10. januar 2016 markerede 109-året for fødslen af \u200b\u200bden berømte Kuzbass-kunstner Ivan Yegorovich Selivanov.

Han blev kaldt den sibiriske Pirosmani og Van Gogh, og dette er på mange måder en sand sammenligning. I nogen tid svømmede kunstgæster, kunstkritikere og beundrere rundt om dem begge - dog både Pirosmani og Selivanov døde alene og fik postume berømmelse.

Jeg gik lang og hårdt til mit sted

Den berømte Kuzbass primitivist kunstner Ivan Yegorovich Selivanov bliver født den 10. januar 1907. ”Jeg blev født i Arkhangelsk-provinsen i Shenkur-distriktet i Eden landsbyråd i landsbyen Vasilievskaya af en fattig bondefarmt familie,” mindede han selv.

Senere skrev han: ”Jeg blev født af min mor Tatyana Egorovna ikke for store penge, ikke for et luksuriøst liv, men simpelthen for livet som enhver levende væsen i naturen. Han blev opdraget blandt tiggerklassen. Hele mit liv gik alt mit arbejde for ingenting, men hvorfor - jeg ved det ikke. Vil der virkelig være sådanne mennesker, der vil sluge mit arbejde som en grådig krokodille eller smide det væk? Fremtidige generationer vil ikke rose sådanne mennesker. "

”Min far døde tidligt i 1912. Min mor har tre sønner tilbage fra sin far: den ældre bror var i 1904, jeg i 1907, den yngste i 1912. Min mor og bror Sergei og jeg straks efter min fars død måtte gå for at indsamle almisse for Jesu Kristi skyld. I 1922 gik jeg til nabobyen Ivanovskaya som hyrde. Det var umuligt for vores mor og vores tre brødre at bo i vores landsby på grund af mangel på jord. Jeg forlod mit hjemland - landsbyen i 1924 den 5. februar. Min andel og lykke var vanskelig på den forkerte side, der var også tiggeri ... "

Ivan Egorovich har prøvet mange forskellige værker i sin levetid. Han arbejdede som smed, låsesmed, brandmand, komfur-maker, vagter, levede hårdt og dårligt. Han mestrede kunsten til komfur til perfektion, efter at have lagt så mange gode ovne på sin samvittighed, at han kunne leve et århundrede i ære og tilfredshed, men hans sjæl ventede på noget, han kunne ikke sidde et sted.

Og så blev livet sådan: i mange år vandrede han. Besøgte mange byer. Han gik til byggepladser i Murmansk, Arkhangelsk, Onega, Sverdlovsk, Zaporozhye. Her valgte han sin kone Varvara Illarionovna i hele sit liv. Sammen med hende gik han til Leningrad, hvor de blev fundet ved den store patriotiske krig. Det var derfra i 1941, at Ivan Yegorovich blev evakueret til Kuzbass. Først bor han i Novokuznetsk, Mundybash, arbejder som hammer, læsser, låsesmed, gipsarbejder. Jeg tænkte aldrig på kunst, der var ingen tid ...

Og i 1943 flyttede han til Prokopyevsk.

I minearbejderstaden besluttede han at tage jernbanen som linjeman. De boede i landsbyen Golubevka. Og det sted, hvor Ivan Yegorovich senere, i 1951, byggede et hus til sig selv, blev kaldt Mars. Han åndede eksotisk, romantik, plads. Det var ikke for ingenting, at Ivan Yegorovich sad på verandaen til huset om sommeraftener og så på stjernerne over hans hoved.

Selivanov kom ikke straks på ideen om at male. I 1946 så han et maleri i en butik. Høstakens glans overraskede ham og foruroligede hans sjæl. I hans egne ord "har en revolution fundet sted i livet, en storm er steget i hele kroppen som i havet." Jeg ville tegne mig selv.

Og i sin første tegning i sit liv skildrede Selivanov en spurv. På dette tidspunkt var han næsten 40 år gammel. Så allerede i voksenalderen begyndte han at male. Først - med en blyant, senere - mestret oliemaleri.

Venner og slægtninge lo af mig: ”Hvad syntes du, excentrisk, at studere ved fyrre! Og hvorfor? Noget bagatel, tegning. " Kona var også indigneret: "Det ville være bedre, hvis han satte ovne på!" Men jeg blev født hårdt, hvad jeg tænkte på, så pludselig en række, men jeg vil gøre det, ”mindede Selivanov om begyndelsen på sit arbejde. Som eksperter senere overvejer, er hans vedholdenhed iboende i selve efternavnet: det stammer fra det kanoniske mandlige navn Selivan (fra latin silvanus - "skovenes gud").

Alt set, oplevet krævede nytænkning, synlig udførelse. Så tilsyneladende fødes digtere, musikere, forfattere, kunstnere. En gnist talent brænder stærkt op blandt begavede mennesker, uanset tid og alder ...

Ved en tilfældighed så han i en avis en reklame for optagelse af amatørkunstnere til Moskva Extramural People's University of Arts opkaldt efter N.K. Krupskaya (ZNUI). Ivan Yegorovich sendte dokumenter og en tegning af en spurv til Folkeuniversitetet. Og snart modtog han en besked om tilmelding, Yulia Ferapontovna Luzan blev udnævnt til lærerkonsulent.

Ivan Yegorovich viste sig at være en stædig, lovende studerende. Dette blev bemærket af erfarne lærere og kunstnere. De gjorde alt for at videregive deres viden til ham.

”Jeg begyndte at studere kunst og kreativitet i september 1947. Jeg studerede uden tidsbegrænsning under påskud af hvad der vil ske og hvad der vil ske. Indtil nu tegner jeg efter anmodning fra min lærer Aksenov Yu.G. til illustrationer til lærebøger og litteratur, hvilket er meget, meget vigtigt ikke kun for Correspondence University of Arts, men for hele landet, og jeg stammer ikke over min løn til nogen. Det passer ikke til mit ansigt. Før eller senere vil folk forstå mit uvurderlige - kolossale arbejde ”- minder I.Ye. Selivanov senere.

At blive kunstner

Efter at have indtastet ZNUI blev Ivan Yegorovichs liv fyldt med nyt indhold, glad kreativitet. ”Kunst var ikke et mål i sig selv for ham, men en måde at udvikle sig selv og reagere på verdens smerte på,” mindede hans anden lærer Yuri Grigorievich Aksyonov, der blev udnævnt til ham efter Yu.F. Luzan. Med Yu.G. Aksenov, kunstneren konsulterede og svarede i 40 år.

Selivanovs første værker var tegninger farvet med akvareller eller farveblyanter. I centrum af hans arbejde er et objekt, dyr eller person som et selvforsynende fænomen.

Lærerne på kurserne, der underviste Selivanov, gættede selvfølgelig på det enorme talent, der var skjult i deres Prokopyevsky-studerende. Men da han i 1956 sendte dem et portræt af pigen, blev de selv forbløffet. Det var Selivanovs indsigt, hans "fineste time".

Eksperter kaldte straks "Pigen" "amatør Gioconda" og så i hende ifølge Yu.G. Aksenova, ”kunstnerens etniske fortælling om sit hjemland Nord. I den gyldne-solrige farvning af dette værk så det opmærksomme blik et diskret nordligt landskab, der for evigt forblev kunstnerens kæreste hukommelse. "

Siden den tid har Ivan Yegorovich arbejdet meget: han laver selvportrætter, portrætter, stilleben, landskaber, dyriske værker og skildrer også sin egen ikke velstående økonomi: en kat, en kylling, en hane.

Alle værkerne - og der er allerede omkring 400 af dem - sendes straks til Moskva: "For eftertiden, for nye generationer" opbevares mange af hans værker i hovedstaden nu. Det var Moskva, der "opdagede" Selivanov. Film om ham, udstillinger - alt blev udtænkt og organiseret her. Lokale myndigheder og repræsentanter for den "kreative intelligentsia", "fagfolk" anerkendte ikke kunstneren.

