Navnene på renæssancens mest berømte kunstnere. Store kunstnere fra renæssancen

De første forløbere for renæssancekunst dukkede op i Italien i XIV århundrede. Kunstnerne på dette tidspunkt, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) og (primært) Giotto (1267-1337), da de skabte lærred med traditionelle religiøse temaer, begyndte de at bruge nye kunstneriske teknikker: opførelsen af \u200b\u200ben volumetrisk komposition, brugen af \u200b\u200bet landskab i baggrunden, som gjorde det muligt for dem at gøre billeder mere realistiske og livlige. Dette skelnede skarpt deres arbejde fra den tidligere ikonografiske tradition, fyldt med konventioner i billedet.
Udtrykket bruges til at betegne deres kreativitet Proto-renæssance (1300-tallet - Trecento) .

Giotto di Bondone (c. 1267-1337) - Italiensk kunstner og arkitekt fra Proto-renæssance æra. En af nøglefigurerne i historien om vestlig kunst. Efter at have overvundet den byzantinske ikonmaleritradition blev han den sande grundlægger af den italienske malerskole og udviklede en helt ny tilgang til at skildre rummet. Giottos værker blev inspireret af Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo.


Tidlig renæssance (1400-tallet - "Quattrocento").

I begyndelsen af \u200b\u200bdet 15. århundrede Filippo Brunelleschi (1377-1446), florentinsk lærd og arkitekt.
Brunelleschi ønskede at gøre opfattelsen af \u200b\u200bbegreberne og teatrene rekonstrueret af ham mere visuel og forsøgte at skabe geometrisk perspektiviske billeder ud fra hans planer for et specifikt synspunkt. I denne søgning blev opdaget direkte perspektiv.

Dette tillod kunstnere at få perfekte billeder af tredimensionelt rum på maleriets flade lærred.

Et andet vigtigt skridt på vejen til renæssancen var fremkomsten af \u200b\u200bikke-religiøs, verdslig kunst. Portræt og landskab har etableret sig som uafhængige genrer. Selv religiøse emner fik en anden fortolkning - kunstnerne fra renæssancen begyndte at se deres karakterer som helte med markante individuelle træk og menneskelig motivation for handlinger.

De mest berømte kunstnere i denne periode er Masaccio (1401-1428), Mazolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticelli (1447-1515).

Masaccio (1401-1428) - den berømte italienske maler, den største mester på den florentinske skole, reformator af maleriet fra Quattrocento-æraen.

Fresco. Mirakel med statir.

Billede. Korsfæstelse.

Fresco. Historien om dronningen af \u200b\u200bSheba. San Francesco-kirken i Arezzo

Forår.

Fødsel af Venus.

Leonardo di ser Piero da Vinci (Firenze) (1452-1519) - italiensk kunstner (maler, billedhugger, arkitekt) og videnskabsmand (anatom, naturforsker), opfinder, forfatter.

Selvportræt

Dame med en hermelin. 1490. Czartoryski Museum, Krakow

Mona Lisa (1503-1505 / 1506)

Madonna Litta. 1490-1491. Hermitage Museum.

Madonna Benoit (Madonna med en blomst). 1478-1480

Madonna of the Carnation. 1478

I løbet af sit liv lavede Leonardo da Vinci tusinder af noter og tegninger om anatomi, men offentliggjorde ikke sit arbejde. Ved at lave dissektioner af legeme af mennesker og dyr, formidlede han nøjagtigt strukturen af \u200b\u200bskeletet og indre organer, herunder små detaljer. Ifølge professor i klinisk anatomi Peter Abrams var da Vincis videnskabelige arbejde 300 år forud for sin tid og overgik på mange måder den berømte "Greys anatomi".

Liste over opfindelser, både reelle og tilskrevet ham:

Faldskærm, tilolesc slot, icykel, tankh, llette bærbare broer til hæren, shorn, tilatapult, srev, duldsteleskop.

Michelangelo Buonarrotis malerier og skulpturer er fulde af heroisk patos og på samme tid en tragisk følelse af humanismens krise. Hans malerier forherliger styrken og kraften i en person, skønheden i hans krop, mens de understreger hans ensomhed i verden.

Michelangelos geni efterlod et præget ikke kun på renæssancekunsten, men også på hele den videre verdenskultur. Dets aktiviteter er hovedsageligt forbundet med to italienske byer - Firenze og Rom.

