De mest mystiske malerier af store kunstnere. Top mærkeligste og mest mystiske maleri Writer blandt folket

I næsten ethvert betydningsfuldt kunstværk er der et mysterium, en "dobbelt bund" eller en hemmelig historie, som du vil afsløre.

Musik på skinkerne

Hieronymus Bosch, The Garden of Earthly Delights, 1500-1510.

Fragment af en del af et triptykon

Debatten om betydningen og skjulte betydninger af den hollandske kunstners mest berømte værk er ikke aftaget siden starten. På den højre fløj i triptiket med titlen "Musical Hell" er der afbildet syndere, der tortureres i underverdenen ved hjælp af musikinstrumenter. En af dem har noter præget på bagdelene. Oklahoma Christian University-studerende Amelia Hamrick, der studerede maleri, satte 16. århundredes notation i et moderne twist og indspillede "en 500 år gammel sang fra helvede ud af helvede."

Mona Lisa nøgen

Den berømte "La Gioconda" findes i to versioner: den nøgne version hedder "Monna Vanna", den blev malet af den lille kendte kunstner Salai, som var studerende og model for den store Leonardo da Vinci. Mange kunstkritikere er sikre på, at han var model for Leonardos malerier "Johannes Døberen" og "Bacchus". Der er også versioner, der klædte sig i en kvindekjole, Salai tjente som billedet af Mona Lisa selv.

Gammel fisker

I 1902 malede den ungarske kunstner Tivadar Kostka Chontvari maleriet "Den gamle fisker". Det ser ud til, at der ikke er noget usædvanligt i billedet, men Tivadar lagde i det en undertekst, der aldrig blev afsløret i løbet af kunstnerens liv.

Få mennesker har ideen om at sætte et spejl i midten af \u200b\u200bbilledet. Hver person kan have både Gud (duplikeret den gamle mands højre skulder) og Djævelen (duplikeret den gamle mands venstre skulder).

Var der en hval?

Hendrik van Antonissen "Scene på bredden".

Det ser ud som et almindeligt landskab. Både, mennesker på kysten og det øde hav. Og kun en røntgenundersøgelse viste, at folk samlede sig på kysten af \u200b\u200ben grund - i originalen undersøgte de kroppe af en hval, der blev skyllet i land.

Imidlertid besluttede kunstneren, at ingen ville ønske at se på den døde hval og omskrive billedet.

To "Morgenmad på græsset"

Edouard Manet, Morgenmad på græsset, 1863.

Claude Monet, Morgenmad på græsset, 1865.

Kunstnerne Edouard Manet og Claude Monet er undertiden forvirrede - trods alt var de begge franske, levede på samme tid og arbejdede i stil med impressionisme. Selv navnet på et af de mest berømte malerier af Manet "Morgenmad på græsset" Monet lånte og skrev sin "Morgenmad på græsset".

Doubler på "The Last Supper"

Leonardo da Vinci, Den sidste nadver, 1495-1498.

Da Leonardo da Vinci skrev Den sidste nadver, understregede han to figurer: Kristus og Judas. Han ledte efter modeller til dem i meget lang tid. Endelig lykkedes det ham at finde en model til billedet af Kristus blandt unge sangere. Det var ikke muligt at finde en model til Judas Leonardo i tre år. Men en dag stødte han på en drunkard på gaden, der lå i en tagrender. Det var en ung mand, der var blevet gammel af uhæmmet beruselse. Leonardo inviterede ham til en værtshus, hvor han straks begyndte at skrive Judas fra ham. Da fuldmanden genvandt bevidstheden, fortalte han kunstneren, at han allerede havde stillet sig for ham en gang. Det var for flere år siden, da han sang i kirkekoret, skrev Leonardo Kristus fra ham.

"Night Watch" eller "Day Watch"?

Rembrandt, The Night Watch, 1642.

Et af de mest berømte malerier af Rembrandt "Performance of the rifle company of Captain Frans Banning Kok and Lieutenant Willem van Ruutenbürg" hang i forskellige rum i omkring to hundrede år og blev først opdaget af kunstkritikere i det 19. århundrede. Da figurerne syntes at være på en mørk baggrund, blev den kaldt "Night Watch", og under dette navn kom den ind i statskassen for verdens kunst.

Og først under restaureringen, der blev udført i 1947, blev det opdaget, at maleriet i hallen havde formået at blive dækket med et sotlag, der forvrængede farven. Efter at have ryddet det originale maleri blev det endelig afsløret, at den scene, der blev præsenteret af Rembrandt, faktisk finder sted i løbet af dagen. Skyggens position fra kaptajn Koks venstre hånd indikerer, at handlingen ikke varer mere end 14 timer.

Omvendt båd

Henri Matisse, Båden, 1937.

New York Museum of Modern Art i 1961 udstillede et maleri af Henri Matisse "The Boat". Først efter 47 dage bemærkede nogen, at maleriet hang hængende på hovedet. Lærredet viser 10 lilla linjer og to blå sejl på en hvid baggrund. Kunstneren malede to sejl af en grund, det andet sejl er en afspejling af det første på vandoverfladen.
For ikke at forveksle med, hvordan billedet skal hænge, \u200b\u200bskal du være opmærksom på detaljerne. Det større sejl skal være øverst på maleriet, og maleriets top skal være i øverste højre hjørne.

Bedrageri i selvportræt

Vincent van Gogh, Selvportræt med en rør, 1889.

Der er legender, som van Gogh angiveligt skar sit eget øre af. Nu er den mest pålidelige version, at van Goghs øre blev beskadiget i en lille slagsmål med deltagelse af en anden kunstner - Paul Gauguin.

Selvportrættet er interessant, fordi det afspejler virkeligheden i en forvrænget form: kunstneren er afbildet med et banderet højre øre, fordi han brugte et spejl under sit arbejde. Faktisk blev venstre øre påvirket.

Fremmede bjørne

Ivan Shishkin, "Morgen i fyrreskoven", 1889.

Det berømte maleri hører ikke kun til Shishkins børste. Mange kunstnere, der var venner med hinanden, brugte ofte "hjælp fra en ven", og Ivan Ivanovich, der malede landskaber hele sit liv, frygtede, at rørende bjørne ikke ville blive, som han havde brug for. Derfor henvendte Shishkin sig til den velkendte dyremaler Konstantin Savitsky.

Savitsky malede nogle af de bedste bjørne i det russiske maleris historie, og Tretjakov beordrede at vaske sit navn af lærredet, da alt på billedet "fra koncept til udførelse, alt taler om maleriets måde, om den kreative metode, der er ejendommelig for Shishkin. "

Den uskyldige historie om "gotisk"

Grant Wood, amerikansk gotisk, 1930.

Grant Woods arbejde betragtes som et af de mærkeligste og mest deprimerende i historien om amerikansk maleri. Maleriet med den dystre far og datter er fyldt med detaljer, der indikerer sværhedsgraden, puritanismen og retrogradeness hos de afbildede mennesker.
Faktisk havde kunstneren ikke til hensigt at skildre rædsler: under en rejse til Iowa bemærkede han et lille hus i gotisk stil og besluttede at skildre de mennesker, der efter hans mening ideelt set ville passe som indbyggere. Grants søster og hans tandlæge er udødeliggjort i form af tegn, som folket i Iowa stødte på.

Hævn af Salvador Dali

Maleriet "Figur ved vinduet" blev malet i 1925, da Dali var 21 år gammel. Derefter var Gala endnu ikke kommet ind i kunstnerens liv, og hans søster Ana Maria var hans muse. Forholdet mellem bror og søster blev surere, da han skrev på et af malerierne "nogle gange spytter jeg på et portræt af min egen mor, og det giver mig glæde." Ana Maria kunne ikke tilgive så chokerende.

I sin 1949-bog, Salvador Dali gennem en søsters øjne, skriver hun om sin bror uden ros. Bogen gjorde El Salvador rasende. I yderligere ti år derefter huskede han hende hende ved enhver lejlighed. Og så, i 1954, vises maleriet "En ung jomfru, der hengiver sig til Sodoms synd ved hjælp af hornene fra hendes egen kyskhed". Kvindens stilling, hendes krøller, landskabet uden for vinduet og billedets farveskema ekko tydeligt "figuren ved vinduet". Der er en version, som Dali hævnede sin søster for sin bog på denne måde.

To-ansigt Danae

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Danae, 1636-1647.

Mange hemmeligheder fra et af de mest berømte malerier af Rembrandt blev kun afsløret i 60'erne af det tyvende århundrede, da lærredet blev belyst med røntgenstråler. For eksempel viste skydningen, at prinsessens ansigt, der havde et kærlighedsforhold med Zeus, i den tidlige version lignede ansigtet til Saskia, malerkone, der døde i 1642. I den endelige version af billedet begyndte det at ligne ansigtet på Gertier Dierks, Rembrandts elskerinde, som kunstneren boede hos efter sin kone.

Van Goghs gule soveværelse

Vincent Van Gogh, Soveværelset i Arles, 1888 - 1889.

I maj 1888 erhvervede Van Gogh et lille værksted i Arles i det sydlige Frankrig, hvor han flygtede fra parisiske kunstnere og kritikere, der ikke forstod ham. I et af de fire værelser opretter Vincent et soveværelse. I oktober er alt klar, og han beslutter at male "Van Goghs soveværelse i Arles". For kunstneren var rummets farve og hygge meget vigtigt: alt skulle antyde ideen om hvile. Samtidig opretholdes billedet i alarmerende gule toner.

Forskere i Van Goghs arbejde forklarer dette med det faktum, at kunstneren tog fingerbøl, et middel mod epilepsi, der forårsager alvorlige ændringer i patientens opfattelse af farve: hele den omgivende virkelighed er malet i grøn-gule toner.

Tandløs perfektion

Leonardo da Vinci, Portræt af Madame Lisa del Giocondo, 1503-1519.

Den almindeligt accepterede opfattelse er, at Mona Lisa er perfektion, og hendes smil er smukt i sit mysterium. Imidlertid mener den amerikanske kunstkritiker (og deltids tandlæge) Joseph Borkowski, at heroinen har mistet mange tænder at dømme efter udtrykket i hendes ansigt. Efter at have undersøgt forstørrede fotografier af mesterværket fandt Borkowski også ar omkring hendes mund. "Hun smiler så meget netop på grund af hvad der skete med hende," sagde eksperten. "Hendes udtryk er typisk for mennesker, der har mistet deres fortænder."

Major på ansigtskontrol

Pavel Fedotov, "Major's Matchmaking", 1848.

