Metoden til at lære at spille instrumentet. Resumé af en lektion om at lære børn at spille børns musikinstrumenter

I teorien og udøvelsen af \u200b\u200bmusikundervisning er der flere tilgange til at lære førskolebørn at spille instrumenter.

Der er flere måder at lære at spille melodiske musikinstrumenter: ved noter, efter farve og digitale betegnelser, efter øret.

Det er meget besværligt at lære børn at spille toner, selvom det nogle gange bruges i praksis. Ikke alle førskolebørn behersker musikalsk notation, hvis der ikke er konstant individuelt arbejde.

Det er vigtigt for børn at forstå sammenhængen mellem placeringen af \u200b\u200btoner på personalet og deres klang i melodien, eksklusive den mekaniske gengivelse af tonesignaler.

Farvesystemet, der er udbredt i udlandet, er praktisk for børn til hurtigt at mestre afspilningen af \u200b\u200binstrumenter. En bestemt farvebetegnelse (farvede taster, metallofonplader) tildeles hver lyd. Barnet har en optagelse af melodien i farvebetegnelse: der anvendes farvede cirkler eller et farvebillede af toner med og uden rytmisk betegnelse. Det er meget let at spille i henhold til dette system, men med denne metode til at spille (jeg ser en grøn tone betegnelse - jeg trykker på den grønne tast) øret deltager ikke i gengivelsen af \u200b\u200bmelodien, barnet spiller mekanisk.

På samme måde læres børn at spille efter de numre, der er indsat nær hver plade på metallofonen, og at optage melodien i digital notation. Betegnelsen for varigheden (lange og korte pinde osv.) Kan også modelleres.

Det digitale system, der blev foreslået i 30'erne. NA Metlov var måske på det tidspunkt berettiget, men senere begyndte det at blive brugt sjældnere, da det fører til en mekanisk gengivelse af melodien.

Begge metoder til undervisning af børn (ved hjælp af farve og digitale betegnelser) giver dig mulighed for let og hurtigt at få det ønskede resultat, men har ikke en udviklingseffekt - andelen af \u200b\u200bden mekaniske gengivelse af melodien er for stor i disse metoder.

Den største udviklingseffekt af læring opnås kun når man spiller efter øret. Denne metode kræver konstant udvikling af hørelse, seriøs auditiv træning.

Fra en ung alder er det vigtigt at opmuntre børn til at lytte til melodiens lyde, sammenligne dem og skelne i tonehøjde. For at akkumulere høreerfaring, for at udvikle børns hørbare opmærksomhed bruges undervisningshjælpemidler, der simulerer en melodis bevægelse op, ned og på plads. Dette er en musikalsk stige, der bevæger sig fra blomst til blomst (noter) sommerfugl osv. Samtidig synges melodilyder svarende til højden til de modellerede lydforhold.

Du kan også vise bevægelsen af \u200b\u200bmelodilydene med din hånd, mens du spiller den (stemme eller instrument).

Metoden til at lære børn at spille musikinstrumenter efter øret er baseret på en gradvis udvidelse af rækken af \u200b\u200budførte melodier. For det første spiller barnet en melodi baseret på en lyd. Før han spiller melodien, lytter han til den udført af musikdirektøren, der først synger den, idet han henleder opmærksomheden på, at melodiens lyde ikke adskiller sig i tonehøjde, og derefter spiller metallofonen og synger på samme tid. Sang melodier giver børn bedre mulighed for at forestille sig melodibevægelsens retning, udvikle musikalske og auditive ideer.

Børn læres teknikkerne til lydproduktion: Hold hammeren korrekt (den skal ligge frit på pegefingeren, den holdes kun let ved tommelfingeren), rett slag mod midten af \u200b\u200bmetallofonpladen, hold ikke hammeren på pladen, men fjern den hurtigt (som en hoppende kugle). Når der spilles lange toner. Hammeren skal hoppe højere, korte noter lavere. Når et barn spiller en melodi på en lyd, skal det nøjagtigt gengive det rytmiske mønster. Til dette, når du synger en melodi med ord, kan du fokusere på rytmen i versene. For at forstå forholdet mellem melodilydenes varighed modelleres de ved hjælp af lange og korte pinde eller betegnelser, der er vedtaget i den musikalske notation (kvart, ottende).

Således inkluderer læring at spille musikinstrumenter tre faser: på første trin lytter børn til og husker melodier, synger dem, bliver bekendt med spilleteknikkerne, på anden fase vælger de melodier, på tredje trin udfører de dem efter ønske.

Metoden til at lære at spille børns instrumenter afhænger af:

• o - instrumentets tilhørighed til en bestemt klassifikationsgruppe og undergruppe
• o - princippet om lydproduktion
• o - kunstnerens alder og de opgaver, der er tildelt ham
• o - niveauet for kunstnerens fysiske, musikalske, følelsesmæssige udvikling;
• o - tilstedeværelsen af \u200b\u200bbetingelser (materielle, midlertidige, organisatoriske) for at lære at spille instrumentet.

Metoden til at lære at spille ethvert musikinstrument bør omfatte følgende trin:

• 1. Kendskab til instrumentet - skabelsens historie, designfunktioner, ydeevneegenskaber;
• 2. Indstilling af det udførende apparat - krop, arme osv.
• 3. Mestre de grundlæggende teknikker til lydproduktion;
• 4. Udvikling af udøvende færdigheder - arbejde på kunstnerisk-udtryksfuld, følelsesmæssig, musikalfærdigt og teknisk perfekt udførelse af et stykke musik;
• 5. Arbejd med et stykke musik.

Teknik til undervisning i percussioninstrumenter

Slaginstrumenter er særligt attraktive for unge musikere. At lære at spille de fleste af orkestrets slaginstrumenter (rubel, skralde, klapper osv.) Kræver ikke lang tid og speciel træning, mens udviklingen af \u200b\u200bpassende spillefærdigheder giver dig mulighed for senere at mestre mere komplekse percussioninstrumenter, mens du spiller teknikker samt musikinstrumenter fra en anden gruppe af orkestret.

I løbet af processen med at lære slaginstrumentet at kende, børn:

• · Lær om historien om dets oprettelse;
• · Undersøgelsesdesignfunktioner, ydeevne (inklusive tekniske) kapaciteter
• · Allokere de egenskaber, der bestemmer specificiteten af \u200b\u200bet bestemt instrument
• Etabler tilhørende en undergruppe ved hjælp af lydgenererende element:
  • - værktøjslegeme - støj;
  • - membran, membran - membranøs;
  • - plade - lamellær;
  • - tilstedeværelsen af \u200b\u200bflere lydlignende elementer - kombineret type;
• Lær hvordan lyd dannes:
• - fra at ramme fingre, palmer, pinde, hamre, køller, værktøj (med samme navn og modsat) eller dele af værktøj mod hinanden;
• - som et resultat af omrystning
• - friktion (glidende)
• - andre metoder til lydproduktion, herunder blandede metoder
• · Lær lydens egenskaber (ubestemt eller bestemt tonehøjde, klangkarakteristika, dynamiske egenskaber osv.)
• · Tilegne sig viden om de særlige forhold ved brug af percussioninstrumenter (skabe en ostinata rytmisk baggrund, lydvisuelle effekter, lydimitationer; spille solo, i et ensemble, indsatsen for dynamiske nuancer osv.)

Processen med at lære at spille skal begynde med en særlig propedeutisk håndopvarmning uden værktøj. Dette giver dig mulighed for at forberede brugsapparatet til spillet, forme og reflektere de muskulære fornemmelser, der er nødvendige for spillet, og udvikle håndkoordinering. I den indledende fase anbefales det at studere instrumenter uden en bestemt tonehøjde (fra undergruppen støj og membranøs).

Efter at have analyseret metoderne til at lære børn at spille musikinstrumenter kan vi derfor konkludere, at den største udviklingseffekt opnås, når man spiller efter øret.

Lyudmila Novopashina

Metode til at forene musikalske ledere.

Samlet af:

Elg. hoved Novopashina L. G. MBDOU nr. 1 "Zvezdochka"

Resumé af en separat del af en åben lektion om at lære børn at spille børns musikinstrumenter. Middelalderen i førskolealderen

Emne: "Magisk musik af rytme efter Karl Orffs metode." Et eventyr med brug af støjinstrumenter "I landsbyen"

Der var engang en bedstefar (tromme) og en kvinde (skeer). Og de havde en munter barnebarn Mashenka (rasling). Mashenka gik ind i haven om morgenen og besluttede at fodre kyllingerne. Kyllingerne (klokkerne) kom løbende, kornene spiste, de sagde tak til Masha og løb væk. Ringer til Mashenka kyllinger (rasle). Hønsene (maracas) kom løbende, kornene spiste, de sagde tak til Masha. Mashenka gik også ind i huset, og bedstefaren (tromlen) forlod huset og gik for at fodre fårene. Fårene (dåser, flasker) kom løbende, spiste og sagde tak til min bedstefar. Bedstefaren gik også til huset (tromme). Og koen Burenka (rør) græssede på engen. Bedstemor hørte hende og gik og malkede koen (skeer). Burenka (rør) gav mormor mælk og gik ud i enge for at græsse (rør). Bedstemoren drak selv mælk (skeer, gav sit barnebarn (raslen, bedstefar (tromle) at drikke, glemte ikke at give vand til katten Murka (trekant, hundebille (hammer)). Alle spiste og sang en sang.

Sang "Rain" (støjorkester).

"Ladder" af E. Tilicheva

1. Lektion. Programindhold: At sætte børn i stand til at synge, træne i ren intonation.

Metode: Jeg synger selv. Overvej en stige på 5 trin og en redende dukke, der bevæger sig op og ned.

2. PS: Lær børn at overføre den progressive bevægelse af melodien op og ned.

MP: Jeg inviterer børnene til at synge en sang, der ledsager hver lyd med en håndbevægelse (op og ned).

3.P.S .: At lære børn at skelne meloditopens gradvise bevægelse

M. P: Børn synger sangen flere gange. Derefter bestemmer vi, hvor matryoshkaen går - op eller ned. Børn viser bevægelsen af \u200b\u200bindlejrede dukker på stigen (individuelt).

4. PS: At lære børn at udføre en melodi i sin gradvise bevægelse på en metallofon.

MP: Jeg fremfører melodien på en metallofon og henleder børnenes opmærksomhed på den plade, som spillet begynder med. Børn prøver at spille en sang (Zrebenka, jeg hjælper dem.

5. PS: At fortsætte med at lære at spille metallofon, at skelne mellem tonehøjde og melodiens bevægelsesretning.

MP: Børn udfører individuelt en sang på en metallofon (Zreb). Jeg holder styr på hammerens korrekte position i min hånd.

6. PS: At mestre teknikkerne til korrekt lydproduktion.

MP: Jeg inviterer børnene til at spille sangen på metallofonen, resten

børn viser melodiens bevægelse med deres hånd.

7. PS: At aktivere børns uafhængige bevægelser.

MP: Jeg foreslår spillet "Musical Riddles". 1 barn udfører sangen "Ladder", det andet viser matryoshkaens bevægelse langs stigen. Den næste gåde er "Rain" (svag, stærkere, stærk).

Emne: "Magisk musik af rytme efter Karl Orffs metode." Et eventyr med brug af støjinstrumenter "I en skovglade"

En sommer kom en klar sol ud (raslen). Smukke sommerfugle fløj ud (klokker, flyve, dreje og sidde på duftende blomster.

Fuglene begyndte at synge i træet. På den nedre gren er der en gøg (en xylofon, og på den øvre gren ekko en lille spurv den (en metallofon, igen en gøg (en xylofon, igen en spurv (metallofon)).

Kaniner sprang ud i lysningen (terninger, hoppende, glædede sig over den varme sol, og pludselig så de en snedig ræv (metallofon) bag træet. Harerne (terningerne) blev bange og galoperede væk. Og ræven står og tænker med hvem at få venner?

Ud af ingenting løb ulve (dåser, flasker) forbi. Vi så en ræv og legede med ham så højt, at de vækkede bjørnene.

Bjørnene kom til en skovrydning og legede også med skovdyrene, og kaniner (terninger) sprang ud til dem. Og dyrene besluttede at oprette deres eget skovorkester.

De satte sig i mindelighed og spillede "Hvorvidt i haven" (orkester

støj.)

"Skok-skok-poskok" russisk folkesang

1. Lektion. Programindhold: Kendskab til sangen. Lær at synge, og formidl sangens rytmiske mønster korrekt.

Metode: Børn lytter til sangen, jeg synger. Børn synger

klapper det rytmiske mønster af sangen

2. PS: Formidl nøjagtigt det rytmiske mønster på percussioninstrumenter.

MP: Børn udfører en melodi, der viser melodiens bevægelse med deres hånd. En gruppe børn spiller et rytmisk mønster på percussioninstrumenter. Gentag 2-3 gange, skift børn, der synger og spiller.

