franske cembalospillere. Cembalo - et musikinstrument - historie, foto, video Franske komponister cembalospillere fra det 18. århundrede

Beretning om videnskabshistorie

emnet "Frankrigs musik i det 18. århundrede"

10. klasses elev på Det Fysiske og Matematiske Fakultet

Lyceum №1525 "Sparrow Hills"

Kazakov Philip.

Det første man kan sige om Frankrigs musik i det 18. århundrede er det
i modsætning til de førende lande inden for musik (såsom Tyskland,
Østrig, Spanien og Italien), kunne Frankrig ikke prale af noget større
antallet af særligt berømte kompositter, hverken udøvende eller rige
række kendte værker. Den mest berømte franskmand
Gluck regnes for datidens komponist, men han var også fra Tyskland.
Dels var denne situation dikteret af samfundets interesser, som afgjorde
musikstile. Overvej musikkens udvikling i det 18. århundrede.

I begyndelsen af ​​århundredet var den mest populære musikstil sentimental
klassicisme. Det var langsom, rolig musik, ikke særlig kompleks.
De spillede det på strengeinstrumenter. Hun ledsagede normalt bal og fester,
men de kunne også godt lide at lytte til hende i en afslappet hjemlig atmosfære.

Så begyndte rokokoens funktioner og teknikker at falde ind i lutmusik, f.eks
som en trille og flag. Hun fik et mere indviklet udseende, musikalsk
Sætninger er blevet mere komplekse og interessante. Musikken blev mere løsrevet fra
virkelighed, mere fantastisk, mindre korrekt og dermed tættere på
lytter.

Tættere på anden halvdel af det 18. århundrede smeltede rokokoens træk ind i
musik, at den begyndte at få en bestemt orientering. Ja, snart
to retninger skilte sig tydeligt ud i musikken: musik til dans og
musik til sang. Dansemusik akkompagneret baller, musik til
sang blev opført i fortrolige rammer. Ofte aristokrater
de elskede at synge til lyden af ​​et hjemmelavet cembalo. Samtidig dukkede op
en ny teatergenre komedie-ballet, der kombinerer dialog, dans og
pantomime, instrumental, nogle gange vokalmusik. Dens skabere - J.
B. Moliere og komponist J. B. Lully. Genren har haft stor betydning for
efterfølgende udvikling af fransk musikteater.

Efter en mere subtil adskillelse af musikalske genrer, begyndelsen
marchmusik vises. Det var hård, høj, støjende musik. I
På dette tidspunkt er percussioninstrumenter (trommer og
bækkener), som sætter rytmen og derved fratager arbejdet
præstationsindividualitet. Også brugt meget
instrumenter, som en trompet, der primært tjente til at øge det samlede
musikvolumen. Det er på grund af udseendet af trommeslagere og højt
instrumenter fransk musik i slutningen af ​​det 18. århundrede, efter min mening, blev
især primitiv og ikke fremragende. Kronen på marchmusikken var
udseendet af værket "La Marseillaise", skrevet af Rouget De Lisle i 1792
år.

Rouget de Lisle Claude Joseph (1760-1836) fransk militæringeniør, digter og
komponist. Han skrev salmer, sange, romancer. I 1792 skrev han en komposition
"Marseillaise", som senere blev Frankrigs hymne.

François Couperin (1668-1733) - fransk komponist, cembalo,
organist. Fra et dynasti, der kan sammenlignes med det tyske Bach-dynasti, siden i
hans familie havde flere generationer af musikere. Couperin fik tilnavnet
"great Couperin" dels pga. hans humor, dels pga
Karakter. Hans arbejde er toppen af ​​fransk cembalokunst.
Couperins musik er kendetegnet ved melodisk opfindsomhed, ynde,
finesse af detaljer.

Rameau Jean Philippe (1683-1764) - fransk komponist og musical
teoretiker. Brug af præstationerne fra fransk og italiensk musical
kulturer, væsentligt ændret stilen af ​​klassisk opera, forberedt
opera reform af K. V. Gluck. Han skrev de lyriske tragedier Hippolytus og
Arisia (1733), Castor og Pollux (1737), opera-ballet Gallant India
(1735), cembalostykker med mere. Hans teoretiske arbejde
en væsentlig fase i udviklingen af ​​harmonilæren.

