Træk af højrenæssancen i Venedig. Høj renæssance i Venedig renæssance i Venedig kort

Den sidste af de italienske byer, ikke tidligere end midten af ​​det 15. århundrede, var Venedig gennemsyret af renæssancens ideer. I modsætning til resten af ​​Italien levede hun det på sin egen måde. En velstående by, der undgik militære konflikter, et centrum for maritim handel, Venedig var selvforsynende. Dens mestre holdt sig i en sådan grad, at da den florentinske Vasari i midten af ​​det 16. århundrede begyndte at indsamle materiale til de mest berømte malere, billedhuggere og arkitekters liv, var han ude af stand til at få detaljer om biografier om mennesker, der levede. et århundrede tidligere og forenede alle i et kort kapitel.


Bellini. "Mirakel ved St. Lawrence Bridge". Fra venetianske kunstneres synspunkt boede alle helgenerne i Venedig og sejlede på gondoler.

Mestrene i Venedig søgte ikke at studere antikke ruiner i Rom. De kunne meget mere lide Byzans og det arabiske øst, som den venetianske republik handlede med. Derudover havde de ikke travlt med at give afkald på middelalderkunst. Og to af byens mest berømte bygninger - Markus-katedralen og Dogepaladset - er to smukke arkitektoniske "buketter": Motiverne fra byzantinsk kunst kom ind i den første, og den middelalderlige lancetbue og det arabiske mønster eksisterer side om side i den anden.

Leonardo da Vinci, den store florentiner, fordømte malere, der var for glade for farvernes skønhed, og betragtede relief som den største fordel ved maleri. Venetianerne havde deres egen mening om denne sag. De lærte endda at skabe en illusion af volumen, næsten uden at ty til farve og skygge, men ved at bruge forskellige nuancer af samme farve. Sådan er "Sleeping Venus" af Giorgione skrevet.

Giorgione. "Tordenvejr". Filmens plot forbliver et mysterium. Men det er klart, at kunstneren var mest interesseret i stemningen, karakterens sindstilstand på nuværende tidspunkt, i dette tilfælde før-storm-øjeblikket.

Kunstnere fra den tidlige renæssance malede malerier og fresker med tempera, opfundet i antikken. Oliemaling har været kendt siden antikken, men malere blev først gennemsyret af sympati for dem i det 15. århundrede. De hollandske mestre var de første til at forbedre teknikken til oliemaleri.

Da Venedig blev bygget på øer midt i havet, blev freskerne hurtigt ødelagt på grund af luftens høje fugtighed. Mestrene kunne ikke skrive på tavlerne, som Botticelli skrev sin Tilbedelse af Magi: der var meget vand omkring, men lidt skov. De malede på lærred med oliemaling, og her var de mere som samtidige malere end andre renæssancemalere.

Venetianske kunstnere behandlede videnskaben køligt. De adskilte sig ikke i alsidighed af talenter, idet de kun vidste én ting - maleri. Men de var overraskende muntre og overførte gerne til lærredet alt, hvad der glædede øjet: venetiansk arkitektur, kanaler, broer og både med gondolier, et stormfuldt landskab. Giovanni Bellini, en berømt kunstner på sin tid i byen, blev ifølge Vasari revet med af portrætmaleri og inficerede sine medborgere så med det, at enhver venetianer, der nåede nogen betydningsfuld position, havde travlt med at bestille hans portræt. Og hans bror Gentile syntes at chokere den tyrkiske sultan til dybden af ​​hans sjæl ved at male ham fra naturen: da han så sit "andet jeg", betragtede sultanen det som et mirakel. Tizian malede mange portrætter. Levende mennesker var mere interessante for kunstnerne i Venedig end ideelle helte.

At Venedig blev forsinket med innovationer viste sig at være en god ting. Det var hende, der så godt hun kunne bevarede den italienske renæssances bedrifter i de år, hvor den var falmet i andre byer. Den venetianske malerskole blev en bro mellem renæssancen og den kunst, der kom til at erstatte den.

Venedig er en af ​​de mest fantastiske byer i verden: en by på vandet. Det grænseløse hav, den grænseløse himmel og små flade øer - dette er den mindste naturlige gavmildhed, som skæbnen har skænket Venedig. Og da befolkningen var meget stor, og jorden meget lille, blev hvert træ, der fik lov til at vokse, hvor der kunne bygges noget, en luksusvare.

Venedig levede i mange århundreder som en fabelagtig rig by, og dens indbyggere kunne ikke blive overrasket over overfloden af ​​guld, sølv, ædelstene, stoffer og andre skatte, men haven ved paladset blev altid opfattet af dem som den ultimative grænse for rigdom, fordi der var ubetydelig grønt i byen: folk, jeg måtte opgive det i kampen om boligareal. Måske var det derfor, venetianerne blev meget modtagelige for skønhed, og det var med dem, at enhver kunstnerisk stil nåede det maksimale af sine dekorative muligheder. Kærlighed til skønhed, som er inkorporeret i kunst, har gjort Venedig til en sand "Adriaterhavets Perle".

Venedig spillede en aktiv rolle i international politik: i 1167 blev det en del af Lombard League, skabt af de norditalienske byer for at kæmpe mod kejser Frederik I Barbarossa; Pave Alexander III var også en fjende af kejseren, som modsatte ham med en anden pave - Paschal III.

Mens højrenæssancens korte "guldalder" i Central- og Syditalien blev fuldendt i de første tre årtier af det 16. århundrede, og i de efterfølgende år, sammen med dets største højdepunkt - Michelangelos værk - udviklede der sig en dekadent manieristisk tendens i det nordlige Italien, i Venedig, giver sine fulde frugter til høj- og senrenæssancens humanistiske kunst.

Konstantinopels fald under tyrkernes angreb rystede i høj grad handelspositionerne for "Adriaterhavets dronning". Ikke desto mindre tillod de enorme pengesummer, som de venetianske købmænd akkumulerede, Venedig til at bevare sin uafhængighed og renæssanceliv i en betydelig del af det 16. århundrede.

Højrenæssancen i Venedig er et interessant og ejendommeligt øjeblik af renæssancen i Italien. Her startede det lidt senere, og varede længere. De gamle traditioners rolle i Venedig var den mindste, og forbindelsen med den efterfølgende udvikling af europæisk maleri var den mest direkte.

