De mest berømte malerier i verden. Den mest berømte og betydningsfulde for historien om kunstmalerier i verden "Den sidste dom", Hieronymus Bosch

Leonardo di ser Piero da Vinci (15. april 1452 – 2. maj 1519) var en berømt italiensk maler, arkitekt, filosof, musiker, forfatter, opdagelsesrejsende, matematiker, ingeniør, anatom, opfinder og geolog. Kendt for sine malerier, hvoraf de mest berømte er Nadveren og Mona Lisa, samt talrige opfindelser, der var langt forud for deres tid, men som kun forblev på papiret. Derudover ydede Leonardo da Vinci et vigtigt bidrag til udviklingen af ​​anatomi, astronomi og teknologi.

Raphael Santi (28. marts 1483 – 6. april 1520) var en stor italiensk maler og arkitekt aktiv under renæssancen, og dækkede perioden fra slutningen af ​​det 15. århundrede til de tidlige år af det 16. århundrede. Traditionelt betragtes Raphael som en af ​​de tre store mestre i denne periode sammen med Michelangelo og Leonardo da Vinci. Mange af hans værker er i det apostoliske palads i Vatikanet, i et rum kaldet Rafaels stanza. Her er blandt andet hans mest berømte værk - "The School of Athens".

Diego Rodriguez de Silva y Velázquez (6. juni 1599 – 6. august 1660) var en spansk maler, portrætmaler, hofmaler for kong Filip IV, den største repræsentant for den spanske malerkunsts guldalder. Ud over talrige malerier, der skildrer historiske og kulturelle scener fra fortiden, malede han mange portrætter af den spanske kongefamilie samt andre berømte europæiske figurer. Det mest berømte værk af Velasquez er maleriet "La Meninas" (eller "Familie af Philip IV") fra 1656, placeret i Prado-museet i Madrid.

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuseno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz og Picasso (25. oktober 1881 – 8. april 1973) er en verdensberømt spansk kunstner og billedhugger, grundlæggeren af ​​retningen i fine kunst - kubisme. Betragtes som en af ​​de største kunstnere, der påvirkede udviklingen af ​​billedkunst i det 20. århundrede. Eksperter, blev anerkendt som den bedste kunstner blandt dem, der har levet i løbet af de sidste 100 år, såvel som den mest "dyre" i verden. I løbet af sit liv skabte Picasso omkring 20 tusinde værker (ifølge andre kilder, 80 tusind).

Vincent Willem van Gogh (30. marts 1853 – 29. juli 1890) var en berømt hollandsk maler, som først opnåede berømmelse efter sin død. Ifølge mange eksperter er Van Gogh en af ​​de største kunstnere i europæisk kunsts historie, såvel som en af ​​de mest fremtrædende repræsentanter for post-impressionismen. Forfatter til mere end 2.100 kunstværker, herunder 870 malerier, 1.000 tegninger og 133 skitser. Hans talrige selvportrætter, landskaber og portrætter er blandt de mest genkendelige og dyre kunstværker i verden. Det mest berømte værk af Vincent van Gogh betragtes måske som en serie malerier kaldet "Solsikker".

Michelangelo Buonarroti (6. marts 1475 – 18. februar 1564) er en verdensberømt italiensk billedhugger, kunstner, arkitekt, digter og tænker, der satte et uudsletteligt aftryk på hele verdenskulturen. Det mest berømte værk af kunstneren er måske freskoerne på loftet i Det Sixtinske Kapel. Blandt hans skulpturer er de mest berømte "Pieta" ("Kristi klagesang") og "David". Af arkitekturens værker - udformningen af ​​kuplen til Peterskirken. Interessant nok blev Michelangelo den første repræsentant for vesteuropæisk kunst, hvis biografi blev skrevet i løbet af hans levetid.

På fjerdepladsen i ranglisten over de mest berømte kunstnere i verden er Masaccio (21. december 1401-1428) - en stor italiensk kunstner, som havde en enorm indflydelse på andre mestre. Masaccio levede et meget kort liv, så der er få biografiske beviser om ham. Kun fire af hans fresker har overlevet, som uden tvivl er Masaccios værk. Andre menes at være blevet ødelagt. Masaccios mest berømte værk er Treenighedsfresken i kirken Santa Maria Novella i Firenze, Italien.

Peter Paul Rubens (28. juni 1577 – 30. maj 1640) var en flamsk (sydhollandsk) maler, en af ​​barokkens største kunstnere, kendt for sin ekstravagante stil. Betragtes som den mest alsidige kunstner i sin tid. I sine værker understregede og legemliggjorde Rubens farvernes vitalitet og sanselighed. Han malede talrige portrætter, landskaber og historiske malerier med mytologiske, religiøse og allegoriske emner. Det mest berømte værk af Rubens er triptykonen "Descent from the Cross" skrevet i perioden fra 1610 til 1614 og bragte kunstneren verdensomspændende berømmelse.

Michelangelo Merisi da Caravaggio (29. september 1571 – 18. juli 1610) var en stor italiensk kunstner fra den tidlige barokperiode, grundlæggeren af ​​europæisk realistisk maleri i det 17. århundrede. I sine værker brugte Caravaggio dygtigt kontrasterne mellem lys og skygge med fokus på detaljer. Ofte afbildet almindelige romere, folk fra gader og markeder i billeder af helgener og madonnaer. Eksempler er "The Evangelist Matthew", "Bacchus", "Conversion of Saul" osv. Et af de mest berømte malerier af kunstneren er "The Lute Player" (1595), som Caravaggio kaldte det mest succesrige stykke maleri for ham. .

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) var en berømt hollandsk maler og gravør, der anses for at være den største og mest berømte kunstner i verden. Forfatter til omkring 600 malerier, 300 raderinger og 2 tusinde tegninger. Dens karakteristiske træk er en mesterlig leg med lyseffekter og dybe skygger. Rembrandts mest berømte værk er det fire meter lange maleri "Night Watch", skrevet i 1642 og nu opbevaret i Amsterdams statsmuseum.

Torsdag den 8. december 2016 kl. 11:56 + for at citere

britiske avis The Times rangeret Top 200 kunstnere som levede fra begyndelsen af ​​det 20. århundrede til i dag.

Som et resultat, ifølge britiske læsere, første plads besat af den store spanske kunstner Pablo Picasso.

Andenplads givet til post-impressionist Paul Cezanne, den tredje - grundlæggeren af ​​den østrigske Art Nouveau Gustav Klimt. Den sidste linje er besat af en nutidig japansk kunstner Hiroshi Sujimoto.

Franske kunstnere optræder i top ti Claude Monet, Henri Matisse, Marcel Duchamp og amerikansk kunstner Jackson Pollock.
Top ti er lukket af legenden om popkunst Andy Warhole, repræsentant for abstraktionismen Willem de Kooning og berømt modernist Piet Mondrian.
Det er umuligt ikke at bemærke overvurderingen af ​​nogle kunstneres vurdering og ignorere andre, ikke mindre talentfulde. Redaktionen af ​​The Times, der opsummerer resultaterne af undersøgelsen, er forvirrede: "Hvad laver Martin Kippenberger i top 20? Hvorfor er han vurderet højere end Rothko, Schiele og Klee? Er Munch (46.) værre end Frida Kahlo? Mest sandsynligt skyldes dette kvinders ønske om at placere det retfærdige køn så højt som muligt på ranglisten.

Fra russiske kunstnere optræder i ranglisten Basilikum Kandinsky(15.), skaberen af ​​Den Sorte Firkant "Casimir Malevich(17.). 95. markerede den ukrainsk-amerikanske kunstner Alexander Archipenko. 135. - en af ​​grundlæggerne af konstruktivismen Alexander Rodchenko. Også inkluderet på listen Mark Shagal-71., og Vladimir Tatlin- 145.

Her 20 bedste kunstnere i det XX århundrede, ifølge britiske kunstelskere

Tyve bedste kunstnere fra det XX og begyndelsen af ​​det XXI århundrede

1. Pablo Picasso

2. Paul Cezanne

3. Gustav Klimt

4. Claude Monet

5. Marcel Duchamp

6. Henri Matisse

7. Jackson Pollock

8. Andy Warhol

9. Willem de Kooning

10. Piet Mondrian

11. Paul Gauguin

12. Francis Bacon

13. Robert Rauschenberg

14. Georges Braque

15. Wassily Kandinsky

16. Constantin Brancusi

17. Kazimir Malevich

18. Jasper Johns

19. Frida Kahlo

20. Martin Kippenberger
………………
Ja, hvis en sådan undersøgelse blev gennemført i vores land, ville listen være en helt anden. Samt listerne over de bedste litterære værker - i hvert land adskiller de sig betydeligt.
Men indtil videre har vi kun denne liste, hvor vi ikke kender mange kunstnere.
Derfor - her er en kort historie om de første tyve kunstnere.
En komplet liste 200 bedste kunstnere i det 20. og begyndelsen af ​​det 21. århundrede- sidst i indlægget.
...................
1.Picasso Pablo- Spansk kunstner, grafiker

8. Andy Warhol(rigtige navn - Andrew Warhola, Rusyn. Andriy Vargola; 1928-1987) er en amerikansk kunstner og producer, en bemærkelsesværdig person i popkunstens historie og moderne kunst generelt. Grundlægger af "homo universale" ideologien.
Warhol skabte flere malerier, der blev en sensation i kunstverdenen. I 1960 skabte han designs til dåser med Coca-Cola, hvilket bragte ham berømmelse som kunstner med en ekstraordinær vision for kunst. Og i 1960-1962 dukkede en cyklus af værker op, der forestillede dåser med Campbells suppe.


Warhol en af ​​de første til at bruge serigrafi og silketryk som en metode til at skabe malerier.
Warhol skabte en række malerier, hvor han skildrede det moderne samfunds idoler. Blandt stjernerne, som Andy malede: tilbagevendende Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor, The Beatles, Michael Jackson, Lenin og andre. Disse tegninger i klare farver blev Warhols varemærke. genskabe atmosfæren i Amerika i 60'erne.


Ifølge kritikere afspejlede disse malerier masseforbrugskulturens vulgaritet, den vestlige civilisations mentalitet. Warhol er rangeret blandt repræsentanter for popkunst og konceptuel kunst, såsom Robert Rauschenberg, Jasper Johns og Roy Lichtenstein. I øjeblikket når priserne for hans malerier op på titusinder af millioner af dollars. En hel subkultur har samlet sig omkring figuren Warhol.