Gluck Christoph Willibald (1714-1787) - berømt fransk-tysk
komponist. Hans mest herlige aktivitet er forbundet med pariseren
operascenen, som han skrev sine bedste værker til
franske ord. Det er derfor, franskmændene kalder det fransk
komponist. Talrige operaer af ham: "Artaserse", "Demofonte",
Fedra og andre blev givet i Milano, Torino, Venedig, Cremoni.
Efter at have modtaget en invitation til London, skrev Gluck to
operaer: "La Caduta de Giganti" (1746) og "Artamene" og et operamedley
(pasticio) "Pyram". Dette sidste havde stor indflydelse på
yderligere aktiviteter i Gluck. Alt sammen operaer, der har været en kæmpe succes
Gluck, blev skrevet efter italiensk mønster, bestod af en række arier; i
Gluck var ikke meget opmærksom på teksten til dem. Hans opera "Pyram" han
samlet ud fra uddrag fra tidligere operaer, der havde størst succes,
tilpasser sig til disse passager en anden tekst af den nye libretto. Fejlen i dette
opera førte Gluck til den idé, at kun den slags musik kan producere
korrekt indtryk, som står i direkte sammenhæng med teksten.
Han begyndte at holde sig til dette princip i sine følgende værker,
gradvist tilegne sig en mere seriøs holdning til recitation,
arbejder ud til mindste detalje af recitative arioso og ikke glemmer det
recitationer selv i arier.

Ønsket om en tæt sammenhæng mellem tekst og musik mærkes allerede i
"Semiramid" (1748). Men komponistens mere håndgribelige drejning til opera,
som et musikdrama, mærkbart i "Orfeo", "Alceste", "Paride ed Elena"
(1761 - 64), iscenesat i Wien. Reformatoren af ​​Glucks opera er
i "Iphigenie en Aulide", givet i Paris med stor succes (1774).
Der blev også givet: "Armide" (1777) og "Iphigenie en Tauride"
(1779) -

Glucks største værk G.s sidste opera var "Echo et
Narcisse". Udover operaer skrev Gluck symfonier, salmer og meget mere. Alle
mere end 50 operaer, mellemspil og balletter skrevet af Gluck.

Afslutningsvis bør vi endnu en gang understrege den franske musiks ensidighed.
1700-tallet. Musikalsk kreativitet var som et håndværk eller et let
hobby. På håndværket, fordi alle værkerne var af samme type og
ligner hinanden. På en hobby, fordi mange komponister
studerede musik bare i sin fritid, og fyldte hende
fritid. Kald sådan en besættelse professionel kreativ skabelse
det er forbudt. Selv datidens mest berømte franske komponist, Gluck
(som i øvrigt ikke ligefrem var en fransk komponist),
ill wishers kalder komponisten af ​​ét værk. Tilgængelig i
tænke på "Orfeus og Eurydike".

Kilder:

Great Encyclopedia of Cyril and Methodius,

Encyclopedia of Classical Music,

Brockhaus og Efron,

Klassisk musik (godtgørelse),

internet,

Kompetent musikolog Natalia Bogoslavskaya.

Marseillaise er en fransk revolutionær sang.
Først kaldt "Battle Song of the Army of the Rhine", derefter "March
Marseilles" eller "La Marseillaise". Under den tredje republik,
Frankrigs nationalsang (siden 14. juli 1975 er den blevet opført i en ny
musikredaktør). I Rusland er "Working
Marseillaise" (melodi "La Marseillaise", tekst af P. L. Lavrov, udgivet i
avis "Frem" 1.7.1875).