3. PS: Fortsæt med at mestre færdighederne i at spille metallofon.

M. P: Jeg spiller selv metallofonen, angiver de plader, som vi begynder at spille med (2-3 reb).

4. PS: Mestre teknikkerne til korrekt lydproduktion, udvikle uafhængighed.

MP: Børn synger en sang med musikalsk akkompagnement. Jeg viser, hvilken plade vi begynder at spille fra. Jeg spiller klaverakkompagnement.

5. PS: At mestre færdighederne ved at spille metallofon, for nøjagtigt at formidle det rytmiske mønster.

MP: Jeg spiller og foreslår at definere melodien til en velkendt sang. Alle børnene synger, og gruppen formidler et rytmisk mønster på terninger, skeer, kasser. 2-3 udføres på en metallofon.

6. PS: Mestrer færdighederne i fælles leg.

MP: Jeg foreslår, at to børn skiftevis udfører en melodi på en metallofon, og så spiller de sammen ved hjælp af en musical

akkompagnement. Jeg lærer at lytte til hinanden og til musik.

7. PS: Lær at spille med et ensemble.

MP: De spiller 2-3 metallofoner. Hvis de er forkerte, skal du spille separat.

8. PS: At mestre færdighederne i fælles leg. Udvikle kreativ aktivitet, observer den generelle dynamik.

MP: Børn definerer en sang efter et rytmisk mønster. Derefter synger de det med akkompagnement, 3-4 spiller metallofoner, andre på percussioninstrumenter.

Relaterede publikationer:

Rapport "Undervisning af børn på støjmusikinstrumenter" Der er flere typer børneorkester: støjorkester (som inkluderer forskellige typer slaginstrumenter, der ikke har en skala.

Børn leger på børns musikinstrumenter ved helligdage og underholdning Matinees-programmet inkluderer forskellige typer musikalske aktiviteter: børn synger, danser, spiller musikalske spil og har runde danser. Ved brug af.

Afspilning af børnemusik giver dig mulighed for at dekorere et barns liv, underholde det og inspirere et ønske om hans egen kreativitet. I læringsprocessen.

Lektion om udvikling af førskolebørns musikalske evner, når de lærer at spille ikke-traditionelle musikinstrumenter Udvikling af førskolebørns musikalske evner, når de lærer at spille ikke-traditionelle musikinstrumenter. MBDOU d / s nr. 118 2010.

Konsultation "Pædagogens rolle i at lære førskolebørn at spille musikinstrumenter" At spille børns musikinstrumenter er en af \u200b\u200bde vigtige typer af børns udøvende aktiviteter. Hun udvikler musikalsk og kreativ.

Forskellige grupper af instrumenter kræver mastering af forskellige sværhedsgrader i spilleteknikker. Derfor bør de, der deltager i orkestret, få differentierede opgaver under hensyntagen til deres individuelle kapacitet.
I metoden med at lære at spille instrumenterne er det vigtigt at fastlægge rækkefølgen af \u200b\u200budførelsen af \u200b\u200bforskellige musikalske opgaver. Der er stadig ingen langsigtede og stærke pædagogiske traditioner i denne sag. Som med enhver forestilling er det nødvendigt at anvende de korrekte spilleteknikker, når man lærer brikkerne. Kontinuitet i kollektivt og individuelt arbejde er vigtigt: i generelle studier og i uafhængig musikfremstilling, ved festlige forestillinger og underholdning.
Ekspressiv udførelse af et værk (på forskellige instrumenter) af en lærer, demonstration af teknikker, metoder til lydproduktion og forklaringer - velafprøvede, traditionelle metoder - kan stadig genopfyldes med andre. Børn tilbydes uafhængigt at "undersøge" værktøjerne, de får enkle kreative opgaver og opfordres til selvstudium i uafhængige studier. Når træning finder sted i en kombination af disse metoder, kan du stole på pædagogisk succes.
I praksis begynder de ofte at lære at spille mange instrumenter på samme tid, selvom hvert instrument kræver forskellige præstationsteknikker, eller de lærer hele stykket på én gang. Nogle børn skal dog vente, mens andre lærer. Dette trætter børnene og distraherer deres opmærksomhed.
Naturligvis kan noget andet betragtes som hensigtsmæssigt. Efter at have lært børn i generelle lektioner, for eksempel med udseendet af en citer, med de grundlæggende teknikker til at spille på det, efter at have lært 2-3 melodier i flere lektioner, overføres instrumentet efterfølgende til gruppen Der under spilene, børnene fortsætter på eget initiativ
stifte bekendtskab med instrumentet, læreren hjælper dem. I mellemtiden er der i de generelle klasser et bekendtskab med et andet instrument. Og nogle gange opfordres de mest dygtige børn til at undersøge instrumentet, finde måder at spille det på, og så foretager læreren sine egne ændringer.
Gradvist introduceres børn til instrumenter med diatoniske eller kromatiske skalaer: metallofoner, trillinger, harmonika, zithere. Slaggruppen kræver mindre tid til at stifte bekendtskab med den: to eller tre instrumenter kan bringes ind i lektionen på én gang, for eksempel en tromme, tamburin og kastanetter, da børn kun gengiver rytmen på dem.
Lad os overveje de særlige træk ved undervisningsmetoden set fra følgende opgaver: mestring af spilleteknikkerne; sekvenser af opgaver til mastering af spillet på individuelle instrumenter; lære nogle værker.

Teknik

Spilleteknikker afhænger af konstruktionen af \u200b\u200bhvert instrument. Først og fremmest skal du etablere den korrekte startposition og placering af instrumentet i forhold til barnet.
Metallofoner, zithre placeres bedst på små stativer på spillerens knæniveau. Hvis der ikke er nogen stativer, kan værktøjet placeres på dit skød. Blæseinstrumenter (inden starten af \u200b\u200bspillet) placeres også i skødet. Tromlen og tamburinen holdes på bælteniveau, og trekanten hænges på et stativ, eller barnet holder den i sin venstre hånd.
Det er meget vigtigt at undervise i de korrekte teknikker til lydproduktion. Når du spiller på metallofonhammeren skal holdes, så den ligger på pegefingeren, og tommelfingeren holder den ovenpå. Slaget skal være midt på pladen og vigtigst af alt være let. Børsten skal være fri. Hvis barnet holder hammeren i knytnæven, rammer højt, holder den på pladen, så viser lyden sig at være "snavset" og ubehagelig.
Når du spiller på citervalget skal holdes mellem tommelfingeren og pegefingeren. Lyden er produceret med en let, elastisk bevægelse langs strengen. I dette tilfælde skal man stræbe efter ikke at røre unødvendige strenge.
Castanetslyder meget højt, så de tages i højre hånd og rammes let med "kronblade" i håndfladen til venstre. Samtidig er lyden noget dæmpet, og det rytmiske mønster er tydeligt hørbart.
Pladerbørn holder i stropperne og rammer hinanden i en glidende bevægelse. For at stoppe lyden med det samme påføres bækkenerne på knæene. Nogle gange kan pladerne (hængende dem) rammes med en pind, hvis ende er dækket af flere lag blød fandyr eller bomuldsuld.
Når du spiller på trekantdu skal slå med en pind midt på den vandrette del. Lyden skal være lys og elastisk.

og hvis det fortsætter i lang tid, skal du trykke på trekanten med hånden - lyden stopper med det samme.
Tamburinafgiver lyde af forskellig art, afhængigt af om de rammer hans membran med fingrene, den bløde del af håndfladen eller med en tommelfinger. Hvis du derudover ændrer stødstedet - tættere på trærammen (hvor resonansen er stærkere) mod midten, når du rammer selve rammen eller endelig skifter disse stød, så kan du opnå en interessant sammenligning af klangfarve lyde.
Spil videre trioletog Melodier-26følger de samme tricks. Barnet blæser ind i rørets åbning og bruger jævnt vejret. Samtidig trykker han på den ønskede tast. Triola-nøgler er farvede, hver har sin egen farve og navn. Første taster - re, fa #, saltog yderligere skala g-dur.Derfor kan tripletten spille melodier i g-durog delvist i andre taster, men i et begrænset interval.
Instrumentet, kaldet Melody-26, er bygget på en kromatisk skala (to oktaver), og næsten enhver melodi inden for to oktaver kan spilles på det.
Når et barn føler forskellene i lydkvaliteten, når han selv begynder at navigere i forskellige legemetoder, vil han udvikle auditiv kontrol og evnen til at korrigere unøjagtigheder i sin præstation.

Sekvens af opgaver

I begyndelsen af \u200b\u200btræningen er lederens metodiske teknikker naturligt rettet mod at vække barnets interesse for en ny type aktivitet for ham.
I lyden af \u200b\u200bhvert musikinstrument kan man finde en analogi med et naturfænomen - fuglens, dyrets, menneskets tale. Læreren henleder for eksempel børns opmærksomhed på, at fuglene synger højt, højt, ømt, og dette kan afbildes på en citer.

Metalofonen formidler godt lyden af \u200b\u200bfaldende regndråber: Først falder de sjældent, så ringer de oftere, oftere - regnen intensiveres.

Trioens lyd dvæler, som om nogen råber i skoven og ringer.

Og fløjten eller Melody-26 siger til alle fyrene - gør dig klar til en vandretur.

På tromlen slår pindene en rulle, som torden tordner (læreren laver skiftevis hurtige strejker med to pinde).
Pointen med sådanne teknikker er at gøre børnene fortrolige med de ekspressive muligheder i hvert instrument.
På dette indledende trin er det også nyttigt at forberede børn på koordinerede fællesaktioner, at udvikle ensemblets sans, som er så vigtig for at spille i et orkester. Til dette formål anvendes en slags rytmiske "orkestre". Børn klapper i hænderne, stamper deres fødder, banker med træpinde, barer, plastkasser - tomme eller fyldte med småsten, ærter osv. Og her kan metoderne til lydproduktion være forskellige. Så hvis du rammer en af \u200b\u200bde andre håndflader med bøjede fingre, er lyden blomstrende og kedelig; hvis du rammer med "flade" palmer, som i "bækkener", så er lyden tydelig og klangfuld.
Du kan slå fingrene på den ene hånd mod den anden håndflade, og lyden adskiller sig markant, afhængigt af om fingrene holdes udstrakte eller frie og bøjede. Pritoper med en fod er også forskellige: med hele foden, med en tå eller hæl, skiftevis - enten med en tå eller med en hæl. De såkaldte "slaps" bruges med håndflader eller fingerspidser på lårene.
Træ-, plast-, metalgenstande giver dig også mulighed for at udtrække lyde af en anden art. Børn med interesse
lytte til dem, udføre rytmiske opgaver, mestre færdighederne i fælles eller alternative handlinger. Børn får for eksempel følgende øvelser:

Musikalsk ekko

Børn er opdelt i to undergrupper.
1. linje.Læreren banker med spisepinde.
2. linje.Den første undergruppe af børn smager med tæerne.
3. linje.Den anden undergruppe af børn banker fingrene på den anden håndflade.


Sådanne øvelser kan variere med hensyn til rytme og forskellige måder at klappe, tumle, slå osv.
Togets bevægelse efterlignes godt, for eksempel ved at skifte spark med en tå, derefter en hæl eller hænder, derefter med fingrene og derefter med en mat klap. I dette tilfælde kan tempoet accelereres vilkårligt eller sænkes, og lyden kan øges eller formindskes.

1. linje.Hælspark.

2. linje.Tåspark.

