Blomstermotiver i kunst. Billede af plantemotiver

det vigtigste / Psykologi

Blomster - et symbol på foråret, personificeringen af \u200b\u200bdet lyseste og reneste på jorden, blev sunget i urolig antikken. Kunstnere har altid været i stand til at glæde sig og blive overrasket over blomster. I det gamle Egypten blev templernes søjler lavet i form af bundter af lotus eller papyrus og hovedstæderne - i form af færdige malede knopper. Gamle kinesiske og japanske ruller har bragt de levende farver af pioner, blåregn og liljer til vores dage. Uden blomster ville kunst og kunsthåndværk blive uendeligt fattigt. (Tillæg 6, fig. 1, 2)

Russisk kunst har gentagne gange vendt sig til blomstermotiver. Dette tema blev adresseret af kunstnere med forskellige kreative ambitioner. Så, I.I. Levitan, der hovedsagelig var landskabsmaler, var opmærksom på det blomstrede stilleben.

I mesterens kompositioner var forestillinger udbredt bestående af et stort antal blomster. Levitan tillagde stor betydning for skrivning af farver i mestring af farver og farveforhold. Sammensætning “Forår. Hvid lilla ”er interessant set ud fra teknik og farveskema. Pastel med sin fløjlsagtige konsistens og især metoden til at lægge store farveplaner, langs hvilken en anden farve påføres ovenfra med blyantsstrøg, som det var med en glasur, gjorde denne teknik det lettere for Levitan at generalisere formerne og forbinde dem sammen. Dette opnåede en mere stilleben og dekorativ løsning på motivet af en buket lilla blomster i en gryde. Vi finder alt dette i en endnu mere udviklet form i stillebenene "Kornblomsterbuket" og "Coleus". (Tillæg 7, fig. 1.2)

I Rusland i 90'erne. XIX århundrede mange kunstnere K. Korovin, Z.E. Serebryakova, V.A. Serov, A. Ya. Golovin, N.E. Grabar vendte sig til blomstermotiver. Disse kunstnere skaber stilleben til en særlig analyse af farve, form, dekorativ komposition, rytme; fladhed vises i billedlige løsninger.

K. Korovins incitament til at skabe værker har altid været en konkret virkelighed, i hvert øjeblik nyt og foranderligt. Derfor er f.eks. Roser malet på forskellige tidspunkter - "Blomster og frugt", "Roser og violer", "Roser", "Stilleben. Roser ”bærer hver gang en afspejling af det unikke i øjeblikket, en ny stemning. Men det er altid hos mesteren - forherligelse af glæde, farve, rigdom af jordisk liv. Maleriet Blomster og frugt, mousserende med solen i hver centimeter, er et sandt mesterværk af russisk impressionisme. (Tillæg 7, fig. 3)

Mesteren af \u200b\u200bteatralsk og dekorativ kunst A. Golovin behandler også temaet stilleben. I hans stilleben "Porcelæn og blomster", "Pige og porcelæn", "Stilleben. Phlox ”, mesterens karakteristiske håndskrift dukkede op - grafisk kvalitet, klar kontur, plan mønster, udsøgt farvning af billedet. Udstrygningen er bevidst lineær. På denne dekorative måde, præget af indflydelse fra jugendstil, blev blomsterarrangementer, der minder om gobeliner, løst.

Golovins stilleben er kendetegnet ved udsøgt pragt. Dette afspejles også i kunstnerens forkærlighed for dekorativitet. (Tillæg 8, fig. 1)

I løbet af sit lange kreative liv skrev Saryan mange smukke malerier. Han formidlede overraskende gennemtrængende, lyrisk og sandfærdigt den majestætiske skønhed og originalitet i det omgivende liv, naturen. Han skabte billeder fulde af jublende glæde, åbnede verden for mennesker - venlige, generøse, solrige.

Stilleben er "detaljerede", rumlige og tæt på naturen. I stedet for et par, omhyggeligt udvalgt af form og farveobjekter, hvor originaliteten af \u200b\u200bhver især understreges af en neutral baggrund, som det var i "Vinohrad", fylder kunstneren lærredet med mange ting, blomster, frugter og nyder denne overflod .

Mange af Saryans værker hører til højderne i hans arbejde og kombinerer børstens styrke og energi med subtiliteten og kompleksiteten i udtrykket. (Tillæg 8, fig. 2)

Saryans koloristiske søgninger førte kunstneren til emnet stilleben. Denne genre gav kunstneren stor frihed til at håndtere former og farver, så han kunne kombinere dem i enhver kombination.

Lyrik og fantastisk maleri er karakteristisk for S. Gerasimovs stilleben.

"Jeg elsker mit hjemland så meget, at alt, hvad der er forbundet med det, er mit kære, at det lever og vokser ..." - sagde Gerasimov det, og disse ord kan ligeledes tilskrives hans storslåede stilleben. De sporer let traditionerne bag mesterens kunst. Kunstnerens bedste stilleben er præget af livlig maleri. Samtidig kan man ikke undlade at se en direkte forskel mellem Gerasimovs grove maleri og de poetiske værker af A. Arkhipov eller K. Korovin.

Malet med brede teksturerede streger formidler Gerasimovs stilleben godt saftigheden af \u200b\u200bgrønne blade, elegant lysstyrke af blomster, alt dette - med synlig materialitet, men fratager karakteren af \u200b\u200bdirrende poesi. Utvivlsomt bør Gerasimovs bedste værker omfatte den store "maleriske", "landskab-stilleben" komposition "Efter regnen" ("Våd terrasse"). Dette arbejde medfødte med succes malerenes interesse for landskab, stilleben og interiør. Som det kan ses af memoarerne fra kunstnerens søster, malede han bogstaveligt talt af udsigten til haven efter en stormende, voldsom regn, et billede "med lynets hastighed" - i tre timer.

Skrevet under det indtryk, der fuldstændigt fangede skaberen, "Wet Terrace", ser imidlertid ikke ud til at være en skitse, der fanger selv en lys, men flygtig naturtilstand. Dette er et fuldstændigt færdigt billede, der er kendetegnet ved integriteten og generaliseringen af \u200b\u200bdet kunstneriske billede. Dens dynamiske sammensætning er dog præget af streng omtanke. Bordet flyttet til terrasseindgangen afslører dybden af \u200b\u200bden gamle have. Våde gulvbrædder skinner kraftigt, tunge regndråber gnistrer på de frodige grønne buske, på kronblade af pæoner i en glaskande, på kanterne af et glas væltet af regn. Skyerne er endnu ikke adskilt, og derfor er alt i naturen, opdateret af et generøst sommerbrusebad, malet i kolde og rene sølvfarver. Kombinationen af \u200b\u200bkolde og resonante farver, hvor den våde terrasse udføres, tillod Gerasimov at udtrykke sin glæde over verdens rigdom og skønhed for at skabe en glædelig stemning, som maleren generøst deler med publikum. I et andet stilleben - "Roser" - kan man se indflydelsen af \u200b\u200bK. Korovin, Gerasimovs appel til visse teknikker i hans maleri. Dette mærkes ikke kun i valg af emne, men også i "uddybningen" af billedets rum ved at inkludere et spejl i kompositionen i den generelle fragmentering af stilleben.

Kunstneren er flydende i farve - det vigtigste udtryksfulde middel til at male, og i dette stilleben kan du mærke det godt på den måde, han skriver gennemsigtigt grønt uden for vinduet eller mørke tætte roser. Og selve roserne, uanset hvilke nuancer der ikke er røde, er ikke i deres billede - fra lyserød til dyb lilla. Hvor forskelligartede malernes stilleben var, fremgår af hans malerier "Gaver om efteråret", "Bouquet" og andre. (Tillæg 8, fig. 3)

Sådanne talentfulde kunstnere som P. Kuznetsov, M. Saryan ("Green Jug and Bouquet", "Persian Still Life"), K. Petrov-Vodkin, P. Konchalovsky ("Still Life with Red Gladioli") har opnået stor succes i felt af stilleben A. Kuprin (“Rød-lilla buket på lyserød baggrund”), I. Mashkov (“Æbler og pærer på en hvid baggrund”, “Stilleben med en blæser”), R. Falk.

Farve, dens ekspressivitet, en generaliseret fortolkning af form - dette er sproget for disse kunstnere fra det 20. århundrede. I dem udvides grænserne for stilleben som en fin genre usædvanligt. I et stille liv kan man ikke kun mærke livsstilens specificitet, men også de unikke træk, der er forbundet med en bestemt individualitet.

Med rigdom af former og farver er begrebet skønhed i et stilleben blevet mere forskelligartet.

Det ser ud til, at blomster slet ikke er vanskelige at skrive, men dette indtryk er bedragerisk. Blomster hjælper med at udvikle smag, beherske professionel læsefærdighed og give en forståelse af formens love, chiaroscuro, farve. "En blomst kan ikke skrives" halvdårlig ", siger Konchalovsky, med enkle streger, den skal undersøges og lige så dybt som alt andet." Blomster er store kunstnerlærere: for at forstå og adskille en roses struktur skal man ikke lægge mindre arbejde end når man studerer et menneskeligt ansigt. I roser er der alt, hvad der findes i naturen, kun i mere sofistikerede og komplekse former, og i hver blomst og især i en buket vildblomster skal du finde ud af, hvordan i nogle skove oftere, indtil du fanger logikken i byggeriet , udlede lovene fra kombinationer, tilsyneladende tilfældige.

Blomster kan males og males hele året rundt. Om vinteren - indendørs og i marts og april snedråber. Så lyser de gule lys af morgenfruer, kupavnets, mælkebøtter. Ikke alle foretrækker luksuriøse roser, frodige pæoner og georginer, udsøgt gladioli. I. Shishkin, I. Levitan, S. Polenov afbildede oftest beskeden skov og vilde blomster - kornblomster, tusindfryd, mælkebøtter.

Nogle mennesker kan lide store, brogede buketter, andre som små fra nogle få planter.

Naturens liv i kunsten omdannes til kunstneriske billeder og bliver interessant ikke kun i sig selv, men også som et billede af livsprocesser fortolket af kunstneren som hans forhold til virkeligheden. I denne henseende, formidlet af individets verdensbillede og verdensbillede, udtrykkes forfatterens vurdering af virkeligheden, den kunstneriske hensigt realiseres.

Blomster til kunstnere er strenge eksaminatorer. Forresten hvordan han ser dem, hvordan han behandler dem, hvordan han skildrer, kan man bedømme hans holdning til mennesker, naturen, livet.

Billedet af plantemotiver. Beschastnov N.P.

M.: 2008 - 175 s.

Lærebogen undersøger grundlaget for teorien, metodikken og praksis for at skildre plantemotiver i forhold til opgaverne med specialuddannelse for kunstnere i tekstil- og lysindustrien. Det rige illustrative materiale demonstrerer en række forskellige teknikker til skildring af planter og plantemotiver. Håndbogen henvender sig til universitetsstuderende, der forbereder kunstnere til tekstil- og lysindustrien samt alle interesserede i dekorativ og anvendt kunst.