HARMONI, udtryksfulde musikmidler baseret på forening
toner til konsonanser og om sammenhængen af ​​konsonanser i deres successive bevægelse.
Hovedtypen af ​​konsonans er akkorden. Harmoni er bygget efter visse
lovene for harmoni i polyfonisk musik af enhver type - homofoni,
polyfoni. Elementer af harmoni - kadence og modulering - de vigtigste faktorer
musikalsk form. Læren om harmoni er en af ​​teoriens hovedafsnit
musik.

fra perlemor i slutningen af ​​1700-tallet - fra porcelæn I midten af ​​1800-tallet blev der for første gang brugt polymermateriale til proteser Hvilken? 1.celluoid 2.ebonit 3.gummi. 4.polymethylmethacrylat 5.fluorplast 6.silikone.

udtryk? Giv mindst tre eksempler.
Nå, jeg har 1 idé: Russiske kunstnere fra det 18. århundrede skrev i vestlige stilarter (barok, sentimentalisme osv.), men gennem vestlige kanoner dukkede en speciel russisk stil op alligevel (russisk barok optrådte f.eks.), forskellig fra vestlig. Så er "parykken" en slags personificering af Vesten (især i de dage kom parykker på mode), og "det skaldede hoved" er selve de russiske træk, der "kigger ud" gennem "parykkens kanon".
Brug for mere to ideer. Hjælp mig.

fra perlemor i slutningen af ​​1700-tallet - fra porcelæn I midten af ​​1800-tallet blev der for første gang brugt polymermateriale til proteser Hvilken?

1.celluoid

4.polymethylmethacrylat

5.fluoroplast

6.silikone.

I hvert spørgsmål, ud af fire navne på komponister, skal du vælge et.))))

1. Navngiv barokkens komponist.
a) Vivaldi
b) Mozart;
c) Beethoven;
d) Schumann.
2. Hvilken af ​​de anførte komponister var abbed?
a) Bach;
b) Handel;
c) Vivaldi;
d) Mozart.
3. Navngiv forfatteren til "The Well-tempered Clavier", "Matthew Passion", "Opfindelser".
a) Bach;
b) Beethoven;
c) Chopin;
d) Schumann.
4. Hvem skrev operaen "Fidelio"?
a) Haydn;
b) Mozart;
c) Beethoven;
d) Chopin.
5. Hvem af komponisterne skrev operaerne "Figaros bryllup", "Don Giovanni",
a) Mozart
b) Beethoven;
c) Mendelssohn;
d) Rossini.
6. Hvilken af ​​disse komponister er ikke en wienerklassiker?
a) Haydn;
b) Schumann;
c) Mozart;
d) Beethoven.
7. Hvem er forfatteren til operaerne "Aida", "La Traviata", "Rigoletto"?
a) Mozart
b) Beethoven;
c) Rossini;
d) Verdi.
8. Hvem skrev 32 klaversonater?
a) Bach;
b) Mozart;
c) Beethoven;
d) Chopin.
9. Navngiv forfatteren til "Symfoni med tremolo pauker", "Farvel", "Børns".
a) Haydn;
b) Mozart;
c) Schumann;
d) Chopin.
10. Hvem kaldes "faderen til symfonier og kvartetter"?
a) Mazart
b) Beethoven;
c) Haydn;
d) Bach.
11. Hvem af komponisterne var den første til at kalde hans komposition et symfonisk digt?
a) guano
b) Berlioz;
c) Beethoven;
d) Ark;
12. Hvilken musikform er baseret på konflikten mellem to temaer?
a) variationer;
b) rondno;
c) sonateform;
d) fuga.
13. Navngiv forfatteren til symfonierne, i hvis finale koret bruges:
a) Haydn;
b) Mozart;
c) Schubert;
d) Beethoven.
14. Hvilken af ​​disse komponister skrev kun for klaveret?
a) Gounod
b) Chopin;
c) Mahler;
d) Schumann;
15. Hvilken af ​​disse komponister har skrevet musikken til Ibsens drama "Peer Gynt"?
a) Chopin
b) Berlioz;
c) Mahler;
d) Schumann.
16. hvem skrev vokalcyklerne "The Beautiful Miller's Woman" og "Winter Way"?
a) Schubert
b) Schumann;
c) Mendelssohn;
d) Bizet.
17. Navngiv forfatteren til "Ufinished Symphony":
a) Beethoven
b) Haydn;
c) Schubert;
d) Wagner.
18. Hvem skrev klavercyklen "Carnival"?
a) Beethoven
b) Mozart;
c) Haydn;
d) Liste.
19. Hvem skrev mere end 100 symfonier?
a) Beethoven
b) Mozart;
c) Haydn;
d) Schubert.
20. Russisk komponist-violinist fra det 18. århundrede:
a) Alyabiev;
b) Fomin;
c) Khandoshkin;
d) Verstovsky.

