Moderne japansk kunst. Dual Perspective: Contemporary Japanese Art

Hermitage er vært for en interessant udstilling - Japansk samtidskunst "MONO-NO AVARE. The Charm of Things".

Jeg kan ikke sige, at jeg er fan af samtidskunst. Jeg kan godt lide det bedre, når der er noget at overveje (travl grafik eller dekorativ og anvendt kunst, etnos er alt for mig). At beundre skønheden ved et rent koncept er ikke altid sjovt for mig. (Malevich, undskyld! Jeg kan ikke lide den sorte firkant!)

Men i dag kom jeg til denne udstilling!

Dyrebare, hvis du er i Skt. Petersborg, er interesseret i kunst og endnu ikke har været der, så vil udstillingen være åben indtil 9. februar! Gå, for det er interessant!

Begreber overbeviser mig ikke meget, som jeg allerede skrev ovenfor. Jeg regnede på en eller anden måde med, at det i et år med at besøge moderne udstillinger, højst synes et eller to genstande for mig. Og mange ting rører mig ikke så meget, at jeg har ondt af den tid, jeg spildte. Men dette er i enhver genre, i enhver kunst, procentdelen af \u200b\u200bforholdet mellem talent og middelmådighed, det er godt, hvis det er en ud af ti! Men jeg kunne godt lide denne udstilling.

De japanske kreationer var anbragt i generalstabsbygningens udstillingshaller. Den første installation, der møder besøgende, er en utrolig labyrint, hældt med salt på gulvet. Gråt gulv, hvidt salt, utroligt pænt markeret rum, vævet ind i et felt. En stor udstillingshal og et hvidt ornament spredt ud over gulvet som en fantastisk loach. Og du forstår, hvor midlertidig denne kunst er. Udstillingen lukkes, labyrinten fejes væk med en kost. Jeg så filmen "Lille Buddha". Og der lagde en buddhistisk munk i begyndelsen et komplekst ornament fra farvet sand. Og i slutningen af \u200b\u200bfilmen lavede munken en skarp bevægelse med sin børste og det titaniske arbejde spredt i vinden. Det var så hop og nej. Og det siger, værdsæt skønheden her og nu, alt er flygtigt. Så denne labyrint af salt, den går i dialog med dig, du begynder at besvare de spørgsmål, som den stiller dig til. Kunstner - Motoi Yamamoto.

Ja ja! Dette er sådan en stor labyrint, følte du skalaen?

Det andet objekt, der fængsler, er den enorme kuppel lavet af polyethylen og sort harpiks Yasuaki Onishi. Rummet er usædvanligt løst. På de sorte tyndeste ujævne tråde af harpiks hænger, let bevægelige, en kuppel ... eller et bjerg med en kompleks lettelse. Når du går ind, ser du et broket mønster af prikker - steder, hvor harpiksen sidder fast. Det er sjovt, som om den sorte regn kommer stille, og du er under baldakinen.

Hvordan kom du på denne teknik? Sjovt, ikke? Men live ser det "livligere" ud, kuplen svajer let fra brisen skabt af forbipasserende besøgende. Og der er en fornemmelse af din interaktion med objektet. Du kan komme ind i "hulen", se indefra, hvordan det er!

Men for ikke at få det indtryk, at alt kun var sort og hvidt, vil jeg sende her et par flere fotos af kompositionen lavet af bøjler forbundet sammen. Sådanne farvede sjove plastkrøller! Og også, du kan gå gennem dette rum inde i bøjlerne, eller du kan se på alt udefra.

Jeg kunne godt lide disse objekter. Naturligvis vil konceptuel samtidskunst snart blive anderledes i takt med den nye tid. Det vender ikke tilbage til det gamle og forbliver ikke det samme som det er nu. Det vil ændre sig. Men for at forstå hvad der var, hvor strømmen skyndte, og hvad og hvor den kom fra, skal man vide, hvad der sker nu. Og vær ikke bange for det, konceptet er ikke noget for mig, men prøv at se det og værdsætte det. Der er få talenter som til enhver tid, men de er der. Og hvis udstillingerne finder et svar, så er ikke alt tabt !!!

Udstillingen med moderne japansk kunst "Double Perspective" afholdes.

1. Der er mange usædvanlige ting i moderne japansk kunst. For eksempel er disse malerier af Izumi Kato skabt manuelt uden brug af en pensel.

2. Ved første øjekast ser det ud til, at det er almindelige pærer. Men dette arbejde med dyb mening er dedikeret til den 38. parallel, der adskiller Nord- og Sydkorea.

3. Naturligvis er der i hvert værk en dyb betydning, der ikke ligger på overfladen, men selvom du ikke finder det, kan du for eksempel bare beundre skønheden i denne dygtigt fremstillede rose.

4. dette er værker af Kenji Yanobe om, hvordan en person kan overleve verdens ende

6. Dette er hans mest berømte værk "Solens barn" skabt efter ulykken i Fukushima-atomkraftværket.

8. Makoto Aida "Bonsai Ai-chan"

9. Dette er også moderne japansk kunst

10. interessant projekt "Lenin er ønsket i lejligheder i Moskva". Yosinori Niva ledte efter overlevende genstande forbundet med Lenins personlighed i Muscovites huse. Det mærkeligste er, at det ikke var en russer, der gjorde dette, men en japaner.

14. Forresten blev fyldte ægte rotter brugt til dette arbejde.

15. disse fotos viser folks frygt

Siden 16. november 2013 har Hermitage åbnet udstillingen "Mono no avare. The Charm of Things. Contemporary Japanese Art". Udstillingen, der er anbragt i bygningen af \u200b\u200bden østlige fløj af generalstabsbygningen, udarbejdet af State Hermitage Museum med støtte fra den japanske ambassade i Rusland, præsenterer installationer, skulptur, videokunst, fotografier skabt af japanske kunstnere i løbet af de sidste par år år og designet til at udfylde en ny side i den århundredgamle kunsthistorie i Land of the Rising Sun ... Deres navne, der er kendt derhjemme, er stadig praktisk taget ukendte for den russiske og europæiske offentlighed: Kaneuji Teppi, Kengo Kito, Kuwakubo Ryota, Masaya Chiba, Motoi Yamamoto, Onishi Yasuaki, Rieko Shiga, Suda Yoshihiro, Shinishiro Kano, Hiroaki Morita og andre Hiraki Sawa ...