Det er nyttigt at gøre børn fortrolige med opfattelsen og den udtryksfulde ydeevne af rytmiske recitative intonationer af stemmen. Først kan du vise deres udtryksevne i enkle rytmiske sætninger, taleintonationer, recitativ. Som du ved, er recitativ tæt på melodisk recitation. Det har intonationsstigninger og -fald, der er naturlige for daglig tale, accenter og pauser er tydeligt hørbare.
Det tilrådes at henlede børnenes opmærksomhed på, at rytmiske sætninger og musikalske taleintonationer kan bruges i forskellige spil- og livssituationer.
Her er eksempler på forskellige teknikker, der konsekvent fører børn til udtryksfuld præstation.
Læreren opfordrer børnene til at gætte, hvem hun kaldte - Tanya eller Andryusha. Børn bør lære dette med et rytmisk mønster udført af en voksen i klapper eller på en metallofon:

Børn vil lære, hvordan pigen blev navngivet - Tanya eller Tanya:

Derefter kan fyrene ringe til hinanden uafhængigt. Når de kommer op med en bestemt rytme, lægger de kortene ud på flanellgrafen ved hjælp af dem fra tillægget til "Musical Primer". Brede kort repræsenterer kvartaler, smalle - ottendedele:

De kan udføre det samme rytmiske mønster på en metallofon, triode eller percussioninstrument.
Fra udførelsen af \u200b\u200bet rytmisk mønster går børn over til recitativ. De opfordres til at ringe til hinanden, men på forskellige måder: kærligt, vredt, spørgende, indbydende. Børn kommer med udtryksfulde intonationer, der nærmer sig melodisk tale. Disse er endnu ikke vokale intonationer med deres præcise tonehøjde og melodiske lyd. De udtages på en dialekt. Enten at hæve eller sænke intonationen, søger fyrene samtidigt efter lignende, der lyder på musikinstrumenter og komponerer således korte sange.
Yderligere træning fortsætter i følgende rækkefølge: Først beherskes det at spille et instrument, derefter et andet osv. Dette øger lydstyrken af \u200b\u200bydeevne: først, rytmiske mønstre; derefter melodier bygget på snævre intervaller; senere melodier, som inkluderer vigtige sektioner af skalaen og bredere intervaller.
At lære melodien af \u200b\u200benkle stykker, sange, sang, børn skal klare to vanskeligheder: at gengive det rytmiske mønster og den melodiske linje. For det første, når teknikkerne til korrekt lydproduktion er mestret, tilbyder læreren børnene en lettere opgave - gengivelse af rytmen, læring af teknikkerne til korrekt lydproduktion, de første stykker af Musical Primer. Deres kunstneriske fordel er, at rytmiske vittigheder gives med klaverakkompagnement, hvilket gør dem mere udtryksfulde.
Efter optræden af \u200b\u200blæreren lærer børnene let melodien og synger og slår rytmen. Det er godt at bruge kort fra Note Lotto-applikationen (Music ABC).

Kortene lægges ud på flanellgrafen:

Børn tilbydes at tælle den sjette plade på en metallofon (fra begyndelsen) - “dette er en note la ", ogspil derefter et rytmisk mønster - sangen "Himlen er blå". Læreren ledsager klaveret. Den sekundære forestilling ledsages af kollektiv sang. Opgaven er mestret, og børnene vil være i stand til at spille sangen alene.

Himlen er blå
Musik af E. Tilicheeva

[Berolige]

I de følgende musikundervisning gennemføres en individuel undersøgelse: børn udfører denne sang på forskellige lyde (plader). De kaldes toner (deres placering på pladerne er kendt af børn): ”Spil noten mi,på en note før"og så videre.
men husk, at børn kun er i stand til at synge og ledsage sig selv på metallofonen en vellært sang, da lyden af \u200b\u200bmetallofonen er højere og ikke svarer til børnehavens vokale kapacitet. Det er let for et barn at gå vild, da den samme note på metallofonen lyder i en anden oktav (højere).

Når du har lært et par rytmiske melodier, kan du fortsætte til følgende opgaver - først lær melodierne bestående af tætte intervaller og derefter fra bredere. Læringsteknikken forbliver den samme. Det skal huskes, at en poetisk tekst letter huskningen og giver børn mulighed for at bruge de lærte værker i uafhængige studier. Det er også vigtigt konstant at komplicere opgaver. Nemmest at spille sekunder,deres lyde er placeret side om side. Derfor anbefales det efter øvelser på en lyd at spille melodier bygget på dette interval (for eksempel den russiske folkesang "Forty-magpie", "Accordion" af E. Tilicheyeva osv.).

Fyrre og fyrre
Russisk folkesang

Harmonisk
Musik af E. Tilicheeva
[I medium tempo, rytmisk]

Assimileringen af \u200b\u200bmere komplekse udøvende teknikker gør det gradvist muligt at komplicere repertoiret. I melodierne vises progressive bevægelser inden for små skalaer, intervallet udvides. Klaverakkompagnement, levende og udtrykkeligt præsenteret, er af stigende interesse for børn. Det er vigtigt, at børn lytter til midlerne til musikalsk udtryk og føler stemningen i musikken. Hvert kunstværk er originalt og ejendommeligt på sin egen måde, og metoderne til dets udvikling bør være forskellige.
Musikalsk opfattelse af børn aktiveres, hvis de efter den første lytning til et stykke f.eks. Bliver stillet følgende spørgsmål: ”Hvilke instrumenter er bedre til at fremføre dette stykke?”; "Hvilken del af stykket skal andre instrumenter spilles, og hvilke?" Børn vælger normalt instrumenter lettere, hvis stykket er tydeligt nok i karakter, har en klar musikalsk form og er bygget på dele, der er kontrasterende. Naturligvis kan børn ikke orkestrere et teaterstykke. Men det er vigtigt at bruge en interessant teknik, hvor de forsøger at komponere og tage deres "beslutning" - hvilket instrument der skal lyde i denne eller den del af stykket. En dygtig, taktfuld tilgang kan straks påvirke deres forslag og styre deres svar.

Metoden til at lære individuelle stykker

Jo mere komplekst stykke, jo mere udviklet klaverakkompagnement af sangen, jo mere afslappet bør læringsprocessen være. Lad os overveje to eksempler: "Rain" og "Our Orchestra".
Den første sang er "Rain". Russisk folkesang arrangeret af T. Popatenko er baseret på et motiv af to lyde, der ligger side om side (stort sekund).Dette motiv gentages mange gange med en lille rytmisk variation - først begynder sangen med et stærkt takt af mål ("Regn, regn mere!"), Og derefter - fra rytmen ("Lad os give dig noget tykt") . Klaverbearbejdningens generelle karakter er smidig, klar og let. Teksturen er gennemsigtig - der er mange pauser, hovedkontakten er staccato.Der er en introduktion og en konklusion. Et forenklet motiv for sangen lyder i indledningen, og konklusionen "trækker" regndråber.
Den gennemsigtige karakter af sangen bør ikke miste sin charme, når de bliver bedt om det. Indledningsvis kan man høre en slags roll-over af to registre. Afslutningsvis lyder trekanter. De gengiver meget godt karakteren af \u200b\u200b"dråberne", især da konklusionens melodi ikke kan formidles med lyden af \u200b\u200bbørns metallofoner og zithere. I dette stykke er det ønskeligt at bruge et lille antal instrumenter, der er kendetegnet ved let, klangfuld, brat lyd.
Sekvensen af \u200b\u200blektioner for at lære denne sang kan skitseres som følger.

Lektion 1. Børn lytter til denne allerede velkendte sang udført af en voksen. Opmærksomhed henledes på klaverpartiets lette, transparente lyd. Børn husker sangen og synger den. Læreren foreslår at tænke over, hvilke instrumenter der passer bedst til hendes lyd.
Lektion 2. Når sangen er blevet spillet, begynder en diskussion om, hvordan du instruerer den. Opmærksomheden henledes på arten af \u200b\u200bintroduktionen, konklusionen og en vis forskel mellem den anden sætning og den første. Børns forslag drøftes og testes praktisk. Hvis den ene eller den anden version af instrumenteringen viser sig at være god, kan den udføres i denne lektion i sin helhed.
Lektion 3.Hvis den mulighed, som læreren foreslår, læres (antag, at børnenes muligheder ikke accepteres), kan du først kun udføre sangens melodi (på en metallofon, citer), og mens introduktionen og konklusionen stadig udføres på klaver. Opmærksomhed skal rettes mod rettidig indrejse af zithere
Lektion 4. Hele sangen aflæres - først uden sang, så spiller nogle af børnene, andre synger, og til sidst spiller og synger alle.

En anden sang - "Our Orchestra" af E. Tilicheyeva (tekst af Y. Ostrovsky) er meget sværere for en ensembleoptræden. Melodien er mere varieret, dens rækkevidde er allerede indeni septims,derudover er der spring, de modtagne træk går op og ned. Rytme har også vanskeligheder: der er noter med en prik. Alt dette kræver visse færdigheder fra børn. I klaverakkompagnementet og i melodien gives de musikalske egenskaber ved lyden af \u200b\u200bforskellige instrumentgrupper. Det er tilstrækkeligt at huske bjælkerne, hvor ordene "trommer, trommer, tromme, tromme" lyder, hvor der gives en klar rytme, som om de efterligner en tromme. Endvidere vises et højere regi. Instrumentationen bliver således bedt om af komponisten og digteren. Men for at børnene selv skal deltage i valg af instrumenter, er det indlysende, at de først skal udføre sangen uden den tekst, der beder løsningen.
Derfor anbefales følgende sekvens af klasser:

Lektion 1. Læreren udfører klaverdelen uden at synge. Børn tilbydes musikalske gåder - de spiller separate sætninger, der til en vis grad karakteriserer lyden af \u200b\u200bforskellige instrumenter. De gætter og navngiver hvilke værktøjer der passer til en bestemt sætning. Derefter udfører læreren sangen en anden gang, men synger og spiller. På denne måde ved børnene, om de har navngivet instrumenterne korrekt.
Lektion 2. Læring af sangens vokale del. Børn lærer en melodi. Derefter synger de det i dele: fremtidige kunstnere på trillinger synger den første sætning, på trommer - den anden osv. Mens de synger, efterligner fyrene bevægelserne ved at spille et bestemt instrument.
Lektion 3. Læring af mere komplekse dele: triol (1. firestang) og metallofoner med zithers (3. firestang). Først leger alle børnene, så vælger de dem, der skal spille de givne dele, viser dem disse dele, forklarer hvilken note de skal starte med og tilbyder at lege. Så spiller alle børn imaginære trommer, og nogle af børnene spiller ægte instrumenter.
Lektion 4. Læringen af \u200b\u200bdelene af trioler og metallofoner fortsætter. Først læres den sidste sætning med metallofoner, hvor melodien udføres, og derefter slutter en percussiongruppe - trommer - sig til dem. Tromledelen gentages. I slutningen af \u200b\u200blektionen udføres hele partituren som helhed for første gang, men uden sang.
Lektion 5. Ydeevnen for hver del gentages separat. Alle

Regn
Arrangeret af T. Popatenko
[Ikke meget snart]

score, men nogle børn synger, andre leger. Rettidig introduktion af hver instrumentgruppe overvåges, og dynamiske nuancer forbedres.
I yderligere lektioner gentages hele spillet, og de erhvervede færdigheder konsolideres.

Ofte er der i pædagogisk praksis en sådan teknik: børn udfører en melodi på deres instrumenter, og en voksen spiller melodien og akkompagnementet på klaveret. For at diversificere lyden kan du gøre det anderledes. For eksempel udføres hele stykket af en lærer på klaveret, og børn spiller en melodi på en metallofon og som en akkompagnement, dvs. lyde svarende til den første (I) og den femte (V) eller det første (I), fjerde (IV) og femte (V) trin.
Her er for eksempel tre versioner af den ukrainske folkemelodi "Oh bursting the hoop", arrangeret af T. Popatenko. Metallofoner i det første tilfælde duplikerer melodien, i det andet - basstemmen, i det tredje spiller de uden klaverakkompagnement.
Et andet værk er "The Squirrel", et uddrag fra operaen "The Tale of Tsar Saltan" af N. Rimsky-Korsakov. Dette uddrag formidler billedet af et fabelagtigt egern. For at karakterisere billedet brugte komponisten melodien til den berømte russiske folkesang "Uanset om det er i haven eller i haven." Sangens melodi er munter, parmøs, danser i naturen, men udføres i et moderat tempo. Når du instruerer et stykke, er det nødvendigt at vælge musikinstrumenter med en let, klangfuld og brat lyd. Det kan være en metallofon og en trekant.

Når du lærer et stykke, kan du foreslå følgende sekvens af klasser.
Lektion 1. Børn lytter til et stykke udført af en voksen. Opmærksomhed henledes på melodiens lette lyd, dens parmante, dansende karakter. Du kan læse et uddrag fra værket af Alexander Pushkin "The Tale of Tsar Saltan". Efter at læreren har genopført stykket, bliver børnene bedt om at tænke over, hvilke instrumenter der bedst kan bruges til at spille i orkestret på grund af musikken. Børns forslag drøftes. En af mulighederne er valgt. Læreren spiller en melodi på en metallofon.
Lektion 2. Læreren udfører værkets melodi uden klaverakkompagnement. Børn stryger melodiens rytmiske mønster. Derefter læres trekantsdelen. Nogle udfører et rytmisk mønster på trekanter, andre klapper. Derefter ændres børnenes handlinger. Før læreren lærer metalofondelen, udfører læreren først melodien selv, som derefter læres i dele (1. firetakt, derefter 2. firetakt).
Lektion 3. Læringen af \u200b\u200bmetallofondelen fortsætter. Børnene udfører den første sats af stykket (måler 1 og 2), og hele partituret spilles. Når det gentages, er trekanter fastgjort til metallofonerne.
Lektion 4. Hver del udføres separat uden akkompagnement og med akkompagnement. Derefter spilles hele partituret. Børns opmærksomhed henledes på den nøjagtige udførelse af det rytmiske mønster.
Lektion 5. Hver del udføres separat med akkompagnement, hvorefter hele partituret spilles. Børns opmærksomhed henledes på forestillingens ekspressivitet. Når de udføres gentagne gange, kan børn skifte instrument.