Publikum, der først så maleriet "Major's Matchmaking", lo hjerteligt: \u200b\u200bkunstneren Fedotov fyldte det med ironiske detaljer, der var forståelige for datidens publikum. For eksempel er majoren tydeligvis ikke bekendt med reglerne for ædel etikette: han dukkede op uden de krævede buketter til bruden og hendes mor. Og hendes købmandsforældre udskrev bruden selv til en aftenkjole, skønt det var dag udenfor (alle lamperne i rummet var slukket). Pigen prøvede tydeligvis en lavt udskåret kjole for første gang, hun er flov og prøver at løbe væk til sit værelse.

Hvorfor frihed er nøgen

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Liberty on the Barricades, 1830.

Ifølge kunstkritiker Etienne Julie malede Delacroix ansigtet på en kvinde fra den berømte parisiske revolutionær - vaskekvinde Anna-Charlotte, der kom til barrikaderne efter sin brors død i hænderne på kongelige soldater og dræbte ni vagter. Kunstneren skildrede hende med bare bryster. Ifølge ham er dette et symbol på frygtløshed og uselviskhed såvel som demokratiets triumf: det nøgne bryst viser, at frihed, som en almindelig borger, ikke bærer korset.

Ikke-kvadratisk firkant

Kazimir Malevich, "Black Suprematist Square", 1915.

Faktisk er "den sorte firkant" slet ikke sort og slet ikke firkantet: ingen af \u200b\u200bsiderne af firkanten er parallelle med nogen af \u200b\u200bdens andre sider og ikke en af \u200b\u200bsiderne af den firkantede ramme, der rammer billedet. Og den mørke farve er resultatet af blanding af forskellige farver, blandt hvilke der ikke var sort. Det menes, at dette ikke var forfatterens forsømmelighed, men en principiel position, ønsket om at skabe en dynamisk, mobil form.

Specialister fra Tretyakov Gallery opdagede forfatterens indskrift på det berømte maleri af Malevich. Billedteksten lyder "Slaget ved negrene i den mørke hule." Denne sætning henviser til titlen på det legende billede af den franske journalist, forfatter og kunstner Alphonse Allais "Slaget ved negrene i en mørk hule i dybet om natten", som var et helt sort rektangel.

Melodrama fra den østrigske Mona Lisa

Gustav Klimt, "Portræt af Adele Bloch-Bauer", 1907.

Et af Klimts mest betydningsfulde malerier viser hustruen til den østrigske sukkermagnat Ferdinad Bloch-Bauer. Hele Wien diskuterede den tumultende romantik mellem Adele og den berømte kunstner. Den sårede mand ønskede at hævne sig på sine elskere, men valgte en meget usædvanlig måde: han besluttede at bestille Klimt et portræt af Adele og tvinge ham til at lave hundreder af skitser, indtil kunstneren begynder at vende sig væk fra hende.

Bloch-Bauer ville have arbejdet i flere år, og modellen kunne se, hvordan Klimts følelser forsvinder. Han fremsatte et generøst tilbud til kunstneren, som han ikke kunne nægte, og alt viste sig i henhold til scenariet for en bedraget mand: arbejdet blev afsluttet på 4 år, de elskende havde længe afkølet til hinanden. Adele Bloch-Bauer fandt aldrig ud af, at hendes mand var opmærksom på hendes forhold til Klimt.

Maleriet, der bragte Gauguin tilbage til livet

Paul Gauguin, hvor kommer vi fra? Hvem er vi? Hvor skal vi hen?, 1897-1898.

Det mest berømte maleri af Gauguin har en ejendommelighed: det "læses" ikke fra venstre mod højre, men fra højre mod venstre, ligesom kabbalistiske tekster, som kunstneren var interesseret i. Det er i denne rækkefølge, at allegorien om en persons spirituelle og fysiske liv udfolder sig: fra sjælens fødsel (et sovende barn i nederste højre hjørne) til uundgåeligheden af \u200b\u200bdødens time (en fugl med en firben i klørne) i nederste venstre hjørne).

Maleriet blev malet af Gauguin på Tahiti, hvor kunstneren flere gange flygtede fra civilisationen. Men denne gang fungerede livet på øen ikke: total fattigdom førte ham til depression. Efter at have afsluttet lærredet, som skulle blive hans åndelige testamente, tog Gauguin en kasse med arsenik og gik til bjergene for at dø. Imidlertid fejlberegnede han dosis, og selvmordet mislykkedes. Den næste morgen gyngede han til sin hytte og faldt i søvn, og da han vågnede, følte han en glemt tørst efter livet. Og i 1898 gik hans anliggender op ad bakke, og en lysere periode begyndte i hans arbejde.

112 ordsprog i et billede

Pieter Bruegel den Ældre, hollandske ordsprog, 1559

Pieter Bruegel Sr. afbildede et land beboet af bogstavelige billeder af hollandske ordsprog fra den tid. Der er ca. 112 genkendelige udtryk i maleriet. Nogle af dem er brugt den dag i dag, såsom: "svøm mod strømmen", "bank dit hoved mod væggen", "bevæbnet til tænderne" og "en stor fisk spiser en lille".

Andre ordsprog afspejler menneskelig dumhed.

Subjektivitet af kunst

Paul Gauguin, Breton Village in the Snow, 1894

Gauguins maleri "Breton Village in the Snow" blev solgt efter forfatterens død for kun syv franc og desuden under navnet "Niagara Falls". Personen, der gennemførte auktionen, hængte ved et uheld maleriet på hovedet og så et vandfald i det.

Skjult billede

Pablo Picasso, Det blå rum, 1901

I 2008 viste infrarødt lys et andet billede skjult under det blå rum - et portræt af en mand klædt i en jakkesæt med en slips og hvilende hovedet på armen. ”Så snart Picasso havde en ny idé, tog han en pensel op og legemliggjorde den. Men han havde ikke mulighed for at købe et nyt lærred hver gang hans muse besøgte ham, ”forklarer kunstkritiker Patricia Favero den mulige årsag til dette.

Utilgængelige marokkanere

Zinaida Serebryakova, "Nøgen", 1928

Når Zinaida Serebryakova modtog et fristende tilbud - at tage på en kreativ rejse for at skildre orientalske jomfruers nøgne figurer. Men det viste sig, at det simpelthen var umuligt at finde modeller de steder. Zinaidas oversætter kom til undsætning - han bragte sine søstre og bruden til hende. Ingen før og efter det formåede at fange de lukkede orientalske kvinder nøgne.

Spontan indsigt

Valentin Serov, "Portræt af Nicholas II i en jakke", 1900

I lang tid kunne Serov ikke male et portræt af tsaren. Da kunstneren helt opgav, undskyldte han Nikolai. Nikolai blev lidt ked af det, satte sig ved bordet og strakte armene ud foran ham ... Og så gik kunstneren op - her er han et billede! En simpel militærmand i en officerjakke med klare og triste øjne. Dette portræt betragtes som den fineste skildring af den sidste kejser.

Deuce igen

© Fedor Reshetnikov

Det berømte maleri "Deuce Again" er kun anden del af den kunstneriske trilogi.

Den første del er "Ankommet til ferie". En tydelig velhavende familie, vinterferie, en glad fremragende studerende.

Den anden del er "Deuce igen". En fattig familie fra en arbejderkvarts forstæder, skoleårets højde, en bedrøvet, bedøvet, greb igen en duuk. I øverste venstre hjørne kan du se billedet "Ankom til ferie".

Den tredje del er "Re-examination". Et landsted, sommer, alle går, en ondsindet ignoramus, der har undladt den årlige eksamen, er tvunget til at sidde inden for fire mure og proppe. I øverste venstre hjørne kan du se maleriet "To igen".

Hvordan mesterværker bliver født

Joseph Turner, regn, damp og hastighed, 1844

I 1842 rejste fru Simon med tog i England. Pludselig begyndte en kraftig regnvejr. Den ældre herre, der sad overfor hende, rejste sig, åbnede vinduet, stak hovedet ud og stirrede sådan i ti minutter. Da kvinden ikke kunne rumme sin nysgerrighed, åbnede hun også vinduet og begyndte at se fremad. Et år senere opdagede hun maleriet "Rain, Steam and Speed" på en udstilling på Royal Academy of Arts og var i stand til at genkende den samme episode i toget.

Anatomi lektion fra Michelangelo

Michelangelo, Skabelsen af \u200b\u200bAdam, 1511

Et par amerikanske neuroanatomieksperter mener, at Michelangelo faktisk efterlod nogle anatomiske illustrationer i et af hans mest berømte værker. De mener, at der er en enorm hjerne på højre side af billedet. Overraskende nok kan der også findes komplekse komponenter såsom lillehjernen, optiske nerver og hypofysen. Og det iøjnefaldende grønne bånd matcher perfekt placeringen af \u200b\u200bhvirvelarterien.

Den sidste nadver af Van Gogh

Vincent Van Gogh, Cafe Terrace at Night, 1888

Forsker Jared Baxter mener, at dedikationen til Leonardo da Vincis "Den sidste nadver" er krypteret på Van Goghs maleri Terrace Café om natten. I midten af \u200b\u200bbilledet er en tjener med langt hår og en hvid tunika, der minder om Kristi tøj, og omkring ham er der nøjagtigt 12 cafébesøgende. Også Baxter henleder opmærksomheden på korset, der ligger lige bag tjeneren i hvidt.

Dalis billede af hukommelse

Salvador Dali, Persistence of Memory, 1931

Det er ingen hemmelighed, at de tanker, der besøgte Dali under oprettelsen af \u200b\u200bhans mesterværker, altid var i form af meget realistiske billeder, som kunstneren derefter overførte til lærredet. Så ifølge forfatteren selv blev maleriet "Hukommelsens vedholdenhed" malet som et resultat af foreninger, der opstod ved synet af forarbejdet ost.

Hvad Munch skriger om

Edvard Munch, Skriget, 1893.

Munch talte om sin idé om et af de mest mystiske malerier i verdensmaleriet: "Jeg gik ad stien sammen med to venner - solen gik ned - pludselig blev himlen blodrød, jeg holdt pause, følte mig udmattet og lænede mig på hegnet - jeg kiggede på blod og flammer over den blåsorte fjord og byen - mine venner fortsatte, og jeg stod og skælvede af ophidselse og følte en endeløs gråd gennemtrængende natur. Men hvilken slags solnedgang kunne skræmme kunstneren så?

Der er en version, hvor ideen om "Skrig" blev født i Munch i 1883, da flere kraftige udbrud af vulkanen Krakatoa fandt sted - så kraftige, at de ændrede temperaturen i Jordens atmosfære med en grad. En rigelig mængde støv og aske spredte sig over hele kloden og endda nåede Norge. I flere aftener i træk så solnedgangen ud som om apokalypsen var ved at komme - en af \u200b\u200bdem blev en inspirationskilde for kunstneren.

Forfatter blandt folket

Alexander Ivanov, "Kristi udseende for folket", 1837-1857.