Selivanov nægtede at sælge sit arbejde. I løbet af hans levetid blev der kun solgt to malerier: "Selvportræt" - i Suzdal, og en af \u200b\u200bto portrætter af direktør M.S. Litvyakov - til All-Union Museum of Folk Art. Ivan Yegorovich accepterer ikke længere at sælge sine værker, han stræber efter at sikre, at de alle er samlet ét sted (i Moskva).

Ivan Yegorovich udførte ofte sine værker baseret på hans indtryk af film. Sådan skabte han omkring 50 værker, og de værker, der blev præsenteret for ham i 1978 af Novokuznetsk Museum of Fine Arts, blev lavet i henhold til indtryk fra biografen: "Spartak", "Anka maskingeværen", "Pavka Korchagin".

Hans tegninger "Napoleon", "Lomonosov", "Copernicus", "Robespierre" er iøjnefaldende i deres strenge lighed med det originale billede og en slags naiv enkelhed i håndteringen. Som en genfortælling af en klassisk tekst med dine egne ord. Kunstneren malede tegningen "Spartacus" uden at læse Giovagnolis roman. Ifølge eksperter "skrev han det på samme tid i antik klarhed, slavisk uskyld og mildhed."

Ivan Egorovichs værker blev anbefalet til visning på større kunstudstillinger. De får de mest entusiastiske karakterer. Kunstneren Robert Falk, der så sin "Pige", udtrykte sig kort: "Pas på" - hvilket betyder både maleriet og forfatteren. Og kunstkritiker Mikhail Alpatov skrev i Tvorchestvo-magasinet: ”Og vi kan være stolte af amatørkunstnere. Blandt dem er der dem, der kan placeres ved siden af \u200b\u200bNiko Pirosmani og Henri Rousseau, som fortjent tog deres pladser på kunstmuseer. "

Ivan Yegorovichs malerier blev udstillet i mange byer i vores land og i udlandet: i Paris, London, Prag, Berlin, Bonn, Budapest, Montreal, New York. Akademiker for maleri Georgy Nyssa og amerikansk kunstner Anton Refrezhier henledte opmærksomheden på hans arbejde.

Men Ivan Yegorovich selv vidste i lang tid ikke om hans store popularitet og berømmelse, selvom han fra tid til anden blev hjerteligt lykønsket og rapporteret om de anmeldelser, som kunstnere og kritikere giver om hans værker. Han var ikke hovmodig. Han blev tilbudt at sælge et af værkerne i udlandet for en masse penge, men han nægtede blankt: "Alt, hvad der er gjort, tilhører kun mit sovjetiske Rusland." Og alligevel er herlighed herlighed. Han følte tilfredshed, en bølge af mental og fysisk styrke, inspiration og glæde.

I 1969 skød den berømte dokumentarfilmskaber Mikhail Litvyakov filmen "People of the Kuznetsk Land", hvor en af \u200b\u200bnovellerne var dedikeret til Ivan Selivanov. Og i 1984 blev der udgivet en spillefilm af instruktøren Viktor Prokhorov "Seraphim Polubes og andre jordens indbyggere", baseret på Selivanovs biografi, og hans værker blev vist. Filmen fortæller om en selvlært landsbyskunstner, den såkaldte "naive" maler. Publikums opmærksomhed blev bogstaveligt nittet af de skud, hvor kunstnerens værker blev vist. Hund. Ko. Pik. Pigen fodrer kyllingerne. Kat. Selvportræt. Malerierne forbløffer med renheden af \u200b\u200bdet forbløffede barns blik og modenheden af \u200b\u200bmesterens håndskrift.

Forresten, da premieren på denne film foregik i den centrale biograf i Prokopyevsk, var der ingen der tog sigte på den gamle mand, der blev bragt ind af to lærere. Så premieren på filmen fandt sted for Selivanov selv.

Dyr og fugle indtager et af de centrale steder i Ivan Yegorovich Selivanovs arbejde. Kunstnerens naturlige talent afslørede for publikum "Girl with Chickens", "Lion in the Forest", "Landscape with a Wolf", "Puma", "Dog", "Family of a Rooster", "Deer", "Cat" , "Landskab. (Køer) ". Han skildrer dem med stor fantasi, omhyggeligt, kærligt og giver dem lur, enkelhed, som om han humaniserer deres billeder: med store, tankevækkende, triste ”Selivanovs” øjne, hunde, køer og fugle ser på os fra kunstnerens tegninger.

Selvom de officielle forbindelser med Folkeuniversitetet er afsluttet, har Selivanov sendt sine malerier derhen i næsten fire årtier. Han sendte Yu.G. Aksyonov har et stort antal lignelser og dagbogsposter og kalder dem "skrifter til udvikling af et personligt hjernesystem." Disse er følelser, overraskende i deres nøgenhed, og Selivanovs elskede tanker, "klodset" i sprog, om liv, arbejde og kunst.

Her er nogle af dem: ”Jeg elsker meget dyr. Den, du vil have fra hukommelsen, kan jeg tegne. Naturen giver os et humør, en følelse af skønhed. Uden dette kan der ikke være nogen kunstner. "

Kunstneren ledsagede landskabet ”Mit hjemland, mit hjem” med følgende ord: “Jeg elsker dig, russisk land, efter mørkets mørke, når solen står op. Alt trækker vejret, alt griner, ser ind i øjnene. Dit hjerte glæder sig, din sjæl danser. Hvor god du er, russisk land, mit moderland! "

Tilståelse

I de bedste værker af I.E. Selivanov - og disse er hovedsageligt portrætter - viste gaven med en livlig forståelse af naturen. I tyve år lavede han fyrre portrætter af sin kone. I portrætterne formår Selivanov at formidle lookens "soulfulness". Dette udseende, som i gamle ikoner, forlader ikke seeren, "guider" ham fra hvor som helst han ser på billedet. Normalt er et af Selivanovs bedste værker imponerende - hans "Selvportræt". En skægget gammel mand, der kender sin egen værdi, en slags vismands-troldmand fra russisk folklore, en bærer af evige sandheder, en fortryllet vandrer-sandhedssøger, ser på seeren næsten blank med lyse øjne. Ivan Yegorovich selv i livet er en lille spire med himmelsblå øjne, en helt jordisk person med sine praktiske bekymringer, lidenskaber og ambitioner.

Da hans kone Varvara Illarionovna, der delte vanskeligheder og glæder med ham, døde, blev huset på Mars stille. SYD. Aksyonov minder om, at ”i midten af \u200b\u200b1970'erne blev Ivan Yegorovich pludselig tavs: der var ingen pakker fra ham med værker, ingen breve. Er du bekymret, hvis der er sket noget? Og pludselig et år senere kommer et billede: Vasya, en Selivanov-kat med triste øjne, sidder i sneen. Det blev klart: der opstod en ulykke. " Den blå skygge fra katten med sin gennemtrængende blå kølede publikums sjæle og understregede, at den krympende figur blev opgivet. Katens øjne så ud til at råbe: "Hvorfor har I alle glemt alt om mig, stakkels fyr?" Dette er en følelse af frygtelig ensomhed, når det ser ud til, at der i hele universet, mørkt og formløst, kun er dig alene. For Ivan Yegorovich var det et år med alvorlig depression.

I 1985 trådte Ivan Yegorovich ind i Insky-hjemmet for ældre og handicappede, der ligger ved bredden af \u200b\u200bBelovsky-reservoiret nær byen Belovo. Var på statsstøtte og modtog, som han sagde det, en lønpension. To værelser blev tildelt til ham, et af dem til værkstedet. Han tilbragte hele dagen ved staffeliet. Han fremkaldte forskellige følelser hos dem omkring ham. Personligheden er mystisk og vigtig for indbyggere, usædvanlig. Legender, sommetider absurde, begyndte at blive født omkring hans navn. Misundelige mennesker bagvaskede hans arbejde og sammenlignede det med basaren isochaltura, idet han foragteligt talte om sit liv uden for husets vægge.

I Kuzbass åbnede Ivan Selivanov kun for et bredt publikum i 1986. Derefter, efter artiklen af \u200b\u200bVladimir Dolmatov i avisen "Sovjet-Rusland" "Blå kat på hvid sne", blev navnet Ivan Yegorovich hørt næsten i hele landet. Samme år i Kemerovo og Novokuznetsk blev der afholdt to personlige udstillinger af kunstneren efter hinanden.