Venedig var ikke interesseret i udgravninger og studiet af den kultur, som det "genoplivede" - dets renæssance havde andre kilder. Kulturen i Byzans havde en særlig lys indflydelse på udviklingen af ​​Venedigs kultur, men den strenghed, der var iboende i Byzans, slog ikke rod - Venedig absorberede mere sin farverige og gyldne glans. Venedig omarbejdede både gotiske og østlige traditioner i sin barm. Denne by udviklede sin egen stil, der trak fra alle vegne, dragede mod farverighed, mod romantisk maleriskhed. Smagen for det fantastiske, det blomstrede, blev dog modereret og strømlinet af ånden af ​​forretningsmæssig ædruelighed, et ægte livssyn, karakteristisk for venetianske købmænd.

Af alt, hvad Venedig optog, fra Vestens og Østens tråde, vævede hun sin egen renæssance, sin rent sekulære, proto-borgerlige kultur, som i sidste ende kom tæt på de italienske humanisters forskning. Dette skete ikke tidligere end i anden halvdel af det 15. århundrede - først da kom den kortsigtede venetianske "quattrocento", som snart gav plads til højrenæssancens kultur. Mange, der stifter bekendtskab med venetiansk maleri, kan endnu mere lide værkerne fra den tidlige venetianske renæssance end de berømte malerier af Tizian, Veronese og Tintoretto. Quattrocentisternes værker er mere tilbageholdende og subtile, deres naivitet fanger, de har mere musikalitet. Kunstneren, overgangen fra den tidlige renæssance til den høje - Giovanni Bellini, tiltrækker med tiden mere og mere opmærksomhed, selvom han i lang tid blev sløret af sine yngre samtidige med sin storslåede sensuelle glans.

Giorgione - en elev af Giovanni Bellini, kunstneren, betragtet som den første mester i højrenæssancen i Venedig, tilhørte en race af drømmere. Giorgiones stil har noget til fælles med Raphael og Leonardo da Vinci: Giorgione er "klassisk", klar, afbalanceret i sine kompositioner, og hans tegning er karakteriseret ved en sjælden glathed af linjer. Men Giorgione er mere lyrisk, mere intim, han har en egenskab, der altid har været karakteristisk for den venetianske skole og løftet af ham til et nyt niveau - kolorisme. Venetianernes kærlighed til farvernes sensuelle skønhed førte trin for trin til et nyt billedprincip, når billedets materialitet ikke så meget opnås ved chiaroscuro som ved farveovergange. Dels har Giorgione det allerede.

Giorgiones kunst åbnede scenen for højrenæssancen i Venedig. Sammenlignet med den klare rationalitet i Leonardos kunst er Giorgiones maleri gennemsyret af dyb lyrik og eftertænksomhed. Landskabet, som indtager en fremtrædende plads i hans arbejde, bidrager til afsløringen af ​​poesien og harmonien i hans perfekte billeder. Det harmoniske forhold mellem menneske og natur er et vigtigt træk ved Giorgiones værk. Dannet blandt humanister, musikere, digtere, en fremragende musiker selv, finder Giorgione den fineste musikalitet af rytmer i sine kompositioner. Farve spiller en vigtig rolle i dem. Lydmalinger, lagt i gennemsigtige lag, blødgør konturerne. Kunstneren bruger dygtigt oliemaleriets egenskaber. De mange forskellige nuancer og overgangstoner hjælper ham med at opnå enheden af ​​volumen, lys, farve og rum. Blandt hans tidlige værker tiltrækker Judith (ca. 1502, Skt. Petersborg, Hermitage) med øm drømmende, subtil lyrik. Den bibelske heltinde er afbildet som en ung smuk kvinde på baggrund af afdæmpet natur. Imidlertid introduceres en mærkelig foruroligende tone i denne tilsyneladende harmoniske komposition af sværdet i heltindens hånd og fjendens afhuggede hoved, trampet af hende.

I malerierne "Thunderstorm" (ca. 1505, Venedig, Academy Gallery) og "Country Concert" (ca. 1508 - 1510, Paris, Louvre), hvis plot forblev uidentificeret, skabes stemningen ikke kun af mennesker, men også af natur: præ-stormfuld - i den første og roligt strålende, højtidelig - i den anden. På landskabets baggrund afbildes mennesker, fordybet i tanker, som om de venter på noget eller spiller musik, der udgør en uadskillelig helhed med naturen omkring dem.

Kombinationen af ​​det ideelle harmoniske med den konkret-individuelle karakteristik af en person adskiller portrætterne malet af Giorgione. Tiltrækker med tankedybde, adel karakter, drømmende og spiritualitet af Antonio Brocardo (1508-1510, Budapest, Museum of Fine Arts). Billedet af perfekt sublim skønhed og poesi får sin ideelle udformning i den sovende Venus (ca. 1508-1510, Dresden, kunstgalleri). Hun præsenteres på baggrund af et landligt landskab, nedsænket i en fredelig søvn. Den glatte rytme af de lineære konturer af hendes figur harmonerer subtilt med de bløde linjer i blide bakker, med naturens eftertænksomme ro. Alle konturer er blødgjort, plasticitet er ideelt smuk, blødt modellerede former er forholdsmæssigt proportionale. Subtile nuancer af gyldne toner formidler varmen fra en nøgen krop. Giorgione døde i sit livs bedste af pesten og havde aldrig færdiggjort sit mest perfekte maleri. Landskabet på billedet blev fuldendt af Titian, som fuldførte andre ordrer betroet Giorgione.

I mange år var dets hovedkunst, Titian (1485/1490-1576), bestemt for udviklingen af ​​den venetianske malerskole. Sammen med Leonardo, Raphael og Michelangelos kunst ser det ud til at være højdepunktet af højrenæssancen. Tizians troskab mod humanistiske principper, tro på viljen, fornuften og menneskelige evner, kraftfulde kolorisme giver hans værker en enorm tiltrækningskraft. I hans arbejde afsløres endelig originaliteten af ​​realismen i den venetianske malerskole. Kunstnerens holdning er fuldblods, viden om livet er dyb og mangefacetteret. Hans talents alsidighed manifesterede sig i udviklingen af ​​forskellige genrer og lyriske og dramatiske temaer.

I modsætning til Giorgione, der døde tidligt, levede Titian et langt og lykkeligt liv fuld af inspireret kreativt arbejde. Han blev født i byen Cadore, boede hele sit liv i Venedig, studerede der - først hos Bellini og siden hos Giorgione. Kun i kort tid, efter at have opnået berømmelse, rejste han til Rom og Augsburg på invitation af kunder og foretrak at arbejde i atmosfæren i sit rummelige gæstfrie hjem, hvor hans humanistiske venner og kunstnere ofte samledes, blandt dem forfatteren Aretino, arkitekten Sansovino.

