Franske komponister cembaloister fra det 18. århundrede. Franske komponister
Introduktion
Kapitel I. Forudsætninger for blomstringen af \u200b\u200bfranske cembalo-musik
1 Keyboard musikinstrumenter fra det 18. århundrede
2 træk ved rokokostil i musik og andre former for kreativitet
Kapitel II. Musikbilleder af franske cembaloister
1 Cembalo-musik af J.F. Ramo
2 Cembalo-musik af F. Couperin
Konklusion
Bibliografisk liste
Introduktion
Den franske cembalo-skole nåede sit højdepunkt i to genier - François Couperin og hans yngre samtidige Jean Philippe Rameau.
Francois Couperin er en fransk komponist, cembalo, organist. Fra et dynasti, der kan sammenlignes med det tyske Bach-dynasti, da der var flere generationer af musikere i hans familie. Couperin fik tilnavnet "den store Couperin" dels på grund af sin sans for humor, dels på grund af hans karakter. Hans arbejde er toppen af \u200b\u200bfransk cembalo-kunst. Couperins musik er kendetegnet ved melodisk opfindsomhed, nåde, forfining af detaljer.
Jean Philippe Rameau er en fransk komponist og musikteoretiker. Ved hjælp af resultaterne fra franske og italienske musikalske kulturer ændrede han markant stilen til den klassiske opera, udarbejdede en opera-reform af K.V. Gluck. Han skrev lyriske tragedier "Hippolyte og Arisia", "Castor og Pollux", opera-balletten "Gallant India", cembalo-stykker og mere. Hans teoretiske værker er en vigtig fase i udviklingen af \u200b\u200blæren om harmoni.
Formålet med dette kursusarbejde er at studere materialer om to store cembaloisters liv og arbejde og identificere funktionerne i deres arbejde.
) studere litteraturen om dette emne;
) overvej de vigtigste træk ved Rococo-stilen;
) for at afsløre funktionerne i de store franske cembaloisters arbejde - F. Couperin og J.F. Ramo.
Dette arbejde er relevant i vores tid, da Rameau og Couperin er et særligt bidrag til verdensklassisk musik.
1.1 Keyboard musikinstrumenter fra det 18. århundrede
I det 17. århundrede var mekanismerne for keyboardinstrumenter som clavichord og cembalo velkendte. I klavikordet blev lyden produceret ved hjælp af en flad metalstift (tangent) og i cembalo ved hjælp af en krage fjer (plektrum).
Klavikordet var for stille til store forestillinger. Og cembalo producerede en ret høj lyd, men udtrykte lidt af hver note individuelt.
De mest betydningsfulde producenter af cembalo i det 18. århundrede var Shudi og Kirkman-familien. Deres instrumenter havde en krydsfinerlegeme i egetræ og blev kendetegnet ved en stærk lyd af rig klang. I det 18. århundrede Tyskland var Hamborg det vigtigste center for cembalo-produktion. Blandt dem, der er lavet i denne by, er instrumenter med to og seksten registre samt med tre manualer. Den usædvanligt lange cembalo-model blev designet af JD Dulken, en førende hollandsk mester i det 18. århundrede. I anden halvdel af det 18. århundrede<#"justify">I mange år var cembalo det mest populære instrument i mange lande rundt om i verden. Fra det 16. til det 18. århundrede bevarede cembalo sin popularitet. Selv efter opfindelsen af \u200b\u200bklaveret, som var lettere og mere behageligt at spille, fortsatte musikere med at bruge cembalo. Det tog omkring hundrede år for musikerne at glemme cembalo og skifte til klaveret.
Fra midten af \u200b\u200bdet 18. århundrede begyndte cembalo at miste popularitet og forsvandt snart helt fra scenerne i koncertsale. Først i midten af \u200b\u200bdet 19. århundrede huskede musikere på ham, og i øjeblikket er mange musikalske uddannelsesinstitutioner begyndt at forberede kunstnere, der spiller cembalo.
2 træk ved rokokostil i musik og andre former for kreativitet
Rococo - en kunststil, der stammer fra Frankrig<#"justify">Fremkomsten af \u200b\u200bRococo-stilen skyldes ændringer i filosofi, smag og domstolsliv. Det ideologiske grundlag for stilen er evig ungdom og skønhed, galant og melankolsk nåde, flugt fra virkeligheden, ønsket om at skjule sig fra virkeligheden i en hyrdes idyll og landlige glæder. Rococo-stilen stammer fra Frankrig og spredte sig til andre lande: Italien, Tyskland, Rusland, Tjekkiet og andre. Dette gælder også maleri og andre former for kunst.
Rokokomaleri manifesterede sig mest tydeligt i Frankrig og Italien. I stedet for kontraster og lyse farver dukkede en anden farveskala op i maleriet, lyse pastelfarver, lyserød, blålig, lilla. Temaet er domineret af præster<#"justify">Kapitel II. Musikbilleder af franske cembaloister
2.1 Cembalo-musik af J. Ramot
Rameau blev født og opvokset blandt professionelle musikere i et af de gamle musikalske centre i Frankrig - byen Dijon, i en organists familie. Hans fødselsdag er ukendt, men han blev døbt den 25. september 1683. Hovedstaden i Bourgogne har længe været berømt som et af de ældste centre for fransk musik. Faderen Jean Rameau tjente der som organist ved Notre Dame de Dijon og var tilsyneladende den første musikalske mentor for en af \u200b\u200bde største komponister i Frankrig. På det fjerne tidspunkt slog hjemmemusikuddannelsen rod næsten overalt som en slags urokkelig tradition, og omvendt syntes den kunstneriske forbedring af en ung mand i en musikskole at være en meget sjælden undtagelse. Den unge Rameau sluttede sig til humaniora på det jesuitiske kollegium, som han deltog i fire år. Oplysninger understøttet af dokumentmateriale om Jean Philippes unge år er knappe. Det vides med sikkerhed, at han i en alder af atten på sin fars initiativ tog til Italien for musikalsk uddannelse, men gik ikke længere end Milano.
På det tidspunkt tiltrak italiensk musik generel opmærksomhed både på grund af fremkomsten af \u200b\u200ben ny genre af fransk musikteater (dronningens tegneserieballet blev iscenesat med deltagelse af italienere) og på grund af den pro-italienske politik, der blev ført af kongerne i Valois-dynastiet. I 1700'erne blev det ledsaget af en teoretisk kontrovers om italiensk og fransk musik mellem den italienske abbed Ragen og Galloman Lecerf de la Vieville. Et par måneder senere vendte Rameau tilbage til Frankrig, hvor han optrådte i en meget beskeden rolle som en violinist, der spillede i grupper af omreisende komikere - de, der er fanget med forbløffende nøjagtighed og poesi i værkerne af Antoine Watteau. Dette var en meget betydelig periode i kunstnerens liv: han sluttede sig til folketeater, opera, ballet. Måske i disse år dukkede de melodiske billeder af nogle af hans cembalo-stykker op i violinteksturen.
Siden 1702 har Rameau optrådt i en ny rolle - som kirkeorganist i nogle provinsbyer - Avignon, Clermont-Ferrand, hvor hans første kantater - "Medea" og "utålmodighed" blev skrevet. I 1705 dukkede han først op i hovedstaden, hvor han spillede i to små kirker; i 1706 - udgav den første notesbog af hans cembalo-stykker. Musical Paris modtog nykomlingen ligegyldigt, om ikke koldt, på trods af de utallige og fantastiske skønheder, der bogstaveligt talt gnistrer og gnistrer i den første suite i a-mindre af hans cembalo-stykker (med den berømte optakt uden bar).
I begyndelsen af \u200b\u200bden anden parisiske periode gik Rameau på banen til musikteater. Alt i livet var vanskeligt for ham, og denne vej viste sig at være tornet. I 1727, på jagt efter en libretto, vendte han sig gentagne gange til den berømte de la Motta. Et af Rameaus breve til denne librettist er en ægte klassisk redegørelse for hans opera-æstetiske teori. Imidlertid fandt Royal Opera's favorit, alt for forkælet af Lullys studerende, ikke engang det nødvendigt at svare på disse meddelelser. Rameau fortsatte med at komponere. Den anden blev efterfulgt af en tredje bog med cembalo-stykker og nye kantater - "Aquilon og Oritia" og "Den trofaste hyrde". I 1732 - året Joseph Haydn blev født, da François Couperin levede sine sidste dage, og Voltaire skrev "Zaire" - samme år dukkede Rameau op i salonen for den daværende almægtige kunstner, den generelle skatteopkræver, Alexander la Pouplinier. Her fandt han sin første librettist, abbed Pellegrain, og mødte den største digter og dramatiker i det daværende Frankrig, gårsdagens Bastille-fange, François Marie Arouet-Voltaire.
Denne bekendtskab blev til et samarbejde mellem to fremragende kunstnere, det var af den vigtigste vejledende betydning for Rameau: for ham skyldte komponisten meget af sin transformation til den største musikalske figur af prærevolutionær klassicisme i det 18. århundrede.
Samarbejde med Voltaire havde en afgørende indflydelse på Rameau, det bidrog til den endelige dannelse af hans æstetik, syn på teatret, hans drama, genrer og, som man kunne antage, hans recitative stil, hvis uimodståelige indflydelse strækker sig til fransk musik i dag.
Rameaus element var en dans, hvor han, medens han bevarede funktionerne i tapperhed, introducerede temperament, skarphed, folkemusik-genre rytme-intonationer, overhørt i sin ungdom på tivoli. Først lød de syrligt, undertiden trodsigt i hans cembalo-stykker, og derfra trådte de ind i operahuset og optrådte for offentligheden i et nyt orkestertøj.
Hans cembalo-stykker blev spillet af næsten alle Europas virtuoser, de mest adelige familier fra det franske aristokrati bestred indbyrdes retten til at undervise deres børn sammen med ham. Det var en strålende karriere.
Rameaus cembalo-musik er kendetegnet ved et stort strejf i modstrid med genrenes kammertraditioner. Han er ikke tilbøjelig til subtil skrivning ud af detaljer. Hans musik er kendetegnet ved en levende egenskab, i den kan man straks mærke håndskriften fra en født teaterkomponist ("Chicken", "Savages", "Cyclops").
Udover vidunderlige cembalo-stykker skrev Rameau mange "lyriske tragedier" såvel som den banebrydende afhandling om harmoni, som fik ham et ry som en stor musikteoretiker.
Associeret med teatret fra en ung alder, der skrev musik til fair forestillinger, begyndte Rameau meget sent, allerede halvtreds år gammel, at optræde med operaer. Det første opus "Samson" på Voltaire's libretto så ikke scenen på grund af det bibelske plot.
Et betydningsfuldt område i Rameaus arbejde er cembalo-musik. Komponisten var en fremragende improvisatorisk kunstner. I 1706, 1722 og ca. i 1728 blev 5 suiter udgivet, hvor dansestykker (allemand, courante, menuet, sarabanda, gigue) vekslede med karakteristiske, der havde udtryksfulde navne: "Gentle Complaints", "Conversation of the Muses", "Savages", "Whirlwinds" og andre værker.
Hans bedste skuespil er kendetegnet ved høj åndelighed - "The Calling of Birds", "Bonde Woman", ophidset iver - "Gypsy", "Princess", en subtil kombination af humor og melankoli - "Chicken", "Lame". Rameaus mesterværk er Gavotte med variationer, hvor et sofistikeret dansetema gradvist får besparelser. Dette spil afspejlede den tids åndelige bevægelse: fra den raffinerede poesi af galante festligheder i Watteaus malerier til den revolutionære klassicisme af Davids malerier. Ud over solosuiter skrev Rameau 11 cembalo-koncerter ledsaget af kammerensembler.
Rameaus samtidige blev først kendt som musikteoretiker og derefter som komponist. Som æstetiker forsvarede han sin tids avancerede teori - teorien om kunst som en efterligning af naturen. Efter at have undersøgt harmonilovene gik han i det væsentlige ud fra en materialistisk forståelse af lyd- og lydfølelser (naturlig lydskala som et fænomen i den fysiske verden). Han krævede, at musikeren tjekker og fortolker praktisk erfaring ved hjælp af fornuft og intellekt. Rameau generaliserede og underbyggede teoretisk treenighedstrukturen, akkordinversion, introducerede begrebet "harmonisk center" (tonic), dominerende og især subdominante funktioner.
2 F. Couperins cembalo-musik
François Couperin blev født den 10. november 1668 i Paris i en arvelig musikalsk familie af kirkeorganisten Charles Couperin. Hans evner manifesterede sig tidligt, hans første lærer var hans far; derefter fortsatte musikstudier under ledelse af organisten J. Tomlin. I 1685 tog François Couperin stillingen som organist i Saint-Gervais-kirken, hvor hans bedstefar Louis Couperin og hans far tidligere havde arbejdet. Siden 1693 begyndte François Couperin også at arbejde ved det kongelige hof - som lærer, dengang organist for domstolskapellet, kammermusiker (cembalo).