Imidlertid var kunstneren i stand til at realisere sine mest ambitiøse ideer netop i maleriet, hvor han fungerede som en ægte innovator af farve og form.
På ordre fra pave Julius II malede han loftet på det sixtinske kapel (1508-1512), der repræsenterer den bibelske historie fra verdens skabelse til oversvømmelsen og inkluderer mere end 300 figurer. I 1534-1541 i det samme sixtinske kapel for pave Paul III fremførte han det storslåede, fyldt med dramafresko "Den sidste dom".
Det sixtinske kapel 3D.

Værkerne fra Giorgione og Titian udmærker sig ved deres interesse for landskabet, poetiseringen af \u200b\u200bhandlingen. Begge kunstnere opnåede stor dygtighed i kunsten at portrættere, ved hjælp af hvilken de formidlede karakteren og den rige indre verden af \u200b\u200bderes karakterer.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Giorgione) (1476 / 147-1510) - Italiensk kunstner, repræsentant for den venetianske malerskole.

Sovende Venus. 1510

Judith. 1504g

Titian malede billeder på bibelske og mytologiske emner, han blev berømt som portrætmaler. Han modtog ordrer fra konger og paver, kardinaler, hertuger og fyrster. Titian var ikke engang tredive år gammel, da han blev anerkendt som den bedste maler i Venedig.

Selvportræt. 1567g

Venus af Urbinskaya. 1538

Portræt af Tommaso Mosty. 1520

Sen renæssance.
Efter Rom's sæk fra de kejserlige styrker i 1527 gik den italienske renæssance ind i en kriseperiode. Allerede i det sene Raphaels arbejde blev en ny kunstnerisk linje skitseret, som fik navnet manerisme.
Denne æra er præget af oppustede og brudte linjer, forlængelse eller endog deformation af figurer, ofte nøgen, spænding og unaturlige udgør, usædvanlige eller bizarre effekter forbundet med størrelse, belysning eller perspektiv, brugen af \u200b\u200ben kaustisk kromatisk skala, overbelastet komposition osv. manerisme Parmigianino , Pontormo , Bronzino- boede og arbejdede ved retten til hertugerne af Medici-huset i Firenze. Senere spredte sig manneristisk mode over hele Italien og videre.

Girolamo Francesco Maria Mazzola (Parmigianino - "bosiddende i Parma") (1503-1540,) italiensk maler og trykker, repræsentant for mannerisme.

Selvportræt. 1540

Portræt af en kvinde. 1530.

Jacopo Robusti, bedre kendt som Tintoretto (1518 eller 1519-1594) - maler af den venetianske skole i den sene renæssance.

Den sidste nadver. 1592-1594. San Giorgio Maggiore Kirke, Venedig.

Kristus på korset. OKAY. 1577. Privat samling.

Treenighed. 1579 Prado.

Den utvivlsomt opnåelse af renæssancen var den geometrisk korrekte konstruktion af billedet. Kunstneren byggede billedet ved hjælp af de teknikker, han udviklede. Det vigtigste for dengang malere var at observere andelene af objekter. Selv naturen faldt under de matematiske tricks til at beregne proportionaliteten af \u200b\u200bet billede med andre objekter i billedet.

Med andre ord forsøgte kunstnere under renæssancen at formidle et nøjagtigt billede af for eksempel en person på baggrund af naturen. Hvis vi sammenligner det med moderne metoder til at genskabe et set billede på noget lærred, så vil sandsynligvis fotografering med efterfølgende justeringer hjælpe med at forstå, hvad renæssancekunstnerne stræbte efter.

Renæssancemalere mente, at de havde ret til at korrigere naturens ufuldkommenheder, dvs. hvis en person havde grimme ansigtstræk, korrigerede kunstnerne dem på en sådan måde, at ansigtet blev sødt og attraktivt.

Leonardo Da Vinci

Renæssancetiden blev sådan takket være de mange kreative personligheder, der levede på det tidspunkt. Den verdensberømte Leonardo da Vinci (1452-1519) skabte et stort antal mesterværker, hvis omkostninger estimeres i millioner af dollars, og kendere af hans kunst er klar til at overveje hans malerier i lang tid.