Beretning om videnskabshistorie

emnet "Frankrigs musik i det 18. århundrede"

10. klasses elev på Det Fysiske og Matematiske Fakultet

Lyceum №1525 "Sparrow Hills"

Kazakov Philip.

Den første ting at sige om Frankrigs musik i det 18. århundrede er, at Frankrig, i modsætning til de førende lande inden for musikområdet (såsom Tyskland, Østrig, Spanien og Italien), ikke kunne prale af hverken et stort antal særligt berømte komponister eller performere, ej heller et rigt udvalg af kendte værker. Gluck regnes for datidens mest berømte franske komponist, men han var også fra Tyskland. Til dels var denne situation dikteret af samfundets interesser, som bestemte musikstilene. Overvej musikkens udvikling i det 18. århundrede.

I begyndelsen af ​​århundredet var den mest populære musikstil sentimental klassicisme. Det var langsom, rolig musik, ikke særlig kompleks. De spillede det på strengeinstrumenter. Normalt ledsagede hun baller og gilder, men de kunne også godt lide at lytte til hende i en afslappet hjemlig atmosfære.

Derefter begyndte funktioner og teknikker at falde ind i lutmusik Rokoko, såsom triller og flag. Det har fået et mere indviklet udseende, musikalske sætninger er blevet mere komplekse og interessante. Musikken er blevet mere løsrevet fra virkeligheden, mere fantastisk, mindre korrekt og dermed tættere på lytteren.

Tættere på anden halvdel af det 18. århundrede smeltede rokokoens træk så sammen i musikken, at den begyndte at få en vis orientering. Så snart dukkede to retninger tydeligt op i musikken: musik til dans og musik til sang. Ballerne blev akkompagneret af musik til dans, musik til sang lød i fortrolige omgivelser. Ofte kunne aristokrater også lide at synge til lyden af ​​en hjemme-cembalo. Samtidig dukkede en ny teatralsk genre af komedie-ballet op, der kombinerer dialog, dans og pantomime, instrumental, nogle gange vokalmusik. Dens skabere er J. B. Moliere og komponist J. B. Lully. Genren havde en betydelig indflydelse på den efterfølgende udvikling af fransk musikteater.

Efter en mere subtil adskillelse af musikgenrer begyndte marchmusik at dukke op. Det var hård, høj, støjende musik. På dette tidspunkt blev slagtøjsinstrumenter (trommer og bækkener) udbredt, som satte rytmen og derved fratog værket forestillingens individualitet. Der var også meget brug af instrumenter som trompeten, som primært tjente til at øge musikkens samlede lydstyrke. Det var på grund af udseendet af trommeslagere og højlydte instrumenter, at fransk musik fra slutningen af ​​1700-tallet efter min mening blev særligt primitiv og ikke enestående. Kronen på marchmusikken var fremkomsten af ​​værket "La Marseillaise", skrevet af Rouger De Lisle i 1792.

Rouget De Lisle Claude Joseph (1760-1836) fransk militæringeniør, digter og komponist. Han skrev salmer, sange, romancer. I 1792 skrev han kompositionen " Marseillaise”, som senere blev Frankrigs hymne.

Francois Couperin (1668-1733)- Fransk komponist, cembalo, organist. Fra et dynasti, der kan sammenlignes med det tyske Bach-dynasti, da der var flere generationer af musikere i hans familie. Couperin fik tilnavnet "den store Couperin" dels på grund af sin sans for humor, dels på grund af sin karakter. Hans arbejde er toppen af ​​fransk cembalokunst. Couperins musik er kendetegnet ved melodisk opfindsomhed, yndefuldhed og perfektion af detaljer.

