I hvilket år blev teatret etableret. Historien om fremkomsten af ​​teatret i Rusland eller hvordan teatret optrådte

Det hele startede i et primitivt samfund, hvor mennesket var fuldstændig afhængig af naturkræfterne, som det ikke forstod. Årstidernes skiften, uventet koldt vejr, afgrødesvigt, brande, sygdomme - alt blev tilskrevet overnaturlige kræfter, der skulle vindes over. En af de sikreste måder at opnå succes på var magi eller trolddom. Det bestod i det faktum, at der før begyndelsen af ​​ethvert arbejde blev udspillet en scene, der skildrede den vellykkede afslutning af denne proces. Deltagerne i disse forestillinger brugte kompleks pantomime, akkompagneret af sang, musik og dans. Og i disse rituelle handlinger er elementer af moderne teater allerede begyndt at dukke op ... Foto-1L

I det gamle Egypten, allerede i slutningen af ​​det tredje årtusinde f.Kr. årligt ved templerne blev der iscenesat teatralske scener om bøndernes og håndværkernes skytshelgen - guden Osiris.

I Grækenland har ritualer af karnevalstypen til ære for landboguderne længe været udbredt. Kulten af ​​guden Dionysos spillede en vigtig rolle i udviklingen af ​​det græske teater. Disse forestillinger bestod af tre tragedier og tre komedier. Teatre blev bygget i det fri og var enorme i størrelse. Skuespillerne var kun mænd, der også spillede kvinderoller. Komediefigurer skulle skabe latter, så maskerne, som skuespillerne bar, havde fladtrykte næser, udstående læber og svulmende øjne. Populære teaterforestillinger kaldet mimes var også populære i Grækenland. En mime er en lille scene af hverdagslig eller satirisk karakter, hvor både markedstyve og mytologiske helte er afbildet. De blev opført ikke kun af mænd, men også af kvinder, og i disse teaterforestillinger optrådte skuespillerne uden masker.

Teatret i det gamle Rom er et show designet primært til underholdning for offentligheden. Og skuespillerne blev betragtet som mennesker af den laveste klasse, men nogle skuespillere opnåede universel respekt.

Teater i renæssancen, disse forestillinger var muntre, mættet med skarp satire og saftig humor. Teaterforestillinger blev opført på pladser, på træplatforme, omkring hvilke der altid var en stor skare af mennesker. Teatre begyndte at koncentrere sig i store industri- og kulturbyer. I samme periode blev teatret opdelt efter type. Opera, for eksempel, opstod ved overgangen til det 16.-17. århundrede, ballet fra midten af ​​1700-tallet, operette fra midten af ​​1800-tallet.

Et træk ved dramaet i denne æra af teatret var tilstedeværelsen af ​​et højt heroisk princip, opdelingen af ​​begreber i godt og ondt, en fri overgang fra det sublime til det lave, fra det tragiske til det komiske.

Renæssancetiden satte skub i den videre udvikling af teatret og dets tilnærmelse til det, vi kender nu.

Teater er en populær og elsket kunstform. Når vi køber teaterbilletter, glæder vi os til at se og høre vores yndlingskunstnere.
Teatret har en meget gammel historie. For mange århundreder siden nød vores forfædre denne vidunderlige kunst på samme måde. I det primitive samfund vidste man selvfølgelig ikke, hvad en plakat var, og anede ikke noget om skuespillerfaget, men de tog direkte del i teaterforestillinger. Selv de hedenske ritualer fra dengang havde karakter af en teaterforestilling, som var en måde at tjene guderne på. Hver præst var i besiddelse af gaven til offentlige taler og karisma.

I antikkens æra mister teatret gradvist sin rituelle funktion og får en underholdningskarakter. I det antikke Grækenland var episoder fra Olympus-gudernes liv, såvel som græske heltes bedrifter, grundlaget for plottet af teaterforestillinger. Skuespillere og dramatikere i Grækenland fik stor hæder, men i Rom havde skuespillere tværtimod ikke megen respekt. I teaterbygninger blev der afholdt gladiatorkampe, cirkuslege og blodige forestillinger, som næsten fuldstændig afløste teaterkunsten.

I middelalderen var teaterforestillinger forbudt, da den kristne kirke så resterne af hedenske ritualer og ritualer i dem. Skuespillere blev alvorligt forfulgt af inkvisitionen, at se teaterforestillinger blev straffet med ekskommunikation. Alle teatre var lukkede, så skuespillerne forenede sig i omrejsende trupper og viste deres kunst i små landsbyer.

Under renæssancen svækkedes kirkens indflydelse på alle sfærer af menneskelivet, og overgangen fra askesens idealer til personlig frihed og humanisme begyndte. Videnskaben og alle kunstområder udviklede sig aktivt. Teatret udviklede sig særligt hurtigt: overdækkede tierbygninger af teatre dukkede op, sceneteknologi blev udviklet, i forbindelse med hvilke nye teatralske specialiteter opstod: scenemaskinist, akustiker, illuminator og andre, nye genrer af teaterkunst dukkede op, især klassisk opera.

Slutningen af ​​det 19. - begyndelsen af ​​det 20. århundrede er kendetegnet ved en orientering mod en harmonisk kombination af alle forestillingens komponenter. Dette blev muligt takket være fremkomsten af ​​instruktørfaget og scenekunstens overgang til et nyt niveau. En vigtig rolle i dette blev spillet af skuespillerskolen i K.S. Stanislavsky.

Nu er teatret en multigenre. Selve tilgangen til teaterforestillingen har ændret sig: den indeholder musik, installationer, komplekse kulisser, projektion. Selv et jakkesæt kan blive et kunstobjekt.
Musikken i teatret har også ændret sig. Mange forestillinger er blevet mere som musicals, desuden med interaktive elementer: Tilskuere kan nemt inviteres til at deltage i begivenhedernes gang, synge noget eller endda spille en sekundær rolle.

Teatret er fortsat en levende genre, det tillader løbende nye elementer i sig selv – og det er garantien for, at det vil leve og udvikle sig.

Teaterkunst har sin oprindelse i oldtiden til totemiske danse, til rituel kopiering af dyrevaner, til udførelsen af ​​ritualer med brug af specielle kostumer, masker, tatoveringer og kropsmaling. I de tidlige stadier af teaterudviklingen var dramatikeren og udøveren forenet i én person.

I den antikke verden samledes op til femten tusinde tilskuere til forestillinger. Forestillingerne udspillede sig i naturens skød, som om de forblev en begivenhed i selve livet. Dette gav naturlighed og livlighed til det antikke teater.

I middelalderen udviklede teatret sig i former, der går tilbage til liturgisk drama, opført som led i en gudstjeneste. I XIII-XIV århundreder. genrer, isoleret fra gudstjenesten, opstår - mystik, mirakel, folkelige motiver og ideer trænger ind i disse kirkelige forestillinger. Folkeformer for teater udføres både gennem amatørkreativitet og som gadeforestillinger af omvandrende skuespillere. I det XV århundrede. den mest demokratiske genre af middelalderteater dukkede op - en farce, som vittigt gengav samtidens liv og skikke.

I renæssancen er folkelige former for teaterkunst gennemsyret af humanisme (den italienske maskekomedie), teatret får en filosofisk karakter, bliver et middel til at analysere verdens tilstand (Shakespeare), et instrument for social kamp (Lope de Vega).

Klassicismens teater (1600-tallet) er dens egentlige kunst, bygget på grundlag af normativ æstetik (Boileau) og rationalistisk filosofi (Descartes). Den er baseret på den store tragiske (Racine, Corneille) og store komiske (Molière) dramaturgi, der bekræfter ideelle helte, latterliggør laster. Skuespillerne legemliggør karakterernes universelle menneskelige træk, idet de negligerer deres specifikke historiske og nationale karakteristika. Klassicismens teater er i centrum for hoffets kunstneriske interesser og offentlighedens behov.

I det XVIII århundrede. pædagogiske ideer trænger ind i teatret (Diderot, Lessing), det bliver et middel til tredjestandens sociale kamp mod feudalismen. Skuespillere stræber efter at udtrykke karakterens sociale position.

I første halvdel af XIX århundrede. romantisk teater breder sig. Han er kendetegnet ved øget følelsesmæssighed, lyrik, oprørsk patos, specificitet i skildringen af ​​karakterer.

I 30'erne af XIX århundrede. den dominerende retning i teatret er ved at blive kritisk realisme. Denne retning udvikler sig på grundlag af Gogols, Ostrovskys og senere Chekhovs, Ibsen, Shaws drama. Teatret er ved at blive dybt nationalt og demokratiseret, dets masse, folkelige former udvikler sig. Teatre designet til almindelige mennesker opstod: "tabloid" (Paris), "små" (New York), forstadsteatre (Wien).

Russisk scenekunst fra det 19. århundrede - realismens teater, akutte sociale problemer, kritisk holdning til virkeligheden, nå dens satiriske eksponering, typificering af livet, psykologisk analyse af personligheden.

I den første tredjedel af det tyvende århundrede fandt den store reform sted i teatret: en instruktør kom til teatret. Dette er erobringen af ​​det tyvende århundrede. Direktørerne K. Stanislavsky, V. Meyerhold, M. Reinhardt, A. Appia, G. Craig, L. Kurbas skabte nye videnskabelige teorier om scenekunst. I moderne tid er ensemblet blevet hovedprincippet i forestillingen. Instruktøren leder dette ensemble (trup), fortolker dramatikerens intention, omsætter stykket til en forestilling og tilrettelægger hele dets forløb.