I 2015 blev maleriet solgt til Qatari Museum Authority for 300 millioner dollars. 287\237\225

12. Francis Bacon-(1909-1992) - Engelsk kunstner- ekspressionistisk. Bacons maleri er altid udtryksfuldt, det er en slags råb, der formidler tilværelsens tragedie. Hovedtemaet i hans arbejde er den menneskelige krop - forvrænget, langstrakt, indesluttet i geometriske former. Flere værker er med på listen over de dyreste malerier.

Den 14. maj 2008 blev Francis Bacons 1976 Landmark of the Canonical 20th Century triptykon solgt hos Sotheby's for 86,3 millioner dollars. Solgt af Muy-familien, ejere af Château Pétrus vinproduktion, til den russiske milliardær Roman Abramovich. Og maleren modtog titlen som den dyreste efterkrigskunstner og indtog en tredjeplads i top ti over dyreste kunstnere i verden generelt, næstefter Picasso og Klimt. 180\122\96

13.Robert Rauschenberg(1925, Port Arthur -2008, Captiva Island, Florida) er en amerikansk kunstner. En repræsentant for abstrakt ekspressionisme, og derefter konceptuel kunst og popkunst, i sine værker graviterede han mod teknikken med collage og færdiglavet, brugt skrald.
Som andre repræsentanter for popkunst forsøgte han at udtrykke sin vision af verden i usædvanlige, chokerende former. Til dette blev der brugt lærreder, collager, installationer.
I begyndelsen af ​​50'erne gennemgik Rauschenberg tre stadier af at skabe malerier:
"Hvidt maleri" - sorte tal og nogle symboler er afbildet på en hvid baggrund.
"Sort maleri" - stumper af aviser blev klistret på lærredet, og alt dette var dækket med sort emalje.
"Rødt maleri" - abstrakte lærreder i røde toner, dels med klistermærker fra aviser, negle, fotografier mv.
I 1953 slettede Rauschenberg en tegning af Willem de Kooning og udstillede den under titlen "Erased De Kooning Drawing", hvilket rejste spørgsmålet om kunstens natur.

Siden midten af ​​50'erne har Rauschenberg skabt rumlige objekter, som han kalder "kombinerede malerier", for eksempel:
"Odalisque" (satinpude, fyldt kylling, fotografier og reproduktioner)
"Bed" - en seng sprøjtet med maling og placeret lodret ...


I slutningen af ​​50'erne mestrede han frottage-teknikken (gnidning introduceret i kunsten af ​​Max Ernst) til at overføre magasinfotografier til papir. Rauschenberg brugte det til at skabe en grafisk cyklus på 34 illustrationer til Dantes Inferno i pop art-stilen. I 1962 mestrede han silketryksteknikken og skabte en række store værker i den. Et af malerierne i denne serie vej til himlen» ( himmel måde, 1964). På den sameksisterer popkulturelle symboler (for eksempel amerikanske astronauter) med billeder af Rubens.

Rauschenberg er ejer af mange priser, herunder: hovedprisen på Venedig Biennalen, Grammyen, USA's National Medal, Imperial Prize of Japan og andre.
I 60'erne og 70'erne var Rauschenberg involveret inden for performance, happenings og andre teatralske aktioner.

1 Pablo Picasso 21587
2 Paul Cezanne 21098
3 Gustav Klimt 20823
4 Claude Monet 20684
5 Marcel Duchamp 20647
6 Henry Matisse 17096
7 Jackson Pollock 17051
8 Andy Warhol 17047
9 Willem de Kooning 17042
10 Piet Mondrian 17028
11 Paul Gauguin 17027
12 Francis Bacon 17018
13 Robert Rauschenberg 16956
14 Georges Braque 16788
15 Wassily Kandinsky 16055
16 Constantin Brancusi 14224
17 Kazimir Malevich 13609
18 Jasper Johns 12988
19 Frida Kahlo 12940
20 Martin Kippenberger 12784
21 Paul Klee
22 Egon Schiele
23 Donald Judd
24 Bruce Nauman
25 Alberto Giacometti
26 Salvador Dali
27 Auguste Rodin
28 Mark Rothko
29 Edward Hopper
30 Lucian Freud
31 Richard Serra
32 René Magritte
33 David Hockney
34 Philip Gaston
35 Gary Cartier-Bresson 8779
36 Pierre Bonnard
37 Jean-Michel Basquiat
38 Max Ernst
39 Diane Arbus
40 Georgia O'Keefe
41 Cy Twombly
42 Max Beckmann
43 Barnet Newman
44 Giorgio de Chirico
45 Roy Lichtenstein 7441
46 Edvard Munch
47 Pierre August Renoir
48 mænd Ray
49 Henry Moore
50 Cindy Sherman
51 Jeff Koons
52 Tracey Emin
53 Damien Hirst
54 Yves Klein
55 Henry Russo
56 Chaim Soutine
57 Archil Gorki
58 Amadeo Modigliani
59 Umberto Boccioni
60 Jean Dubuffet
61 Eva Hesse
62 Edward Villard
63 Carl Andre
64 Juan Gris
65 Lucio Fontana
66 Franz Kline
67 David Smith
68 Joseph Beuys
69 Alexander Calder
70 Louise Bourgeois
71 Marc Chagall
72 Gerhard Richter
73 Balthus
74 Joan Miro
75 Ernst Ludwig Kirchner
76 Frank Stella
77 Georg Baselitz
78 Francis Picabia
79 Jenny Saville
80 Dan Flavin
81 Alfred Stiglitz
82 Anselm Kiefer
83 Matthew Burney
84 Georges Gros
85 Bernd og Hilla Becher
86 Sigmar Polke
87 Bryce Marden
88 Maurizio Catellan
89 Saul Levitt
90 Chuck Close 2915
91 Edward Weston
92 Joseph Cornell
93 Karel Appel
94 Bridget Riley
95 Alexander Archipenko
96 Anthony Caro
97 Richard Hamilton
98 Clifford Still
99 Luc Tuymans
100 Oldenburg klasse
101 Eduardo Luigi Paolozzi
102 Frank Auerbach
103 Dinos og Jake Chapman
104 Marlene Dumas
105 Antona Tapies
106 Giorgio Morandi
107 Walker Evans
108 Nan Goldin
109 Robert Frank
110 Georges Rouault
111 Arp Hans
112 August Afsender
113 James Rosenquist
114 Andreas Gursky
115 Eugene Atget
116 Jeff Wall
117 Ellsworth Kelly
118 Bill Brandt
119 Christo og Jean-Claude
120 Howard Hodgkin
121 Joseph Albers
122 Piero Manzoni
123 Agnes Martin
124 Anish Kapoor
125 L. S. Lowry
126 Robert Motherwell
127 Robert Delaunay
128 Stuart Davis
129 Ed Ruscha
130 Gilbert og George 2729
131 Stanley Spencer
132 James Ensor
133 Fernand Ledger
134 Brassai (Gyula Halas)
135 Alexander Rodchenko
136 Robert Ryman
137 Ed Reindhard
138 Hans Belmer
139 Isa Genzken
140 Kees van Dongen
141 Weegee
142 Paula Rego
143 Thomas Hart Benton
144 Hans Hoffmann
145 Vladimir Tatlin
146 Odilon Redon
147 George Segal
148 Jörg Imendorff
149 Robert Smithson
150 Peter Doig 2324
151 Ed og Nancy Kienholz
152 Richard Prince
153 Ansel Adams
154 Naum Gabo 2256
155 Diego Rivera 2239
156 Barbara Hepworth 2237
157 Nicola de Stael 2237
158 Walter de Maria 2229
159 Felix Gonzalez-Torres 2228
160 Giacomo Balla 2225
161 Ben Nicholson 2221
162 Anthony Gormley 2218
163 Lionel Feininger 2216
164 Emil Nolde 2213
165 Mark Wallinger 2211
166 Hermann Nietzsch 2209
167 Paul Signac 2209
168 Jean Tigli 2209
169 Kurt Schwitters 2209
170 Grayson Perry 2208
171 Julian Schnabel 2208
172 Raymond Duchamp-Villon 2208
173 Robert Gobert 2208
174 Duane Hanson 2208
175 Richard Diebenkorn 2207
176 Apex Katz 2207
177 Alighiero Boetti 2206
178 Godier-Brzeska Henri 2206
179 Laszlo Moholy-Nagy 2205
180 Jacques-Henri Lartigue 2205
181 Robert Morris 2205
182 Sarah Lucas 2204
183 Yannis Kounellis 2204
184 Chris Barden 2204
185 Otto Dix 2203
186 David Bomberg 2203
187 Fischli & Weiss 2203
188 August John 2203
189 Marsden Hartley 2203
190 Takashi Murakami 2203-bedømmelser

citeret
Kunne lide: 5 brugere

"Hvert portræt malet med følelse er i bund og grund et portræt af kunstneren og ikke af den, der poserede for ham" Oscar Wilde

Hvad kræver det at være kunstner? Blot efterligning af arbejde kan ikke betragtes som kunst. Kunst er noget, der kommer indefra. Forfatterens idé, begejstring, søgen, begær og sorger, som er udmøntet på kunstnerens lærred. Gennem menneskehedens historie er der skrevet hundredtusinder og måske millioner af malerier. Nogle af dem er virkelig mesterværker, kendt over hele verden, selv folk, der ikke er relateret til kunst, kender dem. Er det muligt at udskille 25 af de mest fremragende blandt sådanne malerier? Opgaven er meget vanskelig, men vi prøvede ...

✰ ✰ ✰

Hukommelsens vedholdenhed, Salvador Dali

Takket være dette maleri blev Dali berømt i en ret ung alder, han var 28 år gammel. Billedet har flere navne - "Soft watch", "Hardness of memory". Dette mesterværk har tiltrukket sig opmærksomhed fra mange kunsthistorikere. Grundlæggende var de interesserede i fortolkningen af ​​billedet. Det siges, at ideen om Dalis lærred er forbundet med Einsteins relativitetsteori.