Format: pdf

Størrelsen: 23,7 Mb

Hent: yandex.disk

Indhold
Forord 3
Introduktion 4
Kapitel 1. Skildring af planter i kunsthistorie og industriel uddannelse 8
1. Billeder af planter i ornamenter fra oldtiden til slutningen af \u200b\u200bdet 18. århundrede 8
2. Tegning af planter inden for europæisk kunst og industriel uddannelse i XIX - tidligt XX århundrede 18
Kapitel 2. Teori om plantebilleder til tekstildesign 31
1. Funktion af billeder af planter i tekstiler 31
2. Blomsterpynt og tekstilprodukter 32
3. Typologi af blomsterpynt 36
Kapitel 3. Videnskabelige bestemmelser om billedet af planter og planteprydemotiver 47
1. Plante-taksonomi 47
2. Strukturen på højere planter 58
3. Symmetri og asymmetri i strukturen af \u200b\u200bhøjere planter og i deres billeder 66
4. Integritet i billederne af plantemotiver 74
5. Rytmisk grundlag for billeder af plantemotiver 77
6. Plastiske egenskaber af billeder af plantemotiver 80
7. Geometri af rumlige konstruktioner af billeder af planter på et plan 82
8. Chiaroscuro i billedet af planter 87
Kapitel 4. Teknik til skildring af plantemotiver 89
1. Analytiske billeder 89
2. Figurative-emotionelle billeder 94
3. Pynt- og plastikbilleder 104
4. Praktiske tip til skildring af planter 118
Kapitel 5. Plantemotiver i europæisk tekstilornament 126
1. Blomster og frugter i barok og rokoko 127
2. Garlander og kranse af klassicisme og empirestil 137
3. I landet med birk chintz 148
4. Motivet i det vridende blad 155
5. Plantemønstre på stoffer XX århundrede 163
Konklusion 171
Litteratur 172

I uddannelsesprocessen arbejder studerende med speciale i kunstnerisk design af tekstilprodukter med plantemotiver i følgende kurser: "Tegning", "Specialtegning", "Maleri", "Dekorativt maleri", "Grundlæggende komposition" med sommerøvelse i den fri luft, "Speciel sammensætning". Opgaverne for hvert kursus fokuserer på deres egne læringspunkter og dækker således alle mulige typer kreativt arbejde med skildring af planter. Disse opgaver kan opdeles i to grupper. Den ene beskæftiger sig med de vigtigste teoretiske og praktiske aspekter ved at studere og skildre plantemotiver af kunstnere inden for anvendt kunst, mens den anden er domineret af formuleringen af \u200b\u200bspecielle spørgsmål, der er tæt knyttet til lovene til konstruktion af tekstilkompositioner. Denne tutorial, der hovedsagelig er beregnet til brug i kurserne "Tegning" og "Specialtegning" og om sommeren udendørs praksis, tilhører den første gruppe af opgaver.

Ministeriet for uddannelse og videnskab i Den Russiske Føderation

Federal Agency for Education

Statlig uddannelsesinstitution for videregående uddannelse

Tobolsk Social and Pedagogical Academy opkaldt efter DI. Mendeleev "

Fakultet for kunst og grafik

Institut for Design og HO

Kursus om emnet:

Stylisering af plantemotiver, når du udfører kunstpanel "Blomster"

Tobolsk - 2010

Introduktion

Sprog for billedkunst er mangesidig og forskelligartet. En af de teknikker, som kunst anvender, er stilisering. Stylisering er en konvention af udtryksfuldt sprog, som opnås ved generalisering, hvis formål er at gøre et objekt mere udtryksfuldt. Hvert materiale dikterer sin egen måde at stylere på.

I processen med at arbejde på et værk og især på et dekorativt panel bruger kunstnere brugen af \u200b\u200ben sådan teknik som stilisering, som ikke kun tillader at opnå ekspressivitet i farvesammensætningen, men også at understrege det kunstneriske billede. Ikke kun dekorativ og anvendt kunst, men også staffelimalere - Matisse, Klimt, Diamonds of Diamonds, Miriscus, Gauguin, Andy Warhol og mange andre - henvender sig til stilisering.

Plantemotiver findes ofte i mange kunstneres værker. Billedet af planteelementer i en komposition kan stiliseres på forskellige måder, rækkevidden af \u200b\u200bmulighederne for kunstnerens kreative forståelse af den objektive verden er forskellig - fra et let konturstræk med en linje til en kompleks tone- og farve rumlig form.

Baseret på det foregående blev målet med kursusarbejdet bestemt - ved hjælp af teknikkerne til at stilisere plantemotiver til at skabe et dekorativt panel.

Under arbejdsprocessen blev følgende opgaver løst:

Overvej begrebet stilisering, dets typer og implementeringsmetoder;

Analyser kunstneres værker og identificer de anvendte stiliseringsteknikker

at afsløre detaljerne ved brugen af \u200b\u200bstiliseringsteknikker i arbejdet med plantemotivet;

at studere funktionerne ved at arbejde på en komposition i oliemaleriteknikken;

at uddybe viden inden for opbygning af en komposition ud fra stiliserede motiver og rytmisk organisering af motiver;

Formål med forskning: stilisering som teknik til at skabe et kunstværk.

Forskningsemne: træk ved udviklingen af \u200b\u200bdekorative paneler baseret på stiliseringen af \u200b\u200bplantemotivets farve og form.

Følgende forskningsmetoder spillede en vigtig rolle i vores arbejde:

analyse af kunstkritik af et kunstværk,

metode til stilistisk analyse

komparativ historisk analyse.

I løbet af vores arbejde stolede vi på følgende kilder. G.M. Logvinenko "Dekorativ komposition", der introducerer de grundlæggende principper for at organisere en dekorativ komposition, blomsterens egenskaber og muligheder for at skabe farveharmonier, metoder og teknikker til stilisering. I bogen af \u200b\u200bEV Shorokhov "Foundations of Composition" præsenteres teoretiske og praktiske spørgsmål om kompositionens forløb. Forfatteren undersøger grundigt de grundlæggende love om komposition i forskellige typer og genrer inden for kunst, herunder monumental kunst.

Spørgsmål til teknikken i processen med at arbejde med maleriske materialer overvejes i vejledningen "Maleri", der beskriver grundlaget for teori, metode og praksis for maleriske billeder.

Kapitel 1. Stylisering som et middel til at skabe et værks ekspressivitet

.1 Stiliseringsteknikker i kunstværker

Stylisering er en dekorativ generalisering og fremhævning af objekters karakteristiske træk ved hjælp af en række konventionelle teknikker. Du kan forenkle eller komplicere objektets form, farve, detaljer og også nægte at overføre volumen. At forenkle formularen betyder imidlertid ikke at udarme den, at forenkle midler til at understrege de udtryksfulde sider uden at udelade ubetydelige detaljer. Stylisering er en nødvendig og naturlig metode inden for dekorativ kunst, plakater, monumentalt maleri, silhuetgrafik, anvendt grafik og andre former for kunst, der kræver en dekorativ rytmisk organisering af helheden.

Styling kan baseres på forskellige principper.

Det afbildede objekts vigtigste visuelle kendetegn kan være formen på objektet, dets konturer, silhuet, kontur. Ekstrem forenkling, lakonisering af formen og brugen af \u200b\u200ben vis stilistik af billedet vil være en af \u200b\u200bmetoderne til stilisering. I processen med at generalisere formen fremhæver kunstneren, mens den bevarer plastisk ekspressivitet, de vigtigste og typiske og afviser mindre detaljer.

Det første stiliseringstrick er at forenkle farveforhold. Alle nuancer observeret i ægte form er som regel reduceret til flere farver. En fuldstændig afvisning af den ægte farve er også mulig. Forenkling af tonale og farveforhold, undertiden reducering af dem til et minimum, til to eller tre toner, dette er en anden betingelse for stilisering (tillæg 1, fig. 1)

Du kan ændre den kvantitative sammensætning af toner og farver, opgive nogle, du kan desuden introducere nye farver.

Forenkling eller afvisning af objekternes volumetriske form ved at skifte til en betinget plan applikativ fortolkning forudsætter en fri fortolkning af lysfarveforhold, søgen efter nye farveskemaer af farver undtagen i de tilfælde, hvor opgaven indebærer at bevare den koloristiske enhed af genstande eller komposition.

Den næste stiliseringsteknik er den rytmiske organisering af helheden. Den rytmiske organisation af helheden forstås først og fremmest at bringe formen eller strukturen af \u200b\u200bdet afbildede objekt til en bestemt geometrisk, ornamental eller plastisk konfiguration. En anden rytmisk organisering af billeder af symbolsk karakter. Nogle gange er ornamental, emne, plotbilleder i sig selv symboler eller et system af symboler. I symbolske billeder kan linjer og pletter forvandles til mere komplekse kombinationer uden specifik fortællingsbetydning. Derefter opstår stiliserede billeder af en geometrisk karakter. De beholder muligvis plotgrundlaget, men der lægges vægt på den strenge veksling af elementer og deres farvekombinationer eller ubetinget overholdelse af enhver geometrisk form. (Tillæg 1, fig. 2)

På den anden side er det grundlæggende princip i enhver geometrisk form en form for virkelige form, generaliseret og forenklet til det yderste.

Processen med transformation af virkelige billeder af naturen til stiliserede er kompleks i sin essens, den er undertiden forbundet med aktiv transformation og deformation af et objekt med dets hyperbolisering eller fuldstændig afvisning af visse egenskaber i naturen. Samtidig er et stiliseret billede i stand til at reflektere objektive naturformer på sin egen måde, vælge det mest typiske og karakteristiske, genfortælle det metaforisk og derved give det et fundamentalt nyt fantasifuldt indhold. (Tillæg 2, fig. 1)

Der er en sådan måde at stilisere på, hvor grundlaget er den dekorative form for det afbildede objekt, der findes gennem en ekspressiv kontur eller silhuet fyldt med prydelementer. Denne form kan findes på forskellige måder: først på baggrund af de naturlige egenskaber, der er forbundet med objektet (farve, struktur osv.); for det andet på baggrund af de afbildede egenskaber: objektiv (blomster, blade), geometrisk (linjer, firkanter) og en kombination af begge. (Tillæg 2, fig. 2)

Når man omdanner en naturlig form til et stiliseret motiv, skal man først finde et plastikbillede af motivet, overbevisende i dets kunstneriske udtryksevne. Faktisk udføres enhver transformation af virkeligheden for at identificere nye æstetiske kriterier.

Verden omkring os er på mange måder rytmisk og dekorativ. Dette kan ses ved at overveje placeringen af \u200b\u200bblade på en gren, vener på et blad, brusende skyer, træbark osv. Det er vigtigt at forstå det mest karakteristiske i den plastiske form af det observerede motiv og at realisere den naturlige forbindelse af elementer i et naturligt mønster.

Det er takket være de forskellige rytmiske bevægelser af motiverne såvel som elementerne inden for hvert motiv, at kunstneren er i stand til at skelne et motiv fra et andet. Kunstneren følger stien med at generalisere planteformer og stræber efter at afsløre det vigtigste, det mest karakteristiske.

Når man taler om ornamentik, bør man ikke glemme den plastiske form for motiver, om skønheden og ekspressiviteten i de linjer, der tegner denne form. Ved at generalisere formen er det ikke altid nødvendigt at opgive små detaljer, da de kan give formens silhuet mere dekorativitet og udtryksevne.

I stiliseringsprocessen spiller sådanne midler til kunstnerisk udtryk som linje, plet, farve en vigtig rolle.

I arbejdet med stilisering af motiver hører en særlig rolle til den lineære tegning, da linjen skarpest formidler alle nuancer af plastform, særegenhederne ved overgangen af \u200b\u200bnogle elementer til andre, den rytmiske bevægelse af disse elementer. Imidlertid kan en vis snæverhed i det lineære sprog føre til tørhed og endda til skematisme.