Leonardo begyndte sine studier i Firenze. Hans første lærred, skrevet omkring 1478, er "Madonna Benoit". Derefter var der sådanne kreationer som "Madonna i grotten", "Mona Lisa", den ovennævnte "sidste nadver" og et væld af andre mesterværker, skrevet af en renæssancestitan.

Sværhedsgraden af \u200b\u200bgeometriske proportioner og nøjagtig gengivelse af en persons anatomiske struktur - det er det, der karakteriserer Leonard da Vincis maleri. Ifølge ham er kunsten at skildre visse billeder på lærred en videnskab og ikke bare en slags hobby.

Raphael Santi

Raphael Santi (1483 - 1520) kendt i kunstverdenen som Raphael skabte sine værker i Italien. Hans malerier er gennemsyret af tekst og nåde. Raphael er en repræsentant for renæssancen, der portrætterede en person og hans liv på jorden, han elskede at male væggene i Vatikanets katedraler.

Malerierne forrådte figurernes enhed, proportional korrespondance mellem rum og billeder, farvefarven. Jomfruens renhed var grundlaget for mange malerier af Raphael. Hans allerførste billede af Guds Moder er den sixtinske madonna, som blev malet af en berømt kunstner tilbage i 1513. Portrætterne, der blev skabt af Raphael, afspejlede det ideelle menneskelige image.

Sandro Botticelli

Sandro Botticelli (1445 - 1510) er også en renæssancemaler. Et af hans første værker var maleriet "Adoration of the Magi". Subtil poesi og drømmelighed var hans indledende manerer inden for overførsel af kunstneriske billeder.

I de tidlige 80'ere af det 15. århundrede malede den store kunstner Vatikanets kapel. Freskerne lavet af hans hånd er stadig slående.

Over tid blev roligheden i oldtidens bygninger, livskraften i de afbildede figurer, harmonien mellem billeder iboende i hans malerier. Derudover er Botticellis lidenskab for tegninger til berømte litterære værker kendt, hvilket også kun tilføjede ære til hans arbejde.

Michelangelo Buonarotti

Michelangelo Buonarotti (1475 - 1564) er en italiensk maler, der også arbejdede under renæssancen. Hvad denne person vidste for mange af os, gjorde ikke. Og skulptur, maleri og arkitektur samt poesi. Michelangelo var ligesom Raphael og Botticelli engageret i at male væggene i Vatikanets templer. Når alt kommer til alt var kun de mest talentfulde malere i disse tider involveret i et så vigtigt arbejde som at tegne billeder på væggene i katolske katedraler. Han måtte dække mere end 600 kvadratmeter af det sixtinske kapel med fresker, der skildrede forskellige bibelske emner. Det mest berømte værk i denne stil er kendt for os som "Den sidste dom". Betydningen af \u200b\u200bden bibelske historie udtrykkes fuldt ud og tydeligt. En sådan nøjagtighed i billedoverførslen er karakteristisk for alt Michelangelos arbejde.

Renæssance (renæssance). Italien. XV-XVI århundreder. Tidlig kapitalisme. Landet styres af velhavende bankfolk. De er interesserede i kunst og videnskab.

De rige og indflydelsesrige samler de talentfulde og kloge omkring dem. Digtere, filosoffer, malere og billedhuggere har daglige samtaler med deres lånere. Et øjeblik syntes det, at folk blev styret af vismænd, som Platon ønskede.

De huskede de gamle romere og grækerne. Som også byggede et samfund med frie borgere. Hvor hovedværdien er en person (selvfølgelig ikke tæller med slaver).

Renæssance kopierer ikke kun kunsten fra gamle civilisationer. Dette er forvirring. Mytologi og kristendom. Naturens realisme og sjælfulde billeder. Fysisk skønhed og åndelig skønhed.

Det var bare et glimt. Højrenæssancen er omkring 30 år gammel! Fra 1490'erne til 1527 Siden begyndelsen af \u200b\u200bblomstringen af \u200b\u200bkreativitet Leonardo. Før Roms sæk.

Miraglen fra en ideel verden forsvandt hurtigt. Italien viste sig at være for skrøbelig. Hun blev snart slaver af en anden diktator.

Disse 30 år har dog bestemt de vigtigste træk ved europæisk maleri i 500 år fremover! Op til .