Hans opgaver var varierede: han optrådte som cembalo og organist, komponerede musik til koncerter og for kirken, ledsagede sangere og gav musikundervisning til medlemmer af den kongelige familie. Samtidig forlod han ikke privatundervisning og beholdt stillingen som organist i Saint-Gervais-kirken. Selvom Couperins livstid og postume herlighed hovedsageligt er forbundet med hans fortjeneste som komponist - cembalo, skrev han mange værker for et kammerensemble (koncerter, triosonater), og blandt hans hellige værker er der to orgelmasser, moteter og så videre -kaldte "L eçons des Ténèbres "(" Nataflæsninger "). Næsten hele Couperins liv blev brugt i Frankrigs hovedstad eller i Versailles. Der er meget få biografiske detaljer om ham. Hans musikalske stil udviklede sig primært i traditionerne fra den franske skole for cembaloister, hvilket fuldt ud bekræftes af indholdet af hans afhandling The Art of Playing the Cembalo. Samtidig har fransk cembalo i Couperins arbejde nået en høj grad af modenhed: i det blev næsten alle de kunstneriske muligheder, der er skitseret i denne kreative skole, afsløret på den bedste måde. Hvis Jean Philippe Rameau gik længere i denne forstand end Couperin, var han allerede begyndt med en slags delvis revision af cembalo-traditionerne - både billedligt og kompositionelt. I alt skrev Couperin mere end 250 stykker til cembalo. Med få undtagelser blev de inkluderet i samlingerne fra 1713, 1717, 1722 og 1730. Disse skuespil er bemærkelsesværdige for deres fantastiske enhed og integritet i den kunstneriske stil. Det er endda svært at føle, hvordan komponistens lange kreative udvikling nøjagtigt manifesterede sig i dem. Måske er præsentationsstilen blevet lidt strengere gennem årene, linjerne er blevet lidt større, manifestationen af \u200b\u200btapperhed er blevet mindre synlig, og den direkte afhængighed af dans er blevet mindre. I Couperins tidlige værker er visse danse (med betegnelserne: allemand, courante, sarabanda, gigue, gavotte, menuet, canari, paspier, rigodon), nogle gange med programmatiske undertekster, mere almindelige. Over tid er der færre af dem, men indtil de seneste år har komponisten stødt på krævende, sarabanda, minuet, gavotte, for ikke at nævne dansebevægelser i programstykker uden betegnelse for en eller anden dans. Uden at bryde med dans (inklusive de traditionelle danser i suiten), især med danseprincippet i sammensætningen af \u200b\u200bhans små stykker, kombinerer Couperin dem imidlertid ikke til suiter. Han kalder sammenstillingen af \u200b\u200bflere stykker (fra fire til fireogtyve) "ordre", det vil sige en rækkefølge, en serie. Dette understreger ikke nogen typisk konstruktion af helheden, men hver gang den frie, uden stabile funktioner af delene, vekslen mellem fem, seks, syv, otte, ni, ti (sjældnere - flere) stykker. Fire samlinger indeholder 27 sådanne "serier". I hver af dem er der i princippet ingen hoved- eller sekundære dele, der er ingen obligatoriske kontrasterende sammenligninger, men det er netop skiftet af miniaturer, der så at sige opstår deres krans, der kan udvides både bredere og mere beskedent afhængigt af komponistens hensigt. Samtidig bør intet kede dig i denne lette serie af yndefulde, fængslende, sjove, vittige, strålende, farverige, karakteristiske, endda portræt- eller genrebilleder. Derfor vælges stykkerne i hver ordre med diskret alsidighed, men uden at bryde den generelle kunstneriske harmoni, der kræves af god smag (som Couperin værdsatte frem for alt andet). Naturligvis er adskillige individuelle løsninger mulige her, som i sidste ende udgør hovedprincippet i sådanne kompositioner. Selve stykkerne, som det var før blandt cembaloisterne, har en ensartet egenskab ved et billede, hvad enten det er et definerende træk ved udseendet (oftere af en kvinde), om det er en portrætskitse ("nominelle" skuespil), et poetisk naturfænomen, en genre, udtryk for bestemte følelser, en mytologisk karakter, en scene eller en situation, der er klart inspireret af et opera- og balletteater. Og overalt er Couperins musik yndefuld, fyldt med ornamentik; det er rytmisk lunefuldt, foranderligt eller rettere dansbart; slank i form udtryksfuld, men uden påvirkning; hvis det er majestætisk, så uden speciel patos, hvis det er ømt, så uden særlig følsomhed, hvis munter og dynamisk, så uden for elementær kraft, hvis hun legemliggør sorgfulde eller "mørke" billeder, så med ædel tilbageholdenhed. Komponisten bekræfter, at han altid har tænkt på sin musik billedligt, selv i et portræt. I overensstemmelse med de æstetiske normer i tiden og især det miljø, hvor Couperin arbejdede, kombinerede hans billeder - "portrætter" i varierende grad reel nøjagtighed med konvention. Og jo højere den "portrætterede" sociale position var, desto mere var kunstneren bundet af dette. I øjeblikket kendes mange specifikke personligheder, hvis navne vises i titlerne på Couperins stykker. De var for det meste koner eller døtre af ædle personer eller musikere (G. Garnier, A. Forcre, J. B. Mare), som komponisten kommunikerede med. Couperins musikalske skrivning er ekstremt detaljeret i alle finesser og overraskende stilfuld. Med visse æstetiske begrænsninger og konventioner finder han forskellige, endda ekstreme muligheder for at være udtryksfulde på cembalo. ”Selve cembalo er et strålende instrument, ideelt inden for sit sortiment, men da cembalo hverken kan øge eller mindske lydstyrken, vil jeg altid være taknemmelig for dem, der takket være deres uendeligt perfekte kunst og smag er i stand til at gøre det udtryksfuldt. Dette er hvad mine forgængere stræbte efter, for ikke at nævne den fremragende sammensætning af deres skuespil. Jeg forsøgte at forbedre deres opdagelser, "skrev Couperin med god grund i forordet til den første samling af cembalo-stykker. Sammenlignet med sine forgængere bruger Couperin cembaloens kapaciteter meget bredere, har mere frihed til at disponere over lydklang i hele sit sortiment, to manualer til et stort instrument (stykkerne "crois ée ", det vil sige med krydsninger, udvikler omfattende cembalo-tekstur, aktiverer stemmeføring (med den definerende værdi af det homofoniske lager), forbedrer den overordnede dynamik i stykket og lægger stor vægt på ornamentik. Som et resultat viser det musikalske stof i hans værker sig at være udsøgt og gennemsigtig på samme tid, nu udsøgt dekoreret, fyldt med de fineste intonationsstrøg, nu fuld af lysbevægelse med den relative enkelhed af de generelle linjer. Det sværeste er at reducere hans cembalo-skrivning til alle typer eller normer. Her er den største charme mobilitet i fremkomsten af \u200b\u200butallige varianter af den musikalske make-up, bestemt af figurative nuancer. Det var på cembalo, der ikke havde det dynamiske middel til det fremtidige klaver (det tillod ikke lyden at vare, for at opnå crescendo og diminuendo effekter, til dybt at diversificere lydens farve), at den mest detaljerede, smykker , "blonder" udvikling af strukturen var ekstremt vigtig, som Couperin udførte. Passacaglia in h-moll, som er en del af ordre VIII, indtager en særlig plads i Couperins arbejde - måske det mest dybtgående og inderlige arbejde blandt hans stykker til cembalo. Bredt åben (174 mål), meget klar i komposition, det er en rondo med otte vers. Temaet for selve rondoen er smukt - streng, tilbageholdt, akkordalt, på en kromatisk stigende bas: en otte-takt med to identiske firemål: Denne dimensionalitet, vægtighed, mindretal er især skyggefuldt harmonisk: glat stemmeføring giver dig rolig opnåelse af harmonisk skarphed og subtile farveændringer med deres refleksion i melodien, som går tilbage til den melodiske minor. Lydens generelle karakter er konsistent - seriøs og ville have været alvorlig, hvis ikke for disse bløde harmoniske overløb. Coupletterne fjerner ikke det indtryk, der frembringes af det overvældende dominerende tema. De afslører en forbløffende rigdom af komponistens fantasi - samtidig med at værkets kunstneriske integritet opretholdes. Med den subtile sofistikering af mange af Couperins stykker, kontrasterer de på deres egen måde de få, men stadig mærkbare i hans figurative udførelse af det heroiske princip, den krigslignende opsving, den sejrende sejr. I stykkerne "Triumphal" og "Trophy" udtrykkes denne heroisme ikke kun i en enkel og lapidær form, men endda i en typisk intonationsstruktur (fanfare, signaler). Couperins fantastiske evne til at udtrække forskellige kunstneriske resultater fra et system med lignende eller relaterede præsentationsmetoder. Ganske ejendommelig er for eksempel hans tendens til at føre melodien i en lav, som det er, tenorregister gennem hele (eller næsten hele) stykket, som vi allerede har stødt på i miniaturens lille sorg og også i en helt anden måde, i den store rondo De mystiske forhindringer. I andre tilfælde tjener sådanne registerfarve ham undertiden til at udtrykke det naturlige modige princip ("Sylvanas") og derefter formidle bølgenes brøl og introducere ham i en særlig poetisk atmosfære. ("Waves"), det viser sig at være nødvendigt selv for udførelsen af \u200b\u200bmeget forskellige feminine billeder. Sidstnævnte er især overraskende. Imidlertid både det bløde, rene, noget adskilt fra lidenskabsbillede af "Angelica" og det raffinerede, endda skæve lunefulde billede af "Forførende" og de vidunderlige, ligesom ariotiske tekster af "Touching" - med alle forskellene i det valgte udtryksfulde midler - er smukt modregnet ved dette normalt, farve: Komponisten var bekymret over overholdelsen på cembalo først og fremmest af præsentationsteknikkerne, der er særlige for dette instrument. Som regel skal det, der er muligt på violinen i violinsonaten, være begrænset i cembalo-musik, fandt han. "Hvis cembalo ikke kan forstærke lyden, og hvis gentagelser af den samme lyd ikke passer godt til det, har det sine fordele - nøjagtighed, klarhed, glans, rækkevidde." Couperins samtidige var de franske cembalo-komponister Louis Marchand, G. Le, J. F. Dandrieu og nogle andre. Deres kunst udviklede sig på samme måde som den kreative skole med en præference for programmatiske stykker af lille form med interesse for traditionelle og nybegyndte dans. Og skønt hver af dem havde deres egne individuelle præstationer på denne vej, udtrykte Couperins arbejde utvivlsomt sin tid med den største fuldstændighed, der var til rådighed for cembalo i sin specifikt franske brydning. Bibliografisk liste couperin rameau fransk cembalo 1.Livanova T. Historie af vesteuropæisk musik før 1789. Bind 1. Moskva, 1983.696 s. 2. Rosenschild K.K. Musik i Frankrig fra det 17. - tidlige 18. århundrede. Moskva, 1979.168 s. Livanova T.N. Vesteuropæisk musik fra det 17. til det 18. århundrede blandt kunstnerne. Moskva, 1977, 528 s.
Odessa State Music Academy. A.V. Nezhdanova
Abstrakt om emnet:
"Franske cembaloister"
1. underkursusstuderende
vokal og kor fakultet
specialisering "Solosang"
Bessarab af Antonina.
Lærer: Polevoy O.G.
Odessa 2011
Abstrakt omrids
- Introduktion
- Om cembalo
- Jean-Philippe Ramey (fr.Jean- Philippe Rameau; 09/25/1683, Dijon - 09/12/1764, Paris)
- Konklusion
- Liste over referencer
Introduktion
Dannelsen af \u200b\u200bstilen med klavermusik fortsætter med assimilering og gradvis overvindelse af orgel- og lutemusikens traditioner. Fremkomsten af \u200b\u200bdet enkleste repertoire af clavichord eller cembalo bør tilskrives det 13.-16. Århundrede. Men klavermusik har endnu ikke fået en uafhængig betydning; musikerne tænkte ikke på specielle metoder til dets optræden eller komposition. Samtidige følte ikke stilen med klavermusik som sådan i det mindste indtil sidste kvartal af det 16. århundrede. Clavier-musik vandt sin uafhængighed som et rent sekulært kunstfelt. Hvis det viste spor af forbindelse med orgelgenrer, kom dette kun til udtryk i kultivering af store former (fantasier, toccata), som i det 17. århundrede ikke dannede grundlaget for klavierrepertoiret. Repertoiret af lutemusik blev mere direkte nedarvet af cembalo, som gradvist erstattede luten fra husholdningsbrug i en række lande.
Clavier (tysk Klavier) - det generelle navn på strengede keyboardmusikinstrumenter i XVII-XVIII århundreder. Hovedtyperne af klaver, som Bach stadig beskæftigede sig med, var allerede kendt i det 16. århundrede: cembalo (fra at ramme nøglen, strengen rørte ved pennen) og klavichord (fra samme slag berørte strengen metaltangenten). Disse funktioner i lydproduktion (knivspids eller beat) bestemte de største forskelle i klangfarve, styrke og varighed af lyden af \u200b\u200bdisse instrumenter. Cembalo havde en stærkere, men brat lyd og blev oftere brugt til at spille i koncerter, til akkompagnement i orkestret. I hjemmet brugte de normalt klavichordet - et lille instrument med en svag, men stadig varig lyd.
Inden en stor og lang indflydelsesrig kreativ skole af cembaloister formede sig i Frankrig, dukkede den karakteristiske form af klavermusik først op i kunsten af \u200b\u200bengelske jomfruelister i slutningen af \u200b\u200bdet 16. - tidlige 17. århundrede (William Bird, John Bull, Thomas Morley, Orlando Gibbons) . Dette skete i en periode med Shakespeare, under den humanistiske litteraturs storhedstid i England, på tidspunktet for den verdslige kunsts sejre. På Purcells tid interagerede den engelske kreative skole med andre kreative retninger, der var udviklet i Vesteuropa.