Tizians tidlige værker er præget af et poetisk verdensbillede. Men i modsætning til sin forgængers drømmende-lyriske helte, skaber Titian billeder, der er mere fuldblods, aktive, muntre. I maleriet "Kærlighed på jorden og himlen" (1510'erne, Rom, Galleria Borghese) er to kvinder afbildet på baggrund af et smukt idyllisk landskab. Den ene af dem, luksuriøst klædt, eftertænksomt tilbagelænet, lytter til den anden, gyldenhårede, lyse øjne, hvis nøgne krops perfekte skønhed bliver sat i gang af en skarlagenrød kappe, der falder fra hendes skulder. Handlingen i denne allegori, såvel som en række malerier af Giorgione, har ikke en enkelt fortolkning. Men det giver kunstneren mulighed for at skildre to forskellige karakterer, tilstande, to idealbilleder, subtilt i harmoni med den frodige natur oplyst af det varme lys.

På modsætning af de to karakterer bygger Tizian kompositionen "Denarius af Cæsar" (1515-1520, Dresden, Kunstgalleri): Kristi adel og sublime skønhed understreges af pengegruberens grusomme ansigtsudtryk og grimhed. farisæer. En række alterbilleder, portrætter og mytologiske kompositioner hører til perioden med Tizians kreative modenhed. Tizians berømmelse spredte sig langt ud over Venedigs grænser, og antallet af ordrer steg konstant. I hans værker fra 1518-1530 kombineres storslået omfang og patos med kompositionens dynamik, højtidelig storhed, med overførslen af ​​livets fylde, rigdommen og skønheden af ​​rige farveharmonier. Sådan er "Maria Himmelfart" ("Assunta", 1518, Venedig, kirken Santa Maria dei Frari), hvor livets kraftfulde pust mærkes i selve atmosfæren, i de rindende skyer, i mængden af ​​apostle, ser med beundring og overraskelse på Marias skikkelse, der stiger op i himlen, strengt taget majestætisk, patetisk. Chiaroscuro-modelleringen af ​​hver figur er energisk, kompleks og brede bevægelser er naturlige, fyldt med en lidenskabelig impuls. Dybe røde og blå toner er højtideligt klangfulde. I The Madonna of the Pesaro Family (1519-1526, Venedig, Santa Maria dei Frari), der opgiver den traditionelle centriske konstruktion af alterbilledet, giver Titian en asymmetrisk, men afbalanceret komposition flyttet til højre, fuld af lys vitalitet. Skarpe portrætkarakteristika udstyret med Marias kommende kunder - Pesaro-familien.

I årene 1530-1540 er patosen og dynamikken i Titians tidlige kompositioner erstattet af livsvigtige direkte billeder, klar balance og langsom fortælling. I malerier om religiøse og mytologiske temaer introducerer kunstneren et specifikt miljø, folketyper, nøjagtigt observerede detaljer om livet. I scenen "Indgang til templet" (1534-1538, Venedig, Academy Gallery) er lille Maria afbildet, da hun klatrer op ad den brede trappe til ypperstepræsterne. Og lige dér, blandt den larmende skare af byfolk, der har samlet sig foran templet, står skikkelsen af ​​en gammel købmand frem, siddende på trappen ved siden af ​​hendes varer - en kurv med æg. I maleriet "Venus of Urbino" (ca. 1538, Firenze, Uffizi) er billedet af en sensuel nøgen skønhed reduceret fra poetiske højder ved introduktionen i baggrunden af ​​tjenestepigernes skikkelser, der tager noget ud af en kiste. Farveskemaet, mens det bevarer klangen, bliver behersket og dybt.

Gennem hele sit liv vendte Titian sig til portrætgenren og fungerede som en innovator på dette område. Han uddyber karakteristikaene af det portrætterede og bemærker originaliteten af ​​kropsholdning, bevægelser, ansigtsudtryk, gestus, måder at bære et jakkesæt på. Hans portrætter udvikler sig nogle gange til malerier, der afslører psykologiske konflikter og relationer mellem mennesker. Allerede i det tidlige portræt af "Den unge mand med en handske" (1515-1520, Paris, Louvre) får billedet individuel konkrethed, og det udtrykker samtidig de typiske træk ved en renæssancemand med sin beslutsomhed, energi, følelse af selvstændighed, synes den unge mand at stille et spørgsmål og vente på et svar. Komprimerede læber, funklende øjne, kontrasten mellem hvid og sort i tøj skærper karakteriseringen. Stor dramatik og kompleksitet i den indre verden, psykologiske og sociale generaliseringer er kendetegnet ved portrætter fra senere tider, hvor temaet for en persons konflikt med omverdenen er født i Titians værk. Portrættet af Ippolito Riminaldi (slutningen af ​​1540'erne, Firenze, Pitti Gallery) er slående ved at afsløre den raffinerede åndelige verden, hvis blege ansigt dybt tiltrækker med karakteriseringens kompleksitet, sitrende spiritualitet. Det indre liv er koncentreret i et blik, på samme tid intenst og spredt, i det bitterheden af ​​tvivl og skuffelser.

Som en slags dokument fra æraen opfattes et gruppeportræt i væksten af ​​pave Paul III med hans nevøer, kardinalerne Alessandro og Ottavio Farnese (1545--1546, Napoli, Capodimonte Museum), der afslører selviskhed og hykleri, grusomhed og grådighed , autoritativitet og slaveri, affældighed og vedholdenhed -- alt, hvad der forbinder disse mennesker. Det heroiske rytterportræt af Karl V (1548, Madrid, Prado) i ridderlig rustning, på baggrund af et landskab oplyst af den nedgående sols gyldne spejlinger, er levende realistisk. Dette portræt havde en enorm indflydelse på sammensætningen af ​​barokportrættet fra det 17.-18. århundrede.

I 1540'erne og 1550'erne øges karakteren af ​​maleriskhed kraftigt i Titians arbejde, han opnår fuldstændig enhed af plastisk lys og skygge og farveløsninger. Kraftige lysstrøg får farverne til at skinne og glitre. I selve livet finder han idealet om fuldblods moden skønhed legemliggjort i mytologiske billeder - "Venus foran et spejl" (ca. 1555, Washington, National Gallery of Art), "Danae" (ca. 1554, Madrid, Prado) .