Snesevis af siddere stillede op for Alexander Ivanov for hans hovedbillede. En af dem er kendt ikke mindre end kunstneren selv. I baggrunden kan du se blandt de rejsende og romerske ryttere, der endnu ikke har hørt Johannes Døberens prædiken, en karakter i en korchin-tunika. Ivanov skrev det fra Nikolai Gogol. Forfatteren kommunikerede tæt med kunstneren i Italien, især om religiøse spørgsmål, og gav ham råd i maleriet. Gogol mente, at Ivanov "for længe siden er død for hele verden bortset fra hans arbejde."

Michelangelos gigt

Raphael Santi, Athen Skole, 1511.

Raphael skabte den berømte fresko "The School of Athens" og udødeliggjorde sine venner og bekendte i billederne fra antikke græske filosoffer. En af dem var Michelangelo Buonarotti "i rollen som" Heraclitus. I flere århundreder bevarede freskoen hemmelighederne i Michelangelos personlige liv, og moderne forskere har antydet, at kunstnerens underligt vinklede knæ indikerer tilstedeværelsen af \u200b\u200bledsygdom.

Dette er sandsynligvis i betragtning af livsstils- og arbejdsvilkårene for renæssancekunstnere og Michelangelos kroniske arbejdsnarkoman.

Arnolfinis spejl

Jan van Eyck, "Portræt af Arnolfini-paret", 1434

I spejlet bag Arnolfini-parret kan du se afspejlingen af \u200b\u200byderligere to personer i rummet. Mest sandsynligt er disse vidner til stede ved indgåelsen af \u200b\u200bkontrakten. En af dem er van Eyck, som det fremgår af den latinske indskrift, der i modsætning til traditionen er placeret over spejlet i midten af \u200b\u200bkompositionen: "Jan van Eyck var her." Sådan blev kontrakter normalt forseglet.

Hvor mangel forvandlet til talent

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Selvportræt i en alder af 63, 1669.

Forsker Margaret Livingston studerede alle Rembrandts selvportrætter og fandt ud af, at kunstneren led af skævhed: i billederne ser hans øjne i forskellige retninger, hvilket ikke observeres i portræt af andre mennesker af mesteren. Sygdommen førte til, at kunstneren bedre kunne opfatte virkeligheden i to dimensioner end mennesker med normal syn. Dette fænomen kaldes "stereoblindhed" - manglende evne til at se verden i 3D. Men da maleren skal arbejde med et todimensionalt billede, kan denne meget mangel på Rembrandt være en af \u200b\u200bforklaringerne på hans fænomenale talent.

Syndløs Venus

Sandro Botticelli, Venus 'fødsel, 1482-1486.

Før udseendet af "Venus fødsel" symboliserede billedet af en nøgen kvindelig krop i maleriet kun ideen om arvesynd. Sandro Botticelli var den første europæiske maler, der ikke fandt noget syndigt i ham. Desuden er kunstkritikere sikre på, at den hedenske gudinde for kærlighed symboliserer det kristne billede på fresken: hendes udseende er en allegori om genfødelsen af \u200b\u200bsjælen, der har gennemgået dåbens ritual.

Lutespiller eller lutespiller?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, The Lute Player, 1596.

I lang tid blev maleriet udstillet i Eremitagen under titlen "The Lute Player". Først i begyndelsen af \u200b\u200bdet tyvende århundrede var kunstkritikere enige om, at lærredet stadig skildrer en ung mand (sandsynligvis hans velkendte kunstner Mario Minniti stillede sig til Caravaggio): på toner foran musikeren kan du se optagelsen af \u200b\u200bbasen del af madrigal Jacob Arcadelt "Du ved, at jeg elsker dig" ... En kvinde kunne næppe træffe et sådant valg - det er bare svært for hendes hals. Derudover blev luten, ligesom violin i selve billedkanten, betragtet som et mandligt instrument i Caravaggios tid.

Når det kommer til maleri, har fantasien tendens til at male pastoraler og majestætiske portrætter. Men faktisk er kunst kunst mangesidet. Det skete, at selv under børsterne fra store kunstnere kom meget tvetydige malerier ud, som næsten ingen ville ønske at hænge derhjemme. I vores gennemgang af 10 af de mest skræmmende malerier af berømte kunstnere.

1. Den store røde drage og monsteret fra havet. William Blake

William Blake er kendt i dag for sine tryk og romantiske poesi, men i løbet af sin levetid blev han praktisk talt ikke værdsat. Blakes udskrifter og illustrationer er klassikere i den romantiske stil, men i dag ser vi på Blakes serie af akvarelmalerier, der skildrer den store røde drage fra Åbenbaringens bog. Dette maleri skildrer en stor rød drage, udførelsen af \u200b\u200bdjævelen, der står på et syvhovedet dyr i havet.

2. Undersøgelse af portrættet af Innocent X af Velazquez. Francis Bacon

Francis Bacon var en af \u200b\u200bde mest indflydelsesrige kunstnere i det 20. århundrede. Hans malerier, der slår i deres mod og dysterhed, sælges for millioner af dollars. I løbet af sin levetid malede Bacon ofte sine egne fortolkninger af portrættet af pave Innocent X. I det originale arbejde af Velazquez stirrer pave Innocent X eftertænksomt fra lærredet, mens Bacon skildrede ham skrigende.

3. Dante og Virgil i helvede. Adolphe William Bouguereau

Dantes Inferno har med sin skildring af frygtelig tortur inspireret kunstnere siden udgivelsen af \u200b\u200bdette værk. Bouguereau er bedst kendt for sine realistiske portrætter af klassiske scener, men i dette maleri skildrede han en helvedes cirkel, hvor bedragere konstant kæmper og stjæler hinandens identiteter gennem en bid.

4. Marats død. Edvard Munch

Edvard Munch er Norges mest berømte maler. Hans berømte maleri "Skriget", som personificerer længsel, er fast forankret i hovedet på enhver person, der ikke er ligeglad med kunsten. Marat var en af \u200b\u200bde førende politiske ledere af den franske revolution. Da Marat led af en hudsygdom, tilbragte han det meste af dagen på badeværelset, hvor han arbejdede med sine værker. Det var der, Marat blev dræbt af Charlotte Corday. Marats død blev portrætteret af mere end en kunstner, men Munchs maleri er særligt realistisk og grusomt.

5. Afskårne hoveder. Theodore Gericault

Gericaults mest berømte arbejde er The Raft of Medusa, et kæmpe maleri i romantisk stil. Inden han skabte større værker, malede Gericault "opvarmnings" -malerier som "Severed Heads", som han brugte ægte lemmer til og afskårne hoveder til. Kunstneren tog sådant materiale i morguer.

6. Fristelsen fra St. Anthony. Matthias Grunewald

Grunewald malede ofte religiøse billeder i middelalderlig stil, skønt han levede under renæssancen. Den hellige Anthony gennemgik flere test af sin tro, mens han boede i ørkenen. Ifølge en af \u200b\u200blegenderne blev Saint Anthony dræbt af dæmonerne i hulen, men senere blev han genfødt og ødelagde dem. Dette maleri skildrer den hellige Anthony, der er angrebet af dæmoner.

7. Stilleben fra masker. Emil Nolde

Emil Nolde var en af \u200b\u200bde tidligste ekspressionistiske malere, skønt hans berømmelse snart blev overskygget af en række andre ekspressionister som Munch. Essensen af \u200b\u200bdenne bevægelse er en forvrængning af virkeligheden for at vise et subjektivt synspunkt. Dette maleri blev taget af kunstneren efter at have undersøgt maskerne på Berlin Museum.

8. Saturn fortærede sin søn. Francisco Goya

I romerske myter, som stort set er baseret på græsk mytologi, fortærede gudens far sine egne børn, så de aldrig ville trone ham. Det var denne handling med at dræbe børn, som Goya portrætterede. Maleriet var ikke beregnet til offentligheden, men blev malet på væggen i kunstnerens hus sammen med flere andre dystre malerier, samlet kendt som "sort maleri".

9. Judith og Holofernes. Caravaggio

I Det Gamle Testamente er der en historie om den modige enke Judith. Judæa blev angrebet af en hær ledet af kommandanten Holofernes. Judith forlod bymuren og gik til hærens lejr, der belejrede byen. Der forførte hun ved hjælp af sin skønhed Holofernes. Da kommandanten sov fuld om natten, skar Judith hovedet af. Denne scene er ganske populær blandt kunstnere, men Caravaggios version er især uhyggelig.

10. Have af jordiske lækkerier. Hieronymus Bosch

Normalt er Hieronymus Bosch forbundet med fantastiske og religiøse malerier. Garden of Earthly Delights er en triptykon. De tre paneler i maleriet skildrer henholdsvis Edens have og skabelsen af \u200b\u200bmenneskeheden, haven med jordiske glæder og straffen for synder, der forekommer i den jordiske have. Boschs værker er nogle af de mest grufulde, men alligevel smukkeste værker i historien om vestlig kunst.

I portrættet af Vladimir Borovikovsky - Maria Lopukhina, der døde tidligt af forbrug

Skræmmende historier blev fortalt om portrættet af Maria Lopukhina af Vladimir Borovikovsky selv i Pushkins tid. Han blev skrevet med datteren til adelsmanden Ivan Tolstoy, en mystiker og mester i frimurerlogen, der døde tidligt af forbrug af forbrug. Det ryktes at hvis en ung pige så på billedet, ville hun snart give sin sjæl til Gud. Det blev hvisket i saloner, at mindst et dusin ædle piger i ægteskabelig alder var blevet ofre for djævelens portræt. Ligesom den afdøde Lopukhinas sjæl bor der, og hun tager sjæle.
Efter at lærredet var udstillet i galleriet, så alle kunne se, snakket noget om forbandelsen noget. Selvom portræt ifølge traditionen stadig betragtes som "uheldig". I 1880 blev lærredet erhvervet af den velkendte filantrop Tretyakov. Pavel Tretyakov hængte i sit galleri to smukke værker af kunstneren Borovikovsky Vladimir Lukich (1757-1826) - portræt af en verdslig skønhed Lopukhina og prins Kurakin ved siden af \u200b\u200bhinanden. Portrætterne blev malet med den ene hånd, så samleren placerede dem tæt, men det var ikke tilfældet, om morgenen blev portrættet af den uheldige Kurakin fundet på gulvet med en knust ramme. Den stædige skønhed kunne ikke lide prinsens kvarter. Tretjakov begyndte uden tøven at studere historien om de menneskers liv, hvis billeder han erhvervede til sin samling og opdagede det interessante faktum, at den unge skønhed Lopukhina ikke selv i løbet af dette liv ikke kunne står den aldrende prins, der slæbte efter kvinder ...