Billedets realisme. Antropocentrisme (når en person er hovedperson og helt). Lineært perspektiv. Olie maling. Portræt. Landskab…

Utroligt, i disse 30 år arbejdede flere strålende mestre på én gang. Som på andre tidspunkter er født en ud af 1000 år.

Leonardo, Michelangelo, Raphael og Titian er titanerne i renæssancen. Men man kan ikke undlade at nævne deres to forgængere. Giotto og Masaccio. Uden hvilken ville der ikke være nogen renæssance.

1. Giotto (1267-1337)

XIV århundrede. Proto-renæssance. Dets hovedperson er Giotto. Dette er en mester, der alene revolutionerede kunsten. 200 år før højrenæssancen. Hvis det ikke var ham, ville den æra, som menneskeheden er så stolt af, næppe være kommet.

Før Giotto var der ikoner og freskomalerier. De blev skabt i henhold til de byzantinske kanoner. Ansigter i stedet for ansigter. Flade figurer. Manglende overholdelse af proportioner. I stedet for et landskab - en guld baggrund. Som for eksempel i dette ikon.

Og pludselig dukker Giottos fresker op. De har tredimensionelle figurer. Ædle menneskers ansigter. Trist. Trist. Overrasket. Gamle og unge. Forskellige.

Fresker af Giotto i kirken Scrovegni i Padua (1302-1305). Til venstre: Klagesang over Kristus. Midten: Judas kys (detaljer). Til højre: Bebudelse til St. Anne (Moder Mary), detalje.

Giottos vigtigste skabelse er en cyklus af hans fresker i Scrovegni-kapellet i Padua. Da denne kirke blev åbnet for sognebørn, flød folkemængder ind i den. Fordi de aldrig har set noget lignende.

Når alt kommer til alt gjorde Giotto noget uhørt. Han oversatte slags de bibelske historier til et enkelt, forståeligt sprog. Og de er blevet meget mere tilgængelige for almindelige mennesker.

Dette er hvad der vil være karakteristisk for mange mestre fra renæssancen. Lakoniske billeder. Livlige følelser af karakterer. Realisme.

Læs mere om mesterens fresker i artiklen.

Giotto blev beundret. Men hans innovationer blev ikke videreudviklet. Måden for international gotik kom til Italien.

Først om 100 år vises en mester, en værdig efterfølger til Giotto.

2. Masaccio (1401-1428)

Begyndelsen af \u200b\u200bdet 15. århundrede. Den såkaldte tidlig renæssance. En anden innovator kommer ind på scenen.

Masaccio var den første kunstner, der brugte lineært perspektiv. Det blev designet af hans ven, arkitekten Brunelleschi. Nu er den afbildede verden blevet den samme som den virkelige. Legetøjsarkitektur hører fortiden til.

Han adopterede Giottos realisme. Men i modsætning til sin forgænger kendte han allerede anatomi godt.

I stedet for Giottos klumpede karakterer er de smukt bygget mennesker. Ligesom de gamle grækere.

Masaccio levede et kort liv. Han døde, ligesom sin far, uventet. Som 27 år gammel.

Han havde imidlertid mange tilhængere. Mestere fra de næste generationer gik til Brancacci-kapellet for at lære af hans fresker.

Så Masaccios nyskabelser blev taget op af alle de store titaner i højrenæssancen.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci er en af \u200b\u200brenæssancens titaner. Hvilket påvirkede maleriets udvikling på en kolossal måde.

Det var han, der selv hævede kunstnerens status. Takket være ham er repræsentanter for dette erhverv ikke længere kun håndværkere. Disse er åndens skabere og aristokrater.

Leonardo lavede et gennembrud primært inden for portrætter.

Han mente, at intet skulle distrahere fra hovedbilledet. Bliket bør ikke vandre fra en detalje til en anden. Sådan fremkom hans berømte portrætter. Laconic. Harmonisk.

Leonardos vigtigste innovation er, at han fandt en måde at gøre billederne ... levende.

Før ham lignede personerne i portrætterne mannequiner. Linjerne var skarpe. Alle detaljer spores nøje. Den malede tegning kunne aldrig være i live.

Men så opfandt Leonardo sfumato-metoden. Han skraverede linjerne. Gjorde overgangen fra lys til skygge meget blød. Hans karakterer ser ud til at være dækket af en subtil dis. Karaktererne blev levende.