Styrkelsen af ​​den feudal-katolske reaktion og den dybe krise, som den venetianske republik oplevede, forårsager en forværring af den tragiske begyndelse i kunstnerens sene værker. De er domineret af plot om martyrium og lidelse, uforsonlig splid med livet, stoisk mod; "The Torment of St. Lawrence" (1550--1555, Venedig, Jesuit Church), "Penitent Magdalene" (1560'erne, St. Petersburg, Eremitage), "Kroning med Torne" (ca. 1570, München, Pinakothek), "Sankt" Sebastian" (ca. 1570, Skt. Petersborg, Hermitage), "Pieta" (1573--1576, Venedig, Akademigalleri). Billedet af en person i dem har stadig en stærk kraft, men mister funktionerne i intern harmonisk balance. Sammensætningen er forenklet, baseret på en kombination af en eller flere figurer med en arkitektonisk eller landskabelig baggrund, nedsænket i tusmørke; aften- eller natscener oplyses af ildevarslende lyn, lyset fra fakler. Verden opfattes i variation og bevægelse. I disse malerier kom kunstnerens sene billedkunst til fulde til kende, idet den fik en friere og bredere karakter og lagde grunden til det 17. århundredes tonemaleri. Han nægter lyse, jublende farver og vender sig til overskyede, stålagtige, olivenkomplekse nuancer og underordner alt en almindelig gylden tone. Han opnår en forbløffende enhed af lærredets farverige overflade ved at bruge forskellige teksturteknikker, varierende de fineste glasurer og tykke pastaagtige åbne strøg af maling, skulpturere form, opløse et lineært mønster i et let-luft-medium, hvilket giver formen spændingen af liv. Og i sine senere, selv de mest tragisk klingende værker, mistede Tizian ikke troen på det humanistiske ideal. Mennesket for ham indtil slutningen forblev den højeste værdi af det eksisterende. Fuld af bevidsthed om sin egen værdighed, tro på fornuftens triumf, viser den vise livserfaring sig for os i "Selvportrættet" (ca. 1560, Madrid, Prado), en kunstner, der bar humanismens lyse idealer gennem hele sit liv .

Efter at have nået højderne af sin udvikling under højrenæssancen undgik renæssancekulturen ikke krisefænomener. De er tydelige i den fremvoksende dramatiske intensitet af kunstneriske billeder, som senere nåede til tragedie, i det bitre ønske om at vise nytteløsheden af ​​selv menneskets heroiske anstrengelser i kampen mod de fatale kræfter, der modarbejder ham. Tegn på opdukkende krisefænomener dannes også i kontrasterne i den sociale tankegang, der blev skarpt manifesteret dengang: rationalisme og et nøgternt syn på virkeligheden kombineres med intense utopiske søgen efter en ideel jordisk by.

Fra 1540'erne starter sen renæssanceperiode. Italien på den tid faldt under udenlandske magters styre og blev den feudale katolske reaktions vigtigste højborg. Kun den rige venetianske republik, fri for både pavens magt og interventionisternes dominans, sikrede udviklingen af ​​kunst i denne region. Renæssancen i Venedig havde sine egne ejendommeligheder.

Siden det 13. århundrede Venedig var en kolonimagt, der ejede territorier ved kysterne i Italien, Grækenland og øerne i Det Ægæiske Hav. Hun handlede med Byzans, Syrien, Egypten, Indien. Takket være intensiv handel strømmede enorme rigdomme til det. Venedig var en kommerciel og oligarkisk republik, og den herskende kaste forsvarede sin position ved hjælp af ekstremt grusomme og lumske foranstaltninger. Åben for alle påvirkninger fra Vesten og Østen, har republikken længe hentet fra kulturerne i forskellige lande, hvad der kunne dekorere og glæde - byzantinsk elegance og gylden glans, mønstrede mauriske monumenter, fantastiske gotiske templer.

Forkærlighed for luksus, dekorativitet og modvilje mod videnskabelig forskning forsinkede indtrængen af ​​kunstneriske ideer og praksis fra den florentinske renæssance til Venedig. De vigtigste karakteristiske træk ved værket af malere, billedhuggere, arkitekter i Firenze og Rom opfyldte ikke den herskende smag i Venedig. Her blev renæssancekunsten næret af kærlighed ikke til antikken, men til dens by, bestemt af dens karakteristika. Den blå himmel og havet, paladsernes elegante facader bidrog til dannelsen af ​​en særlig kunstnerisk stil, manifesteret i en passion for farve, dens moduleringer og kombinationer. De venetianske kunstnere, som kun var malere, så grundlaget for maleriet i glans og farver. Deres passion for farve forklares også af deres dybt rodfæstede kærlighed til rige dekorationer, lyse farver og rige forgyldning i østens kunstværker. Den venetianske renæssance viste sig også at være rig på store malere og billedhuggere. Titian, Veronese, Tintoretto, Giorgione, Correggio, Benvenuto Cellini arbejdede i denne æra.

Giorgione(rigtige navn Giorgio de Castelfranco) blev den første mest berømte maler fra højrenæssancen i Venedig. I hans arbejde vinder det sekulære princip endelig, hvilket kommer til udtryk i dominansen af ​​plots om mytologiske og litterære temaer. Det er i Giorgiones værker, at fødslen af ​​staffeli-maleriet finder sted, hvormed træk ved kunstnerens arbejde er forbundet: plottene i hans malerier er kendetegnet ved fraværet af et klart defineret plot og aktiv handling; i fortolkningen af ​​plottet er hovedvægten lagt på legemliggørelsen af ​​subtile og komplekse følelser, der giver Giorgiones malerier en særlig stemning - elegisk drømmende eller roligt koncentreret.

Det er endnu ikke afklaret præcist, hvor mange værker der hører til mesterens børste, deres antal går fra fire til 61. Forskere af kunstnerens værk er dog enige om, at hans bedste værker er "Judith" og "Sleeping Venus". I lærredet illustrerer "Judith" Giorgione ikke indholdet af den berømte myte. Den virkelige side af Judiths bedrift forbliver til side. Foran os er kun resultatet af begivenheden: den ensomme skikkelse af en ung kvinde, i de dybeste tanker, stående på en stenterrasse, bag hvilken et landskab af fantastisk skønhed breder sig. Hendes egenskaber - sværdet og Holofernes hoved - tiltrækker næsten ikke opmærksomhed. Af stor kunstnerisk betydning er farven på billedet med sine gennemsigtige og delikate farver, med fantastiske nuancer af Judiths kjole.

"Sleeping Venus" er Giorgiones mest berømte værk, hvor en nøgen kvindeskikkelse for første gang blev præsenteret uden plothandling: Midt på en kuperet eng ligger en smuk ung kvinde på et mørkerødt sengetæppe med et hvidt satinfor. Hendes nøgne figur er placeret diagonalt mod et landskab domineret af grønne og brune. Venus er nedsænket i en rolig søvn, hvilket betyder sjælens disposition til en ophøjet enhed med Gud. Fred og ro fylder naturen med dens endeløse himmel, hvide skyer, med afstande, der går ned i dybet.