Udtrykket "mono-no avare", som har eksisteret siden det 10. århundrede, kan oversættes som "charmen ved en ting" eller "glæde fra en ting" og er forbundet med den buddhistiske idé om kortvarighed og nytteløshed at være. De materielle og åndelige objekter, der omgiver en person, skjuler i sig selv en unik flygtig charme (avare), der er speciel for ham alene. En person og frem for alt en kunstner skal have et lydhørt hjerte for at finde og føle denne charme for at reagere internt på den. Moderne kunstnere har en subtil fornemmelse af materialer, hvor den indre enkelhed af betydningen skinner. De bevidst begrænser sig til bestemte temaer og motiver og bruger gamle japanske kunstneriske teknikker på et nyt niveau.

I Japan, som i Rusland, er samtidskunst et fænomen hentet udefra, fra Vesten, ikke altid klart og forårsager afvisning. Begge kulturer opfattede det angloamerikanske udtryk samtidskunst som et symbol på nybegyndt kulturel låntagning. I Japan i 1970'erne, som i Rusland i 1990'erne, følte kunstnere sig som outsidere. De gik på arbejde i Vesten, men stadig i 1970'erne i Japan lød ordene "samtidskunst" positivt, så den yngre generation kunne glemme definitionen af \u200b\u200b"efterkrigskunst" forbundet med tragedie og tilbagegang.

Den sande blomstring af moderne kunst i vestlig forstand kom først mod slutningen af \u200b\u200b1980'erne, da gallerier blev åbnet ikke kun i Ginza, men også i andre dele af Tokyo. I 1989 blev det første museum for moderne kunst etableret i Hiroshima, og åbningen af \u200b\u200bTokyo museer fulgte snart i 1990'erne. Siden den tid begyndte den gradvise anerkendelse af fænomenet samtidskunst på nationalt plan og dets indtræden i kulturel hverdag. Det næste trin var afholdelsen af \u200b\u200bnationale biennaler og treårige.

I en æra med total dominans af medieteknologier koncentrerer japanske kunstnere deres opmærksomhed på oprindelige materialer, på deres berøring og på at lytte til dem. Udstillingen er af stor interesse for installationer, blandt andet værkerne fra Ryota Kuwakubo (f. 1971), enkle i strukturen, men komplekse i handling, hvor hovedrollen spilles af skyggen. Kunstneren skitserer objekter og skaber et fantastisk kalejdoskop i bevægelse. Kaneuji Teppi (f. 1978) præsenterer uventede designs fra husholdningsmaterialer fra hverdagen. De genstande, han har samlet, som har forskellige farver og formål, foldes til bizarre former, der bliver til enten modernistiske skulpturer eller snedækkede landskaber fra japanske malerier på silke.

"Materielle valg" i videoverk og i genren "fundet objekt" er lavet af Hiroaki Morita (f. 1973) og i maleri - af Shinishiro Kano (f. 1982) og Masaya Chiba (f. 1980). Potentialet i de meget prosaiske "materielle valg", der er udarbejdet af kunstnerne, går tilbage til spiritualisering af alt og alle, traditionelt for buddhismen med sin idé om, at i ethvert væsen og i ethvert objekt - fra en person til et lille græsstrå - Buddhas natur er lagt. De indeholder også opmærksomhed på den indre essens af ting, der opfattes som skønhed og charme.

Installationen af \u200b\u200bKengo Quito (f. 1977), sammensat af bøjler, er på samme tid som en skulptur og et stort maleri med frakoblede planer, elementære farver og perspektiv. Rummet i det bliver til et plan foran vores øjne, hvilket gør det muligt uendeligt at kopiere alle disse tegn og symboler på kunst, der har mistet deres forbindelse til virkeligheden.

De arbejder noget forskelligt med pladsen til Yasuaki Onishi (f. 1979) og Motoi Yamamoto (f. 1966) i deres installationer. Som ved at kombinere alle disse forskellige tilgange med fængslende enkelhed indleder Yoshihiro Suda (f. 1969) en minimal invasion af udstillingsområdet og diskret anbringer træplanter der ligner virkelige.

Udstillingen "Mono no avare. The Charm of Things. Contemporary Art of Japan" er udarbejdet af Department of Contemporary Art som en del af Hermitage 20/21-projektet. Ifølge Mikhail B. Piotrovsky, generaldirektør for staten Hermitage: "Projektets mål er at samle, udstille, studere kunst fra XX-XXI århundreder. Hermitage 20/21 er rettet til dem, der ønsker at holde trit med tiden - amatører og professionelle, sofistikerede kendere og de yngste tilskuere. "

Kuratorerne for udstillingen er Dmitry Yuryevich Ozerkov, chef for afdelingen for samtidskunst for statens eremitage, kandidat for filosofi og Ekaterina Vladimirovna Lopatkina, vicechef for afdelingen for samtidskunst. Den videnskabelige konsulent for udstillingen er Anna Vasilievna Savelyeva, forsker i det orientalske departement i State Hermitage. Der er udarbejdet en illustreret brochure til udstillingen; forfatteren af \u200b\u200bteksten er D.Yu. Ozerkov.

Japansk kunst indtager et vigtigt sted i samlingen af \u200b\u200bState Hermitage og tæller omkring 10.000 værker: museet indeholder 1.500 ark farvetræsnit, inklusive værker af berømte mestre i japansk gravering fra midten af \u200b\u200bdet 18.-20. samling af porcelæn og keramik (mere end 2000 udstillinger); lakker fra det 16. til det 20. århundrede; prøver af stoffer og dragter. Den mest værdifulde del af Hermitage's samling af japansk kunst er netsuke-samlingen, en miniatureskulptur fra det 17. til det 19. århundrede, der tæller over 1.000 værker.

Den moderne japanske kunstscene ser ud til at være fuldstændig globaliseret. Kunstnere rejser mellem Tokyo og New York, næsten alle fik en europæisk eller amerikansk uddannelse, deres arbejde tales om på international kunstengelsk. Dette billede er dog langt fra komplet.

Nationale former og tendenser viser sig at være en af \u200b\u200bde mest efterspurgte varer, som Japan har at tilbyde på det globale marked for kunstneriske ideer og værker.

Flydrift. Hvordan Superflat Current kombinerer amerikansk nørdekultur og traditionel japansk maleri

Hvis grænsen mellem høj- og massekultur i den vestlige verden for stadig alle (undtagen måske de mest ivrige teoretikere for postmodernisme) stadig er relevant, omend problematisk, så er disse verdener i Japan fuldstændig blandede.

Et eksempel på dette er Takashi Murakami, der med succes kombinerer udstillinger i verdens bedste gallerier og streamingproduktion.