I en lineær fortolkning af motivet skelnes der mellem tre løsninger:

påføring af tynde linjer af samme tykkelse;

brugen af \u200b\u200btykke linjer af samme tykkelse (hvis tegningen skal gives aktivitet, spænding, monumentalitet);

anvendelse af linjer med forskellig tykkelse. Denne løsning har store billedmæssige og udtryksfulde muligheder, men den er ret vanskelig. For at opnå integritet skal linjer af samme tykkelse kombineres for at danne deres eget mønster i sammensætningen, som skal modstå mønsteret for linjer med en anden tykkelse. Eller rettere, det skal være en sammensætning af liljer af forskellig tykkelse. (Tillæg 3, fig. 1,2,3)

Farvet stilisering af motiver bidrager til den maksimale silhuet generalisering af former. Det kan være en sort silhuet på en hvid baggrund og en hvid silhuet på en sort baggrund. Stedets kunstneriske sprog er strengt og tilbageholdende. Imidlertid kan pletten også vise en uendelig række betingelser. (Tillæg 4)

Den mest anvendte er den lineære plet-fortolkning af motiver. I dette tilfælde er det meget vigtigt at organisere pletter og linjer i en harmonisk komposition. Det er vigtigt at strukturere pletterne i en enkelt komposition, som i sig selv er interessant i rytme og silhuet. Det er også nødvendigt at logisk og harmonisk forbinde linjerne med rytmisk spredte pletter, så begge skaber et integreret grafisk billede, når de er forbundet. Det skal bemærkes, at pletten kan bruges som foring til en lineær opløsning af motivet. (Tillæg 5)

I betragtning af funktionerne i stiliseringen af \u200b\u200bformer skal det bemærkes, at motivets farve og farve er underlagt kunstnerisk transformation og undertiden en kardinal nytænkning. Ikke altid kan den naturlige farve på et objekt bruges i en stiliseret komposition. Det valgte motiv kan løses i en konventionel farve i en forudvalgt farve i en kombination af relaterede eller relaterede kontrastfarver. Det er i dette tilfælde, at han erhverver de konventioner, der er karakteristiske for stilisering.

1.2 Blomstermotiver i kunst

K. Korovins incitament til at skabe værker har altid været en konkret virkelighed, i hvert øjeblik nyt og foranderligt. Derfor er f.eks. Roser malet på forskellige tidspunkter - "Blomster og frugt", "Roser og violer", "Roser", "Stilleben. Roser ”bærer hver gang en afspejling af det unikke i øjeblikket, en ny stemning. Men det er altid hos mesteren - forherligelse af glæde, farve, rigdom af jordisk liv. Lærredet "Blomster og frugt", mousserende med solen i hver centimeter, er et sandt mesterværk af russisk impressionisme. (Tillæg 7, fig. 3)

Golovins stilleben er kendetegnet ved udsøgt pragt. Dette afspejles også i kunstnerens forkærlighed for dekorativitet. (Tillæg 8, fig. 1)

Mange af Saryans værker hører til højderne i hans arbejde og kombinerer børstens styrke og energi med subtiliteten og kompleksiteten i udtrykket. (Tillæg 8, fig. 2)

Saryans koloristiske søgninger førte kunstneren til emnet stilleben. Denne genre gav kunstneren stor frihed til at håndtere former og farver, så han kunne kombinere dem i enhver kombination.

Lyrik og fantastisk maleri er karakteristisk for S. Gerasimovs stilleben.

Med rigdom af former og farver er begrebet skønhed i et stilleben blevet mere forskelligartet.

Nogle mennesker kan lide store, brogede buketter, andre som små fra nogle få planter.

Blomster til kunstnere er strenge eksaminatorer. Forresten hvordan han ser dem, hvordan han behandler dem, hvordan han skildrer, kan man bedømme hans holdning til mennesker, naturen, livet.

1.3 Teknikker til stilisering i kunstværker

Siden umindelige tider har kunsten vendt sig til stiliseringsteknikker. Selv i primitive tider vendte en person sig til denne teknik og udførte rockmalerier.

Vi ser teknologien til stilisering i mange store russiske og udenlandske kunstneres arbejde.

F.eks. Bruger Gustav Klimt i vid udstrækning ornamental og farvestilisering i sine værker. (Tillæg 9, fig. 1). Henri Matisse foretrækker mere stilisering af farver. (Tillæg 9, fig. 2)

I værkerne af Fernand Léger ser vi figurerne af mennesker stiliseret lineært. (Tillæg 9, fig. 3)

Værkerne fra avantgardekunstnere Piet Mondrian og Pablo Picasso er baseret på stiliseringsprincipperne og teknikkerne.

Ikke mindre udbredte stiliseringsteknikker bruges til at skabe et blomstret stilleben.

Denne genre kunne ikke være mere konsistent med Cezannes stormfulde temperament. I sit studie med utrættelig iver kunne han omarrangere æbler, fade og tallerkener, blomstervaser, indtil han fandt et plot, der tilfredsstillede ham. Cezanne brugte uger og ofte måneder på at arbejde med sine stilleben.

For eksempel bærer kompositionen "Blue Vase" spor af impressionisternes indflydelse, hvilket bidrog til lysningen af \u200b\u200bCezannes palet i 70'erne. På stillebenet "Vase of Flowers", arbejde fra 1903, arbejdede Cezanne i over et år, og på trods af at det ser ganske færdigt ud, betragtede han det som ufærdigt. (Tillæg 10, fig. 1)

For første gang optrådte postimpressionisterne P. Gauguin og Van Gogh i et blomstret stilleben intense farvekombinationer, en grafisk kontur, der skitserer farveplaner. Men dekorativitet var endnu ikke det vigtigste mål for disse kunstnere.

Sådan adresserede Paul Gauguin denne genre. "Stilleben med japanske pæoner i en vase og mandolin" er udsøgt i farve og subtilt gennemtænkt i komposition. Kunstneren valgte netop denne vase på grund af sine intenst farvede vægmalerier i harmoni med den dybblå af væggen i baggrunden, mens de skinnende farver på buketten - hvid, rød og grøn - kombineres med maleriets toner, der hænger på væg. Kunstneren søgte også harmoni i samspillet mellem former: de afrundede konturer af objekter svarer til formen på et rundt bord, som de er placeret på. Valget af emner opfyldte ikke kun formelle, men også konceptuelle opgaver. Mandolin kan opfattes som et symbol på den harmoni, som Gauguin ledte efter i forholdet mellem form og farve, mens vasen og fadet vidner om kunstnerens interesse for stilisering inden for ornamentik. (Tillæg 10, fig. 2)

Vincent Van Gogh, en hollandsk maler, sagde også sit ord i den billedlige løsning af et stilleben, besluttet i lyse, rene blå, gylden gule, røde toner og karakteristisk for ham dynamisk, som om strømmende streger. Dynamikken i farve og penselstrøg fylder mesterens stilleben som "Solsikker" og "Iris" med et spiritiseret liv og indre bevægelse. (Tillæg 10, fig. 3)

I det 20. århundrede i europæisk maleri henvendte Henri Matisse sig til temaet stilleben, som heller ikke er fremmed for blomstertemaet.

De mest udtryksfulde stilleben fra Matisse er dem, der er malet i Sevilla, på et hotelværelse, "Sevilla Still Life" og "Spanish Still Life". De spanske sjals blomstrede mønstre sidestilles med sofapolstringenes mønstre. Blomster på bordet bliver til et stofmønster, og stoffer malet med blomster og arabesker ruller over buketten i farverige bølger. Dekorativt maleri af Matisse når nye højder i disse stilleben. ”Dette er mit yndlingsmaleri i mange år nu,” siger Matisse om stilleben med Magnolias. Han malede denne komposition detaljeret, objekt for objekt, farve for farve, bestående af rød, sort, gul okker, hvid, cadmiumgult medium, overlejret på glasuren med skarlagen lak. (Tillæg 10, fig. 4)

Baseret på ovenstående kan vi således sige, at temaet blomster og blomsterstilleben forblev genstand for interesse for mange kunstnere fra forskellige tidspunkter og stilarter, hvor de kunne bruge stiliseringsteknikker. Under arbejdsprocessen rejste mestrene spørgsmål ikke kun om emnets miljø, men også om dets billedlige og plastiske løsning.

Kapitel 2. Sekvensen for udførelse af dekorativ komposition

.1 Kompositionsløsning af dekorative paneler

I processen med at lave skitser og skitser vælges den mest interessante kompositionsløsning.

Alt kompositionsarbejde fokuserer på placeringen af \u200b\u200bblomstermotivet i billedplanet.

Blomster skal ikke placeres tilfældigt eller tilfældigt. Hver blomst skal være forbundet i betydning med en anden. Det er meget vigtigt at placere dem i sådanne positioner, der vil være mest naturlige for dem.

Størrelsen på billedet for hele gruppen af \u200b\u200bfarver skal matche baggrunden. Billeder af blomster bør ikke være trange på flyet, men baggrunden bør ikke have forrang over billedet. Objekter skal placeres, så de ikke forhindrer hinanden, fremhæver deres karakteristiske egenskaber godt.

Horisontale og lodrette formater er mere velegnede til fortællende komposition. Formatet er tæt på firkantet, giver indtryk af visuel stabilitet. Det lodrette format fremkalder en følelse af sublim, stræben, monumentalitet.

Når vi arbejdede med et stiliseret blomstermotiv, brugte vi forskellige principper og teknikker til stilisering. De vigtigste visuelle egenskaber ved de afbildede objekter var formen på objekter, deres konturer, farve og silhuet. Vi har brugt den største forenkling af formen af \u200b\u200bfarver, rum og forladt ægte farve og forenklet tone- og farveforhold.

I vores arbejde brugte vi en sådan stiliseringsteknik som at bringe formen på det afbildede objekt til en bestemt geometrisk konfiguration.

Vores type komposition kan defineres som flerfarvet, da det domineres af mere end fire kromatiske farver. Flerfarvet er en farvesammensætning, hvor fire eller flere kromatiske farver dominerer. Normalt anvendes der i flerfarvet to hovedpar eller fire hovedkromatiske farver: rød, gul, grøn, blå samt deres nuancer.

For at opnå ekspressivitet i dekorativ komposition spiller den rytmiske organisering og sammenkobling af grafiske elementer på flyet en vigtig rolle.

Med den rytmiske organisering af motiverne i vores komposition brugte vi teknikken til rytmisk veksling af elementer med et fald eller stigning i visse kvaliteter (størrelser, vendinger, målinger af kompleksitet, farve eller tonemætning, graden af \u200b\u200bgrafisk eller dekorativ behandling af formen). (Tillæg 11)

2.2 Karakterisering af egenskaberne ved oliemaling

Det tilsyneladende uendelige udvalg af stilarter og maleteknikker skyldes ikke kun den enorme mangfoldighed i livet, men er også forbundet med tilgængeligheden af \u200b\u200bet udvalg af kunstmaterialer. Afhængigt af det anvendte middel har hver farve sine egne egenskaber, der skal afsløres og bruges; og når forskellige bindemidler bruges, får disse farver helt forskellige personligheder.

Vores sammensætning er lavet med oliemaling. Fordelene ved dette kunstneriske materiale er ubestrideligt og gør det muligt for kunstneren at kombinere forskellige teknikker i et stykke maleri, såsom "alla prima" og glasur, eller henvende sig til dekorativt maleri.

Olie kan males hurtigt, og i en sådan maleteknik skaber de landskaber, stilleben, portrætter og komplekse kompositioner, der kræver langtidsarbejde ved hjælp af glasmetoden. Men samtidig er det vigtigt at bevare friskhed, ikke at "tørre" den, for at undgå sorthed.

Oliemaleriets egenskaber afspejles i strukturen og evnen til at arbejde med en paletkniv.

Det vides, hvilken stor betydning der til enhver tid var knyttet til at mestre teknikken og teknologien ved at arbejde med billedmaterialer. At beherske professionelle teknikker i maleri, viden om teknologien til at arbejde med malematerialer og forskellige teknikker og metoder til maleri, evnen til at anvende denne viden, er nødvendige for en kunstner.

”Teknik er kunstnerens sprog; udvikle det utrætteligt til virtuositet. Uden det vil du aldrig kunne fortælle folk dine drømme, dine oplevelser, den skønhed, du har set, ”sagde PP Chistyakov.