✰ ✰ ✰

"Dans", Henri Matisse

Henri Matisse var ikke altid en kunstner. Han opdagede sin kærlighed til at male efter at have modtaget en grad i jura i Paris. Han studerede kunst så nidkært, at han blev en af ​​de største kunstnere i verden. Dette billede har meget lidt negativ kritik af kunstkritikere. Det afspejler en kombination af hedenske ritualer, dans og musik. Folk danser i trance. Tre farver - grøn, blå og rød - symboliserer jorden, himlen og menneskeheden.

✰ ✰ ✰

Kysset, Gustav Klimt

Gustav Klimt er ofte blevet kritiseret for at være nøgen i sine malerier. "Kysset" blev bemærket af kritikere, da det fusionerede alle former for kunst. Maleriet kunne være et billede af kunstneren selv og hans elsker, Emilia. Klimt malede dette lærred under indflydelse af byzantinske mosaikker. Byzantinerne brugte guld i deres malerier. På samme måde blandede Gustav Klimt guld i sine malinger for at skabe sin egen malestil.

✰ ✰ ✰

Sovende sigøjner, Henri Rousseau

Ingen andre end Rousseau selv kunne beskrive dette billede bedre. Her er hans beskrivelse - "en nomadisk sigøjner, der synger sine sange til en mandolin, sover på jorden af ​​træthed, hendes kande med drikkevand ligger i nærheden. En løve, der gik forbi, kom op for at snuse til hende, men rørte hende ikke. Alt er badet i måneskin, en meget poetisk atmosfære.” Det er bemærkelsesværdigt, at Henri Rousseau er autodidakt.

✰ ✰ ✰

"Den sidste dom", Hieronymus Bosch

Uden videre - billedet er simpelthen storslået. Denne triptykon er den største af Boschs overlevende malerier. Den venstre fløj viser historien om Adam og Eva. Den centrale del er "Den sidste dom" fra Jesu side - hvem skal komme i himlen og hvem der skal i helvede. Jorden, vi ser her, brænder. På højre fløj er afbildet et modbydeligt billede af helvede.

✰ ✰ ✰

Alle kender Narcissus fra den græske mytologi – en mand, der var besat af sit udseende. Dali skrev sin egen fortolkning af Narcissus.

Historien er sådan her. Den smukke unge mand Narcissus knuste let mange pigers hjerter. Guderne greb ind og for at straffe ham viste de ham sit spejlbillede i vandet. Narcissus blev forelsket i sig selv og endte med at dø, fordi han ikke kunne kramme sig selv. Så fortrød guderne, at de havde gjort dette mod ham, og besluttede at forevige ham i form af en narcissusblomst.

I venstre side af billedet er Narcissus og kigger på sit spejlbillede. Så blev han forelsket i sig selv. Det højre panel viser begivenhederne, der udspillede sig efter, inklusive den resulterende blomst, påskeliljen.

✰ ✰ ✰

Plottet i billedet er baseret på den bibelske tæsk af babyerne i Betlehem. Efter at Kristi fødsel blev kendt fra magierne, gav kong Herodes besked på at dræbe alle de små drengebørn og babyer i Betlehem. På billedet er blodbadet på sit højeste, de sidste par børn taget fra deres mødre venter på deres nådesløse død. Også synlige er ligene af børn, for hvem alt ligger bag dem.

Takket være brugen af ​​rige farver er Rubens' maleri blevet et verdensberømt mesterværk.

✰ ✰ ✰

Pollocks værk er meget anderledes end andre kunstnere. Han placerede sit lærred på jorden og bevægede sig rundt på lærredet og gik på det, mens han dryppede maling fra oven på lærredet med pinde, børster og sprøjter. Takket være denne unikke teknik fik han tilnavnet "Sprinkler Jack" i kunstneriske kredse. I nogen tid havde dette maleri titlen som det dyreste maleri i verden.

✰ ✰ ✰

Også kendt som "Dancing at Les Moulins de la Galette". Dette maleri betragtes som et af Renoirs mest glædelige malerier. Ideen med billedet er at vise publikum den sjove side af det parisiske liv. Med en detaljeret undersøgelse af billedet kan man se, at Renoir placerede flere af sine venner på lærredet. Fordi maleriet fremstår let udvasket, blev det i første omgang kritiseret af Renoirs samtidige.

✰ ✰ ✰

Historien er hentet fra Bibelen. Den sidste nadver skildrer Kristi sidste nadver før hans arrestation. Han havde lige talt med sine apostle og fortalt dem, at en af ​​dem ville forråde ham. Alle apostlene er kede af det og fortæller ham, at det bestemt ikke er dem. Det var dette øjeblik, da Vinci smukt skildrede med sit livlige billede. Det tog den store Leonardo fire år at færdiggøre dette maleri.

✰ ✰ ✰

Monets "Åkander" kan findes overalt. Du har sikkert set dem på tapeter, plakater og kunstmagasinforsider. Faktum er, at Monet var besat af liljer. Inden han begyndte at male dem, havde han dyrket utallige af disse blomster. Monet byggede en bro i japansk stil i sin have over en liljedam. Han var så tilfreds med det, han gjorde, at han tegnede denne historie sytten gange på et år.

✰ ✰ ✰

Der er noget uhyggeligt og mystisk i dette billede, der er en aura af frygt omkring det. Kun sådan en mester som Munch var i stand til at skildre frygt på papir. Munch lavede fire versioner af Skriget i olier og pasteller. Ifølge Munchs dagbogsoptegnelser er det ret tydeligt, at han selv troede på død og ånder. I maleriet "Skriget" skildrede han sig selv i det øjeblik, hvor han en dag gik med venner, følte frygt og spænding, som han ønskede at male.

✰ ✰ ✰

Maleriet, der normalt omtales som et symbol på moderskabet, burde ikke være blevet til det. Det siges, at Whistlers model, der skulle stille op til maleriet, ikke dukkede op, og han besluttede sig for at male sin mor i stedet for. Vi kan sige, at kunstnerens mors triste liv er afbildet her. Denne stemning skyldes de mørke farver, der er brugt i dette maleri.

✰ ✰ ✰

Picasso mødte Dora Maar i Paris. Det siges, at hun intellektuelt var tættere på Picasso end alle hans tidligere elskerinder. Ved hjælp af kubisme var Picasso i stand til at formidle bevægelse i sit arbejde. Det ser ud til, at Maars ansigt vender mod højre, mod Picassos ansigt. Kunstneren gjorde kvindens tilstedeværelse næsten virkelig. Måske ville han føle, at hun altid var der.

✰ ✰ ✰

Van Gogh malede Starry Night, mens han var i behandling, hvor han kun fik lov til at male, når hans tilstand blev bedre. Tidligere samme år skar han sin venstre øreflip af. Mange betragtede kunstneren som sindssyg. Af hele Van Goghs samling af værker er Starry Night den mest berømte, måske på grund af det usædvanlige sfæriske lys omkring stjernerne.

✰ ✰ ✰

I dette maleri genskabte Manet Titians Venus af Urbino. Kunstneren havde et dårligt ry for at skildre prostituerede. Skønt herrerne på den tid besøgte kurtisanerne ret ofte, troede de ikke, at det ville falde nogen ind at tegne dem. Så var det at foretrække for kunstnere at male billeder om historiske, mytiske eller bibelske temaer. Manet viste dog i modsætning til kritik publikum deres samtid.

✰ ✰ ✰

Dette maleri er et historisk lærred, der forestiller Napoleons erobring af Spanien.

Efter at have modtaget en ordre på malerier, der skildrer Spaniens befolknings kamp med Napoleon, malede kunstneren ikke heroiske og patetiske lærreder. Han valgte tidspunktet for henrettelse af de spanske oprørere af franske soldater. Hver af spanierne oplever dette øjeblik på sin egen måde, nogen har allerede forsonet sig, men for nogen er hovedkampen lige kommet. Krig, blod og død, det er, hvad Goya faktisk portrætterede.

✰ ✰ ✰

Det menes, at den afbildede pige er Vermeers ældste datter, Maria. Hendes træk er til stede i mange af hans værker, men det er svært at sammenligne dem. En bog med samme titel blev skrevet af Tracey Chevalier. Men Tracys version af, hvem der er afbildet på dette billede, er helt anderledes. Hun hævder, at hun tog dette emne, fordi der er meget lidt information om Vermeer og hans malerier, og netop dette maleri har en mystisk atmosfære. Senere blev der lavet en film baseret på hendes roman.

✰ ✰ ✰

Det nøjagtige navn på maleriet er "Udførelsen af ​​kaptajn Frans Banning Cocks og løjtnant Willem van Ruytenbürgs riffelkompagni." Riffelselskabet var en civil milits, der blev opfordret til at forsvare byen. Ud over militsen føjede Rembrandt et par ekstra personer til kompositionen. I betragtning af at han købte et dyrt hus i skrivende stund af dette billede, kan det godt være rigtigt, at han fik et kæmpe honorar for Nattevagten.

✰ ✰ ✰

Selvom maleriet indeholder et billede af Velázquez selv, er det ikke et selvportræt. Hovedpersonen på lærredet er Infanta Margherita, datter af kong Philip IV. Den skildrer det øjeblik, hvor Velazquez, der arbejder på et portræt af kongen og dronningen, er tvunget til at stoppe op og se på Infanta Margherita, som netop er trådt ind i rummet med sit følge. Billedet ser næsten levende ud, og vækker nysgerrighed hos publikum.

✰ ✰ ✰

Dette er det eneste maleri af Brueghel, der er malet i olier og ikke i tempera. Der er stadig tvivl om maleriets ægthed, hovedsagelig af to årsager. For det første malede han ikke i olier, og for det andet har nyere undersøgelser vist, at der under malelaget er en skematisk tegning af dårlig kvalitet, som ikke tilhører Brueghel.

Maleriet skildrer Icarus' historie og øjeblikket for hans fald. Ifølge myten var Icarus' fjer fastgjort med voks, og da Icarus rejste sig meget tæt på solen, smeltede voksen, og han faldt i vandet. Dette landskab inspirerede Wystan Hugh Auden til at skrive sit mest berømte digt om samme emne.

✰ ✰ ✰

Skolen i Athen er måske den mest berømte fresco af den italienske renæssancekunstner, Raphael.

På dette vægmaleri i Athens Skole er alle de store matematikere, filosoffer og videnskabsmænd samlet under ét tag, de deler deres teorier og lærer af hinanden. Alle heltene levede på forskellige tidspunkter, men Raphael placerede dem alle i samme rum. Nogle af figurerne er Aristoteles, Platon, Pythagoras og Ptolemæus. Et nærmere kig viser, at der er et selvportræt af Raphael selv på dette billede. Enhver kunstner vil gerne sætte deres præg, den eneste forskel er formen. Selvom han måske betragtede sig selv som en af ​​disse store skikkelser?