Teater (græsk θέατρον - hovedbetydningen - et sted for briller, så - et skuespil, fra θεάομαι - jeg ser, jeg ser) er en spektakulær form for kunst, som er en syntese af forskellige kunstarter - litteratur, musik, koreografi, vokal , kunst og andre og har sin egen specificitet: afspejling af virkeligheden, konflikter, karakterer, såvel som deres fortolkning og vurdering, godkendelsen af ​​visse ideer her sker gennem dramatisk handling, hvis hovedbærer er skuespilleren.

Det generiske begreb "teater" omfatter dets forskellige typer: dramateater, opera, ballet, dukketeater, pantomimeteater osv.

Til alle tider var teatret en kollektiv kunst; i et moderne teater deltager udover skuespillere og en instruktør (dirigent, koreograf), en scenedesigner, komponist, koreograf samt rekvisitter, kostumedesignere, makeupartister, scenearbejdere og lysarmaturer i skabelsen af en forestilling.

Udviklingen af ​​teatret har altid været uadskillelig fra udviklingen af ​​samfundet og kulturens tilstand som helhed - dets storhedstid eller tilbagegang, overvægten af ​​visse kunstneriske tendenser i teatret og dets rolle i det åndelige liv i landet var forbundet med det særlige ved social udvikling.

TEATER (fra græsk. Theatron - et sted for et show, et show), den vigtigste type scenekunst. Det generiske teaterbegreb er underopdelt i typer af teaterkunst: dramateater, opera, ballet, pantomimeteater osv. Oprindelsen af ​​udtrykket er forbundet med antikkens antikke græske teater, hvor præcis stederne i auditoriet blev kaldt (fra det græske verbum "teaomay" - jeg kigger). Men i dag er betydningen af ​​dette udtryk ekstremt forskelligartet. Det bruges desuden i følgende tilfælde:

1. Et teater er en bygning, der er specielt konstrueret eller tilpasset til at vise forestillinger ("Teatret er allerede fyldt, kasserne skinner" af A.S. Pushkin).

2. En institution, en virksomhed, der er engageret i at vise forestillinger, såvel som hele holdet af dets ansatte, der tilbyder udlejning af teaterforestillinger (Mossovet-teatret; rundvisninger i Taganka-teatret osv.).

3. Et sæt dramatiske værker eller sceneværker struktureret efter et eller andet princip (Tjekhovs teater, renæssanceteater, japansk teater, Mark Zakharovs teater osv.).

4. I en forældet forstand (kun bevaret i det teatralske professionelle argo) - en scene, en scene ("Ædel fattigdom er kun god i teatret" af AN Ostrovsky).

5. I overført betydning - stedet for eventuelle igangværende begivenheder (teater for militære operationer, anatomisk teater).

Som enhver anden form for kunst (musik, maleri, litteratur) har teatret sine egne særlige karakteristika. Denne kunst er syntetisk: et teaterværk (performance) består af stykkets tekst, værket af en instruktør, skuespiller, kunstner og komponist. Musik spiller en afgørende rolle i opera og ballet.

Teater er en kollektiv kunst. Forestillingen er resultatet af mange menneskers aktiviteter, ikke kun dem, der optræder på scenen, men også dem, der syr kostumer, laver rekvisitter, sætter lyset og møder publikum. Det er ikke for ingenting, at der er en definition af "teaterarbejdere": En forestilling er både kreativitet og produktion.

Teatret tilbyder sin egen måde at kende omverdenen på og dermed sit eget sæt af kunstneriske virkemidler. En forestilling er både en speciel handling, der udspilles i scenerummet, og en særlig figurativ tænkning, der adskiller sig f.eks. fra musik.

En teaterforestilling tager udgangspunkt i en tekst, fx et teaterstykke til en dramatisk forestilling. Selv i de sceneproduktioner, hvor ordet som sådan er fraværende, er teksten nogle gange nødvendig; især ballet, og nogle gange pantomime, har et librettoskrift. Processen med at arbejde med et teaterstykke består i at overføre en dramatisk tekst til scenen – dette er en slags "oversættelse" fra et sprog til et andet. Som et resultat bliver det litterære ord et sceneord.

Det første, som beskueren ser, efter at gardinet åbner (eller rejser sig), er scenerummet, hvor sceneriet er placeret. De angiver handlingsstedet, historisk tid, afspejler den nationale smag. Ved hjælp af rumlige konstruktioner kan selv karakterernes stemning formidles (for eksempel i en episode af heltens lidelse, kast scenen ned i mørke eller stram dens baggrund med sort). Under handlingen ændres sceneriet ved hjælp af en speciel teknik: dagen bliver til nat, vinter - til sommer, gaden - til et rum. Denne teknik udviklede sig sammen med menneskehedens videnskabelige tankegang. Løftemekanismer, skjolde og luger, som i oldtiden blev manuelt betjente, hæves og sænkes nu af elektronik. Stearinlys og gaslamper blev udskiftet med lyspærer; lasere bruges også ofte.

Allerede i antikken blev der dannet to typer scene og auditorium: en boksscene og en amfiteaterscene. Boksscenen sørger for etager og parterre, og publikum omkranser amfiteaterscenen fra tre sider. Begge typer bruges i verden i dag. Moderne teknologi giver dig mulighed for at ændre det teatralske rum - at arrangere en platform midt i auditoriet, at sætte tilskueren på scenen, og forestillingen skal opføres i auditoriet.Teaterbygningen har altid været tillagt stor betydning. Teatre blev normalt bygget på den centrale plads i byen; arkitekterne ønskede, at bygningerne skulle være smukke og tiltrække opmærksomhed. Når man kommer i teatret, vender beskueren sig væk fra hverdagen, som om han hæver sig over virkeligheden. Derfor er det ikke tilfældigt, at en trappe dekoreret med spejle ofte fører til hallen.

Musik er med til at forstærke den følelsesmæssige effekt af en dramatisk forestilling. Nogle gange lyder det ikke kun under handlingen, men også under pausen - for at bevare offentlighedens interesse. Hovedpersonen i stykket er skuespilleren. Beskueren ser foran sig en person, der på mystisk vis er blevet til et kunstnerisk billede - en slags kunstværk. Kunstværket er naturligvis ikke udøveren selv, men hans rolle. Hun er skabelsen af ​​en skuespiller, skabt af stemme, nerver og noget umærkeligt - ånd, sjæl. For at handlingen på scenen kan opfattes som en helhed, er det nødvendigt at organisere den omhyggeligt og konsekvent. Disse opgaver i moderne teater udføres af instruktøren. Selvfølgelig afhænger meget af talentet hos skuespillerne i stykket, men ikke desto mindre er de underordnet lederens – instruktørens – vilje. Folk, som for mange århundreder siden, kommer til teatret. Fra scenen lyder stykkernes tekst, forvandlet af de optrædendes styrker og følelser. Kunstnerne fører deres egen dialog – og ikke kun verbalt. Dette er en samtale af gestus, stillinger, blikke og ansigtsudtryk. En kunstners fantasi som dekoratør ved hjælp af farver, lys, arkitektoniske strukturer på stedet får scenens rum til at "tale". Og alt sammen er lukket ind i en stram ramme af instruktørens intention, som giver fuldstændighed og integritet til de heterogene elementer.

Beskueren vurderer bevidst (og nogle gange ubevidst, som mod sin vilje) skuespillernes spil og instruktionen, overensstemmelsen mellem løsningen af ​​det teatralske rum og den generelle idé. Men hovedsagen er, at han, beskueren, bliver involveret i kunst, i modsætning til andre, skabt her og nu. Ved at forstå meningen med stykket forstår han meningen med livet. Teatrets historie fortsætter.

Typer og genrer af teaterkunst

VODEVIL er en slags komedie med vers og danse. Opstod i Frankrig; fra begyndelsen af ​​det XIX århundrede. modtaget en paneuropæisk distribution. De bedste værker har en munter munterhed, en aktuel afspejling af virkeligheden.

DRAMA er en af ​​de førende dramagenrer siden oplysningstiden, som skildrer en virkelig persons verden i hans akut konfliktfyldte, men ikke håbløse forhold til samfundet eller ham selv. I det XX århundrede. dramaet var bemærkelsesværdigt for sit seriøse indhold, afspejlede forskellige aspekter af menneskelivet og samfundet og udforskede menneskelig psykologi.

KOMEDIE er en slags drama, hvor handling og karakterer fortolkes i form af en tegneserie. Ligesom tragedien blev den født i det antikke Grækenland fra de ritualer, der fulgte med processionerne til ære for guden Dionysos. Komedie, der nøgternt udforskede den menneskelige natur, latterliggjorde folks laster og vrangforestillinger. De bedste eksempler på denne genre er kendetegnet ved deres kompromisløse analyse, skarphed og mod til at latterliggøre samfundets laster. Forskellige lande har deres egne versioner af komedie. Kendt er de italienske humanisters "lærte" komedie og den spanske komedie af Lope de Vega og Calderon, den engelske komedie fra renæssancen, den franske klassicistiske komedie fra oplysningstiden og den russiske realistiske komedie. Ifølge princippet om at organisere handlingen skelnes en komedie af karakterer, positioner, ideer. Af typen plot kan komedier være hverdagsagtige og lyriske i tegneseriens natur - humoristiske, satiriske.