Optagelse af en rundvisning i Murakami-udstillingen "Det bliver mild regn"

Men Murakamis forhold til populærkulturen - og for Japan er det primært kulturen hos fans af manga og anime (otaku) - er mere kompliceret. Filosofen Hiroki Azuma kritiserer forståelsen af \u200b\u200botaku som et autentisk japansk fænomen. Otaku anser sig for at være direkte relateret til traditionerne fra Edo-perioden fra det 17. - 19. århundrede - en æra med isolationisme og afvisning af modernisering. Azuma hævder, at otaku-bevægelsen - bundet til manga, animation, grafiske romaner, computerspil - kun kunne have opstået i forbindelse med den efterkrigstidens amerikanske besættelse som et resultat af importen af \u200b\u200bamerikansk kultur. Murakamis kunst og hans tilhængere genopfinder otaku med popkunstteknikker og debunkerer den nationalistiske myte om traditionens ægthed. Det repræsenterer "re-amerikanisering af japanskiseret amerikansk kultur."

Fra et kunsthistorisk synspunkt er superflad tættest på det tidlige japanske ukiyo-e-maleri. Det mest berømte værk i denne tradition er graveringen "The Great Wave off Kanagawa" af Katsushika Hokusai (1823–1831).

For den vestlige modernisme var opdagelsen af \u200b\u200bjapansk maleri et gennembrud. Det gjorde det muligt at se billedet som et plan og søger ikke at overvinde denne funktion, men at arbejde med den.

Pionerer inden for performance. Hvad betyder japansk kunst fra 1950'erne i dag?

Dokumentation af den kreative proces af Akira Kanayama og Kazuo Shiragi

Superflat tog kun form i 2000'erne. Men kunstbegivenheder, der var vigtige for verdens kunst, begyndte i Japan meget tidligere - og endda tidligere end i Vesten.

En performativ vending i kunsten fandt sted i begyndelsen af \u200b\u200b60'erne og 70'erne i det sidste århundrede. I Japan optrådte forestillingen i halvtredserne.

For første gang har Gutai Group flyttet sit fokus fra selvstændige genstande til fremstilling. Herfra er det et skridt til at opgive kunstobjektet til fordel for en kortvarig begivenhed.

Selvom individuelle kunstnere fra Gutai (og der var 59 af dem i 20 år) aktivt eksisterede i en international sammenhæng, begyndte forståelsen af, hvordan deres kollektive aktiviteter af japansk efterkrigskunst generelt begyndte for nylig i Vesten. Bommen kom i 2013: adskillige udstillinger i små gallerier i New York og Los Angeles, "Tokyo 1955-1970: en ny avantgarde" på MoMA og en storstilet historisk retrospektiv "Gutai: Splendid Playground" på Guggenheim Museum . Moskvas import af japansk kunst ser ud til at være en næsten øjeblikkelig fortsættelse af denne tendens.

Det er forbløffende, hvor moderne disse retrospektive udstillinger ser ud. For eksempel er det centrale objekt for udstillingen på Guggenheim Museum rekonstruktion af arbejde (vand) af Sadamasa Motonagi, hvor niveauerne i museets rotunde er forbundet med polyethylenrør med farvet vand. De ligner penselstrøg, der er blevet revet af lærredet og eksemplificerer Gutais centrale fokus på "konkretitet", materialiteten af \u200b\u200bde objekter, kunstneren arbejder med på japansk.

Mange Gutai-deltagere modtog uddannelse relateret til klassisk nihonga-maleri, mange er biografisk knyttet til den religiøse kontekst af zen-buddhismen, til dens karakteristiske japanske kalligrafi. Alle fandt en ny, proceduremæssig eller deltagende (forbundet med deltagelse af tilskuere. - Red.), Tilgang til gamle traditioner. Kazuo Shiraga optog på video hvordan han med fødderne tegnede sine monokromatiske farver, der forventede Rauschenberg, og endda skabte billeder offentligt.

Minoru Yoshida forvandlede blomster fra japanske udskrifter til psykedeliske objekter - et eksempel på dette er Biseksuel blomst, en af \u200b\u200bde første kinetiske (bevægende) skulpturer i verden.

Kuratorerne for udstillingen på Guggenheim Museum fortæller om den politiske betydning af disse værker:

"Gutai demonstrerede vigtigheden af \u200b\u200bfri individuel handling, der bryder seernes forventninger og endda dumhed som måder at imødegå den sociale passivitet og konformisme, der i flere årtier tillod den militaristiske regering at få en kritisk masse af indflydelse, invadere Kina og derefter deltage Anden Verdenskrig."

Godt og klogt. Hvorfor forlod kunstnere Japan til Amerika i 1960'erne

Gutai var undtagelsen fra reglen i Japan efter krigen. Avantgardegrupper forblev marginale, kunstverdenen var strengt hierarkisk. Den vigtigste vej til anerkendelse var deltagelse i konkurrencer afholdt af anerkendte foreninger af klassiske kunstnere. Derfor foretrak mange at gå til Vesten og integrere sig i det engelsksprogede kunstsystem.

Det var især svært for kvinder. Selv i progressiv Gutai nåede deres andel ikke engang en femtedel. Hvad kan vi sige om traditionelle institutioner, for at få adgang til en særlig uddannelse. I tresserne havde piger allerede erhvervet retten til det, men underviste i kunst (hvis det ikke drejede sig om dekorativt, hvilket var en del af det færdige sæt ryosai kenbo - en god kone og en klog mor) blev socialt modløs.

Yoko Ono. Klip stykke

Midori Yoshimotos "Into Performance: Japanese Women Artists in New York" udforskede emigrationen af \u200b\u200bfem magtfulde japanske kunstnere fra Tokyo til USA. Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi og Shigeko Kubota besluttede i starten af \u200b\u200bderes karriere at rejse til New York og arbejdede der, herunder med modernisering af traditionerne for japansk kunst. Kun Yoko Ono voksede op i USA - men hun nægtede også bevidst at vende tilbage til Japan efter at være blevet desillusioneret over det kunstneriske hierarki i Tokyo under et kort ophold i 1962-1964.

Ono blev den mest berømte af disse fem - ikke kun som kone til John Lennon, men også som forfatter til proto-feministiske forestillinger dedikeret til objektivering af den kvindelige krop. Der er åbenlyse paralleller mellem Cut Piece Ono, hvor publikum kunne klippe stykker af kunstnerens tøj og "Rhythm 0" af Marina Abramovichs "performance bedstemor".

På korte ben. Sådan bestå forfatterens skuespiltræning af Tadashi Suzuki

I tilfælde af Ono og Gutai blev metoderne og temaerne i deres arbejde, adskilt fra forfatterne, internationalt vigtige. Der er andre former for eksport - når kunstnerens værker opfattes med interesse på den internationale arena, men låntagningen af \u200b\u200bselve metoden sker ikke på grund af dens specificitet. Den mest slående sag er Tadashi Suzukis skuespiluddannelsessystem.