At sige, at publikum var bedøvet, er at sige meget lidt. Vores, velkendte for os og samtidig en helt ny virkelighed, åbnede sig for publikum. Nyt univers. Tilskuerne gik rundt og, chokeret, torturerede hinanden, hvorfor gør hjertet ondt ved synet af en trist abe, og hvad fascinerer "Rooster Family"? Ivan Yegorovich selv, lille og uden besiddelse, i nye presenningsstøvler, og han genkendte kun filtstøvler og presenningsstøvler, en usædvanlig jakke og hue, forklarede ikke noget. Han så klog og snedigt ud, som om han ikke var involveret i spændingen, der flammede op omkring ham. Og først da han stod ved siden af \u200b\u200bsine selvportrætter, blev det klart - det er alt hans. På dem portrætterede Selivanov altid sig selv som magtfuld, fuld af indre styrke. Der var mere end nok styrke i ham.

Og dette til trods for at hans talent i kredse af specialister længe har været anerkendt som en national skat. I et brev til I.E. Selivanov, tilsvarende medlem af Academy of Arts S.M. Nikireyev skriver: ”For mig er du en kunstner med enorme, sjældne talenter, som det russiske land sjældent føder. Du er et utroligt stærkt talent. Jeg ønsker dig at være sund og sikker på, at du er en klump med ekstraordinær vægt og glans. "

Den sidste livsudstilling af I.E. Selivanova fandt sted i 1987 - i året for kunstnerens 80-års jubilæum. Ivan Yegorovich fejrede sin 80-års fødselsdag af en berømt amatør kunstner fra Den Russiske Føderation. På pensionatet for Insky malede han sine sidste malerier: "Selvportræt" og "Portræt af en mor".

Det var Yuri Grigorievich Aksyonov, der foreslog, at han skulle male et portræt af sin mor. Ivan Yegorovich tænkte alvorligt over dette og begyndte at huske, hvordan hans mor forblev i hans hukommelse. Han havde ikke set hende siden hun var tyve; hun døde i 1937. Og nu vises ansigtet på en ægte nordmand fra landsbyen Vasilievskaya, Shenkursk-distriktet, Arkhangelsk-provinsen, på billedet. Lyse øjne, let frodigt hår, sædvanligvis samlet i en bolle, et simpelt russisk ansigt. En bondekvinde, hvis hænder snurrede, vævede, æltede dej og dyrkede et lille stykke jord. En kvinde med bitter skæbne, efterladt uden en mand med tre børn og tvunget til at sende dem, voksne, med at rive dem væk fra hjertet, "ind i mennesker". Den højeste enkelhed, endda hellighed i dette ansigt. Det var nødvendigt at leve et så langt og vanskeligt liv, at Ivan Yegorovich levede for at forstå billedet af sin mor og se et glimt af det evige i sine oprindelige træk.

... Ivan Yegorovich døde den 1. marts 1988 alene. Han blev begravet i landsbyen Inskoy, Belovsky District, Kemerovo Region, på den lokale kirkegård. Kun fem dage levede han ikke for at se den dag, hvor de viste en dokumentarfilm om hans liv, hvor han betragtede det som "helligt at arbejde indtil de sidste dage af sit liv."

Hans venner og beundrere forlod ham og filosoferede over hver tomme af hans maleri om hvert ord, han skrev. Men I.E. Selivanov efterlod os et profetisk ord: "En person lever, så længe han nyder livet." Han efterlod ufuldstændigt værdsatte skrifter-legender, den begyndte historie om to Arkhangelsk-drenge.

Hans navn er inkluderet i "World Encyclopedia of Naive Art", som blev offentliggjort i Storbritannien. Hans værker vandt tre Grand Prix på de internationale udstillinger i Paris. I fire årtier med kreativ aktivitet har kunstneren I.E. Selivanov efterlod hundredvis af malerier og skitser. Nogle af dem opbevares i Prokopyevsk Museum of Local Lore.

I 1990 udgav Molodaya Gvardiya forlaget en bog af I.Ye. Selivanov og N.G. Kataeva "Og der var liv ...". Bogen indeholder reproduktioner af kunstnerens malerier og hans dagbøger. I dem talte han om tragedien, smerten og skønheden i det russiske liv.

... Både den georgiske kunstner Pirosmani og Selivanov har frem for alt de samme skæbner. Begge vidste om deres høje gave. Begge var hjemløse og fattige. I nogen tid strømmede kunstgæster, kunstkritikere og beundrere rundt om dem begge. Imidlertid døde både Pirosmani og Selivanov alene og fik berømmelse efter døden. Billedet af Rusland af Ivan Selivanov er tålmodighed og vilje, lidelse, styrke og selvopofrelse. Ekstremt tilbageholdt, strengt og anstrengende arbejde. Han var den samme i ordet. Og der, og her - uselvisk magt og absolut enkelhed i udtrykket.

Solens herlighed belyser ikke ofte folks særprægede kunstnere. Derfor vil jeg virkelig have dette enkle, venlige, ærlige og ædle navn - Ivan Yegorovich Selivanov, der mere end én gang har gloreret folkekunst på udstillinger i vores land og i udlandet, ikke at blive glemt. Fordi denne kunstners arbejde fra folket er vores nationale velstand, som skal beskyttes.

Baseret på materialerInternet

Alvorligheden og spiritualiteten i det russiske nord - hans hjemland - lever i hans værker. Et andet særpræg ved Selivanov er hans ejendommelige filosofi, der afspejles i de dagbogsposter, som kunstneren har opbevaret gennem årene.

Den farverige stil med livlig folketale, levende billeder af minder og drømme, aforistiske udsagn - alt dette gør Selivanovs dagbogarv ikke mindre værdifuld end hans kunstværker.

”Du kan ikke finde ud af det selv uden andres hjælp. Måske er dette en besynderlighed? Djævelsk kraft i mine hjerner? .. ”- disse ord fra Selivanov kunne sættes som en epigraf til hele studiet af naiv kunst.

I.E. Selivanov, opdaget af Muscovites på udstillinger i de såkaldte klubber i den kreative intelligentsia - det centrale kunsthus, det centrale hus for kunstnere, bestyrelsen for kunstnerunionen på Gogolevsky Boulevard - blev opfattet som et frisk pust, som bevis for, at folkekunst stadig lever, på trods af årene med dens statsudnyttelse og perversion ...

Det var med Selivanovs arbejde og flere andre originale kunstnere "opdagede" i disse år, at en bølge af universel begejstring for naiv kunst begyndte og nåede sit højdepunkt i 1970'erne.

Den første lærer Selivanov ved Moscow Extramural People's University of Arts opkaldt efter N.K. Krupskaya (ZNUI) Yulia Ferapontovna Luzan i 1947 kom op med en glad idé: at bede en studerende om at tegne dyr foran og i profil. Karaktererne i hans tegninger i denne periode var en ko, en hund, en kat, en hane, og indtil slutningen af \u200b\u200bhans liv var de trofaste venner og "samtalepartnere" af kunstneren.

Senere, da Yu.G. Aksenov, en elefant, en løve, en doe dukkede op i Selivanovs værker. Kunstneren henvendte sig til Aksenov med en anmodning om at hjælpe "med at forstå uforståelige ord i al litteratur ... Skriv, som lovet, hvad ikke-objektiv kunst, æstetik, dogmatik er ... Jeg sender i alt fire hundrede ord."

Ivan Selivanov og den kulturelle verden, som han kom i kontakt med, talte forskellige sprog. Han studerede omhyggeligt albummet "Russian Portrait", men det havde ingen indflydelse på hans egne portrætter.

Ingen af \u200b\u200bnaboerne ville stille op for kunstneren. Han portrætterede sin kone, lærere, helte fra populære film - Spartacus, Cleopatra. Den mest betydningsfulde er hans selvportrætter. Selivanov havde det karakteristiske udseende af en russisk bonde - et tykt skæg, en hætte med tykt hår skåret "under en gryde", et gennemtrængende udseende med et lurt udseende.