Arbejdet af Titian Vechemio(han kom ikke ind i kunsthistorien under sit efternavn, men under sit eget navn) blev toppen i Venedig. Denne kunstner med et stort kreativt potentiale gennemgik en svær og dramatisk livsbane, hvor hans verdenssyn ændrede sig markant. Tizian udviklede sig som person og kunstner i æraen med den højeste kulturelle blomstring i Venedig. Hans første værker er fyldt med et larmende og pulserende liv, mens hans sidste værker er fulde af en følelse af dyster angst og fortvivlelse.

Kunstneren levede et langt liv (ca. 90 år) og efterlod en enorm arv. Han skabte kompositioner om religiøse og mytologiske temaer og var samtidig en stor mester i en af ​​de mest komplekse genrer - nøgen (på fransk - nøgen, afklædt) - billeder af en nøgen krop. I renæssancemaleriet var gamle gudinder og mytologiske heltinder normalt repræsenteret på denne måde. Hans "Reclining Venus" og "Danae" er billeder af fængslende, sunde venetianere i det indre af rige venetianske huse.

Tizian kom ind i kulturhistorien som en stor portrætpsykolog. Hans pensel tilhører et omfattende galleri af portrætbilleder - kejsere, konger, paver, adelige. Hvis han i tidlige portrætter, som det var sædvanligt, glorificerede skønheden, styrken, værdigheden, integriteten af ​​arten af ​​hans modeller, så er senere værker kendetegnet ved billedernes kompleksitet og inkonsistens. Spiritualitet, raffineret intellektualitet, adel med bitterheden af ​​tvivl og skuffelser, tristhed og skjult angst er sammenflettet i dem. I malerierne skabt af Titian i de sidste år af hans arbejde lyder ægte tragedie. Det mest berømte værk af Titian i denne periode er maleriet "Sankt Sebastian".

Sidste fjerdedel af det 16. århundrede thi renæssancens kultur var en nedgangstid. Kunstnernes arbejde, som blev kaldt "manerister" (fra italiensk mannerismo - prætentiøsitet), og hele retningen - "manerisme", fik en sofistikeret, prætentiøs karakter. Den venetianske malerskole modstod manérismens indtrængen længere end andre og forblev tro mod renæssancens traditioner. Men hendes billeder blev også mindre høje og heroiske, mere jordiske, forbundet med det virkelige liv.

Den venetianske renæssance er en særskilt ejendommelig del af den generelle italienske renæssance. Det startede her senere, men varede meget længere. De gamle traditioners rolle i Venedig var den mindste, og forbindelsen med den efterfølgende udvikling af europæisk maleri var den mest direkte. I Venedig dominerede maleriet, som var præget af lyse, rige og glade farver.

Højrenæssancens æra (på italiensk lyder det som "Cinquecento") i Venedig besatte næsten hele det 16. århundrede. Mange fremtrædende kunstnere malede på den venetianske renæssances frie og muntre måde.

Kunstneren Giovanni Bellini blev en repræsentant for overgangsperioden fra den tidlige renæssance til den høje. Det berømte maleri tilhører ham" Madonna-søen"- et smukt maleri, der legemliggør drømme om en guldalder eller et jordisk paradis.

En elev af Giovanni Bellini, kunstneren Giorgione betragtes som den første mester i højrenæssancen i Venedig. Hans lærred » Sovende Venus"- et af de mest poetiske billeder af en nøgen krop i verdenskunsten. Dette værk er endnu en legemliggørelse af drømmen om enkeltsindede, glade og uskyldige mennesker, der lever i fuldstændig harmoni med naturen.

Statens Eremitagemuseum har et maleri »Judith», som også tilhører Giorgione. Dette arbejde er blevet et levende eksempel på at opnå et tredimensionelt billede, ikke kun ved hjælp af chiaroscuro, men også ved hjælp af lysgradationsteknikken.

Den mest typiske kunstner i Venedig kan betragtes som Paolo Veronese. Hans storstilede kompositioner med flere figurer er dedikeret til billedet af overdådige middage i venetianske paladser med musikere, gøglere og hunde. Der er intet religiøst over dem. " Den sidste nadver"- dette er et billede af verdens skønhed i enkle jordiske manifestationer og beundring for perfektion af smukt kød.

Kreativitet Titian

Udviklingen af ​​det venetianske maleri af Cinquecento blev afspejlet i Titian's arbejde, som først arbejdede med Giorgione og var tæt på ham. Dette blev afspejlet i malerens kreative måde i værkerne "Himmelsk kærlighed og jordisk kærlighed", "Flora". De kvindelige billeder af Titian er naturen selv, der skinner af evig skønhed.

- malernes konge. Han ejer adskillige opdagelser inden for maleri, blandt dem er rigdommen af ​​farver, farvemodellering, originale former og brugen af ​​nuancer af farver. Tizians bidrag til kunsten i den venetianske renæssance er enorm, han havde stor indflydelse på malernes dygtighed i den efterfølgende periode.

Den afdøde Titian er allerede tæt på Velazquez og Rembrandts kunstneriske sprog: forholdet mellem toner, pletter, dynamiske streger, tekstur af den farverige overflade. Venetianerne og Tizian erstattede linjens dominans med fordelene ved den række af farver.

Maleteknikken i Ticin er slående selv i dag, fordi det er et rod af maling. I kunstnerens hænder var malingerne en slags ler, hvorfra maleren skulpturerede sine værker. Det er kendt, at ved slutningen af ​​sit liv malede Titian sine lærreder med fingrene. så denne sammenligning er mere end passende.

Malerier af Titian Vecellio

Blandt malerierne af Titian er følgende:

• » Assunta»

• "Bacchus og Ariadne"

• "Venus af Urbino"

• "Portræt af pave Paul III"

• "Portræt af Lavinia"

• "Venus foran et spejl"

• "Angrende Magdalene"

• »Sankt Sebastian»

Malerisk og følelse O volumetrisk form i Titian er i perfekt balance. Hans figurer er fulde af en følelse af liv og bevægelse. Det nye ved kompositionsteknikken, usædvanlige farver, frie streger er et karakteristisk træk ved Titians maleri. Hans arbejde legemliggjorde de bedste træk ved den venetianske skole fra renæssancen.

Karakteristiske træk ved maleriet fra den venetianske renæssance

Den venetianske Cinquecentos sidste lyskilde er kunstneren Tintoretto. Kendt for sine malerier "Ærkeenglen Michaels kamp med Satan" og den sidste nadver. Fin kunst legemliggjorde renæssancens idé om det ideelle, troen på sindets kraft, drømmen om en smuk, stærk person, en harmonisk udviklet personlighed.