✰ ✰ ✰

Michelangelo betragtede aldrig sig selv som en kunstner, han tænkte altid mere på sig selv som en billedhugger. Men han formåede at skabe en fantastisk udsøgt fresco, som hele verden ærer. Dette mesterværk er på loftet i Det Sixtinske Kapel i Vatikanet. Michelangelo fik til opgave at male flere bibelske historier, hvoraf den ene er skabelsen af ​​Adam. På dette billede er billedhuggeren i Michelangelo blot synlig. Adams menneskelige krop er gengivet med utrolig troskab, med levende farver og præcis muskuløs form. Så man kan være enig med forfatteren, han er trods alt mere en billedhugger.

✰ ✰ ✰

"Mona Lisa", Leonardo da Vinci

Selvom det er det mest studerede maleri, er Mona Lisa stadig det mest mystiske. Leonardo sagde, at han aldrig holdt op med at arbejde på det. Kun hans død siges at have fuldendt maleriet. "Mona Lisa" er det første italienske portræt, hvor modellen er vist til taljen. Mona Lisas hud ser ud til at gløde på grund af brugen af ​​flere lag gennemsigtige olier. Som videnskabsmand brugte Leonardo da Vinci al sin viden til at gøre billedet af Mona Lisa realistisk. Med hensyn til, hvem der præcis er afbildet i maleriet, er det stadig et mysterium.

✰ ✰ ✰

Maleriet forestiller Venus, kærlighedsgudinden, svævende på en skal i vinden, som blæses af Zephyr, vestenvindens gud. På kysten møder Ora, årstidernes gudinde, hende, hun er klar til at klæde den nyfødte guddom på. Modellen for Venus er Simonetta Cattaneo de Vespucci. Simonetta Cattaneo døde som 22-årig, og Botticelli ønskede at blive begravet ved siden af ​​hende. Han havde en ulykkelig kærlighed til hende. Dette maleri er det mest udsøgte kunstværk, der nogensinde er skabt.

✰ ✰ ✰

Konklusion

Det var en artikel TOP 25 mest berømte malerier i verden. Tak for din opmærksomhed!

Citat besked De mest berømte og betydningsfulde malerier i verden for kunsthistorien. | 33 mesterværker af verdensmaleriet.

Under malerierne med de kunstnere, de tilhører, er der links til opslag.

De udødelige malerier af store kunstnere beundres af millioner af mennesker. Kunst, klassisk og moderne, er en af ​​de vigtigste kilder til inspiration, smag og kulturel uddannelse af enhver person, og endnu mere kreativ.
Der er helt sikkert flere verdensberømte malerier end 33. Der er flere hundrede af dem, og alle ville ikke passe ind i én anmeldelse. Derfor har vi for nemheds skyld udvalgt flere malerier, der er mest betydningsfulde for verdenskulturen og ofte kopieret i reklamer. Hvert værk er ledsaget af en interessant kendsgerning, en forklaring af den kunstneriske betydning eller historien om dets skabelse.

Opbevares i Old Masters Gallery i Dresden.

Billedet har en lille hemmelighed: baggrunden, der ligner skyer på afstand, viser sig ved nærmere undersøgelse at være englehoveder. Og de to engle, der er afbildet på billedet nedenfor, er blevet motivet for adskillige postkort og plakater.

Rembrandt "Nattevagten" 1642
Opbevares i Rijksmuseum i Amsterdam.

Det sande navn på maleriet af Rembrandt er "Udførelsen af ​​riffelkompagniet af kaptajn Frans Banning Cock og løjtnant Willem van Ruytenburg." Kunstkritikere, der opdagede maleriet i 1800-tallet, mente, at figurerne stod på en mørk baggrund, og de kaldte det "Night Watch". Senere viste det sig, at et lag sod gør billedet mørkt, og handlingen foregår faktisk i løbet af dagen. Billedet er dog allerede kommet ind i verdenskunstens statskasse under navnet "Night Watch".

Leonardo da Vinci "Den sidste nadver" 1495-1498
Beliggende i klostret Santa Maria delle Grazie i Milano.

I løbet af værkets mere end 500-årige historie blev fresken gentagne gange ødelagt: der blev lavet en døråbning gennem maleriet, og derefter blev der lagt en døråbning, klostrets refektorium, hvor billedet er placeret, blev brugt som et våbenhus, et fængsel og bombet. Den berømte fresco er blevet restaureret mindst fem gange, hvor den seneste restaurering tog 21 år. I dag skal besøgende bestille billetter på forhånd for at se kunstværket og kan kun bruge 15 minutter i spisesalen.

Salvador Dali "The Persistence of Memory" 1931

Ifølge forfatteren selv blev billedet malet som følge af associationer, der opstod i Dali ved synet af smelteost. Da hun vendte tilbage fra biografen, hvor hun gik den aften, forudså Gala helt korrekt, at ingen, der så "The Persistence of Memory" en gang ville glemme det.

Pieter Bruegel den Ældre Babelstårnet 1563
Opbevares på Kunsthistorisches Museum i Wien.

Ifølge Brueghel skyldtes fiaskoen, der ramte byggeriet af Babelstårnet, ikke sprogbarrierer, der pludselig opstod ifølge den bibelske historie, men fejl begået under byggeprocessen. Ved første øjekast virker den enorme struktur solid nok, men ved nærmere eftersyn er det tydeligt, at alle etager er lagt ujævnt, de nederste etager er enten ufærdige eller allerede er ved at falde sammen, selve bygningen vipper mod byen, og udsigterne for hele projektet er meget trist.

Kazimir Malevich "Sorte Plads" 1915

Ifølge kunstneren malede han billedet i flere måneder. Efterfølgende lavede Malevich flere kopier af "den sorte firkant" (ifølge nogle kilder, syv). Ifølge en version var kunstneren ikke i stand til at færdiggøre arbejdet med maleriet på det rigtige tidspunkt, så han måtte dække værket til med sort maling. Efterfølgende, efter offentlighedens anerkendelse, malede Malevich nye "sorte firkanter" allerede på tomme lærreder. Malevich malede også malerierne "Red Square" (to kopier) og en "White Square".

Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin "Bathing the Red Horse" 1912
Beliggende i staten Tretyakov Gallery i Moskva.

Billedet blev malet i 1912 og viste sig at være visionært. Den røde hest fungerer som Ruslands skæbne eller selve Rusland, som den skrøbelige og unge rytter ikke er i stand til at holde. således forudsagde kunstneren symbolsk med sit maleri Ruslands "røde" skæbne i det 20. århundrede.

Peter Paul Rubens "Voldtægten af ​​Leucippos døtre" 1617-1618
Opbevares i Alte Pinakothek i München.

Maleriet "Bortførelsen af ​​Leucippos døtre" betragtes som personificeringen af ​​modig lidenskab og kropslig skønhed. Unge mænds stærke, muskuløse arme samler unge nøgne kvinder op for at sætte dem på hesteryg. Zeus og Ledas sønner stjæler brudene af deres fætre.

Paul Gauguin "Hvor kommer vi fra? Hvem er vi? Hvor er vi på vej hen?" 1898
Opbevares på Museum of Fine Arts i Boston.

Efter Gauguins vejledning skal billedet læses fra højre mod venstre - de tre hovedgrupper af figurer illustrerer spørgsmålene i titlen. Tre kvinder med et barn repræsenterer livets begyndelse; mellemgruppen symboliserer modenhedens daglige eksistens; i den sidste gruppe, ifølge kunstneren, "synes en gammel kvinde, der nærmer sig døden, forsonet og overgivet til sine tanker", ved hendes fødder "repræsenterer en mærkelig hvid fugl ... ordenes nytteløshed."

Eugene Delacroix "Liberty Leading the People" 1830
Opbevares i Louvre i Paris

Delacroix skabte et maleri baseret på julirevolutionen i 1830 i Frankrig. I et brev til sin bror den 12. oktober 1830 skriver Delacroix: "Hvis jeg ikke kæmpede for fædrelandet, så vil jeg i det mindste skrive for hende." Den nøgne kiste af en kvinde, der leder folket, symboliserer uselviskheden hos det franske folk på den tid, som med "bart bryst" gik til fjenden.

Claude Monet indtryk. Rising Sun" 1872
Opbevares på Musée Marmottan i Paris.

Navnet på værket "Impression, soleil levant" med den lette hånd af journalisten L. Leroy blev navnet på den kunstneriske retning "Impressionismen". Maleriet er malet fra naturen i den gamle udhavn i Le Havre i Frankrig.

Jan Vermeer "Pige med en perleørering" 1665
Opbevares i Mauritshuis Gallery i Haag.

Et af de mest berømte malerier af den hollandske kunstner Jan Vermeer omtales ofte som den nordlige eller hollandske Mona Lisa. Meget lidt er kendt om maleriet: det er ikke dateret, navnet på den afbildede pige kendes ikke. I 2003, baseret på romanen af ​​samme navn af Tracey Chevalier, blev spillefilmen "Girl with a Pearl Earring" optaget, hvor historien om skabelsen af ​​lærredet er hypotetisk restaureret i sammenhæng med Vermeers biografi og familieliv .

Ivan Aivazovsky "Den niende bølge" 1850
Opbevares i St. Petersborg i Statens Russiske Museum.

Ivan Aivazovsky er en verdensberømt russisk marinemaler, der har viet sit liv til at skildre havet. Han skabte omkring seks tusinde værker, som hver modtog anerkendelse i løbet af kunstnerens liv. Maleriet "Den niende bølge" indgår i bogen "100 store malerier".

Andrei Rublev "Trinity" 1425-1427

Ikonet for den hellige treenighed, malet af Andrei Rublev i det 15. århundrede, er en af ​​de mest berømte russiske ikoner. Ikonet er en tavle i lodret format. Zarerne (Ivan den Forfærdelige, Boris Godunov, Mikhail Fedorovich) "dækkede" ikonet med guld, sølv og ædelsten. I dag opbevares lønnen i Sergiev Posad State Museum-Reserve.

Mikhail Vrubel "Siddende Dæmon" 1890
Opbevares i Tretyakov-galleriet i Moskva.