MELODRAMA er et skuespil med akutte intriger, overdreven følelsesmæssighed, en skarp modsætning af godt og ondt, en moralsk og lærerig tendens. Den opstod i slutningen af ​​det 17. århundrede. i Frankrig, i Rusland - i 20'erne. XIX århundrede.

MIM er en komediegenre i oldtidens folketeater, korte improvisationsscener af satirisk og underholdende karakter.

OPERA er en genre af musikalsk og dramatisk kunst, hvor indholdet udmøntes ved hjælp af musikdrama, hovedsageligt gennem vokalmusik. Det litterære grundlag for operaen er librettoen. I denne musikalske genre er poesi og dramatisk kunst, vokal- og instrumentalmusik, ansigtsudtryk, dans, maleri, kulisser og kostumer smeltet sammen til en enkelt helhed.

MYSTERY er en genre af middelalderlig vesteuropæisk religiøst teater. Mysterier blev præsenteret på byens pladser. Religiøse scener i dem vekslede med mellemspil.

MONODRAMA er et dramatisk værk udført af én skuespiller.

MORALITE er en genre af vesteuropæisk teater fra det 15.-16. århundrede, et opbyggende allegorisk drama, hvis karakterer personificerede forskellige dyder og laster.

MUSIC er et musikalsk og scenisk værk, hovedsageligt af komisk karakter, hvor man bruger pop og hverdagsmusik, dramatisk, koreografisk og operakunst; genren blev dannet i USA i slutningen af ​​det 19. århundrede.

PARODIE - 1) en genre i teatret, på scenen, en bevidst efterligning i satiriske, ironiske og humoristiske formål af en individuel måde, stil, stereotyper af tale og adfærd; 2) forvrænget udseende af noget.

PASTORAL er en opera, pantomime eller ballet, hvis handling er forbundet med en idealiseret skildring af hyrdens liv.

SOTI er en komedie-satirisk genre af fransk teater fra det 15.-17. århundrede, en slags farce.

TRAGEDIE (oversat fra græsk - "gedernes sang") - en slags drama, gennemsyret af det tragiskes patos. I antikken afspejlede han det direkte liv for karaktererne af tragiske begivenheder, handlingen sejrede over historien. I renæssancen blev skuespillene forkastet handlingens enhed, der blev anset for obligatorisk; det tragiske blev ofte kombineret med det komiske. I fremtiden er tragedien strengt reguleret: igen hersker handlingens enhed, sted og tid; der er en afgrænsning af det komiske og det tragiske. I moderne teater er ren tragedie sjælden. Grundlaget for tragedien er dannet af akutte sociale konflikter, grundlæggende livsproblemer, personlige sammenstød med skæbnen og samfundet. En tragisk kollision løses normalt ved heltens død.

TRAGICOMEDIA er et dramatisk værk med træk af både komedie og tragedie. Den er baseret på følelsen af ​​relativitet i de eksisterende livskriterier; dramatikeren ser det samme fænomen i både komisk og tragisk dækning, karakteristisk for det 20. århundrede.

FARS - 1) en slags middelalderlig vesteuropæisk folketeater af dagligdags komedier af satirisk karakter, som eksisterede i XIV-XVI århundreder. Tæt på tysk fastnachtspiel, italiensk commedia dell'arte osv.; 2) i teatret i XIX-XX århundreder. en komedie-vaudeville af let indhold med rent eksterne komiske indretninger.

EXPERIENCE er en genre af teaterforestillinger, hvor iscenesatte effekter bruges til fantastiske scener. Det opstod i Italien i det 17. århundrede.

FLIAKI - folketeaterforestillinger i det antikke Grækenland, især udbredt i III-IV århundreder. f.Kr. i de græske kolonier: korte improvisationssjokes-scener fra hverdagen om guders og heltes lystige eventyr.

2. Teater i det antikke Grækenland.

Fremkomsten af ​​teater i det antikke Grækenland.

Teater er en af ​​de ældste kunstarter. Dens oprindelse er tabt i det primitive samfund. Teatret opstod fra folkejagt og landbrugslege af magisk karakter. I troen på, at efterligning af et dyr, dets udseende og vaner kan påvirke resultatet af jagten, arrangerede primitive mennesker danse af mennesker klædt i dyreskind.

Med fremkomsten af ​​landbruget fejrede festivaler høsten. På festivalen til ære for guden for vinfremstilling Dionysos skildrede vinbønder i gedeskind forskellige episoder fra Dionysos liv, sang vinstokkens kraft, som giver glæde.

Fra denne sang af mennesker i gedeskind opstod en tragedie (tragos er græsk for "ged").

Fra de samme helligdage dedikeret til Dionysos opstod komedie (fra ordet komos - uhæmmet sjov). Komedie vakte, i modsætning til alvorlige og sørgelige tragedier, latter.

Med tiden mistede græske teaterforestillinger kontakten med tilbedelsen af ​​guden Dionysos, de fortalte om livet for andre græske guder, helte såvel som om almindelige mennesker.

Enheden af ​​teatret i det antikke Grækenland.

Teatre i det antikke Grækenland blev bygget i det fri, på skråningerne af bjerge og bakker. De var designet til flere tusinde eller endda flere titusindvis af tilskuere. Tilskuerne sad på stenbænke, der rejste sig af afsatser, vendt mod en bred rund eller firkantet platform - orkestret.

græsk teater. I centrum står orkestret. Til højre og venstre for den er der et kor, i midten er der en statue af Dionysos. Orkestret lukkes af sköne - et overdækket rum til omklædning af skuespillerne. Der er tre skuespillere foran skene. Tegning af en nutidig kunstner baseret på udgravningerne af det græske teater. I centrum står orkestret. Til højre og venstre for den er der et kor, i midten er der en statue af Dionysos. Orkestret lukkes af sköne - et overdækket rum til omklædning af skuespillerne. Der er tre skuespillere foran skene. Tegning af en nutidig kunstner baseret på udgravningsdata

Orkestret bestod af skuespillere og et kor, klædt i overensstemmelse med stykket.

Bag orkestret var der et omklædningsrum til skuespillerne - scenen (deraf det moderne navn - scenen). I den tog skuespillerne kapper og store farvestrålende masker på. I starten var maskerne lavet af træ og derefter af lærred imprægneret med gips og dækket med maling. Maskerne gjorde det muligt for alle tilskuere, også de, der sad meget langt væk, at se det "ansigtsudtryk", der svarer til handlingen - sørgmodig, lidende, streng, munter. Derudover skabte den vidt åbne mund på masken noget som et horn, der forstærkede skuespillerens stemme.

Skuespillerens højde blev øget ved hjælp af såkaldte koturns - sandaler med en meget tyk sål. De kvindelige roller i græsk teater blev spillet af mænd.

Tragiske og komiske digtere i det antikke Grækenland.

Konkurrencer mellem tragiske og komiske digtere blev afholdt i Athen. Hver af dem skulle skrive og iscenesætte tre skuespil. Vinderen blev belønnet med en stedsegrøn laurbærkrans. Berømte græske tragiske digtere fra det 5. århundrede f.Kr e. - Aischylos, Sofokles og Euripides. En deltager i de græsk-persiske krige, Aischylos, i tragedien "Perserne", fordømte den persiske despot Xerxes for grusomhed og egenrådighed, roste grækernes mod i kampen for deres hjemlands frihed. Heltene i mange af Aischylos' tragedier er guder og halvguder. I tragedien "Chained Prometheus" er mytens helt, titanen Prometheus, afbildet som en uinteresseret ven og menneskehedens velgører, en modig kæmper mod vilkårlighed og vold, legemliggjort i Zeus' billede.

I Sofokles' tragedier er det ikke så meget guder som mennesker, der handler. Tragedien "Antigone" skildrer en modig kvinde, der talte imod zarens uretfærdige beslutning og blev dømt til døden for dette. Antigone mødte dommen med mod. Da hun var død, vandt hun en sejr, da kongen selv senere omvendte sig og annullerede, omend for sent, sin dom. Antigones tragedie var en lidenskabelig appel til menneskeheden, om pligttroskab, om retfærdighed.

Euripides bragte tragedien tættere på beskueren, gjorde den mere forståelig og relevant. Digteren rejser dristigt spørgsmål, der bekymrer mange samtidige, om kvinders uretfærdighed ulighed. Han skildrer mennesker med alle deres lidenskaber, følelser og forhåbninger, og viser den antikke græske skuespiller. På hans ansigt er en tragisk maske. På benene-koturny. Elfenbensfigur, malet med maling På hans ansigt er en tragisk maske. På benene-koturny. En elfenbensfigur malet med farver, som de er i livet.

Den største komiske digter var Aristofanes. I sine værker afslørede han ondskabsfuldt manglerne ved det moderne athenske demokrati og afslørede på en latterlig måde mange af dets ledere. Aristofanes var skarpt imod krige mellem grækerne, kun gavnlige for en håndfuld slaveejere, glorificerede mennesker med fredeligt arbejde. Mange komedier af Aristophanes latterliggør de olympiske guders bedrag, grådighed og uretfærdighed. Så i komedien "Birds" portrætterer han Zeus som en tyv og en bedrager, Poseidon som en bestikker, Hercules som en fråser. Aristofanes komedier nød velfortjent succes blandt folket.