Vores orkester
Ord af Y. Ostrovsky Musik af E. Tilicheeva

[Afslappet. Højtideligt]

Egern (uddrag)
Fra operaen "Fortællingen om tsar Saltan"
Musik af N. Rimsky-Korsakov
[Moderat]

At lære at spille musikinstrumenter kan ikke være begrænset til at lære repertoiret. Det er vigtigt, at disse aktiviteter er kreative.
Øvelser, hvor det foreslås at gengive (efter øre) en velkendt melodi, at spille en rytmisk sang i lyde i forskellige højder (transponere), at finde en ny metode til at spille et instrument, selvfølgelig, udvikle uafhængighed og auditive ideer hos børn . Men det er også vigtigt at skabe forudsætningerne for børnenes egne kreative manifestationer. At give mulighed for at vælge instrumenter til fremførelsen af \u200b\u200bet bestemt stykke og tilskynde dem til at improvisere.

Teknikker til udvikling af musikalsk kreativitet

Børnenes musikalske kreativitet begynder med en "undersøgelse" af instrumenternes lydfunktioner. Dette er meget værdifuldt, men børn er ofte hjælpeløse i deres søgen. Læreren leder denne søgning og opfordrer børn til at lege, hvordan gøgler og fugle synger, hvordan det regner, torden osv. Men du kan også anvende en interessant metode til kollektiv kreativitet på metallofoner, xylofoner. Hvis du limer noterne fog si(Trin IV og VII) eller fjern optegnelser over disse lyde, så børn ikke spiller på dem, så kan de improvisere alt på samme tid. Børn spiller på fem lyde (gør, re, mi, salt, la).Resultatet er meget interessante harmoniske kombinationer, der konstant og uventet ændrer sig, men altid meget melodiske. På samme tid kan børn lege i enhver rytme, nogle gange tilbydes de en given rytme, for eksempel en fjerdedel og to ottendedele. Betydningen af \u200b\u200bdenne teknik er ikke kun i udviklingen af \u200b\u200bharmonisk hørelse. Børn begynder at improvisere sig selv, for at gøre deres første forsøg på at skabe "deres egne kompositioner."
Det skal understreges, at metoden til undervisning i at spille instrumenter i børnehaverne skal være mere organiseret og konsistent, end den er i praksis. Succesen med denne træning afhænger af sammenhængen i alle former for børns musikalske aktiviteter. I klasseværelset får de en vis mængde viden og færdigheder, akkumulerer et repertoire.
Børn bruger let, med stor glæde de lærte sange og spil i deres spil, optræder i ferier, underholdning Introduktion til børn for nye instrumenter, udførelse af interessante opgaver om valg af instrumenter til udførelse af bestemte stykker og sange, den erhvervede evne til at evaluere (efter øre ) kvaliteten af \u200b\u200bderes optræden, improvisation, muligheden for at deltage i forskellige ensembler - alt dette gør det at spille instrumentet interessant for børn og værdifuldt for deres overordnede musikalske udvikling.
Ved at tage sig af udviklingen af \u200b\u200bbørns kreative manifestationer tilbyder læreren dem en række opgaver, for eksempel at evaluere udførelsen af \u200b\u200ben velkendt melodi eller improvisation af en ven eller hans egen optræden på ethvert musikinstrument; vælg blandt de foreslåede musikinstrumenter, hvor du kan skildre fuglesang, raslende blade, hyl af vinden osv. vælge musikinstrumenter, der er egnede med hensyn til klangfarve, hvorpå du kan udføre dette eller det stykke, sang; formidle rytmen i en march komponeret af barnet selv på en tromme eller tamburin; prøv at komponere en dansemelodi osv.
Rollen som musikdirektør og underviser er ganske indlysende. De skal ikke kun være dygtige i metodologien til vejledning af klasser, men også være i stand til frit at spille børns musikinstrumenter, kende udstyret og teknikkerne til at spille dem.
At spille instrumenter er en interessant og nyttig musikalsk aktivitet for børn. Musiklegetøj og instrumenter giver dig mulighed for at dekorere et barns liv, underholde det og vække ønsket om hans egen kreativitet. I processen med at lære at spille instrumenterne er auditive ideer, en følelse af rytme, klang, dynamik godt formet. Uafhængighed, opmærksomhed og organisation udvikler sig i barnets handlinger.
Hele spektret af teknikker til at introducere børn til underholdende og kompleks musikalsk præstation forbereder dem godt til fremtidige klasser i skolen.

SPØRGSMÅL OG OPGAVER

1. Hvad er vigtigheden af \u200b\u200bmusikalske legetøj og instrumenter i børnehavenes liv?
2. Beskriv typer af børneinstrumenter.
3. Fortæl os om det særegne ved børns musikalske legetøj og instrumenter.
4. I hvilken alder anbefales det at lære at spille musikinstrumenter? Angiv læringsmålene.
5. Hvilket musikalsk repertoire tilrådes at bruge i undervisningen i at spille instrumenterne.
6. Hvad er metoden til at lære førskolebørn at spille musikinstrumenter til børn?
7. Brug eksemplet på et stykke musik, og lav et resumé af de lektioner, hvor læreren lærer børn at spille metallofon.
8. Angiv formerne for læring til at spille børnenes instrumenter.

9. Udvid metoderne til at udvikle børns musikalske kreativitet i processen med at mestre instrumenterne.

LITTERATUR

Et typisk uddannelsesprogram i børnehaven / Ed. R.A. Kurbatova, N.N. Poddyakova. - M., 1984.
Uddannelsesprogram c. børnehave.— M., 1987. Uddannelse og træning i børnehaven / Ed. A. V. Zaporozhets, T. A. Markova - M., 1976. - S. 308-341.
Vetlugina N.A.Musikundervisning i børnehaven. - M., 1981.
Vetlugina N.A.Musikalsk og legekreativitet hos børn 5-7 år. Børnes sangkreativitet 5-7 år // Kunst i børnehaven. - M., 1974. - S. 107—120.
Dzerzhinskaya I.L.Musikalsk uddannelse af yngre førskolebørn. - M., 1985.
Kabalevsky D. B.Hvordan lærer du børn om musik? - M., 1982.
E. N. KvitnitskayaUdviklingen af \u200b\u200børe til musik er en betingelse for dannelsen af \u200b\u200bsangskrivning // Kunstnerisk kreativitet i børnehaven. - M., 1974. - S. 20-28.
Lukyanova M.B.Børns kreativitet i danse // Kunst i børnehaven. - M., 1974. - S. 29-32.
Musik og bevægelse / Komp. S. I. Bekina, T. P. Lomova, E. N. Sokovnina. - M., 1981, 1983, 1984.
Lær børn at synge / Komp. T. M. Orlova, S. I. Bekina. - M., 1986, 1987, 1988.
Æstetisk uddannelse i børnehaven / Ed. N. A. Vetlugina.-M., 1985.

Samlinger af musikalsk og litterær repertoire

Vetlugina N.A.Børns orca - M., 1976.
Vetlugina N.A. Musical primer. - M., 1972, 1985.
Musik i børnehaven / Comp. N. A. Vetlugina, I. L. Dzerzhinskaya, L. N. Komissarova. - M., 1985, 1986, 1987.
Musik i børnehaven / Comp. N. A. Vetlugina, I. L. Dzerzhinskaya, T. P. Lomova.— M., 1975—1980. - Vol. 1-5; .1980-1981. - Udgave. 1-4.
Solskovl / Komp. M. A. Medvedeva. - M., 1984.

Metodologi til musikalsk uddannelse i børnehaven: “Doshk. uddannelse "/ N.А. Vetlugin, I.L. Dzerzhinskaya, L.N. Komissarova og andre; Ed. PÅ. Vetlugina. - 3. udgave, Rev. og tilføj. - M.: Uddannelse, 1989. - 270 s.: Noter.

Introduktion

Metoden til at lære at spille blæseinstrumenter er en integreret del af musikpædagogisk videnskab, der tager højde for de generelle love i læringsprocessen på forskellige blæseinstrumenter. Russisk pædagogisk videnskab inden for blæseinstrumentydelse er ikke mere end 80 år gammel. Hun nåede nye grænser ved at vedtage og udvikle yderligere det bedste, der var karakteristisk for den russiske skole for blæseinstrumenter. Hendes succeser er ikke kun kendt i vores land, men også i udlandet.

Komponisten Gedicke skrev: teknikken med at spille blæseinstrumenter er gået så meget, at hvis de bedste kunstnere, især på messing, der levede for 50-70 år siden, hørte vores blæseinstrumenter, ville de ikke tro deres ører og ville sige, at dette er umuligt.

Det skal anerkendes, at teorien om undervisningsmetoder på blæseinstrumenter som en del af pædagogisk videnskab, blandt andre metoder, er den yngste. Hver generation af vindmøller bidrager til teknikken. Undervisningsmetoden på ethvert instrument er en del af pædagogikken.

Ord metode Græsk oprindelse oversat til russisk - vej til noget... En teknik er et sæt metoder, dvs. teknikker til at udføre ethvert arbejde (forskning, uddannelse)... I ordets snævre forstand er en metode en måde at undervise et emne på baseret på analyse og generalisering af de bedste lærere, musikere og kunstnere.

Metoden studerer mønstre og teknikker ved individuel læring. Teknikken bidrager til uddannelse af en generel musikalsk kultur, udvider kunstnernes horisonter. Teknikken rører tættere på specialiteten. Rozanov var en fremragende kunstner og lærer, der lagde grundlaget for udviklingen af \u200b\u200bsovjetisk metode. Hans arbejde Foundations of Teaching on Wind Instruments Moscow 1935 var det første arbejde, der blev udført på et videnskabeligt grundlag.

I sit arbejde formulerede han de principper, der blev grundlæggende i den metodologiske skole for blæseinstrumenter:

1. Udviklingen af \u200b\u200btekniske færdigheder hos studerende skal gå hånd i hånd med kunstnerisk udvikling.
2. I processen med en studerendes arbejde med et stykke musik er det nødvendigt at opnå sin bevidste assimilering, og så bliver den stærkere.
3. Grundlaget for den korrekte indstilling skal være kendskab til anotomi og fysiologi hos de organer, der er involveret i spillet.

Hovedspørgsmålene til metoden formuleret af Rozanov blev udviklet af professorer Platonov, Usov, Pushechnikov, Dokshitser, G. Warwit.

Tilstedeværelsen af \u200b\u200ben solid teoretisk base giver os mulighed for at hæve undervisningen i at spille forskellige musikinstrumenter til et nyt kvalitativt niveau.

Psykofysiologiske fundamenter for udførelsesprocessen på blæseinstrumenter.

Musikalsk performance er en aktiv kreativ proces baseret på den komplekse psykofysiologiske aktivitet hos en musiker.

Du bør kende denne formulering som vores far. Fremhæv denne ordlyd direkte. Afspilleren på ethvert instrument skal koordinere handlingerne for en række komponenter:

• vision,
• høring,
• hukommelse,
• motorisk sans,
• musikalsk æstetiske forestillinger,
• viljeindsats.

Dette er også et meget vigtigt punkt. Det er denne række psykofysiologiske handlinger, der udføres af musikeren under spillet, der bestemmer kompleksiteten af \u200b\u200bden musikalske performance-teknik.

Den videre vej til den videnskabelige underbyggelse af den musikalske udførelsesproces var forbundet med studiet af fysiologien i de højere dele af centralnervesystemet. Læren fra den store russiske fysiolog Akademiker IP Pavlov om højere nervøs aktivitet, om den uløselige forbindelse af alle livsprocesser om teorien om hjernebarken - som det materielle grundlag for mental aktivitet, hjalp førende musikere med at ændre deres tilgang til at underbygge udførende teknikker .

Undervisere og kunstnere er blevet mere interesserede i, hvordan hjernen fungerer under leg. De begyndte at være mere opmærksomme på den bevidste assimilering af mål og mål. De grundlæggende principper for hjernebarken er koordineret menneskelig aktivitet udføres gennem komplekse og subtile nerveprocesser, der kontinuerligt forekommer i hjernens kortikale centre... Disse processer er baseret på dannelsen af \u200b\u200ben konditioneret refleks.