Plottet i billedet er inspireret af Lermontovs digt "Dæmonen". Dæmonen er et billede på styrken af ​​den menneskelige ånd, indre kamp, ​​tvivl. Tragisk spænder Dæmonen sine hænder og sidder med triste, enorme øjne rettet ud i det fjerne, omgivet af hidtil usete blomster.

William Blake "Den store arkitekt" 1794
Opbevares i British Museum i London.

Navnet på maleriet "The Ancient of Days" oversættes bogstaveligt fra engelsk som "Ancient of Days". Denne sætning blev brugt som Guds navn. Billedets hovedperson er Gud i skabelsesøjeblikket, som ikke skaber orden, men begrænser friheden og markerer fantasiens grænser.

Edouard Manet "Bar at the Folies Bergère" 1882
Opbevares på Courtauld Institute of Art i London.

Folies Bergère er et varieté og kabaret i Paris. Manet frekventerede Folies Bergère og endte med at male dette maleri, hans sidste før hans død i 1883. Bag baren, midt i en flok af drikke, spise, snakke og ryge, er en bartender opslugt af sine egne tanker og betragter en trapez-akrobat, som kan ses i øverste venstre hjørne af billedet.

Tizian "Jordisk kærlighed og himmelsk kærlighed" 1515-1516
Opbevares i Galleria Borghese i Rom.

Det er bemærkelsesværdigt, at det moderne navn på maleriet ikke blev givet af kunstneren selv, men begyndte at blive brugt kun to århundreder senere. Indtil da havde maleriet forskellige titler: "Skønhed udsmykket og usminket" (1613), "Tre slags kærlighed" (1650), "Guddommelige og verdslige kvinder" (1700) og til sidst "Jordisk kærlighed og Himmelsk kærlighed » (1792 og 1833).

Mikhail Nesterov "Vision til de unge Bartholomew" 1889-1890
Opbevares i Statens Tretyakov-galleri i Moskva.

Det første og mest betydningsfulde værk fra cyklussen dedikeret til Sergius af Radonezh. Indtil slutningen af ​​sine dage var kunstneren overbevist om, at "The Vision of the Young Bartholomew" var hans bedste værk. I sin alderdom kunne kunstneren lide at gentage: "Jeg vil ikke leve. "Unge Bartholomew" vil leve. Nu, hvis han om tredive, halvtreds år efter min død stadig vil sige noget til folk, så er han i live, så er jeg også i live.

Pieter Brueghel den Ældre "Lignelsen om de blinde" 1568
Opbevares i Capodimonte-museet i Napoli.

Andre navne på maleriet er "The Blind", "Parabola of the Blind", "The Blind Leading the Blind". Det menes, at plottet i billedet er baseret på den bibelske lignelse om blinde: "Hvis blinde leder blinde, så vil de begge falde i graven."

Viktor Vasnetsov "Alyonushka" 1881
Opbevares i Statens Tretyakov-galleri.

Eventyret "Om søster Alyonushka og bror Ivanushka" tages som grundlag. Oprindeligt blev Vasnetsovs maleri kaldt "Fool Alyonushka". Forældreløse børn blev kaldt "fjolser" på det tidspunkt. "Alyonushka," sagde kunstneren selv senere, "som om hun havde levet i mit hoved i lang tid, men i virkeligheden så jeg hende i Akhtyrka, da jeg mødte en enkelthåret pige, der slog min fantasi. Der var så meget længsel, ensomhed og rent russisk tristhed i hendes øjne ... En slags speciel russisk ånd udgik fra hende.

Vincent van Gogh Stjernenat 1889
Opbevares på Museum of Modern Art i New York.

I modsætning til de fleste af kunstnerens malerier blev Starry Night malet efter hukommelsen. Van Gogh var på det tidspunkt på Saint-Remy hospitalet, plaget af sindssygeanfald.

Karl Bryullov "Den sidste dag i Pompeji" 1830-1833
Opbevares i Statens Russiske Museum i St. Petersborg.

Maleriet forestiller Vesuvs berømte udbrud i 79 e.Kr. e. og ødelæggelsen af ​​byen Pompeji nær Napoli. Billedet af kunstneren i venstre hjørne af billedet er et selvportræt af forfatteren.

Pablo Picasso "Pige på en bold" 1905
Opbevares i Pushkin-museet, Moskva

Maleriet endte i Rusland takket være industrimanden Ivan Abramovich Morozov, som købte det i 1913 for 16.000 franc. I 1918 blev I. A. Morozovs personlige samling nationaliseret. I øjeblikket er maleriet i Statens Kunstmuseums samling opkaldt efter A.S. Pushkin.

Leonardo da Vinci Madonna Litta 1491

Opbevares i Eremitagen i St. Petersborg.

Maleriets originale titel er Madonna og barn. Det moderne navn på maleriet kommer fra navnet på dets ejer, grev Litta, ejer af et familiekunstgalleri i Milano. Der er en antagelse om, at babyens figur ikke blev malet af Leonardo da Vinci, men hører til en af ​​hans elevers børste. Dette bevises af babyens positur, hvilket er usædvanligt for forfatterens måde.

Jean Ingres "Tyrkiske bade" 1862
Opbevares i Louvre i Paris.

Ingres var færdig med at male dette billede, da han allerede var over 80 år. Med dette billede opsummerer kunstneren et ejendommeligt resultat af billedet af badende, hvis temaer længe har været til stede i hans arbejde. Oprindeligt var lærredet i form af en firkant, men et år efter dets færdiggørelse forvandlede kunstneren det til et rundt billede - en tondo.

Ivan Shishkin, Konstantin Savitsky "Morgen i en fyrreskov" 1889
Opbevares i Tretyakov-galleriet i Moskva

"Morning in a Pine Forest" er et maleri af de russiske kunstnere Ivan Shishkin og Konstantin Savitsky. Savitsky malede bjørne, men samleren Pavel Tretyakov, da han erhvervede maleriet, slettede sin signatur, så nu er kun Shishkin angivet som forfatter til maleriet.

Mikhail Vrubel "Svaneprinsessen" 1900
Opbevares i Statens Tretyakov-galleri

Billedet blev malet på grundlag af scenebilledet af heltinden fra operaen "The Tale of Tsar Saltan" af N. A. Rimsky-Korsakov baseret på plottet af eventyret af samme navn af A. S. Pushkin. Vrubel lavede skitser til kulisser og kostumer til premieren på operaen i 1900, og hans kone sang rollen som Svaneprinsessen.

Giuseppe Arcimboldo "Portræt af kejser Rudolf II som Vertumn" 1590
Beliggende i Skokloster Slot i Stockholm.

Et af de få overlevende værker af kunstneren, der lavede portrætter af frugter, grøntsager, blomster, krebsdyr, fisk, perler, musikinstrumenter og andre instrumenter, bøger og så videre. "Vertumnus" er et portræt af kejseren, repræsenteret som den gamle romerske gud for årstiderne, vegetationen og forvandlingen. På billedet består Rudolph udelukkende af frugter, blomster og grøntsager.

Edgar Degas Blue Dancers 1897
Beliggende i Kunstmuseet. A. S. Pushkin i Moskva.

Sandro Botticelli "Venus' fødsel" 1486
Opbevares i Firenze på Uffizi-galleriet

Maleriet illustrerer myten om Afrodites fødsel. Den nøgne gudinde flyder til kysten i en åben skal, drevet af vinden. På venstre side af billedet blæser Zephyr (vestenvinden), i armene på sin kone Chlorida, på en skal og skaber en vind fyldt med blomster. På kysten mødes gudinden af ​​en af ​​nåderne. Venus' fødsel er velbevaret på grund af det faktum, at Botticelli påførte et beskyttende lag af æggeblomme på maleriet.

100 flotte malerier (del 1)

Store lærreder er altid et spejl af tiden, uanset hvilken kompleks allegorisk form kunstneren måtte klæde dem. Ikke alle billeder er tydelige for beskueren ved første øjekast, nogle af dem kræver nøje opmærksomhed, refleksion, en vis forberedelse og viden.

På vores hjemmeside ønsker vi ikke kun at tale om de mest berømte verdenskunstværker, men at give alle mulighed for at bestille en højkvalitetsreproduktion på naturligt lærred af et yndet mesterværk.

Jan van Eyck(1390-1441) anses for at være den største nederlandske maler i det 15. århundrede, som lagde grunden til den realistiske tradition inden for altermaleriet. Oprindeligt fra en lille hollandsk by ved Meuse-floden, i 1422, allerede en respekteret mester, trådte han i tjeneste hos grev Johannes af Bayern og deltog indtil 1424 i udsmykningen af ​​grevens palads i Haag. I 1425 flyttede Van Eyck til Lille, hvor han blev hofmaler for hertugen af ​​Bourgogne, Filip III den Gode. Ved hertugens hof, som satte stor pris på kunstneren, malede han ikke kun, men udførte også mange diplomatiske missioner og rejste gentagne gange til Spanien og Portugal.

I 1431 flyttede Van Eyck til Brugge, hvor han boede indtil slutningen af ​​sine dage og udførte arbejde både som hofmaler og som kunstner af byen. Det største antal værker, der er kommet ned til os, er skrevet af mesteren på et tidspunkt, hvor han var i tjeneste hos hertugen af ​​Bourgogne.

Et af Van Eycks mest berømte værker, Portrait of the Arnolfinis, er i samlingen af ​​London National Gallery. På billedet, der skildrer vielsesceremonien for to rige unge mennesker, fandt kunstneren et sted for flere symboler - for eksempel for en hund placeret ved fødderne af den nygifte, et symbol på troskab. I et rundt spejl, der hænger på væggen i kompositionens dybder, reflekteres to personer - åbenbart ægteskabets vidner. I en af ​​dem afbildede kunstneren sig selv, som inskriptionen over spejlet siger. Kunstneren udførte de nygifte i fuld vækst. Maleren skildrer kærligt ting omkring de nygifte. Disse genstande fortæller meget om deres ejeres livsstil og understreger deres borgerdyder - sparsommelighed, beskedenhed, kærlighed til orden.