Betydningen af ​​det græske teater.

Teatret var den største magt i de græske stater. Alle mennesker lyttede til forfatterne af tragedier og komedier. Korets sang fra tragedien "Antigone" - "Der er mange mirakler i verden, mennesket er mere vidunderligt end dem alle sammen" - blev athenernes yndlingssang.

Teatret blev kaldt "Voksneskolen". Han fremmede kærlighed til hjemlandet, respekt for arbejde, mod og andre vidunderlige egenskaber, bemærkede mangler i samfundsstrukturen.

Det græske teater havde en enorm indflydelse på udviklingen af ​​teaterkunsten blandt folkene i det moderne Europa. Vor tids teater lånte ikke kun det græske teaters terminologi, men skylder også grækerne mange af dets funktioner og teknikker. Skuespil af antikke græske dramatikere, skabt for mere end to tusinde år siden, påvirkede arbejdet hos mange store dramatiske forfattere i moderne tid. I vores land og nogle andre lande opføres stadig skuespil af Aischylos, Sofokles og Euripides på scenen. Ved en særlig beslutning fra Verdensfredsrådet har hele den progressive menneskehed for nylig fejret årsdagen for Aristophanes. Tankerne og følelserne hos mennesker fra en fjern æra, udtrykt i grækernes tragedier og komedier, ophidser os.

3. Kreativitet hos Aischylos, Sofokles, Euripides, Aristofanes.

Aischylos

Aischylos blev den sande grundlægger af tragedien. Han er forfatter til mere end halvfjerds værker, hvoraf kun syv har overlevet: "Persere", "Bedemand", "Syv mod Theben", "Lædede Prometheus", "Agamemnon", "Hoephora", "Eumenides". Alle Aeschylus' skuespil er gennemsyret af en stærk religiøs følelse, baseret på konflikten mellem menneskelige lidenskaber og spiritualitet.

Aischylos var grundlæggeren af ​​en civil tragedie i sin ideologiske lyd, en samtid og deltager i de græsk-persiske krige, en digter fra tiden for dannelsen af ​​demokrati i Athen. Hovedmotivet for hans arbejde er glorificeringen af ​​borgerligt mod og patriotisme. En af de mest bemærkelsesværdige helte fra Aischylos tragedier er den uforsonlige gudskæmper Prometheus, personificeringen af ​​athenernes kreative kræfter. Dette er billedet af en ubøjelig kæmper for høje idealer, for menneskers lykke, legemliggørelsen af ​​fornuften, der overvinder naturens magt, et symbol på kampen for menneskehedens befrielse fra tyranni, legemliggjort i billedet af en grusom og hævngerrige Zeus, hvis slavetjeneste Prometheus foretrak at plage.

Sofokles

Sofokles skrev 125 dramaer, hvoraf syv tragedier har overlevet: Antigone, Ajax, Tsaren Ødipus, Elektra osv. Ifølge Aristoteles portrætterede Sofokles ideelle mennesker, mens Euripides - som de er på i virkeligheden. Euripides var mere en kommentator end en deltager i begivenhederne, dybt interesseret i kvindelig psykologi. De mest berømte af de 19 overlevende værker er Medea og Phaedra.

Et træk ved alle gamle dramaer var koret, som akkompagnerede hele handlingen med sang og dans. Aeschylus hentede to skuespillere ind i stedet for én, reducerede kordelene og fokuserede på dialogen, hvilket var et afgørende skridt i at transformere tragedie fra rent mimiske kortekster til ægte drama. De to skuespilleres spil gjorde det muligt at intensivere spændingen i handlingen. Den tredje skuespillers udseende er en nyskabelse af Sophocles, som gjorde det muligt at skitsere forskellige adfærdslinjer i den samme konflikt.

Euripides

I sine tragedier afspejlede Euripides krisen i den traditionelle polis-ideologi og søgen efter nye grundlag for verdensbilledet. Han var følsom over for det politiske og sociale livs brændende spørgsmål, og hans teater var en slags encyklopædi over den intellektuelle bevægelse i Grækenland i anden halvdel af det 5. århundrede. f.Kr e. I Euripides' værker blev forskellige sociale problemer stillet, nye ideer blev præsenteret og diskuteret.

Oldtidens kritik kaldte Euripides "filosoffen på scenen." Digteren var imidlertid ikke tilhænger af en bestemt filosofisk doktrin, og hans synspunkter var ikke konsekvente. Hans holdning til det athenske demokrati var ambivalent. Han glorificerede det som et system med frihed og lighed, samtidig blev han skræmt af den fattige "skare" af borgere, som i folkeforsamlinger afgjorde spørgsmål under indflydelse af demagoger. En vedvarende tråd gennem hele Euripides' arbejde løber en interesse for personligheden med dens subjektive forhåbninger. Den store dramatiker portrætterede mennesker med deres impulser og impulser, glæder og lidelser. Med alt sit arbejde tvang Euripides publikum til at reflektere over deres plads i samfundet, over deres holdning til livet.

Aristofanes

Den mest berømte forfatter til komedien var Aristofanes, som vidste, hvordan han skulle rette sine satiriske "pile" mod samtidens politikere, forfattere og filosoffer. Hans mest slående værker er hvepse, frøer, skyer, lysistrata. Heltene fra Aristofanes komedier er ikke legendariske personligheder, men indbyggerne i Athen, der er samtidige med Aristophanes: handlende, håndværkere, slaver. I komedier er der ingen sådan ærbødighed for guderne som i tragedier. De blev nogle gange endda latterliggjort.

Aristofanes giver en dristig satire over den politiske og kulturelle tilstand i Athen i en tid, hvor demokratiet er i krise. I hans komedier er forskellige samfundslag repræsenteret: statsmænd og militære ledere, digtere og filosoffer, bønder og krigere, byboere og slaver. Aristophanes opnår skarpe komiske effekter, der kombinerer det ægte og det fantastiske og bringer den latterlige idé til absurditetspunktet. Aristofanes har et fleksibelt og livligt sprog, der nu nærmer sig det almindelige, nogle gange meget grove og primitive, nu parodi-opløftede og rigt på uventede komiske orddannelser.

Videnskaberne og litteraturen i det antikke Grækenland blev skabt af frie mennesker begavet med en poetisk og mytologisk opfattelse af verden. I alt, hvad grækeren forstod, opdagede han harmoni, uanset om det var universet eller en menneskelig person. I sin mytologiske opfattelse åndeliggjorde grækeren alt, hvad der rørte ved hans bevidsthed. Harmoni og spiritualitet er det, der bestemmer den græske kulturs og først og fremmest kunstens organiske natur og integritet.

4. Teater i det antikke Rom.

I III - II århundreder f.Kr. e. teatret spiller en vigtig rolle i Rom, stykkernes handlinger er lånt fra grækerne, men personerne er af romersk oprindelse.

Det romerske teater opstod, da det patriarkalske klansystem gik i opløsning. Han kendte ikke det græske teaters sociale og runde danseformer og stolede ikke på bybefolkningens initiativ. Det romerske teater var straks professionelt.

Det romerske teater var ikke forbundet med gudsdyrkelsen, som i Grækenland, så det havde ikke samme sociale betydning. Skuespillerne blev ikke respekteret, men foragtede mennesker. De blev rekrutteret blandt slaver og frigivne og kunne blive slået for dårlige præstationer. Forestillingerne blev opført til ære for helligdage, såvel som til enhver anden tid på initiativ af nogen af ​​de adelige borgere.

I lang tid var der ingen permanente teaterbygninger i Rom.

Til forestillingerne blev der bygget særlige midlertidige trækonstruktioner, som brød sammen i slutningen af ​​forestillingen. Scenen var en træplatform hævet en halv mandshøjde over jorden. Tre smalle trapper førte til det i flere trin - karakterer, der var ankommet (ifølge plottet) fra en anden by klatrede langs dem. Bagvæggen i standen med et gardin fungerede som baggrund. Der blev stillet bænke op til publikum, men nogle gange var det kun tilladt at se forestillingerne stående, og det blev spillet i ret lang tid, også komedier af Plautus.

Men med udviklingen af ​​drama voksede behovet for at foretage ændringer i forestillingen også. Behovet for at bygge en permanent speciel teaterbygning i Rom blev drøftet af Senatet. Senatet mente dog, at teatret forkælede ungdommen og fordærvede kvinder – og stoppede i 154 byggeriet af stenteatret, der blev påbegyndt for flere år siden.

Det første permanente stenteater blev bygget omkring 55 f.Kr. kommandør Gnei Pompejus den Store og rummede 17 tusinde tilskuere.

Det romerske teater var anderledes end det græske. Orkesterets størrelse blev reduceret til det halve, det blev til en halvcirkel. (i det hellenistiske teater besatte orkestret tre fjerdedele af kredsen).