Billedkunst er altid blevet betragtet som tæt forbundet med den mystiske sfære. Når alt kommer til alt er ethvert billede et energisk aftryk af originalen, især når det kommer til portrætter. Det menes, at de er i stand til ikke kun at påvirke dem, som de blev skrevet fra, men også andre mennesker. Du behøver ikke gå langt for eksempler: lad os vende os til russisk maleri fra det 19. - tidlige 20. århundrede.

Ilya Repin - en storm for siddere?

Portræt af forfatteren A.F. Pisemsky

Næppe nogen vil hævde, at Ilya Efimovich Repin er en af \u200b\u200bde største russiske malere. Men der er en underlig og tragisk omstændighed: mange, der havde den ære at være hans siddere, døde snart. Blandt dem er Mussorgsky, Pisemsky, Pirogov, den italienske skuespiller Mercy d'Arzhanto. Så snart kunstneren tog portrættet af Fjodor Tyutchev, døde han også. Selvfølgelig var der i alle tilfælde objektive årsager til døden, men her er tilfældigheder ... Selv de heftige mænd, der stillede op for Repins maleri "Barge Haulers on the Volga", siger de, gav Gud deres sjæl for tidligt.

Ivan the Terrible dræbte ikke sin søn!

Historien om, at Ivan the Terrible er et filicid, er bare en myte. Det menes, at Ivan the Terrible dræbte sin søn i et vredeanfald med et slag mod templet med en stav. Årsagerne til forskellige forskere er forskellige: fra hverdagens skænderier til politisk friktion. I mellemtiden siger ingen af \u200b\u200bkilderne direkte, at prinsen og tronarvingen blev dræbt af sin egen far! Piskarevsky-kronikeren siger: "Klokken 12 om sommernatten i november 7090 på den 17. dag ... Tsarevich John Ioannovichs død." Novgorod Fourth Chronicle rapporterer: "Samme år (7090) døde Tsarevich John Ioannovich i Matins i Sloboda." Dødsårsagen er ikke navngivet. I 60'erne af det sidste århundrede blev gravene til Ivan the Terrible og hans søn åbnet. Prinsens kranium var fri for skader, der er karakteristiske for en hjerneskade. Derfor var der intet filicid ?! Men hvor kom legenden om ham fra da? Dens forfatter er den jesuitiske munk Anthony Possevin (Antonio Possevino), der blev sendt til Moskva som ambassadør fra paven med et forslag om, at den ortodokse kirke skulle komme under Vatikanets styre. Ideen fandt ikke støtte fra den russiske tsar. I mellemtiden blev Possevin angiveligt øjenvidne til familiens skandale. Suverænen var vred på sin gravide svigerdatter, hustruen til Ivan's søn, for hendes "uanstændige udseende" - enten glemte hun at tage på et bælte, eller hun tog kun en skjorte på, da den skulle have fire . I øjeblikkets varme begyndte svigerfar at slå den uheldige kvinde med en stav. Prinsen rejste sig for sin kone: før det havde hans far allerede sendt sine to første koner til klosteret, som ikke kunne blive gravide fra ham. Johannes den Yngre var ikke urimeligt bange for, at han ville miste den tredje - hendes far ville simpelthen dræbe hende. Han skyndte sig til præsten, og i raserianfald slog han med sin stab og gennemboret sin søns tempel. Men bortset fra Possevin bekræfter ikke en enkelt kilde denne version, selvom den senere villigt blev taget op af andre historikere - Staden og Karamzin. Moderne forskere antyder, at jesuitterne opfandt legenden som gengældelse for det faktum, at han uvilligt måtte vende tilbage til den pavelige domstol. Under opgravning blev der fundet rester af gift i prinsens knoglevæv. Dette kan indikere, at Johannes den Yngre døde af forgiftning (hvilket ikke er ualmindeligt i disse tider) og slet ikke af et slag med en hård genstand! Ikke desto mindre ser vi i Repins maleri nøjagtigt versionen af \u200b\u200bfilicid. Det udføres med så usædvanlig sandsynlighed, at man ikke kan undgå at tro, at alt faktisk skete på den måde. Derfor selvfølgelig den "dødbringende" energi. I 1963 blev graven til Ivan the Terrible og hans søn, Tsarevich John, åbnet i Kremls Ærkeengle-katedral. Undersøgelsen fandt ikke nogen skade på Tsarevichs kranium. Imidlertid kom en anden nysgerrig kendsgerning frem - kviksølv blev fundet i prinsen, Ivan den forfærdelige, selv og senere hans mor og første kone, Anastasia Romanova. En masse kviksølv - et beløb mange gange højere end den dødelige dosis. Det viser sig, at dynastiet systematisk blev forfulgt i lang tid. Måske var Ivan den forfærdelige heller ikke så formidabel?

Den mest forfærdelige historie skete imidlertid med maleriet "Ivan the Terrible og hans søn Ivan den 16. november 1581", som i vores tid er bedre kendt som "Ivan the Terrible dræber sin søn." Selv afbalancerede mennesker følte sig ubehagelige, når de så på lærredet: mordstedet blev skrevet for realistisk, der var for meget blod på lærredet, hvilket virkede virkeligt.
Canvas udstillet på Tretyakov Gallery gjorde et mærkeligt indtryk på besøgende. Nogle græd foran maleriet, andre faldt i en bedøvelse, og andre havde hysteriske anfald. Og den unge ikonmaler Abram Balashov skar den 16. januar 1913 lærredet med en kniv. Han blev sendt til et asyl for psykisk syge, hvor han døde. Lærredet blev restaureret.
Det vides, at Repin tøvede i lang tid, før han tog et billede om Ivan the Terrible. Og med god grund. Kunstneren Myasoedov, hvorfra billedet af tsaren blev malet, afsluttede snart i vrede næsten sin unge søn, som også blev kaldt Ivan, ligesom den myrdede prins. Billedet af sidstnævnte blev skrevet fra forfatteren Vsevolod Garshin, som senere blev skør og begik selvmord ved at kaste sig ind i en trappe ... Forfatteren Garshin, afbildet af Repin som Tsarevich Ivan i maleriet "Ivan den forfærdelige og hans Søn Ivan ", døde klart forud for sin tid: han begik selvmord i en alder af 33 år og kastede sig ned fra toppen af \u200b\u200btrappeopgangen ind i åbningen til marts. Hovedskaden viste sig at være dødelig, men det mest overraskende var, at Garshin knuste hovedet lige på det sted, der blev angivet af kunstneren på det berømte lærred to år før forfatterens selvmord - Ivan the Terrible slog sin søn, som blev for Garshin et symbol på hans ulykkelige skæbne i det venstre tempel. Kunstneren var enten forudset, ellerp garshin's yderligere skæbne, der spillede hovedrollen i det mest hjerteskærende billede af Repin, er beskrevet.
Den mystiske tilfældighed af datoer fuldender mordet på tilsyneladende ulykker: Garshin begik selvmord den 5. april 1888 i en alder af 33 år, nøjagtigt på fødselsdagen for Ivan Ioannovich, søn af Ivan den frygtelige, født den 5. april 1554. den myrdede tsarevich, der blev oprejst på Repins lærred, kaldte forfatterens sjæl, der turde blive model for en kunstner, der uforvarende begik en involveringshandling (magisk mord på den afbildede person).

Ministres mareridt

En gang blev Repin beordret til et enormt monumentalt maleri "Det ceremonielle møde i statsrådet."
Maleriet blev afsluttet i slutningen af \u200b\u200b1903. Og i 1905 brød den første russiske revolution ud, hvorunder hovederne for de embedsmænd, der er afbildet på lærredet, fløj. Nogle mistede deres stillinger og titler, andre betalte helt med deres liv: Minister V.K. Plehve og storhertug Sergei Alexandrovich, den tidligere guvernør i Moskva, blev dræbt af terrorister.
I 1909 malede kunstneren, bestilt af Saratov City Duma, et portræt af premierminister Stolypin.
Han var knap færdig med sit arbejde, da Stolypin blev skudt ihjel i Kiev.
Hvem ved - måske, hvis Ilya Repin ikke havde været så talentfuld, var der måske ikke sket tragedier. Tilbage i det 15. århundrede skrev videnskabsmanden, filosofen, alkymisten og tryllekunstneren Cornelius Agrippa fra Nettesheim: "Frygt malerenes pensel - hans portræt kan vise sig at være mere levende end originalen."

Den katastrofale "Stranger"

Ivan Kramskoys "fremmed" bragte ulykker til sine ejere

"Den fremmede" af Ivan Kramskoy (original titel - "Ukendt") er et af de mest mystiske mesterværker i det russiske maleri. Ved første øjekast er der intet mystisk ved portrættet: skønheden kører langs Nevsky Prospekt i en åben vogn.
Mange betragtede Kramskoys heltinde som en aristokrat, men en moderigtig fløjl frakke trimmet med pels og blå satinbånd og en stilfuld beret hat kombineret med rynkede øjenbryn, læbestift på læberne og en induceret rødme på kinderne giver hende damen til derefter halvt let. Ikke en prostitueret, men tydeligvis den holdte kvinde af en ædle eller velhavende person. Men da kunstneren blev spurgt, om denne kvinde eksisterer i virkeligheden, gliste han kun og trak på skuldrene. Under alle omstændigheder har ingen mødt originalen.
I mellemtiden nægtede Pavel Tretyakov at købe et portræt til sit galleri - måske frygtede han troen på, at portrætter af skønheder "suger styrke" fra levende mennesker. Den "fremmede" begyndte at rejse til private samlinger. Og meget snart blev det berygtet. Den første ejer blev forladt af sin kone, det andet hus brændte ned, det tredje gik konkurs. Alle disse ulykker blev tilskrevet et fatalt billede.
Kramskoy selv undslap ikke forbandelsen. Mindre end et år efter oprettelsen af \u200b\u200b"Ukendt" døde to af hans sønner efter hinanden.
Det "forbandede" billede gik til udlandet. De siger, at der reparerede hun også alle mulige problemer for sine ejere. I 1925 vendte The Stranger tilbage til Rusland og indtog stadig sin plads i Tretyakov Gallery. Siden da har der ikke været flere overdrivelser.
Måske er hele pointen, at portrættet skulle have taget sin retmæssige plads lige fra starten?

Karl Pavlovich Bryullov. "Riderkvinde"

Maleriets historie fortæller historien om skæbnen til niece til den strålende italienske komponist N. Paccini, hvis portræt blev malet i 1832 af en vidunderlig kunstner Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852). På maleriet " Rytter"Skildrer en ung Giovannina Paccini, der yndefuldt stikker på en tyndbenet hest. I Rom sagde de, at den unge Giovannina var heldig, for efter sin onkels død tog den rige russiske grevinde Yulia Samoilova hende til opdragelse, men lykken varede ikke længe - pigen blev trampet ihjel af en hest.