Indholdet af maleriet beskrevet ovenfor er kun den mest almindelige version, men for nogle forskere er en anden attraktiv: Dette er et selvportræt af kunstneren. Tilbage i 1934 foreslog den kendte østrigske kunstkritiker Erwin Panofsky, at maleriet ikke forestiller et ægteskab, men en forlovelse. Derudover blev det fastslået, at Giovanni Arnolfini og hans kone ikke eksisterede, og kvinden afbildet på billedet venter tydeligvis på tilføjelse af en familie.Og Margarita van Eyck (kunstnerens søster) fødte den 30. juni 1434 en søn.

Så hvem er helten i billedet? Eller er det virkelig en familiescene, og slet ikke et brugerdefineret portræt? Spørgsmålet er stadig åbent...

Van Eyck introducerer beskueren til menneskers privatliv og viser skønheden i hverdagen. Ved at gøre dette åbnede han for nye, realistiske muligheder for kunst, som først blev fuldt ud realiseret i det 17. århundrede, hvor mange lignende malerier blev skabt i Holland.

Denne største skabelse af kunstneren, ligesom hans "Forår", i mere end tre hundrede år var i dyb glemsel i den rolige villa Castello i nærheden af ​​Firenze. Billedet blev først bemærket i midten af ​​forrige århundrede, da de prærafaelitiske malere Milles og Rossetti genopdagede Botticelli som et af Italiens sjældneste talenter i det 15. århundrede.

Venus' fødsel blev skrevet til Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici, fætter til Lorenzo den Storslåede og Botticellis vigtigste protektor. Firenze, hvor kunstneren tilbragte det meste af sit liv, blev styret af den magtfulde Medici-familie. Plottet i billedet er forbundet med kulturen ved Lorenzo Medici's hof, gennemsyret af neoplatonismens filosofi. Denne gang med stroferne af Poliziano og sonetter af Lorenzo den Storslåede, var tiden for turneringer og karnevalsoptog Botticellis storhedstid.

I Fødslen skildrede Sandro Botticelli billedet af Aphrodite Urania - den himmelske Venus, Uranus' datter, født fra havet uden en mor. Billedet fanger ikke så meget selve fødslen, men det øjeblik, der fulgte, da Venus, drevet af luftens genier, når frem til den lovede kyst. Skønheden i den nøgne figur krones af nymfen Ora, som er legemliggørelsen af ​​naturen, hun er klar til at dække hende med en kappe. Ora er et af de tre bjerge, årstidernes nymfer. Dette bjerg, at dømme efter blomsterne, der dækker hendes tøj, formynder sig på den tid på året, hvor Venus kraft når sit højdepunkt. Måske er dette billede af kunstneren inspireret af en af ​​de homeriske salmer, som beskriver, hvordan Zephyr, guden for vestenvinden, bragte Venus til øen Cypern, hvor bjergene accepterede hende.

Ifølge Lorenzo Medicis kreds er Venus, kærlighedens gudinde, også menneskehedens gudinde. Det er hende, der lærer folk fornuft, tapperhed, hun er harmoniens moder, født af foreningen af ​​stof og ånd, natur og ideer, kærlighed og sjæl.

Verdens mest berømte maleri, Mona Lisa, af Leonardo da Vinci, er i Louvre.

Mona Lisa blev skabt mellem 1503 og 1506 og stod færdig i 1510. Det er stadig uklart, hvem der præcist poserede for den store mester. Kunstneren modtog en ordre på maleriet fra Francesco del Giocondo, en florentinsk silkehandler, og de fleste historikere og kunsthistorikere mener, at portrættet forestiller Lisa Gherardini, Giocondos kone, som bestilte portrættet til ære for fødslen af ​​deres anden søn, som blev født i december 1502. Ikke desto mindre har uenighederne i 500 år ikke lagt sig om, hvem der egentlig er afbildet på dette berømte maleri.

Ordet "Mona" er højst sandsynligt en forkortet form af "monna" eller "mia donna", det vil sige "milady" eller "madame". På fransk hedder det "La Joconde", og på italiensk - "La Gioconda" (glad), men dette er kun en leg med ord, et sammenfald med navnet på den, der tjente som prototype på billedet.

Portrættet er et glimrende eksempel på Leonards yndlingsteknik, den såkaldte sfumato - "smoky chiaroscuro", et blidt halvlys med en blød række af toner, der ser ud til at være let udtværet og glidende overgår fra den ene til den anden. Samtidig markerer Leonardo mundvige og øjne med en sådan præcision og ynde, at billedet får en virkelig fantastisk kvalitet.

Nogle forskere hævder, at billedet er et selvportræt af Leonardo selv, som gav sit udseende feminine træk eller endda træk af en hermafrodit. Og ja, hvis billedet af Mona Lisa for at fjerne håret, får du et mærkeligt kønsløst ansigt. Denne hypotese blev bekræftet af arbejdet udført af uafhængige forskere - Lillian Schwartz fra Bell Labs laboratoriet og Digby Quest fra Maudsley-klinikken i London, som bekræftede hypotesen om, at Leonardo kunne portrættere sig selv i billedet af Mona Lisa. Ved hjælp af specielle computerprogrammer sammenlignede forskerne "Mona Lisa" og Leonardos selvportræt, der blev lavet, da han allerede var i en respektabel alder. Resultatet er fantastisk. "Mona Lisa" viste sig nærmest at være et spejlbillede af den store mesters ansigt. Næsten alle ansigtstræk matchede perfekt, inklusive næsetippen, læberne og øjnene.

I 1911 blev Mona Lisa stjålet fra Louvre af italieneren Vincenzo Perugia, der arbejdede som tømrer på museet. Han bar simpelthen maleriet ud af galleriet og gemte det under sit tøj. Det berømte maleri blev først fundet i 1913, da kidnapperen forsøgte at sælge det til en bestemt samler. Før dette blev Leonardos mesterværk opbevaret i en kuffert med dobbelt bund. Angriberen forklarede, hvad han havde gjort, ved at sige, at han ønskede at returnere til Italien et maleri, der var blevet ulovligt eksporteret af Napoleon Bonaparte.

Fra Robert Cummings Great Artists:
"Almindeligvis kendt som 'Venus fra Dresden', var dette maleri yderst originalt, uden sidestykke i den klassiske antikkes kunst. Værket demonstrerer kunstnerens interesse for et nyt skønhedsideal, hvor den poetiske stemning råder over det rationelle indhold.
Denne liggende nøgen er blevet et af de mest populære billeder af europæisk maleri. Giorgione skildrer en skikkelse, der sover under et træ med lukkede øjne, fordybet i drømme og uvidende om, at hun bliver overvåget. Næsten alle senere variationer af dette tema skildrer hende vågen. Manet skildrede især i sin "Olympia" "Venus", der tilbyder seksuelle tjenester.
Venus' bløde nuancer og afrundede former taler om indflydelsen fra Leonardo da Vinci, hvilket også kan ses i løsningen af ​​gardinernes folder. "Dresden Venus" blev skrevet på ét årti i "Mona Lisa" - og begge gav straks anledning til mange kopier og efterligninger.
Dygtigt gengivet chiaroscuro og højdepunkter på luksuriøst draperi demonstrerer Giorgiones beherskelse af oliemalingsteknikker.
Kroppens glatte konturer forstærker følelsen af ​​dyb søvn og inviterer dig så at sige til at kærtegne figuren med dine øjne.
Billedets erotiske karakter indikerer, at maleriet blev bestilt til et privat soveværelse.
Røntgenbilleder og optegnelser fra restauratører fra det 19. århundrede indikerer, at Giorgione oprindeligt afbildede (eller skulle afbilde) Amorfiguren på højre side af lærredet.
Ifølge rygter havde Giorgione ikke tid til at færdiggøre maleriet i sin levetid, og det er almindeligt accepteret, at ordren om at færdiggøre landskabet blev givet til Titian. Det "lagdelte" landskab og de blå bakker i horisonten er karakteristisk for Tizians tidlige stil. En rivals for tidlige død bidrog til Tizians stjernes opståen."