Han tiltrak opmærksomhed fra tv-journalister, filmskabere, skrev om ham i den lokale og centrale presse. Men stadig havde den cirkel af mennesker, der direkte kommunikerede med kunstneren selv, ikke et tilstrækkeligt højt uddannelsesniveau til at fortolke hans kunst tilstrækkeligt.

Hans kreativitet den dag i dag er ikke beskrevet detaljeret på moderne videnskabs sprog. En særpræget bondefilosof, en fremmed i "udviklet socialisme", Ivan Yegorovich Selivanov projicerede billeder af en harmonisk verdensorden i sit arbejde - et hjem med en køkkenhave, venner, lærere, helte og enhver Guds skabning.

Personlige udstillinger af I.E. Selivanova:

Central House of Writers, Moskva, 1971;

Til ære for I.E.s 70-årsdag Selivanova, Moskva, 1977; Til ære for I.E.'s 80-års fødselsdag Selivanova, Museum of Fine Arts, Kemerovo-regionen, 1986;

Museum for kunst i Novokuznetsk, 1986;

Centraludstillingshal i Moskva-grenen af \u200b\u200bUnionen af \u200b\u200bkunstnere fra RSFSR, Moskva, 1987.

Udstillinger med kunstnerens værker:

Udstilling af værker af amatørkunstnere, studerende på fjernundervisningskurser ved Central Center for Science and Technology opkaldt efter N.K. Krupskaya, Central House of Arts, Moskva, 1965;

Helt russisk udstilling af værker af amatørkunstnere, Moskva, 1960;

All-Union udstillinger af amatør kunstnere i Moskva: 1967, 1970, 1974, 1977, 1985;

Udstilling "100 værker af originale kunstnere", Moskva, Board of the Union of Artists on Gogolevsky Boulevard, 1971;

Jubilæumsudstilling med værker af studerende fra fakultetet for kunst til ære for 50-årsdagen for ZNUI i den centrale udstillingshal i Unionen af \u200b\u200bkunstnere fra RSFSR i Podolsk, 1983-1984;

"Naifs sovietiques" (Frankrig), 1988;

Heltrussisk udstilling af værker af amatørkunstnere til ære for 40-årsdagen for det sovjetiske folks sejr i den store patriotiske krig, All-Russian Museum of Folk Art, Moskva, 1985;

Golden Dream, 1992;

"Paradise Apples", 2000;

"Festival-04".

Samlinger af malerier af I.E. Selivanov opbevares:

Statens hus for folkekunst;

Vladimir-Suzdal Museum-Reserve;

museum "Tsaritsyno", Moskva.

Filmografi:

"Folk i Kuznetsk Land", dir. M. Litvyakov, Leningrad Documentary Film Studio, 1969;

”De har malet siden barndommen,” dir. K. Revenko, Central-tv, tv-film, 1979;

"Kuzbass Pirosmanashvili", Kemerovo tv-studie, 1981;

"Seraphim Polubes and Other Inhabitants of the Earth" (spillefilm, hvor værker af Selivanov blev brugt), inst. V. Prokhorov, Mosfilm, 1984;

"Blå kat på hvid sne", dir. V. Lovkova, TsSDF, 1987.

Litteratur:

Shkarovskaya N. Folkeamatør kunst. L., 1975;

World Encyclopedia of Naive Art. London, 1984. S. 529;

Ivan Selivanov er maler. Essays om kunstneren. Kemerovo, 1988;

Selivanov I.E., Kataeva N.G. Og der var liv ... M., 1990;

Udstilling af værker af amatørkunstnere, studerende på fjernundervisningskurser ved Central Center for Science and Technology opkaldt efter N.K. Krupskaya, Central House of Arts, Moskva, 1965.

Katalog over artikler i trykte medier:

Alpatov M. Direkte og oprigtigt // Kreativitet. 1966. Nr. 10;

Gerchuk Y. Er primitive primitive? // Skabelse. 1972. Nr. 2;

Baldina O. Andet kald. M., 1983;

Aksenov Y. Se med dine egne øjne // Kunstner. 1986. Nr. 9;

Shkarovskaya N. Kærlighedens tiltrækning til naturen // Ogonyok. 1987. Nr. 36;

Amatør kunst // Amatør kunst: Essays om 1960-1990'ernes historie. SPb., 1999.

FATTIGE KUNSTNER ER SKÆBEN?! NOGLE FAKTA FRA IVAN SELIVANOVS LIV

Navnet på prokopchaninen Ivan Selivanov er inkluderet i "Encyclopedia of Naive Art" udgivet i Storbritannien. I udlandet blev Ivan Egorovich kaldt den russiske Pirosmani og Van Gogh, han kom ind i top ti naive kunstnere i Rusland.

Hans værker blev eksporteret til London og New York, solgt ulovligt, og han tappede i fattigdom. I 45 år har Selivanov skrevet hundreder af malerier og skitser, men hans dagbøger med deres egne filosofiske synspunkter er ikke mindre interessante. En lille samling af hans værker opbevares i det lokale historiemuseum i Prokopyevsk, ca. hundrede i Moskva i det statslige russiske hus for folkekunst.

Jeg er psykisk syg ... Hvorfor befandt jeg mig under sådanne forhold? Hver røvhul-baba styrer mig! Det påvirker også hele kroppen, hjernesystemet ... Dette er et citat fra filmen “Ivan Selivanov. Fragmenter af livet "

På Central City Hospital opkaldt efter Gogols salon "Artist" afholdt en aften til minde om Ivan Selivanov. En e-bog dedikeret til den originale kunstner fra Prokopevsk er kommet på bibliotekets hjemmeside. Det inkluderer artikler om Selivanov, tidligere upublicerede fotografier og reproduktioner af malerier. I 20 år samlet kunstkritiker Galina Stepanovna Ivanova lidt efter lidt materiale til bogen.

I april 1986 blev kunstneren inviteret til Dialog-biografklubben, han besøgte Dostoevsky-museet og Kuznetsk-fæstningen. I værkstedet for Vitaly Karmanov, hvor han blev bragt, blev han overrasket over, at en kunstner kunne have så mange rør maling.

Beundrere af Selivanovs kreativitet har opbevaret plakaterne til den personlige udstilling, der fandt sted den 22. oktober 1986 på Novokuznetsk Art Museum.

Selivanov tilbragte sine sidste år på et kostskole for ældre og handicappede i landsbyen. Inskoy. Han oplevede sin stilling som manglende frihed og kaldte sig selv en bureaukratisk person, der på baggrund af en uorden i hans sjæl ikke kan arbejde.

- Jeg er syg mentalt ... Hvorfor befandt jeg mig under sådanne forhold? Hver jævla har kontrol over mig! Det påvirker også hele kroppen, hjernesystemet ...

Han boede ikke længe i sit eget hus, hvor han blev transporteret et år før sin død. Den 5. marts 1988 blev Selivanov begravet.

På et af hendes besøg i Selivanov bragte Galina Ivanova (på kunstnerens anmodning) Ivan Yegorovich en tallerken og en stegepande. Så viste det sig, at han brugte denne plade i stedet for en palet.
Han dækkede gryden med en avis, lagde et krus opløsningsmiddel i den og begyndte først derefter at skrive. I de senere år har han arbejdet i olie.

Lenkom-teatret turnerede i Novokuznetsk, og skuespillerne Nikolai Karachentsov og Oleg Yankovsky kom til vores studie (film-fotobureau KMK). Bogstaveligt talt dagen før besøgte en kenderen af \u200b\u200bmaleri og samler Yankovsky Selivanov uden at vide om ejerens excentriske disposition.

Jeg er en berømt skuespiller Oleg Yankovsky, - begyndte fra tærsklen til Lenkom.

Den populære skuespiller havde intet andet valg end at følge den gamle mands råd. Han så værkerne af kunstner-nugget senere - i dokumentarfilmen af \u200b\u200bS. Shakuro og V. Skoda. Nikolai Karachentsov så med ægte beundring på den lille (højde 154 cm!), Skæggede bonde, alt var overrasket:

Hvilken solid karakter!

Den næste dag bragte Nikolai Petrovich hele truppen til screening ...