Etruskerne og romerne havde som alle folk rituelle og kultsange og spil, der var også et folkekomedieteater, et histrionteater fra etruskerne, folketeatret athelana (fra byen Atella) med permanente masker var tæt på til den græske mime. : fjols Bukkon, fjols Mack, enfoldig Papp, snu Dossen. Da teaterforestillingen ikke var forbundet med gudsdyrkelsen, men var tidsbestemt til at falde sammen med helligdage, cirkusforestillinger, gladiatorkampe, triumfer og begravelser af statsmænd, indvielse af templer, var det romerske teater af anvendt funktionel karakter. Den romerske republik, og i endnu højere grad imperiet, var en oligarkisk stat, så kulturlivets udvikling gik også anderledes, hvilket også påvirkede teatret. Han kunne ikke slå dybe rødder under sådanne forhold. En skuespillers status var anderledes end i Grækenland. I modsætning til den græske var han ikke et fuldgyldigt medlem af samfundet, og hans erhverv blev foragtet.

Organisation af det romerske teater havde sine egne detaljer. Koret deltog ikke i forestillingen, skuespillerne bar ikke masker. Problematikken med romersk dramaturgi nåede ikke den antikke græske moralske højder. Indtil vor tid har kun to dramatikeres værker overlevet fuldt ud: Plautus og Terentius, komikere, hvoraf den ene kom fra samfundets lavere lag, og den anden var en slave, frigivet af ejeren for sit talent. Plottet i deres komedier blev hentet fra skuespillene i den neo-attiske komedie, deres hovedperson er en klog lusket slave. Den tragiske genre er kun repræsenteret af Senecas værker, en stoisk filosof, der skrev skuespil om mytologiske emner for en snæver kreds af eliten, og de har strengt taget intet med teatret at gøre.

Med etableringen af ​​Romerriget blev pantomimer udbredt. Ikke desto mindre havde romersk dramatik stor indflydelse på dramaet i moderne tid i klassicismens periode: Corneille, Racine (i det post-antikke Europa var det græske sprog kendt af få).

5. Organisering af teaterforestillinger i det antikke Grækenland og det antikke Rom.

I Rom, såvel som i Grækenland, fandt teaterforestillinger sted uregelmæssigt og faldt sammen med visse helligdage. Indtil midten af ​​det 1. århundrede. f.Kr. der blev ikke bygget noget stenteater i Rom. Forestillingerne blev holdt i trækonstruktioner, som blev demonteret efter deres færdiggørelse. I første omgang var der ingen særlige pladser til tilskuere i Rom, og de så "scenelege", mens de stod eller sad på skråningen af ​​bakken, der støder op til scenen.

Det første stenteater i Rom blev bygget af Pompejus under hans andet konsulat, i 55 f.Kr. Efter ham blev der bygget andre stenteatre i Rom.

Den romerske teaterbygnings træk var som følger: sæderne til tilskuerne var en nøjagtig halvcirkel; det halvcirkelformede orkester var ikke beregnet til koret (det var ikke længere i det romerske teater), men var et sted for privilegerede tilskuere; scenen var lav og dyb.

Forestillingerne i det romerske teater var spektakulære og var hovedsageligt beregnet til plebejiske publikummer. "Brød og cirkus" dette slogan var meget populært blandt almindelige mennesker i Rom. Ved det romerske teaters oprindelse var folk af lav rang og frigivne.

Folkesange var en af ​​kilderne til teaterforestillinger i Rom. Disse inkluderer fescenes - ætsende, onde rim, der blev kastet rundt af landsbyboernes mumre under høstfesterne. Meget kom til teatret fra Atellana, en folkekomedie af masker, der opstod blandt de oscanske stammer, der boede i Italien nær byen Atella.

Atellana bragte etablerede masker til det romerske teater, rodfæstet i de gamle etruskiske Saturnine-lege afholdt til ære for den gamle italienske gud Saturn. Der var fire masker i atellan: Mack er et fjols og en frådser, Bukk er en dum pralmand, stivsnakker og en simpel mand, Papp er en simpel, fjollet gammel mand, og Dossen er en grim charlatan-videnskabsmand. Dette hyggelige selskab morede ærlige mennesker i lang tid.

Den ældste type dramatisk handling bør også kaldes - mime... I starten var det en rå improvisation, opført på italienske helligdage, især på forårsfestivalen Floralius, og senere blev mimen en litterær genre.

Flere genrer af drama var kendt i Rom. Selv digteren Gnei Nevy skabte den såkaldte påskudstragedie, hvis karakterer bar påskudet - de romerske dommeres tøj.

Komedie i Rom var af to slags; komedie togata og komedie palliata. Den første er et morsomt stykke baseret på lokalt iteliansk materiale. Dens karakterer var mennesker af almindelig rang. Togataen har fået sit navn fra det øverste romerske tøj - toga. Forfatterne til sådanne komedier Titinius, Afranius og Atta er kun kendt af os fra separate overlevende fragmenter. Navnet på komedie palliat var forbundet med en kort græsk kappe - pallium. Forfatterne af denne komedie vendte sig primært til den kreative arv fra de græske dramatikere, repræsentanter for den neoatiske komedie - Menander, Philemon og Diphilus. Romerske komikere kombinerede ofte scener fra forskellige græske skuespil i én komedie.

De mest berømte repræsentanter for den palliative komedie er de romerske dramatikere Plautus og Terentius.

Plautus, som verdensteatret skylder mange kunstneriske opdagelser (musik blev en integreret del af handlingen, det lød både i lyriske og morsomme scener), var en universel person: han skrev teksten, spillede i forestillinger, som han selv iscenesatte (" Æsler", "Pande",," Boastful Warrior "," Amphitryon ", osv.). Han var en sand folkekunstner ligesom sit teater.

Terence er mest interesseret i familiekonflikter. Han fordriver rå farce fra sine komedier, gør dem sofistikerede i sproget, i de former, hvori menneskelige følelser kommer til udtryk ("Pigen fra Andos", "Brødre", "Svigermor"). Det er ikke tilfældigt, at Terences erfaringer i renæssancen var så nyttige for de nye mestre i drama og teater.

Den voksende krise førte til, at det antikke romerske drama enten faldt i forfald eller blev realiseret i former, der ikke var forbundet med selve teatret. Så den største tragiske digter i Rom, Seneca, skriver sine tragedier ikke til præsentation, men som "dramaer til læsning." Men atellanaen fortsætter med at udvikle sig, antallet af hendes masker genopfyldes. Hendes produktioner omhandlede ofte politiske og sociale problemer. Traditionerne for atellan og mime døde faktisk aldrig blandt folket, de fortsatte med at eksistere i middelalderen og i renæssancen.

I Rom har skuespillernes dygtighed nået et meget højt niveau. Den tragiske skuespiller Aesop og hans nutidige tegneserieskuespiller Roscius (1. århundrede f.Kr.) nød offentlighedens kærlighed og respekt.

Den antikke verdens teater er blevet en integreret del af hele menneskehedens åndelige oplevelse og har lagt meget af grundlaget for det, vi kalder moderne kultur i dag.

6. Middelalderens Teater. Religiøst og folketeater

Middelalderteatrets historie er et kulturelt tværsnit af en hel æra (middelalderen - det feudale systems æra, V-XVII århundreder), som kan bruges til at studere en middelalderpersons bevidsthed. I denne bevidsthed var sund fornuft og den mest bizarre overtro, troens inderlighed og hån mod kirkelige dogmer, spontan kærlighed til livet, en trang til den jordiske og strenge askese, som kirken indplantet, modstridende kombineret. Ofte kom folkelige, realistiske principper i konflikt med idealistiske religiøse ideer, og det "jordiske" sejrede over det "himmelske". Og selve middelalderteatret blev født i folkekulturens dybe lag.

Selv i slutningen af ​​den tidlige middelalder dukkede omvandrende forlystelser - histrioner - op på byernes pladser og gader og i støjende værtshuse. I Frankrig blev de kaldt jonglører, i England - minstrels, i Rusland - buffoons. Den dygtige histrion var et enmandsteater. Han var tryllekunstner og akrobat, danser og musiker, han kunne vise et nummer med en abe eller en bjørn, spille en tegneseriescene, gå på hjul eller fortælle en fantastisk historie. I disse historier og forestillinger levede der en munter ånd af en messe, en gratis vittighed.

Endnu mere uforskammet var vagantens kunst. Parodi og satire herskede her. Vaganter, eller "omvandrende gejstlige", er seminarister, der ikke har afsluttet deres studier, og præster, der er blevet mejet ned. På motiver af kirkesalmer sang de lovsange til "Bacchus den Al-drikker", parodierede bønner og gudstjenester. Histrionerne og vaganterne, forfulgt af kirken, forenede sig i broderskaber og tiltrak en bred vifte af mennesker til sig selv. Sådan var for eksempel "Brotherhood of carefree guys" i Frankrig, ledet af Fools Prince. "Guttene" spillede sjove "dumme" handlinger (sotí), hvor alle og alt blev latterliggjort, og kirken dukkede op i skikkelse af Moder Dureha.

Kirken forfulgte histrioner og vaganter, men den var magtesløs at ødelægge folkets kærlighed til teaterforestillinger. I et forsøg på at gøre gudstjenesten, liturgien, mere effektiv, begyndte præsterne selv at bruge teatralske former. Et liturgisk drama baseret på scener fra Skriften opstår. Det blev spillet i templet og senere på våbenhuset eller kirkegården. I XIII-XIV århundreder. en ny genre af middelalderlige teaterforestillinger dukker op - mirakel ("mirakel"). Miraklernes plot er lånt fra legenderne om helgenerne og Jomfru Maria. En af de mest berømte er "Théophiles Miracle" af den franske digter fra det 13. århundrede. Ryutbef.