Kunstneriske værker blev skabt om traditionelle religiøse og mytologiske emner. Takket være dette blev moderniteten ophøjet til evighedens rang, hvilket bekræftede gudsligheden af ​​en virkelig person. Hovedprincipperne for billedet i denne periode var efterligningen af ​​naturen og karakterernes virkelighed. Et maleri er et slags vindue ind i verden, fordi kunstneren på det skildrer, hvad han så i virkeligheden.

Malerkunsten var baseret på resultaterne af forskellige videnskaber. Malere mestrede perspektivbilledet med succes. I denne periode blev kreativiteten personlig. Staffeli-kunstværker udvikler sig mere og mere.

I maleriet dannes et genresystem, som omfatter følgende genrer:

• religiøs - mytologisk;
• historisk;
• husholdning landskab;
• portræt.

Gravering forekommer også i denne periode, og tegning spiller en vigtig rolle. Kunstværker værdsættes i sig selv som et kunstnerisk fænomen. En af de vigtigste fornemmelser i deres opfattelse er nydelse. Højkvalitetsreproduktioner af malerier fra den venetianske renæssance vil være en fantastisk tilføjelse til interiøret i.

Modningsperioden for forudsætningerne for overgangen til højrenæssancen falder som i resten af ​​Italien sammen med slutningen af ​​det 15. århundrede. Det var i disse år, at parallelt med hedningen Bellinis og Carpaccios fortællekunst tog en række mestre af en ny kunstnerisk retning så at sige form: Giovanni Bellini og Cima. Selvom de med tiden arbejder næsten samtidigt med Gentile Bellini og Carpaccio, repræsenterer de det næste trin i logikken i udviklingen af ​​kunsten fra den venetianske renæssance. Det var malerne, i hvis kunst overgangen til et nyt stadie i renæssancekulturens udvikling blev tydeligst skitseret. Dette blev især tydeligt afsløret i den modne Giovanni Bellinis arbejde,

Venedig, som formåede at bevare sin uafhængighed, bevarer også troskaben mod renæssancens traditioner længere.To store kunstnere fra den højvenetianske renæssance kom ud af Gianbellinos værksted: Giorgione og Titian. Renæssancen i den venetianske republik. Vendingen til senrenæssancen blev skitseret i Venedig noget senere end i Rom og Firenze, nemlig i midten af ​​40'erne af det 16. århundrede.

Giovanni Bellini - den største kunstner af den venetianske skole, der lagde grundlaget for kunsten i højrenæssancen i Venedig. Dramatisk skarpe, kolde i farverne, de tidlige værker af Giovanni Bellini ("Kristi klagesang", omkring 1470, Brera Gallery, Milano) i slutningen af ​​1470'erne, under indflydelse af maleriet af Piero og Messina, erstattes af harmonisk klare malerier, hvor det spirituelle landskab stemmer overens med de majestætiske menneskebilleder (den såkaldte "Lake Madonna", "Feast of the Gods"). Giovanni Bellinis værker, herunder hans talrige madonnaer, er kendetegnet ved den bløde harmoni af klangfulde, mættede farver, som om de var trængt ind af solen, og subtiliteten af ​​chiaroscuro-gradueringer, rolig højtidelighed, lyrisk kontemplation og klare poesi af billeder. I Giovanni Bellinis værk blev der sammen med den klassisk ordnede komposition af renæssancealtertavlen ("Madonna enthroned Surrounded by Saints", 1505, San Zaccaria-kirken, Venedig) dannet et humanistisk portræt fuld af interesse for mennesket (portræt af en doge; portræt af en condottiere.) I et af de seneste malerier "Noahs beruselse" af kunstneren udtrykte et ungdommeligt engagement i livsværdier​ og den lette eksistens. Kunstneren Giovanni Bellinis arbejde banede vejen for venetiansk maleri fra sengotik og proto-renæssance til højrenæssancens nye kunst.

Den næste fase efter Giovanni Bellinis kunst var Giorgiones værk - en direkte tilhænger af hans lærer og en typisk kunstner fra højrenæssancens tid. Han var den første på venetiansk jord, der vendte sig mod litterære og mytologiske temaer. Landskab, natur og den smukke nøgne menneskekrop blev for ham et kunstobjekt og et tilbedelsesobjekt. Med en følelse af harmoni, perfektion af proportioner, udsøgt lineær rytme, blødt lysmaleri, spiritualitet og psykologisk udtryksfuldhed i hans billeder, er Giorgione tæt på Leonardo, som også havde en direkte indflydelse på ham, da han var i Venedig på vej fra Milano . Men Giorgione er mere følelsesladet end den store milanesiske mester, og som en typisk kunstner i Venedig er han ikke så meget interesseret i lineært perspektiv som i luft og hovedsageligt i problemer med farve.Allerede i det første kendte værk af Madonna optræder han. som en fuldt udviklet kunstner; billedet af Madonnaen er fuld af poesi, tankevækkende drømmende, gennemsyret af den stemning af tristhed, der er karakteristisk for alle kvindelige billeder af Giorgione. I løbet af de sidste fem år af sit liv (Giorgione døde af pesten) skabte kunstneren sine bedste værker.I maleriet "Tordenvejr" er en person afbildet som en del af naturen. En kvinde, der fodrer et barn, en ung mand med en stav er ikke forenet af nogen handling, men er forenet i dette majestætiske landskab af en fælles stemning, en fælles sindstilstand. Giorgione ejer den fineste og rigeste palet.Den grønne farve har mange nuancer: oliven i træerne, næsten sort i vandets dybde, bly i skyerne. Spiritualitet og poesi gennemsyrer billedet af "Den Sovende Venus"). Hendes krop er skrevet let, frit, yndefuldt, og det er ikke for ingenting, at forskere taler om "musikaliteten" i Giorgiones rytmer; den er ikke blottet for sensuel charme. Men ansigtet med lukkede øjne er kyskt og strengt, sammenlignet med det ser Titian Venuserne ud til at være ægte hedenske gudinder. Giorgione havde ikke tid til at færdiggøre arbejdet med "Sovende Venus"; ifølge samtidige blev landskabsbaggrunden i billedet malet af Titian, som i et andet sent værk af mesteren - "Country Concert". Dette billede, der forestiller to herrer i prægtige klæder og to nøgne kvinder, hvoraf den ene tager vand fra en brønd, og den anden spiller på fløjte, er Giorgiones mest muntre og fuldblodsværk. Men denne levende, naturlige følelse af glæden ved at være er ikke forbundet med nogen specifik handling, fuld af fortryllende kontemplation og drømmende stemning. Kombinationen af ​​disse træk er så karakteristisk for Giorgione, at det netop er "Landskoncerten", der kan betragtes som hans mest typiske værk. Sanselig glæde i Giorgione er altid poetiseret, åndeliggjort.