"Ulikt ægteskab", Vasily Pukirev

"Ulikt ægteskab" skrev Pukirev i 1862, da han var nøjagtigt 30 år gammel. Billedet blev modtaget på forskellige måder. Nogle sagde, at "en meget god ramme, ingen har sådan." Andre kaldte det "det tragiske billede af den russiske skole." Imidlertid ønskede ikke et eneste galleri at få dette arbejde, så Pukirev var glad for, at kunstneren A.Borisovsky erhvervede lærredet på en venlig måde. Og kun 10 år senere blev "Ulikt ægteskab" købt af Tretyakov. Han betalte 1.500 rubler i sølv, hængte det op for alle at se - og noget underligt begyndte at ske.

Muskovitterne så medfølende på lærredet og fortalte hinanden, at forfatteren havde afbildet sin egen sorg på billedet - hans kæreste var tvangsgiftet med en velhavende dignitær. Og hvad kunne en dårlig kunstner gøre?! Kun for at portrættere dig selv ved siden af \u200b\u200bdin elskede. Kan du se en ung sortbarberet mand med et brændende blik stå med armene krydsede i højre hjørne af billedet? Dette er det ...

Og disse sladder var sande! Derfor er billedet så gribende. Tilsyneladende hævdede kunstneren, som han kunne arbejde på det, hævn over den forbandede rige mand - han gjorde ham gammel til umulighed. Og hvad der er fantastisk - han døde snart. Men dette hjalp heller ikke - den elskede vendte ikke tilbage til maleren, men gik til klosteret. Kunstneren havde feber, han forsikrede, at han blev forfulgt af sit eget maleri. Den ene efter den anden lavede han kopier af hende, hvoraf den ene underskrev med trækul lige på sit image. Lidt efter lidt drak Pukirev sig ihjel, levede på uddelinger fra venner og døde i fattigdom og uklarhed den 1. juni 1890 ...

Muscovites fortalte hinanden, at Pukirevs maleri selv havde en mystisk indflydelse. Gamle mænd, der forbereder sig på at gifte sig med unge, kan absolut ikke stå foran ham - hans hoved begynder at blive hvidt, en andens hjerte og som helt mister bevidstheden. Ikke underligt publikum tilnavnet billedet "Koschey med bruden". Forresten tilstod den berømte forfatter-historiker N. Kostomarov over for sine venner, at efter at have set billedet af Pukirev forlod han sin hensigt om at gifte sig med en ung pige.

Ja, og med piger i ægteskabelig alder, der så på billedet, begyndte der at ske noget. Enten går brylluppet galt, eller ægteskabet bliver ulykkeligt. Nå, da en studerende, der gik ned ad gangen, forlod galleriet, kastede sig under hjulene på en forbipasserende hestevogn, var der en tro fastlagt blandt Moskva-brude - du kan ikke se på Pukirevs billede før brylluppet!

"Demon besejret"

Et af de lyseste og mest ekstraordinære genier af det russiske maleri, Mikhail Vrubel, har værker, som kunstnerens personlige tragedier også er forbundet med. "The Demon Defeated" havde en skadelig virkning på Vrubels selv psyke og sundhed. Kunstneren kunne ikke rive sig selv væk fra billedet, fortsatte han med at male ansigtet på den besejrede Ånd samt ændre farven. "Demonen besejret" hang allerede på udstillingen, og Vrubel blev ved med at komme ind i hallen uden at være opmærksom på de besøgende, satte sig ned foran maleriet og fortsatte med at arbejde som besat. Pårørende var bekymrede over hans tilstand, og han blev undersøgt af den berømte russiske psykiater Bekhterev. Diagnosen var forfærdelig - en rygmarvsflader, næsten galskab og død. Vrubel blev indlagt på hospitalet, men behandlingen hjalp ikke meget, og han døde kort efter.

"Havfruer", Ivan Kramskoy bånd

Ivan Nikolaevich Kramskoy betragtes traditionelt som lederen af \u200b\u200bdet russiske realistiske maleri, lederen af \u200b\u200bde omreisende. Men det fantastiske er, at blandt de hundredvis af realistiske værker skabt af Kramskoy er de mest berømte og attraktive mystiske og mystiske lærreder. Sandt nok tænkte Kramskoy ikke på mysticisme. Deres "Havfruer" han blev opfattet som et lærred "baseret på folkemotiver" hentet fra Gogols "May Night". Men det blev bare mærkeligt - tungt måneskin, en heksesø, spøgelsesagtige havfruer, der kom ud på natkysten ... Arrangørerne af den første udstilling af Association of the Itinerants (1871) hang dette billede ved siden af \u200b\u200bdet rørende landskab af Savrasov "Rooks er ankommet"... Og der skete en hidtil uset ting - havfruerne om natten kunne ikke lide fuglene i dagtimerne - den første nat faldt landskabet fra muren.

"Rooks er ankommet", Alexey Savrasov bånd

Tretyakov købte begge lærred. "Rooks" pyntede sit kontor, og "Rusalka" kunne ikke finde et sted på nogen måde - han hængte det op fra rum til værelse. Han havde stødt på lunefulde kreationer før. Hvis noget lærred ikke kunne lide "naboen", begyndte malerierne at "kæmpe" - så ville malingen sprænge, \u200b\u200bså ville rammen knække, eller endda et af malerierne ville kollapse på gulvet. Men "Havfruerne" opførte sig værst af alt - fra hallen, hvor Tretyakov havde tilføjet dem, blev der hørt stille sørgende sang om natten. Renholdere nægtede at arbejde der, og Tretyakovs børn var bange for endda at gå forbi. Tretyakov selv begyndte at bemærke, at så snart han opholdt sig længere ved havfruerne, følte han forfærdelig træthed. Derefter begyndte de besøgende at sige, at det var svært at se på scenen fra "May Night". Og derefter spredte et rygte i Moskva, at en ung dame, der havde set nok af Kramskoys maleri, druknede sig i Yauza. Det er godt, at den gamle barnepige, der boede i Tretyakov-familien, rådede: ”Hæng det i det længste hjørne, så der ikke kommer lys på hende. Det er svært for havfruer i sollys, hvorfor de ikke kan roe sig selv om natten. Og når de falder i skyggen, stopper de straks kolobrodin! " Og det gjorde de også. Siden da, hvis flodpiger er på lærredet og synger deres havfruesange, generer dette ikke besøgende.

"Regnkvinde"

Nu hænger hun beskedent uden ramme i en af \u200b\u200bbutikkerne i Vinnitsa. The Rain Woman er den dyreste af alle værker: den koster $ 500. Ifølge sælgerne er maleriet allerede købt tre gange og derefter returneret. Klienter forklarer, at de drømmer om hende. Og nogen siger endda, at han kender denne dame, men hvorfra - han kan ikke huske det. Og alle, der mindst en gang kiggede ind i hendes hvide øjne, vil for evigt huske følelsen af \u200b\u200ben regnvejrsdag, stilhed, angst og frygt.

Hvor kom det usædvanlige maleri fra, sagde dens forfatter - Vinnitsa-kunstner Svetlana Tales. ”I 1996 tog jeg eksamen fra Odessa Art University. Grekova, - minder Svetlana om. - Og seks måneder før fødslen af \u200b\u200b"Kvinde" troede jeg altid, at nogen konstant så på mig. Jeg kørte væk sådanne tanker fra mig selv, og så en dag forresten var det overhovedet ikke regnfuldt, jeg sad foran et blankt lærred og tænkte hvad jeg skulle tegne. Og pludselig så jeg tydeligt en kvindes konturer, hendes ansigt, farver, nuancer. På et øjeblik bemærkede jeg alle detaljerne i billedet. Jeg skrev det vigtigste hurtigt - det lykkedes mig på cirka fem timer. Det så ud til, at nogen kørte min hånd. Og så malede jeg færdig i endnu en måned ”.
Ankommer til Vinnitsa udstillede Svetlana maleriet i en lokal kunstsalon. Kunstkendere kom frem til hende ind imellem og delte de samme tanker, der opstod hos hende under hendes arbejde.
"Det var interessant at observere," siger kunstneren, "hvor subtilt en ting kan materialisere en tanke og inspirere den til andre mennesker."
For et par år siden dukkede den første kunde op. En ensom forretningskvinde gik i salene i lang tid og så nøje. Efter at have købt "Kvinden" hængte jeg den op i mit soveværelse.
To uger senere ringede natteklokken i Svetlanas lejlighed: ”Tag hende væk. Jeg kan ikke sove. Det ser ud til, at der er nogen i lejligheden udover mig. Jeg tog det endda af væggen, gemte det bag skabet, men jeg kan ikke gøre alt tidligt. "
Så dukkede en anden køber op. Så købte en ung mand maleriet. Og han kunne heller ikke udholde det i lang tid. Han bragte det til kunstneren selv. Og han tog ikke engang pengene tilbage.
"Jeg drømmer om det," klagede han. - Hver aften vises det og går omkring mig som en skygge. Jeg begynder at blive skør. Jeg er bange for dette billede!
Den tredje køber, efter at have lært om den berygtede "Kvinde", afviste det bare. Han sagde endda, at den uhyggelige dames ansigt syntes sødt for ham. Og hun vil sandsynligvis komme sammen med ham.
Kom ikke overens.
”Først bemærkede jeg ikke, hvor hvide hendes øjne var,” mindede han. - Og så begyndte de at dukke op overalt. Hovedpine begyndte, urimelig spænding. Har jeg brug for det?!
Så "Rain Woman" vendte tilbage til kunstneren igen. Rygter spredte sig over hele byen om, at dette billede var forbandet. Det kan gøre dig skør natten over. Kunstneren selv er ikke længere glad for, at hun skrev sådan en rædsel. Sveta er dog stadig optimistisk:
- Hvert billede er født for en bestemt person. Jeg tror, \u200b\u200bat der vil være nogen, som "Woman" blev skrevet til. Nogen leder efter hende - ligesom hun leder efter ham.

Anna Akhmatova sagde engang: "Når en person dør, ændres hans portrætter." Malerisk portræt, maleri er en stærk energisk struktur. Maleren maler ikke kun et lærred på et bestemt plot - han formidler sine følelser, tanker, verdensbillede og vigtigst af alt - stemningen, der danner energien i det kunstneriske lærred. Det kaldes også "katarsis". Hvis plottet i billedet er åbent aggressivt i indhold, forårsager dette aggression hos seeren. Det skal bemærkes, at billeder og portrætter bærer forskellige energier. Undertiden "indlæser" kunstneren uden at vide det, beskueren af \u200b\u200bsine malerier med den katarsis, hvorfra han selv frigør sig i processen med at skabe lærredet.