Rameau Jean Philippe (1683-1764)- Fransk komponist og musikteoretiker. Ved at bruge præstationerne fra den franske og italienske musikkultur ændrede han markant stilen i den klassiske opera, forberedte operareformen af ​​K. V. Gluck. Han skrev de lyriske tragedier Hippolytus og Arisia (1733), Castor og Pollux (1737), opera-ballet Gallant India (1735), cembalostykker og mere. Hans teoretiske værker er et væsentligt stadie i udviklingen doktriner om harmoni .

Gluck Christoph Willibald (1714-1787) berømt fransk-tysk komponist. Hans mest berømte aktivitet er forbundet med den parisiske operascene, for hvilken han skrev sine bedste værker med franske ord. Derfor betragter franskmændene ham som en fransk komponist. Talrige operaer af ham: "Artaserse", "Demofonte", "Fedra" og andre blev givet i Milano, Torino, Venedig, Cremoni. Efter at have modtaget en invitation til London skrev Gluck to operaer til Hay-Market-teatret: "La Cadutade Giganti" (1746) og "Artamene" og operaen potpourri (pasticcio) "Pyram". Sidstnævnte havde stor indflydelse på Glucks senere aktiviteter. Alle de operaer, der bragte Gluck stor succes, var skrevet efter italiensk mønster, bestod af en række arier; i dem var Gluck ikke meget opmærksom på teksten. Han komponerede sin opera "Pyram" ud fra fragmenter af tidligere operaer, der havde størst succes, og tilpassede en anden tekst i den nye libretto til disse fragmenter. Fejlen i denne opera førte Glucan til den idé, at kun den slags musik kan frembringe det rette indtryk, som er i direkte forbindelse med teksten. Han begyndte at overholde dette princip i sine efterfølgende værker, hvor han gradvist tilegnede sig en mere seriøs holdning til recitation, udarbejdede arioso-recitativet til mindste detalje og ikke glemme recitationen selv i arier.

Ønsket om en tæt sammenhæng mellem tekst og musik mærkes allerede i "Semiramide" (1748). Men komponistens mere håndgribelige drejning til opera som musikdrama er mærkbar i "Orfeo", "Alceste", "ParideedElena" (1761-64), opført i Wien. Reformatoren af ​​Glucks opera er i "Iphigenie en Aulide", givet i Paris med stor succes (1774). Der blev også givet: "Armide" (1777) og "IphigenieenTauride" (1779) -

Glucks største værk Den sidste opera G. var "Echo et Narcisse". Udover operaer skrev Gluck symfonier, salmer og meget mere. Alle operaer, mellemspil og balletter skrevet af Gluck er mere end 50.

Afslutningsvis bør ensidigheden af ​​fransk musik fra det 18. århundrede understreges endnu en gang. Musikalsk kreativitet var som et håndværk eller en let hobby. På håndværket, fordi alle værkerne var af samme type og lignede hinanden. På en hobby, fordi mange komponister var engageret i musik simpelthen i deres fritid og fyldte deres fritid med sådanne billeder. En sådan beskæftigelse kan ikke kaldes professionel kreativ skabelse. Selv datidens mest berømte franske komponist, Gluck (som i øvrigt ikke helt var en fransk komponist), kaldes af dårligt stillede komponist af ét værk. Det betyder Orfeus og Eurydike.

Kilder:

Great Encyclopedia of Cyril and Methodius,

Encyclopedia of Classical Music,

Brockhaus og Efron,

Klassisk musik (godtgørelse),

internet,

Kompetent musikolog Natalia Bogoslavskaya.

Marseillaise er en fransk revolutionær sang. Først blev den kaldt "Rhinens Armés Slagsang", derefter "Marseilles Marse" eller "La Marseillaise". Under Den Tredje Republik blev den Frankrigs nationalsang (siden den 14. juli 1975 er den blevet fremført i en ny musikalsk version). I Rusland blev "Working Marseillaise" udbredt (melodien "La Marseillaise", tekst af P. L. Lavrov, offentliggjort i avisen "Vpered" den 1.7.1875).

HARMONI, udtryksfulde musikmidler, baseret på kombinationen af ​​toner til konsonanser og på sammenhængen af ​​konsonanser i deres successive bevægelse. Hovedtypen af ​​konsonans er akkorden. Harmoni er bygget i overensstemmelse med visse moduslove i polyfonisk musik i ethvert lager - homofoni, polyfoni. Elementerne af harmoni - kadence og modulering - er de vigtigste faktorer i musikalsk form. Læren om harmoni er en af ​​musikteoriens hovedafsnit.