Fra midten af \u200b\u200bdet 17. århundrede blev vigtigheden af \u200b\u200bskolen for franske cembaloister stærkere, hvilket derefter kom frem i udviklingen af \u200b\u200bdette område af musikalsk kunst. Jacques Chambognière betragtes som dens grundlægger. Dens historie har dækket næsten hundrede år og slutter med værkerne fra J.F. Rameau og hans yngre samtidige. Ved slutningen af \u200b\u200bdet 17. århundrede blev succeserne med cembalo-komponister i nogle andre lande i Vesteuropa tydelige.
Skolen for franske cembaloister er repræsenteret ved navnene på L. Marchand, J.F. Dandrier, F. Dagencourt, L. - K. Daken, Louis Couperin. Mest af alt lykkedes disse komponister i yndefulde pastorale billeder ("Gøen" og "Svalen" af Daken; "Fuglens råb" af Dandrieu). Den franske cembalo-skole nåede sit højdepunkt i to genier - François Couperin (1668-1733) og hans yngre samtidige Jean Philippe Rameau (1685-1764).
I de første udviklingsfaser var fransk cembalo-musik i tæt kontakt med traditionerne for franske lutespillere, der på det tidspunkt havde opnået stor perfektion af komposition, subtilitet og sofistikering af stilistik. Lutemusik fra midten af \u200b\u200bdet 17. århundrede forblev ikke kun i Frankrig som folkekunst. De daværende største lutekomponister optrådte i aristokratiske saloner, oplevede indflydelsen af \u200b\u200bhofballetens musik, informerede deres dansestykker ikke om en hverdag, men en stiliseret karakter og stræbte efter at give dem ny følelsesmæssig udtryksevne.
Om cembalo
Clavicembalo er et keyboardstrengplukket musikinstrument. Strengen i den rykker med en fjer-tunge (nu - lavet af plastik). De tidligste omtaler af et cembalo-instrument vises i Decameron af Giovanni Boccaccio, udgivet i 1354, samt i en kilde fra 1397 fra Padua (Italien), det tidligste kendte billede er på alteret i Minden (1425), første beskrivelse med illustrative tegninger er lavet Henri Arnaud de Zwolle i 1436. Cembalo blev brugt som soloinstrument indtil slutningen af \u200b\u200bdet 18. århundrede. I lidt længere tid blev det brugt til at udføre digital bas til at ledsage recitativer i operaer. Omkring 1810 faldt den praktisk talt ud af brug. Genoplivningen af \u200b\u200bkulturen med at spille cembalo begyndte ved begyndelsen af \u200b\u200bdet 19. og 20. århundrede. Genoplivningen af \u200b\u200binstrumentet blev indledt af A. Dolmech. Han byggede sin første cembalo i 1896 i London og åbnede snart workshops i Boston, Paris og Heislmere.
Cembalo har form som en aflang trekant. Dens strenge er arrangeret vandret, parallelt med tasterne. Til registrering, dvs. ændring af lydens styrke og klangfarve, bruges hånd- og fodkontakter. Det er ikke muligt glat at øge og mindske lydstyrken på cembalo. I det 15. århundrede var rækkevidden af \u200b\u200bcembalo 3 oktaver (nogle kromatiske toner var fraværende i den nedre oktav); i det 16. århundrede udvidede den sig til 4 oktaver (C - c "" "), i det 18. århundrede - op til 5 oktaver (F" - f "" "). Cembalo havde flere sorter i forskellige lande. En stor fløj- formet instrument blev kaldt nøjagtigt cembalo i Frankrig, clavichembalo i Italien, vejrblad i Tyskland Små rektangulære instrumenter blev kaldt epinet i Frankrig, spinet i Italien, virginel i England.
Det cembalo fra det 15. århundrede har ikke overlevet. At dømme efter billederne var disse korte instrumenter med en tung krop. De fleste af de overlevende cembaloer fra det 16. århundrede blev lavet i Italien, hvor Venedig var det vigtigste produktionscenter. Angrebet på disse cembalo var mere tydeligt og lyden mere brat end de senere flamske instrumenter. Cembalo blev konstant forbedret, og der blev gjort forsøg på at diversificere lyden på enhver mulig måde. I det 17. århundrede producerede de berømte hollandske mestere i Ruckers koncert-cembalo med en kraftig lyd. Deres cembalo har længere strenge og en tungere krop end italienske instrumenter. Cembalo med to manualer blev ofte oprettet. Dette opnåede forskellige lydstyrker (keyboard-forte og keyboard-klaver) og en god evne til at formidle krydsning af stemmer. Virkningerne af specielle "registre" på cembalo blev også brugt: at trykke på en knap eller en håndtag, der drejede strengene af forskellige materialer eller strenge dækket med pergament. Nogle gange blev der tilføjet en tredje manual med en "lute" klang (for at opnå det er strengene let dæmpet af stykker læder eller filt ved hjælp af en særlig mekanisme). Fod- og knæafbrydere blev introduceret i slutningen af \u200b\u200b1750'erne. Ved at kombinere alle disse midler var det muligt at opnå graderinger af lyd, ændringer i klangfarve, en vis stigning i lydklang, men virkningerne af crescendo og diminuendo på cembalo var fuldstændig uopnåelige.
Cembalo-komponister: François Couperin, Louis Couperin, Louis Marchand, Jean-Philippe Rameau, Johann Sebastian Bach, Johann Pachelbel, Dietrich Buxtehude, Girolamo Frescobaldi, Johann Jacob Froberger Gendmi, Georges-Fridossehud Bird, Henry Purcell, Johann Adam Reinecke, Dominico Scarlatti, Alessandro Scarlatti, Mathias Weckmann, Dominico Zipoli osv.
Berømte cembaloister: Andrei Volkonsky, Gustav Leonhardt, Wanda Landowska, Robert Hill.
fransk cembalo musik klavier
Grundlæggerne af den franske skole for cembaloister
Jacques Spion de Chambognière (Jacques Champion de Chambonnieres ; 1601 - foran 4 kan 1672 )
Jacques Champion de Chambognière var kendt som en fremragende cembalo og orgeludøver, en talentfuld komponist og en succesrig lærer. Han var også en fremragende danser og deltog i balletforestillinger. Født i Paris. Stammer fra en arvelig familie af musikere. Den mest berømte var hans bedstefar Toma Champion (tilnavnet Mitu). Hans far, Jacques Champion, organist og cembalo, tjente som cembalo ved hoffet af Louis XIII. I september 1611 blev Chambognière lovet sin fars fremtidige domstolsposition. Siden 1640 var han i retssalen (epinetist - ved navn den lille cembalo). Han havde ikke denne stilling længe, \u200b\u200bda kong Louis XIII døde i 1643, og hans kone, dronning Maria de Medici, som blev regent for den unge Louis XIV, havde sine egne musikere, men han blev lærer for den unge konge. Han lavede en strålende karriere ved det franske domstol, men i slutningen af \u200b\u200bsit liv faldt han ud af favør, mistede sin stilling og døde i fattigdom.
Jacques Chambognières aktivitet var ikke kun begrænset til domstolsopgaver. I 1641 organiserede han en række betalte koncerter kaldet "Assemblee des Honnestes Curieux" (forsamlingen for de sande nysgerrige), koncerter afholdt i hans hjem to gange om ugen med omkring ti permanente musikere og gæstekunstnere, der deltog. Måske var det nogle af de allerførste koncerter af denne art, da før alle forestillinger betød støtte fra kongen, kirken eller større aristokrater.
Chambognières cembalo-stykker opstod på baggrund af danse - klokkespil (der er især mange af dem i komponisten), allemande, sarabanda, gigi, pavana, galliard, canari, minuet. Bare i de år, hvor grundlæggerne af den franske skole for cembaloister Champion de Chambognière og hans tilhænger Louis Couperin begyndte, nød den største lutespiller Denis Gaultier (ca. 1600-1672) berømmelse i Paris og skabte adskillige stykker til sit instrument. Sammenligning af Gaultiers lutemusik med Chambogniers cembalo-stykker afslører meget til fælles inden for begge kunsten: genrefundamenter, valg af dans, programmatiske tendenser, selve arten af \u200b\u200bnye billeder, stilistik. Den stramme og statelige stil Chambognière blev dannet på baggrund af traditionerne for fransk lutemusik, hvoraf Germain Pinel og Ennemond også var repræsentanter.
Det var fra et sådant repertoire, at der med tiden blev dannet en bestemt type suite, der var karakteristisk for nogle skoler og for det meste for tyske komponister. Valget af allemande, klokkespil, sarabanda og gigue som de vigtigste dele af suiten blev delvist forberedt af de franske komponisters arbejde på disse danse, deres valg blev udført af Froberger, derefter af Pachelbel og endelig af den kreative praksis ER Bach (franske suiter). Chambognières skuespil danner ikke nogen form for suite, hvilket ikke er typisk for franske cembalo. Chambognière stiliserer dansepræsentationen. Dette er mere synligt i hans krav, som allerede er langt fra dansbare, noget polyfoniske og er små stykker af en overvejende rolig og tankevækkende karakter. Klokkespilene bevarer deres balletudseende. Sarabandes er undertiden noget tunge, undertiden mere lyriske, med en overvejelse af melodisk udtryksevne (som senere bliver en tradition for Sarabande både på scenen og i instrumental musik). Programundertekster i en række Chambogniers danse opmuntrer sceneforeninger, især balletforeninger: pavana "Conversation of Bots", Sarabande "Young Zephyrs", "Solemn Sarabande". Konsistensen af \u200b\u200ben given bevægelse og rytme er karakteristisk. Komponisten vender sig villigt til variation og skaber sine tage efter dansen.
Ifølge den generelle musikalske disposition har Chambogniers stykker tendens til homofoni. Mobiliteten af \u200b\u200balle stemmer tilslører ikke det harmoniske grundlag for helheden. Teksturen forbliver lys og gennemsigtig. Chambognière var en af \u200b\u200bde første cembaloister, der introducerede melodipynt - triller, nåde, mordentes, gruppettos. Et af de definerende kendetegn ved hans musik er en bred og klar melodisk linje, men under den behagelige melodiske overflade er der betydelig polyfonisk kompleksitet og kontrapunkt. Komponisten skitserer i sit arbejde arten af \u200b\u200bornamentik, som snart vil erhverve universel kraft fra de franske cembalo og udgør et af de dominerende træk ved deres stil. Sandt nok, i sammenligning med for eksempel Francois Couperins musik, er Chambogniers ornamentik ikke så raffineret og ikke så rigelig: der er ikke for mange dekorationer, og de er koncentreret i overstemmen. Af de mange udsmykningsteknikker vælger komponisten dem, der ombrydes omkring en harmonisk lyd (nåde, gruppetto, trille) som melodiens støtte. På grund af dette er dansens karakteristiske bevægelse for det meste ret synlig i dens klokkespil og sarabands.
Ud over sin musikalske kreativitet var Jacques Champion de Chambognière engageret i undervisning, og hans strålende stil havde en vigtig indflydelse på den efterfølgende udvikling af den franske cembalo-skole såvel som på udenlandske komponister som Johann Jacob Froberger. Blandt hans studerende var Jacques Ardel, Nicolas Lebesgue og Jean-Henri d'Anglebert, men hans bidrag til skabelsen af \u200b\u200bCouperin-dynastiet var særlig vigtigt. I 1650/51 holdt brødrene Couperin - Charles, François og Louis en lille privat koncert. på gården Chambognière, på værtens navnedag, imponerede deres leg og musik (komponisten var Louis, hans fremtidige studerende og den første berømte repræsentant for Couperin-dynastiet) Chambognière så meget, at han begyndte at støtte dem og snart begyndte alle tre en aktiv karriere i Paris.
I begyndelsen af \u200b\u200b1650'erne voksede hans karriere - han komponerede musik, fortsatte med at danse i ballet, gik på turné, underviste studerende, blandt hvilke den unge konge Louis XIV var. De første alvorlige tab opstod i 1657 som et resultat af en retssag med sin kone, hans ejendom og jord blev solgt. I samme år fjernede kongen ham på grund af paladsintriger, fra stillingen som sin lærer for at spille cembalo. Hans modstandere, som han kaldte "en lav og djævelsk klike", forsøgte at sætte Louis Couperin i hans sted, men eleven nægtede at tiltræde stillingen af \u200b\u200bloyalitet over for sin ven og velgørenhed. Hans stilling ved retten blev stadig mere usikker, hans løn faldt, indtil han i 1662 endelig forlod sin stilling. Mange af Chambognières ulykker skyldtes udnævnelsen af \u200b\u200bJean-Baptiste Lully som direktør for hoffmusikerne. I princippet var hans fratræden objektiv - Chambognière kunne simpelthen ikke opfylde de nye krav og udføre musik i en ny stil med basso continuo. Efter pensionering fortsatte Chambognière med at spille musik og komponere, i 1670 udgav han de eneste to bind af værker til cembalo, resten af \u200b\u200bhans værker forblev i manuskripter.