Russiske forskere, der undersøgte de "fantom" billeder af malerier, kom til den konklusion, at Aivazovskys "niende bølge" og en række andre berømte lærred også har en stærk negativ aura. Og mens han studerede energien fra "Black Square" af Kazimir Malevich, mistede en af \u200b\u200bforskerne ... bevidstheden. "Dette er en stor blodprop af mørk kraft og energi. Som om der blev tegnet et billede i underverdenen", indrømmede videnskabsmanden, da han næppe blev bragt til fornuft. Malevichs maleri "Black Square" er blevet diskuteret før og diskuteres stadig i dag. Og ikke bare for at øge prisen. Indtil nu ved ingen, hvad dette torv betyder, og hvad Malevich ønskede at udtrykke for dem. "Black Square" er et "sort hul" i maleriet, suger positivt ind og smider negativ energi ud, hvilket stærkt påvirker beskuerens psyke.

Black Suprematist Square, 1915

I dag kunne jeg fejre hans fødselsdag som en af \u200b\u200bde mest berømte, succesrige og fremragende kunstnere i det 20. århundrede - Salvador Dali... Han ville helt sikkert have markeret med et eller andet trick eller et andet skandaløst billede - chokerende var en integreret del af hans liv og arbejde. Han elskede at tegne underlige ting og tvang fans til at gå over betydningen af \u200b\u200bdette eller andet lærred. Imidlertid bliver nogle malerier mysterier for kunstnerne selv. Så Kazimir Malevich efter oprettelsen af \u200b\u200b"den sorte firkant" tilstod han, at han hverken kunne spise eller sove og ikke forstod, hvad han havde gjort. Jeg foreslår at huske andre mystiske malerier.

Mona Lisa af Leonardo da Vinci

Det mest berømte og et af de mest mystiske malerier i maleriets historie - "Mona Lisa" Leonardo Da Vinci... Forskere undrer sig over, hvem der er afbildet i portrættet. Ifølge hovedversionen - Lisa Gherardini, hustruen til den florentinske købmand Francesco del Giocondo. Det var efter hans ordre, at kunstneren skabte det berømte portræt, men af \u200b\u200ben eller anden grund gav han det aldrig til kunden. Men der er også andre versioner. Ifølge en af \u200b\u200bdem malede da Vinci sin assistent Salai i kvindelig form, og navnet "Mona Lisa" er et anagram over ordene "Min Salai". Ifølge en anden er La Gioconda et selvportræt af en kunstner i en kvindelig skikkelse.

Giocondas lette, knap mærkbare smil betragtes også som et mysterium. Nogen ser coquetry i hende, nogen - glæde og nogen - latent tristhed. Der er endda en version, hvor det ejendommelige udtryk på Mona Lisas ansigt skyldes fraværet af hendes fortænder. Imidlertid blev der så opmærksom på Mona Lisas smil først i midten af \u200b\u200bdet 19. århundrede. Fransk digter Théophile Gaultier skrev, at Mona Lisa's smil er det vigtigste våben for en vamp kvinde, som det er farligt at forelske sig i, men det er umuligt ikke at blive forelsket. De siger, at mange sekulære koketter efter det forsøgte at kopiere dette ansigtsudtryk.

Men den mystiske Mona Lisa er ikke bare et smil. Forskere finder konstant nye mystiske symboler i da Vincis maleri. For eksempel, hvis du ser Mona Lisas øjne under et mikroskop, kan du med vanskeligheder se bogstaver og tal i dem, deres tegn er skjult i landskabet i baggrunden. Så der er stadig mange mysterier i da Vincis maleri. Eller måske kommer forskerne selv med disse gåder. Sådan er skæbnen for store kunstværker: man vil mytologisere dem.

"Creation of Adam" af Michelangelo

Freskoen "Creation of Adam" er et af de mest berømte værker Michelangelo... Det første menneske og skaberen strækker deres hænder ud, men rører ikke hinanden. Således kan det guddommelige og det menneskelige nærme sig, men ikke røre ved.

Flere århundreder efter skabelsen af \u200b\u200bbilledet så anatomister i Guds skikkelse, hans røde kappe og englene omkring ham, et ret nøjagtigt billede af den menneskelige hjerne. Måske Michelangelo, der i hemmelighed studerede anatomi, kodede specielt et sådant symbol, ifølge hvilket den guddommelige gave til mennesket ikke er sjælen, men sindet. Forskerne fandt en anden skjult kontur af hjernen og rygmarven i en anden fresco. Også forresten skildrer Gud.

Cafe Terrace at Night, Vincent van Gogh

"Natcaféterrasse" - billedet er meget atmosfærisk. En nat i den gamle by (dette er fransk Arles), en brostensbelagt fortov, en stjernehimmel, en caféterrasse oversvømmet med gult lys. Jeg vil bare være med de besøgende og nippe til kaffe og trække vejret ind i byens luft om natten.

Men måske er dette billede mere kompliceret, end det ser ud ved første øjekast. Forsker Jared Baxter fandt i den henvisninger til det berømte lærred Leonardo Da Vinci "Den sidste nadver". Læg mærke til, hvor mærkelig tjeneren ser ud: med langt hår i en hvid tunika på gulvet. Han er omgivet af tolv besøgende (eller måske apostlene?) Og en af \u200b\u200bdem står i døren og planlægger tilsyneladende at rejse. Er dette ikke Judas? Og vinduet på tværs af vinduet bag tjeneren danner et kryds.

Skriget, Edvard Munch

Et af de mest berømte malerier i kunsthistorien og samtidig et af de mest uhyggelige. Edvard Munchfortalte, hvordan billedet, der er afbildet på billedet, kom til ham: "Jeg gik ad stien sammen med to venner, solen gik ned, pludselig blev himlen blodrød. Jeg holdt pause, følte mig udmattet og lænede mig på hegnet. Jeg så på blodet og flammerne over den blå-sorte fjord og byen. Mine venner fortsatte, og jeg stod og skælvede af spænding og følte en endeløs gråd gennemtrængende natur. "

Kunstneren forsøgte at formidle sine følelser i flere malerier: "Fortvivlelse" (1882 og 1884), "Angst" (1894) og endelig "Skrig". For hver ny version bliver figuren af \u200b\u200bhelten mere og mere vag og sketchy. Men hun formidler følelsen af \u200b\u200brædsel mere og mere tydeligt. Nogen betragter dette arbejde som et profetisk blik på det kommende XX århundrede med dets krige og lidelse. Der er endda rygter om, at maleriet er forbandet og ødelægger livet for alle, det kommer til.

"Demon besejret", Mikhail Vrubel

Vrubel ofte henvist til billedet af en dæmon i hans malerier. Men han betragtede ham ikke som legemliggørelsen af \u200b\u200bmørke eller onde kræfter. "Demonen er ikke så meget en ond ånd som en lidende og bedrøvet ånd, med alt dette en dominerende, majestætisk ånd ...", skrev kunstneren. Naturligvis fandt han meget til fælles mellem sig selv og sin farende og lidende helt. OG Alexander Bloksådan talte han om Vrubel: "Han var selv en dæmon, en faldet smuk engel, for hvem verden var uendelig glæde og endeløs pine."

Maleriet "Demon besejret" kaldes "et selvportræt af Vrubels sjæl." Han malede det i en periode med vanskelige oplevelser. Selv da maleriet var færdigt og sendt til udstillingen "Kunstens verden", kunne Vrubel ikke sige farvel til hende. Hver dag kom han til udstillingen og fortsatte med at foretage ændringer i dæmonens image. Han blev nu skræmmende, så trist og hjælpeløs. I sidste ende bemærkede pårørende en progressiv mental lidelse hos kunstneren. Demonen, der er så elsket af Vrubel, gjorde ham stadig vild.

Katya Kozhevnikova , iledebeaute.ru

Oprindeligt indlæg og kommentarer til

2005) handlede det om værker, hvor der ud over hovedplottet er en anden - skjult. Det manifesterer sig, når du nærmer dig billedet, bevæger dig væk fra det eller ser i en bestemt vinkel. Nu lærer du om de mest sandfærdige malerier, der ikke desto mindre kaldes "trompe l'oeil", om spøgelsesagtige silhuetter, "dvoyevs", "tredobler" samt om en sjælden type ikoner.

G. Teplov. Stadig liv hakke. 1737 år. State Hermitage, Skt. Petersborg.

P. Drozhdin. "Portræt af kunstneren A. Antropov med sin søn foran portrættet af sin kone". Året er 1776. Russisk Museum, Skt. Petersborg.

R. Magritte. "En menneskelig masse". 1933 år. National Gallery of Art, Washington.

Ukendt kunstner. "Lilies of France" (seks silhuetter fra familien Bourbon). 1815 år.

O. Kanyu. "Korporal af violer (silhuetter af Bonaparte, hans kone og søn)". 1815 år. Maleriets titel indeholder en påmindelse om, at Napoleon begyndte sin militærtjeneste med rang af korporal.

S. Del Prete. "Hemmeligheden mellem efterårsblade". 1991 år. Galleri i Bern, Schweiz.

V. Bregeda. "Profeti". 1994 år.

N. Zamyatina. "Drømme om Grækenland". 2004 år.

Ord - "dvoevzory": hajer - skurke, knurrer - spinder ikke, verden - Moskva State University, holdbar - nøjagtig. Forfattere - Olga og Sergey Fedin.

Postkort. "Min kone og min svigermor". Begyndelsen af \u200b\u200bdet tyvende århundrede. Rusland.

J. Botvinik. "Min mand og min svigerfar." Første halvdel af det tyvende århundrede. USA.

G. Fisher. "Mor, far og datter". 1968 år. USA.

S. Orlov. "En rose til to". 2004 år. Moskva.

S. Dali. "Den forsvindende byste af Voltaire". 1940 år. Dali Museum, Skt. Petersborg, USA.

To malerier af Salvador Dali: til venstre - "Hovedet på en kvinde i form af en kamp". 1936 år; til højre - "Spanien". Året er 1938.

V. Koval. "Kovalland (kunstnerens selvportræt)". 1994 år.

Det tredobbelte ikon "Deesis rang". XIX århundrede. Rusland.

Videnskab og liv // Illustrationer

Ikon med Jesus og Maria Magdalenas ansigter. Første halvdel af det 17. århundrede. Melheim, Tyskland.

Portræt af Alexander III med sin kone og søn. Slutningen af \u200b\u200bdet 19. århundrede. Kirkemuseum ved kirken St. Mitrofan i Voronezh, Moskva.

Gabrielle von Max. "Saint Veronicas lommetørklæde". 1870'erne. Tyskland.

"Frelser ikke lavet af hænder". Foto fra 1970'erne fra et maleri af en ukendt kunstner, Rusland.