Højdepunktet af middelalderteater - mysterium.

Denne genre blomstrede i det 15. århundrede. Næsten hele byens befolkning deltog i mysterierne: nogle som skuespillere (op til 300 eller flere mennesker), andre som tilskuere. Forestillingen var tidsbestemt til at falde sammen med messen til en højtidelig lejlighed og åbnede med et farverigt optog af byfolk i alle aldre og klasser. Plotterne er hentet fra Bibelen og evangeliet. Forestillingerne gik fra morgen til aften i flere dage. Lysthuse blev bygget på en træplatform, som hver havde sine egne arrangementer. I den ene ende af podiet var et rigt dekoreret paradis, modsat - Helvede med en åben mund af en drage, torturinstrumenter og en kæmpe kedel til syndere. Udsmykningerne i midten var yderst lakoniske: Inskriptionen over porten "Nazareth" eller den forgyldte trone var nok til at markere byen eller paladset. Profeter, tiggere, djævle, ledet af Lucifer dukkede op på scenen ... I prologen skildrede de de himmelske sfærer, hvor Gud Fader sad omgivet af engle og allegoriske figurer - Visdom, Barmhjertighed, Retfærdighed osv. Så bevægede handlingen sig til jorden og videre - til Helvede, hvor Satan ristede syndige sjæle. De retfærdige gik ud i hvidt, syndere - i sort, djævle - i røde strømpebukser, malet med frygtelige "ansigter".

De mest patetiske øjeblikke i forestillingerne var forbundet med den sørgende Guds Moder og Jesu lidelse. Mysterierne havde også deres egne tegneseriefigurer: gøglere, tiggere, djævle, som de var bange for, men ofte narret. Det patetiske og det komiske sameksisterede uden at blande sig med hinanden. Begivenheder udviklede sig med den tætteste opmærksomhed og indgriben fra højere og lavere kræfter. Himlen, jorden og helvede udgjorde én enorm verden, og mennesket i denne verden var både et sandkorn og et centrum - trods alt kæmpede kræfter, der var meget stærkere end ham selv, for sin sjæl. De mest populære var Arnul Grebans mysterier, såvel som et af de sjældne værker om et verdsligt tema - "Mysteriet om belejringen af ​​Orleans", som genskabte begivenhederne i Hundredårskrigen (1337-1453) mellem England og Frankrig og jomfruen af ​​Orleans' bedrift - Jeanne d "Arc, der førte det franske folks kamp med de engelske angribere og derefter forrådt af den franske konge, til hvem hun gav tronen tilbage. Som en friluftsaktion, henvendt til for et massepublikum udtrykte mysteriet både de folkelige, jordiske principper og systemet af religiøse og kirkelige idéer.Denne interne modsætning af genren førte til, at den faldt, og efterfølgende tjente som årsag til dens forbud af kirken.

Moral var en anden populær genre. De forgrenede sig på en måde fra mysteriet og blev selvstændige skuespil af opbyggelig karakter. Lignelser om "den forsigtige og den urimelige", om den "retfærdige og den Reveler" blev udspillet, hvor den første tager Fornuft og Tro som sine ledsagere, den anden - Ulydighed og sløvhed. I disse lignelser bliver lidelse og sagtmodighed belønnet i himlen, og hårdhjertethed og griskhed fører til Helvede.

Vi spillede moral på scenen. Der var noget som en balkon, hvor de præsenterede levende billeder af de himmelske sfærer - englene og hærskarers gud. Allegoriske figurer, opdelt i to lejre, dukkede op fra hver sin side og dannede symmetriske grupper: Vera - med et kors i hænderne, Hope - med et anker, Girighed - med en pung af guld, Pleasure - med en appelsin, og Blarney havde en rævehale, hvormed hun strøg Dumhed.

Moralite er en strid i ansigter, der udspilles på scenen, en konflikt, der ikke udtrykkes gennem handling, men gennem en strid mellem karakterer. Nogle gange i de scener, hvor der blev talt om synder og laster, optrådte et element af farce, social satire, publikums ånde og "pladsens frie ånd" (A. Pushkin) trængte ind i dem.

Friluftsteatret, hvad enten det er mystik, moral, soti eller histrion-forestillinger, afspejlede en middelaldermands kærlighed til livet, hans muntre uforskammethed og tørst efter et mirakel - troen på det godes og retfærdighedens sejr.

Og det er ikke tilfældigt, at i det XX århundrede. interessen for middelalderteater er stigende. Dramatikere og instruktører tiltrækkes af appellen til masserne, den klare sondring mellem godt og ondt, der ligger i den folkelige bevidsthed, den "universelle" dækning af begivenheder, en tendens til en lignelse, en lysende "plakat"-metafor. Poetikken i dette folkeshow bruges af V.E. Meyerhold, når han iscenesætter stykket af V.V. Mayakovsky "Mystery-Buff". I Tyskland er leg-lignelsen godkendt af B. Brecht. Ved overgangen til 60-70'erne, under studenterprotestbevægelsen, iscenesatte L. Ronconi i Italien L. Ariostos Furious Roland på pladsen, og i Frankrig iscenesatte A. Mnushkin forestillinger om Den Store Franske Revolution (1789, 1791). Den ældgamle teatertradition får som at sige et nyt liv, der forbinder sig med moderne teaterarbejderes quests.

Genrer af middelalderlig religiøst teater

I det IX århundrede. den første genre af middelalderlig religiøst teater blev født - liturgisk drama... Denne teaterforestilling var en del af gudstjenesten (liturgien).

Årsagerne til fremkomsten af ​​denne genre er højst sandsynligt forbundet med præsternes ønske om at tiltrække så mange mennesker som muligt til religion, for at gøre tilbedelse (i middelalderen blev den kristne gudstjeneste udført på latin) mere forståelig for analfabeter. mennesker.

Det liturgiske drama blev født ud af den kirkelige vej – en dialogiseret oversættelse af evangelieteksten, som normalt sluttede med sang. Efter ham fortsatte liturgien som sædvanlig.

Det første liturgiske drama er scenen for de tre Mari, der kommer til Den Hellige Grav. Dette drama udspillede sig i påsken. Dens plot bestod i, at Maria (præster, som tog skulderklæder på på hovedet, betegner kvindetøj) kom til graven, hvori den korsfæstede Kristi legeme skulle ligge, for at smøre det med myrra. Men i graven mødtes de med en engel (en ung præst i en hvid kappe). I denne scene optrådte dialog og individuelle svar (mellem englen og Maria), hvilket giver os mulighed for at sige, at denne handling var det første liturgiske drama.

Præsterne var selv med til at organisere produktionen af ​​det liturgiske drama. Forestillingerne fandt sted i templet.

I den indledende fase af sin eksistens stødte det liturgiske drama tæt op til messen, dets tekst faldt fuldstændig sammen med gudstjenestens tekst, både i indhold og stil. Det liturgiske drama blev opført på latin og var gennemsyret af en højtidelig stemning, ligesom messen. "Skuespillerne" reciterede humoristisk deres ord.

Efterhånden bliver dramaet mere og mere isoleret fra gudstjenesten. To uafhængige cyklusser af det liturgiske drama dukker op - den julede (det inkluderede episoder: optoget af hyrderne, der varsler Kristi fødsel, tilbedelsen af ​​magi, scenen for kong Herodes' vrede, som beordrede drabet på alle babyer i Betlehem) og påske (den omfattede episoder relateret til Kristi opstandelse).

Over tid udvikler det liturgiske drama sig også fra statisk og symbolsk til effekt. Husholdningselementer begynder at blive introduceret i det.

Oprindeligt skabt for at gøre gudstjenesten mere forståelig for sognebørn, forenklede det liturgiske drama religiøse ideer, som dog var behæftet med en stor fare for religionen, da det førte til dens profanering.

I 1210, ved dekret fra pave Innocentius III, blev fremførelsen af ​​liturgisk drama inde i kirkernes bygninger forbudt. På dette tidspunkt ophører det liturgiske drama som genre med at eksistere.

Det religiøse teater forsvinder dog ikke. Det liturgiske drama forlader kirken på våbenhuset og bliver et semi-liturgisk drama.

Der er endnu flere verdslige motiver i denne forestilling. Hun mister sin stærke forbindelse med gudstjenesten og med kirkekalenderen, derfor bliver valget af dagen for forestillingen friere. Et semi-liturgisk drama udspiller sig også i løbet af messedagene. I stedet for latin begynder forestillinger at finde sted på folkesprog.

De "guddommelige" roller blev stadig spillet af præsterne. Forestillingen brugte kirkeklæder og redskaber. Forestillingen blev akkompagneret af et kor, der sang religiøse salmer på latin.

Præsteskabet tog en enorm rolle i at organisere forestillingerne af det semi-liturgiske drama (tilvejebringelse af territorium til forestillingen (veranda), udførelse af hovedrollerne, udvælgelse af repertoiret, forberedelse af "kostumer" og "rekvisitter").

Religiøse emner begynder dog aktivt at blive flettet sammen med sekulære. Teaterkulturen søger at tage afstand fra religionen, hvilket dog ikke skete helt igennem hele middelalderen.