Højere nervøs aktivitet består af to vigtigste og fysiologisk ækvivalente processer:

1. spænding, der ligger til grund for dannelsen af \u200b\u200bkonditionerede reflekser;
2. intern hæmning, der giver analyse af fænomenerne;

Begge disse processer er i konstant og kompleks interaktion. Gensidig påvirkning af hinanden og i sidste ende regulerer hele en persons liv.

Processen med at spille et musikinstrument som en af \u200b\u200btyperne af menneskelig arbejdskraft.

Glem ikke, at du arbejder - det er dit arbejde.

At studere på et musikhøjskole er som arbejde. Dette er et antal komplekse koordinerede funktioner: (visuel, auditiv, motorisk, volitionel), udført på basis af konditionerede reflekser i hjernens andet signalsystem.

Lad os prøve at forestille os, hvordan dette sker praktisk når man spiller instrumentet.

Når man ser på de musikalske tegn, oplever kunstneren først og fremmest irritation i det visuelle område af cortex (hjernen menes). Som et resultat er der en øjeblikkelig transformation af de primære signaler til en visuel repræsentation af den musikalske tekst. Gennem tænkning bestemmer musikken placeringen af \u200b\u200bnoterne på personalet, varigheden af \u200b\u200blyde, deres lydstyrke osv. Afspillerens visuelle opfattelse af lyd er normalt forbundet med auditive repræsentationer. Excitation af de visuelle centre, der spredes ud, fanger den auditive cortex, som hjælper musikken ikke kun til at se lyden, men også til at høre, det vil sige at føle dens tonehøjde, lydstyrke, klang og lignende. De auditive fremstillinger, der er opstået indeni, fremkalder straks de tilsvarende udførende bevægelser i musikken, som er nødvendige for at gengive disse lyde på instrumentet. Motorimpulser overføres til det udførende apparat: læber, tunge, vejrtrækning, fingerbevægelser, hørelse. Og på grund af intern hæmning forårsager de de nødvendige bevægelser: læber, tunge, fingre.

Sådan udføres fremdrivningssystemet, hvilket resulterer i, at lyden fødes.

Lydvibrationer forårsager igen irritation af hørselsnerven, som på grund af muligheden for at etablere omvendte fysiologiske forbindelser overføres til den hørebark og sikrer den passende opfattelse af de lyde, der afspilles, dvs. auditiv analyse. Således kan processen med lydproduktion på blæseinstrumenter forestilles i form af flere sammenkoblede led i en enkelt kæde.

Bemærkningstegn - idé om lyd - bevægeapparat - udfører bevægelse - ægte lyd - auditiv analyse. I løbet af dette komplekse betingede refleksforhold hører det centrale sted til spillerens auditive fornemmelser og ideer.

Dette er de psykofysiologiske fundamenter for lydproduktion, der anvendes til at spille ethvert musikinstrument; afspilning af blæseinstrumenter har dog også en række specifikke funktioner.

Akustisk fundament til lydproduktion på blæseinstrumenter

I modsætning til tastaturer, strygeinstrumenter og percussioninstrumenter, hvor stive kroppe fungerer som en vibrator (til strenge - strenge, specielle plader, hud til percussion) alle blæseinstrumenter tilhører instrumenter med en luftformig krop.

Årsagen til udseendet af lyd her er vibrationerne i luftsøjlen forårsaget af patogenernes særlige handlinger. Specificiteten af \u200b\u200blydproduktion på blæseinstrumenter afhænger af instrumenternes enhed. Moderne musikalsk akustik opdeler alle blæseinstrumenter i tre grupper:

• første gruppe labial fra det latinske ordlaba (læbe) de kaldes også fløjte (alle typer fløjter, fløjter, nogle orgelrør),
• anden gruppe reed, reed eller lingual fra det latinske ord lingia (tunge) (alle typer klarinetter, alle typer oboer, fagotter, alle typer saxofoner og bashorn),
• tredje gruppe med et tragtformet mundstykke kaldes de normalt kobber (alle typer kornet, trompet, fransk horn, tromboner, tubaer, horn, fanfare).

Hvordan produceres lyd?

På en fløjte, som er et instrument med en gasformig exciter, dannes lyden som et resultat af friktion af den udåndede luftstrøm mod den skarpe kant af ladiumhullet, der er placeret i fløjtehovedet. Samtidig ændres luftstrømmen bevægelseshastighed med jævne mellemrum, hvilket medfører forekomsten af \u200b\u200blydvibrationer i fløjtekanalen. Alle reedinstrumenter med en solid exciter genererer lyde ved hjælp af vibrationer fra specielle reedplader (siv). Den oscillerende proces på disse instrumenter reguleres af handlingerne fra to interagerende kræfter: translationel bevægelse af den udåndede luftstrøm og stokens elasticitet.

Den udåndede luftstrøm bøjer den udtyndede del af sukkerrøret udad, og kraften af \u200b\u200bdens elasticitet tvinger rørpladen til at vende tilbage til sin oprindelige position. Disse bevægelser af tungen (stok) giver en intermitterende rykkende indgang af luft ind i instrumentets kanal, hvor en gensidig svingning af luftsøjlen forekommer, og der genereres derfor lyd.

Udseendet af lyd på blæseinstrumenter med et tragtformet mundstykke er endnu mere unik. Her, i rollen som en solid vibrerende lydudstråler, de centrale områder af læberne dækket af mundstykket.

Så snart den udåndede luftstrøm kommer ind i den smalle labialfissur, vibrerer den straks læberne. Disse vibrationer, ved at ændre størrelsen på labia-åbningen, skaber en periodisk rykkende bevægelse af luft ind i instrumentets mundstykke. Resultatet er en alternativ fortykkelse eller støvsugning af luften i instrumentets kanal, hvilket giver lydens udseende.

Efter at have undersøgt de akustiske fundamenter for lydproduktion finder vi et generelt fænomen: i alle tilfælde er årsagen til lyddannelse den periodiske svingning af luftsøjlen indeholdt i instrumentet forårsaget af de specifikke bevægelser af forskellige enheder og lydfremkaldere.

Samtidig er de oscillerende bevægelser af luftstrålen, sivpladerne eller læberne kun mulige under betingelse af koordinerede handlinger af forskellige komponenter i det udførende apparat.

Udviklingen af \u200b\u200bmusikalske evner i processen med at uddanne en professionel musiker

På trods af elevernes omtrent lige mentale evner og fysiske udvikling har vi forskellige læringsresultater. Analysen af \u200b\u200bdisse fænomener indikerer, at under forberedelsen af \u200b\u200bden udøvende kunstner får en intuitiv begyndelse, dvs. tilstedeværelsen af \u200b\u200bnaturlige evner, en afgørende betydning. V.M. Teplov i sit arbejde "Psykologi af musikalske evner" musiklitteratur 1947 beviser muligheden for at udvikle alle musikalske evner på basis af medfødte tilbøjeligheder. Der kan ikke være nogen evner, der ikke ville udvikle sig under uddannelsesprocessen.

Hvad mener vi, når vi taler om musikalske evner eller musikalske tilbøjeligheder?

Først og fremmest mener vi musikalitet. Alekseev lavede denne passende definition i sin metode til undervisning i klaverspil. "Musical skal kaldes en person, der føler musikens skønhed og udtryksevne, som er i stand til at opfatte et bestemt kunstnerisk indhold i lydene af et værk, og hvis han er en performer, kan han gengive dette indhold."... Musikalitet udvikler sig i processen med korrekt, velgennemtænkt arbejde, hvor læreren let og omfattende afslører indholdet af de studerede værker og illustrerer sine forklaringer ved at vise på et instrument eller optage.

Komplekset med begrebet musikalitet inkluderer en række nødvendige komponenter, nemlig:

1. øre til musik,
2. musikalsk hukommelse,
3. musikalsk rytmisk følelse.

Øre til musik

Øre til musik er et komplekst fænomen, der inkluderer begreber som:

• tonehøjde (intonation),
• melodisk (modal),
• harmonisk,
• intern høring.

Hvert af disse aspekter af øret til musik er af stor betydning i undervisningen og i udøvelsen af \u200b\u200bpraksis. Udøveren har absolut brug for en veludviklet relativ hørelse, som gør det muligt at skelne mellem forholdet mellem lyde og tonehøjde taget samtidigt eller sekventielt.

Denne kvalitet er yderst vigtig for en orkestermusiker. I orkestret værdsættes en kunstner, der lytter godt til sin gruppe, deltager aktivt i den uden at forstyrre ensemblet. Evnen til at høre imaginære lyde, skrive dem ned og manipulere dem kaldes intern hørelse. Musikalsk øre udvikler sig i løbet af musikerens aktivitet. Det er nødvendigt at sikre, at alt arbejde med instrumentet fortsætter med utrættelig hørekontrol.

Manglen på studerende erat de ikke styrer deres spil af instrumentet efter øret. Dette er den største ulempe ved studerendes uafhængige arbejde. En lærer i specialet skal konstant tage sig af udviklingen af \u200b\u200balle komponenter i det musikalske øre og frem for alt den interne melodiske hørelse.

Udvikling af indre hørelse

Ud over solfeggio-lektioner og hjemmearbejde om dette emne, kræver læreren i specialet udførelsen fra hukommelsen til tidligere kendte eller nyligt hørte musikalske uddrag ( plukning efter øret), transponering af velkendte melodier i andre nøgler, improvisation samt komponering af musik, hvis der er nok data til dette.

Det er nyttigt at træne eleverne i at analysere deres egen præstation eller en anden præstation kritisk. Derfor er det nødvendigt at gå til koncerter ikke kun af deres specialitet: kor, kammerorkester, messing, pop, ensembler, solister, violinister.

Til udvikling af det melodiske øre er det nødvendigt at arbejde systematisk på en cantilena (langsomt stykke). Cantilena (langsomt stykke) udvikler også udholdenhed, fordi der er meget stress på læberne, du trækker vejret meget. Jeg forbedrer min harmoniske hørelse, det er nyttigt at analysere strukturen på det studerede stykke musik, at spille mere i et ensemble, i et orkester. Tekstur er et latinsk ord i figurativ forstand, en enhed, strukturen af \u200b\u200bet musikalsk stof.

Et veludviklet øre til musik er den vigtigste betingelse for udviklingen af \u200b\u200bmusikalsk hukommelse.

Musikalsk hukommelse er et syntetisk koncept, der inkluderer auditive, visuelle, motoriske, logiske. Musikalsk hukommelse er også modtagelig for udvikling. Det er i det mindste vigtigt for en musiker tre slags hukommelse:

• den første auditive tjener som grundlag for vellykket arbejde inden for ethvert felt for musikalsk kunst,
• det andet er logisk forbundet med forståelse af værkets indhold og love for udvikling af musikalsk tanke,
• den tredje type motor er yderst vigtig for kunstnere fra instrumentalister.

For mange spiller visuel hukommelse en vigtig rolle i memoriseringsprocessen. Når du arbejder på at udvikle en studerendes hukommelse, skal du huske: systemet med at huske musik er meget vigtigt, den studerende skal tage højde for, at musikken flyder gennem tiden, til skabelsen af \u200b\u200bet værk, da noget helt er muligt, forudsat at dets dele bevares i hukommelsen. Som et resultat af hyppige præstationer kan memorering være bevidst. Memorisering kan også være bevidst, når enkelte passager er specielt husket, og derefter hele arbejdet som helhed.

Dette kræver kendskab til arbejdets form og dets harmoniske struktur. Når man lærer, er det vigtigt at være opmærksom på ligheden, gentagelsen af \u200b\u200bindividuelle dele af en musikalsk form, og opmærksomheden er rettet mod, hvad der adskiller disse dele, og hvad der forener dem. Forsætlig memorisering indebærer: visuel, motorisk såvel som mere kompleks intern hukommelse. Kontrol af rigtigheden af \u200b\u200bdet lærte stykke musik: optagelse af husket musik uden brug af et instrument (noter), transponering af en melodi til en anden nøgle og muligheden for at begynde at spille fra ethvert sted. Evnen til at starte forestillinger fra ethvert sted vidner om den dybe og grundige viden om musikken fra den udøvende kunstner.

Ekspressivt betyder, når du spiller blæseinstrumenter

Normalt henvises følgende begreber til de udtryksfulde midler for en blæserinstrument: lyd, klangfarve, intonation, strøg, vibrato, rytme, meter, tempo, agogics, artikulation, frasering, dynamik, nuance.

Agogyka er en mindre afvigelse fra tempoet. Vokalister og kunstnere på blæseinstrumenter henviser også til dette: udføre ånde. Pianister inkluderer: pedal, tryk.

Berøring er en bestemt måde at udføre på. Stringere inkluderer: slagtilfælde, vibrato, fingering, finger teknik.