Sande bedrageri

To kunstnere argumenterede - Zeuxis og Parrasius: hvem af dem er bedre. Zeuxis tegnede en masse druer og placerede billedet nær det åbne vindue. Fuglene, der fløj forbi, så druer, satte sig ned og forsøgte at hakke på de malede bær. Det var Parrasias tur. "Så hvor er dit job?" - "Der bag gardinet." Zeuxis gik hen til gardinet og forsøgte at trække det tilbage. Og hun viste sig at være trukket. Legenden blev født i det antikke Grækenland omkring 500 f.Kr.

Det er mere sandfærdigt, end det ser ud til ved første øjekast. Faktum er, at mange fugle ikke har stereoskopisk syn, da deres øjne er placeret på hver side af hovedet. Det ene øje ser ikke det andet. På grund af manglen på et fælles synsfelt kan hjernen ikke danne et volumetrisk billede. Og erfarne jægere ved, at en primitiv, umalet model af en and tiltrækker en flyvende drake lige så godt som en levende lokkefugl.

For os i den græske legende er det vigtigt, at billedet ikke bedrager fuglene, men malermesterens øje. Den russiske kunstner Fyodor Tolstoy fra det 19. århundrede har malerier, der gentager handlingen fra en gammel græsk legende. På en af \u200b\u200bdem - et stilleben, "dækket" med et ark sporingspapir. Det ene hjørne er bøjet. Og denne del af stilleben ser så pålidelig ud, at du ufrivilligt føler lyst til at flytte sporingspapiret nedenfor for at se hele billedet. Billeder af denne type kaldes "trompe l'oeil", selvom dette måske er den mest sandfærdige af alle malerier.

Udseendet af denne form for malerier blev først mulig efter opfindelsen af \u200b\u200bperspektiv, chiaroscuro og ... olie maling. Opskrifter til deres forberedelse findes i bøgerne fra det 13. århundrede. Men først i begyndelsen af \u200b\u200bdet 15. århundrede forbedrede den hollandske kunstner Jan van Eyck (1390-1441) teknologien til fremstilling af maling så meget, at han ofte kaldes opfinderen af \u200b\u200boliemaleriteknikken. Han var den første til at anvende det på en ny måde, ved at påføre tynde gennemsigtige malingslag oven på hinanden og opnå enestående dybde og farverig farve såvel som subtiliteten i afskæringer og farveovergange. Efter Jan van Eyck var kunstnere i stand til at opnå et billede, der var let at forveksle med originalen.

Grundlæggeren af \u200b\u200bnarren i Rusland er Grigory Teplov, kunstner, digter, musiker, filosof, statsmand fra det 18. århundrede. Et af hans værker findes på den forrige side. Det er en skam, at reproduktioner af trickery i magasiner og bøger ikke er i stand til at formidle den følelse, der vises, når man ser på originalen. Forresten, det er derfor, du sjældent ser svindel i kunstbøger. Dette skyldes i vid udstrækning forskellen i størrelse mellem maleriet og dets trykte gengivelse samt det faktum, at den ønskede effekt normalt forekommer afhængigt af afstanden mellem billedet og seeren.

Der er en anden type trickery. På det russiske museum i Skt. Petersborg er der for eksempel et maleri af Pyotr Drozhdin, en kunstner fra det 18. århundrede. På den skildrede forfatteren familien til sin lærer, kunstneren Antropov. Ser du nøje, bemærker du, at faren og sønnen ikke står ved siden af \u200b\u200bsin kone og mor, men med hendes portræt. Kanten af \u200b\u200bstaffeliet, der i første omgang virkede som en lysåbning i væggen, adskiller dem, der står fra billedet.

Den belgiske kunstner fra det 20. århundrede, Rene Magritte, brugte også teknikken med "staffler". Deres kanter er næsten usynlige, og tegningerne passerer umærkeligt ind i billedets hovedplot og smelter sammen med det. I det ene landskab - skoven, der starter uden for vinduet, fortsætter på den malede staffeli, i den anden - havet strømmer fra staffeli ud i det "rigtige" hav.

Magritte er en mester i paradoksale malerier. På et lærred kombinerede han objekter og fænomener, der er uforenelige i livet; for eksempel den daglige himmel og et hus nedsænket i nattens mørke, eller en person, der kigger i et spejl foran ham, ser kun sin egen bagside af hovedet i den. Han brugte også paradoksprincippet i navnene på malerierne. Da han, efter kunstnerens egen indrømmelse, manglede fantasi, samlede han venner og bad om hjælp til at finde navnet. Et landskab med et staffeli kaldes for eksempel "Mennesket".

GHOST SILHOUETTES

Der er en speciel teknik til at skabe et latent billede: når kunstnere bruger omridset af malede genstande. For første gang dukkede malerier med "skjulte silhuetter" tilsyneladende op i middelalderens Frankrig. Deres vigtigste helte var naturligvis kongerne. Det faktum, at liljen er et symbol på Bourbon-dynastiet, er allerede kendt for os i det mindste fra hovedpersonernes kostumer fra filmene baseret på romanen "De tre musketerer" af Alexandre Dumas. For to hundrede år siden, da maleri af buketter af kongelige liljer, forvandlede kunstnere bøjninger af stilke, omridsene af blade og kronblade til menneskelige ansigter. Når du gætter på hemmeligheden, bliver buketten til et portræt af den kongelige familie. Efter at Bourbon-dynastiet blev væltet, begyndte kunstnere at male kejser Napoleon med sin kone og søn. Men Josephine elskede violer, så de erstattede liljerne.

I løbet af de sidste århundreder har kunstnere naturligvis udvidet omfanget af sådanne værker. Et eksempel er et maleri, hvor du først ser flere tørre blade flyve i luften. Og på lærredet er der et stykke papir med en indskrift på fransk: "En drøm båret af vinden og tiden." Normalt skriver kunstnere ikke navnet på et maleri på maleriets ansigt. Her i nederste venstre hjørne af lærredet er der skrevet på tysk: "Hemmeligheden mellem efterårsblade." Dette er ikke kun maleriets navn, men også nøglen, der afslører kunstnerens idé - Sandro Del Prete. Hans navn er kendt over hele verden i dag. Og han startede som amatør (jeg rapporterer dette især til deltagerne i konkurrencen om mystiske malerier). I sin ungdom studerede Del Prete tegning i kun seks måneder, indtil han var 44 år, betragtede han sig ikke som en professionel kunstner og arbejdede for et forsikringsselskab i sin hjemlige schweiziske by Bern, hvor han stadig bor.

I et maleri af Taganrog-kunstneren Viktor Bregeda, som også blev tiltrukket af denne teknik, bøjede knælende figurer i bøn på baggrund af et øde bjerglandskab. Dette er kun en del af handlingen, som du ser med det samme, men titlen - "Profeti" - antyder, at hovedindholdet ikke er så indlysende og endnu ikke er afsløret. Uset i første øjeblik er der på billedet dem, som pilgrimme bukkede for: Gud Faderen, Gud Sønnen og den bevingede rytter - en engel, der steg ned fra himlen.

Maleriet "Dreams of Greece" af en moskovitisk Natalya Zamyatina ligner et almindeligt stilleben med en porcelænsvase og frugt. Det ser ud til, at titlen ikke helt matcher billedet. Men se nærmere på forhænget. Hvad skjuler (eller afslører) foldene af stoffet og vaseens konturer?

DOBBELT

Udtrykket, der gav titlen til artiklen, blev opfundet af forfatteren og forfatteren af \u200b\u200bmange publikationer i tidsskriftet "Science and Life" Sergei Fedin. Han kaldte tekster, der kan læses på to måder, som to-visninger. Tag ordet "hajer" som et eksempel. De første to bogstaver "ak" kan skrives som et bogstav "g". Og "s" kan let fremstilles som ligner "s". Lad os lade bogstaverne i midten forblive uændrede og få et ord, der er let at læse på to måder: "hajer" og "skurke". Flere eksempler på sådanne inskriptioner er givet her.

Ordet "dvoevzory" svarer til det engelske "ambigram" - dobbelt. Det er beskrevet her om verbale dobbeltkigger, fordi det er lettere at forstå opfattelsen af \u200b\u200bdobbeltbilleder i maleriet ved hjælp af deres eksempel.

Hvad leder vi efter, bevæger vores blik i retning af den dobbelte vision? Noget velkendt brev. Den samme ting sker i billeder. Hjernen søger efter velkendte billeder, der allerede er i hukommelsen, hvilket er helt forskelligt fra lagringen af \u200b\u200bfotografier. Hukommelse er en slags "indkoder", der fanger egenskaberne ved et billede, for eksempel tilstedeværelsen af \u200b\u200blige og buede sektioner af linjer, grænser for ændringer i lysstyrke, farve og lignende.

Når vi undersøger dobbeltvisningerne nærmere, finder vi bogstaver, som vi først ikke bemærkede, og vi tilføjer det andet ord fra dem. Den samme ting sker med det skjulte billede.

Indtil videre er ingen kommet med ordet "tre øjne", det vil sige billedet af tre ord af forskellig betydning i en post. Hvis du lykkes, skal du sørge for at indsende dit arbejde til Mysterious Painting Competition. Men de maleriske Troevzors er allerede oprettet, og vi fortæller dig nu om dem.

TO-FACED OG TRE-FACED MALING

I det forrige nummer af bladet, i artiklen "Usynligt synligt", stødte du på et billede af en kvindes hoved, der ser ung eller gammel ud, afhængigt af billedets position. Lad os nu stifte bekendtskab med et portræt, der ikke behøver at blive vendt om. Til spørgsmålet: "Skildres en ung eller gammel kvinde på det?" - forskellige mennesker giver modsatte svar. Nogle siger - en pige, andre - en gammel kvinde. Billedet er blevet en klassiker i lang tid. Men for dem, der ser hende for første gang, skal de hver gang forklare, hvordan de kan se det andet billede: "Damens øje er pigens øre, og næsen er oval af et ungt ansigt." Ifølge fysiologer lægger seeren, der undersøger portrættet, mest opmærksomhed på øjne og næse. Derfor afhænger første indtryk normalt af, hvilken del af billedet dine øjne faldt på i første øjeblik. Efter lidt øvelse kan du lære at bestille den, du vil se.

Med hensyn til antallet af publikationer i bøger og magasiner ligger handlingen med en ung og en gammel kvinde langt foran alle andre illusionsbilleder. Dens forfatter kaldes undertiden den amerikanske tegneserietegner W. Hill, der offentliggjorde sit arbejde i 1915 i magasinet "Pak" (oversat til russisk "Puck" - en alv, en eventyrånd). Undertiden tilskrives billedet psykiateren E. Boring, der brugte portrættet i 1930'erne som en illustration af sit arbejde. I det akademiske miljø kaldes "Two Ladies" stadig "Boring figure". I de tidlige år af det 20. århundrede blev der faktisk udstedt et postkort med samme billede og indskriften: "Min kone og min svigermor" i Rusland. Prototypen for det var et tysk postkort fra 1880 (ukendt forfatter).