Når du læser hans tanker, tror du, at dette er en rigtig filosof:

”Mennesket er ikke født af sig selv, han kommer til denne verden af \u200b\u200ben eller anden ukendt årsag, og han er forbundet med alle levende ting.
Hvis en person er ærlig over for sit arbejde og sine kammerater, så opfylder han loven om retfærdigt socialt arbejde. "

”For at leve en dag med sand sandhed på jorden er du nødt til at arbejde meget fra morgen til aften med dig selv. Så hjertet og sjælen i deres renhed var lig med rav eller solens stråler. "

”Jeg betragter det som en velsignelse at være uafhængig af andre, at spise rugbrød med kartofler i skrællede uniformer og en smule salt og vand. Lad det være ubehageligt og snavset i min hytte, det betyder ikke noget. Af hensyn til vigtigheden vil jeg betragte det som varmt i min hytte om vinteren. Der er lige så mange gamle mænd som mig, unge kvinder og gamle kvinder over hele jordskorpen. "

IVAN SELIVANOV: LIV OG SKÆBEN

« Jeg blev født af min mor ... ikke for store penge, ikke for et luksuriøst liv, men bare for livet som enhver levende væsen i naturen". Så tænkte og skrev helten i vores artikel, en unik russisk kunstner og tænker Ivan Yegorovich Selivanov (1907-1988).

Nej, officielt var han ikke en "folkekunstner" - han modtog ingen akademiske titler og regalia fra staten. Men han var en ægte "kunstner fra folket" i Sovjetunionen. Sammen med Niko Pirosmani og Efim Chestnyakov er han menneskehedens ejendom. Og hans dagbøger, hvad angår indhold og dybde, kan kaldes ægte folkelig visdom ... Vi fortæller dig i dag om ham, hans skæbne og tanker.

Denne artikel er ikke en biografisk skitse, vi har ikke sat os selv til at belyse Ivan Selivanovs livssti, men vi kan stadig ikke undvære en kort introduktion. Her er hvad den lokale historiker, forsker i hans liv og arbejde Nina Grigorievna Kataeva skriver:

« Kunstneren mødte mig i et hus bygget på et kostskole for arbejdsveteraner i landsbyen Inskoye, Belovsky District, Kemerovo Region. Huset blev bygget som en hytte, hvor Selivanov boede i fire og tredive år. Gamle år, svaghed og ensomhed tvang os til at skille sig ud med hende, og efter et år med sorgfuld eksistens i det ubehagelige rum på et plejehjem var den gamle kunstner endelig følte, at lokale ledere bryr sig om mig selv».

Læreren til Selivanov, denne originale kunstner, landsbykomfurproducent, Yuri Grigorievich Aksyonov fra Moscow Extramural People's University of Arts, talte om ham sådan: ”Det eneste, som hans liv reddede ham fra, var fra lejren. Alt andet var der. " Hvad med resten? Faktisk alt. Uretfærdige beskyldninger, sult, kulde, fattigdom, ensomhed, vandring uden arbejde. Men måske var det takket være denne skæbne, at kunstneren formåede at forblive krystalklar indtil sin sidste åndedrag.

En kunstkritiker fra Polen, der på en biografaften i Moskva i RSFSR's Kulturministerium havde hørt, at der endnu ikke er fundet en anstændig tilflugt for Selivanovs arv, udbrød overrasket:

- Ja, hvis vi havde en sådan kunstner som din Ivan Yegorovich, ville vi give ham det bedste museum i Warszawa!

Nå, polakkerne ville måske have givet det. Der er ingen profet i sit eget land.

Langdistanceløberens ensomhed

Selivanov selv behandlede op- og nedture af skæbnen ikke kun stoisk, men snarere ydmygt som uundgåelig. Han betragtede sig slet ikke som en kunstner.

- Jeg er en mand, der maler mellem husholdningsvirksomheder- han sagde. Og han henviste gentagne gange til Leo Tolstoj, som, da han blev spurgt, hvorfor han havde kontinuerlige grafer og prinser i sine karakterer, svarede:

"Fordi de kan kontrollere historien."

Selivanov mente også, at de fattige ikke kan påvirke forløbet af historiske begivenheder. Og da de forsøgte at overtale ham og sagde: "Du er en skaber, og du kan ikke lade være med at påvirke livets gang!", - gentog sin egen: "Nej, jeg er tigger".

Og han behandlede penge på samme måde. Da bedrageren lokket fra ham alt, hvad han kunne få til udstillingerne, trak han bare skuldrene op: "Nå, hun har tilsyneladende brug for det mere ...".

Ivan Yegorovich efterlod mange dagbøger - her og "Kunstnerens profetiske drømme" og "Hvor er du, lykke?", Og "Fortællinger og lignelser" ... Og han betragtede sig særligt vigtig for sig selv notesbogen med som vi nu delvist bliver bekendt med.

"Påvirker alle"

Dette er præcis hvordan - "Bekymrer alle" - Selivanov betegnede en af \u200b\u200bsine dagbøger. Og det var naturligvis ikke forgæves - det handlede om mange vigtige ting. For eksempel om det ubrugelige, efter hans mening, det sovjetiske system for uddannelse og opdragelse ("Jeg ved ikke engang, hvem af de læsefærdigheder, der kan tage den vigtige opgave med at uddanne en person. Mens alle ser på denne sag med afkøling, vedrører det ingen. Så folk lærer for sig selv - hvordan det viser sig ... Er det fordi der er så mange huller i vores tilstand? Og der er alle slags "lag", og dem der nyder privilegier i livet? ").

Selivanov skriver om korrupte forfattere der, og om arbejde som livets basis og om Moskva, der led så meget, men forblev Moskva ... Selivanov skriver også meget om kærlighed.

« Jeg snyder ikke min kone Varenka. At ændre din kone betyder det samme som at forråde dit hjemland. Jeg foragter sådanne mænd altid og overalt. I krigstid blev de, der forrådte deres hjemland, stillet op mod muren. Og for forræderi, hvilken kugle fortjener en mandlig mand?».

Selivanov kalder sig selv "Kaptajnen, der mistede kontrollen over skibet"... Men han skriver stolt det "Serverer folket til et beskedent måltid, til et stykke brød".

For at forklare sine tanker om moral reflekterer han smertefuldt om evige spørgsmål, om de vigtigste mysterier ved at være, om hvad der kommer fra Immanuel Kant, - “ stjernehimlen over os og den moralske lov i os". Selvfølgelig henviser Ivan Yegorovich ikke til Kant, og hans, Selivanovskoe, "stjernehimmel" er en uendelig foranderlig natur, der belønner folk på forskellige måder: til hvem "Instinkt til at stjæle"og til hvem - "Til gode gerninger."

Hans dagbog fra 1982 er meget karakteristisk: ” Gå til den stejle høje bred. Horisonten vil udvide sig foran dig. Du vil beundre det, du ser. I øjeblikket, hvor du reflekterer, kommer en enorm masse mennesker - mennesker vil dukke op fra horisonten. Disse mennesker er bundet og bevæger sig næsten ikke. Hvor? Og det harmoniske system af dine tanker ville straks miste balance efter dit hjertes vilje. Du ville tro - hvad er det? Hvor skal man hen, hvor skal man løbe? Fra en så stor masse mennesker bundet? Der er så mange mennesker i dette menneskelige hav ... Hvorfor er de lænket i jernbånd? Jeg ville spørge fra hjertet af hver af dem ... Ja, du kan ikke bryde loven, du kan ikke nærme dig dem».

Få blandt andre

Så han var, Ivan Yegorovich Selivanov, kunstner, digter og vismand. De mennesker, der kendte ham, var til tider forbløffet - en meget beskeden uddannelse og en tale fuld af værdighed! For eksempel sagde Selivanov: “ Rembrandt er et usædvanligt fænomen, der er få kunstnere som Rembrandt i verden. Måske ti mennesker. I modsætning til resten har de et udtryk for virkeligheden". Men disse ord kan tilskrives Ivan Yegorovich selv. Der er få som ham i verden ...