Træblæsere disse fonde er også rangeret som: teknik af læber, tunge, dobbelt staccato, frulato, glissando. Selvom dobbelt staccato er en teknik. Og frulato og glissando henviser allerede til slagtilfælde. Alt dette siger, at der til begreberne udøvende midler eller udtryksmidler ikke er nogen enkelt klar og klar tilgang til deres definition.

At udføre midler og udtryk er to sider af en enkelt kreativ proces. Vi inkluderer alt, hvad der er forbundet med den teknologiske side af ydeevne, til de udførende midler. Den teknologiske side er instrumentets tilstand, mundstykke, siv; indstilling af krop, hoved, arme, ørepuder; udføre vejrtrækningsteknik, sprogteknik (hårdt, blødt, hjælpeanfald); artikulation er udtalen af \u200b\u200bvokaler, konsonanter under spillet; finger teknik (flydende, klarhed, konsistens); viden om fingering (hoved, hjælp, yderligere).

Ekspressive midler inkluderer alt, hvad der er det kunstneriske resultat af brugen af \u200b\u200bde anførte udøvende midler. Lyd er et af de vigtigste udførelsesmidler. Lydens udtryksevne som et middel til at udføre en melodi bestemmer mere styrken af \u200b\u200bmusikens følelsesmæssige indflydelse.

Afspilleren skal mestre en smuk lyd, det vil sige gøre instrumentets lyd klar, saftig og dynamisk forskellig.

I dette tilfælde skal lydens karakter være uløseligt forbundet med indholdet af den musik, der udføres. For lydens udtryksevne er intonationens renhed af særlig betydning. Jo finere og bedre udviklet en musikers hørelse, jo færre fejl vil han lave, når han toner under spillet. Et vigtigt instrument, der udfører, er teknisk dygtighed.

For en blæseinstrumentspiller består tekniske færdigheder af forskellige elementer: veludviklet vejrtrækning, læbernes elasticitet og mobilitet, tungens bevægelighed, hurtighed og konsistens i fingerbevægelser. Hvert af blæseinstrumenterne har sine egne specielle koncepter for de mest komplekse elementer i den udførende teknik.

For en gruppe træblæsere er teknikken til at bevæge fingrene meget vanskelig. Det for gruppen af \u200b\u200bkobber - dette er beherskelsen af \u200b\u200bteknikken til at arbejde med læberne. Musikalsk formulering, der karakteriserer spillerens evne til korrekt at bestemme strukturen i et musikværk (motiver, sætninger, sætninger, perioder), korrekt etablere og udføre caesura, identificere og legemliggøre klimaks, korrekt formidle genre stilistiske træk ved musik, er af enestående betydning. Musikalsk formulering, der afspejler den levende åndedrag fra musikalsk tanke, er et middel til at udtrykke det kunstneriske indhold i et værk.

Dynamik er en vigtig del af musikalsk formulering.

Dygtig brug af dynamiske nuancer, når man spiller, fremhæver den musikalske ydeevne markant og fratager den monotoni og monotoni. Når man spiller på blæseinstrumenter, anvendes der normalt to typer dynamik: den første er en trinvis eller terratisk dynamik, der inkluderer en gradvis stigning eller formindskelse af lyd ( ppp, pp, mp, mf, f, ff ), den anden type dynamik kaldes kontrastdynamik, som består i en skarp modsætning af lydstyrken (klaver er en skarp forte). Det er vigtigt at bemærke, at dynamiske nuancer ikke er absolutte, men relative (for nogle er det forte, mens det for andre er mezzo forte), så musikken får ret til at supplere eller udvide disse nuancer.

Et meget vigtigt element i musikalsk formulering er agogi - dette er en lidt mærkbar ændring i bevægelseshastigheden (afvigelse fra tempoet). Agogiske nuancer, dygtigt anvendt, fremhæver den kreative karakter af musikalsk præstation. Den mest komplekse og vanskelige agogiske nuance er kunsten at spille rubato (rytmisk fri performance).

Musikalsk formulering er tæt knyttet til brugen af \u200b\u200bslagtilfælde. Slagene hjælper med at forbedre forestillingenes ekspressivitet. Forskellige udøvende medier kan opdeles i tre hovedgrupper:

• den første betyder relateret til lydkvaliteten (klang, intonation, vibration),
• sekund gruppe af tekniske midler (fingerflydende, vejrtrækningsteknik, sprogteknik),
• den tredje en gruppe af midler til generel musikalsk udtryk (musikalsk formulering, dynamik, agogics, slagtilfælde, fingering).

En sådan opdeling er betinget, da der er et meget tæt organisk forhold mellem de udøvende midler i musikken. På samme måde tjener en ekspressiv lyd som en indikator for en bestemt teknisk færdighed.

Musikalsk formulering er samtidig besiddelse af både lyd og tekniske færdigheder. Et karakteristisk træk ved alle musikers udøvende midler er ikke kun deres nære forhold, men også deres komplette underordning til kunstneriske mål og kunstneriske opgaver.

Performance apparater og teknik til lydproduktion på blæseinstrumenter

Ved at analysere teknologien til lydproduktion på blæseinstrumenter kan vi fastslå, at den er sammensat:

1. visuelle og auditive fremstillinger: først ser du noten, internt har du hørt denne note;
2. udfører ånde: Når du har forstået, hvad denne note er, og hvor den lyder omtrent (i hovedet), trækker du vejret. Dette er åndedræt.
3. specielt arbejde med læberne og ansigtets muskler: du skal lægge læberne og musklerne for at tage denne note
4. specifikke bevægelser af tungen: det vil sige hvilken tunge er hård, blød eller dobbelt;
5. koordineret bevægelse af fingrene: hvilken slags fingering og så videre ...
6. kontinuerlig auditiv analyse: alle disse øjeblikke til sidst adlyder de alle auditiv analyse (kontinuerlig)

Disse komponenter er uløseligt forbundet med kompleks neuromuskulær aktivitet og udgør musikerens udførende apparat.

Der vil være et spørgsmål som dette: hvad er komponenterne i lydproduktionsteknologi? Dette er 6 komponenter, du bliver nødt til at navngive.

Det labiale apparat er af største vigtighed. Spørgsmålet vil være: hvad er et labial apparat? Alle disse formuleringer skal være kendt som vores far.

Labial apparater - et system af muskler i labial og ansigtsbehandling, slimhinden i læber og mund, spytkirtler. Kombinationen af \u200b\u200bdisse elementer kaldes labialapparatet. Det labiale apparat kaldes undertiden forskelligt. embouchure.

Begrebet ørepuder bruges i forbindelse med alle blæseinstrumenter, men det fortolkes på forskellige måder: nogle mener, at dette betyder munden eller mundstykket, andre at det henviser til den labiale spaltning.

Ifølge Moskva 1966-udgaven af \u200b\u200bEncyclopedic Music Dictionary, ordet embouchure Fransk og har to begreber:

• den første måde at folde læber og tunge på, når du spiller blæseinstrumenter. Det er således muligt at bestemme denne position nøjagtigt, graden af \u200b\u200belasticitet af kunstnerens labiale og ansigtsmuskler, deres træning, udholdenhed, styrke, fleksibilitet og mobilitet, når man spiller kaldes en ørepude.
• Og den anden definition i denne ordbog: det er det samme som et mundstykke.

Systematisk træning for den udøvende kunstner er af største vigtighed. Udviklingen af \u200b\u200bdet labiale apparat skal udføres i to planer. Det første plan: dette er udviklingen af \u200b\u200bde labiale muskler, det vil sige udviklingen af \u200b\u200bstyrke, udholdenhed af de labiale, ansigtsmuskler. Når du har udviklet lydens skønhed, vises din egen ejendommelige klang, lydkvalitet. Til dette formål skal du spille hele toner for en fuld ånde i 20-30 minutter.

Udfører åndedræt. Dens essens. Værdi. Og udviklingsmetoder

En vejrtrækningsteknik hos en blæserinstrument er først og fremmest en teknik til at mestre lyd, som inkluderer al den variation af klang, dynamik, slag og artikulation. Hvis åndedrættet er godt indstillet af lyden, kan du straks bedømme, at en person har en klang, dynamik, artikulation. Lydkulturen forudsætter tilstedeværelsen af \u200b\u200ben bestemt vejrtrækningsskole.

Hvis sprog spiller en afgørende rolle i lydens oprindelse, hører det i lydens ledelse til luftstrømmen, som udøveren udånder i instrumentet. Luftstrømmens natur korrigeres ud over åndedrætsmusklerne af de labiale muskler, tungens muskler. Og alle sammen styres af hørelse. Konventionelt kan udøvende vejrtrækning sammenlignes med buen af \u200b\u200bviolinister.

At udføre vejrtrækning er et aktivt udtryksmiddel i en træblæsemusikars arsenal.

Den professionelle vejrtrækning af en udøver af et blæseinstrument bestemmes primært af en bevidst og målrettet kontrol af åndedrætsmusklerne, der fungerer fuldt ud under indånding og udånding. Muskler er involveret i åndedrætsmekanismen indånding og udånding... Den udøvende vejrtrækningsteknik afhænger af den dygtige brug af disse muskler af antagonister.

De inspiratoriske muskler inkluderer: mellemgulv og ekstern interkostal.

Ekspiratoriske muskler inkluderer: abdominale muskler og indre interkostale muskler.

Den udøvende kunstner skal lære at kontrollere aktiv indånding og udånding gennem udvikling og træning af åndedrætsmusklerne. Udånding i interaktion med læber, tunge, fingre spiller en primær rolle i dannelsen af \u200b\u200blyd, i dens adfærd og i forskellige typer af dets manifestation i teknologi.

En velplaceret udånding påvirker ikke kun lydkvaliteten og de alsidige tekniske muligheder, men åbner også et bredt område for aktiviteten af \u200b\u200bandre komponenter i det udførende apparat: læber, tunge, fingre. De to åndedrætsfaser (indånding og udånding) kan bruges på forskellige måder i udførelsesprocessen.

Ved naturlig fysiologisk åndedræt fra en person er indånding en aktiv handling, hvor lungerne udvides, ribbenene stiger op, membranens kuppel falder ned. Udånding er tværtimod en passiv handling: lungehulen, brystet og membranen vender tilbage til deres oprindelige position. Med fysiologisk respiration fortsætter cyklussen: indånder, udånder, pause. Professionel vejrtrækning er underordnet kunstnerens bevidsthed og involverer aktiv indånding og udånding. Indånd - kort, udånder - lang (lang).

En udånding af høj kvalitet afhænger også af den korrekte og fuldgyldige indånding.

Messingens professionelle åndedrag skal være kort fuld og ikke støjende... Det har en række specifikke forskelle fra normal menneskelig fysiologisk respiration.

• For det første kræver det maksimal brug af lungevolumen (3500-4000 milliliter luft). Med fysiologisk respiration er volumenet 500 milliliter.
• For det andet øges belastningen på åndedrætsmusklerne under professionel vejrtrækning. Det er mange gange større end med en rolig vital ånde.
• For det tredje er indånding og udånding under normal normal vejrtrækning lig med tid, dvs. vejrtrækning er rytmisk.

En person i en rolig tilstand foretager 16-18 vejrtrækningscykler på et minut. Blæseren reducerer antallet af vejrtrækninger til 3, 8 pr. Minut. Under naturlige forhold trækker en person vejret gennem næsen. Når du spiller blæseinstrumenter hovedsageligt med munden med lidt næsehjælp. Dette sikrer, at indåndingen er komplet og uden støj.

Åndedræt, når du spiller blæseinstrumenter, skal tages gennem mundens hjørner med lidt næsehjælp. Indånding gennem munden giver dig mulighed for hurtigt og stille at genopfylde lungerne med luft. Ved indånding er de ydre og interkostale muskler i brystet og mellemgulvet involveret. Derfor afhænger ensartet fyldning af lungerne med luft og ekspansion i alle retninger af brystet på udviklingen, styrken og aktiviteten af \u200b\u200bdisse muskler.

Med hensyn til mellemgulvet er denne muskel en af \u200b\u200bde stærkeste i vores krop. Sammen med vejrtrækning giver den 18 vibrationer i minuttet, mens den bevæger sig 4 centimeter op og 4 centimeter ned. Membranen gør et enormt stykke arbejde. Som en perfekt trykpumpe falder membranen med hele sit imponerende område ned under indånding og klemmer leveren, milten og tarmene og genopliver den abdominale cirkulation.

Ved indånding skal lungerne fyldes med luft fra bund til top, som en beholder med vand, hvor væsken fra starten dækker bunden og hviler på den fylder karret op til toppen. Således dannes en såkaldt luftsøjle i lungerne, som hviler på bunden af \u200b\u200blungerne, på dens base, det vil sige på membranen.

