De tre hovedfaser af europæisk musikalsk romantik fra det 19. århundrede - tidligt, modent og sent - svarer til udviklingsstadierne for østrigsk og tysk romantisk musik. Men denne periodisering skal konkretiseres og noget raffineres i forhold til de vigtigste begivenheder i hvert lands musikalske kunst.
Den tidlige fase af tysk-østrigsk musikalsk romantik dateres tilbage til 10-20'erne af det 19. århundrede, hvilket falder sammen med kulminationen på kampen mod Napoleons styre og den efterfølgende begyndelse af en mørk politisk reaktion. Begyndelsen på denne scene var præget af sådanne musikalske fænomener som operaerne "Undine" af Hoffmann (1913), "Sylvanas (1810)," Abu Hasan "(1811) og det programmerede klaverstykke" Invitation to Dance "(1815) af Weber, den første ægte originale Schuberts sange - "Margarita ved det spindende hjul" (1814) og "Forest Tsar" (1815). I 1920'erne blomstrede den tidlige romantik, da den tidligt uddøde Schuberts geni udviklede sig med fuld styrke, da The Magic Rifleman, Euryatus og Oberon dukkede op - de sidste tre mest perfekte operaer af Beber, i hans dødsår (1820) i den musikalske horisont blusser en ny "luminary" op - Mendelssohn - Bartholdi, der optrådte med en vidunderlig koncert ouverture - A Midsummer Night's Dream.
Den midterste fase falder hovedsageligt i 1930-40'erne, dens grænser bestemmes af julirevolutionen i Frankrig, som havde en betydelig indflydelse på de avancerede kredse i Østrig og især Tyskland, og revolutionen 1848-1949, der fejede kraftigt over Tysk-østrigske lande. I denne periode blomstrede kreativiteten hos Mendelssohn (død i 1147) og Schumann i Tyskland, hvis komponistaktivitet kun i nogle få år krydsede den angivne grænse; Marschner udelader Webers traditioner i sine operaer (hans bedste opera, Thaps Geilsch: r, blev skrevet i 1833); i denne periode gik Wagner fra en håbefuld komponist til skaberen af \u200b\u200bsådanne fremragende værker som Tannhäuser (1815) og Lohengrin (1848); dog er Wagners vigtigste kreative præstationer endnu ikke kommet. I Østrig er der på dette tidspunkt en vis lull inden for seriøse genrer, men skaberne af hverdagens dansemusik, Joseph Liner og faderen Johann Strauss, vinder berømmelse.
Den sene, postrevolutionære periode med romantik, der dækkede flere årtier (fra begyndelsen af \u200b\u200b50'erne og ca. til midten af \u200b\u200b90'erne), var forbundet med en spændt socio-politisk situation (Østrigs, Preussens rivalisering i foreningen af \u200b\u200btysk lande, fremkomsten af \u200b\u200bet forenet Tyskland under regeringen af \u200b\u200bdet militaristiske Preussen og den endelige politiske adskillelse af Østrig). På dette tidspunkt er problemet med en enkelt, almindelig tysk musikalsk kunst akut, modsætningerne mellem forskellige kreative grupper og individuelle komponister afsløres mere tydeligt, en kamp med tendenser opstår, som undertiden afspejles i opvarmet polemik på pressens sider . Liszt, der flyttede til Tyskland, gør forsøg på at forene landets progressive musikalske kræfter, men hans kreative principper forbundet med ideerne om radikal innovation baseret på programmatik deles ikke af alle tyske musikere. En særlig holdning indtages af Wagner, som absolutiserede det musikalske dramas rolle som "fremtidens kunst." På samme tid bliver Brahms, der formåede i sit arbejde at bevise den vedvarende betydning af mange klassiske musikalske traditioner i deres kombination med et nyt, romantisk perspektiv, i Wien som leder af anti-listen og anti-Wagner tendenser. Året 1876 er betydningsfuldt i denne henseende: premieren på Wagners ring af Nibelung finder sted i Bayreuth, og Wien stifter bekendtskab med den første symfoni af Brahms, der åbnede den periode, hvor hans værk blev blomstret højest.