Fra midten af ​​1600-tallet overgik forrangen i udviklingen af ​​klavermusikken fra de engelske virginalister til de franske cembalospillere. Denne skole var i lang tid, næsten et århundrede, den mest indflydelsesrige i Vesteuropa. Dens forfader betragtes Jacques Chambonière, kendt som en fremragende performer på orgel og cembalo, en talentfuld lærer og komponist.

Koncerter med cembalomusik i Frankrig fandt normalt sted i aristokratiske saloner og paladser efter let social samtale eller dans. Et sådant miljø favoriserede ikke dybdegående og seriøs kunst. Yndefuld raffinement, raffinement, lethed, vid var værdsat i musik. Samtidig blev småskuespil - miniaturer - foretrukket. "Intet langt, trættende, for alvorligt"- sådan var den uskrevne lov, som skulle være vejledt af de franske hofkomponister. Det er ikke overraskende, at franske cembalospillere sjældent vendte sig til store former, variationscyklusser - de greb mod suite, bestående af dans og programminiaturer.

De franske cembalospilleres suiter er i modsætning til de tyske suiter, der udelukkende består af dansenumre, bygget mere frit. De stoler ret sjældent på den strenge rækkefølge af alemand - courant - sarabande - jig. Deres komposition kan være hvad som helst, nogle gange uventet, og de fleste af stykkerne har en poetisk titel, der afslører forfatterens hensigt.

Skolen af ​​franske cembaloister er repræsenteret ved navnene L. Marchand, J.F. Dandrier, F. Dazhankura, L.-K. Daquin, Louis Couperin. Mest af alt lykkedes det disse komponister med yndefulde pastorale billeder (“Gøgen” og “Svalen” af Daken; “Fugleskriget” af Dandrie).

Den franske cembaloskole nåede sit højdepunkt i to geniers arbejde - Francois Couperin(1668–1733) og hans yngre samtidige Jean Philippe Rameau (1685–1764).

Samtidige kaldte François Couperin "François den Store". Ingen af ​​cembalisterne kunne konkurrere med ham i popularitet. Han blev født ind i en familie af arvelige musikere og tilbragte det meste af sit liv i Paris og Versailles som hoforganist og musiklærer for kongelige børn. Komponisten arbejdede i mange genrer (med undtagelse af teatralsk). Den mest værdifulde del af hans kreative arv er 27 cembalosuiter (ca. 250 stykker i fire samlinger). Det var Couperin, der etablerede den franske type suite, som adskiller sig fra tyske modeller og hovedsageligt består af programstykker. Blandt dem er der skitser af naturen ("Sommerfugle", "Bier", "Siv") og genrescener - billeder af livet på landet ("Reapers", "Drueplukkere", "Strikkere"); men især mange musikalske portrætter. Disse er portrætter af sekulære damer og simple unge piger - navnløse ("Elskede", "Den eneste ene") eller specificeret i titlerne på skuespil ("Prinsesse Maria", "Manon", "Søster Monica"). Ofte tegner Couperin ikke et specifikt ansigt, men en menneskelig karakter ("Hårdtarbejdende", "Rezvushka", "Anemone", "Berøringsløs") eller forsøger endda at udtrykke forskellige nationale karakterer ("spansk kvinde", "fransk kvinde"). . Mange af Couperins miniaturer er tæt på datidens populære danse, såsom courante og menuet.

Den foretrukne form for Coopers miniaturer var rondo.

Som allerede nævnt stammer cembalisternes musik i det aristokratiske miljø og var beregnet til det. Det harmonerede med den aristokratiske kulturs ånd, deraf den ydre elegance i udformningen af ​​det tematiske materiale, overfloden af ​​ornamentik, som er det mest karakteristiske element i den aristokratiske stil. Variationen af ​​dekorationer er uadskillelig fra cembaloværker helt op til den tidlige Beethoven.