Tizian er den største kunstner i den venetianske renæssance. Han skabte værker om både mytologiske og kristne emner, arbejdede i portrætgenren, hans koloristiske talent er enestående, kompositorisk opfindsomhed er uudtømmelig, og hans lykkelige levetid tillod ham at efterlade en rig kreativ arv, der havde en enorm indflydelse på eftertiden. Tizian blev født i en lille by ved foden af ​​Alperne. Hans første arbejde var fællesmaling af lader i Venedig med Giorgione. Efter Giorgiones død malede Titian flere rum i Padova. Livet i Padua introducerede kunstneren til Mantegnas og Donatellos værker. Æren til Titian kommer tidligt. Han bliver den første maler i republikken, fra 20'erne - den mest berømte kunstner i Venedig, og succesen forlader ham ikke før i slutningen af ​​hans dage. Hertugen af ​​Ferrara beordrer ham en cyklus af malerier, hvor Tizian optræder som antikkens sanger, der formåede at føle og, vigtigst af alt, legemliggøre hedenskabets ånd ("Bacchanal", "Venus Festival", "Bacchus og Ariadne"). Tizian bliver den lyseste skikkelse i det kunstneriske liv i Venedig. Rige venetianere bestiller patricierne altertavler fra Tizian, og han skaber enorme ikoner: Marias himmelfart, Madonnaen af ​​Pesaro og andre. I Madonnaen af ​​Pesaro udviklede Tizian princippet om decentraliserende sammensætning, som den florentinske og romerske skole ikke kendte. Ved at flytte Madonnaens skikkelse til højre modsatte han således to centre: semantisk og rumligt. Forskellige farver modsiger ikke, men fungerer i harmonisk enhed med billedet. Tizian i denne periode elsker grunde, hvor du kan vise den venetianske gade, pragten af ​​dens arkitektur, den festlige nysgerrige skare. Sådan skabes en af ​​hans største kompositioner, "The Introduction of Mary into the Temple", - det næste trin i kunsten at skildre en gruppescene efter "Madonna of Pesaro", hvor Tizian dygtigt kombinerer livets naturlighed med storhed. . Tizian skriver meget om mytologiske emner, især efter en tur til Rom. Det var dengang, hans varianter af Danae dukker op, Danae er smuk i overensstemmelse med det gamle skønhedsideal, som den venetianske mester følger. I alle disse varianter bærer den titianske fortolkning af billedet en kødelig, jordisk begyndelse, et udtryk for den simple glæde ved at være. Hans "Venus" er i komposition tæt på Dzhordzhonevskaya. Men introduktionen af ​​en hjemlig scene i interiøret i stedet for en landskabsbaggrund, det opmærksomme udseende af modellens vidåbne øjne, hunden i hendes ben er detaljer, der formidler følelsen af ​​det virkelige liv på jorden og ikke på Olympen.

Hele sit liv var Titian engageret i portrætter. I hans modeller (især i portrætter af de tidlige og midterste perioder af kreativitet), udseendets ædelhed, bærendes majestæt, tilbageholdenhed i kropsholdning og gestus, skabt af et lige så ædelt farveskema, og sparsomme, strengt udvalgte detaljer (portræt). af en ung mand med en handske, portræt, datter Lavinia osv.) Hvis portrætterne af Titian altid er kendetegnet ved karakterernes kompleksitet og intensiteten af ​​den indre tilstand, så skaber han i årene med kreativ modenhed særligt dramatiske billeder , modstridende karakterer, præsenteret i konfrontation og sammenstød, afbildet med ægte shakespearesk kraft (gruppeportræt). Et sådant komplekst gruppeportræt blev først udviklet i baroktiden i det 17. århundrede.

Mod slutningen af ​​Titians liv gennemgår hans arbejde betydelige forandringer. Han skriver stadig meget om ældgamle emner, men oftere og oftere vender han sig til kristne temaer, til scener af martyrdød, hvor hedensk munterhed, ældgammel harmoni erstattes af tragiske, en kunstners død af hans elev. Madonnaen, der holdt sin søn på knæ, frøs af sorg, Magdalene slår fortvivlet hånden op, den gamle mand forbliver i dybe sørgelige tanker.

49) Tizian er en italiensk maler fra høj- og senrenæssancen. Han studerede i Venedig hos Giovanni Bellini, i hvis værksted han kom Giorgione tæt på; arbejdet i Venedig, samt i Padua, Ferrara, Rom og andre byer. Tizian legemliggjorde i sit arbejde renæssancens humanistiske idealer. Hans livsbekræftende kunst er kendetegnet ved dens alsidighed, bredde i dækning af virkeligheden og afsløring af æraens dybe dramatiske konflikter. Interesse for landskabet, poesi, lyrisk kontemplation, subtile farvelægning gør Titians tidlige værker (den såkaldte "sigøjner-madonna"; "Kristus og synderen") relateret til Giorgiones værk; kunstneren begyndte at udvikle en selvstændig stil efter at have stiftet bekendtskab med Raphael og Michelangelos værker. De rolige og glædelige billeder af hans malerier blev i denne periode præget af livets fylde, levende følelser, indre oplysning, farvernes renhed. Samtidig malede Titian adskillige portrætter, strenge og rolige i kompositionen og subtilt psykologiske (“ Ung mand med en handske; "Portræt af en mand"). Den nye periode af Titians arbejde (slutningen af ​​1510'erne - 1530'erne) er forbundet med det sociale og kulturelle opsving i Venedig, som i denne æra blev en af ​​humanismens og byfrihedens vigtigste højborge i Italien. På dette tidspunkt skabte Tizian monumentale altertavler med patos.

Slutningen af ​​1530'erne er storhedstiderne for Tizians portrætkunst. Med forbløffende indsigt portrætterede kunstneren sine samtidige og fangede forskellige, til tider modstridende træk ved deres karakterer: hykleri og mistænksomhed, selvtillid og værdighed ("Ippolito Medici"). Tizians lærreder er kendetegnet ved karakterernes integritet, stoisk mod ("Angrende Maria Magdalena; "Kroning med torne"). Farverne i Titians senere værker er baseret på den fineste farverige kromatisme: Farveskemaet, generelt underordnet en gylden tone, er bygget på subtile nuancer af brunt, blåt stål, pink-rød, falmet grøn.