Andrey Bystrov,

Primitivisme - en maleristil, der stammer fra det 19. århundrede, og som indeholder en bevidst forenkling af billedet, der gør dets former primitive, ligesom de primitive tider.

primitivisme: primitivisme maleri primitivisme i kunst primitivisme malerier anarko primitivisme stil primitivisme primitivisme primitivisme primitivisme kunstnere træk ved primitiv primitivisme primitivisme wikipedia i malerier primitivisme i Rusland malerier malerier i stil med primitivisme primitivisme i litteratur og i malerier primitivisme i filosofi og refleksion i malerier

Maleri, som en individuel sag, udført udelukkende af forfatteren selv, var den første til at drage fordel af denne tilstand, bryde med rutine, mere beslutsomt og længere end andre, og bevæge sig væk fra accepterede æstetiske stereotyper.

Retningen af \u200b\u200bdenne bevægelse - overgangen fra naturalisme til konvention, fra sofistikering til forenkling, fra modernistisk sofistikering til primitivisme - var den samme som i europæisk kunst. Analyse viser, at oprindelsen til denne tendens findes uden for den russiske kunstneriske tradition.

I vendingen mod primitivisme er to modsatte tendenser imidlertid allerede mere eller mindre forskellige fra starten. Den første bærer implicit ideen om forenkling (i rousseauistisk forstand) og svarer til begrebet ”primitiv”. Det andet, der ikke kan skelnes på et tidligt tidspunkt, udtrykker sig også i generelle, betingede former, men dets mål er en lakonisk form som sådan, universalisering af formen, dens forenkling. I første forstand har vores avantgardes primitivisme sine rødder i den russiske mentalitet, i detaljerne i dens bondes livsform, i mytologiseringen af \u200b\u200bsit eget folk, i Tolstojs prædikener om forenkling.

Forskellen med både den tyske og den franske version er indlysende. Der starter det med en appel til oceanisk og afrikansk "primitiv" kunst. Her - fra en appel til forskellige former for russisk traditionel kunstnerisk kultur: til urban folklore, ritualer, nationalt tøj, arkitektur, populære udskrifter, folkelegetøj osv. Disse elementer bruges på forskellige måder af kunstnere som Bilibin, Nesterov, Grigoriev, Kustodiev, Malyavin, Arkhipov, Petrov-Vodkin, Kuznetsov, Larionov, Goncharova, Udaltsova osv. Billederne af bønder i Goncharova og Malevich har et fælles udgangspunkt . I K. Malevichs værker, præsenteret på udstillingen "Jack of Diamonds" i 1910, er indflydelsen fra den originale primitivisme af den Fauvist-farvning, der er karakteristisk for N. Goncharovas arbejde i 1900'erne, synlig. Nogle værker (for eksempel Walking, 1910) giver os mulighed for at tale om Goncharovas indflydelse på Malevich i denne tidlige periode. Imidlertid giver den yderligere skæbne for retningerne i mainstream, som disse kunstneres arbejde udvikler sig, os til at se, at ligheden mellem deres tidlige værker er vildledende. Denne embryonale lighed bevares kun delvist i udviklede former.

primitivisme:
primitivismemaleri
primitivisme i kunst
primitivisme af billedet
anarko primitivisme
stil primitivisme
russisk primitivisme
primitivismekunstnere
egenskaber ved primitiv primitivisme
primitivism wikipedia i billeder
primitivisme i Rusland malerier
malerier i stil med primitivisme
primitivisme i litteratur og malerier
primitivisme i filosofi og refleksion i malerier

I dette, tidligere og efterfølgende indlæg bruger jeg materiale fra Will Gompertzs \u200b\u200bbog "Uforståelig kunst", en række forelæsninger på Garage Museum af Irina Kulik, forelæsninger af Dmitry Gutov, Susie Hodges bog "Moderne kunst i detaljer", BBC dokumentarer, etc.

PRIMITIVISM, FOVISM

I et tidligere indlæg talte jeg om kubismen Picasso og Braque. En af inspirationskilderne til Picasso var en udstilling med afrikansk kunst. Enkelheden og samtidig den primitive kraft og majestæt af træmaskerne overraskede kunstneren. Og ikke kun ham.

Faktisk løber ønsket om denne enkelhed som en rød tråd gennem hele moderne kunsthistorie. På den ene side forsøgte kunstnerne at kopiere stilen til de primitive stammer i Afrika, Australien og Sydamerika og på den anden side børnetegninger.

Generelt blev den glade forventning om ændringer forbundet med den hurtige udvikling af industrien i Frankrig hurtigt erstattet af træthed fra det tempo, som livet erhvervede.

Allerede i slutningen af \u200b\u200bdet 19. århundrede var bevægelsen "tilbage til det grundlæggende" udbredt.

I maleriet, som jeg skrev tidligere, var det Gauguin med sit "tahitiske" tema, flade billede og rige symbolik.

Paul Gauguin, Old Times, 1892

Bevægelsen for at forenkle kunsten tog mange former. For eksempel er værkerne fra den berømte østrigske maler og hovedmedlem af Wien Secession, Gustave Klimt (1862-1918), meget mere raffinerede og dekorative end dem fra den samme Gauguin. Klimt elskede ornament, bronze og guldfarver, udsmykkede tøj. Med den samme enkelhed af linie og todimensionalitet i billedet er Klimts primitivisme luksuriøs.

Gustav Klimt, forventninger, 1909

Gustav Klimt, æbletræ, 1912

Gustav Klimt, Pige med en blæser, 1918

De, der betragtes som grundlæggerne af primitivisme fra det 20. århundrede, boede dog i Frankrig. Maurice de Vlaminck (1876-1958), Henri Matisse () og Henri Derain (1880-1954) beundrede også afrikansk kunst og delte en lidenskab for rige farver som i værkerne fra Van Gogh. De var også forbundet med hollænderen ved troen på, at følelserne på billedet er vigtigere end det afbildede objekt.

Ved at kombinere stammekunstens enkelhed med rige, rene farver har de skabt utroligt livlige og muntre stykker. I dem er farve en måde at formidle følelser på og ikke at beskrive en reel genstand.

Maurice de Vlaminck, Orchard of Orchard, 1905

Maurice de Vlaminck, broen til Chatou, 1907

André Deuren, Estaque, 1905

André Deuren, Charing Cross Bridge, 1906

Henri Matisse, rødløg, 1906

Henri Matisse, Harmony in Red, 1908

"Jeg oversatte til farvesproget det, jeg instinktivt så uden nogen metode for at fortælle sandheden, ikke som kunstner, men som person. Klemmer sig til enden, knækker rør af akvamarin og cinnabar" - sådan er Maurice de Vlaminck beskriver hans værker fra den periode. Faktisk er det farve, der snart bliver kendetegnende for denne treenighed af kunstnere. De besluttede at udstille på Salon 1905. Som sædvanlig var kritik vild. Louis Vossel (en indflydelsesrig kritiker af tiden) hævdede, at malerierne blev malet af "vilde dyr" (les fauves fr.)

Og selv om hverken Matisse, Vlaminck eller Doren ikke ville binde sig med rammen af \u200b\u200bnogen retning, kunne de godt lide ordet.

Fauvisme var bogstaveligt og billedligt en lys flash på kunstens himmel. Faktisk har denne idé om at bruge store pletter af ufortyndet farve i en ramme med en simpel form fået sin logiske fortsættelse i mange kunstnere fra det 20. århundredes arbejde.

Friedensreich Hundertwasser, Vejen til dig, 1966

Roy Lichtenstein, Still Life with a Crystal Vase, 1973

Vilém de Kooning, Untitled 5, 1983

Imidlertid var offentligheden i 1905 endnu ikke kommet sig efter neoimpressinisterne, og så ankom Matisse med sin berømte "Woman in a Hat".

Henri Matisse, kvinde med hat, 1905

Jeg ved ikke, om Madame Matisse i det øjeblik var glad for, at hun var gift med kunstneren, fordi portrættet viste sig at være kontroversielt. Det gulgrønne ansigt, reduceret til et par enkle slag og orange striber af hår, vil ikke være for alles smag. Det kom dog til smagen af \u200b\u200bLeo Stein, en samler og protektor for samtidskunstnere. Han købte Kvinden i hatten og erhvervede mindre end et år Livsglæden, et andet berømt maleri fra Fauvist-perioden af \u200b\u200bMatisse.