Suzuki-teatret er elsket selv i Rusland - og det er ikke overraskende. Sidste gang han var hos os, var i 2016 stykket "Trojans" baseret på teksterne fra Euripides, og i 2000'erne kom han flere gange med produktioner af Shakespeare og Chekhov. Suzuki overførte stykkernes handlinger til den aktuelle japanske kontekst og tilbød ikke-åbenlyse fortolkninger af teksterne: han opdagede antisemitisme i Ivanovo og sammenlignede den med den japanske afvisende holdning til kineserne, overførte King Lear's handling til en japansk sindssyg asyl.

Suzuki byggede sit system i opposition til den russiske teaterskole. I slutningen af \u200b\u200bdet 19. århundrede, i den såkaldte Meiji-periode, oplevede det moderniserende kejserlige Japan stigningen i oppositionsbevægelser. Resultatet var en massiv vestliggørelse af en tidligere meget lukket kultur. Blandt de importerede former var Stanislavsky-systemet, som stadig er i Japan (og også i Rusland), en af \u200b\u200bde vigtigste styringsmetoder.

Suzuki øvelser

I tresserne, da Suzuki begyndte sin karriere, blev afhandlingen om, at japanske skuespillere på grund af deres kropslige træk ikke kunne vænne sig til roller fra vestlige tekster, der fyldte det daværende repertoire, mere og mere udbredt. Den unge instruktør formåede at tilbyde det mest overbevisende alternativ.

Suzuki-systemet med øvelser, kaldet bengrammatik, inkluderer snesevis af måder at sidde på, endnu mere at stå og gå.

Hans skuespillere spiller normalt barfodet og synes på grund af sænkning af tyngdepunktet så tæt som muligt på jorden, tungt. Suzuki lærer dem og udenlandske deltagere i hans forestillinger i landsbyen Toga i gamle japanske huse fyldt med moderne udstyr. Hans gruppe giver kun omkring 70 forestillinger om året, og resten af \u200b\u200btiden de lever, forlader næsten aldrig landsbyen og har ikke tid til personlige anliggender - kun arbejde.

Toga Center dateres tilbage til 1970'erne og blev designet af den verdenskendte arkitekt Arata Isozaka efter anmodning fra instruktøren. Suzukis system kan virke patriarkalt og konservativt, men han taler selv om Toga i moderne udtryk for decentralisering. Tilbage i midten af \u200b\u200b2000'erne forstod Suzuki vigtigheden af \u200b\u200bat eksportere kunst fra hovedstaden til regionerne og organisere produktionssteder lokalt. Ifølge direktøren ligner Japans teatralkort på mange måder den russiske - kunsten er koncentreret i Tokyo og flere mindre centre. Det russiske teater ville også drage fordel af et selskab, der regelmæssigt tager på turné i små byer og er baseret væk fra hovedstaden.

Blomsterspor. Hvilken ressource har moderne teater opdaget i no- og kabuki-systemer?

Suzuki-metoden vokser ud af to gamle japanske traditioner - men også kabuki. Det er ikke kun, at disse typer teater ofte karakteriseres som kunsten at gå, men også i mere åbenlyse detaljer. Suzuki følger ofte reglen om mænd, der udfører alle roller, bruger karakteristiske rumlige løsninger, for eksempel hanamichi ("blomsters sti") i kabuki-mønsteret - en platform, der strækker sig fra scenen ind i det indre af auditoriet. Han udnytter også ret genkendelige symboler som blomster og ruller.

Naturligvis er der i den globale verden ikke noget spørgsmål om japanernes privilegium at bruge deres nationale former.

Teatret for en af \u200b\u200bde mest betydningsfulde instruktører i vores tid, amerikaneren Robert Wilson, er bygget på lån fra men.

Han bruger ikke kun masker og make-up, der minder det generelle publikum i Japan, men låner også måderne til at handle, baseret på den maksimale afmatning og den selvforsynende udtryksevne ved gestus. Ved at kombinere traditionelle og ritualistiske former med banebrydende belysningsscorer og minimalistisk musik (et af Wilsons mest berømte værker er en produktion af Philip Glasss opera Einstein on the Beach) producerer Wilson i det væsentlige syntesen af \u200b\u200boprindelse og relevans, som meget af samtidskunsten stræber efter .

Robert Wilson. "Einstein på stranden"

En af søjlerne i moderne dans - butoh, bogstaveligt oversat - mørkedansen, voksede ud af noh og kabuki. Opfundet i 1959 af koreograferne Kazuo Ono og Tatsumi Hijikata, der også trak fra et lavt tyngdepunkt og fokus på benene, butoh var en overførsel af tænkning om traumatisk militær erfaring i den kropslige dimension.

”De viste en syg, smuldrende, endda monstrøs, monstrøs krop.<…> Bevægelsen er langsom, så bevidst skarp, eksplosiv. Til dette anvendes en speciel teknik, når bevægelsen udføres som om uden inddragelse af hovedmusklerne på grund af knoglehåndtagene i skeletet "- danshistoriker Irina Sirotkina indskriver butoh i historien om kropsfrigørelse, associerede det med afgangen fra balletnormativitet. Hun sammenligner Butoh med praksis med dansere og koreografer i det tidlige 20. århundrede - Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman, og taler om indflydelsen på senere "postmoderne" dans.

Fragment af dansen til Katsura Kan, den moderne efterfølger af Butoh-traditionen

I dag er butoh i sin oprindelige form ikke længere en avantgardepraksis, men en historisk genopbygning.

Imidlertid er ordforrådet for bevægelse udviklet af Ono, Hijikata og deres tilhængere stadig en vigtig ressource for nutidige koreografer. I Vesten bruges det af Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky og endda i videoen til "Belong To The World" fra weekenden. I Japan er efterfølgeren til Butoh-traditionen for eksempel Saburo Tesigawara, der kommer til Rusland i oktober. Selvom han selv forkaster parallellerne med mørkedansen, finder kritikere ganske genkendelige tegn: en tilsyneladende udbenet krop, skrøbelighed, et støjløshed. Sandt nok er de allerede placeret i den postmoderne koreografis sammenhæng - med sit høje tempo, jogging, arbejde med postindustriel støjmusik.

Saburo Tesigawara. Metamorfose

Lokalt globalt. Hvorfor ligner den moderne japanske kunst stadig den vestlige kunst?

Værkerne fra Tesigavara og mange af hans kolleger passer organisk ind i programmerne for de bedste vestlige moderne dansefestivaler. Et hurtigt blik på beskrivelserne af forestillingerne og forestillingerne, der blev vist på Festival / Tokyo, det største årlige show i japansk teater, vil være vanskeligt at lægge mærke til de grundlæggende forskelle fra de europæiske tendenser.

Stedsspecificitet bliver et af de centrale temaer - Japanske kunstnere udforsker Tokyos rum, lige fra kapitalismens blodpropper i form af skyskrabere til marginale områder med otaku-koncentration.