Cembalo musik Ramo ejendommelig, i modsætning til genrens kammertraditioner, et stort slag. Han er ikke tilbøjelig til at skrive detaljer ud. Hans musik er bemærkelsesværdig for sin lyse karakteristika, den føles straks håndskriften af ​​en født teaterkomponist ("Chicken", "Savages", "Cyclops").

Ud over vidunderlige cembalostykker skrev Rameau mange "lyriske tragedier" såvel som den nyskabende "Treatise on Harmony" (1722), som gav ham ry som den største musikteoretiker.

Udviklingen af ​​italiensk klavermusik er forbundet med navnet Domenico Scarlatti.

Programværker anses for at være sådanne værker, der har et specifikt plot - et "program", som ofte er begrænset til én overskrift, men kan indeholde en detaljeret forklaring.

Sandsynligvis hænger udseendet af dekorationer sammen med cembaloens ufuldkommenhed, hvis lyd døde ud øjeblikkeligt, og trillen eller gruppettoen kunne delvist kompensere for denne mangel og forlænge lyden af ​​referencelyden.

I Vesteuropa. (især italiensk-spansk) polygoal. wok. musik fra senmiddelalderen og renæssancen (motetter, madrigaler osv.) som improvisationer. element udføre. art-va formindskelsesteknikken har fået stor udvikling. Hun lavede også en af ​​teksturkompositionerne. grundlaget for sådanne ældgamle instr. genrer som præludium, ricercar, toccata, fantasy. Afd. diminutive formler efterhånden skilte sig ud fra de forskellige manifestationer af ytringsfrihed, først og fremmest ved afslutningen af ​​melodisk. konstruktioner (i klausuler). Omkring ser. 15. årh. i ham. org. tabulatur dukkede den første grafik op. badges til skrivedekorationer. K ser. 1500-tallet blev meget brugt - i dekomp. varianter og forbindelser - mordent, trill, gruppetto, to-rye er stadig blandt de vigtigste. instr. smykker. Tilsyneladende blev de dannet i praksis af instr. ydeevne.

Fra 2. sal. 1500-tallet fri O. udviklet hl. arr. i Italien, især i en anderledes melodisk. solo wokkens rigdom. musik, såvel som hos violinisten, der drager mod virtuositet. musik. Dengang i violin. musik har endnu ikke fundet bred anvendelse af vibrato, som giver udtryk for udvidede lyde, og melodiens rige ornamentik tjente som erstatning for den. Melismatisk dekorationer (ornamenter, agrémenter) fik en særlig udvikling i franskmændenes kunst. lutenister og cembalospillere fra det 17. og 18. århundrede, for hvem der var en karakteristisk afhængighed af dans. genrer udsat for sofistikeret stilisering. På det franske musik der var tæt forbindelse instr. aftaler med sekulær wok. tekster (de såkaldte airs de cour), som i sig selv var gennemsyret af dans. plast. engelsk virginalister (slutningen af ​​det 16. århundrede), tilbøjelige til sangtematik og dens variationer. udvikling, inden for O. mere graviterede mod formindskelsesteknikken. Få er melismatiske. de ikoner, som virginalisterne brugte, kan ikke tydes nøjagtigt. I det østrigske clavier art-ve, som begyndte at udvikle sig intensivt fra midten. I det 17. århundrede, op til J. S. Bach, inklusive, gravitationer mod italiensk. formindsket og fransk. melismatisk stilarter. Hos franskmændene musikere fra det 17. og 18. århundrede. det blev sædvanligt at ledsage samlinger af skuespil med borde med dekorationer. Den mest omfangsrige tabel (med 29 varianter af melismer) blev indledt af cembalosamlingen af ​​JA d "Anglebert (1689); selvom tabeller af denne art viser mindre uoverensstemmelser, er de blevet en slags almindeligt anvendte smykkekataloger. Især i tabellen indledte Bachs "Klaverbog for Wilhelm Friedemann Bach" (1720), meget lånt fra d'Anglebert.