Henri Matisse, Livets glæde, 1906

Inspireret af pastorale scener malede Matisse grupper af mennesker, der forkæler forskellige fornøjelser: musik, dans, kærlighed. Og igen er hovedpersonen farve. Folkets figurer er skrevet uforsigtigt og i to dimensioner, selvom selve kompositionen er bygget pænt og harmonisk.

Selve plottet er ikke så nyt som skrivestilen.

Agostino Caracci, gensidig kærlighed, 1602

Kontrasten mellem disse to værker afslører, hvor meget kunstnerens opfattelse har ændret sig. Man får indtryk af, at Matisse hengiver sig, flirter med publikum. Hans livsglede er ikke så meget i handlingen som i selve maleriet: linjen, farven.

Matisse drømte efter hans egen indrømmelse, at kunsten var som en "god loungestol". Selv da Fauvisme forblev i fortiden, fortsatte kunstneren med at arbejde på det samme princip. Forresten blev en pige fra Tomsk, Lydia Deliktorskaya, der forblev hos ham indtil slutningen af \u200b\u200bsit liv og derefter præsenterede adskillige lærreder (efterladt til hende af Matisse i en behagelig alderdom) til Pushkin-museet og Eremitagen, blev en muse, ven og ledsager til ham.

Jeg går lidt til side: for nylig fik en kritik af kunst fra det tidlige 20. århundrede, jeg læste, mig til at se lidt anderledes på Matisses lærred. Bortset fra gennembrud inden for tekniske områder var denne gang også en stagnation i sociale relationer. De sædvanlige livsformer er slidt ordentligt ud. Kunstneren var træt af billedet af en velforsynet borger i en tailcoat, der var hovedkunden.

Ønsket om at bryde er blevet den vigtigste drivkraft. Kubisterne indeholdt naturligvis tydeligst dette princip og smuldrede bogstaveligt tingenes velkendte udseende.

Men andre kunstnere, som en membran, der fanger det, der skete, afspejlede deres utilfredshed med maleriet. De ændrede alt, hvad lægmanden kendte, ødelagde den borgerlige verden på deres lærred. Frivilligt eller ufrivilligt protesterede kunstneren mod de forældede konventioner. Måske er Fauvist-kontrasterne ikke en påstand om glæden ved at være, men den samme udfordring for virkeligheden?

Derfor kvinders grønne ansigter, skødesløs / konventionel tegning. Fra dette synspunkt er Matisses maleri "Livets glæde" snarere ironi eller satire over den europæiske borgeres hedonisme, hvis livsglæde reduceres til kødelig kærlighed, sange og danse. En sådan slikverden med figurer, der ligner tivoli. Men dette synspunkt er ikke særlig populært. Alligevel fortolkes Matisses arbejde ofte som et udtryk for glæden og lysstyrken ved at være.

Kunst som en glæde for øjnene og hjertet er et princip, der ikke kun var tæt på Matisse. Og hvis han skulle gøre en indsats for let at tegne barnligt, så gjorde Henri Rousseau (1844-1910) det, fordi han simpelthen ikke kunne gøre det anderledes.

Henri Rousseau, selvportræt, 1890

Henri Rousseau er en toldbetjent, en analfabet person, der besluttede at begynde at male i en alder af 40 år uden at modtage nogen uddannelse og uddannelse. Et hjemme-hjemme, ikke en fan af bohemske fester og langt fra kunstsamfundet, blev han en af \u200b\u200bde mest berømte kunstnere i primitivismestilen. Rousseau var enkel og naiv, måske derfor indeholder hans værker enkelheden i børnetegninger. Selvfølgelig hånede publikum og kritikere først kunstneren.

Henri Rousseau, Carnival Night, 1886

Charmen ved enkelhed og barnlighed syntes den daværende tilskuers banale manglende evne til at tegne, intet mere. Imidlertid kompenseres Russos mangel på teknik mere end klarheden ved japansk gravering igen. Begynderkunstneren blev i høj grad reddet af sin absolutte immunitet over for kritik, som tillod ham at fortsætte med at gøre det, han elskede.

Henri Rousseau

Det er klart, at hans værker ikke kan sammenlignes i performance med fortidens mestre eller talentfulde samtidige. Rousseau tog til andre. Hans ukomplicerede plots fascinerede mange i den tids kunstneriske verden. Blandt fansen var for eksempel Picasso, der ejer den berømte sætning: "Jeg kan tegne som Raphael, men det vil tage mig hele mit liv at lære at tegne som et barn." Rousseau var den, der fik det. Picasso købte endda sit maleri "Portrait of a Woman", som ifølge spanieren simpelthen tryllebundet ham.

Henri Rousseau, Portræt af en kvinde, 1895

Rousseaus værker, så at sige, med en fod allerede i surrealisme. De fascinerer virkelig ikke så meget af deres kunstløshed som af deres undertekst, tvetydighed, allegoricalitet. Det er som de øjeblikke i gyserfilm, hvor svingen på en tom legeplads svajer lidt, som om fra vinden .. Eller ikke? Rousseau overlader dette spørgsmål til seeren.

Rousseaus måde blev beundret ikke kun af Pablo Picasso. Blandt hans beundrere var også den rumænske billedhugger Constantin Brancusi (Brancusi), men i modsætning til Rousseau accepterede kunstscenen i Paris ham med et brag. Brancusi valgte rollen som en almindelig kunstner: tykt skæg, træsko og en linneskjorte. Materialerne, som billedhuggeren arbejdede med, blev matchet - træ og sten. Skibsføreren var ikke særlig imponeret over marmoren.

Brancusi var lærling i Rodins værksted i nogen tid, men deres tilgang til arbejde viste sig at være helt anderledes.

Auguste Rodin, Kysset, 1886

Constantin Brancusi, Kysset, 1912

Billeder er mere veltalende end nogen forklaring. Brancusi mente, at det i skulptur er muligt at undvære foreløbig modellering, der arbejder direkte med materialet. Han forsøgte at bevare den oprindelige form af racen så meget som muligt og efterlade dens struktur. Ingen romantiske kurver, enkle linjer, ingen dekorative elementer. Brancusis skulpturer kan lide nøjagtigt på grund af deres enkelhed og originalitet i udførelsen. I begyndelsen af \u200b\u200bdet 20. århundrede var dette en anden udfordring for traditionen.

Han blev efterfulgt af andre primitivistiske billedhuggere: Modigliani (ja, han prøvede sig i skulptur og ganske vellykket), Giacometti, Hepworth ..

Amadeo Modigliani, leder, 1910

Giacometti, Walking Man 1, 1960

Barbara Hepworth, Single Form, 1964

I Rusland er det billedhuggeren Vadim Sidur. Efter min mening meget cool.

Vadim Sidur

Vadim Sidur

I Rusland var forresten en af \u200b\u200bde første primitivister i maleriet Mikhail Larionov og Natalia Goncharova, der arbejdede i "splint" -teknikken. Det er en type grafik, der er kendetegnet ved sin enkelhed og flade design. Goncharova blev inspireret af russiske ikoner. I sine værker brugte hun det karakteristiske element i ikonmaling - motorer - lodrette hvide linjer.

Mikhail Larionov, jødisk Venus, 1912

Natalia Goncharova, Græsslåmaskiner, 1911

Som vi kan se, blev enkelhed, orden og struktur de grundlæggende begreber og mål for kunstnere, begyndende med postimpressionisterne. Disse tilsyneladende harmløse ambitioner havde imidlertid også et destruktivt potentiale. Når alt kommer til alt har ethvert ønske om at passe verden ind i en struktur en ulempe - skabelsen af \u200b\u200bet stift system. Og som praksis har vist, fører forsøg på at underordne alle levende ting til subjektiv stiv logik til død og ødelæggelse. Yderligere begivenheder i det 20. århundrede er en levende bekræftelse på dette.

Fortsættes)

Og et efterskrift.