Et andet emne er udarbejdelsen af \u200b\u200bmisforståelser mellem generationerne, teater som et sted for live møde og organiseret kommunikation af mennesker i forskellige aldre. Projekterne dedikeret til hende af Toshiki Okada og Akira Tanayama er blevet bragt til Wien i flere år i træk til en af \u200b\u200bde største europæiske performancekunstfestivaler. Der var ikke noget nyt i overførslen af \u200b\u200bdokumentarisk materiale og personlige historier til scenen i slutningen af \u200b\u200b2000'erne, men kuratoren for Wien-festivalen præsenterede disse projekter for offentligheden som en mulighed for live, punktkontakt med en anden kultur.

En anden hovedlinje er traumatisk oplevelse af udvikling. For japanerne er det ikke forbundet med Gulag eller Holocaust, men med bombningen af \u200b\u200bHiroshima og Nagasaki. Teatret henviser konstant til ham, men den mest magtfulde erklæring om atomeksplosioner som genstand for al moderne japansk kultur tilhører stadig Takashi Murakami.

"Little Boy: The Arts of Japans eksploderende subkultur" er titlen på hans 2005 kuraterede projekt i New York. "Lille dreng" - "baby" på russisk - er navnet på en af \u200b\u200bbomberne, der blev kastet over Japan i 1945. Murakami har samlet hundreder af manga-tegneserier fra førende illustratorer, karakteristiske vintage-legetøj og memorabilia inspireret af berømt anime fra Godzilla til Hello Kitty og har skubbet koncentrationen af \u200b\u200bsøde - kawaii - ind i museets rum til det yderste. Parallelt lancerede han et udvalg af animationer, hvor de centrale billeder var billeder af eksplosioner, bar jord, ødelagte byer.

Denne opposition var den første store erklæring om infantilisering af japansk kultur som en måde at klare PTSD på.

Denne konklusion synes nu allerede åbenbar. Inuhiko Yomotas akademiske undersøgelse af kawaii er baseret på det.

Senere traumatiske udløsere forekommer også. Af de vigtigste - begivenhederne den 11. marts 2011, jordskælvet og tsunamien, der førte til en større ulykke i Fukushima atomkraftværk. På Festival / Tokyo-2018 blev et helt program med seks forestillinger viet til at forstå konsekvenserne af en natur- og teknologisk katastrofe; de blev også temaet for et af værkerne præsenteret på Solyanka. Dette eksempel viser tydeligt, at arsenalet med kritiske metoder i vestlig og japansk kunst ikke er fundamentalt anderledes. Haruyuki Ishii opretter en installation af tre tv'er, der sløjfede ud i højt tempo redigeret og loopet optagelser fra tv-programmer om jordskælvet.

”Arbejdet består af 111 videoer, som kunstneren så dagligt i nyhederne indtil det øjeblik, hvor alt, hvad han så, blev opfattet som fiktion,” forklarer kuratorerne. Det nye Japan er et stærkt eksempel på, hvordan kunst ikke modstår mytebaserede fortolkninger, men samtidig afslører et kritisk øje, at den samme fortolkning kan være relevant for kunst af enhver oprindelse. Kuratorer taler om kontemplation som grundlaget for den japanske tradition og trækker på citater fra Lao Tzu. På samme tid, som om man udelader parenteser, at næsten al samtidskunsten er fokuseret på "observatøreffekten" (dette er udstillingens navn) - hvad enten det drejer sig om at skabe nye sammenhænge med opfattelsen af \u200b\u200bvelkendte fænomener eller i posering spørgsmålet om muligheden for tilstrækkelig opfattelse som sådan.

Imagined Communities er et andet værk af videokunstneren Haruyuki Ishii

Spil

Man skal dog ikke tro, at Japan fra 2010'erne er en koncentration af progressivitet.

Vanerne med den gode gamle tradition og kærligheden til orientalistisk eksotisme er endnu ikke udryddet. ”Theatre of Virgins” er navnet på en temmelig beundrende artikel om det japanske teater “Takarazuka” i det russiske konservative magasin “PTZh”. Takarazuka optrådte i slutningen af \u200b\u200bdet 19. århundrede som et forretningsprojekt for at tiltrække turister til den fjerntliggende by med samme navn, som ved et uheld blev terminalstationen for en privat jernbane. Kun ugifte piger spiller i teatret, som ifølge jernbaneejerens plan skulle lokke mandlige tilskuere til byen. I dag fungerer Takarazuka som en industri - med sin egen tv-kanal, et travlt koncertprogram og endda en lokal forlystelsespark. Men i truppen har kun ugifte piger stadig ret til at være - lad os håbe, i det mindste kontrollerer de ikke jomfruelighed.

Imidlertid lyser Takarazuka i sammenligning med Toji Deluxe-klubben i Kyoto, som japanerne også kalder teater. De viser sig helt vilde, at dømme efter beskrivelse New Yorker-spaltist Ian Buruma, striptease-show: flere nøgne piger på scenen forvandler en demonstration af kønsorganer til et offentligt ritual.

Ligesom mange kunstneriske fremgangsmåder er dette show baseret på gamle legender (ved hjælp af et lys og et forstørrelsesglas kunne mænd fra publikum skiftes til at udforske "modergudinden Amaterasus hemmeligheder"), og forfatteren selv blev mindet om traditionen med nej.

Søgningen efter vestlige kolleger efter Takarazuki og Toji vil blive overladt til læseren - de er ikke svære at finde. Lad os kun bemærke, at det er netop ved bekæmpelse af sådan undertrykkelsespraksis, at en væsentlig del af samtidskunsten er rettet - både vestlig og japansk, lige fra superflat til butoh-dans.

Japanerne opdagede skønheden skjult i tingene i det 9.-12. Århundrede i Heian-æraen (794-1185) og udpegede den endda med det specielle koncept "mono no avare" (japansk 物 の 哀 れ (も の の あ わ)れ)), hvilket betyder "trist charmen ved tingene." "Tingenes charme" er en af \u200b\u200bde tidligste definitioner af skønhed i japansk litteratur, den er forbundet med Shinto-troen på, at hver ting har sin egen guddom - kami - og sin egen unikke charme. Avare er tingets indre essens, det der forårsager glæde, spænding.