På grund af manglen på kilder vides der meget lidt om fransk cembalo-musik i første halvdel af det 17. århundrede, og Jacques Chambognière fremstår som den eneste store komponist på dette tidspunkt med et stort antal overlevende værker. I alt er der mere end 150 værker i hans arv, næsten alle er danser (allemandes, klokkespil, sarabands, gigues, chacons, pavans, galliards og andre). Cirka halvfjerds værker blev udgivet af komponisten selv i 1670 i to bind Les pieces de clavessin, resten af \u200b\u200bværkerne overlevede i manuskriptskilder, hvoraf de fleste først blev opdaget i anden halvdel af det 20. århundrede. Der er også et antal stykker, hvis forfatterskab sandsynligvis tilhører Chambognière.
Louis Couperin (fr. Louis Couperin; omkring 1626, Chaum-en-Brie - 29. august 1661, Paris)
Louis Couperin var den ældste søn af Charles Couperin, organist i en kirke i Brie; hans to yngre brødre - Charles og François - blev også musikere. Omkring 1650 passerede Jacques Chambognière gennem Brie. Young Couperins holdt en koncert til ære for en vigtig gæst og udførte værker skrevet af Louis; Chambognière var så imponeret, at han snart tog den unge mand med sig til Paris og gav hans protektion. I 1651 boede Louis allerede i Paris, og hans brødre fulgte ham. I 1653 modtog Louis stillingen som organist for kirken Saint-Gervais og senere også stillingen som gambist ved retten. Karrieren for den unge komponist var yderst succesrig. I midten af \u200b\u200b1650'erne blev han bedt om at erstatte Chambognière og blive kongens cembalo, men Louis nægtede af respekt for sin ven og tidligere lærer. Han fortsatte med at arbejde i Saint Gervais og ved hoffet af Louis XIV og kan have arbejdet for aristokratiske familier i Meudon. I 1661, i en alder af 35, døde Louis Couperin; dødsårsagen er ukendt.
Louis Couperin var en alsidig musiker: cembalo, organist, violin og viola-spiller. Mens han var organist, spillede han også i orkestret i Lullys balletproduktioner. Han skrev stykker til orgel, til et instrumentalt ensemble, til violin, men det overvældende flertal af hans værker, som bragte ham berømmelse, blev skabt til cembalo. I modsætning til andre komponister fra det 17. århundrede, der i stil med deres værker enten gik ud af orgeltraditionen eller imprægnerede den med bånd til klavierkunsten, forblev Louis Couperin faktisk en cembalo.
Couperin formåede ikke at udgive sine værker. Hans musik har kun overlevet i manuskripter. De fleste af hans cembalo-kompositioner er danse, begge almindelige for den tid (allemandes, sarabands, klokkespil, gigger) og mere sjældne former (branle, volta osv.). Disse værker repræsenterer det næste trin i udviklingen af \u200b\u200bden stil, der er skitseret af Chambognier. Hans chacones og passacagllas skiller sig ud i Couperins cembalo-musik og især de taktløse forspil, som Couperin opfandt en original måde at notere på (alle eller næsten alle toner er skrevet som helhed, og frasering og andre aspekter af forestillingen formidles i adskillige yndefulde linjer). Harmonisk graviterede Couperin mod ikke-trivielle løsninger og blev også påvirket af Johann Jacob Froberger. Louis Couperin fortsætter hovedsageligt fra de samme karakteristiske danse, som dannede grundlaget for værkerne fra Chambognière og Gaultier. Men samtidig forsøger han at indføre en vis individualisering eller speciel smag i dansen ("Minuet fra Poitou", "baskisk Branle") for at gå foran en række danse med en fri, på ingen måde danseforspil (normalt uden indikation af meter og rytme), endda for at sammenligne skarpt med danser et kontrasterende spil - det såkaldte "Tombeau", det vil sige en grafskrift, en "gravsten" (modelleret efter lutespillerne). Så i sammenhæng med ikke belastet med følelser, hovedsagelig dansemusik, er der en helt anden - næsten tragisk begyndelse. Louis Couperin skaber også andre ikke-dansestykker, der betegner dem som "Pasturel", "In the Piedmont spirit". Af interesse for ham er de daværende berømte chacons (eller chacons - på fransk måde), hvor deres traditionelle variation på den tilbageholdende bas er kombineret med funktionerne i rondo.
Couperins orgelmusik forblev ukendt i flere hundrede år og blev først opdaget i 1950'erne, og dens udgivelse blev forsinket i flere årtier. Komponistens orgelarv er omkring 70 stykker, for det meste fuguer (ofte kaldet "fantasier") og arrangementer af kirkesalmer. Blandt hovedfunktionerne er forsøg på at komme væk fra de tidligere franske organists polyfoniske strenghed (Titelusa, kræft osv.) Og registreringen skrevet i noder. Begge funktioner blev senere karakteristiske for hele den franske orgelskole. Det samme kan siges om en række melodiske vendinger i Couperins orgelmusik, især oktavens spring i basen.
Den videre vej for den franske skole for cembalo
Den videre vej til den franske skole for cembaloister (som derefter førte til François Couperin den Store) er forbundet med navnene på den allerede navngivne d 'Anglebert og Lebesgue samt Louis Marchand, Gaspard le Roux og en række andre komponister, der trådte fra det 17. til det 18. århundrede. Deres kreative indsats danner suiten. som imidlertid og nu ikke erhverver stabile former. Selvom de indledende dele af den bliver i d 'Anglebert og Lebesgue af allemand og klokkespil, så næsten enhver dans kan følge, og det hele slutter med en gavotte og en menuet (nye, moderigtige danser), derefter den gamle galliard og passacaglia efter gigue. Den franske skole trækker mere mod en gratis række miniaturer som en slags koncertprogram end mod krystallisering af en bestemt type suite med dens understøttende danser. Ikke desto mindre forbliver klavermusik på paneuropæisk skala i det 17. århundrede hovedsageligt med suiteens genre, uanset hvordan den forstås i forskellige lande og af forskellige komponister. Dette betyder, at hvert stykke som regel forbliver lille, opretholdt i en bevægelse, karakteristisk på sin egen måde (i det mindste i henhold til tegnene på en dansebevægelse) og i musikalsk kunst trang til mangfoldighed, til sammenligning, endda en mulig kontrast af billeder, øger porerne udtrykt i det mindste i deres suite-skifte.
Jean Henri d "Anglebert ( d "Anglebert ; sandsynligvis, 1628, Paris - 23 IV 1691, der det samme ) - fransk komponist, cembalo, organist. Elev af J. Chambognière. I 1664-1674 var han cembalo til Ludvig XIV (denne stilling blev efterfulgt af hans ældste søn, Jean Baptiste Henri d "Anglebert). Henri ejer værker for cembalo og orgel, kendetegnet ved perfekt polyfonisk teknik. Den berømte samling af stykker for cembalo ("60 Pièces de clavecin", P., 1689) inkluderer hans originale kompositioner (inklusive 22 variationer af melodien i den spanske "Folia"), adskillige transkriptioner af arier og danser fra operaer af JB Lully samt teoretisk udvikling ("Principper for ledsagelse", udskrift af bordudsmykninger).
Lebesgue ( Lebègue ) Nikola Antoine - ( 1631, Lyon - 06 .0 7 .1 702, Paris ) - fransk komponist og organist. Han tjente som kirkeorganist i Paris. Han var forfatter til cembalo (2 samlinger fra 1677) og orgel (3 samlinger) suiter, hvor han efterlignede F. Couperin i vid udstrækning anvendte dengang dansemusik: gavotte, minuet, burré, rondo, passacaglia osv. Han skrev adskillige notesbøger om skuespil til orgel og php. og 2-3-glsn. "Airs" med continuo.
Louis Marchand ( Louis Marchand ; 02 .0 2 .1 669, Lyon - 17 .0 2 .1 732, Paris ) - fransk cembalo, organist og komponist (repræsentant for Versailles-skolen). Født i en organists familie. Fra 1684 fungerede han som katedralorganist i Nevers og fra 1698 - i Paris. Han var organist af katedraler i forskellige byer i Frankrig, herunder den parisiske kirke af de franciskanske Cordeliers. I 1689 bosatte han sig i Paris, tjente som hofforganist i 1708-14. i det kongelige kapel i Versailles. Han var en af \u200b\u200bde bedste franske organister i sin tid. Han var berømt som en virtuel cembalo og lærer. Han lavede en tre-årig koncerttur over Tyskland (1713-1717), i 1717 undgik han at konkurrere med I.S. Bach, som skulle holdes i Dresden. Blandt hans studerende er Louis-Claude Daken (1694 - 1772). Forfatter af værker for cembalo, orgel, cembalo, kirkemusik. Den vigtigste del af komponistens arv fra Marchand er hans tidlige orgelstykker og klaviersuiter. Forfatter af to bind af værker til cembalo og en samling orgelstykker. Han skrev også operaen "Pyramas and Tisba", adskillige kantater (kantate "Alcyon"), vokale miniaturer og en afhandling om komposition. I 1702-1703 blev der udgivet to samlinger af Marchands musikstykker i Paris. Ved komponering forventede han nogle af de teknikker (lyst harmonisk sprog, klar rytme, dristige melodiske vendinger), udviklet senere af J.F. Ramo.6
Højdepunktet i den franske cembalo-skole
François Couperin ( fr . François Couperin ; 10 november 1668, Paris - 11 september 1733, der det samme )
Den franske cembalo-skole nåede sit højdepunkt i to genier - Francois Couperin) og hans yngre samtidige Jean Philippe Rameau ).
François Couperin er den mest berømte og største cembalo-komponist af den franske skole. Født i en arvelig musikalsk familie af kirkeorganisten Charles Couperin. Hans første lærer var hans far; derefter musikstudier fortsatte under ledelse af organist J. Tomlen. I 1685 tiltrådte François Couperin stillingen som organist ved kirken Saint-Gervais, hvor hans bedstefar Louis Couperin og hans far tidligere havde arbejdet. Siden 1693 begyndte François Couperin også at arbejde ved det kongelige hof - som lærer, dengang organist for domstolskapellet, kammermusiker (cembalo). Hans berømmelse som organist var ikke ringere end hans berømmelse som cembalo. Couperins pligter ved retten var meget forskellige - han optrådte som solist, komponerede musik til domstolskoncerter og til helligdage, fulgte sangere og gav cembalo-lektioner til Dauphin og andre medlemmer af den kongelige familie. Samtidig forlod han ikke privatundervisning og bevarede stillingen som organist i den parisiske kirke Saint-Gervais (St. Gervasius) - denne stilling havde han indtil sin død. Den kongelige musikers stilling pålægger visse begrænsninger - og som et resultat blev næsten hele Couperins liv tilbragt i Paris eller i Versailles, og hun var tydeligvis ikke rig på eksterne begivenheder. I 1730 trak han sig tilbage og overførte sin plads til sin datter, Marguerite-Antoinette.
Couperins hovedværker blev skrevet til cembalo - mere end 250 stykker af forskellig natur, som forfatteren gav programtitler til: "Sommerfugle", "Reapers", "Loyalitet", "Vindmøller" osv. Disse kompositioners stil. blev kendetegnet ved lethed, nåde og udtryksevne, og de blev hurtigt enorme populære ikke kun i Frankrig, men også i udlandet. Som en uovertruffen mester i at spille cembalo blev han af sine samtidige hædret med titlen "Le Grand" - "Great".
I alt komponerede Couperin mere end 250 stykker til cembalo, kombineret i 27 suiter. Tilsammen udgjorde dette fire store samlinger, der blev offentliggjort i henholdsvis 1713, 1716 (1717?), 1722 og 1730. Couperins suiter blev kaldt "Les Ordres", hvilket betød "rækker, sekvenser". Afspil af den mest varierede karakter vekslede i dem. De fleste af miniaturerne har programundertekster, der er genrebilledlige scener og skitser af naturen og satiriske scener; ønsket om at formidle et mentalt billede, karaktertræk eller fysisk tilstand i lydbilleder.
Selvom Couperins berømmelse hovedsageligt er forbundet med hans fortjeneste som en cembalo-komponist, skrev han mange værker for et kammerensemble (koncerter, triosonater), og blandt hans hellige værker er der to orgelmasser, værker for orgel, motetter og de såkaldte "Lecons des Tenebres" ("Night Readings").
Couperin er også forfatter til et antal teoretiske værker og afhandlingen "Kunsten at spille cembalo". Afhandlingen indeholder en række af de vigtigste metodiske instruktioner vedrørende ekspressive teknikker til at spille, fingre og understreger også den særlige rolle melismatiske ornamenter spiller.
I sit arbejde kombinerede Couperin glimrende fransk og italiensk indflydelse og betragtede Jean Baptiste Lully og Arcangelo Corelli som sine forgængere. Couperin gav en speciel hyldest til disse særligt ærede musikere i de mange dele 7 instrumentale koncerter "Parnassus, eller Apotheosis of Corelli" ("Le Parnasse ou l" apotheose de Corelli ", (1724) og" Apotheosis of Lully "(fuldt navn) - "Instrumental koncert - en apotheose dedikeret til den udødelige hukommelse af den uforlignelige Monsieur de Lully" ("Concert instrumental sous le titre d" apothose compos a la mmoire immortelle de l "uforlignelig Monsieur de Lully", 1725).
