Theatre den 6. december 1892.
Uropførelsen af ​​balletten var en stor succes. Balletten Nøddeknækkeren fortsætter og fuldender den serie af balletter af P. I. Tjajkovskijs, der er blevet klassikere, hvor temaet om kampen mellem det gode og det onde, som begyndte i Svanesøen og fortsatte i Tornerose, lyder.

En julefortælling om en ædel og smuk fortryllet prins forvandlet til en Nøddeknækkerdukke, om en venlig og uselvisk pige og deres onde modstander Musekongen, har altid været elsket af voksne og børn. På trods af det eventyrlige plot er dette et værk af ægte balletmesterskab med elementer af mystik og filosofi.

"La Bayadère"
Komponist: Ludwig Minkus

La Bayadère er en ballet i fire akter og syv scener med en apoteose af koreografen Marius Petipa til musik af Ludwig Fedorovich Minkus.
Den litterære kilde til balletten "La Bayadère" er dramaet i den indiske klassiker Kalidasa "Shakuntala" og balladen om W. Goethe "Gud og Bayadère". Plottet er baseret på en romantisk orientalsk legende om en bayadères og en modig krigers ulykkelige kærlighed. "La Bayadère" er et eksemplarisk værk af en af ​​det 19. århundredes stilistiske tendenser - eklekticisme. Der er både mystik og symbolik i "La Bayadère": følelsen af, at fra første scene hæves et "sværd, der straffer fra himlen" over heltene.

"Hellig forår"
Komponist: Igor Stravinsky

The Rite of Spring er en ballet af den russiske komponist Igor Stravinsky, som havde premiere den 29. maj 1913 på Théâtre des Champs Elysées i Paris.

Konceptet The Rite of Spring var baseret på Stravinskys drøm, hvor han så et ældgammelt ritual - en ung pige, omgivet af ældre, danser til udmattelse for at vække foråret og dør. Stravinsky arbejdede med musik samtidig med Roerich, der skrev skitser til kulisser og kostumer.

Der er ikke noget plot som sådan i balletten. Indholdet af The Rite of Spring er beskrevet af komponisten som følger: "Naturens lyse opstandelse, som genfødes til et nyt liv, en fuldstændig opstandelse, en spontan genopstandelse af verdens opfattelse"

"Sovende skønhed"
Komponist: Pjotr ​​Tjajkovskij

Balletten "The Sleeping Beauty" af P.I. Tchaikovsky - Marius Petipa kaldes "en encyklopædi over klassisk dans". Den omhyggeligt konstruerede ballet forbløffer med pragt af forskellige koreografiske farver. Men som altid er en ballerina i centrum for enhver Petipa-forestilling. I første akt er Aurora en ung pige, der let og naivt opfatter verden omkring sig; i den anden er hun et dragende spøgelse, tilkaldt fra en langsigtet drøm af syrenfeen; i finalen er hun en lykkelig prinsesse, der har fundet sin forlovede.

Det opfindsomme geni Petipa blænder publikum med et bizart mønster af forskellige danse, hvor toppen er den højtidelige pas de deux af elskere, prinsesse Aurora og prins begær. Takket være musikken fra P.I. Tchaikovsky blev børneeventyret et digt om kampen mellem det gode (Lilla-feen) og det onde (Carabosse-feen). Tornerose er en ægte musikalsk og koreografisk symfoni, hvor musik og dans smelter sammen til én.

"Don Quixote"
Komponist: Ludwig Minkus

Don Quixote er et af ballet-teatrets mest livsbekræftende, lyse og festlige værker. Det er interessant, at denne geniale ballet trods sit navn på ingen måde er en iscenesættelse af den berømte roman af Miguel de Cervantes, men et selvstændigt koreografisk værk af Marius Petipa baseret på Don Quixote.

I Cervantes' roman er billedet af den triste ridder Don Quixote, klar til enhver bedrift og ædle gerninger, grundlaget for plottet. I Petipas ballet til musik af Ludwig Minkus, som havde premiere på Bolsjojteatret i Moskva i 1869, er Don Quijote en mindre karakter, og handlingen fokuserer på kærlighedshistorien om Kitri og Basil.

"Askepot"
Komponist: Sergei Prokofiev

Askepot er en ballet i tre akter af Sergei Prokofjev baseret på eventyret af samme navn af Charles Perrault.
Musikken til balletten blev skrevet mellem 1940 og 1944. For første gang blev Askepot til musik af Prokofiev iscenesat den 21. november 1945 på Bolshoi Theatre. Dens direktør var Rostislav Zakharov.
Her er hvordan Prokofiev skrev om balletten Askepot: "Jeg skabte Askepot i de bedste traditioner inden for klassisk ballet," hvilket får tilskueren til at føle empati og ikke forblive ligeglad med Prinsen og Askepots glæder og problemer.