I. Bosch viste sig at være en meget vanskelig kunstner, selv nu er der intet etableret synspunkt på fortolkningen af ​​plots og individuelle billeder af hans malerier.
For middelalderlige kunstnere (såvel som for deres beskuere) havde alle objekter og fænomener en symbolsk betydning, hver genstand fik sin symbolske fortolkning baseret på Bibelens tekster. Så for eksempel, baseret på sætningen: "Guds ord er stærk som en løve," blev løven betragtet som et symbol på den kristne tros almagt, fordi løvefigurerne pryder portalerne i mange romanske katedraler i Frankrig , og i Italien placerede billedhuggere fra det 13.-14. århundrede løver ved foden af ​​kirkens prædikestole. Boschs værk er måske også svært at opfatte i vor tid, fordi kunstneren ud over traditionelle middelaldersymboler (kendte af alle) brugte andre symboler - mindre studerede og svære at tyde.
Boschs kunstneriske sprog passer aldrig helt ind i middelalderens symbolske fortolkninger. Kunstneren brugte ofte visse symboler i en betydning modsat den almindeligt accepterede, og opfandt også nye symboler. Måske var det derfor, han blev kaldt den "dystre science fiction-forfatter", "æresprofessor i mareridt", men moderne surrealister så i Bosch deres åndelige far og forløber. Her er en sådan scene. Et kærligt par isolerede sig i en gennemsigtig boble. Lidt højere krammer en ung mand en kæmpestor ugle, til højre for boblen midt i bassinet, i vandet står en anden mand på hovedet med benene vidt fra hinanden, hvorimellem fuglene har bygget rede. Ikke langt fra ham fodrer en ung mand, der læner sig ud med sin elskede fra et lyserødt hult æble, en uhyrlig klase vindruer til folk, der står op til nakken i vand. Dette er "Garden of Earthly Delights" - et af de mest berømte malerier af Hieronymus Bosch.
Hieronymus Bosch skabte sin triptykon "Garden of Earthly Delights", eller "Garden of Delights" (det kaldes ofte det mest "Bosch"-værk) i 1503, og i det blev hans ejendommelige vision af verden til fulde manifesteret. Maleriets navn var allerede givet i moderne litteratur, og i anden halvdel af 1500-tallet, da det kom i kong Filip IIs besiddelse, blev det kaldt "Verdens mangfoldighed", i 1600-tallet havde det navnet "Vanity and Glory".
Paradis er afbildet på venstre side af denne triptykon, Helvede er afbildet til højre, og et billede af den jordiske eksistens blev placeret imellem dem. Venstre side af Nydelseshaven skildrer scenen for Evas skabelse, og selve Paradiset glitrer og skinner med lyse, funklende farver. På baggrund af et fantastisk landskab i paradis. fyldt med en række forskellige dyr og planter viser mesteren den vågne Adam Adam, der lige er vågnet, rejser sig fra jorden og ser forbløffet på Eva, som Gud viser ham. Den kendte kunsthistoriker C. de Tolnay bemærker, at det overraskede blik, som Adam kaster på den første kvinde, allerede er et skridt på vejen til synd. Og Eva, udtrukket fra Adams ribben, er ikke bare en kvinde, men også et redskab til forførelse. Modsætningen mellem en rolig og syndfri mand og en kvinde, der bærer syndens frø i sig selv, gengives i naturen omkring dem. En forkrøblet palme, der vokser på en mystisk orange sten, er diagonalt modsat en blomstrende palme. Adskillige hændelser kaster en mørk skygge på dyrenes fredelige liv: en løve æder en hjort, et vildsvin forfølger et mystisk udyr. Og over det hele rejser sig Livets Kilde, en hybrid af en plante og en marmorklippe, en svævende gotisk struktur sat på de mørkeblå sten på en lille ø. Helt på toppen af ​​den er der stadig en knap mærkbar halvmåne, men allerede indefra titter den frem, som en orm, en ugle - et uheldsbud.
Den centrale del af triptykonet - selve "Garden of Earthly Delights" - skildrer et storslået landskab dækket af nøgne figurer af mænd og kvinder. Dyr af unaturlige proportioner, fugle, fisk, sommerfugle, alger, enorme blomster og frugter skiller sig ud i sammensætning af "Garden of Earthly Delights". tre skud: i forgrunden vises "forskellige glæder", det andet er optaget af en kavalkade af talrige ryttere, der rider på forskellige dyr, det tredje (længst) er kronet med en blå himmel , hvor folk flyver på bevingede fisk og ved hjælp af deres egne vinger. Det ser ud til, at et sådant landskab mod baggrunden ikke kan være noget mere kysk end menneskepars kærlighedsspil. Men ligesom psykoanalysen (foreslog psykiateren R. Khaikin endda) en psykopatologisk analyse af I. Boschs arbejde), afslører datidens drømmebøger den sande betydning af disse jordiske fornøjelser: kirsebær, jordbær, jordbær og vindruer, med en sådan glæde spist af mennesker, symboliserer syndig seksualitet, berøvet åh lys af guddommelig kærlighed; æblebåden, som elskere trækker sig tilbage i, er formet som en kvindes bryster; fugle bliver personificeringen af ​​begær og fordærv, fisken er et symbol på rastløs lyst, skallen er det feminine princip.
Nederst i billedet krammede en ung mand et kæmpestort jordbær. Betydningen af ​​dette billede vil blive klart for os, hvis vi husker, at i vesteuropæisk kunst tjente jordbær som et symbol på renhed og jomfruelighed. Scenen med en klase vindruer i bassinet er et sakramente, og en kæmpe pelikan, der samler et kirsebær (et symbol på sensualitet) på sit lange næb, driller folk, der sidder i en fantastisk blomsts opløber med den. Pelikanen selv symboliserer kærlighed til sin næste. Kunstneren giver ofte kristen kunsts symboler en konkret sanselig lyd, der reducerer dem til det materielle og kropslige plan.
Hieronymus Bosch skaber en forbløffende verden af ​​flygtige begær og sanselige fornøjelser: Aloe graver sig ind i nøgent kød, koraller griber fast om kroppen, skallen smækker og forvandler kærlighedsparret til dets fanger. I utroskabstårnet, der rejser sig fra Lystsøen, og hvis gulorange vægge funkler som krystal, sover bedragede ægtemænd mellem hornene. Den stålfarvede glaskugle, hvor elskende hengiver sig til kærtegn, er overvundet af en halvmånekrone og lyserøde marmorhorn. Kuglen og glasklokken, der beskytter de tre syndere, illustrerer det hollandske ordsprog. "Lykke og glas - hvor er de kortvarige!" Og de er også symboler på syndens kætterske natur og de farer, den bringer verden med sig.
Triptykonets højre fløj - Helvede - er mørk, dyster, foruroligende, med separate lysglimt, der gennemsyrer nattens mørke, og med syndere, der plages af en slags gigantiske musikinstrumenter. I centrum af Helvede er en enorm skikkelse af Satan, dette er en slags "guide" gennem Helvede - den vigtigste "fortæller" med et dødsblegt ansigt og et ironisk smil på tynde læber. Dens ben er hule træstammer, og de hviler på to skibe. Satans legeme er en åbnet æggeskal, på kanten af ​​hans hat, dæmoner og hekse enten gå eller danse med syndige sjæle ... Eller de fører mennesker skyldige i en unaturlig synd rundt om en enorm sækkepibe (et symbol på det maskuline princip) Omkring Helvedes hersker finder straf sted for synder: de korsfæstede en synder og gennemborede ham med harpesnore; ved siden af ​​ham dirigerer en dæmon med rød krop en genhør af et infernalsk orkester fra noder skrevet på balderne af en anden synder. En dæmon sidder i en høj stol og straffer frådsere og fråsere. Han satte sine fødder i ølkander, og en bowlerhat sættes på hans fuglehoved. Og han straffer syndere ved at fortære dem.
Helvedes port repræsenterer faldets tredje fase, hvor jorden selv blev til helvede. Genstande, der tidligere tjente synd, er nu blevet til strafinstrumenter. Disse kimærer af dårlig samvittighed har alle de specifikke betydninger af drømmes seksuelle symboler. Haren (på billedet overstiger en persons størrelse) i kristendommen var et symbol på sjælens udødelighed. Hos Bosch spiller han på hornet og sænker synderhovedet ned i den infernalske ild. Kæmpe ører tjener som et varsel om ulykke. En enorm nøgle, der er fastgjort til skaftet af en munk, forråder sidstnævntes ønske om ægteskab, hvilket er forbudt for medlemmer af præsteskabet. Inde i monstret er et værtshus, over hvilket et banner blafrer - den samme sækkepibe. På et stykke afstand sidder en mand i en tilstand af melankoli og læner sig over kaos. Hvis du ser træk af Hieronymus Bosch selv i det, så kan hele billedet fremstå foran beskueren i et andet lys: kunstneren selv opfandt dette mareridt, al denne smerte og pine er begået i hans sjæl. Nogle kunsthistorikere insisterer på dette, for eksempel Charles de Tolnay, som allerede er nævnt. Bosch var dog en dybt religiøs person, og han kunne ikke engang finde på at placere sig i Helvede. Mest sandsynligt skal kunstneren søges blandt de billeder, der bærer lys og godhed i hans malerier, ikke uden grund tilhørte han Jomfruens Broderskab.
For vores samtid er karakterernes handlinger i Nydelsernes Have stort set uforståelige, men for Boschs samtidige (som allerede nævnt ovenfor) var de fyldt med dyb symbolsk betydning. Hans malerier (herunder The Garden of Earthly Delights) skræmmer ofte beskueren med den unaturlige kompatibilitet mellem mennesker og dyr, levende og døde i én karakter, og samtidig kan de underholde. Hans karakterer ligner de mareridtsagtige billeder af Apokalypsen og på samme tid - til karnevallets muntre djævle. Men med alle de mange fortolkninger af betydningen af ​​Garden of Earthly Delights, kan ingen af ​​dem
dække alle billeder af billedet fuldstændigt.

Denne altertavle er den sidste af Raphaels hovedværker om hans yndlingsemne. Selv i den tidlige kreativitetsperiode vendte han sig til billedet af Madonna og barnet, hver gang på udkig efter en ny tilgang. Den fremherskende natur af Rafaels geni kom til udtryk i ønsket om en guddom, til forvandlingen af ​​det jordiske, menneskelige til det evige, guddommelige.
Det ser ud til, at gardinet netop er gået fra hinanden, og et himmelsk syn har åbnet sig for de troendes øjne - Jomfru Maria, der går på en sky med Jesusbarnet i armene. Madonnaen holder tillidsfuldt fast ved sin Jesus på en moderlig måde, omhyggeligt og omhyggeligt. Rafaels geni syntes at have lukket den guddommelige baby ind i en magisk cirkel dannet af Madonnaens venstre hånd, hendes faldende slør og Jesu højre hånd. Hendes blik, rettet gennem beskueren, er fuld af foruroligende forudseenhed om hendes søns tragiske skæbne. Madonnaens ansigt er legemliggørelsen af ​​det gamle skønhedsideal kombineret med det kristne ideals spiritualitet.
Pave Sixtus II, martyrdøden i 258 e.Kr og regnet blandt de hellige, beder Maria om forbøn for alle, der beder til hende foran alteret. Sankt Barbaras stilling, hendes ansigt og nedslåede øjne udtrykker ydmyghed og ærbødighed. I dybden af ​​billedet, i baggrunden, knap nok til at skelne i en gylden dis, gættes engles ansigter vagt, hvilket forstærker den overordnede sublime atmosfære. De to engles øjne og bevægelser i forgrunden er rettet mod Madonnaen. Tilstedeværelsen af ​​disse bevingede drenge, der minder mere om mytologiske amoriner, giver lærredet en særlig varme og menneskelighed.
"Den sixtinske madonna" blev bestilt af Raphael i 1512 som en altertavle til kapellet i klosteret Sankt Sixtus i Piacenza. Pave Julius II, som på det tidspunkt stadig var kardinal, indsamlede midler til opførelsen af ​​et kapel, hvor relikvier af St. Sixtus og St. Barbara blev opbevaret.
I Rusland, især i første halvdel af det 19. århundrede, var Raphaels "Sixtinske Madonna" meget æret, entusiastiske linjer af så forskellige forfattere og kritikere som V. A. Zhukovsky, V. G. Belinsky, N. P. Ogarev er dedikeret til hende. Belinsky skrev fra Dresden til V.P. Botkin og delte med ham sine indtryk af den "sixtinske madonna": "Hvilken adel, hvilken ynde ved børsten! Du kan ikke se! Jeg huskede ufrivilligt Pushkin: den samme adel, den samme ynde af udtryk, med den samme strenghed af omridset! Ikke underligt, at Pushkin elskede Raphael så meget: han er beslægtet med ham af natur. To store russiske forfattere, L. N. Tolstoj og F. M. Dostojevskij, havde reproduktioner af den sixtinske madonna på deres kontorer. F. M. Dostojevskijs hustru skrev i sin dagbog: "Fjodor Mikhailovich satte Raphaels værker frem for alt i maleriet og anerkendte den sixtinske madonna som hans højeste værk."
Carlo Maratti udtrykte sin overraskelse over Raphael på denne måde: "Hvis de viste mig et billede af Raphael, og jeg ikke ville vide noget om ham, hvis de fortalte mig, at dette var skabelsen af ​​en engel, ville jeg tro det."
Goethes store sind satte ikke kun pris på Raphael, men fandt også et passende udtryk for hans vurdering: "Han skabte altid, hvad andre kun drømte om at skabe."
Dette er sandt, fordi Raphael i sine værker legemliggjorde ikke kun ønsket om et ideal, men selve det ideelle, der var tilgængeligt for en dødelig.