Afgangen fra fri O. mod regulerede smykker blandt franskmændene. cembalisten var nedfældet i orken. musik af J. B. Lully. Dog franskmændene reguleringen af ​​smykker er ikke absolut streng, da selv den mest detaljerede tabel angiver deres nøjagtige fortolkning kun for typiske applikationer. Små afvigelser er tilladt, svarende til musernes specifikke træk. stoffer. De afhænger af udøverens jakkesæt og smag, og i udgaver med skriftlige afskrifter - på det stilistiske. redaktioners viden, principper og smag. Lignende afvigelser er uundgåelige i opførelsen af ​​den franske lysstyrkes skuespil. cembalo af P. Couperin, som vedholdende krævede den nøjagtige gennemførelse af hans regler for dechifrering af smykker. Franz. det var også almindeligt, at cembaloister tog diminutiv ornamentik under forfatterens kontrol, som de især skrev ud i variationer. dubletter.

At con. 1600-tallet, da franskmændene cembalospillere er blevet trendsættere inden for deres felt, såsom ornamenter som trille og nådetoner, sammen med melodiske. funktion, begyndte de at udføre en ny harmonisk. funktion, der skaber og skærper dissonans på stangens downbeat. J. S. Bach skrev, ligesom D. Scarlatti, sædvanligvis uoverensstemmende dekorationer ud. musikalsk tekst (se f.eks. del II af den italienske koncert). Dette gjorde det muligt for I. A. Sheiba at tro, at Bach ved at gøre det fratager hans værker. "harmoniens skønheder", fordi komponisterne på det tidspunkt foretrak at udskrive alle dekorationer med ikoner eller små noter, så i grafisk. optegnelser talte tydeligt harmonisk. euphony of the main akkorder.

F. Couperin har et raffineret fransk. cembalostilen nåede sit højdepunkt. I de modne skuespil af J.F. Rameau afsløredes et ønske om at gå ud over grænserne for kammerkontemplation, at styrke udviklingens effektive dynamik, at anvende det på musik. at skrive bredere dekorative streger, især i form af baggrundsharmonier. figurationer. Derfor tendensen til en mere moderat brug af dekorationer i Rameau, såvel som i det senere franske. cembalospillere f.eks. hos J. Dufly. Dog i 3. kvartal. 1700-tallet O. har nået en ny storhedstid i produktionen. Forbundet med sentimentalistiske tendenser. En fremtrædende repræsentant for denne kunst. retning i musik blev lavet af F. E. Bach, forfatteren til afhandlingen "Oplevelsen af ​​den korrekte måde at spille klaver på", hvor han var meget opmærksom på spørgsmålene om O.

Den efterfølgende høje blomstring af wienerklassicismen, i tråd med den nye æstetik. idealer, førte til en mere stringent og moderat brug af O. Ikke desto mindre fortsatte hun med at spille en fremtrædende rolle i J. Haydns, W. A. ​​Mozarts og den unge L. Beethovens arbejde. Frie O. blev i Europa. musik premiere. på variationsområdet virtuos konc. kadenzaer og wok. koloratur. Det sidste afspejles i det romantiske. fp. musik 1. sal. 19. århundrede (i især originale former af F. Chopin). Samtidig gav den dissonante lyd af melismer plads til konsonant; især begyndte trillen at begynde præim. ikke med hjælpemiddel, men med hoved. lyd, ofte med dannelsen af ​​et out-of-beat. Sådan en harmonisk og rytmisk. blødgørende O. stod i kontrast til selve akkordernes øgede dissonans. Den hidtil usete udvikling af harmonika blev karakteristisk for romantiske komponister. figurativ baggrund i fp. musik med en bred koloristisk. brugen af ​​pedalisering, samt klangfarvede figurationer. fakturaer i orc. scoringer. I 2. sal. 19. århundrede O.s værdi faldt. I det 20. århundrede den frie O.s rolle steg igen i forbindelse med styrkelsen af ​​improvisationer. begyndte inden for nogle områder af musikken. kreativitet, for eksempel. i jazzmusik. Der er en enorm metodologisk-teoretisk. Litteratur om O's problemer. Den er genereret af utrættelige forsøg på maksimalt at afklare O.'s fænomener, "modstå" dette i deres improvisation. natur. Meget af det, som forfatterne til værkerne præsenterer som strenge omfattende regler for afkodning, viser sig faktisk kun at være delvise anbefalinger.