Siden da vil sfumato komme ind i det aktive ordforråd for alle fremtidens store kunstnere.

Meningen imødekommes ofte, at Leonardo naturligvis er et geni. Men han kunne ikke bringe noget til slutningen. Og ofte ikke færdig med at male. Og mange af hans projekter er forblevet på papiret (forresten i 24 bind). Generelt blev han kastet i medicin og derefter i musik. Og selv på et tidspunkt var han glad for kunsten at servere.

Men tænk selv. 19 malerier. Og han er den største kunstner gennem alle tider og folk. Og nogle er ikke engang tæt på storhed. Samtidig har jeg skrevet 6000 malerier i en levetid Det er klart, hvem der har højere effektivitet.

Læs om det mest berømte maleri af mesteren i artiklen.

4. Michelangelo (1475-1564)

Michelangelo betragtede sig selv som en billedhugger. Men han var en alsidig mester. Ligesom hans andre kolleger fra renæssancen. Derfor er hans billedarv ikke mindre storslået.

Han genkendes primært af hans fysisk udviklede karakterer. Fordi han portrætterede en perfekt person. I hvilken fysisk skønhed betyder åndelig skønhed.

Derfor er alle hans karakterer så muskuløse og hårdføre. Selv kvinder og gamle mennesker.

Michelangelo. Fragmenter fra den sidste domers fresko i Det Sixtinske Kapel, Vatikanet.

Michelangelo malede ofte karakteren nøgen. Og så malede han oven på tøjet. Så kroppen er så fremtrædende som muligt.

Han malede selv loftet på det sixtinske kapel. Selvom dette er flere hundrede tal! Han lod ikke engang gnide malingen. Ja, han var en ensom. Besidder en cool og kræsne karakter. Men mest af alt var han utilfreds med ... sig selv.

Michelangelo levede et langt liv. Efter at have overlevet udryddelsen af \u200b\u200brenæssancen. Det var en personlig tragedie for ham. Hans senere værker er fulde af sorg og sorg.

Generelt er Michelangelos kreative vej unik. Hans tidligste arbejde er en forherligelse af den menneskelige helt. Gratis og modig. I de bedste traditioner i det antikke Grækenland. Ligesom hans David.

I de sidste leveår er dette tragiske billeder. Bevidst ru hugget sten. Som om vi er monumenter over ofrene for det 20. århundredes fascisme. Se på hans Pieta.

Skulpturer af Michelangelo ved Kunstakademiet i Firenze. Til venstre: David. 1504 Til højre: Pieta fra Palestrina. 1555 g.

Hvordan er det muligt? En kunstner i et af hans liv gennemgik alle kunstfaser fra renæssancen til det 20. århundrede. Hvad skal de næste generationer gøre? Gå din egen vej. At indse, at bjælken er sat meget højt.

5. Raphael (1483-1520)

Raphael blev aldrig glemt. Hans geni er altid blevet anerkendt. Og i løbet af livet. Og efter døden.

Hans karakterer er udstyret med sensuel, lyrisk skønhed. Det er han, der med rette betragtes som de smukkeste kvindelige billeder, der nogensinde er skabt. Deres ydre skønhed afspejler heltindernes åndelige skønhed. Deres ydmyghed. Deres offer.

Fjodor Dostojevskij sagde de berømte ord "Skønhed vil redde verden" af Fr. Dette var hans yndlingsmaleri.

Sensuelt billedsprog er dog ikke Raphaels eneste styrke. Han tænkte meget om sammensætningen af \u200b\u200bsine malerier. Han var en uovertruffen arkitekt i maleriet. Desuden fandt han altid den enkleste og mest harmoniske løsning i organisationen af \u200b\u200brummet. Det ser ud til, at det ikke kan være anderledes.

Raphael levede kun 37 år gammel. Han døde pludselig. Fra forkølelse og medicinsk fejl. Men hans arv er svært at overvurdere. Mange kunstnere forgudede denne mester. Multiplicerer hans sensuelle billeder i tusinder af hans malerier ..

Titian var en fuldendt farvelægger. Han eksperimenterede også meget med komposition. Generelt var han en dristig og lys innovatør.

For en sådan lysstyrke af talent elskede alle ham. At kalde det ”Kongen af \u200b\u200bmalere og malere af konger”.