- Wasi eller wagami.
Manuel papirfremstilling. Den middelalderlige japanske værdsatte washi ikke kun for sine praktiske kvaliteter, men også for sin skønhed. Hun var berømt for sin subtilitet, næsten gennemsigtighed, som dog ikke fratog hende sin styrke. Washi er lavet af barken fra kozo (mulberry) træet og nogle andre træer.
Washi-papir er bevaret i århundreder, som det fremgår af album og mængder af gammel japansk kalligrafi, malerier, skærme, graveringer, der har overlevet gennem århundrederne til i dag.
Wasyas papir er fibrøst, hvis du kigger gennem et mikroskop, vil du se spalter, gennem hvilke luft og sollys trænger ind. Denne kvalitet bruges til fremstilling af skærme og traditionelle japanske lanterner.
Washi-souvenirs er meget populære blandt europæere. Mange små og nyttige ting er lavet af dette papir: tegnebøger, konvolutter, blæsere. De er stærke nok og lette på samme tid.

- Gohei.
Maskot lavet af papirstrimler. Gohei er en rituel stang fra en Shinto-præst, hvortil der er fastgjort zigzagstrimler af papir. De samme papirstrimler hænges ved indgangen til en Shinto-helligdom. Papirens rolle i shintoismen har traditionelt været meget stor, og en esoterisk betydning er altid blevet knyttet til papirprodukter. Og troen på, at enhver ting, ethvert fænomen, endda ord, indeholder en kami - en guddom - forklarer fremkomsten af \u200b\u200bsådan en slags anvendt kunst som gohei. Shintoismen er på nogle måder meget lig vores hedenskab. For shintoister bosætter kami sig specielt villigt i alt, hvad der er usædvanligt. For eksempel på papir. Og endnu mere i Gohei snoet ind i en indviklet zigzag, der i dag hænger foran indgangen til Shinto-helligdomme og indikerer tilstedeværelsen af \u200b\u200ben gud i templet. Der er 20 muligheder for at folde gohei, og de, der er særligt usædvanlige, vil tiltrække kami. For det meste er gohei hvid, men der er også gyldne, sølvfarvede og mange andre nuancer. Siden det 9. århundrede har det været en skik i Japan at styrke gohei på sumobrydere før selve kampens start.

- Anesama.
Dette er fremstilling af papirdukker. I det 19. århundrede lavede samurai-hustruer dukker af papir, som børn spillede og klædte dem i forskellige tøj. På et tidspunkt, hvor der ikke var noget legetøj, var anesama den eneste samtalepartner for børn, der "spillede" rollen som mor, ældre søster, barn og ven.
Dukken rulles op af japansk washi-papir, håret er lavet af krøllet papir, farvet med blæk og dækket med lim, hvilket giver det en glans. Et særpræg er en sød lille næse på et langstrakt ansigt. I dag produceres dette enkle legetøj, der ikke kræver andet end dygtige hænder, på samme måde som før.

- Origami.
Den gamle kunst at folde papirfigurer (japansk я り 紙, bogstaveligt: \u200b\u200b"foldet papir"). Origamikunsten har sine rødder i det gamle Kina, hvor papir blev opfundet. Oprindeligt blev origami brugt til religiøse formål. I lang tid var denne kunstform kun tilgængelig for repræsentanter for de øvre klasser, hvor et tegn på god form var beherskelsen af \u200b\u200bpapirfoldeteknikken. Først efter anden verdenskrig gik origami ud over øst og endte i Amerika og Europa, hvor den straks fandt sine fans. Klassisk origami foldes fra et firkantet ark papir.
Der er et bestemt sæt konventionelle skilte, der er nødvendige for at tegne foldeskemaet for selv det mest komplekse produkt. De fleste af de konventionelle skilte blev introduceret i praksis i midten af \u200b\u200bdet 20. århundrede af den berømte japanske mester Akira Yoshizawa.
Klassisk origami foreskriver brugen af \u200b\u200bet firkantet, jævnt farvet ark papir uden lim eller saks. Moderne kunstformer afviger undertiden fra denne kanon.

- Kirigami.
Kirigami er kunsten at skære forskellige former ud fra et ark papir foldet flere gange ved hjælp af en saks. En origami-type, der tillader brug af saks og papirskæring i processen med at lave en model. Dette er den største forskel mellem kirigami og andre papirfoldningsteknikker, som understreges i navnet: 切 る (kiru) - at skære, 紙 (gami) - papir. I barndommen elskede vi alle at skære snefnug - en variant af kirigami, du kan skære i denne teknik ikke kun snefnug, men også forskellige figurer, blomster, kranser og andre søde ting lavet af papir. Disse produkter kan bruges som stencils til tryk, dekorationsalbum, postkort, fotorammer, inden for modedesign, indretningsdesign og andre forskellige dekorationer.

- Ikebana.
Ikebana, (Jap 生 け 花 eller い け ば な) på japansk - ligesom "- liv," bana "- blomster eller" blomster der lever. " Den japanske blomsterkunst er en af \u200b\u200bde smukkeste traditioner hos det japanske folk. Når jeg komponerer ikebana, anvendes afskårne grene, blade og skud sammen med blomster. Det grundlæggende princip er princippet om udsøgt enkelhed, for at opnå det, som de forsøger at understrege planternes naturlige skønhed. Ikebana er skabelsen af \u200b\u200ben ny naturlig form, hvor skønheden i en blomst og skønheden i mesterens sjæl, der skaber kompositionen, kombineres harmonisk.
I dag er der i Japan 4 største ikebana-skoler: Ikenobo, Koryu, Ohara, Sogetsu. Ud over dem er der omkring tusind forskellige retninger og tendenser, der følger en af \u200b\u200bdisse skoler.

- Oribana.
I midten af \u200b\u200bdet 17. århundrede forlod to skoler i Ohara (hovedformen af \u200b\u200bIkebana - Oribana) og Koryu (hovedformen - Sseca) fra Ikenobo. Forresten studerer Ohara-skolen stadig kun Oribana. Som japanerne siger, er det meget vigtigt, at origami ikke bliver til origomi. Gomi på japansk betyder affald. Når alt kommer til alt, hvordan sker det, foldet et stykke papir, og hvad skal man så gøre med det? Oribana tilbyder mange ideer til buketter til indretning. ORIBANA \u003d ORIGAMI + IKEBANA

- Forkert.
En slags kunst, der er født af blomster. Vores blomsterhandler dukkede op for otte år siden, skønt det har eksisteret i Japan i mere end 600 år. Engang i middelalderen forstod samurai en krigers vej. Og fejlagtigt var en del af den sti, ligesom at skrive hieroglyffer og bære et sværd. Betydningen af \u200b\u200bfejlen var, at i en tilstand af total tilstedeværelse i øjeblikket (satori) skabte mesteren et billede af tørrede blomster (pressede blomster). Derefter kunne dette billede tjene som en nøgle, en guide til dem, der var klar til at gå i stilhed og opleve netop denne satori.
Essensen af \u200b\u200bkunsten "er forkert" er, at ved at samle og tørre blomster, urter, blade, bark under pressen og sætte dem på bunden, skaber forfatteren et virkelig "maleri" -værk med hjælp fra planter. Med andre ord er forkert at male med planter.
Blomsterhandleres kunstneriske kreativitet er baseret på bevarelsen af \u200b\u200btørret plantemateriale, form og farve. Japanerne har udviklet en teknik til at beskytte malerierne "fejlagtigt" mod udbrændthed og mørkfarvning. Dens essens er, at der pumpes luft ud mellem glasset og maleriet, og der dannes et vakuum, der forhindrer planterne i at blive forringet.
Tiltrækkes ikke kun af den ikke-traditionelle karakter af denne kunst, men også af muligheden for at vise fantasi, smag, viden om plantens egenskaber. Blomsterhandlere udfører ornamenter, landskaber, stilleben, portrætter og motivmalerier.