Der er flere måder at udføre en billedlig etude med oliemaling på: multi-session eller glasmetode, en-session metode efter “a la prima” metoden. Du kan bruge en blandet teknik: ordinere en del af billedet med flere glasurer og den anden del - ved hjælp af "a la prima" -metoden. Valget af metoden til at udføre arbejde afhænger af de indstillede opgaver og bestemmes også af kompositionens art.

“A la prima” -metoden betyder, at efter den fundne kompositionsløsning af produktionen og den forberedende tegning udføres hele undersøgelsen i en session. Farven på alle detaljer i forestillingen tages straks i fuld kraft, dvs. maleriet udføres i næsten et lag.

Fordelen ved metoden er, at det oprindelige indtryk bevares under hele sessionen, hvilket bidrager til værkets lyse, følelsesmæssige farve. Derudover giver metoden dig mulighed for at tage farve i maleriet på én gang i fuld kraft og gennemføre hele undersøgelsen på samme tid og tilføje farve til et allerede lagt strøg efter behov uden at påføre maling flere gange et sted.

Et maleri lavet på denne måde er kendetegnet ved dets friskhed og farvedybde.

Det første malelag angiver de mørke dele af objekterne i farve og tone. Det andet malingslag påføres over det tørrede arbejde. Han konkretiserer formen, beriger og tydeliggør farve- og toneforhold.

Slag udføres strengt i henhold til genstandens form. På dette tidspunkt er raffinerede detaljer. Det er nødvendigt at spore stederne med klare, kontrasterende berøringer af objekternes form med baggrunden og andre detaljer, de steder, hvor objektets kontur blidt kombineres med baggrunden samt de steder, hvor nogle detaljer er nedsænket i den generelle skygge.

Efter at etuden tørrer ved hjælp af det næste lag er farven på skyggene mættet, halvtonernes nuancer er raffineret, arbejdet med produktionsformerne konkretiseres. Arbejdet slutter med at bringe alle detaljerne i produktionen til en passende farve og tonetilstand understrege de vigtigste, mest interessante og karakteristiske kvaliteter ved produktionen og udjævne de sekundære.

Når man påfører et lag maling på et andet, er det nødvendigt at tage højde for indflydelsen af \u200b\u200bdet første lags farve på farven på det næste. For eksempel giver overlejring af blå på gul grøn, overlejring af rød og gul producerer orange og så videre. Her kræves, ud over praktiske færdigheder i maleri, kendskab til forløbet for farvevidenskab.

I vores arbejde brugte vi en blanding af forskellige teknikker.

2.3 Grundlaget for maling med olie maling

Der er mange opskrifter på primere til maling på lærred, men de bedste primere er dem, hvis komponenter er relateret til malingens bindemidler.

Til oliemaling kan fabriksfremstillet hvidvask eller fremstilles ved blanding af kaseinolieemulsion og tør zinkhvid som primer.

N.V. Odnoralov tilbyder en opskrift på en emulsionsgrunder med forstørrelse. Størrelsessammensætningen inkluderer 7 dele kasein opløst i 100 kubikcentimeter vand, 9 dele af en 3% boraxopløsning, hvilket forbedrer kaseins klæbeegenskaber. Efter tørring af størrelsen påføres en emulsionsjord med en cremet konsistens med følgende sammensætning (antal dele) på lærredet: kasein - 200, borax - 9, linolie - 10, zinkhvid - 50-80, glycerin - 5 , phenol - 0,1, vand - 300 ml.

Lærred og pap overtrukket med emulsionsgrunder produceres af produktionsanlægget i Den Russiske Føderations kunstfond. Inden arbejdet påbegyndes, skal sådant lærred og pap grundes med et ekstra tyndt lag kaseinoliehvidt, ellers kan malingen falme. Når du grunder en maleribase eller dækker et emulsionslærred med kaseinoliehvid, skal du bruge en bred fløjte, der først bevæger sig i retning af kædetrådene og derefter i retning af skudtrådene. Du kan begynde at skrive på grundet lærred og pap kun efter at jorden eller kaseinolie hvid er tørret helt. Til vores arbejde brugte vi et fabriksfremstillet lærred.

Der er også andre opskrifter til primere, som er beskrevet i den specielle litteratur om malingsteknikker. Til fremstilling af farvede jordarter tilsættes den ønskede farve af kaseinolie-tempera til de angivne jordarter.

Børster, paletknive, paletter. Til oliemaling anvendes flade og runde børster, søjlebørster og egernbørster. Til at udføre arbejdet brugte vi flade børster og søjlebørster i tre størrelser: stort nr. 28-30, medium nr. 16-18, lille nr. 8-10.

Paletknive bruges til maling som et værktøj til fjernelse af maling fra en palette efter afsluttet arbejde samt et værktøj til at arbejde med maling i stedet for en pensel. Maling blandet med en paletkniv adskiller sig i sonoritet og dybde, og maling med en paletkniv giver dig mulighed for at få interessante strukturerede effekter på en malet overflade. Men for at arbejde med en paletkniv har du brug for passende forberedelse, da entusiasmen for eksterne teksturerede effekter undertiden skader naturens kunstneriske sandhed. I vores tilfælde blev en paletkniv brugt til at påføre hovedmalingslaget.

I vores arbejde brugte vi en multi-session metode til at arbejde på en dekorativ komposition.

Sekvensen af \u200b\u200bskitsen i oliemaleriteknikken.

Første skridt. Udfør en detaljeret tegning af kompositionen med tynde streger, der identificerer objekternes vigtigste proportionale forhold.

Anden fase. Udfører undermaling. Første beklædning af lokale farver. Objektens farve er samlet på paletten.

Trin tre. Afslører farve og tone forhold. Udarbejdelse og afklaring af detaljer. Olien giver dig mulighed for at foretage ændringer i arbejdet.

Trin fire. Generalisering og afslutning af arbejdet. (Tillæg 12)

Konklusion

dekorative paneler stiliseringsmaling

Evnen til at se og forstå harmoni i livet og kunsten, at tænke kreativt er meget vigtigt, når man skaber en stiliseret komposition. Med fokus på denne afhandling skabte vi vores komposition. I arbejdsprocessen tog vi højde for effekten af \u200b\u200breglerne, teknikkerne og stiliseringsmidlerne, som vi undersøgte værkerne fra russiske og europæiske kunstnere til. Reglerne for kompositionens farverytmiske organisation blev også taget i betragtning,

Arbejde på et dekorativt panel, vi studerede funktionerne ved at arbejde på en dekorativ komposition ved hjælp af stiliseringsteknikker, uddybede vores viden inden for opbygning af en farvesammensætning og den rytmiske organisering af motiver, forbedrede vores viden, færdigheder og evner i arbejdsteknologien i teknikken til akrylmaleri.

Når vi arbejdede på kompositionen, brugte vi teknikken til at opdele flyet i dele, som blev udført med lige linjer i flere retninger. Vi brugte teknikken til rytmisk veksling af forskellige farver med faldende størrelser, farvemætning og en vis grad af dekorativ behandling af formen.

Når man underviser i en bestemt type skrivning med kunstnerisk maling, bør en nybegyndermaler først og fremmest blive fortrolig med materialer, værktøjer, teknikker og teknologi. Uden viden om detaljerne i forskellige typer maling og professionel håndtering af materialer og værktøjer er det umuligt at beherske det grundlæggende i maling.

Som malemateriale har vi valgt oliemaling, som har mangesidede farve-plastiske egenskaber. Det er disse egenskaber, der er mest attraktive for uerfarne kunstnere, der mestrer færdighederne i malerikundskab. I vores arbejde brugte vi en sådan teknik “a la prima”, som gjorde det muligt for os at forbedre færdighederne i at male læsefærdigheder for at understrege malinglagets struktur i kompositionen.

Resultatet af kreative og forskningsaktiviteter var efter vores mening opnåelse af det fastsatte mål, løsningen på de opgaver, der blev angivet i starten af \u200b\u200barbejdet.

De færdigheder og viden, de erfaringer og færdigheder, der blev erhvervet og konsolideret under arbejdsprocessen, tror jeg, vil hjælpe med yderligere kreativ aktivitet.

Liste over anvendte kilder

1.Alexandrov, V.N. Historie om russisk kunst / V.N. Alexandrov. - Minsk: Høst, 2004.

.Alekhin, A.D. Når kunstneren begynder / A.D. Alekhin - M., 1993.

.Trouble, G.V. Grundlæggende om visuel læsefærdighed: Tegning. Maleri. Komposition: En guide til kunstneren. - graf. fac. ped. in-tov / G.V. Trouble - M.: Uddannelse, 1969.

.Vizer, V.V. Malerisk skrivning. Farvesystem inden for billedkunst / V.V. Wieser - SPb .: Peter, 2006. - 192p.

.Volkov, A. Arbejd med billedskitser / A. Volkov - M., 1984.

.Volkov, N.N. Komposition i maleri / N.N. Volkov - M.: Uddannelse, 1977.

.Volkov, N.N. Farve i maleri / A. Volkov - M., 1965.-170 s.

.Dmitrieva, N.A. En kort kunsthistorie. Udgave 1-3 / N.A. Dmitrieva - M., 1969, 1989, 1992.

.Girard K. Matisse. - M. 2001.

.Ioganson, B.V. Om maleri / B.V. Johanson - M., 1960.

.Historie om russisk kunst: i 2 bind. T. 2, bog. 2. Vejledning. - M., 1981. - 288 s.

.Kiplik, D.I. Maleteknik / D.I. Kiplik - M., 1999. - 203 s.

.Kirtser, Yu.M. Tegning og maling: lærebog. godtgørelse. - 3. udgave slettet. /Yu.M. Kirtser - M., 2000-271 s.

.Kovtun E.F., Babanazarova M.M .. Gazieva E.D. En fortrop stoppede på flugt. - L., 1989.

.Kruglov, V.F. Korovin / V.F. Kruglov - SPb., 2000.

.Logvinenko G.M. Dekorativ komposition: lærebog. En håndbog for studerende på højere uddannelsesinstitutioner. - M., 2004. - 144s.

.Malevich: Kunstner og teoretiker: Samling af artikler. - M., 1990.

.Martiros Sarian. - M., 1974.

.Mironova, L.N. Farve i billedkunst. / L.N. Mironova. - Minsk, 2003.

.Neklyudova, M.G. Traditioner og innovation inden for russisk kunst fra det sene XIX - begyndelsen af \u200b\u200bdet XX århundrede / M.G. Neklyudova - M., 1991.

.Petrov, V. Isaak Ilyich Levitan / V. Petrov - SPb., 1992.

.Pozharskaya, M. Alexander Golovin: Kunstnerens måde. Kunstner og tid / M. Pozharskaya. - M., 1990. - 264 s.

.Pospelova, G.G. Essays om kunsthistorien / G.G. Pospelova - M., 1987.

.Sarabyanov, D.V. Historie om russisk kunst fra det sene XIX - begyndelsen af \u200b\u200bdet XX århundrede / D.V. Sarabyanov - M.: Galart, 2001.

.Saryan, M. Fra mit liv / M. Saryan. - M., 1990. - 304 s.

.Sergey Gerasimov. 1974.

.Sokolnikova, N.M. kunst: lærebog til uch. 5-8 karakterer: Klokken 4. Del 3. Grundlæggende sammensætning / N.М. Sokolnikov - Obninsk: titel, 1999. - 80'erne.

.Fedorov - Davydov, A.A. Levitans tidlige arbejde. //Kunst. 8. - 1962. - s.51.

.Harris N. Klimt. - M.: Forlag "Spica", 1995.

.School of Fine Arts: Vol. 5 - M., 1994. - 200 s.

.Shorokhov, E.V. Grundlæggende sammensætning / E.V. Shorokhov - M.: Uddannelse, 1979.