Kompleksiteten i disse musikhistoriske situation i disse år er ikke begrænset til tilstedeværelsen af \u200b\u200bforskellige retninger med deres motiver - Leipzig, Weimar, Bayreuth. Wien. I Wien selv for eksempel er kunstnere, der er så forskellige fra hinanden, som Bruckner og Wolff, forenet af en fælles entusiastisk holdning til Wagner, men accepterede samtidig ikke hans princip om musikdrama.
I Wien skaber sønnen Johann Strauss, århundredets mest musikalske leder ”(Wagner). Hans vidunderlige vals og senere operetter gør Wien til det største center for underholdningsmusik.
De postrevolutionære årtier er stadig præget af nogle enestående fænomener med musikalsk romantik, tegn på den interne krise i denne tendens gør sig allerede bemærket. Således syntetiseres romantikeren i Brahms med klassicismens principper, og Hugo Wolff realiserer sig gradvist som en antiromantisk komponist. Kort sagt, romantiske principper mister deres eksklusive betydning, undertiden kombineret med nogle nye eller genoplivede klassiske tendenser.
Ikke desto mindre, selv efter midten af \u200b\u200b1980'erne, hvor romantikken tydeligt begynder at overleve sig selv, i Østrig og Tyskland er der stadig separate lyse blink af romantisk kreativitet: romantik er blæst i Brahms sidste klaverværker og de senere symfonier om Bruckner; de største komponister ved århundredeskiftet XIX og XX - østrigske Mahler og tyske Richard Strauss - i værkerne fra 80'erne og 90'erne manifesterer sig undertiden som typiske romantikere. Generelt bliver disse komponister en slags forbindelse mellem det "romantiske" nittende århundrede og de "anti-romantiske" tyverne.)
"Nærheden af \u200b\u200bØstrigs og Tysklands musikalske kultur på grund af kulturelle og historiske traditioner udelukker naturligvis ikke visse nationale forskelle. Musikalsk kreativitet og de opgaver, som musikerne står over for, var undertiden forskellige. Således i det tilbagestående Tyskland, overvinde den borgerlige stagnation var en snæver provinsialisme en særlig presserende opgave, som igen krævede uddannelsesaktiviteter af forskellige former fra avancerede repræsentanter for kunstforhold, kunne den fremragende tyske komponist ikke kun begrænse sig til at komponere musik, men han måtte blive en musikalsk og offentlig skikkelse. Og faktisk udførte tyske romantiske komponister kraftigt kulturelle og uddannelsesmæssige opgaver, hvilket bidrog til en generel stigning i niveauet for al musikalsk kultur i land: Weber - som operadirigent og musikkritiker, Mendelssohn - som koncertdirigent og en fremtrædende lærer, grundlægger af det første konservatorium i Tyskland; Schumann er en innovativ musikkritiker og skaberen af \u200b\u200ben ny type musikmagasin. Senere udviklede Wagners musikalske og sociale aktiviteter, sjældne i deres alsidighed, som en teatralsk og symfonisk dirigent, kritiker, æstetik, operareformator og grundlæggeren af \u200b\u200bet nyt teater i Bayreuth.
I Østrig med sin politiske og kulturelle centralisering (regimentet med Wiens hegemoni som et politisk og kulturelt centrum) med de implanterede illusioner om patriarkat, imaginær velstand og med den faktiske dominans af den mest brutale reaktion var bred offentlig aktivitet umulig1. Modsætningen mellem det civile patos i Beethovens værk og den store komponists tvungne sociale passivitet kan kun undlade at henlede opmærksomheden på sig selv i denne forbindelse. Hvad kan vi sige om Schubert, der dannede sig som kunstner i perioden efter Wien-kongressen i 1814-1815! Den berømte Schubert-cirkel var den eneste mulige form for at forene de avancerede repræsentanter for den kunstneriske intelligentsia, men en sådan cirkel i Metternichs Wien kunne ikke have en ægte offentlig resonans. Med andre ord, i Østrig var de største komponister næsten udelukkende skabere af musikværker: de kunne ikke bevise sig inden for musikalske og sociale aktiviteter. Dette gælder Schubert og Bruckner og sønnen Johann Strauss og nogle andre.
Imidlertid skal man i østrigsk kultur også bemærke sådanne karakteristiske faktorer, der har en positiv indflydelse på musikens kunst og samtidig give den en specifikt østrigsk, "wiener" smag. Koncentreret i Wien i en ejendommelig broget kombination skabte elementer fra den tyske, ungarske, italienske og slaviske kultur den rige musikalske grund, hvorpå Schuberts, Johann Strauss og mange andre komponisters kreative arbejde voksede. Kombinationen af \u200b\u200btyske nationale træk med ungarsk og slavisk blev senere karakteristisk for Brahms, der flyttede til Wien.

Specifikt for Østrigs musikalske kultur var den ekstremt brede udbredelse af forskellige former for underholdningsmusik - serenader, kasseringer, divertissementer, der indtog en fremtrædende plads i de wenske klassikere Haydn og Mozarts arbejde. I æraen med romantik blev vigtigheden af \u200b\u200bhverdagens underholdningsmusik ikke kun bevaret, men endnu mere styrket. Det er for eksempel vanskeligt at forestille sig Schuberts kreative udseende uden den folkedaglige strøm, der gennemsyrer hans musik, og som går tilbage til wienerfester, picnic, ferie i parker, til afslappet gademusik. Men allerede i Schuberts dage begyndte en stratificering at blive observeret inden for den professionelle musik fra Wien. Og hvis Schubert selv stadig kombinerede symfonier og sonater med valser og landere, der optrådte bogstaveligt i hundrederne1, såvel som marcher, økoser, polonaiser i sit arbejde, så lavede hans samtidige Liner og Strauss far dansemusik til grundlaget for deres aktiviteter. Senere finder denne "polarisering" udtryk i forholdet mellem to samtidige kreativitet - klassikeren af \u200b\u200bdans og operettemusik Johann Strauss søn (1825-1899) og symfonisten Bruckner (1824-1896).
Når man sammenligner østrigsk og tysk musik fra det 19. århundrede, opstår uundgåeligt spørgsmålet om musikteater. I Tyskland af romantikens æra var opera, der startede med Hoffmann, af største betydning som en genre, der i fuld udstrækning kunne udtrykke de nuværende problemer i national kultur. Og det er ikke tilfældigt, at det musikalske drama Wagnerad var en storslået erobring af det tyske teater. I Østrig blev Schuberts gentagne forsøg på at opnå succes på teaterområdet ikke kronet med succes. Stimuli for seriøs operakreativitet bidrog ikke til skabelsen af teatralske værker af "grand style." Men folkemusikoptrædener af en komediefigur blomstrede - sangene fra Ferdinand Raimund med musikken af \u200b\u200bWenzel Müller og Joseph Drexler og senere - de indenlandske sangspil af I. N. Nestroy (1801- 1862) Som et resultat af dette bestemte ikke et musikdrama, men den wieneropera, der opstod i 70'erne, præstationerne fra det østrigske musikteater på europæisk skala.
På trods af alle disse og andre forskelle i udviklingen af \u200b\u200bøstrigsk og tysk musik er funktionerne ved fælles i begge landes romantiske kunst meget mere synlige. Hvad er de specifikke træk, der adskiller værkerne fra Schubert, Weber og deres nærmeste efterfølgere - Mendelssohn og Schumann - fra den romantiske musik i andre europæiske lande?
Intime, sjælfulde tekster, dækket af ærbødighed, er især typiske for Schubert, Weber, Mendelssohn, Schumann. Deres musik domineres af den melodiøse, rent vokale i sin oprindelsesmelodi, som normalt er forbundet med begrebet den tyske "Lied". Denne stil er lige så karakteristisk for sange og mange af Schuberts melodiøse instrumentale temaer, Webers lyriske operaarier, Mendelssohns sange uden ord, Schumanns "Ebzebi" -billeder. Melodien iboende i denne stil adskiller sig imidlertid fra Bellinis specifikt italienske opera cantilena såvel som fra de berørte-deklamatoriske sætninger, der er karakteristiske for franske romantikere (Berlioz, Menerbeer).
Sammenlignet med progressiv fransk romantik, der er kendetegnet ved dens opløftende og effektivitet, fyldt med civilt, heroisk-revolutionær patos, ser den østrigske og tyske romantik i det hele taget mere kontemplativ, selvdypende, subjektivt lyrisk. Men dens vigtigste styrke ligger i afsløringen af \u200b\u200ben persons indre verden i den dybe psykologi, som især blev fuldstændigt afsløret i østrigsk og tysk musik, hvilket forårsagede den uimodståelige kunstneriske indvirkning af mange musikværker. Det. udelukker imidlertid ikke nogle lyse manifestationer af heroisme og patriotisme i værkerne fra romantikerne i Østrig og Tyskland. Sådan er den mægtige heroisk-episke symfoni i C-dur af Schubert og nogle af hans sange (til chaufføren Kronos, gruppe fra helvede og andre), korcyklussen Lyre and the Sword af Weber (til versene fra den patriotiske digter T. Kerner "Symphonic Etudes" Schumann, hans sang "Two Grenadiers", til sidst individuelle heroiske sider i sådanne værker som "Scottish Symphony" af Mendelssohn (apoteose i finalen), "Carnival" af Schumann (finale, hans tredje symfoni (første sats plan., kampens titanisme genoplives på et nyt grundlag senere - i Wagners heroisk-episke musikdramaer. I de allerførste faser af tysk-østrigsk romantik udtrykkes det aktive, aktive princip meget oftere i patetisk, agiterede, oprørske billeder, men ikke reflekterende, som i Beethoven, er Schuberts sange "Shelter" og "Atlant", Schumanns florentinske billeder, hans overture "Manfred", overture "Rune Blaz" af Mendelssohn.