- Bonsai.
Bonsai optrådte som fænomen for mere end tusind år siden i Kina, men denne kultur nåede sit højdepunkt kun i Japan. (bonsai - japansk 盆栽 lit. "plante i en gryde") - kunsten at dyrke en nøjagtig kopi af et rigtigt træ i miniature. Disse planter blev dyrket af buddhistiske munke i flere århundreder f.Kr. og blev senere en af \u200b\u200baktiviteterne i den lokale adel.
Bonsai dekoreret japanske hjem og haver. I Tokugawa-æraen fik parkdesignet en ny drivkraft: voksende azaleaer og ahorn blev et tidsfordriv for de velhavende. Dværgplantevoksende (hachi-no-ki - "pottetræ") udviklede sig også, men bonsai af den tid var meget stor.
I dag bruges almindelige træer til bonsai, de bliver små takket være konstant beskæring og forskellige andre metoder. På samme tid svarer forholdet mellem størrelsen på rodsystemet, begrænset af skålens volumen, og bonsaiens jorddel til proportionerne af et voksen træ i naturen.

- Mizuhiki.
Analog af macrame. Dette er en gammel japansk anvendt kunst til at binde forskellige knuder fra specielle ledninger og skabe mønstre ud fra dem. Sådanne kunstværker havde en meget bred vifte af applikationer - fra gavekort og breve til frisurer og håndtasker. I øjeblikket er mizuhiki ekstremt brugt i gaveindustrien - for enhver begivenhed i livet formodes en gave at blive pakket og bundet på en meget specifik måde. Der er mange knuder og kompositioner i mizuhiki-kunsten, og ikke alle japanere kender dem alle udenad. Der er selvfølgelig de mest almindelige og enkle knuder, der bruges oftest: når vi lykønskes med fødslen af \u200b\u200bet barn til et bryllup eller begravelse, fødselsdag eller universitetets optagelse.

- Kumihimo.
Kumihimo er en japansk fletvævning. Ved vævning af tråde opnås bånd og snørebånd. Disse snørebånd er vævet på specielle maskiner - Marudai og Takadai. Marudai væven bruges til at væve runde snørebånd, mens Takadai væven bruges til at væve flade snørebånd. Kumihimo på japansk betyder "vævning af reb" (kumi - vævning, foldning sammen, himo-reb, blonder). På trods af at historikere stædigt insisterer på at sådan vævning kan findes blandt skandinaverne og indbyggerne i Andesbjergene, er den japanske kunst af kumihimo faktisk en af \u200b\u200bde ældste typer vævning. Den første omtale af det går tilbage til 550, da buddhismen spredte sig over hele Japan, og specielle ceremonier krævede specielle dekorationer. Senere begyndte kumihimo-snørebånd at blive brugt som en fixer til obi-bæltet på en kvinders kimono, som reb til at "pakke" hele samurai-arsenalet af våben (samurai brugte kumihimo til dekorative og funktionelle formål for at binde deres rustning og hestepanser), såvel som til bundtning af tunge genstande.
Forskellige mønstre af moderne kumihimo væves meget let på hjemmelavede papvæve.

- Komono.
Hvad er der tilbage af en kimono, efter at den har tjent sin periode? Tror du, at de smider det væk? Intet som dette! Japanerne vil aldrig gøre det. Kimono er en dyr ting. Det er så let at smide det er utænkeligt og umuligt ... Sammen med andre typer genbrug af kimono lavede håndværkerne små souvenirs af små affald. Disse er små legetøj til børn, dukker, brocher, kranser, kvinders smykker og andre produkter, den gamle kimono bruges til at lave små søde ting, der kollektivt kaldes "komono". Små ting, der får et eget liv, fortsætter kimonos sti. Dette er hvad ordet komono betyder.

- Kanzashi.
Kunsten at dekorere hårnåle (oftest dekoreret med blomster (sommerfugle osv.) Lavet af stof (hovedsagelig silke). Japansk kanzashi (kanzashi) er en lang hårnål til den traditionelle japanske kvindefrisure. De var lavet af træ, lak, sølv , skildpadde anvendt i traditionelle kinesiske og japanske frisurer. For cirka 400 år siden ændrede kvindens frisyrsstil sig i Japan: kvinder stoppede med at kæmme deres hår i den traditionelle form - taregami (langt glat hår) og begyndte at style det i indviklede og bisarre former - nihongami. brugte forskellige genstande - hårnåle, pinde, kamme. Det var dengang, at selv en simpel kamkam-kushi bliver til et elegant tilbehør med ekstraordinær skønhed, som bliver et ægte kunstværk. Japanske kvinders traditionelle kostume tillod ikke håndledsudsmykninger og halskæder, så hårdekoration var den vigtigste skønhed og felt for selvudfoldelse - samt demonstration af tegnebogens smag og tykkelse bka ejeren. På udskrifterne kan du se - hvis du ser nøje - hvordan japanske kvinder let hængt op til tyve dyre kanzashier i deres frisurer.
I øjeblikket er der en genoplivning af traditionen med at bruge kanzashi blandt unge japanske kvinder, der ønsker at tilføje sofistikering og elegance til deres frisurer. Moderne hårnåle kan dekoreres med kun en eller to fine håndlavede blomster.

- Kinusaiga.
Fantastisk slags håndarbejde fra Japan. Kinusaiga (絹 彩画) er en krydsning mellem batik og patchwork. Hovedideen er, at fra gamle silke-kimonoer samles stykker til nye malerier - ægte kunstværker.
For det første laver kunstneren en skitse på papir. Derefter overføres denne tegning til en træplanke. Mønsterets kontur skæres med riller eller riller, og derefter skæres der fra en gammel silke-kimono små pletter, der matcher i farve og tone, og kanterne på disse pletter udfylder rillerne. Når du ser på et sådant billede, får du en fornemmelse af, at du kigger på et fotografi eller bare ser på landskabet uden for vinduet, de er så realistiske.