Der vil være et spørgsmål som dette: hvad er forskellen mellem menneskelig og åndedræt?

Du vil sige, at udøverens ånde på blæseinstrumentet ikke er rytmisk, og den anden mulighed er, at åndedrættet understøttes. Fjerret vejrtrækning er den rigtige vejrtrækning af slagsmanden.

Typiske ulemper ved iscenesættelse for nybegyndere

Hvis vi forestiller os processen med at undervise en musiker i form af en bygning under opførelse, så spiller forestillingen rollen som et fundament. Den korrekte indstilling tjener som grundlag for udviklingen af \u200b\u200bmusikerens udøvende færdigheder.

Praksis med at undervise unge, uerfarne musikere viser, at man skal være opmærksom på forestillingen fra de første trin. De mest almindelige mangler hos håbende musikere er relateret til forkert placering af instrumentet, hænder, fingre og hoved.

For fløjteudøvere er det mest karakteristiske instrumentets skrå position i stedet for den nødvendige lige, hvilket er en konsekvens af at sænke højre hånd. For at rette op på denne mangel skal læreren sikre, at eleven under spillet holder albuen på højre hånd lidt hævet. I dette tilfælde vil begge hænder være på det samme vandrette niveau, og fløjten ligger fladt.

Begynderoboister holder ofte instrumentet for hævet, hvilket til dels skyldes, at hagen falder for meget ned i bunden. Det er ikke svært at rette en sådan fejl - du skal bare overvåge den korrekte position af hoved og hænder, som ikke skal løftes kraftigt op.

Klarinetspilleren forskyder oftest instrumentet lidt til siden, oftere til højre end til venstre, eller de giver instrumentet en forkert lodret position (de holder det for tæt på kroppen) eller tværtimod hæver det overdrevent. Sådanne afvigelser fra normen (hvis de ikke skyldes musikerens individuelle karakteristika) bør ikke finde sted, fordi dette efterlader et vist aftryk på lydens karakter. Fra praksis er det kendt, at når klarinet vippes nedad, bliver lyden flydende og mat, og når den løftes for meget op, bliver den grovere.

For dem, der spiller kobber, er instrumentets forkerte position som følger: tryk med fingrene i fingrene, men du skal trykke med fingrene på fingrene, når du spiller kornet, hold røret til ringen. Du behøver ikke at holde på ringen, når du spiller. Ringen holdes kun, når noterne vendes, eller når du skal indsætte en lydløs. Nybegyndere franske hornspillere holder ofte forkert på klokken på instrumentet: enten sænker de det for meget eller tværtimod vender det kraftigt opad. Trombonister giver ofte instrumentet den forkerte position ved at holde vingerne nede.

Ulemperne forbundet med placeringen af \u200b\u200bfingrene på instrumentet kan være helt forskellige:

For kunstnere af træblæsere, når fingrene spiller meget ofte, hæver fingrene sig højt, trækkes unødigt til siden, ligesom de ligger på instrumentet ikke i en rundbøjet, men i en ren lige position, hvilket forårsager overdreven spænding. Den forkerte stilling af hovedet manifesteres i det faktum, at nogle musikere sænker hovedet ned på tidspunktet for spillet, hvilket resulterer i, at hagen også falder, hvilket forårsager yderligere spænding i livmoderhals- og hagesmusklerne.

En sådan skrå hovedposition kan findes blandt kunstnere på forskellige blæseinstrumenter, men oftest forekommer det: blandt trompetister, oboister, klarinettister, hornspillere... Hovedhældning til siden (til højre) er især almindelig blandt fløjtespillere, for hvem det er blevet en tradition og en dårlig vane.

Med begyndelsen af \u200b\u200blæring på instrumentet er det nødvendigt konstant at overvåge rigtigheden af \u200b\u200bafspillerens iscenesættelsesteknikker. Samtidig er det nødvendigt at sikre, at den studerende ikke kun kender bestemte metoder til rationel formulering, men også forstår fordelene ved deres praktiske anvendelse.

Det er muligt at svække kontrollen med indstillingen, når de korrekte indstillingsmetoder gør eleverne til nøjagtigt indlærte og faste færdigheder.

Oversigt over matematik lektioner:

Lærer i klassen af \u200b\u200bblæseinstrumenter.

MBOU DOD DSHI landsby Berkakit

Gryzhuk Yulia Valerievna

2018

Oversigtsplan

Ting: blæseinstrumentklasse

Klasse: 2

Erhvervstype: individuel

Lektionens emne : "Omfattende metode til undervisning i blæseinstrumenter i folkeskolen"

Uddannelsessystem brugt (teknik, teknologi)

- Læreren skaber betingelser for individets åndelige vækst, hendes behov for selvforbedring;

- En forudsætning for læring er at skabe forudsætningerne for overgangen fra uddannelse til selvuddannelse;

- Metode til fælles aktivitet i systemet: lærer - studerende; studerende - studerende; elev - forælder; lærer - forælder (lukket kredsløb).

– Læreren udvikler kreativ aktivitet hos barnet. Det er vigtigt at bestemme de studerendes evner, fokus, potentiale, hans liv og faglige orientering og styre hans udvikling. Læreren bruger også aktive former og metoder til undervisning og opdragelse, en aktivitetsbaseret tilgang til læring, bevægelse og udvikling baseret på personlig erfaring for at forstå og akkumulere ny erfaring og viden.

Sundhedsbesparende teknologi;

Spilteknologi;

Personcentreret teknologi med en differentieret tilgang;- udviklingsuddannelse

Kunstnerisk.

Metodiske materialer:

Gotsdiner G. Musical Psychology - M., 1987.

Skok G. Sådan analyseres din egen pædagogiske aktivitet - M., 2000.

Kirnarskaya D. Musikale evner. - "Talenter-XXI århundrede".

Berger N. Moderne koncept og metoder til undervisning i musik - S.-P., 2004. Ginzburg L. Om arbejde på et stykke musik-M.1977.

Kryukova V. Musikalsk pædagogik. Rostov ved Don 2002.

Mühlberg K. Teoretiske fundamenter for at lære at spille træblæsere. Kiev, 1985.

Platonov P. Spørgsmål om undervisningsmetoder til at spille blæseinstrumenter. - M., 1978.

Rozanov V. Grundlæggende om undervisningsmetoder og afspilning af blæseinstrumenter. - M., 1988.

Kryuchkov A. Grundlæggende om at udføre vejrtrækning, når man spiller blæseinstrumenter for studerende på grundskole og sekundær specialuddannelse. M., 1985

Tekniske hjælpemidler (hvis brugt i lektionen)

En liste over lyd- og videooptagelser, visuelle hjælpemidler osv., Der bruges i lektionen.

Lektionsudstyr :

lektionsplan;

to saxofoner (en til læreren);

klaver;

musikstand;

musikalsk materiale;

didaktisk materiale (kort med opgaver, børnetegninger).

Lektionens mål :

Uddannelsesmæssigt :

Dannelse af grundlæggende færdigheder, når du mestrer saxofonens spil:

1.Confident lukning af ventiler med fingre i begge hænder, fleksibilitet af fingre

for nogle fingering;

2. undervisning i den korrekte "gratis" indstilling af labialapparatet

(embouchure);

3. korrekt brug af at udføre åndedræt, når du spiller;

Udvikling:

Udvikling af færdigheder i uafhængigt og kreativt arbejde fra de første lektioner

musik;

Udvikling af hørelse, hukommelse, rytme, musikalsk tænkning;

Udvikling af grundlæggende færdigheder, mens du mestrer saxofonen.

Udviklingen af \u200b\u200bet generelt syn, udviklingen af \u200b\u200bvilje og kontrol med ens adfærd.

Uddannelsesmæssigt:

Uddannelse af æstetisk smag.

- uddannelse af udholdenhed og hårdt arbejde.

Lektionsmål:

forberedelse af en følsom, uddannet musiker - orkester- og kammerartist samt en solist, der er velbevandret i de instrumenter, der ligger i sit instrument, og som er i stand til at afsløre indholdet af musikværker for publikum;

lær at lytte og høre dig selv under forestillingen.

Metoder og teknikker til gennemførelse af opgaverne:

Observation;

Høring;

Praktisk;

Visuel;

forventet resultat :

- konsolidering af de indledende færdigheder i at spille saxofon i kombination med

forbedring af kroppens fysiske og psykologiske tilstand.

- lære at spille instrumentet frit

Mestre hovedopgaverne i spilteknologien.

At få erfaring i analytisk arbejde under udførelse af etuder, skalaer,

øvelser og leg

Hoveddelen af \u200b\u200blektionen:

"Omfattende metode til undervisning i blæseinstrumenter i folkeskolen."

1. Introduktion: Lær instrumentet at kende

Saxofonen er et relativt ungt instrument, hvis opfinder var den talentfulde musikmester, den belgiske Adolph Sachs (1814-1894). Efter en lang søgning og eksperimentering formåede han at lave den første kopi af et usædvanligt musikinstrument, der fik navnet på sin opfinder. Dette skete omkring 1840. Sachs var den første til at optræde foran et publikum og demonstrerede alle saxofonens dyder med hans spil.

Senere udviklede Sachs sin konstruktive idé, som fik ham til at skabe en hel familie af saxofoner. Han skabte den første familie til brug i et opera- og symfoniorkester og den anden i et brassband. Desuden modtog hver type saxofon sit navn i overensstemmelse med de accepterede navne på sangstemme: sopranino, sopran, alt, tenor, baryton og bas. Saksofoner fra den første gruppe stod ikke tidstesten og gav plads til instrumenter fra den anden familie. Det er på dem, saxofonister spiller i dag på en koncertscene, i et orkester, et ensemble.

De første til at føle skønheden ved saxofonklang, primært som medlem af operaen og symfoniorkestret, var de fremragende franske komponister fra det 19. århundrede G. Berlioz, A. Thomas, J. Bizet, J. Massenet, JI. Delibes, C. Saint-Saens, V. d'Andy og andre. Det var de, der forventede saxofonens fremtid og udsigten til dens deltagelse i forskellige akademiske former og genrer inden for musikalsk kunst. Især mange fremragende kompositioner til saxofon blev oprettet i det 20. århundrede. Musik blev skrevet til ham af A. Glazunov, K. Debussy, F. Schmitt, J. Ibert, P. Hindemith, P. Creston, E. Vila-Lobos, A. Jolivet, G. Dubois, E. Bozza, E. Denisov, A. Eshpai og andre. Ud over solo- og orkestervirksomhed er ensemblets form for at spille saxofon blevet udbredt. Ud over værker, der er specielt skrevet til saxofon, inkluderer repertoiret for kunstnere mange arrangementer og transkriptioner af klassisk musik, som også afslører instrumentets naturlige evner.

Saxofonister opnåede store bedrifter inden for jazzmusik, hvor instrumentet havde en førende position i lang tid.

Saxofonen tilhører gruppen af \u200b\u200btræblæsere og har et komplekst design. Den består af tre hoveddele: et mundstykke meden stok, et mundstykke og et legeme med et udviklet system med ventilhåndtagsmekanisme. Enden på værktøjsrøret har form af en opadvendt klokke.

En vigtig del af saxofonen ermundstykke, som tilsyneladende er en hul næbformet cylinder. Den er lavet af gummi, ebonit, plexiglas eller en speciel legering af metaller. Mundstykket har stor indflydelse på instrumentets lyd eller rettere lydens farve. Mundstykket er let at glide på og af mundstykket

2. Rationel indstilling.

For at kunne mestre teknikken til at spille saxofon, især i den indledende fase af træningen, skal en fremtidig musiker først og fremmest forstå de grundlæggende regler for iscenesættelse efterfulgt af deres implementering i processen med individuelt arbejde.

Begrebet "iscenesættelse" betyder et sæt regler for den rationelle position og interaktion mellem alle komponenter i musikerens udøvende apparat (ånde, læber, fingre, hænder osv.). Rationel iscenesættelse hjælper saxofonisten med mindst mulig indsats og tid til at opnå resultater af høj kvalitet i spillet for at undgå unødvendig yderligere muskelspænding. Opgaven med korrekt præstation er at fremme en effektiv, disciplineret tilrettelæggelse af lektioner på instrumentet, hvor valget af teknikker, metoder og tempo i arbejdet skal foretages under hensyntagen til niveauet og varigheden af \u200b\u200bmusikeruddannelsen samt hans individuelle evner.

Rationel indstilling inkluderer følgende elementer:

1. Generel indstilling - en behagelig måde at holde saxofon i dine hænder, den korrekte position af kroppen, hoved, hænder, fingre og tæer.

2. Indstilling af udførelse af vejrtrækning - metoder til frivillig kontrol af vejrtrækning og reglerne for ændring af åndedræt under spillet.