Couperin skrev mange sange og hellige værker (både vokal og orgel), men sekulære instrumentværker, især stykker til cembalo og triosonata (en genre, der blev populær i Frankrig takket være Couperin), bragte ham berømmelse. Blandt kompositionerne af kammerinstrumentgenrer fremhæver Royal Concertos, skrevet i 1714-1715 for Louis XIV (udgivet i 1722) og Trio Sonatas of the Nation, som dukkede op i 1726. Forresten vendte Couperin sig til kompositionen af triosonater under indflydelse af Corellis musik. Efter modellen af \u200b\u200bden store italienske komponerede Couperin en sonate, og som han skrev, "at kende franskens grådighed for alle udenlandske nyheder", sendte han den ud som et værk af "den italienske forfatter Couperino." Lytterne kunne lide sonaten. Dette gav komponisten selvtillid, og han fortsatte med at arbejde på triosonater, en ny genre i Frankrig, som blev populær her netop takket være Couperin.
Den berømte instrumentale apotheosekoncert dedikeret til den udødelige hukommelse af den uforlignelige Monsieur de Lully (1725) er vejledende i to aspekter. Her legemliggør Couperin sin idé om at kombinere A. Corelli-stilen, hvis værker han beundrede, og som han dedikerede den store trio-sonate Parnassus, eller Apotheosis of Corelli (1724), med stilen J. B. Lully. Med andre ord stræbte Couperin på den ene side for at kombinere melodien, der er forbundet med den italienske stil, med den franske stil (disse to stilarter konkurrerede med hinanden på det tidspunkt) og på den anden side for at give hans kompositioner en fortælling , programmatisk karakter. Begge disse tendenser findes i de bedste værker fra Couperin - cembalo-suiter, som komponisten kaldte Les Ordres ("rækker", "sekvenser") og udgav i fire notesbøger (1713, 1717, 1722 og 1730). Stilistisk viser disse stykker, som alt Couperins kammerarbejde, en kombination af kontrapunktal og homofonisk (harmonisk) skrivning; de er kendetegnet ved udsmykningens rigdom, overflod af melismas.
Komponisten arbejdede i mange genrer (med undtagelse af teatralsk). Den mest værdifulde del af hans kreative arv består af 27 cembalo-suiter (ca. 250 stykker i fire samlinger). Det var Couperin, der etablerede den franske type suite, der adskiller sig fra de tyske prøver, og består hovedsageligt af programstykker. Blandt dem er skitser af naturen ("Sommerfugle", "Bier", "Reeds") og genrescener - billeder af landdistrikterne ("Reapers", "Grape Pickers", "Knitters"); men især mange musikalske portrætter. Disse er portrætter af verdslige damer og enkle unge piger - navnløse ("Elskede", "Den eneste") eller konkretiseret i titlerne på stykkerne ("Prinsesse Mary", "Manon", "Søster Monica"). Ofte tegner Couperin ikke et specifikt ansigt, men en menneskelig karakter ("hårdtarbejdende", "Rezvushka", "anemone", "utålmodig") eller forsøger endda at udtrykke forskellige nationale karakterer ("spansk kvinde", "fransk kvinde"). Mange af Couperins miniaturer er tæt på populære danse på det tidspunkt, for eksempel courante, menuet. Rondo var den foretrukne form for Couperins miniaturer.
På samme tid viste Couperin sig at være en af \u200b\u200bde få komponister i den æra, der ikke vendte sig til operagenren og ikke komponerede værker til koret. Komponistens moteter er i modsætning til kormoterne fra det 17. århundrede åndelige sange for en stemme med instrumental akkompagnement.
Cembalo - samtidige med F. Couperin
F. Couperins samtidige var de franske cembalo-komponister Louis Marchand (1669-1732), G. Le Roux (1660-1717), J.F. Dandrieu (1682-1738) og nogle andre. Deres kunst udviklede sig på samme måde som den kreative skole med en præference for programmatiske stykker af lille form med interesse for traditionelle og nybegyndte dans. Og skønt hver af dem havde deres egne individuelle præstationer på denne vej, udtrykte Couperins arbejde utvivlsomt sin tid med den største fuldstændighed, der var til rådighed for cembalo i sin specifikt franske brydning.
Dandrieu ( Dandrieu, d "Andrieu ) Jean François ( 1682, Paris - 17 jeg 1738, der det samme ) - fransk cembalo, organist og komponist. Sandsynligvis studerende fra Zh.B. Moreau. Han fungerede som organist i de parisiske kirker Saint-Merry og Saint-Barthélemy fra 1721 - også i sognet. kapel. Blandt hans værker er: "Book of Trio Sonatas" (1705), 3 samlinger af stykker til cembalo (1724, 1728 og 1734), "Book of Pieces for Organ" (red. 1739), 2 samlinger af triosonater og sonater til violin med basso continuo, offertoria osv. D. skrev En guide til cembaloakkompagnement (1716).
Daken ( Daquin, d "Aquin ) Louis Claude ( 4 Vii 1694, Paris - 15 VI 1772, der det samme ) - fransk komponist, organist, cembalo, efterkommer af F. Rabelais. Han viste mus tidligt. talent (i en alder af 6 spillede han cembalo foran Louis XIV). Studerede under N. Vernier (komposition) og Louis Marchand (orgel og cembalo). Fra en alder af 12 var organist i Petit-Saint-Antoine kapellet. Fra 1715 tjente kirken. organist. Efter en konkurrence om orgelspil i kirken Saint-Paul i 1727 og besejrede J.F. Rameau modtog stillingen som organist for denne kirke. Fra 1739 var han organist i det kongelige kapel, fra 1755 - i katedralen Notre Dame i Paris. Dakens værker er hovedsageligt skrevet i rokokostil med træk af raffineret tapperhed, der er forbundet med denne stil, og en overflod af smykker. Det vigtigste i hans musik er melodiens udtryksevne; hans bedste værker er kendetegnet ved genrebeskrivelse og lyrisk psykologi. Daken - forfatteren af \u200b\u200bstykker til cembalo (i 1. samling - "Premier livre de pièces de clavecin", 1735, - inkluderer den berømte miniature "Gøg", bevaret i moderne pianistes repertoire), julesange til orgel og cembalo (1757), hvor han dyrker teknikkerne til figurativ variation, gennemsigtig homofonisk skrivning såvel som klangregistreringsmaling af temaer. Han skrev kantater (kun udgivet "Rose", 1762); manuskriptet indeholder en kantate med et symfoniorkester "Circe" til ord af J.J. Rousseau, motetter, divertissementer, fuguer og trioer, 2 masser, Te Deum og mange andre værker af forskellige genrer.
Jean-Philippe Rameau (fr. Jean-Philippe Rameau; 25/09/1683, Dijon - 09/12/1764, Paris)
Jean-Philippe Ram - fransk komponist og musikteoretiker fra baroktiden. Søn af en organist. Han studerede på Jesuiteskolen. I en alder af 18 blev han sendt af sin far til Italien for at forbedre sin musikalske uddannelse i Milano. Da han kom tilbage, optrådte han som violinist i Montpellier Orchestra. I 1702-1706 og 1716-1723 tjente han som organist ved Clermont-Ferrand Cathedral; i 1706-1716 arbejdede han i Paris og Lyon. Fra 1723 til slutningen af \u200b\u200bsine dage boede Rameau i Paris, tjente som organist i jesuitkollegiet og i kirken Saint-Croix-de-la-Bretonry (indtil 1740). Han skrev for parisiske teatre, komponerede hellig og verdslig musik og blev fra 1745 domstolskomponist.
Rameau er forfatter til tre samlinger af cembalo-brikker (1706, 1724, 1727) og fem koncerter til cembalo, violin og viola da gamba (1741). Blandt dem er de mest berømte "Tambourine", "Chicken", "Dauphina", "Hammers", "Call of the Birds". Rameaus cembalo-musik er kendetegnet ved et stort strejf i modstrid med genrenes kammertraditioner. Han er ikke tilbøjelig til subtil skrivning ud af detaljer. Hans musik er kendetegnet ved en levende karakteristik, man kan føle en født teaterkomponists håndskrift i den. Stykker til cembalo Rameau er et sted for eksperimenter inden for harmoni, rytme, tekstur. For eksempel er stykkerne "Savages" og "Cyclops" usædvanligt opfindsomme med hensyn til udvikling af toneskalaen, og stykket "Enharmonic" er et af de første eksempler på enharmonisk modulering kendt i musikhistorien.
Hvis Couperins arbejde var kulminationen på den franske cembalo-skole, blev Rameau dens kulminator. Hans arv i denne genre består kun af 62 skuespil, der på mange måder minder om deres forgængere: den samme poetiske skildring - "kvidrende fugle", "blide klager", "venetiansk" (musikalsk portræt), "samtaler om Muser "; de samme todelt former, små variationer, rondo, og de sædvanlige to-tredelte, og blonder af melismas. Men Rameaus cembalo-kreativitet adskiller sig i mange henseender fra Couperin-arven. François Couperin var en komponist, der primært tænkte i cembalo-billeder. I mellemtiden, siden 30'erne, blev musikteater Rameaus element: hans cembalo-spil spillede en afspejling af teatralitet (Cyclops, Savages, Egyptian, Tambourine, Solonskie simpletons). Koncerterne og minuetterne fra den anden suite, orkestreret af forfatteren, blev inkluderet i partiturerne Castor og Pollux og Margarita af Navarra. Tamburinen fra samme suite gentages i musikken fra balletten "Celebrations of Hebe". "Solonsky simpletons" vises i tredje akt af "Dardanus".
Rameaus cembalo-suite er noget kvalitativt anderledes end François Couperins ordre. Den tidligere ordre, som kunne have været uendelig strakt i tide, er lukket i en cirkel af små perifere miniaturer, der indrammer den centrale stykke medalje, den mest billedligt betydningsfulde, brede, rig på tekstur, komposition, udvikling og tematisme (undertiden skriver Rameau det i samme nøgle, også lysere skygge "medaljong"). Rameau søger også efter og finder de strukturelt forenende elementer i cyklussen, dens kerne, skaber symmetri.
Rameaus tematik - for første gang i historien om fransk musik - er præget af en imponerende indre kontrast. Hans billeder viser stor nærhed, lydhørhed over for fænomenerne i det virkelige folkeliv. Dens tematiske udvikling er mere mangesidig og rigere end for andre franske musikere i det tidlige og midten af \u200b\u200bdet 18. århundrede. Det var Rameau sammen med Couperin, der var en af \u200b\u200bgrundlæggerne af den franske sonate og endda rondosonaten (Cyclops fra suite d-moll). Det nye, karakteristiske for Rameau og kun ham, er de kontrasterende tematiske relationer i sonateform, som han først fandt, i det mindste i Frankrig. Endelig er Rameaus tekstur langt fra Couperins smykkestykke meget mindre cembalo og har tendens til klaverklang, dynamik og rækkevidde. Opfordrer til det kommende klaver og Rameaus fingering, hans næsten percussive keyboardteknik og håndpositionering forbundet med forbedringen af \u200b\u200bteknikken til at placere tommelfingeren og dens anvendelse på sorte taster. Til den anden notesbog af cembalo-stykker var der knyttet "The New Method of Finger Mechanics". Her fungerer Rameau som en ægte tilhænger af et mekanistisk syn på kunsten at spille cembalo. Hemmeligheden bag virtuositet ligger i fingermekanismen. Dens udvikling og forbedring gennem udøvelse af muskelsystemet er den eneste rigtige kunstneriske vej. Hvor langt fra Couperins principper, hans ideal om let og sammenhængende, flydende og cantable leg.
Rameau angiver genrenes karakter af koncerterne mere præcist og understreger derved deres forskel både fra Couperins "Concerts royaux" og fra koncerter fra den italienske skole (Corelli, Vivaldi, Tartini): "Pieces de clavecin en concert" ("Pieces for a concert" cembalo ") ... Dette navn angiver sammensætningen af \u200b\u200bdet ensemble, der udfører værket: en trio af cembalo, violin og fløjte (ad libitum viola eller anden violin eller viola). Cembaloens rolle er innovativ, som her ikke fremstår som en performer af basso continuo eller kontrapunkt polyfoniske stemmer, men som et soloinstrument med en bredt udviklet, mesterlig koncertdel, svarende til hvad der blev foretaget tyve år tidligere af I.S. Bach i 5. Brandenburg-koncert og i seks sonater for obligatorisk klaver og violin. Med hensyn til figurativt indhold består tematik og måde "Koncerter" hovedsagelig af airs danses, der er kendetegnet ved en særlig melodi, en blød udtrykslyd og for det meste en beskeden intimitet af lyd. Koncertbrio er ikke karakteristisk for disse stykker. "Koncert" skal sandsynligvis tilskrives aktiviteten af \u200b\u200balle instrumentale stemmer, der deltager i den harmonisk rige og delikate udvikling af tematisk materiale. Hvis vi fortolker hele serien af \u200b\u200bskuespil som en stor cyklus, har vi ikke at gøre med Couperins ordre, men Rameaus suite med en karakteristisk arkitektonik af en symmetrisk type. I det store og hele er Rameaus "Concerts" den mindste koncert, desuden den mest intime og intime blandt alle hans kreationer.