Naturbilleder indtager en yderst vigtig plads i østrigske og tyske romantiske komponisters arbejde. Særligt stor er den "empatiske" rolle af naturbilleder i Schuberts vokalcyklusser og i cyklen "Poet's Love" af Schumann. Det musikalske landskab er bredt udviklet i Mendelssohns symfoniske værker; det er hovedsageligt forbundet med havelementerne ("Scottish Symphony", overtures "Hebrides", "Sea calm and happy sailing"). Men et karakteristisk tysk træk ved landskabsbilleder var, at "skovromantik", der er så poetisk legemliggjort i introduktionen af \u200b\u200bWebers overtures til "The Magic Archer" og "Oberon", i "Nocturne" fra Mendelssohns musik til Shakespeares komedie "A Midsummer Night's Drøm." Herfra strækker tråde sig til sådanne Bruckners symfonier som den fjerde (romantiske) og syvende, til det symfoniske landskab Skovens rustling i Wagners tetralogi, til billedet af skoven i Mahlers første symfoni.
Den romantiske længsel efter idealet i tysk-østrigsk musik finder et specifikt udtryk, især i temaet vandring, søgen efter lykke i et andet ukendt land. Dette blev tydeligst set i Schuberts arbejde (The Wanderer, The Beautiful Miller Woman, The Winter Path) og senere i Wagners billeder af den flyvende hollænder, Wotan den rejsende, den vandrende Siegfried. Denne tradition i 80'erne fører til Mahlers cyklus "Songs of the Wandering Apprentice".
Den store vægt, der lægges på billeder af det fantastiske, er også et typisk nationalt træk ved tysk-østrigsk romantik (det havde direkte indflydelse på den franske romantiker Berlioz). Dette er for det første ondskabens fantasi, dæmonisme, der fandt sin mest levende udførelsesform i Siena i Ulvedalen fra Webers opera The Magic Archer, i Marschners Vampire, Mendelssohns Walpurgis Night-kantate og en række andre værker. For det andet er fiktion lys, subtilt poetisk og smelter sammen med smukke naturbilleder fulde af begejstring: scener i Webers opera "Oberon", Mendelssohns overture "En midtsommernatts drøm" og derefter billedet af Wagners Lohengrin, gralens budbringer. Et mellemliggende sted hører her til mange Schumanns billeder, hvor fiktion rummer en vidunderlig, bizar begyndelse uden meget at understrege problemet med ondt og godt.
Inden for det musikalske sprog udgjorde østrigsk og tysk romantik en hel æra, yderst vigtig set fra den generelle udvikling af det ekspressive kunstmiddel. Uden at dvæle ved originalitetens stil for hver større komponist individuelt, lad os bemærke de mest almindelige træk og tendenser.

Det bredt implementerede princip om "sang" - en typisk generel tendens i romantiske komponisters arbejde - strækker sig også til deres instrumentale musik. Det opnår en stor individualisering af melodien ved hjælp af en karakteristisk kombination af korrekt sang og deklamations drejninger, sang af fundamenter, kromatisering osv. Det harmoniske sprog beriges: klassiske typiske harmoniske formler erstattes af en mere fleksibel og varieret harmoni , rollen som pluralitet og sekundære niveauer af tilstand øges. Den farverige side af harmoni er af stor betydning. Den gradvis stigende interpenetration af dur og mindre er også karakteristisk. Så fra Schubert kommer i det væsentlige traditionen med det samme navn i major-minor sammenligninger (oftere en major efter en mindreårig), da dette i hans arbejde er blevet en favorit teknik. Anvendelsesområdet for den harmoniske dur udvides (mindre underdominerende i cadenzas af større værker er særligt karakteristiske). I forbindelse med individets vægt, identifikationen af \u200b\u200bde sludrede detaljer i billedet, er der også erobringer inden for orkestrering (betydningen af \u200b\u200bspecifik klangfarvning, den stigende rolle som soloinstrumenter, opmærksomhed på nye udførende strengsstreger , etc.). Men orkesteret selv ændrer grundlæggende ikke sin klassiske komposition endnu.
Tyske og østrigske romantikere var i højere grad grundlæggerne af det romantiske program (Berlioz kunne stole på deres præstationer i sin Fantastic Symphony). Og skønt det ser ud til, at programmatikken som sådan ikke er karakteristisk for den østrigske romantiker Schubert, mætningen af \u200b\u200bklaverdelen af \u200b\u200bhans sange med billedmomenter, tilstedeværelsen af \u200b\u200belementer af skjult programmerbarhed til stede i dramaet i hans store instrumentale værker, bestemte komponistens betydelige bidrag til udviklingen af \u200b\u200bprogrammatiske principper i musik. Tyske romantikere har allerede et udtalt ønske om programmatik både inden for klavermusik (Webers invitation til dans, Concertstuck, Schumanns Suite Cycles, sange uden ord af Mendelssohn) og i symfonisk musik (Webers opera-ouverturer, koncert ouverturer, Mendelssohns overture, overture "Manfred" af Schumann).
Østrigske og tyske romantikers rolle er stor til at skabe nye kompositionsprincipper. Klassikernes sonatesymfoniske cyklusser erstattes af instrumentale miniaturer; cykliseringen af \u200b\u200bminiaturer, levende udviklet inden for vokaltekster i Schubert, overføres til instrumentalmusik (Schumann). Store kompositioner med en bevægelse dukkede også op og kombinerede principperne om sonate og cyklisme (klaverfantasi i C-dur af Schubert, "Concertstuck" af Weber, den første sats af fantasy i C-dur af Schumann). Sonatesymfoniske cyklusser gennemgår igen betydelige ændringer blandt romantikere, forskellige typer "romantisk sonate" og "romantisk symfoni" vises. Men alligevel var den største erobring en ny kvalitet af musikalsk tænkning, som førte til skabelsen af \u200b\u200bminiaturer med fuldt indhold og kraften til udtryksevne - den specielle koncentration af musikalsk udtryk, der gjorde en enkelt sang eller en-delt klaverstykke i fokus for dyb ideer og oplevelser.