En vidunderlig amerikansk kvinde - Granny Moses - en amatør kunstner, en repræsentant for primitivisme i anden halvdel af det 20. århundrede, vandt simpelthen mit hjerte. Hun mindede endda noget om hollænderne med deres hyggelige hverdagsscener i landdistrikterne. For eksempel:

Bedstemor Moses, tidligt forår på gården, 1945

Pieter Bruegel den Ældre, Folketælling, 1566

P.S tak til alle, der læser, og som er interesserede. Jeg sender dette indlæg sent - jeg forlod - jeg var nødt til at tage en pause)

Tivadar Kostka blev født den 5. juli 1853 i bjerglandsbyen Kishseben, som tilhørte Østrig (nu Sabinov, Slovakiet) - en ungarsk selvlært kunstner.

Hans far Lasli Kostka var læge og farmaceut. Den fremtidige kunstner vidste fra barndommen, at han ville blive farmaceut. Men inden han blev en, skiftede han mange erhverv - han arbejdede som salgskonsulent, deltog i forelæsninger på det juridiske fakultet i nogen tid og studerede først derefter farmakologi.

Fra den tid eller endnu tidligere havde han bestemt til hensigt at blive kunstner, for dette forsøgte han at sammensætte en lille kapital, der gav ham materiel uafhængighed.

"Gammel fisker"

Han skrev følgende om sig selv: ”Jeg, Tivadar Kostka, opgav min ungdom i navnet på verdens fornyelse. Da jeg tog indvielse fra en usynlig ånd, havde jeg en sikker position, jeg levede i overflod og komfort. Men jeg forlod mit hjemland, fordi jeg ville se hende rig og strålende i slutningen af \u200b\u200bmit liv. For at opnå dette har jeg rejst meget gennem Europa, Asien og Afrika. Jeg ønskede at finde den forudsagte sandhed og oversætte den til maleri. "

Det ser ud til, at ideen om at blive kunstner vedvarende hjemsøgte Tivadar Kostka.

En smuk dag rejser han til Rom, derefter til Paris, hvor han mødes med den berømte ungarske kunstner Mihai Munkachi.

Og så vendte han tilbage til sit hjemland og arbejdede i fjorten år på et apotek og forsøgte at opnå materiel uafhængighed. Endelig blev der samlet en lille kapital, og en dag lejede han et apotek og gik for at studere, først i München og derefter i Paris.

Dette efterfølges af det velkendte princip om at konstruere skæbnen for et ukendt geni.
Han indså, at de færdigheder, som han vil tilegne sig i studiet, ikke svarer til hans opfattelse. Derfor droppede han ud af skolen og tog i 1895 en tur til Italien for at male landskaber. Han rejste også til Grækenland, Nordafrika og Mellemøsten.

I 1900 ændrede Kostka sit efternavn til pseudonymet Chontvari.

Værdien af \u200b\u200bhans værker er blevet stillet spørgsmålstegn ved mange kritikere. I Europa blev de udstillet (omend uden meget succes), men i deres hjemland Ungarn blev Csontvari en gang for alle kaldet skør. Først i slutningen af \u200b\u200bsit liv kom han til Budapest og bragte sine lærreder derhen. Jeg forsøgte at testamentere dem til et lokalt museum, men ingen havde brug for dem. I 1919 blev Tivadar Kostka Chontvari virkelig skør og døde som tigger, ensom, latterliggjort og ubrugelig.

Efter at have begravet de uheldige begyndte de pårørende at dele det gode. Og al godhed var - kun billeder. Efter at have rådført sig med "eksperterne" besluttede de at aflevere lærredene til skrot som et almindeligt lærred og dele pengene indbyrdes, så alt kunne være retfærdigt.

På dette tidspunkt tilfældigt eller slet ikke tilfældigt (dog en underlig tilfældighed!) Gik den unge arkitekt Gideon Herlotsi forbi. Det var han, der reddede kunstnerens kreationer og betalte for dem lidt mere end skrotforhandleren tilbød. Nu opbevares malerierne af Tivadar Chontvari på museet i byen Pecs (Ungarn).

Og så for nylig kom en af \u200b\u200bmuseets medarbejdere til at undersøge Kostkas maleri "Den gamle fisker", malet i 1902, med ideen om at fastgøre et spejl til det. Og så så han, at der ikke var et billede på lærredet, men mindst to! Prøv at opdele lærredet selv med et spejl, og du vil se enten en gud sidde i en båd på baggrund af et fredeligt, man kan sige, paradislandskab eller djævelen selv, bag hvilken sorte bølger raser. Eller måske er der en skjult betydning i andre malerier af Chontvari? Det viser sig, at den tidligere farmaceut fra landsbyen Iglo ikke var så enkel.

I receptionen på et kontor, studie, lejlighed eller landsted vil malerier i stil med primitivisme tilføje et strejf af sofistikering og komfort til det moderne interiør. De supplerer indretningen og tilføjer lidt skønhed til dit boligareal. Canvas af talentfulde kunstnere vil ikke kun være en god tilføjelse til indretningen, men også en god investering.

Primitivisme i maleri - malerier malet fra hjertet

Som maleristil opstod primitivisme ved begyndelsen af \u200b\u200bdet 19. og 20. århundrede og blev hurtigt en af \u200b\u200bde mest populære tendenser inden for billedkunst i Europa og det prærevolutionære Rusland. Stilen forudsætter en bevidst forenkling af ekspressive midler. Primitivisme i maleri refererer til kunstnerens barndomsoplevelse og primitive kunst, hvilket gør maleriet til en afspejling af hans personlige verdensbillede. Maleren søger at komme væk fra dogmerne fra nutidig "høj" kunst og æstetiske stereotyper, at se på verden ikke gennem civilisationens prisme, men med et barns naive blik.

Primitivisme manifesterer sig i fravær af unødvendige detaljer, unødvendige detaljer eller komplekse billeder - hovedtemaet indtager en central plads i malerierne. Alt, der kan distrahere seeren, slettes nådesløst. Derfor skelnes primitivistenes lærred med særlig energi og ægte, næsten primitiv udtrykkende kraft.

Tre grunde til at købe et maleri af moderne primitivistiske kunstnere

Der er faktisk ikke tre grunde til at købe et maleri, men meget mere. Men at bringe dem alle er lang, og stort set er det ikke nødvendigt. Derfor giver vi kun tre hovedårsager til at købe et lærred i stil med primitivisme - et maleri, der vil ændre dit boligareal:

• Billedet vil dekorere både det mest raffinerede og uhøjtidelige interiør. Hæng det på væggen, så bliver dit boligareal transformeret!
• I en moderne by har en person brug for en slags udløb. For mennesker med en subtil påvirkbar natur vil en sådan udløb være et billede.
• Maleri er en sikker investering. Ligesom andre kunstgenstande bliver malerier malet i stil med primitivisme kun dyrere over tid.

Lærred af primitivistiske kunstnere og andre malerier i "Artic Loft"

Kunstgalleriet "Artic Loft" blev oprettet af ligesindede forelsket i kunst i 1997 og har præsenteret malerier af forskellige kunstnere i 20 år. Vi arbejder i centrum af Ruslands kulturelle hovedstad - på loftet i et hus, der holder ånden i historien på Petrogradskaya-siden.

Fra begyndelsen til i dag har galleriet været og forbliver åbent for alle kunstnere - fra fremtrædende mestre til uerfarne malere. Dette betyder, at det på "Kunstnerens loft" vil være muligt at finde lærreder af moderne primitivistiske kunstnere til de mest demokratiske priser og værker af ærværdige forfattere til de mest krævende og velhavende malerkendere.

På "Artic Loft" kan du købe lærreder i stil med primitivisme og malerier i andre stilarter ved at komme til galleriet personligt eller ved at placere en ordre direkte på hjemmesiden. Bare fortæl vores personale SKU'erne af de malerier, du kan lide, og vi er klar til at bringe op til fem malerier til personlig inspektion. Så du kan se maleriet live og forstå, hvordan det vil se ud i dit interiør. Desuden, hvis du inden for tre dage indser, at maleriet ikke opfylder de angivne krav, kan det returneres til galleriet.

Levering af malerier udføres til enhver adresse i Skt. Petersborg, Leningrad-regionen eller enhver anden region i Rusland. For alle spørgsmål af interesse vedrørende malerier, deres priser, bestilling og levering er vi altid klar til at rådgive via telefon.