Rameaus arv består også af adskillige dusin bøger og en række artikler om musik- og akustikteori, den banebrydende afhandling om harmoni (1722), som fik ham et ry som en stor musikteoretiker; adskillige motetter og solo-kantater; 29 scenekompositioner - operaer, opera-balletter og pastoraler. I dag er hans klaverstykker mest berømte, men komponistens hovedfelt var opera. Rameau skabte en ny stil med opera, hvis mesterværk var hans lyriske tragedier Hippolytus og Arisia (1733), Castor og Pollux (1737). Operaballetten "The Gallant of India" er anerkendt som toppen af \u200b\u200bRamos musikalske og scenekreativitet. Rameaus type opera er fransk, ikke italiensk: musikalsk udvikling afbrydes ikke, overgangen fra færdige stemmetal til recitativ udjævnes. I Rameaus operaer indtager vokalvirtuositet ikke hovedstedet; der er mange orkestrale mellemrum i dem, der lægges stor vægt på den orkestrale del; kor og udvidede ballettscener er også vigtige. Melodisk Rameau følger teksten hele tiden; vokallinjen i hans operaer er i princippet tættere på recitativ end cantilena. Det vigtigste udtryksmiddel er ikke melodien, men den rige og udtryksfulde brug af harmoni - dette er originaliteten i Rameaus opera-stil.
Efter Rameaus død blev hans arv længe overskygget af Glucks berømmelse som en reformator af operaområdet. I løbet af det 19. århundrede blev Rameau glemt og næsten aldrig udført (skønt hans musik blev nøje undersøgt af Hector Berlioz og Richard Wagner). Først ved begyndelsen af \u200b\u200bXIX-XX århundreder. vigtigheden af \u200b\u200bRameau og hans musik begyndte at vokse. I dag er han anerkendt som den største franske komponist, den mest fremtrædende skikkelse i den musikalske æra mellem François Couperin og Hector Berlioz.
Konklusion
Det 17. og tidlige 18. århundrede er en af \u200b\u200bde mest betydningsfulde og strålende perioder i historien om fransk musik. En hel periode i udviklingen af \u200b\u200bmusikalsk kunst associeret med det "gamle regime" var ved at høre fortiden til; århundredet i den sidste Louis, århundredet med klassicisme og rokoko var i slutningen. Oplysningens daggry blussede. Stil blev på den ene side afgrænset; på den anden lagde de sig, lagde hinanden sammen. Intonationen og den figurative struktur af fransk musik var foranderlig og varieret. Men den førende tendens, der løb i retning af den forestående revolution, blev tydelig med ubønhørlig klarhed. Rameaus "Gallant India" var intet andet end en "musikalsk tilføjelse" til Bougainvilles rejse, og Couperins "Old Seniors" havde allerede danset deres sarabanda under Ronsards motto: "Alt går og alt går, for aldrig at vende tilbage!" Skumring faldt over Bourbons Frankrig. Den landbaserede adels autoritet, dens ejendomsprivilegier, dens stat og lov var allerede mærkbart rystet, den modstod hårdt fremskridt af tænkning og handling fra progressive og revolutionære kræfter og enkeltpersoner, som mest levende repræsenterede disse kræfter. Sandheden imponerede uhyre, men dens viden og formidling blev måtteligt og hårdt målt af den kongelige magt og dens institutioner. Rousseau var i eksil, Voltaire lærte Bastillens rædsler, Helvetius blev tvunget til at offentliggøre i udlandet. Materialisme var fremherskende i samfundets fremskredne sind, men videnskaben var meget langt fra velstående, for den bar byrden af \u200b\u200bden straffende hånd fra staten og kirken. Katolicismen eksisterede ikke i "resterne", men som en indflydelsesrig og reaktionær ideologisk styrke. Selv fremragende revolutionærer undslap ikke dens indflydelse: Robespierre, Saint-Just, Couton var deister, fordømte materialisme, og Helvetius 'byste blev offentligt kastet ned og smadret på et møde i Jacobin Club, som det blev præsenteret af konen til Louis David.
Skønlitterære forfattere og komponister, malere og dramatiske skuespillere, cembalo og lyrikedigere - alle følte stormen nærmer sig, distancerede sig, og de bedste blandt dem fandt mod, samvittighed og styrke til at udsætte de gapende mavesår i den "gamle orden" og byde velkommen til kommende revolution. Moliere's "Rascals of Scapin", Fabler og Epitaph to the Lazy One af La Fontaine, Couperins Passacaglia i B-mol, Gaultiers Nabat og Leclercs grav sammen med Rousseaus "Social Contract" og "Confession" med malerier af Watteau og David - dette kunst erobrede ikke kun tragedien ved at dø af det kongelige Frankrig, men også begyndelsen på en ny æra. Uden François Couperin ville der ikke være nogen Johann Sebastian, Bach. Uden Rameau ville der ikke være nogen Gluck, Mozart og Beethoven.
Den franske kreative skole for cembaloister udmærker sig ved integriteten af \u200b\u200bdens nye stil, perfektion af skrivning og evolutionens rækkefølge. Cembaloens musik stammer fra det aristokratiske miljø og var beregnet til hende. Det var i harmoni med den aristokratiske kulturs ånd, derfor den ydre nåde i designet af det tematiske materiale, overflod af ornamentik, som er det mest karakteristiske element i den aristokratiske stil. Mangfoldigheden af \u200b\u200bornamenter er uadskillelig fra cembalo-kompositionerne op til den tidlige Beethoven. I musik blev yndefuld raffinement, sofistikering, lethed og humor værdsat. Samtidig foretrækkes spil i mindre skala - miniaturer. Franske cembaloister sjældent henvendte sig til store former, variationer - de graviterede mod en suite bestående af dans og programminiatyrer.
Suiterne til de franske cembaloister, i modsætning til de tyske suiter, der udelukkende består af dansetal, er bygget mere frit. De stoler ganske sjældent på den strenge rækkefølge af krav - courant - sarabanda - gigue. Deres komposition kan være enhver, undertiden uventet, og de fleste stykker har en poetisk titel, der afslører forfatterens intention.
Liste over referencer
1. http: // ru. wikipedia.org/wiki/Harpsichord
2.http: // ru. wikipedia.org/wiki/Francois_Couperin
3.http: // ru. wikipedia.org/wiki/Jan-Philippe_Ramo
4. http://musike.ru/index. php? id \u003d 4
5. T. Livanova "Historie af vesteuropæisk musik indtil 1789: lærebog" i 2 bind. Bind 1 M., musik, 1983
6. http://www.clasmusic.ru/index. php / Zhak-Shampion-de-Shambonyer.html
7. http: // ru. wikipedia.org/wiki/%D8%E0%EC%E1%EE%ED%FC%E5%F0,_%C6%E0%EA
8.http: // ru. wikipedia.org/wiki/Louis_Couperin
9. Musikalsk encyklopædi. - M.: Sovjetisk encyklopædi, sovjetisk komponist. Ed. Yu.V. Keldysh. 1973-1982.
10. En kort biografisk ordbog over udenlandske komponister, udarbejdet af M.Yu. Mirkin, M.: Sovjetisk komponist, 1968
11. Druskin M., Clavier music, L., I960
12. http://www.tonnel.ru/? l \u003d gzl & uid \u003d 800
13. http://www.classic-music.ru/couperin.html
14. http://belcanto.ru/couperin.html
15. http: // ru. wikipedia.org/wiki/Jean-Philippe_Rameau
16. Bryantseva V.N. Jean Philippe Rameau og French Musical Theatre. M., 1981
Lignende dokumenter
Baggrund for storhedstid for franske cembalo-musik. Keyboard musikinstrumenter fra det 18. århundrede. Rococo-stilfunktioner i musik og andre former for kreativitet. Musikbilleder af franske cembalo, cembalo-musik af J.F. Rameau og F. Couperin.
semesteropgave, tilføjet 06/12/2012
Generelle egenskaber ved ydeevne, definition af fransk klavermusik. Metrorytme, melismatik, dynamik. Specifikationerne for udførelsen af \u200b\u200bfransk klavermusik på harmonikaen. Artikulation, mekanik og intonation, melismeteknik.
abstrakt, tilføjet 02.08.2011
Konceptet og historien om musikens oprindelse, stadierne for dens udvikling. Genrer og stilarter af musik. "Sproglig" teori om musikens oprindelse. Dannelse af den russiske kompositionsskole. Forholdet mellem musikere og staten i den sovjetiske periode. Udviklingen af \u200b\u200bmusik i Rusland.
abstrakt, tilføjet 21/21/2010
Oprindelsen til vokalmusik. Nyt niveau musik oprettelse. Essensen af \u200b\u200bintroduktionen til operaen. Blanding af europæisk musikundervisning med afrikanske rytmer. De vigtigste retninger for jazz. Brug af elektroniske værktøjer. Vanskeligheder med at bestemme musikstilen.
abstrakt tilføjet den 04/08/2014
Russisk komponistskole. "Kopiering" med Vivaldi i Bortnyansky. Grundlæggeren af \u200b\u200brussisk professionel musik er Mikhail Glinka. En appel til de hedenske forfædre til Igor Stravinskij. Virkningen af \u200b\u200bDmitry Shostakovichs musik. Frederic Chopins kreativitet.
abstrakt, tilføjet 11/07/2009
Teoretiske fundamenter for tilrettelæggelse af udviklingen af \u200b\u200bmusikalsmag hos juniorskolebørn. Forskeres synspunkter på problemet med at udvikle musikalsmag. Originaliteten af \u200b\u200bmusikalske stilarter og trends. Historien om fremkomsten af \u200b\u200bteknomusik. House Music Short Course.
afhandling, tilføjet 04/21/2005
Udenlandske og russiske komponister. Indflydelse af musik på en person. Indflydelsen af \u200b\u200bmoderne ungdomsmusik på unge mennesker på deres følelsesmæssige, fysiske og åndelige tilstand. Hvad sker der inden for det skizofoniske hul. Moderne ungdomstendenser.
test, tilføjet 01/04/2014
Kunst, der afspejler virkeligheden i lydkunstneriske billeder. Forholdet mellem musik og alder. Bestemmelse af forholdet mellem karakter og musik. De vigtigste genrer af musik. Musiks alsidighed og dens betydning i det moderne menneskeliv.
præsentation tilføjet 16/03/2017
Aldersegenskaber hos ældre børnehavebørn set fra deres karakteristika ved musikopfattelse og forståelse. Metoder og teknikker, der bidrager til dannelsen af \u200b\u200bførskolebørns evne til at lytte til musik. Strukturelle komponenter i musikalsk opfattelse.
semesteropgave, tilføjet 28.4.2013
Tatarisk musik som folkemusik, hovedsagelig vokalkunst, repræsenteret af monofoniske sange i den mundtlige tradition. Båndet og skalaen for tatarisk folkemusik. Komponister af Perm-territoriet. Komponistens Chuganaevs bidrag til udviklingen af \u200b\u200bfolkesange.
CLAVESIN [fransk. clavecin, fra sen lat. clavicymbalum, fra lat. clavis - nøgle (deraf nøglen) og bækken - bækkener - plukket keyboard musikinstrument. Kendt siden det 16. århundrede. (begyndte at blive bygget i det 14. århundrede), den første information om cembalo går tilbage til 1511; det ældste overlevende instrument fra italiensk værk dateres tilbage til 1521.
Cembalo stammer fra psalterium (som et resultat af rekonstruktion og fastgørelse af tastaturmekanismen).
Oprindeligt havde cembalo en firkantet form og lignede en "fri" clavichord i udseende, i modsætning til hvilken den havde strenge af forskellig længde (hver tast havde en speciel streng indstillet i en bestemt tone) og en mere kompleks tastaturmekanisme. Cembaloens strenge blev sat i vibration af et pluk ved hjælp af en fugls fjer, fastgjort på en stang - en skubber. Da der blev trykket på tasten, steg skubberen placeret ved den bageste ende, og fjeren blev fanget i snoren.
Enheden til den øverste del af skubberen: 1 - streng, 2 - frigørelsesmekanismens akse, 3 - langette (fra den franske sprog), 4 - plektrum (tunge), 5 - spjæld.
Cembaloens lyd er strålende, men ikke melodisk (pludselig), hvilket betyder, at den ikke egner sig til dynamiske ændringer (den er højere, men mindre udtryksfuld end det), ændringen i lydens styrke og klangfarve betyder ikke afhænger af typen af \u200b\u200btastaturstrejke. For at forbedre cembaloens lydstyrke blev der anvendt dobbelt, tredobbelt og endda firdobbelt strenge (for hver tone), som blev indstillet i enstemmigt, oktav og undertiden andre intervaller.
Udvikling
Siden begyndelsen af \u200b\u200bdet 17. århundrede blev der anvendt metalstrenge i stedet for venestrenge, der steg i længde (fra diskant til bas). Instrumentet fik en trekantet vingelignende form med et langsgående arrangement (parallelt med nøglerne) af strengene.
I det 17. og 18. århundrede. for at give cembalo en dynamisk mere varieret lyd blev der lavet instrumenter med 2 (undertiden 3) håndtastaturer (manualer), som var placeret terrasserede over hinanden (normalt var den øverste manual indstillet en oktav højere) såvel som med register afbrydere til udvidelse af diskant, fordobling af oktavbas og ændringer i farvelægning (lutregister, fagotregister osv.).
Registerene blev betjent af håndtag placeret på siderne af tastaturet eller af knapper placeret under tastaturet eller af pedaler. På nogle cembaloer, for større variation af klangfarver, blev et tredje tastatur arrangeret med en eller anden karakteristisk klangfarve, der ofte lignede en lute (det såkaldte lute-tastatur).