I spidsen for den hurtigt udviklende østrigske og tyske romantik i første halvdel af det 19. århundrede var personligheder ikke kun begavede af geni, men også avancerede i deres synspunkter og ambitioner. Dette bestemte den vedvarende betydning af deres musikalske kreativitet, dens betydning som en "ny klassiker", hvilket blev klart allerede ved slutningen af \u200b\u200bårhundredet, da de musikalske klassikere i landene på det tyske sprog i det væsentlige var repræsenteret ikke kun af de store komponister fra det 18. århundrede og Beethoven, men også af de store romantikere - Schubert, Schumann, Weber, Mendelssohn. Disse bemærkelsesværdige repræsentanter for musikalsk romantik, der dybt respekterede deres forgængere og udviklede mange af deres præstationer, formåede på samme tid at åbne en helt ny verden af \u200b\u200bmusikalske billeder og de tilsvarende kompositionsformer. Den fremherskende personlige tone i deres arbejde var i harmoni med stemningen og tankerne hos de demokratiske masser. De bekræftede i musik den karakter af udtryksevne, som BV Asafiev med rette karakteriserede som "livlig kommunikativ tale, fra hjerte til hjerte", og som gør Schubert og Schumann beslægtet med Chopin, Grieg, Tchaikovsky og Verdi. Asafiev skrev om den humanistiske værdi af den romantiske musikalske retning: ”Personlig bevidsthed manifesteres ikke i dens isolerede, stolte isolation, men i en slags kunstnerisk afspejling af alt, hvad mennesker lever med, og hvad der altid og uundgåeligt ophidser dem. I en sådan enkelhed lyder altid smukke tanker og tanker om livet - koncentrationen af \u200b\u200bdet bedste, der er i en person. "

Zweig havde ret: Europa har ikke set en så smuk generation som romantikere siden renæssancen. Vidunderlige billeder af drømmeverdenen, nøgne følelser og stræben efter sublim spiritualitet - det er farverne i den romantiske musikalske kultur.

Fremkomsten af \u200b\u200bromantikken og dens æstetik

Mens en industriel revolution fandt sted i Europa, knuste håbene på den store franske revolution i europæernes hjerter. Fornuftskulten, der blev proklameret af oplysningstiden, blev væltet. Følelsen af \u200b\u200bkult og det naturlige princip i mennesket er steget op til piedestalen.

Sådan optrådte romantikken. I den musikalske kultur eksisterede det i lidt mere end et århundrede (1800-1910), mens det på beslægtede områder (maleri og litteratur) udløb et halvt århundrede tidligere. Måske er dette musikens "skyld" - det var hun, der var på toppen blandt kunsten blandt romantikerne som den mest åndelige og frieste af kunsten.

Imidlertid byggede romantikerne, i modsætning til repræsentanter for antikken og klassicismen, ikke et hierarki af kunst med sin klare opdeling i typer og. Det romantiske system var universelt, kunsten kunne frit gå ind i hinanden. Idéen om kunstens syntese var en af \u200b\u200bde vigtigste i romantikens musikalske kultur.

Dette forhold relaterede sig også til kategorierne af æstetik: det var perfekt kombineret med det grimme, det høje med basen, det tragiske med tegneserien. Sådanne overgange var forbundet med romantisk ironi, det afspejlede også et universelt billede af verden.

Alt, hvad der havde med skønhed at gøre, fik en ny betydning blandt romantikere. Naturen blev et genstand for tilbedelse, kunstneren blev afgudet som den højeste af dødelige, og følelser blev ophøjet over fornuften.

Den åndelige virkelighed blev kontrasteret med en drøm, smuk men uopnåelig. Den romantiske byggede ved hjælp af hans fantasi sin nye verden i modsætning til andre virkeligheder.

Hvilke temaer valgte romantikernes kunstnere?

Romantikernes interesser manifesterede sig tydeligt i valget af temaer, de valgte i kunsten.

• Ensomhedstema... Et undervurderet geni eller en ensom person i samfundet - disse temaer var hovedtemaerne for komponisterne i denne æra ("En digters kærlighed" af Schumann, "Uden solen" af Mussorgsky).
• Temaet for "lyrisk tilståelse"... Mange opus af romantiske komponister har et strejf af selvbiografi (Schumanns karneval, Berliozs fantastiske symfoni).
• Kærlighedstema. Dybest set er dette temaet for ubesvaret eller tragisk kærlighed, men ikke nødvendigvis ("En kvindes kærlighed og liv" af Schumann, "Romeo og Juliet" af Tchaikovsky).
• Sti tema. Hun kaldes også temaet for vandringer... Sjælen hos en romantiker, revet fra hinanden af \u200b\u200bmodsætninger, ledte efter sin egen vej ("Harold i Italien" af Berlioz, "Years of Wanderings" af Liszt).
• Dødens tema. Dybest set var det åndelig død (Tsjajkovskijs sjette symfoni, Schuberts vintervej).
• Natur tema. Natur i øjnene på en romantisk og beskyttende mor og empatisk ven og straffende skæbne ("Hebrider" af Mendelssohn, "I Centralasien" af Borodin). Det oprindelige lands kult (polonaiser og Chopins ballader) er også forbundet med dette tema.
• Science fiction-tema. Den imaginære verden for romantikere var meget rigere end den virkelige (The Magic Shooter af Weber, Sadko af Rimsky-Korsakov).