.Yuferova, N.A. Isaak Ilyich Levitan / N.A. Yuferova - L., 1962.

.Yakovleva, N.A. Analyse og fortolkning af et kunstværk. Kunstnerisk co-creation: lærebog. Tillæg / red. PÅ. Yakovleva - M: Højere. shk., 2005. - 551 s.

Dekorationsprincippet, der underordnede alle elementerne i kompositionen til dens rytmer, var fremherskende i den billedlige række af farvet glas i jugendstil. Som vi kan se, er motivcirklen et materiale fra organisk natur: dyr, fugle, blade, træer, blomster, der bruges af stilen, kan naturligvis finde et sted for sig selv i ornamentet.

I stil med jugendstil var der ligeledes alle slags typer dekorativ dekoration, fra det enkle til det mest komplekse. Overraskende subtile og færdige prydkompositioner tiltrak seernes øje og gav charmen til det objekt, som de blev undfanget for.

Med alle de forskellige prydvariationer, der helt afhang af kunstnerens vilje og fantasi, bevarede jugendstil en enkelt ideologisk orientering og kunstnerisk integritet.

Kunst, der afslører for kunstneres lys - romantikere, der vendte sig til mytologiske billeder, motiver fra middelalderen, der først kun forherligede naturens skønhed og naturlighed, efterhånden mere og mere erhvervede en mystisk orientering og forsøgte at skabe en forbindelse mellem synlige fænomener med ideelle ideer, usynlig virkelighed. Tegn og symbolers sprog fik en ny udviklingsrunde.

Symbolet kom til ornamentet fra hele den kunstneriske kultur ved århundredskiftet. Den dekorative essens af det dekorative mønster syntes at være forsvundet i baggrunden takket være symbolik dukkede en ny semantik op. Ny semantik kunne kun tilvejebringes af et symbolsk billede, et konventionelt tegn på virkelighed og ikke et fragment taget direkte fra virkeligheden. En figur, et objekt, et fragment af et objekt er blevet til et plastsymbol, til en plastisk metafor. Så for eksempel følte en af \u200b\u200bde førende mestre i stilen, F. Shekhtel, subtilt et nyt sted, der blev taget af ornament, som ofte havde en formativ betydning og spillede en vigtig rolle i den sensoriske opfattelse af kunstværker, udtrykker spænding eller svaghed, stiger eller falder.

Linjen i ornamentet fra denne æra forsøgte at lede hovedtemaet, var den vigtige partikel, der tjener som grundlag for objektets fremtidige udseende. Faktisk gjorde jugendstil det muligt at revurdere vigtigheden af \u200b\u200bornament og definere dets plads i alle former for kunst.

Disse eller disse elementer kunne ifølge den nye kunstneriske retning let overføres fra et objekt til et andet. Samtidig var der ikke plads til den samme type dekorative motiver i jugendstil. I hvert nyt tilfælde fik mønsteret en anden lyd og plastisk udtryksevne. På trods af at kunstnerne lægger stor vægt på orientalske motiver, blev elementer, der var traditionelle og kendte i hele Europa, uigenkendeligt ændret. Ferskenblomster, nelliker, kirsebær, bambusstængler - alt dette er blevet omarbejdet og fået en ny lyd. Stiliserede naturlige former blev brugt som et uafhængigt dekorativt element og blev brugt på en sådan måde, at det skabte indtryk af at beundre deres unikke skønhed - farve, form, struktur.

Floraen bliver genstand for særlig opmærksomhed hos kunstnere, grafiske kunstnere, mestre inden for anvendt kunst. I dette tilfælde har vi ikke at gøre med en traditionel animalistisk genre, som ikke kan findes i moderne, ikke med et traditionelt landskab eller stilleben. Kunstneren er ikke interesseret i naturen som helhed, men i dens individuelle dele eller genstande: en blomst, et blad, en stilk. Alle disse "tegn" vises ikke i et almindeligt miljø, ikke i et naturligt miljø, men uafhængigt. Som et isoleret objekt eller som et objekt, hvis eksistensbetingelser ikke vedrører kunstneren. 7 *

Forskellige blomster og plantemotiver var yndlingsemner for billeder på glas, hovedsagelig eksotiske planter med blødt buede stilke, udtryksfuld silhuet, lunefuldt vridende og asymmetriske konturer: bizarre blomster, marine sjældenheder, bølger er fuldt til stede i farvede glasvinduer. Utallige gange kan vi finde motiver af iris, valmuer, åkander, liljer, bær, kegler og mange andre planteformer. Alt dette findes i værkerne fra de førende mestre: Emil Luxfer og Arsene Herbinier "Spring Flowers", vinduet "Poppies" af kunstneren Pizzagalli, det farvede glas "Water Lilies" af Arnold Liongrun og lignende "Water Lilies" af Wilhelm Meves, "blomster" vinduer af Wilhelm Haas, uforlignelige vandliljer med farvet glas og valmuer af A. Khrenov i et lejebolig på Znamenskaya (Skt. Petersborg) syg. № samt uforglemmelige kompositioner af L.K. Tiffany “Blooming Magnolias and Irises”, “Clematis on a Trellis”, “Four Seasons. Forår. Sommer ”,” Landskab med en sø og iris ”. silt fra til

Iris

I de fleste tilfælde figurerede det i ornamentalrammerne i det centrale store glas og i de maleriske plotter af farvede glasvinduer, iris, som oftest findes i ornamenter fra sammenvævning af geometriske og plantemotiver. Denne blomst blev jugendstilens emblem. Kombinationen af \u200b\u200bstrenge lige linjer af sine blade og stængler med glattheden af \u200b\u200bblomsteroversigten såvel som det tilbageholdende farveskema af blomster faldt helt sammen med konceptet med den nye stil. Han er afbildet på facaden af \u200b\u200bF. Shekhtels hus, M. Vrubel elskede ham, A. Blok skrev digte om ham, romantik blev dedikeret til ham. Iris er yderst værdig sin ære. I Europa symboliserer iris tillid, visdom og håb. Iriser begyndte at dukke op ikke kun i farvet glaskunst, men også: i malerier på vaser, fans, skærme, på postkort og billeder.

I de fleste farvede glaskompositioner er iris skildret kraftigt, som en konge, der sidder på en trone, omgivet af sine tjenere af glem-mig-ikke-sådan, sådan er det farvede glasvindue i Metropolitan Chocolate House på Shelkovichnaya Silk. Ingen.

eller et farvet glasvindue i den hvide sal i Skt. Petersborg-bygningen syg. Ingen.

I arbejdet fra Tiffany (USA) "Blooming magnolias and irises" 1905. silt nr.

denne blomst, der fylder hele den nedre "jordiske" del af farvet glassammensætningen, personificerer efter min mening samhørighed, en venlig familie, ikke modløs, og venter på, at der er meget skønhed ud over bjergene.

Efter at have undersøgt illustrationer, der skildrer denne smukke blomst, kan vi sige, at den kan fungere som den eneste helt i det vigtigste sammensætning af farvet glasvindue eller som tilføjelse.

rose blomst

Rosenblomsten havde en anden symbolsk betydning. Opfattet som en blomst af Venus, tjente rosen som et symbol på den smukkeste person i livet - kærlighed, skønhed og lykke. Vi kan finde denne smukke blomst i værkerne: Giovanni Beltrami (Italien) farvet glasvindue "Peacocks" 1900. silt Ingen.

Jacques Grube, (Frankrig) farvet glasvindue "Roser og måger" 1905 silt Ingen.

Casa Navas palæ, Reus farvet glas på trappen (Spanien) syg. Ingen.

Jacques Grube (Holland) farvet glasvindue le - roser 1906) syg. Ingen.

Farvet glas Chapelle. Moderne syg. Ingen.

I mange farvede glassammensætninger faldt roser ned i kranser langs vinduet fra loftet som gennemsigtige gardiner

For en stor komposition brugte kunstneren ofte billedet af et træ, der symboliserede paradisets evige liv. Solsikke som en blomst, der passer bedst til solens billede, blev identificeret med livets skønhed og fest.

Art Nouveau forvandlede uhøjtidelige geometriske mønstre til et ægte oprør af former, farver, linjer og bragte endda store plotscener til glaskunst.

Den nordlige natur fik dig til at drømme om troperne - og så dukkede vinduer op med billedet af frodige palme blade og bambus, der uventet og eksotisk "voksede" i de grå dystre hoveddøre. Men oftest blev kendte og elskede blomster præget i glasset og glædede en forbipasserende øjne med deres lyse farvede glasfarver.

Vandliljer og ægbælg, lavet af ujævnt farvet "opal" glas, spillede i lyset, som om de blændede på vandet i deres oprindelige søer.

Ædle liljer steg foran vores øjne langs vinduet, omgivet af højtidelige bånd og kranser.

Scarlet farvede glasvalmuer vinkede til drømmelandet - disse blomster i den russiske kulturs sølvalder symboliserede en magisk drøm.

Selvfølgelig blev der ofte farvet glasvinduer lavet med kollektive billeder af planter - søde vilde blomster, bindweed, blomster af frugttræer. Eller simpelthen i form af stiliserede blomster i ånden af \u200b\u200bbørnetegninger: en lille glashalvdel (cabochon) i midten og symmetriske afrundede kronblade rundt.

Mesteren af \u200b\u200bden spontane, spontane linje, Moskva-arkitekten F. Shekhtel, var en af \u200b\u200bde første, der bevægede sig væk fra den genkendeligt konkrete udsmykning af naturlige former og vendte sig til et abstrakt, rytmisk organiseret ornament af linjer og farvede pletter.

Den geometriske verden af \u200b\u200bkrystaller, sten og mineraler viser sig undertiden at være en prototype for mestrene for den sene modernitet. Men her vises geometri i en mere kompliceret form og får en "naturlig karakter". Senere værker, såsom det farvede vindue af L. Kekushev i palæet til I.A. Mindovskogo, det farvede glasvindue i selskabssalen på Metropol Hotel af V. Valkot, de farvede glasvinduer i salen på anden sal og spisestuen på Mokrheide Jagtborg eller glasmosaikvinduet i en beboelsesbygning på Vinohradsky Prospekt i Prag er levende eksempler på denne tendens.

Den cirkel af motiver, der anvendes af stilen, giver næppe billedkunst fuld prioritet frem for ornamentik; her har vi at gøre med sådanne genstande, der mest naturligt kan finde deres plads i ornamentet. Igen er dette materiale fra organisk natur: dyr, fugle, blade, træer, blomster.

Selv en simpel linje, en kombination af linjer, der ikke har nogen reel objektprototype, men ofte danner grundlaget for et ornamentalt mønster, har fået en figurativ betydning.

Den lineære kombination kunne give indtryk af at være spændt eller afslappet, stige eller visne.

Selv i geometriske motiver er Art Nouveau i stand til at bringe sine karakteristiske træk ved rastløs spænding. Regelmæssige cirkler placeres i hinanden og slår den sædvanlige symmetri ned. Regelmæssigheden i gitteret med trekanter eller firkanter er overtrådt, de ser ud til at være ujævnt, i ryk, tag fat i overfladen. ill. № symmetri

Dekorativt farvet glas med blomster- og geometriske kompositioner var en integreret egenskab af jugendstilarkitektur, inklusive i Rusland, som ikke hængte bagefter andre lande ved begyndelsen af \u200b\u200bdet 19. og 20. århundrede. Palæer og store lejlighedsbygninger for beboere med forskellige indkomster, banker, togstationer og andre offentlige bygninger var utænkelige uden farvede glasvinduer.

De fleste kunsthistorikere, der har studeret Art Nouveau-stilen, er af den opfattelse, at ornamentets betydningsfulde rolle er i sammensætningen og udviklingen af \u200b\u200bstilen. Madsen kalder ornamentet "symbolsk struktur", hvilket giver denne type figurativ tænkning en rent meningsfuld betydning. 8 *

METODOLOGISK ARBEJDE

Om emnet:

"Stylisering af planteformer i ornamentet"

Olga Polischuk

Lærer for børns kunstskole nr. 1 opkaldt efter N.P. Shlein.