Billedet af de to damer gengives regelmæssigt i psykologibøger. Men indtil nu forbliver det stort set ukendt, hvordan det menneskelige sind opfatter dobbeltbilleder. Kunstnere fortsætter bare med at udvikle en allerede kendt teknik. I første halvdel af det 20. århundrede dukkede et lignende portræt op af en ældre og en ung mand. I 1968 lavede kunstneren G. Fischer en ny frisure til begge damer og fik en tredje karakter. Faktisk tilføjede han kun et element, og billedet blev kendt som "Mor, far og datter". Kvindens hår er blevet til en mandsprofil, takket være at der er tre personer i portrættet.

I et moderne maleri af Moskva-kunstneren Sergei Orlov (se s. 132) er der ikke kun to forskellige ansigter, men også to kvindelige figurer, der tilhører både en pige og en gammel kvinde. En ældre dame ser på en blomst i hendes hånd. Den unge kvinde sidder med ryggen mod os og retter håret og drejer hovedet til venstre.

Værkerne fra Sergei Orlov, Victor Bregeda og andre kunstnere, der arbejder på denne måde, kan ses på Internettet. Der er et specielt projekt "Duality" http://hiero.ru/project/Dubl af siden "Hieroglyph", hvor forfatterne udstiller deres værker til diskussion.

Ikke en eneste bog om illusoriske malerier er komplet uden en historie om den spanske Salvador Dalis arbejde. 300 år efter Arcimboldo genoplivet han retningen af \u200b\u200billusoriske malerier.

På det første billede ser seeren to rigt klædte kvinder. Manden i turbanen fører dem ind i galleriet. Kunstneren forvandler denne scene til et andet plot. Fra galleriets bue dannes konturen af \u200b\u200bet menneskeligt hoved - et billede af et skulpturelt portræt af den franske filosof Voltaire af Houdon.

Plottet med Voltaire findes i Dalis værker mere end en gang. To gange brugte han også plottet af maleriet "Hovedet på en kvinde i form af en kamp" (øverst til venstre), hvor figurerne af galopperende ryttere og mennesker, der styrter over et gult felt, foldes ind i en kvindes ansigt. Men så kom "Hovedet på en kvinde i form af en kamp" ind som en detalje på et andet lærred: "Spanien". Denne kendsgerning vidner om, hvor svært det er at finde en ny, original løsning til et billede med to ansigter.

Hvis jeg blev arrangør af en udstilling med de bedste dobbeltmalerier, ville jeg ved siden af \u200b\u200bDalis værker placere malerier af den moderne Volgograd-kunstner Vladislav Koval. Og bestemt - "Stalingrad Madonna", hvor billedet af en kvinde med en baby i armene er vævet fra birkegrene. På lærredet "Nedlukning af kysten" bliver de fjerne kystklipper, der er synlige i horisonten, til en ensom, hængende figur af en sømand. På maleriet "Icarus" ses hendes helt flyve eller falde. På det næste lærred bliver en frysende soldat indpakket i et kappetelt til en madonna med et barn. I værket "Pyramid" kombinerede V. Koval for første gang i kunsthistorien flere dobbeltbilleder til et komplet kunstværk. Og han brugte næsten alle de maleteknikker, som jeg beskrev. Her og opbygningen af \u200b\u200bnye billeder ud fra detaljerne i landskabet og billeder, hvis indhold afhænger af synsvinklen eller afstanden. I dag er Koval en af \u200b\u200bde mest berømte kunstnere i Rusland. Hans berømmelse har en nysgerrig start. Mens han studerede i Moskva, sendte han breve til sine slægtninge i Volgograd og lagde ikke frimærker på konvolutter, men malede. Alle sendte breve nåede adressaterne uden yderligere betaling. Da presseministeriet annoncerede en konkurrence for kunstnere, bragte student Vladislav Koval en pakke konvolutter til arrangørerne. Og han blev vinderen, den yngste blandt deltagerne.

Usædvanlige ikoner

Eksempler på mystiske malerier findes selv i en så streng og kanonisk kunstform som ikoner. Et ikon "Jesus i fangehullet" blev engang bragt til Museum of Old Russian Art i Moskva. På forsiden af \u200b\u200bdet er afbildet Jesus med bånd på benene og omkring - lidenskabens instrumenter, det vil sige tortur. Hver har et navn ved siden af \u200b\u200bsig. Baseret på særegenhederne i stavningen af \u200b\u200bord har kunstkritikere bestemt, at forfatteren er en gammel troende. Det usædvanlige ved ikonet var, at billedet blev krydset af smalle lodrette striber. Det er blevet antydet, at dette er spor af gitteret, der engang dækkede Kristi billede. Imidlertid viste løsningen på de mørke striber sig at være meget mere interessant, og den tilhører lederen af \u200b\u200bikonmaleri-værkstedet "Canon", kunstkritiker og kunstner Alexander Renzhin.

Det viser sig, at ikonet engang ikke indeholdt et, men tre billeder. Striberne er intet andet end spor af lodrette plader, der var fastgjort til ikonets ramme (oklad). De holdt sig tæt til overfladen og efterlod derfor spor. På begge sider af hver plade blev der malet (det er almindeligt at sige - skrevet) dele af yderligere to ikoner. Stående foran ikonet kunne du se et billede, der bevæger sig til venstre - et andet, til højre - et tredje. Ikonens plader gik tabt, men Renzhin formåede at finde nøjagtigt det samme hele ikon. Det viste sig, at dele af billederne af Guds Moder og Johannes Døberen var skrevet på 12 plader på begge sider. Når du ser på ikonet fra siden, kombineres billedets dele til en enkelt helhed.

I opbevaringsrummet på Museum of the History of Religions i Skt. Petersborg opbevares ikoner af en lignende type, men med et andet plot. I en af \u200b\u200bdem i forgrunden er en due, et symbol på Helligånden. Men så snart du bevæger dig til højre, vises billedet af Gud, faren, til venstre - Guds søns ansigt. Det er vanskeligt for en moderne seer, forkælet af lyseffekter, at forestille sig kraften i indtrykket af de tredobbelte ikoner på de troende i de sidste århundreder og endda i tusmørket i en kirke, der kun er tændt af stearinlys. Derudover blev en lignende teknik i det XX århundrede brugt til reklame, og derfor har den mistet sin unikhed.

Der er ikoner, hvis overflade ikke er flad, men profileret med lodrette riller med trekantet tværsnit. På den ene side af hver rille er der et billede set til venstre og på den anden - set til højre. Når du ser forfra, ser du en "blanding" af to billeder. Derfor blev der i kirken placeret et stort lysestage foran et sådant ikon, så det kun kunne ses fra to sider.

Der er et kirkemuseum ved kirken St. Mitrofan i Voronezh i Moskva på 2. Khutorskaya Street. Der, blandt andre interessante udstillinger, kan du se et tredobbelt billede. Dette er ikke et ikon, men et portræt af den kongelige familie. Stående foran portrættet ser du kejser Alexander III. Flyt til højre - billedet af kejserinde Maria Feodorovna vises. Seerne til venstre ser den unge arving, den fremtidige kejser Nicholas II. Et nysgerrigt træk ved billedet hjalp til med at fastslå tidspunktet for dets oprettelse. En blodig plet er synlig på Nikolais højre tempel. Dette er sporet af et japansk sværd. I 1890-1891 rejste arvingen verden rundt og blev myrdet i Japan. En japansk politibetjent slog Nikolai med et sværd, men den unge arving kom på afveje og modtog kun et mindre sår. Angriberen havde ikke tid til at slå anden gang, han blev slået ned, men ikke værterne, der modtog den fornemme gæst, men den græske prins George, der fulgte Nicholas.

LEGENDEN OM SAINT VERONICA

I 1879 blev der afholdt en udstilling med tyske kunstnere i Skt. Petersborg. En af dem, Gabriel von Max, præsenterede maleriet "St. Veronicas lommetørklæde", der skildrer et stykke ru lærred, der er spikret på væggen med Kristi ansigt i centrum. Det usædvanlige ved billedet var, at seerne kunne se Frelserens øjne enten lukkede eller åbne. Dags aviser skrev, at arrangørerne måtte sætte stole i hallen, da nogle af damerne besvimede og udbrød: "Ser ud! Ser ud!"

Naturligvis tiltrak det mystiske billede opmærksomhed fra storbykunstnere, der forsøgte at afsløre hemmeligheden, og kunstneren Ivan Kramskoy skrev en artikel om det til magasinet "Novoye Vremya", hvor han afslørede den teknik, som den tyske forfatter opnåede ønsket effekt.

Legenden om St. Veronica spredte sig over hele Europa i middelalderen. Senere blev det den officielle kirketradition, det vil sige den blev anerkendt som sand som beskrevet i evangeliet. Da Jesus Kristus blev ført til Golgata-bjerget for at blive korsfæstet der, tørrede en bestemt medfølende kvinde ved navn Veronica sved fra ansigtet med et lommetørklæde, der havde dækket hans øjne. På samme tid blev Frelserens ansigt i en tornekrone mirakuløst præget på tørklædet. Tradition dannede grundlaget for det ortodokse ikon "Frelser ikke skabt af hænder". For os, ikke-specialister, er den nemmeste måde at genkende dette ikon på billedet af et tørklæde, hvorpå Jesu ansigt er skrevet, selvom tørklædet i sig selv (oftere siger de "plat") er tegnet på forskellige måder og temmelig konventionelt. Vestlige kristne kalder dette billede "St. Veronicas tørklæde."

Fra kenderen af \u200b\u200brussisk kunst, præst Valentin Dronov, hørte jeg en historie, som jeg citerer her bogstaveligt: \u200b\u200b”To eller tre gange i mit liv måtte jeg se ikonet for Frelseren ikke skabt af hænder, der viste en vidunderlig ejendom. Jesu øjne på det syntes at være åbne eller lukkede. Den bedende persons sindstilstand. Hvis han var rolig, syntes Frelseren at sove. Hvis han var i agitation, åbnede hans øjne. " Fader Valentine holdt et fotografi af dette billede derhjemme, som gengives her.

Jeg har endnu ikke formået at finde noget lignende i vores museer. I guiden til Bethlehem, den by, hvor Kristus ifølge legenden blev født, siges det, at en af \u200b\u200bfreskerne på en søjle i Fødselskirken har den samme egenskab: "ansigtet på ikonet åbner og lukker øjne. "

Det beskrevne ikon er meget sjældent, derfor er ethvert vidnesbyrd fra folk, der har set eller i det mindste hørt om sådanne billeder, vigtige. Vi beder læserne om at sørge for at informere redaktionskontoret for tidsskriftet om dette.