Musikalske genrer fra romantikken

Den musikalske kultur af romantikken gav drivkraft til udviklingen af \u200b\u200bgenren i kammervokale tekster: ballade ("Skovkongen" af Schubert), digt ("The Lady of the Lake" af Schubert) og sange ofte kombineret til cyklusser (Schumann's Myrtles).

Romantisk opera blev ikke kun kendetegnet ved det fantastiske plot, men også ved den stærke forbindelse mellem ord, musik og scenehandling. Symfoniseringen af \u200b\u200boperaen finder sted. Det er tilstrækkeligt at huske Wagners ring af Nibelungerne med et udviklet netværk af leitmotiver.

Blandt de instrumentale genrer skelnes romantik klaver miniature. For at formidle et billede eller et øjebliksstemning er et lille stykke nok for dem. På trods af dets omfang ser stykket udtryk ud. Det kan hun være "sang uden ord" (som Mendelssohn), mazurka, vals, nocturne eller stykker med programnavne (Schumanns "Impulse").

Ligesom sange kombineres skuespil undertiden i cykler (Schumanns sommerfugle). Samtidig har de dele af cyklussen, der er stærkt kontrasterende, altid dannet en enkelt komposition på grund af musikalske forbindelser.

Romantikere elskede programmusik, der kombinerede den med litteratur, maleri eller anden kunst. Derfor styrede handlingen ofte i deres skrifter. En-delte sonater (Liszts sonate i B-mol), en-delte koncerter (Liszts første klaverkoncert) og symfoniske digte (Liszt's Preludes), en fem-delt symfoni (Berlioz's Fantastic Symphony) dukkede op.

Det musikalske sprog for romantiske komponister

Syntesen af \u200b\u200bkunst, fejret af romantikere, påvirkede midlerne til musikalsk udtryk. Melodien er blevet mere individuel, lydhør over ordets poetik, og akkompagnementet er ophørt med at være neutral og typisk i tekstur.

Harmonien blev beriget med hidtil usete farver for at fortælle om den romantiske heltes oplevelser. De romantiske intonationer af længsel formidlede således ændrede harmonier, der forstærker spændingen. Romantikere elskede virkningen af \u200b\u200bchiaroscuro, da dur blev erstattet af mindreårige med samme navn, og akkorderne i sidetrinene og smukke sammenligninger af tonaliteter. Nye effekter blev også fundet i, især når det var nødvendigt at formidle folkeånd eller fantastiske billeder i musik.

Samlet set stræbte romantikernes melodi sig efter kontinuitet i udviklingen, afviste enhver automatisk gentagelse, undgik regelmæssigheden af \u200b\u200baccenter og indåndede udtryksfuldhed i hvert af dens motiver. Og tekstur er blevet et så vigtigt led, at dets rolle kan sammenlignes med en melodis rolle.

Hør, hvad en vidunderlig mazurka Chopin har!

I stedet for en konklusion

Romantikens musikalske kultur ved begyndelsen af \u200b\u200bdet 19. og 20. århundrede oplevede de første tegn på en krise. Den "frie" musikalske form begyndte at gå i opløsning, harmoni hersket frem for melodi, de romantiske sjæls høje følelser gav plads til smertefuld frygt og basale lidenskaber.

Disse destruktive tendenser bragte romantikken til en ende og banede vejen for modernismen. Men efter at have afsluttet som en retning, fortsatte romantikken med at leve i det 20. århundredes musik og i det nuværende århundredes musik i dens forskellige komponenter. Blok havde ret, da han sagde, at romantik vises "i alle epoker af menneskeliv."

Den korteste musikhistorie. Den mest komplette og korteste reference af Henley Daren

Sent romantikere

Sent romantikere

Mange af komponisterne i denne periode fortsatte med at skrive musik langt ind i det 20. århundrede. Vi taler imidlertid om dem her og ikke i det næste kapitel af grunden til, at romantikens ånd var stærk i deres musik.

Det skal bemærkes, at nogle af dem opretholdt tætte bånd og endda venskab med de komponister, der er nævnt i underafsnittene "Early Romantics" og "Nationalists".

Derudover skal man huske på, at der i denne periode i forskellige europæiske lande var så mange fremragende komponister, at enhver opdeling af dem efter ethvert princip overhovedet ville være helt betinget. Hvis der i forskellig litteratur om den klassiske periode og barokperioden nævnes omtrent de samme tidsrammer, er den romantiske periode defineret forskelligt overalt. Linjen mellem slutningen af \u200b\u200bden romantiske periode og begyndelsen af \u200b\u200bdet 20. århundrede synes at være meget sløret i musik.

Den førende komponist i det 19. århundrede Italien var utvivlsomt Giuseppe Verdi. Denne mand kiggede på os med skinnende øjne med en tyk overskæg og øjenbryn stod et helt hoved over alle andre operakomponister.

Alle Verdis kompositioner er bogstaveligt talt overfyldte med lyse, iørefaldende melodier. I alt skrev han 26 operaer, hvoraf de fleste regelmæssigt opføres i dag. Blandt dem er de mest berømte og mest fremragende værker af opera kunst nogensinde.

Verdis musik blev meget værdsat i komponistens levetid. Ved premieren Hades publikum gav en så langvarig bifald, at kunstnerne måtte gå ud for at bøje 32 gange.

Verdi var en rig mand, men penge kunne ikke redde både komponistens hustruer og to børn fra den tidlige død, så der var tragiske øjeblikke i hans liv. Han testamenterede sin formue til børnehjemmet til gamle musikere, bygget under hans ledelse i Milano. Verdi selv betragtede oprettelsen af \u200b\u200bet husly og ikke musik som sin største bedrift.

På trods af at Verdis navn primært er forbundet med operaer, er det umuligt ikke at nævne det Requiem, som betragtes som et af de fineste eksempler på kormusik. Den er fuld af drama, og nogle funktioner i operaen glider igennem den.

Vores næste komponist er på ingen måde den mest charmerende person. Faktisk er dette den mest skandaløse og kontroversielle figur af alle, der er nævnt i vores bog. Hvis vi kun lavede en liste baseret på personlige egenskaber, så Richard Wagner ville aldrig slå ham. Imidlertid styres vi udelukkende af musikalske kriterier, og historien om klassisk musik er utænkelig uden denne mand.