I den sene periode af sit arbejde nåede Titian højderne både i sin billedkunst og i den følelsesmæssige og psykologiske fortolkning af religiøse og mytologiske temaer. Skønheden i den menneskelige krop, den omgivende verdens fylde blev det førende motiv i kunstnerens værker med ældgamle mytologiske plots.Kunstnerens skrivestil bliver usædvanlig fri, komposition, form og farve er bygget på fed plastikmodellering, maling påføres til lærredet ikke kun med en børste, men også med en spatel og endda fingre. Transparente glasurer skjuler ikke undermalingen, men afslører nogle steder lærredets kornete tekstur. Fra kombinationen af ​​fleksible streger fremkommer billeder fyldt med drama I 1550'erne ændrer arten af ​​Titians værk sig, den dramatiske begyndelse vokser i hans religiøse kompositioner ("The Martyrdom of St. Lawrence"; "The Entombment"). Samtidig vender han sig igen til mytologiske temaer, motivet om blomstrende kvindelig skønhed.Den bittert grædende Maria Magdalena på lærredet af samme navn ligger også tæt på disse billeder.

Et væsentligt vendepunkt i kunstnerens arbejde indtræffer ved overgangen mellem 1550'erne og 1560'erne. At skrive kompositioner baseret på emnerne "Metamorphoses", gennemsyret af bevægelse og farvevibrationer, er allerede et element i den såkaldte "sene måde". kendetegnende for Tizians seneste værker ("Sankt Sebastian"; "Kristi klagesang" osv.) Disse lærreder er kendetegnet ved en kompleks billedstruktur, udviskning af grænsen mellem former og baggrund; overfladen af ​​lærredet er så at sige vævet af strøg påført med en bred pensel, nogle gange gnidet med fingre. Nuancer supplerer hinanden, konsonante eller kontrasterende toner danner en slags enhed, hvorfra former eller dæmpede glitrende farver fødes. Nyskabelsen af ​​den "sene måde" blev ikke forstået af samtiden og blev først værdsat på et senere tidspunkt.

Tizians kunst, som fuldt ud afslørede originaliteten af ​​den venetianske skole, havde stor indflydelse på dannelsen af ​​de største kunstnere i det 17. århundrede fra Rubens og Velazquez. Tizians maleteknik havde en enestående indflydelse på den videre udvikling, op til det 20. århundrede, af verdens billedkunst.

• 50) Maleri "Violanta. Titian formår fuldt ud at legemliggøre idealet om et fysisk og åndeligt smukt menneske, givet i hele hans væsens vitale fylde, i et portræt. Han vendte sig til portrætter i en tidlig alder. På det tidspunkt blev et portræt af en ung mand med en revet handske malet såvel som et portræt af Mostya, overraskende med den maleriske frihed til karakterisering og billedets ædelhed. Denne periode omfatter også hans fulde af lidt kolde ynde "Violante", en lyshåret pige med smukke øjne. En tyk bølge af tungt guldhår falder på de åbne vidunderlige skuldre og bliver til en gennemsigtig vægtløs fnug, der forsigtigt omslutter en ung kvindes sarte blonder og snehvide hud. En dyr kjole er kun beregnet til at understrege endnu en gang en ædel oprindelse.
• 1520 - 1540 - storhedstid for Tizians portrætkunst. I løbet af disse år skaber han et omfattende portrætgalleri af sine samtidige, herunder den unavngivne "Ung mand med en handske", humanisten Mosti, Medici, herskeren over Mantua. Portrættet af Ferrara-advokaten er kendetegnet ved subtiliteten i overførslen af ​​den individuelle indre verden. En værdig plads i den herlige række er besat af et portræt af Francesco Maria, klædt i militær rustning på baggrund af bannere og tilsvarende regalier. Kunstneren skildrede sine samtidige med forbløffende skarpsindighed og fangede forskellige, nogle gange modstridende træk ved deres karakterer: hykleri og mistænksomhed, tillid og værdighed. Titians malerier er karakteriseret ved karakterernes integritet, stoisk mod. Farverne i Titians senere værker er baseret på den fineste farverige kromatisme: Farveskemaet, generelt underordnet en gylden tone, er bygget på subtile nuancer af brunt, blåt stål, pink-rød, falmet grøn.

"Portræt af Francesco Maria della Rovere" kan give indtryk af, at denne person indtager en højere stilling. Dette indtryk skabes af, at billedet er fyldt med energi og indre spændinger, selvtilliden hos den portrætterede er indlysende, og hans holdning er herskerens stilling. Han søger at overvælde beskueren med sit blik. Der er mange egenskaber på lærredet - sort rustning med et aggressivt metallisk skær, flere tryllestave, kongeligt karmosinrødt fløjl - alt dette indikerer, at Titian var fremragende til at formidle kundens sociale betydning på billedet.

"Portræt af en ung mand med en handske." Titian formår fuldt ud at legemliggøre idealet om et fysisk og åndeligt smukt menneske, givet i hele hans væsens vitale fylde, i et portræt. Sådan er portrættet af en ung mand med en revet handske. I dette portræt formidles individuelle ligheder perfekt, og alligevel er kunstnerens hovedopmærksomhed ikke tiltrukket af private detaljer i en persons udseende, men til det generelle, til det mest karakteristiske ved hans billede. Tizian afslører så at sige gennem denne mand de generelle typiske træk ved en renæssancemand. Brede skuldre, stærke og udtryksfulde arme, en fri kropsholdning, en hvid skjorte uforsigtigt opknappet i kraven, et mørkt ungdommeligt ansigt, hvor øjnene skiller sig ud med deres livlige glans, skaber et billede fuld af friskhed og ungdommelig charme - det er i disse funktioner, at de vigtigste kvaliteter og al den unikke harmoni af en glad person, der ikke kender smertefuld tvivl og indre uenighed.

Medici-portrættet giver os mulighed for at fange de dybtgående ændringer, der er skitseret i 1540'erne i Titians værk. På hertugens magre ansigt, omkranset med et blødt skæg, satte hun sit præg af kampen med virkelighedens indviklede modsætninger. Dette billede har noget til fælles med billedet af Hamlet.

I portrættet af Tomaso Mosti udtrykker helten næsten ingen følelser. For ham udføres fortællingen af ​​et jakkesæt, tilbehør, men selve modellen er ærlig talt passiv.Denne effekt forstærkes af monokromatiske toner, dæmpning af farver.

"Portræt af en ung kvinde i en hat med en fjer." Som vasket med morgendug ånder den unge dames ansigt friskhed og ungdommelig entusiasme. Hatten forskudt koket til siden, livlige nysgerrige øjne og en perlerække på en piges hals – vi har foran os endnu et kvindeportræt af den store italienske mester. Det ser ud til, at der blæser en let brise, og en strudsefjers fnug svajer lydigt efter ham, de er så lette, så luftige. Med en virtuos pensel gør kunstneren næsten håndgribelig både kappens mørkegrønne fløjl og den vægtløse silke i en tynd kjole og den varme hud fra sarte kvindehænder.