Apropos Titian, jeg vil sætte et udråbstegn efter hver sætning. Det var trods alt han, der bragte dynamik til maleriet. Pathos. Entusiasme. Lys farve. Skinne af farver.

Mod slutningen af \u200b\u200bsit liv udviklede han en usædvanlig skriveteknik. Hurtige, tykke slag. Jeg påførte maling med en pensel og derefter med mine fingre. Fra dette - billederne er endnu mere levende og trækker vejret. Og plotene er endnu mere dynamiske og dramatiske.

Påminder dette dig ikke om noget? Selvfølgelig er dette en teknik. Og teknikken til kunstnere fra det XIX århundrede: Barbizonians og. Titian vil ligesom Michelangelo gennemgå 500 års maleri i et af hans liv. Derfor er han et geni.

Læs om mesterens berømte mesterværk i artiklen.

Renæssancekunstnere er kunstnere med stor viden. For at efterlade en sådan arv måtte man vide meget. Inden for historie, astrologi, fysik og så videre.

Derfor får hvert af deres billeder os til at tænke. Hvorfor er det afbildet? Hvad er den krypterede besked her?

Derfor var de næsten aldrig forkert. Fordi de grundigt tænkte over deres fremtidige arbejde. Brug af al bagage fra deres viden.

De var mere end kunstnere. De var filosoffer. At forklare verden for os gennem maleri.

Derfor vil de altid være dybt interesserede for os.

Renæssance er en tid med intellektuel blomstring i Italien, der påvirker menneskehedens udvikling. Denne vidunderlige tid startede i det XIV århundrede og begyndte at falde i det XVI århundrede. Det er umuligt at finde et enkelt område med menneskelig aktivitet, der ikke ville blive påvirket af renæssancen. Den blomstrende menneskelige kultur, kreativitet, kunst, videnskab. Politik, filosofi, litteratur, arkitektur, maleri - alt dette fik et nyt åndedrag og begyndte at udvikle sig i et usædvanligt hurtigt tempo. De fleste af de største kunstnere, som efterlod en evig hukommelse af sig selv i deres værker og udviklede de fleste af maleriets principper og love, levede og arbejdede på netop dette tidspunkt. Renæssancearaen er blevet et frisk pust for mennesker og begyndelsen på et nyt liv, en reel kulturrevolution. Principperne for livet i middelalderen kollapsede, og mennesket begyndte at stræbe efter det højere, som om det realiserede sin virkelige skæbne på Jorden - at skabe og udvikle sig.

Genoplivning betyder intet andet, men en tilbagevenden til fortidens værdier. Fortidens værdier, herunder f.eks. Tro og oprigtig kærlighed til kunst, kreativitet, skabelse, er blevet overvejet. Bevidsthed om mennesket i universet: mennesket som naturens krone, kronen på den guddommelige skabelse, hvor han selv er skaberen.

De mest berømte renæssance malere er Alberti, Michelangelo, Raphael, Albrecht Durer og mange andre. Med deres arbejde udtrykte de det generelle begreb om universet, begrebet menneskets oprindelse, som var baseret på religion og myter. Vi kan sige, at det var da kunstneres ønske opstod for at lære at skabe et realistisk billede af en person, natur, ting såvel som immaterielle fænomener - følelser, følelser, humør osv. Oprindeligt blev Firenze betragtet som centrum for renæssancen, men i det 16. århundrede erobrede den Venedig. Det var i Venedig, at de vigtigste velgørere eller lånere fra renæssancen, såsom Medici, paver og andre, blev lokaliseret.

Der er ingen tvivl om, at renæssancens æra påvirkede hele menneskehedens udvikling i enhver forstand af ordet. Dengangs kunstværker er stadig blandt de dyreste, og deres forfattere har forladt deres navne i historien for evigt. Renæssancemalerier og skulpturer betragtes som uvurderlige mesterværker og er stadig en guide og et eksempel for enhver kunstner. Den unikke kunst er slående i sin skønhed og designdybde. Alle er forpligtede til at vide om denne ekstraordinære tid, der var i vores fortids historie, uden den arv, som det er absolut umuligt at forestille sig vores nutid og fremtid.

Leonardo da Vinci - Mona Lisa (La Gioconda)

Raphael Santi - Madonna

Navnene på renæssancekunstnerne har længe været omgivet af universel anerkendelse. Mange domme og vurderinger om dem er blevet aksiomer. Alligevel er det ikke kun kunsthistoriens ret, men også en pligt til at være kritisk over for dem. Først da bevarer deres kunst sin sande betydning for eftertiden.