Wagners talent er ubestrideligt. Fra under hans pen kom nogle af de mest betydningsfulde og imponerende musikalske kompositioner gennem hele romantikens periode - især opera. Samtidig taler de om ham som en antisemit, racistisk bureaukrati, den sidste bedrager og endda en tyv, der ikke tøver med at tage alt, hvad han har brug for, og uhøfligt uden anger. Wagner havde en hypertrofieret selvtillid, og han mente, at hans geni løftede ham frem for alle andre mennesker.

Wagner huskes for sine operaer. Denne komponist tog tysk opera til et helt nyt niveau, og selvom han blev født på samme tid som Verdi, var hans musik meget forskellig fra de italienske værker fra den periode.

En af Wagners innovationer var, at hver hovedperson havde sit eget musikalske tema, som blev gentaget hver gang, så snart han begyndte at spille en vigtig rolle på scenen.

I dag virker det selvindlysende, men på det tidspunkt gjorde denne idé en reel revolution.

Wagners største præstation var cyklussen Ring af Nibelung, bestående af fire operaer: Rhinguld, Valkyrie, Siegfried og Gudernes død. De spilles normalt fire nætter i træk, og i alt varer de cirka femten timer. Disse operaer alene ville have været nok til at ære deres komponist. På trods af al tvetydighed i Wagner som person, må det indrømmes, at han var en fremragende komponist.

Et særpræg ved Wagners operaer kan kaldes deres varighed. Hans sidste opera Parsifal varer over fire timer.

Dirigent David Randolph sagde engang om hende:

"Dette er en opera fra kategorien af \u200b\u200bdem, der starter klokken seks, og når du tre timer senere ser på dit armbåndsur, viser det sig, at den viser 6:20."

Et liv Anton Bruckner som komponist er en lektion i, hvordan man ikke giver op og insisterer på sin egen. Han praktiserede tolv timer om dagen, brugte al sin tid på arbejde (han var organist) og lærte meget i musik alene, da han var færdig med at mestre skrivefærdighederne ved korrespondance i en ret moden alder - syvogtredive år.

I dag huskes ofte Bruckners symfonier, hvoraf han skrev i alt ni stykker. Til tider blev han grebet af tvivl om hans solvens som musiker, men han opnåede stadig anerkendelse, omend i slutningen af \u200b\u200bsit liv. Efter at have udført det Symfonier nr. 1 kritikere rosede endelig komponisten, som på det tidspunkt allerede var fireogfyrre år gammel.

Johannes Brahms ikke en af \u200b\u200bde komponister, der så at sige blev født med en sølvpind i hånden. På tidspunktet for hans fødsel havde familien mistet deres tidligere rigdom og knap nok nået enderne. Som teenager tjente han til livets ophold ved at lege på bordeller i sin hjemby Hamborg. Da Brahms blev voksen, blev han uden tvivl bekendt med langt fra de mest attraktive aspekter af livet.

Brahms 'musik blev fremmet af hans ven, Robert Schumann. Efter Schumanns død blev Brahms tæt på Clara Schumann og blev til sidst endda forelsket i hende. Det vides ikke nøjagtigt, hvilken slags forhold de forbandt, selvom følelser for hende sandsynligvis spillede en rolle i hans forhold til andre kvinder - han gav ikke sit hjerte til nogen af \u200b\u200bdem.

Som person var Brahms ret uhæmmet og irritabel, men hans venner hævdede, at der var mildhed i ham, skønt han ikke altid demonstrerede det for andre. En dag vendte han hjem fra en fest og sagde:

"Hvis jeg ikke har fornærmet nogen der, så beder jeg dem om tilgivelse."

Brahms ville ikke have vundet konkurrencen om den mest moderigtige og elegant klædte komponist. Han kunne ikke lide at købe nyt tøj forfærdeligt og havde ofte de samme baggy bukser med pletter, næsten altid for korte til ham. Under en forestilling faldt hans bukser næsten af. Ved en anden lejlighed måtte han fjerne slipsen og bælte sig med det i stedet for et bælte.

Brahms musikalske stil blev stærkt påvirket af Haydn, Mozart og Beethoven, og nogle musikhistorikere hævder endda, at han skrev i en ånd af klassicisme, på det tidspunkt allerede ude af mode. Samtidig ejer han også flere nye ideer. Især var han i stand til at udvikle små musikstykker og gentage dem gennem hele arbejdet - hvad komponister kalder "et gentaget motiv".

Brahms skrev ikke operaer, men han prøvede sig selv i næsten alle andre genrer af klassisk musik. Derfor kan han kaldes en af \u200b\u200bde største komponister, der er nævnt i vores bog, en ægte gigant af klassisk musik. Selv talte han sådan om sit arbejde:

"At skrive er ikke svært, men det er overraskende svært at kaste ekstra noter under bordet."

Max Bruch blev født kun fem år efter Brahms, og sidstnævnte ville helt sikkert overskygge ham, hvis ikke for et arbejde, Violinkoncert nr. 1.

Bruch selv indrømmede denne kendsgerning med beskedenhed usædvanlig for mange komponister og hævdede:

"Om halvtreds år fremover vil Brahms blive kaldt en af \u200b\u200bde største komponister nogensinde, og jeg vil blive husket for at have skrevet violinekoncerten i g-mol."

Og han havde ret. Sandt nok har Brujah selv noget at huske! Han komponerede mange andre værker - omkring to hundrede i alt - især til kor og operaer, som sjældent er iscenesat i disse dage. Hans musik er melodisk, men han bragte ikke noget særligt nyt til dens udvikling. På hans baggrund ser mange andre komponister fra den tid ud til at være virkelige innovatorer.

I 1880 blev Bruch udnævnt til dirigent for Liverpool Royal Philharmonic Society, men efter tre år vendte han tilbage til Berlin. Orkesterets musikere var ikke tilfredse med ham.

På siderne i vores bog har vi allerede mødt mange vidunderlige musikalske vidunder Camille Saint - Saens indtager ikke det sidste sted blandt dem. I en alder af to valgte Saint - Saens allerede melodier på klaveret, og han lærte at læse og skrive musik på samme tid. I en alder af tre spillede han stykker af sin egen komposition. I en alder af ti sang han smukt Mozart og Beethoven. Samtidig blev han alvorligt interesseret i entomologi (sommerfugle og insekter) og derefter i andre videnskaber, herunder geologi, astronomi og filosofi. Det så ud til, at et så talentfuldt barn simpelthen ikke kan begrænses til en ting.