Kostroma 2015

"Kunst er en abstraktion, tag den ud af naturen, fantaserer på dens basis og tænk mere på den kreative proces end på resultatet."

Paul Gauguin

Indhold

1. Forklarende bemærkning. Begrebet ornament og dets typer.

5. Synopsis af lektionen om emnet: "Stylisering af planteformer i ornament i lektionerne om dekorativ komposition."

6. Referencer.

7. Kreativt arbejde af elever fra kunstskolen for børn.

8. Liste over eksamensbeviser for by-, regionale, regionale, internationale udstillinger og konkurrencer.

1. Forklarende bemærkning

Den moderne verdens kultur er ejeren af \u200b\u200ben enorm arv inden for alle typer kunst. At studere de største monumenter inden for arkitektur, maleri, skulptur og dekorativ og anvendt kunst kan man ikke ignorere et andet område med kunstnerisk kreativitet. Det handler om ornament.Ornament er en del af samfundets materielle kultur. Omhyggelig undersøgelse og udvikling af den rigeste arv fra denne komponent af verdens kunstneriske kultur bidrager til uddannelse af kunstnerisk smag, dannelse af ideer inden for kulturhistorie, gør den indre verden mere vigtig.

Litteraturen om ornament kan være omfattende. Teksten i alle værker har en sekundær rolle. Jeg kom til den overbevisning, at det er nødvendigt at tale om ornament i kompositionstimer, hvilket ville give den studerende en idé om dets hovedformer. Jeg vil røre mere ved blomsterdekorationen. Jeg kaldte mit arbejde "Stylization of Plant Forms in Ornament", hvor jeg vil vise, hvordan planter kan omdannes til en kunstform.

Det er kendt, at natur og kunst er nært beslægtede. Maleri og skulptur er baseret på mere eller mindre direkte efterligning af naturen. Ornament er også baseret på efterligning af naturen, og der er faktisk mange prototyper i naturen til ornament.

Planter, dyr, mennesker og kunstværker af menneskeligt arbejde fungerer som prototypen for ornamentet. Hvordan skal en kunstner så omdanne en prøve taget fra naturen til en form og farve, der i form af et ornament kan svare til dens formål? Hvad er et ornament i sammenligning med prototypen i naturen? Dette er et ornament lavet af en menneskelig hånd, forvandlet af hans fantasi.

Ornament - et mønster baseret på gentagelse og veksling af dets bestanddele designet til at dekorere forskellige genstande. Ornament er en af \u200b\u200bde ældste typer af menneskelig visuel aktivitet, som i den fjerne fortid bar en symbolsk og magisk betydning, symbolik.

Ornamentets oprindelse går århundreder tilbage, og for første gang blev dets spor fanget i den paleolitiske æra (15-10 tusind år f.Kr.). I kulturen i yngre stenalder har ornament allerede nået en bred vifte af former og begyndte at dominere. Over tid mister ornamentet sin dominerende stilling og kognitive værdi, men bevarer en vigtig ordre- og udsmykningsrolle i systemet med plastik. Hver æra, stil, konstant voksende national kultur udviklede sit eget system; derfor er ornamentet et pålideligt tegn på, at værker tilhører et bestemt tidspunkt, folk, land. Formålet med ornamentet blev bestemt - at dekorere. Ornamentering opnår særlig udvikling, hvor konventionelle former for virkelighedsvisning er fremherskende: i det gamle øst, i det præ-colombianske Amerika, i de asiatiske kulturer i antikken og middelalderen i den europæiske middelalder. I folkekunst er der siden oldtiden dannet stabile principper og former for ornament, som stort set bestemmer nationale kunstneriske traditioner.

Ornamenter kan placeres forskellige steder, og ornamentets art skal være i overensstemmelse med arten af \u200b\u200bden del af objektet, det dekorerer. Således er et ornament (dekoration) et mønster bygget på den rytmiske gentagelse af geometriske elementer - plante- eller dyremotiver og er designet til at dekorere forskellige ting (husholdningsartikler, møbler, tøj, våben osv.), Arkitektoniske strukturer.

Afhængigt af motiverne (motivet er en del af ornamentet, dets hovedelement), er ornamenterne opdelt i flere grupper:geometrisk, vegetabilsk, zoomorf, antropomorf og kombineret.

Geometrisk ornament kan bestå af punkter, linjer, cirkler, romber, polyedre, stjerner, kors, spiraler osv.

Blomster ornament består af stiliserede blade, blomster, frugter, grene osv. Det mest almindelige motiv for alle folkeslag er "livets træ" - et blomster ornament. Han er afbildet som en blomstrende busk og mere dekorativt - generelt. Sammensætningerne af et sådant ornament er meget forskellige.

Zoomorf ornamenter skildrer stiliserede figurer eller dele af figurer fra ægte og fantastiske dyr.

Antropomorf ornament bruger mandlige og kvindelige stiliserede figurer eller dele af en persons ansigt og krop som motiver.

Teratologisk ornament. Dens motiver er tegn skabt af menneskelig fantasi, kan samtidig have tegn på forskellige dyr eller dyr og menneskelige havfruer, centaurer, sirener.

Kalligrafisk ornament ... Består af individuelle bogstaver eller tekstelementer, undertiden i komplekse kombinationer med geometriske eller blomsterelementer.

Heraldisk ornament ... Tegn, emblemer, emblemer, elementer af militærudstyr-skjolde, våben, flag bruges som motiver.

Kombinationer af forskellige motiver er ikke ualmindelige i mønstre. Et sådant ornament kan kaldeskombineret.

Efter sammensætning er ornamenter opdelt i flere typer: i en strimmel (friser), i en firkant, i en cirkel, i en trekant (rosetter).

Der er tre typer: lineære, cellulære, lukkede ornamenter.

Lineære ornamenter - disse er ornamenter i en strimmel med en lodret eller vandret alternering af motivet.

Honeycomb eller rapport ornament - dette er et motiv, der gentager sig både lodret og vandret, det er et endeløst ornament i alle retninger. Rapporten er et element i ornamentet, dets hovedmotiv.

Lukket ornament kan arrangeres i et rektangel, firkant, cirkel. Motivet i det gentages enten ikke eller gentages med en drejning på flyet.

Ornamentet kan være symmetrisk eller asymmetrisk..

Symmetri (fra den antikke græske - proportionalitet) - overensstemmelse, uforanderlighed, manifesteret med ændringer under gentagelser under reproduktion. Bilateral symmetri betyder for eksempel, at højre og venstre side ser ens ud i forhold til et plan.Asymmetri - fravær eller overtrædelse af symmetri.

En symmetriakse er en imaginær linje, der deler en figur i to spejllignende dele. I henhold til antallet af symmetriakser er figurerne: med en symmetriakse, med to, med fire, og i en cirkel er der generelt et uendeligt antal symmetriakser.

I billedkunst er symmetri et middel til at skabe en kunstnerisk form. Det er til stede i ornamentalsammensætningen og er en af \u200b\u200bformerne for manifestation af rytme i ornamentet.

Rytme i ornamentalsammensætningen kaldes mønsteret for veksling og gentagelse af motiver, figurer og intervaller mellem dem. Rytme er den vigtigste egenskab ved enhver ornamental sammensætning. Et karakteristisk træk ved ornamentet er den rytmiske gentagelse af motiver og elementer i disse motiver, deres tilbøjeligheder og vendinger.

Rytmisk konstruktion - dette er den gensidige opstilling af motiver i ornamental sammensætning. Rytmen organiserer en bestemt bevægelse i ornamentet: overgange fra lille til stor, fra enkel til kompleks, fra lys til mørk eller gentagelser af de samme former med bestemte intervaller.

Afhængigt af rytmen bliver mønsteret statisk eller dynamisk.

Ujævn rytme giver kompositionens dynamik, og jævn rytme gør det roligt.

2. Mål og mål for metodisk arbejde og stilisering af undervisningen i lektionerne med dekorativ komposition.

I det moderne Rusland spilles en vigtig rolle i uddannelse af børn og unge af systemet med yderligere uddannelse, hvis hovedformål er at motivere barnet til at lære og skabe.

I en kunstskole handler det ikke kun om at tilegne sig grundlæggende viden og visuelle færdigheder, men også om at udvikle kreative evner.

Klasser i en kunstskole skal lære børn at udføre kreativt arbejde konsekvent og kompetent, udvikle evnen til at tænke billedligt og være i stand til at se og reflektere interessant, vigtigt, overraskende. Til dette inkluderer læreren en række metodiske teknikker til observation, associationer, følelser, der får barnet til bestemte oplevelser. Forskellige former rettet mod at udvikle barnets kreative potentiale. Læreren har til opgave at bevare børns egenskaber: friskhed og umiddelbar opfattelse, rigdom af fantasi, entusiasme for billedprocessen.

Grundlaget for alt arbejde bør være ønsket om at uddanne elevernes evner ikke kun til at skildre virkeligheden, men også til at udtrykke deres holdning til den, det vil sige at skabe et kunstnerisk image.

Den følelsesmæssige rigdom i de klasser, hvor de arbejder med maling og andre materialer, skal overvejes. Læreren skal uddanne børn til at være følsomme over for hvilke følelser, stemninger, der er i stand til at udtrykke farver som sådan, deres graderinger og kombinationer. Dette er hjulpet af "teknologi med følelsesmæssig holdning". Det giver forskellige teknikker: appellerer til børns fantasi, vækkende interesse gennem legende øjeblikke, lytning til musik, tekster osv.

Nyheden i møblerne, den usædvanlige start på arbejdet, det smukke udvalg af materialer hjælper med at forhindre monotoni og kedsomhed. Alt dette udvikler børns fantasi, følelsesmæssige respons, afslører kreative evner gennem etablering af forbindelser mellem billedverdenen og følelses- og følelsesverdenen. Værkerne er forskellige, men alle er kreative.

Efter mange års undervisningspraksis forstår du, at det at lære et barn at tegne er en ret spændende, stressende, kreativ vej. Et barn, der kommer i skole oprindeligt, brænder simpelthen af \u200b\u200blysten til at lære: han er opmærksom, fokuseret, klar til at lære, men han kan skræmme, bare "dummed" af teorien om grafiske korn

mots, komplekse begreber og udtryk. Derfor afhænger alt af læreren.

Typiske undervisningsprogrammer er primært rettet mod at undervise i akademiske principper og opgaver og indeholder ikke materiale til udvikling af kreative evner, introducerer ikke nye teknologier, teknikker og teknikker.

I den moderne verden skal skoler med yderligere uddannelse konstant vise et højt aktivitetsniveau, deltagelse i forskellige konkurrencer, udstillinger forpligter sig til at studere nye kunstmaterialer, moderne teknikker og arbejdsmetoder. Dette fører igen til, at der er behov for at omstrukturere dit arbejde.

Det metodiske arbejde er samlet under hensyntagen til tendenser i vores tids billedkunst. Opgaver med metodisk arbejde:

At udvide og berige børns viden og ideer inden for visuel læsefærdighed, farve, form.

Udvikl æstetiske evner, form elevernes kunstneriske smag.

Lær at anvende demonstrationsmetoden og visualiseringsteknikken i undervisningen (det er umuligt at gennemføre klasser uden tabeller, modeller og billeder).

Mål og mål for undervisningsstilisering.

Mål:

Kunstnerisk og æstetisk udvikling af studerendes personlighed på basis af den stilisering, de har erhvervet i processen med at mestre programmet, færdighederne og evnerne til at oversætte deres ideer til kunstneriske former.