3. Placering af ørepuden - mundstykkets mest hensigtsmæssige placering på læberne, formen og arten af \u200b\u200børepudens virkning og underkæben.

4. Artikulationsindstilling - tungens position, mundhulenes form.

5. Fingering - indstilling af fingrene på instrumentet, tilrettelæggelse af præcise, koordinerede, stabile reflekser, frie og økonomiske handlinger i fingerapparatet.

Den vigtigste forudsætning for dannelsen af \u200b\u200bfærdighederne i saxofonistens udførende teknik er overholdelse af de krav, der sikrer den generelle spilleindstilling. De koger ned til følgende punkter.

Saxofonistens krop og hoved skal holdes lige og lige uden nogen afvigelser til siderne og vippes frem og tilbage. Spillestillingen skal være naturlig, afslappet, uanset om saxofonisten øver på instrumentet, mens han står eller sidder. I dette tilfælde skal brystet være let hævet, og skuldrene skal udvides. Dette vil give åndedrætsmusklerne mere frihed til at arbejde.

God støtte på dine fødder hjælper med at opretholde den korrekte kropsholdning, når du spiller mens du står. For at gøre dette er det bedre at sprede dem fra hinanden til føddernes bredde, folde sokkerne ud og skubbe venstre ben lidt fremad. Når du spiller mens du sidder, anbefales det at sidde lodret på halvdelen af \u200b\u200bstolen uden støtte på ryggen. Det er strengt forbudt at krydse dine ben, mens du gør dette. Altsaxofonen placeres i hænderne skråt langs kroppen og hviler med den nederste bøjning af røret på spillerens højre lår. For at tilpasse sig saxofonens stabile position giver en speciel rem med karabinhage dig mulighed for at indstille den krævede højde på instrumentets ophæng.

Det behagelige greb om mundstykkets læber med et rør justeres ved at dreje mundstykket på mundstykket uden at ændre hovedets position.

For den generelle iscenesættelse af saxofonisten trækkes højre albue noget tilbage, væk fra kroppen. Fingrene placeres på hovedtasterne (perlemor) i en afstand af ca. en centimeter fra overfladen. De skal være (med undtagelse af tommelfingrene) i en afrundet, afslappet tilstand, og i bøjningsområdet for den første og anden falang skal de nærme sig den lodrette position. Tasterne og håndtagene berøres med puderne på fingrene uden øget tryk med noget fremskridt for lydangrebet. Når du trykker med pegefingrene på sideventilerne, skal små hænder bevæges sammen. Håndledets naturlige tilstand, som sammen med hænderne på hænderne danner en lige linje, bidrager til den korrekte placering af fingrene. Når fingrene på venstre hånd berører sideventilerne, er der noget hængende i håndleddet.

Vejrtrækningsteknik .

I processen med den konsekvente udvikling af den individuelle teknik til at spille saxofon er formuleringen af \u200b\u200bprofessionel, dvs. udøvelse, vejrtrækning af særlig betydning.

Den professionelle vejrtrækning af en saxofonist er en specifik vejrtrækning: ud over den fysiologiske funktion (kontinuerlig gasudveksling) udfører den funktionen til rettidig lufttilførsel til instrumentet. Denne vejrtrækning er baseret på dygtigheden af \u200b\u200bsaxofonistens frivillige kontrol med indåndings- og udåndingsfaserne. Begge vejrtrækningsfaser er sammenkoblet og fortsætter under deres egne specielle forhold: en hurtig, kort indånding og en lang, ensartet udånding. Den største vanskelighed ved den udførende vejrtrækningsteknik er koordineringen af \u200b\u200bde to vejrtrækningsfaser. Dygtig brug af åndedrætsmuskulaturens naturlige fleksibilitet og brug af en rationel vejrtrækning hjælper saxofonisten med at overvinde denne vanskelighed.

Når du spiller saxofon, sker indånding hurtigt og lydløst gennem mundens hjørner og delvist gennem næsen. Under indånding bør saxofonisten ikke trække for meget luft for at undgå overdreven spænding i åndedrætsmusklerne. Det er også nødvendigt at sikre, at skuldrene ikke hæver sig ved indånding. Inspirationshastigheden skal svare til den tildelte tid til åndedrætsskift: jo kortere pause, desto hurtigere indåndes og omvendt.

Der er to typer vejrtrækning - diafragmatisk og abdominal.

Diafragmatisk vejrtrækning er kendetegnet ved aktiv bevægelse af mellemgulvet og nedre ribben. Det bruges normalt når man spiller korte musikalske konstruktioner, eller når saxofonisten har lidt tid til at inhalere. Og omvendt - når der er tilstrækkelig tid til reproduktion af en inhalation, ty de ty til en dyb form for vejrtrækning - abdominal vejrtrækning, hvilket gør det muligt at udføre lange musikalske sætninger uden tvungen overbelastning.

Udviklingen af \u200b\u200bvejrtrækningsteknik kan udføres på to måder: uden et instrument og i gang med at spille det.

Den første metode er af hjælpekarakter. Det er baseret på opførelsen af \u200b\u200bsaxofonisten af \u200b\u200bforskellige komplekser af generelle fysiske og specielle åndedrætsøvelser, som positivt bidrager til kroppens generelle vitalitet og styrken af \u200b\u200båndedrætssystemet. Særligt nyttigt er åndedrætsøvelser for en nybegynder saxofonist, der giver ham muligheden for hurtigt at tilegne sig færdigheden med bevidst kontrol over inhalationsfrekvensen og dybden, forholdet mellem varigheden af \u200b\u200bindånding og udånding og graden af \u200b\u200bspænding i zonen af åndedrætsstøtten.

Den anden måde, hvorpå vejrtrækningsteknikken udvikler sig, er den vigtigste. Det er kendetegnet ved systematisk afspilning af kontinuerlige lyde i forskellige dynamiske nuancer samt udførelse af langsom musik og naturligvis forskellige typer øvelser.

Ditto sprænger noten medf på s og tilbage. Afspiller lange toner i oktaver.

3. Lydudvinding. Dannelse af ørepuden.

Når du spiller saxofon, udføres de mest subtile og komplekse handlinger af formede og trænede læber på en bestemt måde. Sættet af labiale og ansigtsmuskler involveret i lydproduktion og deres karakteristiske position omkring mundstykket med en stok danner et specielt fysiologisk kompleks - en ørepude (frafransk ordene bouche - mund og emboucher - at lægge til munden. For den korrekte indstilling af ørepuden skal følgende betingelser være opfyldt:

1. Træk vejret dybt uden at løfte dine skuldre.

2. Stik underlæben let over de nederste tænder.

3. øverste tænder sættes tæt på mundstykket i midten, luk kæberne.

4. Hold dine læber i et halvt smil.

5. læg tungen under sukkerrøret og blæse luften stille, mens du samtidig trækker tungen indad og nedad, mens du ikke puster dine kinder ud.

6. træk lyden, overvåg ensartetheden af \u200b\u200bintonationen.

Den første lyd kommer på mundstykket, og først når intonationen bliver stabil, begynder lektionerne på instrumentet. Til træning af labialapparatet er som regel øvelser til udvikling af vejrtrækningsteknikker egnede. Også i den indledende fase af træningen trænes labialmuskulaturens elasticitet på enkle etuder:

Da ørepudens motoriske færdigheder er konsolideret, styrke og udholdenhed vises i læberne, kan du komplicere træningsøvelser, gå videre til at mestre instrumentets ekstreme registre.

Indstillingen af \u200b\u200børepuden er uadskillelig fra den auditive forhør af kvaliteten af \u200b\u200bden lyd, der ekstraheres. Muskelhukommelse og hørelse interagerer på samme tid og leverer således saxofonens lyd i forskellige registre, der er nødvendige i klang, dynamik og intonation. Ambushur koordinerer sit arbejde med andre afdelinger i saxofonistens udførende apparater og forener sig med dem i en kompleks lydskabende kæde.

Saxofonisten skal konstant overvåge læbenes tilstand, beskytte dem mod forskellige skader, chapping. Hvis underlæben er skåret med tænder, kan du bruge tandpuder lavet af papir, bomuldsuld, elastikbånd eller bestille en speciel pude fra tandlæger.

Lydangreb.

Når du spiller saxofon, udføres begyndelsen af \u200b\u200blydekstraktion på forskellige måder forbundet med den samtidige bevægelse af tungen og den udåndede luftstrøm. Dette første øjeblik med lydproduktion kaldes lydangreb. Saxofonisten bør lægge særlig vægt på angrebet, da det karakteriserer den individuelle udførelsesmetode for at udtale lyden.

Lydangrebet tilvejebringes af det aktive arbejde af en hel gruppe af tungenes muskler, som, når de er trukket sammen, ændrer tungenes konfiguration: gør den flad eller fortykket, afslappet eller tæt.

Før starten af \u200b\u200blydekstraktion er tungen i den forreste position og berører den indvendige side af muskel "pude" i underlæben og den øverste del af sukkerrøret.

intonationsstabilitet og tonekvalitet.

Konsolidering af denne indledende præstationsevne kan udføres gennem arbejde på en særlig øvelse, for eksempel:

4. Teknik i spillet.

Af stor betydning for den individuelle tilpasning af saxofonisten til hans instrument er udviklingen af \u200b\u200bforskellige konstant interagerende bevægelser af begge hænder, hvilket giver den nødvendige kontakt med saxofonens ventilarmmekanisme.

Saxofonistens fingerteknik antager evnen til at spille hurtigt, klart, koordineret og stressfrit. Denne kvalitet opnås i en bestemt rækkefølge (fra enkel til kompleks) og under betingelse af lange og tankevækkende undersøgelser. Fingrenes arbejde er i overensstemmelse med den legende funktion af vejrtrækning, ørepuder, artikulationsapparat og hørelse.

Dannelsen af \u200b\u200bfingerapparatets spillefærdigheder har følgende generelle love:

1. I den indledende fase af arbejdet med digitale motoriske færdigheder dannes motoriske færdigheder gradvist på basis af en gentagende cyklus af øvelser, dvs. konsolidering af refleksstereotypen af \u200b\u200bbevægelser.

2. På det næste trin af teknisk arbejde finder man en stabilisering af motorikens færdigheder, fingrene bevæges en variabel karakter: når intonationen, dynamikken og klangforholdene i spillet ændres, kan de udføre handlinger med forskellige fingeringskombinationer, og i tilfælde af fremmede eksterne stimuli virker fingrene stabilt uden forstyrrelser og nedbrud i fingrene.

3. Afhængigt af afspilningssituationer kan disse eller disse huskede fingrebevægelser, uanset hvor godt de er automatiseret, udføres enten ubevidst eller bevidst.

4. Refleksstyrkning af færdigheder opnås bedst, når man arbejder på teknisk materiale i langsomt tempo gennem flere gentagelser, hvis antal skal være optimalt og individuelt for hver saxofonist.

5. Under overgangen fra den indledende fase af automatisering af bevægelser til yderligere forbedring af fingerflydning, sænkes konsolideringen af \u200b\u200bmotorisk færdighed noget, mens væksten af \u200b\u200bden udførende teknik sker i spring - med stigninger og forsinkelser.

I processen med at arbejde med fingerteknikken udvikler saxofonisten en specifik muskelmotorisk følsomhed, som gør det muligt nøjagtigt at koordinere fingrenes motoriske handlinger i rumlige, tidsmæssige og fingering forhold. Det er nødvendigt at udvikle fingerteknik på følgende øvelser:
Når man spiller forskellige øvelser, skalaer og etoder, er hovedopgaven for en nybegynder saxofonist at placere spilleapparatet frit (hænder, fingre, ørepuder, vejrtrækning).

5. analyse af resultatet af lektionen:

Hovedmålene og målene med lektionen var at lære barnet at spille instrumentet korrekt. Barnet har mestret de oprindelige principper for opsætning af hele apparatet som helhed: dette er, hvordan man holder instrumentet korrekt, hvordan det er nødvendigt at holde hovedet og kroppen på samme tid, hvordan det labiale apparat og fingrene skal fungere. Barnet ved også i hvilken rækkefølge det vil blive engageret, hvilke øvelser til udvikling af visse typer teknikker, han vil bruge i træningsprocessen. De færdigheder, der er erhvervet i den indledende lektion, skal udvikles og vedligeholdes gennem hele læringsprocessen på musikskolen.

Former til kontrol af den studerendes lektier:

Huset bliver spurgt:

1.Afspilning af lange lyde i direkte rækkefølge - 10 minutter. Afspilning af skalaen adskilt i lektionen.

2. Uafhængig analyse af etuden.

3. arbejde på arbejdet, udføre de opgaver, der er angivet i lektionen.