Udseende
Udvendigt blev cembaloerne normalt afsluttet meget yndefuldt (kroppen var dekoreret med tegninger, indlæg, udskæringer). Instrumentets finish matchede de stilfulde møbler fra Louis XV-æraen. I 16-17 århundreder. Cembaloerne fra Antwerpens mestre af Ruckers skiller sig ud for lydkvaliteten og deres dekoration.
Cembalo i forskellige lande
Navnet "cembalo" (i Frankrig; cembalo - i England, kilflugel - i Tyskland, clavichembalo eller forkortet chembalo - i Italien) blev bevaret til store vingeformede instrumenter med en rækkevidde på op til 5 oktaver. Der var også mindre instrumenter, som regel rektangulære i form, med enkelte strenge og en rækkevidde på op til 4 oktaver, kaldet: epinet (i Frankrig), spinet (i Italien), virginel (i England).
Lodret kropscembalo -. Cembalo blev brugt som solo, kammerensemble og orkesterinstrument.
Skaberen af \u200b\u200bden virtuose cembalo-stil var den italienske komponist og cembaloist Scarlatti (han ejer adskillige værker for cembalo); grundlæggeren af \u200b\u200bden franske skole for cembaloister - J. Chambognière (hans "Cembalo-stykker", 2 bøger, 1670 var populære).
Blandt de franske cembaloister i slutningen af \u200b\u200b17-18 århundreder. -, J. F. Rameau, L. Daken, F. Daidrieu. Fransk cembalo-musik er en kunst af raffineret smag, raffineret manerer, rationalistisk klar, underlagt aristokratisk etikette. Cembaloens sarte og kolde lyd var i harmoni med det valgte samfunds "gode tone".
Den galante stil (rokoko) fandt sin levende udførelsesform blandt de franske cembaloister. Favorit temaer af cembalo miniaturer (miniature er en karakteristisk form for rokokokunst) var kvindelige billeder ("Fascinerende", "Coquettish", "Gloomy", "Shy", "Sister Monica", "Florentine" af Couperin), galante danser ( menuet, gavotte osv.), idylliske billeder af bondelivet ("The Reapers", "Grape Pickers" af Couperin), onomatopoeiske miniaturer ("Chicken", "Clock", "Chirping" af Couperin, "Cuckoo" af Daken, etc.). Et typisk træk ved cembalo-musik er overflod af melodiske dekorationer.
Ved slutningen af \u200b\u200bdet 18. århundrede. værker af franske cembaloister begyndte at forsvinde fra kunstnerens repertoire. Som et resultat blev instrumentet, der havde en så lang historie og en så rig kunstnerisk arv, fjernet fra musikalsk praksis og erstattet af klaveret. Og ikke bare fortrængt, men helt glemt i det 19. århundrede.
Dette skete som et resultat af en radikal ændring i æstetiske præferencer. Barokens æstetik, der er baseret på enten et klart formuleret eller tydeligt følt begreb om teorien om affekter (kort sagt selve essensen: et humør, affekt - en lydmaling), som cembalo var det ideelle middel til udtryk, gav først plads til en følelse af sentimentalisme, derefter til en stærkere retning - klassicisme og endelig romantik. Tværtimod var den mest attraktive og kultiverede ideen om foranderlighed - følelser, billeder, stemninger. Og klaveret kunne udtrykke det. Alt dette kunne cembalo i princippet ikke gøre - på grund af det særegne ved dets design.
F. Couperins samtidige var de franske cembalo-komponister Louis Marchand (1669-1732), G. Le Roux (1660-1717), J.F. Dandrieu (1682-1738) og nogle andre. Deres kunst udviklede sig på samme måde som den kreative skole med en præference for programmatiske stykker af lille form med interesse for traditionelle og nybegyndte dans. Og skønt hver af dem havde deres egne individuelle præstationer på denne vej, udtrykte Couperins arbejde utvivlsomt sin tid med den største fuldstændighed, der var til rådighed for cembalo i sin specifikt franske brydning.
Dandrieu (d "Andrieu) Jean Francois (1682, Paris - 17 I 1738, ibid.) - fransk cembalo, organist og komponist. Sandsynligvis studerende fra Zh.B. Moreau. Han fungerede som organist i de parisiske kirker Saint-Merry og Saint-Barthélemy fra 1721 - også i sognet. kapel. Blandt hans værker er: "Book of Trio Sonatas" (1705), 3 samlinger af stykker til cembalo (1724, 1728 og 1734), "Book of Pieces for Organ" (red. 1739), 2 samlinger af triosonater og sonater til violin med basso continuo, offertoria osv. D. skrev En guide til cembaloakkompagnement (1716).
Daken (Daquin, d "Aquin) Louis Claude (4 VII 1694, Paris - 15 VI 1772, ibid.) - fransk komponist, organist, cembalo, efterkommer af F. Rabelais. Han viste mus tidligt. talent (i en alder af 6 spillede han cembalo foran Louis XIV). Studerede under N. Vernier (komposition) og Louis Marchand (orgel og cembalo). Fra en alder af 12 var organist i Petit-Saint-Antoine kapellet. Fra 1715 tjente kirken. organist. Efter en konkurrence om orgelspil i kirken Saint-Paul i 1727 og besejrede J.F. Rameau modtog stillingen som organist for denne kirke. Fra 1739 var han organist i det kongelige kapel, fra 1755 - i katedralen Notre Dame i Paris. Dakens værker er hovedsageligt skrevet i rokokostil med træk af raffineret tapperhed, der er forbundet med denne stil, og en overflod af smykker. Det vigtigste i hans musik er melodiens udtryksevne; hans bedste værker er kendetegnet ved genrebeskrivelse og lyrisk psykologi. Daken - forfatteren af \u200b\u200bstykker til cembalo (i 1. samling - "Premier livre de pièces de clavecin", 1735, - inkluderer den berømte miniature "Gøg", bevaret i moderne pianistes repertoire), julesange til orgel og cembalo (1757), hvor han dyrker teknikkerne til figurativ variation, gennemsigtig homofonisk skrivning såvel som klangregistreringsmaling af temaer. Han skrev kantater (kun udgivet "Rose", 1762); manuskriptet indeholder en kantate med et symfoniorkester "Circe" til ord af J.J. Rousseau, motetter, divertissementer, fuguer og trioer, 2 masser, Te Deum og mange andre værker af forskellige genrer.
Jean-Philippe Rameau (fr. Jean-Philippe Rameau; 25/09/1683, Dijon - 09/12/1764, Paris)
Jean-Philimppe Ramom er en fransk komponist og teoretiker af barokmusik. Søn af en organist. Han studerede på Jesuiteskolen. I en alder af 18 blev han sendt af sin far til Italien for at forbedre sin musikalske uddannelse i Milano. Da han kom tilbage, optrådte han som violinist i Montpellier Orchestra. I 1702-1706 og 1716-1723 tjente han som organist ved Clermont-Ferrand Cathedral; i 1706-1716 arbejdede han i Paris og Lyon. Fra 1723 til slutningen af \u200b\u200bsine dage boede Rameau i Paris, tjente som organist i jesuitkollegiet og i kirken Saint-Croix-de-la-Bretonry (indtil 1740). Han skrev for parisiske teatre, komponerede hellig og verdslig musik og blev fra 1745 domstolskomponist.
Rameau er forfatter til tre samlinger af cembalo-brikker (1706, 1724, 1727) og fem koncerter til cembalo, violin og viola da gamba (1741). Blandt dem er de mest berømte "Tambourine", "Chicken", "Dauphina", "Hammers", "Call of the Birds". Rameaus cembalo-musik er kendetegnet ved et stort strejf i modstrid med genrenes kammertraditioner. Han er ikke tilbøjelig til subtil skrivning ud af detaljer. Hans musik er kendetegnet ved en levende karakteristik, man kan føle en født teaterkomponists håndskrift i den. Stykker til cembalo Rameau er et sted for eksperimenter inden for harmoni, rytme, tekstur. For eksempel er stykkerne "Savages" og "Cyclops" usædvanligt opfindsomme med hensyn til udvikling af toneskalaen, og stykket "Enharmonic" er et af de første eksempler på enharmonisk modulering kendt i musikhistorien.
Hvis Couperins arbejde var kulminationen på den franske cembalo-skole, blev Rameau dens kulminator. Hans arv i denne genre består kun af 62 skuespil, der på mange måder minder om deres forgængere: den samme poetiske skildring - "kvidrende fugle", "blide klager", "venetiansk" (musikalsk portræt), "samtaler om Muser "; de samme todelt former, små variationer, rondo, og de sædvanlige to-tredelte, og blonder af melismas. Men Rameaus cembalo-kreativitet adskiller sig i mange henseender fra Couperin-arven. François Couperin var en komponist, der primært tænkte i cembalo-billeder. I mellemtiden, siden 30'erne, blev musikteater Rameaus element: hans cembalo-spil spillede en afspejling af teatralitet (Cyclops, Savages, Egyptian, Tambourine, Solonskie simpletons). Koncerterne og minuetterne fra den anden suite, orkestreret af forfatteren, blev inkluderet i partiturerne Castor og Pollux og Margarita af Navarra. Tamburinen fra samme suite gentages i musikken fra balletten "Celebrations of Hebe". "Solonsky simpletons" vises i tredje akt af "Dardanus".
Rameaus cembalo-suite er noget kvalitativt anderledes end François Couperins ordre. Den tidligere ordre, som kunne have været uendelig strakt i tide, er lukket i en cirkel af små perifere miniaturer, der indrammer den centrale stykke medalje, den mest billedligt betydningsfulde, brede, rig på tekstur, komposition, udvikling og tematisme (undertiden skriver Rameau det i samme nøgle, også lysere skygge "medaljong"). Rameau søger også efter og finder de strukturelt forenende elementer i cyklussen, dens kerne, skaber symmetri.
Rameaus tematik - for første gang i historien om fransk musik - er præget af en imponerende indre kontrast. Hans billeder viser stor nærhed, lydhørhed over for fænomenerne i det virkelige folkeliv. Dens tematiske udvikling er mere mangesidig og rigere end for andre franske musikere i det tidlige og midten af \u200b\u200bdet 18. århundrede. Det var Rameau sammen med Couperin, der var en af \u200b\u200bgrundlæggerne af den franske sonate og endda rondosonaten (Cyclops fra suite d-moll). Det nye, karakteristiske for Rameau og kun ham, er de kontrasterende tematiske relationer i sonateform, som han først fandt, i det mindste i Frankrig. Endelig er Rameaus tekstur langt fra Couperins smykkestykke meget mindre cembalo og har tendens til klaverklang, dynamik og rækkevidde. Opfordrer til det kommende klaver og Rameaus fingering, hans næsten percussive keyboardteknik og håndpositionering forbundet med forbedringen af \u200b\u200bteknikken til at placere tommelfingeren og dens anvendelse på sorte taster. Til den anden notesbog af cembalo-stykker var der knyttet "The New Method of Finger Mechanics". Her fungerer Rameau som en ægte tilhænger af et mekanistisk syn på kunsten at spille cembalo. Hemmeligheden bag virtuositet ligger i fingermekanismen. Dens udvikling og forbedring gennem udøvelse af muskelsystemet er den eneste rigtige kunstneriske vej. Hvor langt fra Couperins principper, hans ideal om let og sammenhængende, flydende og cantable leg.
Rameau angiver genrenes karakter af koncerterne mere præcist og understreger derved deres forskel både fra Couperins "Concerts royaux" og fra koncerter fra den italienske skole (Corelli, Vivaldi, Tartini): "Pieces de clavecin en concert" ("Pieces for a concert" cembalo ") ... Dette navn angiver sammensætningen af \u200b\u200bdet ensemble, der udfører værket: en trio af cembalo, violin og fløjte (ad libitum viola eller anden violin eller viola). Cembaloens rolle er innovativ, som her ikke fremstår som en performer af basso continuo eller kontrapunkt polyfoniske stemmer, men som et soloinstrument med en bredt udviklet, mesterlig koncertdel, svarende til hvad der blev foretaget tyve år tidligere af I.S. Bach i 5. Brandenburg-koncert og i seks sonater for obligatorisk klaver og violin. Med hensyn til figurativt indhold består tematik og måde "Koncerter" hovedsagelig af airs danses, der er kendetegnet ved en særlig melodi, en blød udtrykslyd og for det meste en beskeden intimitet af lyd. Koncertbrio er ikke karakteristisk for disse stykker. "Koncert" skal sandsynligvis tilskrives aktiviteten af \u200b\u200balle instrumentale stemmer, der deltager i den harmonisk rige og delikate udvikling af tematisk materiale. Hvis vi fortolker hele serien af \u200b\u200bskuespil som en stor cyklus, har vi ikke at gøre med Couperins ordre, men Rameaus suite med en karakteristisk arkitektonik af en symmetrisk type. I det store og hele er Rameaus "Concerts" den mindste koncert, desuden den mest intime og intime blandt alle hans kreationer.