Kan man lide det eller ej, kan man ikke ignorere det berømte mesterværk af den russiske komponist i fire akter, takket være hvilket den tyske legende om den smukke svanepige er udødeliggjort i kunstkenderes øjne. Ifølge plottet forråder prinsen, forelsket i svanedronningen, hende, men selv erkendelsen af ​​fejlen redder hverken ham eller hans elskede fra de rasende elementer.

Billedet af hovedpersonen - Odette - supplerer galleriet af kvindelige symboler skabt af komponisten i løbet af hans liv. Det er bemærkelsesværdigt, at forfatteren til balletplotten stadig er ukendt, og librettisternes navne har aldrig optrådt på nogen plakat. Balletten blev første gang præsenteret tilbage i 1877 på Bolshoi-teatrets scene, men den første version blev betragtet som mislykket. Den mest berømte produktion er Petipa-Ivanov, som blev standarden for alle efterfølgende forestillinger.

De bedste balletter i verden: Tjajkovskijs Nøddeknækkeren

Populær nytårsaften, balletten for børn Nøddeknækkeren blev først præsenteret for offentligheden i 1892 på scenen i det berømte Mariinsky Teater. Dens handling er baseret på Hoffmanns eventyr "Nøddeknækkeren og musekongen". Generationskampen, opgøret mellem godt og ondt, visdommen bag masken - fortællingens dybe filosofiske betydning er iklædt levende musikalske billeder, der er forståelige for de yngste seere.

Handlingen foregår om vinteren, juleaften, hvor alle ønsker kan gå i opfyldelse – og det giver en ekstra charme til den magiske historie. Alt er muligt i dette eventyr: elskede ønsker vil gå i opfyldelse, masker af hykleri vil falde af, og uretfærdighed vil definitivt blive besejret.

************************************************************************

De bedste balletter i verden: Giselle af Adam

"Kærlighed der er stærkere end døden" er måske den mest præcise beskrivelse af den berømte ballet i fire akter af Giselle. Historien om en pige, der dør af brændende kærlighed, og som gav sit hjerte til en ædel ung mand, der var forlovet med en anden brud, formidles så levende i den yndefulde pas af slanke wilis - brude, der døde før brylluppet.

Balletten var en stor succes fra den første produktion i 1841, og i 18 år blev der givet 150 teaterforestillinger af den berømte franske komponists værk på scenen i Paris Opera. Denne historie vandt kunstkenderes hjerter så meget, at en asteroide opdaget i slutningen af ​​det 19. århundrede endda blev opkaldt efter historiens hovedperson. Og i dag har vores samtid allerede sørget for at bevare en af ​​det klassiske værks største perler i filmversioner af den klassiske produktion.

************************************************************************

De bedste balletter i verden: Don Quixote af Minkus

De store ridders æra er for længst forbi, men det forhindrer ikke moderne unge damer i at drømme om at møde Don Quixote fra det 21. århundrede. Balletten formidler nøjagtigt alle detaljerne i indbyggerne i Spaniens folklore; og mange mestre forsøgte at iscenesætte historien om det ædle ridderskab i en moderne fortolkning, men det er den klassiske produktion, der har dekoreret den russiske scene i hundrede og tredive år.

Koreografen Marius Petipa var dygtigt i stand til at legemliggøre hele smagen af ​​spansk kultur i dansen takket være brugen af ​​elementer fra nationale danse, og nogle fagter og stillinger indikerer direkte stedet, hvor plottet udfolder sig. Historien har ikke mistet sin betydning i dag: selv i det 21. århundrede inspirerer Don Quixote dygtigt unge mennesker med varme hjerter, som er i stand til desperate gerninger i godhedens og retfærdighedens navn.

************************************************************************

De bedste balletter i verden: Romeo og Julie af Prokofiev

Den udødelige historie om to kærlige hjerter, der først forenes efter døden for evigt, bliver legemliggjort på scenen takket være Prokofievs musik. Produktionen fandt sted kort før Anden Verdenskrig, og vi skal hylde de dedikerede mestre, der modsatte sig de ordrer, der var sædvanlige på det tidspunkt, som også herskede i den kreative sfære i det stalinistiske land: komponisten beholdt den traditionelle tragiske slutning af grunden.

Efter den første storslåede succes, som belønnede forestillingen med Stalin-prisen, var der mange versioner, men bogstaveligt talt i 2008 fandt den traditionelle produktion i 1935 i New York sted med en lykkelig slutning på den berømte historie, der indtil da var ukendt for offentligheden .

************************************************************************

Nyd at se!