Mysterium

En anden genre relateret til religiøst teater. Mysteriet stammer fra processioner til ære for kirkens helligdage.

Navnet kommer af lat. ministerium - gudstjeneste

Mysterieteatrets storhedstid falder på XV-XVI århundreder.

Forestillingerne var arrangeret af rådhusene og kommunerne, ikke af kirken. Alle byens indbyggere deltog i mysterierne.

Mystiske forestillinger blev ofte arrangeret på messedage.

Om morgenen på messens åbningsdag blev der holdt kirkebøn, derefter blev der arrangeret et højtideligt optog, hvor hele byen deltog. Efter ham blev mysteriet spillet direkte.

Mysterierne var opdelt i tre cyklusser - Det Gamle Testamente (Det Gamle Testamente, fra verdens skabelse til Kristi fødsel), Det Nye Testamente (Det Nye Testamente, Kristi fødsel, liv, død, opstandelse og himmelfart) og Apostolsk (liv af de hellige).

Repræsentanter for forskellige bylaug deltog i at organisere og præsentere mysteriet. Hver workshop fik sin egen uafhængige episode i aktion.

Forestillingen varede en hel dag, og nogle gange flere dage.

Der var tre typer af scenerumsorganisation og følgelig tre typer af præsentation af mysterierne.

Mobil (typisk primært for England). Individuelle episoder af mysterierne blev vist i varevogne med en høj platform åben på alle sider. Disse varevogne blev kaldt pedanter. Efter at have vist en bestemt episode, flyttede varevognen til en naboplads, og en ny kørte op i stedet for med de skuespillere, der spillede næste afsnit. Og så videre indtil slutningen af ​​mysteriet.

Ringformet. Der var én platform på pladsen. Pælene til den var arrangeret på en ringlignende måde. Der var flere separate sektioner på platformen, der skildrede forskellige steder. Tilskueren var placeret rundt om perronen.

Gazebo. Flere handlingsscener blev afbildet samtidigt på pladsen. Det var en række lysthuse placeret på en enkelt platform i en lige linje og vendt mod publikum foran. I hvert lysthus blev der udspillet separate episoder, afhængigt af hvilken scene dette lysthus afbildede. Publikum flyttede fra et lysthus til et andet.

En sådan organisering af scenerummet er forbundet med det vigtigste princip for middelalderteater - simultanitet (samtidighed). Dette princip indebar samtidig at finde flere steder på pladsen og følgelig samtidigheden af ​​handlinger, der finder sted på dem. Samtidighed går tilbage til middelalderens forestillinger om tid.

Ved tilrettelæggelse af forestillinger blev maskiner aktivt brugt, dekorationer, især dem, der afbildede himmel eller helvede, fik stor opmærksomhed. Den spektakulære side var ekstremt vigtig.

I mysterierne eksisterede naturalisme (især manifesteret i præsentationen af ​​forskellige blodige scener) og konventionalitet side om side.

På trods af at mysteriet var organiseret af sekulære mennesker, var det en slags religiøs tjeneste, som blev skabt af hele byen.

Deltagelse i mysteriet blev betragtet som en from gerning. Så mange roller var så populære blandt jobsøgende, at arrangørerne arrangerede en auktion, hvorfra disse roller blev solgt.

Mysteriet indeholdt fuldstændig uens elementer. På trods af, at dets hovedindhold var en episode fra Bibelen, trængte hverdagens elementer meget aktivt ind i mysteriet. Derudover blev mysterieforestillingen nogle gange udvandet med hele farceagtige scener, som praktisk talt var en separat forestilling på ingen måde forbundet med mysteriet i plottet. Derudover var episoder med deltagelse af djævle meget populære. Og også ofte i mysterierne optrådte en sådan karakter som en nar.

Til at begynde med var amatører involveret i at organisere mysterierne; senere begyndte man at skabe hele fagforeninger, hvis ansvar var at iscenesætte mysteriet. Som regel blev de kaldt broderskaber i analogi med andre middelalderlige broderskaber.

Den mest berømte sådan organisation var Brotherhood of the Passion of the Lord i Frankrig, som fra 1402 endda fik monopol på organisationen i Paris, ikke kun af mysterierne, men også mirakler og "andre religiøse moralske skuespil" (som anført af patent udstedt til medlemmerne af broderskabet af kongen).

Mirakel

Navnet på denne genre kommer fra det latinske ord miraculum (mirakel).

Opstår i Frankrig i det XIII århundrede.

Mirakel kommer fra salmer til ære for helgenerne og læsninger af deres liv i kirken. Derfor tjente historierne om mirakler udført af Jomfru Maria og helgenerne som grundlag for plottene.

Organiseringen af ​​mirakelforestillinger i Frankrig blev udført af særlige samfund - puys. Deres navn kommer fra ordet podium.

Moral

En anden genre relateret til middelalderens religiøse teater.

Vises i XV-XVI århundreder.

Dette er et allegorisk skuespil, hvor allegoriske karakterer optræder. Hver af dem er personificeringen af ​​et eller andet abstrakt begreb (synd, dyd, kvalitet osv.). Essensen af ​​plottet kogte ned til historien om, hvordan en person står over for et valg mellem godt og ondt.

Mennesker, der valgte dyd, blev belønnet til sidst, og de, der hengav sig til laster, blev straffet. Således var enhver moral gennemsyret af didaktik.

Moral har ingen direkte forbindelse med bibelske plot, men dens moralisering giver os mulighed for at klassificere denne genre som et religiøst teater i middelalderen.

Scenen for moralen var scenen opført på pladsen.

Allegoriske karakterer bar inskriptioner på deres bryster, som forklarede publikum, hvem der var foran dem. Derudover havde hver af dem sin egen iboende egenskab, som han altid optrådte med på scenen, og som også symbolsk forklarede, hvad det var for en allegori.

Russisk teaters historie er opdelt i flere hovedstadier. Den indledende, legende scene opstår i stammesamfundet og slutter i det 17. århundrede, hvor der sammen med en ny periode af russisk historie begynder en ny, mere moden fase i teatrets udvikling, som ender med oprettelsen af ​​en permanent stat. professionelt teater i 1756.

Begreberne "teater" og "drama" kom først ind i den russiske ordbog i det 18. århundrede. I slutningen af ​​det 17. århundrede blev udtrykket "komedie" brugt, og gennem århundredet - "sjovt" (Forlystelsesskab, Forlystelseskammer). I de populære masser blev udtrykket "teater" forudgået af udtrykket "skam", udtrykket "drama" - "spil", "leg". I den russiske middelalder var synomiske definitioner udbredte - "dæmoniske" eller "sataniske" bøllespil. Alle former for kuriositeter bragt af udlændinge i det 16. - 17. århundrede og fyrværkeri blev også kaldt sjov. Den unge zar Peter 1.s militære aktiviteter blev også kaldt sjove.Begrebet "leg" er tæt på udtrykket "spil" ("bøflige lege", "festlege"). I denne forstand blev både brylluppet og udklædningen kaldt "leg", "leg". "Leg" har en helt anden betydning i forhold til musikinstrumenter: at spille tamburiner, snuse osv. Begreberne "leg" og "leg" som anvendt på mundtlig dramatik blev bevaret blandt folket indtil det 19. - 20. århundrede.

Folkekunst

Russisk teater opstod i oldtiden. Dens oprindelse går tilbage til folkekunst - ceremonier, helligdage forbundet med arbejde. Med tiden mistede ceremonierne deres magiske betydning og blev til spil-forestillinger. Elementer af teater blev født i dem - dramatisk handling, påklædning, dialog. I fremtiden blev de enkleste spil til folkedramaer; de blev skabt i processen med kollektiv kreativitet og blev gemt i folkets hukommelse og gik fra generation til generation.

I løbet af dets udvikling blev spillene differentierede, opløste i beslægtede og samtidig mere og fjernere fra hinanden varianter - til dramaer, ritualer, spil. De blev kun bragt sammen af ​​det faktum, at de alle afspejlede virkeligheden og brugte lignende metoder til udtryksevne - dialog, sang, dans, musik, maskering, udklædning, skuespil.

Spillene indgydte smag for dramatisk kreativitet.

Spillene var oprindeligt en direkte afspejling af stammesamfundets organisation: de havde en runddans-karakter. I runddanselegene blev kor og dramatisk kreativitet organisk smeltet sammen. Sange og dialoger, der i rigelige grad indgår i lysten, var med til at præge de legende billeder. Massehøjtideligheden var også legende; de ​​blev tidsbestemt til at falde sammen med foråret og blev kaldt "havfruer". I det 15. århundrede blev indholdet af begrebet "Rusalia" defineret som følger: dæmoner i menneskelig form. Og Moskva "Azbukovnik" fra 1694 definerer allerede Rusalia som "buffoonish spil".

Teaterkunst af folkene i vores fædreland stammer fra ritualer og spil, rituelle handlinger. Under feudalismen blev teaterkunsten dyrket på den ene side af "de folkelige masser" og på den anden side af den feudale adel, og bøfferne differentierede også derefter.

I 957 stiftede storhertuginden Olga bekendtskab med teatret i Konstantinopel. Kalkmalerierne i Kiev-Sophia-katedralen i den sidste tredjedel af det 11. århundrede viser hippodromeforestillinger. I 1068 blev buffoner første gang nævnt i annalerne.