Efter at have afsluttet sine studier på Paris Conservatory arbejdede Saint - Saens i mange år som organist. Med alderen begyndte han at påvirke Frankrigs musikalske liv, og det var takket være ham, at musikken fra sådanne komponister som J.S.Bach, Mozart, Handel og Gluck begyndte at blive udført oftere.

Den mest berømte sammensætning af Saint - Saens - Karneval af dyr, som komponisten forbød at opføre i løbet af sin levetid. Han var bekymret for, at musikkritikerne, efter at have hørt dette stykke, ville finde det for useriøst. Det er trods alt sjovt, når orkestret på scenen skildrer en løve, høner med en hane, skildpadder, en elefant, en kænguru, et akvarium med fisk, fugle, et æsel og en svane.

Nogle af hans andre kompositioner Saint - Saens skrev for ikke så almindelige kombinationer af instrumenter, inklusive de berømte "Orgel" symfoni nr. 3, lød i filmen "Babe".

Saint Saens musik påvirkede andre franske komponisters arbejde, herunder Gabriel Fauré. Denne unge mand arvede stillingen som organist i den parisiske kirke Saint Magdalene, der tidligere var besat af Saint - Saens.

Og selvom Forets talent ikke kan sammenlignes med hans lærers talent, var han en fremragende pianist.

Faure var ikke en rig mand og arbejdede derfor hårdt på at spille orgel, lede koret og give lektioner. Han var engageret i skrivning på fritiden, hvilket var meget lidt, men på trods af dette formåede han at udgive mere end to hundrede og halvtreds af hans værker. Nogle af dem blev komponeret i meget lang tid: for eksempel arbejde på Requiem varede mere end tyve år.

I 1905 blev Fauré direktør for Paris Conservatory, det vil sige den mand, som udviklingen af \u200b\u200bfransk musik på det tidspunkt stort set var afhængig af. Fauré trak sig tilbage efter femten år. I slutningen af \u200b\u200bsit liv led han af høretab.

I dag respekteres Foret uden for Frankrig, skønt han er mest værdsat der.

For fans af engelsk musik ser udseendet af en sådan figur som Edward Elgar, må have virket som et rigtigt mirakel. Mange musikhistorikere kalder ham den første betydningsfulde engelske komponist efter Henry Purcell, der skrev i barokperioden, skønt vi tidligere nævnte Arthur Sullivan.

Elgar var meget glad for England, især hans hjemland Worcestershire, hvor han tilbragte det meste af sit liv med at finde inspiration inden for Molvern Hills marker.

Som barn var han omgivet af musik overalt: hans far ejede en lokal musikbutik og lærte lille Elgar at spille forskellige musikinstrumenter. I en alder af tolv udskiftede drengen allerede organisten ved gudstjenester.

Efter at have arbejdet på advokatens kontor besluttede Elgar at afsætte sig til en meget mindre pålidelig beskæftigelse fra et økonomisk synspunkt. I nogen tid arbejdede han på deltid, underviste i violin og klaver, spillede i lokale orkestre og dirigerede endda lidt.

Gradvis voksede Elgars berømmelse som komponist, skønt han måtte kæmpe for at komme uden for sit hjemland. De bragte ham berømmelse Variationer på et originalt tema, som nu er bedre kendt som Enigma variationer.

Nu opfattes Elgars musik som meget engelsk og lyder under de største begivenheder på nationalt plan. Ved de første lyde af det Koncert til cello det engelske landskab præsenteres straks. Nimrod af Variationer spilles ofte ved officielle ceremonier, og Højtidelig og ceremoniel march nr. 1, kendt som Et land med håb og herlighed udført på proms i hele Storbritannien.

Elgar var en familiemand og elskede et roligt og ordentligt liv. Ikke desto mindre satte han sit præg på historien. Denne komponist med en tyk busket overskæg kan straks bemærkes på den tyve pund lange seddel. Det er klart, at valuta-designerne fandt dette ansigtshår meget vanskeligt at forfalske.

I Italien blev Giuseppe Verdis efterfølger inden for operakunsten Giacomo Puccini, betragtes som en af \u200b\u200bde anerkendte verdensmestre i denne kunstform.

Puccini-familien har længe været forbundet med kirkemusik, men da Giacomo først hørte opera Aida Verdi, han indså, at dette var hans kald.

Efter at have studeret i Milano komponerer Puccini en opera Manon Lescaut, hvilket bragte ham hans første store succes i 1893. Derefter fulgte den ene succesrige produktion den anden: Bøhmen i 1896, Længsel i 1900 og Madame Butterfly i 1904.

I alt komponerede Puccini tolv operaer, hvoraf den sidste var Turandot. Han døde uden at fuldføre dette arbejde, og en anden komponist afsluttede værket. Ved premieren på operaen stoppede dirigenten Arturo Toscanini orkestret nøjagtigt, hvor Puccini var stoppet. Han vendte sig mod publikum og sagde:

Med Puccinis død sluttede storhedstid for italiensk operakunst. Italienske operakomponister vil ikke længere blive nævnt i vores bog. Men hvem ved, hvad fremtiden bringer for os?

I livet Gustav Mahler var bedre kendt som dirigent end komponist. Han ledede om vinteren, og om sommeren foretrak han som regel at være engageret i skrivning.

Det siges, at Mahler som barn fandt et klaver på loftet i sin bedstemors hus. Fire år senere, i en alder af ti, havde han allerede givet sin første forestilling.

Mahler studerede ved Wiener Konservatorium, hvor han begyndte at komponere musik. I 1897 blev han direktør for Wiener Staatsopera og i løbet af de næste ti år opnået betydelig berømmelse på dette område.

Selv begyndte han at skrive tre operaer, men afsluttede dem aldrig. I vores tid er han primært kendt som en komponist af symfonier. I denne genre ejer han et af de rigtige "hits" - Symfoni nr. 8, under opførelsen, hvor mere end tusind musikere og sangere er involveret.

Efter Mahlers død gik hans musik af mode i halvtreds år, men i anden halvdel af det 20. århundrede genvandt den popularitet, især i Storbritannien og USA.