Hjælp i dannelsen af \u200b\u200bet barns verdensbillede, uddannelse af kunstnerisk og fantasifuld tænkning, smag, opfattelse af skønhed i naturen.

Identifikation af begavede børn inden for dekorativ komposition, deres videre kreative udvikling.

Opgaver:

Kendskab til stiliseringsteknikker.

Lær at stilisere planteformer på forskellige måder.

Lær at anvende grafiske teknikker i stilisering.

Lær selvskitsende færdigheder.

Studerende får erfaring med kreativ aktivitet.

3. Dekorativ og anvendt kunst, stilisering i ornament.

Kunstnere af dekorativ og anvendt kunst har til enhver tid lagt stor vægt på studiet af forskellige former for planteverdenen og deres skildring af husholdningsartikler: fade, tekstiler, træprodukter og meget mere.

Folk håndværkere skabte helt forskellige billeder af planteverdenen på et plan eller i en volumetrisk form, baseret på deres vision og i overensstemmelse med deres smag. Blomster og planter kunne afbildes af dem både i form af et lineært mønster og i form af en kompleks rumlig form. Dette afhængede af graden af \u200b\u200bstilisering af det naturlige motiv. Kunstneren bruger ikke naturens motiver til at dekorere genstande uden nogen grad af stilisering. Stylisering, der omdanner den afbildede persons virkelige udseende, opnås altid ved dens generalisering. Formålet med stilisering er at præsentere et generaliseret og forenklet billede af det afbildede objekt, for at gøre motivet mere forståeligt, så udtryksfuldt som muligt for seeren på samme tid, hvilket er vigtigt for en bekvem kunstner at udføre. Materialet, som billedet skal udføres på, og det sted, der er forbeholdt indretningen, tvinger kunstneren til at vælge bestemte stiliseringsmuligheder.

Planter - blomster, blade, frugter kunne forenkles stiliseres, formidles på en naturalistisk måde, eller deres image kunne være kompliceret. Bladene blev afbildet som en løvmasse, undertiden separat som et papyrusblad i Egypten, laurbær- og acanthusblade i Grækenland. Blomster var et yndlingsmotiv, for eksempel lilje i den Ægæiske kunst, steg i gotisk, lotus og lilje i egyptisk kunst, krysantemum i Japan osv.

I det 18. århundrede opfandt mesteren selv produktet og udførte det selv indtil den sidste operation. Ved oprettelsen af \u200b\u200bet dekorativt design blev han altid styret af en visuel kanonisk prøve. Renæssancens store mestre i Italien lavede tegninger til gobeliner, stoffer og keramik. De grafiske motiver i denne periode er kendetegnet ved deres realisme og festlige farver.

I begyndelsen af \u200b\u200bdet 19. århundrede vokser interessen for plantemotiver i Europa. Skildringen af \u200b\u200bplanter bliver et særskilt emne i kunsten. Industrielle skoler er ved at blive udbredt. Betjening af den hurtigt udviklende produktion af prydgenstande førte til fremkomsten af \u200b\u200bde første metoder til at skildre forskellige motiver, såsom metoden til at "bestemme de perfekte former for planter" og stilisere naturskitser af planter, der passer til fortidens ornamenter. Samtidig blev kopieringen af \u200b\u200bprøvetegningerne bevaret. Denne metode hører til det klassiske og findes i første halvdel af det 19. århundrede. Det var baseret på brugen som et dekorativt motiv af den idealiserede form af en plante eller dens del, opnået som et resultat af kreativ generalisering af naturlige former. Planteformen blev ifølge metoden med "perfekte former" fortolket af kunstneren under hensyntagen til de forrige århundredes ornamenter og visse love til konstruktion af et kunstnerisk billede af planter. Kreativ generalisering betød elementær stilisering - skematisering baseret på ligheden af \u200b\u200bomridset af en blomst, et blad, en frugt med forskellige geometriske former (trekant, firkant, cirkel osv.).

I anden halvdel af det 19. århundrede blev de fleste af værkerne af anvendt kunst overmættet med blomsterpynt, hvilket forårsagede gentagelser af tidligere udviklede motiver. Håb om fornyelse af dekorative motiver begyndte at være forbundet med den voksende bevægelse af "tilbagevenden til naturen". Opgaver til tegning af planter fra naturen vises.

I Tyskland og Østrig udgives bøger og manualer om tegning og stilisering af planter, især: "Blomster og ornament" af Karl Krumbolz, "Planter i kunst" af Joseph Ritter von Stock, "Tegning stiliserede og naturlige planter" af Johann Stauffager, "Planteformer. Prøver og brug af planter i Meurera-ornamentet.

Vi lavede skitser af to typer. Den første visning dækker skitser af grupper af planter med alle tilfældige vinkler, proportioner og farver bevaret. Den anden type adskiller sig ved at vinklerne for billedet af planter vælges under hensyntagen til den større identifikation af træk. Arbejdet udføres med en stor analyse af design og tegning. Ornamentalitet blev opnået ved at flade billedet i fuld skala ud ved at indføre en kontur af samme tykkelse, endda fylde med farve uden at overføre lys og skygge.

M. Meurer formåede at kombinere alle akkumulerede præstationer i en enkelt metode. Forløbet af den sammenlignende undersøgelse af planteformer af Meurer omfattede: teoretisk undersøgelse af grundlaget for botanik, tegning af planter fra naturen, tegning af et herbarium, kopiering af tidligere ornamenter. Derefter kunne eleverne gå videre til ændring af naturlige planteformer til kunstneriske på baggrund af deres fantasi. På samme tid var det i processen med at transformere formerne for planter nødvendigt at tænke ikke kun på skønhed, men også at tage hensyn til det materiale, som ornamentet ville blive lavet i, og planterne selv, blomster og blade skulle være genkendelig.

Dermed,målkreativ stilisering i dekorativ og anvendt kunst er det skabelsen af \u200b\u200bet nyt kunstnerisk billede med øget udtryksevne og dekorativitet og stående over naturen over de virkelige objekter i den omgivende verden.

4. Princippet om stilisering af planteformer. Styling koncept.

Så hvad er styling præcist?Udtrykket "stilisering" sidestilles med begrebet "dekorativitet" i billedkunst.

Stylisering – det er en bevidst efterligning eller fri fortolkning af det kunstneriske sprog i en stil, der er karakteristisk for en bestemt forfatter, tendens, retning, nationalskole osv. i en anden forstand, kun anvendelig til plastikstilisering - dekorativ generalisering af de afbildede figurer og objekter ved hjælp af en række konventionelle teknikker, forenkling af tegning og form, volumetriske og farveforhold. I dekorativ kunst er stilisering en naturlig metode til rytmisk organisering af helheden; det mest karakteristiske er stilisering til ornamentet, hvor billedets objekt bliver motivet til mønsteret.

Stylingundervisning er en af \u200b\u200bde vigtigste i processen med at danne studerendes kunstneriske fantasifulde tænkning. Som praksis har vist, skal stiliseringskurser gennemføres i tæt samspil med akademisk tegning og maleri samt tværfaglige forbindelser, for eksempel med komposition, farvevidenskab.

Lærerne har en vigtig opgave - barnet skal se på tingene, fænomenerne omkring os, analysere den interne struktur, objektets tilstand for derefter at være i stand til at transformere, modificere, forenkle, gøre det mere bekvemt og endelig skabe en ny forfattereksempel. Studerende har således brug for at hjælpe med at udvikle en plan-ornamental vision om naturen og figurativ-associativ tænkning.

Begrebet stilisering og stil

I en dekorativ komposition spiller en vigtig rolle, hvor kreativt kunstneren kan behandle den omgivende virkelighed og bringe sine tanker og følelser, individuelle nuancer ind i den. Dette kaldesstyling .

Stylisering som en arbejdsproces er en dekorativ generalisering af de afbildede objekter (figurer, objekter) ved hjælp af en række betingede metoder til at ændre form, volumetriske og farveforhold.

I dekorativ kunst er stilisering en metode til rytmisk organisering af helheden, som billedet får tegn på øget dekorativitet og opfattes som en slags motiv for mønsteret (så vi taler om dekorativ stilisering i kompositionen).

Styling kan opdeles i to typer:

a) ydre overflade der ikke har en individuel karakter, men forudsætter tilstedeværelsen af \u200b\u200ben færdiglavet model til efterligning eller elementer i en allerede skabt stil (for eksempel et dekorativt panel lavet ved hjælp af teknikkerne til Khokhloma-maleri);

b) dekorative , hvor alle elementerne i værket er underordnet betingelserne for et allerede eksisterende kunstnerisk ensemble (for eksempel et dekorativt panel underlagt miljøet i det indre, der har udviklet sig tidligere).

Dekorativ stilisering adskiller sig fra stilisering generelt ved sin forbindelse til det rumlige miljø. Lad os derfor overveje begrebet dekorativitet for fuldstændig klarhed over problemet. Ved dekorativitet er det sædvanligt at forstå et værks kunstneriske kvalitet, der opstår som et resultat af forfatterens forståelse af forbindelsen mellem sit arbejde og det emne-rumlige miljø, det er beregnet til. I dette tilfælde er et særskilt arbejde udtænkt og implementeret som et element i en bredere kompositionssammenhæng. Det kan vi godt sigestil Er en kunstnerisk oplevelse af tid, og dekorativ stilisering er en kunstnerisk oplevelse af rummet.

Til dekorativ stilisering er abstraktion karakteristisk - en mental distraktion fra ubetydelig, utilsigtet fra kunstnerens synsvinkel for at fokusere opmærksomheden på mere vigtige detaljer, der afspejler essensen af \u200b\u200bobjektet.

Styling af naturlige former

Naturen omkring os er et vidunderligt objekt til kunstnerisk stilisering. Et og samme emne kan studeres og vises et uendeligt antal gange og konstant opdager nye aspekter af det afhængigt af den aktuelle opgave.

Du kan starte styling af naturlige former ved at skildre planter. Det kan være blomster, græs, træer, mos, lav i kombination med insekter og fugle.

I processen med dekorativ stilisering af naturlige motiver kan du gå på to måder: Først tegner du objekter fra naturen og bearbejder dem derefter i retning af at afsløre dekorative kvaliteter eller straks udfører en stiliseret dekorativ skitse med udgangspunkt i objekternes naturlige træk . Både den ene og den anden vej er mulig, afhængigt af hvilken billedvej der er tæt på forfatteren. I det første tilfælde er det nødvendigt at omhyggeligt tegne detaljerne og gradvist studere formularerne, mens du arbejder. I den anden metode studerer kunstneren detaljerne i objektet i lang tid og omhyggeligt og vælger de mest karakteristiske.

For eksempel er en tornet tidsel kendetegnet ved tilstedeværelsen af \u200b\u200btorne og vinkel i form af blade, derfor kan du ved skitsering bruge skarpe hjørner, lige linjer, en brudt silhuet, anvende kontraster i den grafiske behandling af en form, en streg og en plet, lys og mørk, med et farveskema - kontrast og forskellige toner

Et og samme motiv kan transformeres på forskellige måder: tæt på naturen eller i form af et antydning af det, associativt; dog bør naturalistisk fortolkning eller ekstrem skematisme, der fratager anerkendelse, undgås. Du kan tage et hvilket som helst tegn og gøre det dominerende, mens objektets form ændres mod et karakteristisk træk, så det får symbolik.

Foreløbig skitsering og skitsearbejde er et meget vigtigt trin i at skabe en tegning af en stiliseret komposition, da kunstneren ved at udføre naturlige skitser studerer naturen dybere og afslører plasticitet af former, rytme, indre struktur og struktur af naturlige objekter. Skitserings- og skitsestadiet er kreativt, alle finder og udarbejder sin egen stil, sin egen individuelle håndskrift i transmission af kendte motiver.