Fra bogen "100 store billeder" af Ionina N.A.:

Augsburg, hvor hele det spanske hof og mange tyske fyrster på det tidspunkt samledes. I Augsburg malede Tizian et enormt rytterportræt af Karl V om morgenen før slaget, hvor monarken vandt en af ​​sine mest strålende sejre. Dette portræt ramte Titians samtidige med dets uventede: det var mærkeligt at se kejseren - en subtil lænestolsdiplomat og melankoliker - i skikkelse af en ridder og en helt med et spyd i hånden, med et hævet visir, galopperende ensom mellem markerne . Men sådan var monarkens vilje.
I slaget ved Mühlberg så denne katolicismefanatiker ud til at være drevet af en eller anden form for ekstase: han førte ikke slaget på afstand, idet han sad i en båre under forsvarsværkets beskyttelse. Han skyndte sig foran sine tropper for at angribe og krydsede endda det farlige vadested ved Elben og slæbte sine oberster med sig. Denne mindeværdige dag og kejserens eneste heltedåd skulle være udødeliggjort af Tizian. Portrættet skildrer ikke den dystre, tavse og syge Karl V, som man siger om ham i hans samtidiges fortællinger. Dette er ikke Karl, som blev afbildet af den samme Titian i et portræt nu i Münchens Pinakothek. Dette er ikke en ynkelig ruin, ikke en snedig snu, ikke en trist "universets hersker", ikke søn af sindssyge Joanna og storslåede Philip ... Dette er barnebarnet til den "sidste ridder" - Maximilian, og derfor Titian afbildet i portrættet en separat flash, og ikke en hel psykologisk karakter.
Det var slående og det mest vovede af alle Tizians værker. I den rødlige tåge af en forårsmorgen, alene på en vidstrakt slette, der strækker sig til Elbens bakker, galopperer kejseren, iklædt forjaget og forgyldt stål, med en hævet blokering over et blegt og bestemt ansigt ud af skoven med en spyd vendt fremad. Hvor ser rytteren imponerende og majestætisk ud! Men hvor er han frygtelig ensom på dette felt. Og hvor han skyndte sig på en smukt skridende hest. At kommandere folkene, straffe de genstridige med ild og sværd, bringe armadaer af tropper ned mod fjenderne, en mand, hvis selv dovne gestus kunne hæve eller ødelægge - han er afbildet på portrættet træt og ensom.
Tilskueren ser på sit karakteristiske, viljestærke ansigt med en skarpt fremspringende hage, og mærker pludselig tydeligt i kejserens blik en diffus tristhed, en form for indre træthed, som overføres til hele hans skikkelse og synes selv i det afmålte løb af en hest. Hans udseende giver indtryk af en ond ånd, og dette syn overrasker en og skræmmer. Selv portrættets farver indeholder noget uhyggeligt, militant. Overfor Karl V ser man noget forfærdeligt, "spøgelsesagtigt": en i marken, en i verden, en med en knust sjæl. Sådan forstod og portrætterede Tizian kejseren. Måske var han endnu ikke selv klar over sin store træthed, og kunstneren viste ham sin egen sjæl – uden udsmykning.
Titian i dette portræt lod ikke sin lidenskab, hans omfang af højtidelighed udfolde sig, men lænkede sig selv inden for grænserne af kundens krav og behandlede opgaven med en sjælden kulde for sig selv. Måske er det derfor, nogle forskere noterer både i portrættet og i kejserens positur en vis unaturlighed, som på mannequiner i arsenalet af gamle våben. Men den psykologiske penetration af Titian nåede sin højeste grænse i dette portræt. Med hensyn til tilliden til kunstneriske teknikker er dette portræt slående, hvad angår udtryk for æraens karakter og ånd - intet kan måle sig med det. Det ser ud til, at Clio selv, historiens muse, førte hånden på kunstneren i de dage.

Perseus - i græsk mytologi, søn af Danae, der led af Jupiter, da han forvandlede sig til en strøm af guldregn. Hans heltegerninger omfattede at halshugge Medusa, en af ​​de slangehårede Gorgoner, og redde den smukke Andromeda fra et havuhyre. det sidste tema er en hyppigt stødt ikke-indfødt tradition. Perseus er afbildet enten som en typisk helt fra den klassiske oldtid eller som en kriger i rustning. Han holder et afrundet sværd - en gave fra Merkur - og et skinnende skjold givet til ham af Minerva, hans beskytter.
Ovid fortæller i sine Metamorphoses, hvordan Andromeda, datter af en etiopisk konge, blev lænket til en sten på kysten som et offer til et havuhyre. Perseus, der fløj i himlen, blev forelsket i hende ved første blik. Han skyndte sig ned lige i tide, dræbte monsteret og befriede Andromeda. Billedet "Perseus og Andromeda" Rubens skabte på et tidspunkt, hvor hans arbejde var særligt følelsesladet og muntert. Ved maleriets perfektion og den høje udførelsesevne er dette værk et af kunstnerens mesterværker. Og her, for Rubens, forbliver det vigtigste, som en person blev født til: kamp, ​​sejr og kærlighed.

Rubens var ikke interesseret i selve Perseus bedrift, ikke i kampen og modstanden, men i jubel over den allerede gennemførte sejr, når der hørtes glædesråb fra kysten og alle priste den mægtige helt. På dette billede optræder Perseus som en triumferende, den bevingede gudinde Victoria (Glory) med en palmegren og en laurbærkrans i hænderne kroner vinderen. Perseus' apoteose bliver livets triumf, ikke længere overskygget af noget, smuk og glædelig. Og Rubens løser denne kunstneriske opgave med en sådan fuldstændighed, med en så fængslende kraft, som han indtil nu næsten ikke har mødt. Den intense indre dynamik i hver linje, hver form, deres voksende rytme opnår en exceptionel udtryksfuldhed her. En uimodståelig kraft, der bryder ind som en hvirvelvind, et eller andet sted udenfor, giver hele kompositionen og hvirvlende bevægelser, som i et hvirvelstrøm, en enkelt retning.

S.M. Sandomirsky

Robert Wallace i bogen Leonardos verden, M., 1997 skriver: "Af de to problemer, som forfatterne af Den sidste nadver stod over for i århundreder, løste Leonardo problemet med at identificere Judas med den største lethed. Han placerede Judas på samme side af bordet som alle andre, men adskilte ham psykologisk fra andre med en ensomhed, der er meget hvidere knusende end blot fysisk adskillelse. Dyster og koncentreret vigede Judas tilbage fra Kristus. På den, som det var, et ældgammelt segl af skyld og ensomhed.
Judas sidder med alle, som en apostel i rækken af ​​apostle. Kristus er ensom, det er derfor han er ked af det, men hvem der er mindst ensom er Judas. Derfor hans selvsikre styrke. Og han er ikke skyldig, for samtalen på billedet handler ikke om forræderi, men om at redde sjæle hos mennesker, der er mindst bekymrede over dette.
Tænk på apostlene, selvom de efter det der er blevet sagt ikke længere beslutter noget.

12 11 10 9 8 7 Kristus 1 2 3 4 5 6
Bartholomew John Thomas Philip Matthew
Peter Jacob Simeon
Judas

1.Foma i døråbningen på lys baggrund. Højre hånd er komprimeret, pegefingeren er oppe: "Gud vil ikke tillade sådan en forbrydelse."
2. Jakob ser med rædsel på den nye pagts blod, der fosser fra hans håndled. Udbredte arme og hænder holder Kristi ord tilbage og forsøger at beskytte dem bag ham.
3. Philip presser fingrene mod hans bryst og i lyset af en bøn: "Stol på mig, det er umuligt fra min side."
4. Begge hænder tager imod Kristi ord og spørger med et blik den 6.: "Er det muligt, hvad han siger."
5. Simeon tager imod Kristi ord med sin højre håndflade og spørger den 6..
6. Matthæus, begge håndflader er rettet mod Kristus, - han vender sine ord tilbage: "Det er umuligt!"
7. John. Fingrene er knyttet sammen og ligger på bordet og viser angst, svaghed. Han svingede skarpt til venstre med lukkede øjne. Hovedet hviler hjælpeløst på skulderen.
8. Peter. Venstre hånd modtager Kristi ord og beroliger den 7.. I hans højre hånd er en kniv - han er klar til at dræbe forræderen.
9. Judas: stabil lav styrke, selvretfærdighed, beslutsomhed, energi.
10. Hævede håndflader i brysthøjde: "Hvem er forræderen?" Hans blik skelede mod kniven.
11. Højre hånd på skulderen af ​​den 10.: han er enig med ham. Hun accepterer Kristi ord.
12. Bartholomew rejste sig resolut og er klar til at handle.
Generelt tillader den rigtige gruppe af apostle ikke forræderi; den venstre indrømmer en sådan mulighed og er fast besluttet på at straffe forræderen.
I hvor meget svingede Johannes til venstre og frigjorde fuldstændig vinduet - lyset af Kristi sandhed, og Thomas, der var i vinduet på Kristi niveau, men stolede ikke på sig selv, men på Gud; hvordan den 2. apostel blev kastet til højre, hvordan resten af ​​disciplene blev blandet sammen, forvirrede, småforvirrede, udtalte Leonardo da Vincis tanke om, at ideerne om offer og frelse, budene i det nye testamente om Kristus ved apostlene - disse svage mennesker - vil ikke blive udført, og hans offer vil være forgæves. Dette er grunden til Kristi modløshed. Desuden hylder kunstneren selv den jordiske Guds høje aspiration og offer.