Richard Strauss blev født i Tyskland og tilhørte ikke det Wiener Strauss-dynasti. På trods af at denne komponist levede i næsten hele første halvdel af det 20. århundrede, betragtes han stadig som en repræsentant for tysk musikalsk romantik.

Richard Strauss verdensomspændende popularitet led lidt af det faktum, at han besluttede at blive i Tyskland efter 1939, og efter anden verdenskrig blev han endda beskyldt for at samarbejde med nazisterne.

Strauss var en fremragende dirigent, takket være hvilken han perfekt forstod, hvordan et eller andet instrument skulle lyde i et orkester. Han anvendte ofte denne viden i praksis. Han gav også forskellige råd til andre komponister, som:

"Se aldrig på tromboner, du opmuntrer dem kun."

”Sved ikke, mens du optræder; kun lyttere skal blive varme. "

I dag huskes Strauss primært i forbindelse med hans komposition Så sagde Zarathustra, en introduktion, som Stanley Kubrick brugte i sin 2001 A Space Odyssey. Men han skrev også nogle af de fineste tyske operaer, blandt dem - Rosens ridder, Salome og Ariadne på Naxos. Et år før sin død komponerede han også meget smuk Fire sidste sange til stemme og orkester. Generelt var dette ikke de allerførste sange fra Strauss, men de blev en slags finale på hans kreative aktivitet.

Indtil nu var der blandt de komponister, der er nævnt i denne bog, kun en repræsentant for Skandinavien - Edvard Grieg. Men nu transporteres vi igen til dette barske og kolde land - denne gang til Finland, hvor vi blev født Jan Sibelius, stort musikalsk geni.

Sibelius musik absorberede myterne og legenderne i hans hjemland. Hans største arbejde Finland, betragtes som udførelsesformen for finnernes nationale ånd, ligesom Elgars værker anerkendes som en national skat i Storbritannien. Desuden var Sibelius, ligesom Mahler, en sand mester i symfonier.

Med hensyn til komponistens andre afhængighed var han i sit daglige liv overdrevent afhængig af at drikke og ryge, så han i en alder af fyrre blev syg med kræft i halsen. Han havde ofte ikke nok penge, og staten tildelte ham en pension, så han kunne fortsætte med at skrive musik uden at bekymre sig om hans økonomiske velbefindende. Men mere end tyve år før sin død stoppede Sibelius overhovedet med at komponere noget. Han levede resten af \u200b\u200bsit liv i relativ ensomhed. Han talte særligt hårdt om dem, der modtog penge til anmeldelser af hans musik:

”Vær ikke opmærksom på, hvad kritikerne siger. Indtil nu har ikke en eneste kritiker fået en statue. "

Den sidste på vores liste over komponister fra den romantiske periode overlevede også indtil næsten midten af \u200b\u200bdet 20. århundrede, skønt han skrev de fleste af sine mest berømte værker i 1900'erne. Og alligevel er han rangeret blandt romantikerne, og det ser ud til, at han er den mest romantiske komponist i hele gruppen.

Sergei Vasilyevich Rahmaninov blev født i en adelig familie, som på det tidspunkt havde brugt en masse penge. Hans interesse for musik manifesterede sig i den tidlige barndom, og hans forældre sendte ham til at studere, først til Skt. Petersborg og derefter til Moskva.

Rachmaninov var en overraskende talentfuld pianist, og han skabte også en vidunderlig komponist.

Egen Klaverkoncert nr. 1 skrev han på nitten. Han fandt tid til sin første opera, Aleko.

Men denne store musiker var som regel ikke særlig tilfreds med livet. På mange fotografier ser vi en vred, rynkende mand. En anden russisk komponist, Igor Stravinsky, bemærkede engang:

”Den udødelige essens i Rachmaninoff var hans rynke. Han var seks og en halv meter rynket pande ... det var en frygtindgydende mand. "

Da den unge Rachmaninoff spillede for Tchaikovsky, var han så glad for, at han satte en A med fire plusser på arket med sin score - det højeste karakter i Moskvas konservatoriums historie. Snart begyndte hele byen at tale om det unge talent.

Ikke desto mindre forblev skæbnen ugunstig for musikken i lang tid.

Kritikere var meget hårde over hans Symfonier nr. 1, hvis premiere sluttede med fiasko. Dette gav Rachmaninov tung følelsesmæssig nød, han mistede troen på sin egen styrke og kunne slet ikke komponere noget.

I sidste ende var det kun hjælp fra en erfaren psykiater Nikolai Dahl, der gjorde det muligt for ham at komme ud af krisen. I 1901 havde Rachmaninoff afsluttet en klaverkoncert, som han havde arbejdet hårdt i i mange år, og som han dedikerede til Dr. Dahl. Denne gang mødte publikum med glæde komponistens arbejde. Siden Koncert for klaver og orkester nr. 2 blev et yndet klassisk stykke udført af forskellige musikalske grupper rundt om i verden.

Rachmaninov begyndte at turnere Europa og USA. Vender tilbage til Rusland dirigerede og komponerede han.

Efter 1917-revolutionen gik Rachmaninov og hans familie til koncerter i Skandinavien. Han vendte aldrig hjem. I stedet flyttede han til Schweiz, hvor han købte et hus ved bredden af \u200b\u200bLucerne-søen. Han elskede altid reservoirer, og nu, da han blev en ret rig mand, havde han råd til at slappe af på kysten og beundre det åbne landskab.

Rachmaninoff var en fremragende dirigent og gav altid følgende råd til dem, der ønskede at udmærke sig inden for dette felt:

”En god dirigent skal være en god chauffør. Begge har brug for de samme kvaliteter: koncentration, kontinuerlig intens opmærksomhed og sindets tilstedeværelse. Dirigenten behøver kun at kende musikken lidt ... "

I 1935 besluttede Rachmaninoff at slå sig ned i De Forenede Stater. Han boede først i New York og flyttede derefter til Los Angeles. Der begyndte han at bygge et nyt hus til sig selv, helt identisk med det, han forlod i Moskva.

Turchin, VS.

Tre underafsnit af romantik Når du ruller gennem vores bog, vil du bemærke, at dette er det største af alle dets kapitler, som nævner ikke mindre end 37 komponister. Mange af dem boede og arbejdede samtidigt i forskellige lande. Derfor har vi opdelt dette kapitel i tre sektioner: ”Tidligt