Lad os fremhæve de grundlæggende krav til skitsering af naturlige former:

Når du begynder at arbejde, er det vigtigt at identificere de mest markante træk ved en plantes form, dens dyresilhuet og vinkelsvingninger.

Når du arrangerer motiver, er det nødvendigt at være opmærksom på deres plastiske orientering (lodret, vandret, diagonal) og placere tegningen i overensstemmelse hermed.

Vær opmærksom på arten af \u200b\u200bde linjer, der udgør omridset af de afbildede elementer: sammensætningens tilstand som helhed (statisk eller dynamisk) kan afhænge af, om den har lige eller bløde, strømlinede konfigurationer.

Det er vigtigt ikke kun at skitsere det, du ser, men at finde rytme og interessante formgrupper, der foretager et udvalg af synlige detaljer i det miljø, der er afbildet på arket.

De vigtigste fælles træk, der opstår under stiliseringsprocessen for genstande og elementer i en dekorativ komposition er detenkelhed af former, deres generalitet og symbolik, excentricitet, geometricitet, farverighed, sensualitet.

Først og fremmest er dekorativ stilisering præget af generalisering og symbolik af de afbildede objekter og former. Denne kunstneriske metode involverer en bevidst afvisning af billedets fuldstændige nøjagtighed og detaljerede detaljer.Styling metode kræver, at alt overflødigt, sekundært, der interfererer med klar visuel opfattelse, adskilles fra billedet for at afsløre essensen af \u200b\u200bde afbildede objekter, for at vise det vigtigste i dem, for at henlede beskuerens opmærksomhed på den tidligere skjulte skønhed og fremkalde tilsvarende levende følelser i ham.

For mere tydeligt og mere fornuftigt at afspejle essensen af \u200b\u200bdet stiliserede objekt, er alt unødvendigt, unødvendigt og sekundært adskilt fra det og fjernet fra det.de mest karakteristiske og mest slående af deres træk bruges, og på samme tid er de karakteristiske træk ved det afbildede objekt som regel overdrevet i varierende grad og undertiden fordrejet for at skabe en abstraktion. For sådanne kunstneriske overdrivelser bliver naturlige former (for eksempel bladformer) tæt på geometriske til sidst omdannet til geometriske, eventuelle langstrakte former strækkes endnu mere, og afrundede afrundes eller presses. Meget ofte udvælges man fra flere karakteristiske træk ved det stiliserede objekt og gøres dominerende, mens andre karakteristiske træk ved objektet blødgøres, generaliseres eller endda kasseres fuldstændigt. Som et resultat er der en bevidst forvrængning og deformation af størrelser og proportioner af de afbildede naturlige objekter, hvis mål er: øget dekorativitet, øget udtryksevne (udtryk), letter og fremskynder opfattelsen af \u200b\u200bforfatterens intention af seeren. I denne kreative proces opstår der spontant en situation, hvor jo tættere billedet nærmer sig essensen af \u200b\u200bobjektets natur, jo mere generaliseret og betinget bliver det. Typisk kan et stiliseret billede let omdannes til et abstrakt billede.

Resultatet af kreativ stilisering er et billede af et objekt med generelle træk, der giver billedet en symbolik.

Alle typer og metoder til stilisering af naturlige genstande er baseret på et enkelt billedprincip -kunstnerisk transformation ægte naturlige genstande ved hjælp af en lang række billedmidler og billedteknikker.

Den kunstneriske transformation af naturlige objekter har hovedmålet - omdannelsen af \u200b\u200bægte naturlige former til stiliserede eller abstrakte, udstyret med udtryk og følelsesmæssighed af en sådan kraft,lysstyrke og mindeværdighed, der ikke kan opnås i realistiske billeder.

Lektionssammendrag om emnet: "Stylisering af planteformer i båndpryd i lektionerne om dekorativ komposition."

Lektionens emne : "Stylisering af planteformer i et stribet ornament"

Lektionsmål:

Uddannelsesmæssigt: at kendeelevermed særegenhederne ved stilisering af planteformer, at afsløre begrebet "stilisering", at fortælle alt om ornamentet, dens typer. Mestring af stilisering som en måde at oversætte de eksterne former for planter til prydmotiver.

Organisering af et båndpynt, der består af plantemotiver opnået under stiliseringsprocessen.

Udvikling: bidrage udvikling af kreativ tænkning og give mulighed for at implementere den, skabe betingelser i klasseværelset for at vælge en kreativ løsning på din sammensætning af plantemotivet,udvide studerendes horisonter og viden inden for dekorativ komposition.

Uddannelsesmæssigt: at indgyde de studerende en følelse af kærlighed til kunst, at danne en følelse af komposition, at indgyde nøjagtighed i udførelsen af \u200b\u200barbejdet.

Opgaver:

1. At rette begrebet "ornament".

2. Giv begrebet styling.

3. Undersøg strukturen af \u200b\u200bplanteformer.

4. At undervise i stiliseringen af \u200b\u200bplanteformulardata ved hjælp af grafiske udtryk.

5. At konsolidere begreberne symmetri, asymmetri.

6. Udvikling af en følelse af rytme.

Metoder: verbal, visuel,praktisk.

Stadier af arbejde:

1. Analyser strukturen for en given planteform (i hvilke geometriske former den kan vises i billedet).

2. At stilisere den givne planteform ved hjælp af grafiske midler:

Opret et lineært billede af et dekorativt motiv baseret på geometriske elementer (figurer).

Opret et dekorativt motivbillede baseret på stedet.

3. Brug det resulterende billede til at oprette et blomstermotiv, som vil være en rapport for båndprydet (arbejde på skitsen).

4. Forstør billedet af ornamentet. Begræns ornamentet til 2-3 gentagne plantemotiver (rapporter).

5. Lav et billede af ornamentet i farve.

Forløbet af lektionen.

Kommunikation af emnet, diskussion af formålet med lektionen Så,i dag emnet for vores lektion: "Stylisering af planteformer i et båndpryd."

Formålet med lektionen er at stifte bekendtskab med de særlige træk ved stiliseringen af \u200b\u200bplanteformer og anvende den viden, der er opnået i praksis. Først vil vi huske, hvad et ornament er og dets typer, og derefter gå videre til stilisering. Ornament er dekoration.Ornamentets oprindelse er ikke kendt med sikkerhed. Ornamentets oprindelse går tilbage i århundreder. Et ornament er et pålideligt tegn på, at et værk tilhører en bestemt tid, folk, land.

Et ornament er et mønster bygget på den rytmiske gentagelse af geometriske elementer - planter, dyremotiver osv., Designet til at dekorere en række ting (husholdningsartikler, møbler, tøj, våben, arkitektur).

Afhængigt af motivet er ornamenter opdelt: geometriske, blomster, dyr, antropomorfe osv. Vi vil overveje et blomster ornament. Planteornamentet er baseret på planter, der faktisk findes i naturen: blomster, løv, frugt osv. Efter sammensætning er ornamenter opdelt i flere typer: i en strimmel (hvad vi vil gøre med dig), i en firkant, i et rektangel, i en cirkel. Baseret på dette er tre typer ornament opdelt: lineær, cellulær, lukket.

Lineære ornamenter er ornamenter i en strimmel med en lineær veksling af motivet.

Cellulære ornamenter er et motiv, der gentages både lodret og vandret. Dette ornament er uendeligt i alle retninger.

Lukkede ornamenter er arrangeret i et rektangel, firkant, cirkel.

I betragtning af alle disse ornamenter bemærker vi, at den naturlige form med fantasiens kraft ved hjælp af konventionelle linjer, pletter bliver til noget nyt. Vi gætter på planten, selvom den stadig ikke er den samme som i naturen. Den eksisterende form er forenklet til en ekstremt generaliseret geometrisk form. Dette giver dig mulighed for at gentage ornamentets motiv mange gange uden unødvendig indsats. Det, der gik tabt af den naturlige form under forenkling og generalisering, førte til billedets fladhed. Dette er hvad stilisering er - dekorativ generalisering, forenkling, udfladning af de afbildede objekter ved at ændre form og farve.

Hvordan bliver naturlige former til dekorative motiver? For det første laves en skitse fra naturen. Yderligere - reinkarnation - overgangen fra en skitse til en konventionel form. Det er nødvendigt at forenkle, nedbryde billedet i enkle geometriske former. Dette er transformation, stilisering af motivet. Stylisering indebærer en distraktion fra ikke-væsentlige træk, der fokuserer på mere betydningsfulde træk, der formidler essensen (for eksempel tornetistel). Du kan oprette forskellige ornamenter fra en skitse. Derefter opretter du dit eget unikke ornament, når du gentager motivet.

Foreløbig skitsering og skitsearbejde er et meget vigtigt trin i at skabe en tegning af en stiliseret komposition. Arbejdet i lektionen udføres i to faser: i det første laver eleverne en skitse fra naturen, og i den anden oversætter de den til en geometrisk form. Desuden skal denne plante være genkendelig.

Når ornamentet er fuldt afbildet, begynder vi at tænke på farve. Farve er et af de vigtigste midler til ornamentik og er tæt knyttet til komposition. Farvekombinationer kan gentages rytmisk. såvel som formelementer. De kan være skarpe, kontrasterende eller bløde. Kontrasterende kombinationer oprettes, når du bruger farver med forskellig lysstyrke og mætning. Den største kontrast skabes ved at kombinere sort med lysere farver. En blødere kombination skaber en blanding med grå. Supplerende farver, varme og kolde nuancer er skarpt adskilt af kontrast. Farvenes blødhed opnås med farver taget i forskellige toner. Farverige kombinationer kan oprettes i forskellige nuancer af samme farve.

1. Et eksempel på, hvordan man oversætter en skitse af en blomst fra naturen til en stiliseret geometrisk form i lektionen om dekorativ komposition uden at forstyrre billedet af denne plante.

Silhuetten skal passe ind i enkle geometriske former.

Når man udvikler et ornamentalt motiv, anbefales det at omdanne den volumetriske - rumlige form til en plan. Hvis et volumetrisk billede er nødvendigt, er det bydende nødvendigt at bruge generaliseringer, konventioner.

2. Et eksempel på en Thrandun-blomst, stiliseret i forskellige former, ved lektionen om dekorativ komposition. Det er vigtigt ikke kun at tegne det, du ser, men at finde rytmen og interessante grupperinger af former (stængler, blade), hvilket gør et udvalg af synligedetaljer i det miljø, der er afbildet på arket.

Et og samme motiv kan transformeres på forskellige måder: tæt på naturen eller i form af et antydning af det,associerende; dog skal enhver plante under stilisering ikke fratages sin anerkendelse (demonstrativt materiale - fotografier og tegninger med eksempler på plantestilisering).

Når du arbejder påskitser af motivet (blomst.) Det er nødvendigt at være opmærksom på dets karakteristiske, mest slående træk og opgive mindre detaljer. På samme tid kan blomsterdetaljerne overdrives så meget som muligt og bringes til tegnet.

Hvordan kan du ændre formen på et objekt? For eksempel, hvis en klokke har en langstrakt form, kan den trækkes mere aktivt ud, og en mælkebøtteblomst, tæt på en cirkel, kan afrundes så meget som muligt.

Det er også vigtigt at være opmærksom på det afbildede objekts perspektiv. Hvornårstatisk sammensætning det tilrådes at undgå tre fjerdedele omdrejninger og bruge ovenfra eller fra siden og placere motivet langs de lodrette eller vandrette akser.

Idynamisk sammensætning det er klogere at bruge vinkler og vipninger.

Farven og smagen af \u200b\u200bden ornamentale sammensætning er også underlagt transformation. Det kan være betinget, fuldstændigt abstraheret fra den naturlige version.

Børns værker lavet i lektionerne af komposition.

Billedet af plantemotiver. Beschastnov N.P.

Editorens valg