Rameaus arv består også af adskillige dusin bøger og en række artikler om musik- og akustikteori, den banebrydende afhandling om harmoni (1722), som fik ham et ry som en stor musikteoretiker; adskillige motetter og solo-kantater; 29 scenekompositioner - operaer, opera-balletter og pastoraler. I dag er hans klaverstykker mest berømte, men komponistens hovedfelt var opera. Rameau skabte en ny stil med opera, hvis mesterværk var hans lyriske tragedier Hippolytus og Arisia (1733), Castor og Pollux (1737). Operaballetten "The Gallant of India" er anerkendt som toppen af \u200b\u200bRamos musikalske og scenekreativitet. Rameaus type opera er fransk, ikke italiensk: musikalsk udvikling afbrydes ikke, overgangen fra færdige stemmetal til recitativ udjævnes. I Rameaus operaer indtager vokalvirtuositet ikke hovedstedet; der er mange orkestrale mellemrum i dem, der lægges stor vægt på den orkestrale del; kor og udvidede ballettscener er også vigtige. Melodisk Rameau følger teksten hele tiden; vokallinjen i hans operaer er i princippet tættere på recitativ end cantilena. Det vigtigste udtryksmiddel er ikke melodien, men den rige og udtryksfulde brug af harmoni - dette er originaliteten i Rameaus opera-stil.
Efter Rameaus død blev hans arv længe overskygget af Glucks berømmelse som en reformator af operaområdet. I løbet af det 19. århundrede blev Rameau glemt og næsten aldrig udført (skønt hans musik blev nøje undersøgt af Hector Berlioz og Richard Wagner). Først ved begyndelsen af \u200b\u200bXIX-XX århundreder. vigtigheden af \u200b\u200bRameau og hans musik begyndte at vokse. I dag er han anerkendt som den største franske komponist, den mest fremtrædende skikkelse i den musikalske æra mellem François Couperin og Hector Berlioz.
Fra midten af \u200b\u200bdet 17. århundrede gik forrang i udviklingen af \u200b\u200bklavermusik fra de engelske virginalister til de franske cembalo. I lang tid, næsten et århundrede, var denne skole den mest indflydelsesrige i Vesteuropa. Dens forfader betragtes Jacques Chambognière, kendt som en fremragende orgel- og cembalo-performer, en talentfuld lærer og komponist.
Cembalo-koncerter i Frankrig blev normalt afholdt i aristokratiske saloner og paladser efter let smalltalk eller dans. En sådan indstilling favoriserede ikke dyb og seriøs kunst. I musik blev yndefuld raffinement, sofistikering, lethed og humor værdsat. Samtidig foretrækkes spil i mindre skala - miniaturer. "Intet langt, kedeligt, for alvorligt." - dette var den uskrevne lov, der skulle styres af de franske domstolskomponister. Det er ikke overraskende, at franske cembaloister sjældent henvendte sig til store former, variationer - de graviterede til suitebestående af dans og programminiatyrer.
Suiterne til de franske cembaloister, i modsætning til de tyske suiter, der udelukkende består af dansetal, er bygget mere frit. De stoler ganske sjældent på den strenge rækkefølge af krav - courant - sarabanda - gigue. Deres komposition kan være enhver, undertiden uventet, og de fleste stykker har en poetisk titel, der afslører forfatterens intention.
Skolen for franske cembaloister er repræsenteret ved navnene på L. Marchand, J.F. Dandrie, F. Dazhencourt, L.-K. Daken, Louis Couperin. Mest af alt lykkedes disse komponister i elegant pastorale billeder ("Gøg" og "Sluge" af Daken; "Fugleskrig" af Dandrieu).
Den franske cembalo-skole nåede sit højdepunkt i to genier - Francois Couperin(1668-1733) og hans yngre samtid Jean Philippe Rameau (1685–1764).
Samtidige kaldte François Couperin "François den Store". Ingen af \u200b\u200bderes cembaloister kunne konkurrere med ham i popularitet. Han blev født i en familie af arvelige musikere og tilbragte næsten hele sit liv i Paris og Versailles som hofforganist og musiklærer for de kongelige børn. Komponisten arbejdede i mange genrer (med undtagelse af teatralsk). Den mest værdifulde del af hans kunstneriske arv består af 27 cembalo-suiter (ca. 250 stykker i fire samlinger). Det var Couperin, der etablerede den franske type suite, der adskiller sig fra de tyske modeller, og består hovedsageligt af programmatiske stykker. Blandt dem er skitser af naturen ("Sommerfugle", "Bier", "Reeds") og genrescener - billeder af landdistrikterne ("Reapers", "Grape Pickers", "Knitters"); men især mange musikalske portrætter. Disse er portrætter af verdslige damer og enkle unge piger - navnløse ("Elskede", "Den eneste") eller konkretiseret i titlerne på stykkerne ("Prinsesse Mary", "Manon", "Søster Monica"). Ofte tegner Couperin ikke et specifikt ansigt, men en menneskelig karakter ("hårdtarbejdende", "Rezvushka", "anemone", "utålmodig") eller forsøger endda at udtrykke forskellige nationale karakterer ("spansk kvinde", "fransk kvinde"). Mange af Couperins miniaturer er tæt på populære danse på det tidspunkt, for eksempel courante, menuet.
Den foretrukne form for Cooperin miniaturer var rondo.
Som nævnt opstod cembalemusikernes musik i det aristokratiske miljø og var beregnet til hende. Det var i harmoni med den aristokratiske kulturs ånd, derfor den ydre nåde i designet af det tematiske materiale, overflod af ornamentik, som er det mest karakteristiske element i den aristokratiske stil. Forskellige dekorationer er uadskillelige fra cembalo-kompositionerne op til den tidlige Beethoven.
Cembalo-musik Ramo karakteristisk, i modsætning til kammertraditionerne i genren, et stort slagtilfælde. Han er ikke tilbøjelig til subtil skrivning ud af detaljer. Hans musik er kendetegnet ved en levende egenskab, i den kan man straks mærke håndskriften fra en født teaterkomponist ("Chicken", "Savages", "Cyclops").
Udover vidunderlige cembalo-stykker skrev Rameau mange "lyriske tragedier" såvel som den banebrydende afhandling om harmoni (1722), som fik ham et ry som en stor musikteoretiker.
Udviklingen af \u200b\u200bitaliensk klavermusik er forbundet med navnet Domenico Scarlatti.
Sådanne værker betragtes som programmatiske, hvis de har et bestemt plot - "program", som ofte er begrænset til en titel, men kan indeholde en detaljeret forklaring.
Sandsynligvis er udseendet af dekorationer forbundet med cembaloens ufuldkommenhed, hvis lyd henfaldes øjeblikkeligt, og en trille eller gruppetto kunne delvist kompensere for denne mangel og forlænge lyden fra referencelyden.
I Vesteuropa. (især italiensk-spansk.) polygonal. wok. musik fra den sene middelalder og renæssancen (motetter, madrigaler osv.) som improvisation. element udføres. formindskelse teknik har fået stor udvikling. Hun lavede også en af \u200b\u200bde strukturerede kompositioner. grundlaget for sådanne gamle værktøjer. genrer som optakt, richercar, toccata, fantasi. Afd. formindskelsesformler opstod gradvist fra de forskellige manifestationer af fri O. først og fremmest, når de afsluttede melodisk. konstruktioner (i afsnit). Omkring midten. 15. århundrede i ham. org. tablaturer dukkede den første grafik op. badges til skrivning af dekorationer. K ser. 16. århundrede blev meget brugt - i nedbrydning. varianter og forbindelser - mordent, trill, gruppetto, to-rug er stadig blandt de vigtigste. instr. ornamenter. Tilsyneladende blev de dannet i praksis med instr. ydeevne.
Fra 2. sal. 16. århundrede gratis O. udviklet af hl. arr. i Italien, primært i en anden melodi. rigdom af solo wok. musik såvel som violinisten, der plejer virtuositet. musik. På det tidspunkt i violinisten. musik har endnu ikke fundet udbredt brug af vibrato, som giver udtryk for udvidede lyde, og melodiens rige udsmykning tjente som erstatning for den. Melismatisk. udsmykninger (ornements, agréments) modtog særlig udvikling inden for fransk kunst. lut og cembalo fra det 17. og 18. århundrede, for hvem afhængighed af dans var karakteristisk. genrer udsat for sofistikeret stilisering. På fransk. musik var der en tæt forbindelse mellem instrumenter. agrémenter med en sekulær wok. tekster (de såkaldte airs de cour), kanterne på selve dansen var gennemsyret. plast. Engelsk. virginalists (sent i det 16. århundrede), tilbøjelige til sangtemaer og dens variationer. udvikling i O.-området mere tiltrækket mod formindsket teknologi. Få melismatiske. ikonerne, der bruges af jomfruerne, kan ikke nøjagtigt dechiffreres. På østrigsk-tysk. klavierkunst, der begyndte at udvikle sig intensivt fra midten. 17. århundrede, op til J.S.Bach inklusiv, tyngdekraften mod italiensk kolliderede på forskellige måder. mindskende og fransk. melismatisk. stilarter. De franske. musikere fra det 17. til det 18. århundrede det blev en skik at ledsage samlinger af stykker med borde med dekorationer. Det mest voluminøse bord (med 29 varianter af melisma) blev forud for cembalo-samlingen af \u200b\u200bJ.A. d'Angleber (1689), selvom sådanne tabeller afslører ubetydelige uoverensstemmelser, er de blevet en slags almindeligt anvendte smykkekataloger. Friedemann Bach "(1720), meget lånt fra d" Angleber.
Afgang fra gratis O. i retning af regulerede smykker fra franskmændene. cembalo blev tildelt orc. musik af J. B. Lully. Ikke desto mindre franskmændene. reguleringen af \u200b\u200bsmykker er ikke absolut streng, da selv den mest detaljerede tabel kun viser deres nøjagtige afkodning til typiske applikationer. Små afvigelser er tilladte svarende til musernes specifikke karakteristika. stoffer. De afhænger af kunstnerens kunst og smag og i udgaver med udskrevne udskrifter - om stilistisk. viden, principper og smag hos redaktører. Sådanne afvigelser er uundgåelige i udførelsen af \u200b\u200bde lysende franske stykker. P. Couperins cembalo, der insisterende krævede den nøjagtige implementering af hans regler for afkodning af smykker. Franz. Det var også almindeligt for cembaloister at tage formindskende ornamentik under forfatterens kontrol, hvilket de især skrev ud i variaz. tager.
Til slutningen. 17. århundrede, da franskmændene. cembaloister er blevet trendsættere inden for deres felt, dekorationer som trille- og nåde, sammen med melodisk. funktion begyndte de at udføre en ny harmonisk. funktion, hvilket skaber og skærper dissonans ved et stærkt beat. JS Bach skrev ligesom D. Scarlatti normalt dissonante smykker hovedsageligt. musikalsk tekst (se f.eks. del II af den italienske koncert). Dette tillod I.A.Sheibe at tro, at ved at gøre det fratager Bach sin produktion. "harmoniernes skønheder", fordi komponister på det tidspunkt foretrak at skrive alle dekorationer ud med ikoner eller små noter for at få dem til at vises grafisk. optagelsen var tydeligt harmonisk. euphony DOS. akkorder.
F. Couperin har en raffineret franskmand. cembalo-stilen nåede sit højdepunkt. I de modne skuespil af J.F. Rameau afsløredes ønsket om at gå ud over grænserne for kammerovervejelse, styrke den effektive udviklingsdynamik og anvende i mus. skrivning af bredere dekorative streger, især i form af baggrundsharmonier. figuration. Derfor er tendensen mod en mere moderat brug af smykker i Rameau såvel som i den senere franske. cembaloister, for eksempel. hos J. Dufli. Dog den 3. torsdag. 18. århundrede O. nåede en ny storhedstid i værker forbundet med sentimentale tendenser. En fremtrædende repræsentant for denne kunst. F.E. Bach, forfatter af afhandlingen "Oplev den korrekte måde at spille klavi på", holdt en tale i musik, hvor han var meget opmærksom på spørgsmålene til O.
Den efterfølgende høje blomstring af wiensk klassicisme i tråd med ny æstetik. idealer, førte til en strengere og mere moderat anvendelse af O. Ikke desto mindre fortsatte hun med at spille en fremtrædende rolle i J. Haydns, W. A. \u200b\u200bMozarts og den unge L. Beethovens arbejde. Gratis O. blev bevaret i Europa. musik preim. inden for variation, virtuos konc. cadenza og wok. koloratura. Sidstnævnte afspejles i det romantiske. php. musik 1. sal. 19. århundrede (i især originale former af F. Chopin). Samtidig gav den dissonante lyd af melismas plads til en konsonantlyd; især trillen begyndte at begynde præim. ikke med hjælp, men med hoved. lyd, ofte med dannelsen af \u200b\u200bet off-beat. Så harmonisk. og rytme. blødgøring af O. var i modsætning til den øgede dissonans af selve akkorderne. Den hidtil usete udvikling af harmonier er blevet karakteristisk for romantiske komponister. figurativ baggrund i FP. musik med en bred koloristisk. ved hjælp af pedalen, såvel som farvetone farverige figurer. teksturer i orc. scorer. I 2. sal. 19. århundrede værdien af \u200b\u200bO. faldt. I det 20. århundrede. rollen som fri O. steg igen i forbindelse med styrkelsen af \u200b\u200bimprovisationen. begyndte på nogle musesfærer. kreativitet, for eksempel. inden for jazzmusik. Der er en enorm teoretisk og metodologisk. litteratur om problemerne med O. Den genereres af utrættelige forsøg på at afklare fænomenerne O., "modsat" dette i deres improvisation. natur. Meget af det, som forfatterne af værkerne præsenterer som strenge overordnede regler for afkodning, viser sig faktisk kun at være private anbefalinger.