- Temari.
disse er traditionelle japanske geometrisk broderede kugler, lavet med de enkleste sømme, der engang tjente som et barnelegetøj, og nu er blevet en form for anvendt kunst, der har mange fans ikke kun i Japan, men over hele verden. Det menes, at disse produkter for længe siden blev lavet af koner fra samurai til underholdning. I begyndelsen blev de virkelig brugt som en bold til at spille en bold, men trin for trin begyndte de at erhverve kunstneriske elementer, der senere blev til dekorative ornamenter. Den sarte skønhed af disse bolde er kendt i hele Japan. Og i dag er farverige, omhyggeligt fremstillede produkter en af \u200b\u200btyperne af japansk folkemusikhåndværk.

- Yubinuki.
Japanske fingerbøl sættes, når du syr eller broderer i hånden, på den midterste falanks af den arbejdende hånds langfinger, ved hjælp af fingerspidserne får nålen den ønskede retning, og ringen på langfingeren skubber nålen ind arbejdet. Oprindeligt blev japanske yubinuki fingerbøl lavet ganske enkelt - en strimmel af tæt stof eller læder, der var ca. 1 cm bred i flere lag, blev tæt viklet rundt om fingeren og blev fastgjort sammen med flere enkle dekorative sømme. Da nederdele var et nødvendigt element i ethvert hjem, begyndte de at blive dekoreret med geometrisk broderi med silketråde. Farverige og komplekse mønstre blev skabt af sammenvævning af sømme. Yubinuki fra en simpel husholdningsartikel er også blevet til en genstand til "beundring", en pryd af hverdagen.
Yubinuki bruges stadig til syning og broderi, men de kan også findes simpelthen bæres på hænderne på enhver finger, som dekorative ringe. Yubinuki-stil broderi bruges til at dekorere forskellige ringformede genstande - servietringe, armbånd, temariholdere, broderede nederdele, og der er også broderede pincases i samme stil. Nederdelmønstre kan være en god inspirationskilde til obi-broderi i temari.

- Suibokuga eller sumie.
japansk blækmaleri. Denne kinesiske maleristil blev vedtaget af japanske kunstnere i det 14. århundrede og i slutningen af \u200b\u200bdet 15. århundrede. blev mainstream af japansk maleri. Suibokuga er monokrom. Det er kendetegnet ved brugen af \u200b\u200bsort blæk (sumi), en fast form af trækul eller lavet af sod, kinesisk blæk, der er formalet med blæk, fortyndet med vand og børstet på papir eller silke. Monokrom tilbyder kunstneren et uendeligt udvalg af tonemuligheder, som kineserne længe har anerkendt som "farver" på blæk. Suibokuga tillader undertiden brugen af \u200b\u200bægte farver, men begrænser det til subtile, gennemsigtige streger, der altid forbliver underordnet blæklinjen. Blækmaleri deler med kalligrafikunsten sådanne væsentlige egenskaber som tæt kontrolleret udtryk og teknisk formherskelse. Kvaliteten af \u200b\u200bblækmaling reduceres, som i kalligrafi, til integriteten og modstanden mod at rive en linje trukket med blæk, som som sådan holder et kunstværk på sig selv, ligesom knogler holder væv på dem.

- Etagami.
Tegnede postkort (e - billede, tags - brev). At lave postkort med egne hænder er generelt en meget populær aktivitet i Japan, og inden ferien øges populariteten endnu mere. Japanerne elsker at sende postkort til deres venner, og de elsker også at modtage dem. Dette er en type hurtig brev på specielle emner, den kan sendes med posten uden en konvolut. Der er ingen særlige regler eller teknikker i etegami; nogen uden særlig træning kan gøre det. Etagami hjælper med nøjagtigt at udtrykke stemningen, indtryk, dette er et håndlavet postkort bestående af et billede og et kort brev, der formidler afsenderens følelser, såsom varme, lidenskab, omsorg, kærlighed osv. De sender disse kort til ferien og bare sådan, der viser årstider, handlinger, grøntsager og frugt, mennesker og dyr. Jo enklere dette billede tegnes, jo mere interessant ser det ud.

- Furoshiki.
Japansk emballageteknik eller kunsten at folde stof. Furoshiki kom ind i japanernes liv i lang tid. Gamle ruller fra Kamakura-Muromachi-perioderne (1185 - 1573) med billeder af kvinder, der bærer bundter af tøj pakket i stof på hovedet, har overlevet. Denne interessante teknik går tilbage til 710 - 794 e.Kr. i Japan. Ordet "furoshiki" oversættes bogstaveligt talt til "bademåtte" og er et firkantet stykke stof, der blev brugt til at pakke og bære genstande i alle former og størrelser.
I gamle dage, i japanske bade (furo), var det sædvanligt at gå i lette bomuldskimonoer, som besøgende havde med sig hjemmefra. Baderen bragte også et specielt tæppe (shiki), som han stod på, mens han klædte af. Efter at have ændret sig til en "badekimono" pakket den besøgende sit tøj med et tæppe, og efter badet pakket han en våd kimono ind i et tæppe for at bringe det hjem. Således er bademåtten blevet en multifunktionel taske.
Furoshiki er meget let at bruge: stoffet har form af det objekt, du pakker ind, og håndtagene gør det let at bære lasten. Derudover får en gave, der ikke er pakket i hårdt papir, men i et blødt stof i flere lag, særlig udtryksevne. Der er mange ordninger til foldning af furoshiki til enhver lejlighed, hverdag eller ferie.

- Amigurumi.
Den japanske kunst at strikke eller hækle små bløde dyr og humanoide skabninger. Amigurumi (japansk 編 み 包 み, lit.: "strikket indpakket") er oftest søde dyr (såsom bjørne, kaniner, katte, hunde osv.), Små mænd, men de kan også være livløse genstande udstyret med mennesker ejendomme. For eksempel cupcakes, hatte, håndtasker og andre. Amigurumi er strikket eller strikket eller hæklet. For nylig er hæklede amigurumi blevet mere populære og mere almindelige.
strikkes af garn ved en simpel strikningsmetode - i en spiral, og i modsætning til den europæiske strikkemetode er cirkler normalt ikke forbundet. De er også hæklet i en mindre størrelse i forhold til tykkelsen på garnet for at skabe et meget tæt stof uden nogen huller, hvor polstring kan krybe ud. Amigurumi er ofte lavet af dele og derefter forbundet, med undtagelse af nogle amigurumi, som ikke har lemmer, men kun har et hoved og torso, der udgør en helhed. Lemmerne er undertiden fyldt med plaststykker for at give dem levende vægt, mens resten af \u200b\u200bkroppen er fyldt med fiberfyld.
Amigurumi-æstetik spredes af deres skønhed ("kawaii").