Teatre af tre slags var kendt i Kievan Rus: hof, kirke og folketeatre.

Buffoneri

Det ældste "teater" var folkeskuespillernes spil - buffoner. Buffoneri er et komplekst fænomen. Buffonerne blev betragtet som en slags magi, men det er forkert, fordi buffonerne, der deltog i ritualerne, ikke blot ikke forbedrede deres religiøse og magiske karakter, men tværtimod bragte et sekulært, sekulært indhold.

Enhver kunne snyde, det vil sige synge, danse, joke, spille scener, spille på musikinstrumenter og optræde, det vil sige portrættere en slags person eller væsen. Men kun den, hvis kunst skilte sig ud over massernes kunsts niveau med sit kunstnerskab, blev og blev kaldt en skomorokh-håndværker.

Parallelt med folketeatret udviklede der sig professionel teaterkunst, hvis bærere i det gamle Rus var buffoner. Fremkomsten af ​​et dukketeater i Rusland er forbundet med buffoonery. Den første kronikinformation om buffoner falder i tid sammen med udseendet på væggene i Kiev-Sophia-katedralen af ​​fresker, der forestiller buffoons. Munkekrønikeskriveren kalder bøflerne for djævlernes tjenere, og kunstneren, der malede katedralens vægge, anså det for muligt at inkludere deres billede i kirkedekorationer sammen med ikoner. Bufferne var forbundet med masserne, og en af ​​deres kunstarter var "hån", det vil sige satire. Skomorokhs kaldes "spottere", det vil sige spottere. Glum, hån, satire vil fortsat være stærkt forbundet med bøvler.

Den verdslige kunst at bøvle var fjendtlig over for kirken og den gejstlige ideologi. Optegnelser om krønikeskrivere ("Fortællingen om svundne år") vidner om det had, som gejstligheden havde til kunsten at bøvle. Kirkens lære fra det 11.-12. århundrede erklærer, at det er en synd at klæde sig ud, hvilket bøfferne tyer til. Bøfferne blev især hårdt forfulgt i årene med det tatariske åg, hvor kirken begyndte at prædike en asketisk levevis. Ingen forfølgelse har udryddet bøvl blandt folket. Tværtimod udviklede den sig med succes, og dens satiriske brod blev stadig skarpere.

I det gamle Rus kendte man håndværk relateret til kunst: ikonmalere, juvelerer, træ- og knogleskærere, bogskrivere. Skomorokhs tilhørte dem, idet de var "udspekulerede", "mestre" i sang, musik, dans, poesi, drama. Men de blev kun betragtet som morskabere, morskabere. Deres kunst var ideologisk forbundet med folkets masser, med håndværkerfolket, som regel i modsætning til de herskende masser. Dette gjorde deres færdigheder ikke kun ubrugelige, men, set fra feudale herrer og præster, ideologisk skadelige og farlige. Repræsentanter for den kristne kirke satte bøffer ved siden af ​​de vise mænd og troldmænd. I ritualer og spil er der stadig ingen opdeling i udøvere og tilskuere; de mangler udviklede plots, transformation til et billede. De optræder i et folkedrama gennemsyret af akutte sociale motiver. Fremkomsten af ​​friluftsteatre af mundtlig tradition er forbundet med folkedrama. Skuespillerne i disse folketeatre (bøvler) latterliggjorde magthaverne, gejstligheden, de rige, sympatisk viste almindelige mennesker. Folketeaterforestillingerne var baseret på improvisation og omfattede pantomime, musik, sang, dans, kirkeforestillinger; kunstnere brugte masker, make-up, kostumer, rekvisitter.

Karakteren af ​​buffonernes optræden krævede i begyndelsen ikke deres forening i store grupper. Til fremførelsen af ​​eventyr, epos, sange, at spille instrumentet var kun én performer nok. Bøfferne forlader deres hjem og vandrer i det russiske land på jagt efter arbejde, flytter fra landsbyer til byer, hvor de tjener ikke kun landdistrikterne, men også bybefolkningen og nogle gange de fyrstelige domstole.

Buffonerne var også tiltrukket af folkehofforestillinger, som mangedobledes under indflydelse af deres bekendtskab med Byzans og dets hofliv. Da de ved hoffet i Moskva indrettede det morsomme skab (1571) og det morsomme kammer (1613), befandt bøflerne sig der i stilling som hofnarer.

Buffonernes forestillinger kombinerede forskellige typer kunst: både dramatisk og kirke og "variation".

Den kristne kirke modarbejdede folkelegene og bøllernes kunst med rituel kunst, mættet med religiøse og mystiske elementer.

Buffonernes forestillinger udviklede sig ikke til professionelt teater. Der var ingen betingelser for fødslen af ​​teatertrupper - myndighederne forfulgte trods alt bøffer. Kirken forfulgte også bøvler og søgte hjælp fra de sekulære myndigheder. Mod bøfferne blev Charter of Charity til Trinity-Sergius Monastery fra det 15. århundrede, Charter fra begyndelsen af ​​det 16. århundrede sendt. Kirken satte vedholdende bøflerne på niveau med bærerne af det hedenske verdensbillede (troldmænd, troldmænd). Og alligevel blev de klovnede forestillinger ved med at leve, folketeatret udviklede sig.

Samtidig tog kirken alle forholdsregler for at etablere sin indflydelse. Dette kom til udtryk i udviklingen af ​​det liturgiske drama. Nogle liturgiske dramaer kom til os sammen med kristendommen, andre - i det 15. århundrede, sammen med det nyligt vedtagne højtidelige charter for "den store kirke" ("Procession on the Osmeti", "Washing the Feet").

På trods af brugen af ​​teatralske og underholdningsformer skabte den russiske kirke ikke sit eget teater.

I det 17. århundrede forsøgte Simeon af Polotsk (1629-1680) at skabe et kunstnerisk litterært drama på baggrund af det liturgiske drama, dette forsøg viste sig at være isoleret og frugtesløst.

Teatre i det 17. århundrede

I det 17. århundrede blev de første mundtlige dramaer dannet, enkle i plot, der afspejlede populære stemninger. Dukkekomedien om Petrushka (han hed oprindeligt Vanka-Ratatouille) fortalte om eventyrene fra en klog munter fyr, der ikke er bange for noget i verden. Et ægte teater dukkede op i det 17. århundrede - et hof- og skoleteater.

Hofteater

Hofteatrets fremkomst var foranlediget af hofadelens interesse for vestlig kultur. Dette teater dukkede op i Moskva under zar Alexei Mikhailovich. Den første opførelse af skuespillet "Artaxerxes Action" (historien om den bibelske Esther) fandt sted den 17. oktober 1672. I begyndelsen havde hofteatret ikke sine egne lokaler, kulisser og kostumer blev overført fra sted til sted. De første forestillinger blev iscenesat af pastor Gregory fra det tyske kvarter, skuespillerne var også udlændinge. Senere begyndte de at tvangs tiltrække og træne russiske "unge". Deres løn blev udbetalt uregelmæssigt, men de sparede ikke på kulisser og kostumer. Forestillingerne udmærkede sig ved stor pomp, nogle gange ledsaget af musikinstrumenter og dans. Efter zar Alexei Mikhailovichs død blev hofteatret lukket, og forestillingerne blev kun genoptaget under Peter I.

Skoleteater

Foruden hofmanden var der i Rusland i det 17. århundrede også et skoleteater ved det slavisk-græsk-latinske akademi, i teologiske seminarer og skoler i Lvov, Tiflis, Kiev. Skuespil blev skrevet af lærere, og elever opførte historiske tragedier, allegoriske dramaer tæt på europæiske mirakler, mellemspil – satiriske hverdagsscener, hvor en protest mod samfundsordenen lød. Skoleteatrets sideshow lagde grunden til komediegenren i national dramatik. Den berømte politiske skikkelse, dramatiker Simeon Polotsky, stod i begyndelsen af ​​skoleteatret.

Fremkomsten af ​​skoleteatre ved hoffet udvidede sfæren for det russiske samfunds åndelige liv.

Teater fra det tidlige 18. århundrede

På foranledning af Peter I i 1702 blev Det Offentlige Teater skabt, designet til det brede publikum. Specielt for ham på Den Røde Plads i Moskva blev bygget en bygning - "Comedy Temple". Den tyske trup af I. Kh. Kunst gav forestillinger der. Repertoiret omfattede udenlandske skuespil, som ikke havde succes hos offentligheden, og teatret ophørte med at eksistere i 1706, da tilskuddene til Peter I stoppede.

Konklusion

En ny side i historien om scenekunsten for folkene i vores fædreland blev åbnet af livegne og amatørteatre. Serf-tropper, der har eksisteret siden slutningen af ​​det 18. århundrede, iscenesatte vaudeville, tegneserieoperaer og balletter. Private virksomheder opstod på baggrund af livegneteatre i en række byer. Russisk teaterkunst havde en gavnlig effekt på dannelsen af ​​det professionelle teater for folkene i vores fædreland. Tropperne i de første professionelle teatre omfattede talentfulde amatører - repræsentanter for den demokratiske intelligentsia.

Teater i Rusland i det 18. århundrede opnåede enorm popularitet, blev de brede massers ejendom, en anden generelt tilgængelig sfære af folks åndelige aktivitet.