Piero della Francesca

Piero della Francesca var indtil for nylig den mindst kendte og anerkendte. Indflydelsen fra de florentinske mestre i det tidlige 15. århundrede på Piero della Froncesca såvel som hans gensidige indflydelse på hans samtidige og efterfølgere, især på den venetianske skole, blev med rette bemærket. Imidlertid er Piero della Francescas ekstraordinære, fremtrædende position i italiensk maleri endnu ikke tilstrækkelig forstået. Formentlig med tiden vil hans anerkendelse kun vokse.

Piero della Francesca (ca. 1420-1492) Italiensk maler og teoretiker, repræsentant for den tidlige renæssance

Hans største og smukkeste værk er freskomalerien med temaet "Korsets historie" i Arezzo (1452-1466). Arbejdet blev udført i overensstemmelse med viljen fra den lokale købmand Bachchi. Måske deltog en præst, en eksekutor for den afdødes vilje, i udviklingen af \u200b\u200bprogrammet. Piero della Francesca stolede på den såkaldte "Golden Legend" af J. da Vorajina. Han havde også forgængere blandt kunstnere. Men hovedideen tilhørte naturligvis ham. Det viser tydeligt kunstnerens visdom, modenhed og poetiske følsomhed.

Næppe den eneste billedcyklus i Italien på den tid "Korsets historie" har en dobbelt betydning. På den ene side præsenteres her alt, hvad der fortælles i legenden om, hvordan træet voksede, hvor Golgata-korset blev hamret, hvordan dets mirakuløse kraft senere manifesterede sig. Men da individuelle billeder ikke er i kronologisk rækkefølge, synes denne bogstavelige betydning at trække sig tilbage i baggrunden. Kunstneren arrangerede malerierne på en sådan måde, at de giver en idé om forskellige former for menneskeliv: om patriarkal - i scenen for Adams død og i overførslen af \u200b\u200bkorset af Heraclius, om den sekulære, domstol, by - i scenerne fra dronningen af \u200b\u200bSheba og i korsets fund og til sidst om militæret, kamp - i "Konstantins sejr" og i "Heraklius sejr". Faktisk omfavnede Piero della Francesca næsten alle aspekter af livet. Hans cyklus omfattede: historie, legende, hverdag, arbejde, naturbilleder og portrætter af hans samtidige. I byen Arezzo, i kirken San Francesco, politisk underlagt Firenze, blev den mest bemærkelsesværdige fresco-cyklus i den italienske renæssance fundet.

Piero della Francescas kunst er ægte snarere end ideel. Der hersker et rimeligt princip i ham, men ikke rationalitet, der er i stand til at drukne hjertets stemme ud. Og i denne henseende personificerer Piero della Francesca renæssancens lyseste, mest frugtbare kræfter.

Andrea Mantegna

Navnet på Mantegna er forbundet med ideen om en humanistisk kunstner, der er forelsket i den romerske oldtid, bevæbnet med omfattende viden om gammel arkæologi. Hele sit liv tjente han Mantuan hertugerne d'Este, var deres hoffmaler, udførte deres ordrer, tjente dem trofast (skønt de ikke altid gav ham det, han fortjente). Men dybt inde i hans sjæl og i kunsten var han uafhængig, helliget hans høje Mantegna-kunsten er hård, undertiden grusom til nådesløshed, og i den adskiller den sig fra Piero della Francescas kunst og nærmer sig Donatello.

Andrea Mantegna. Selvportræt i Ovetari-kapellet

Han synger af romersk mod, næsten bedre end romerne selv gjorde det. Hans helte er klædt i rustning og statuer. Hans stenede bjerge er præcist udskåret med billedhuggerens mejsel. Selv skyerne, der flyder på himlen, ser ud til at være støbt af metal. Blandt disse fossiler og støbegods er kamphærdede helte, modige, hårde, sejhed, forpligtet til pligtfølelse, retfærdighed, klar til selvopofrelse. Folk bevæger sig frit i rummet, men danner en slags stenrelieffer, når de står i række. Denne verden af \u200b\u200bMantegna charmerer ikke øjet, det gør hjertet koldt. Men man må indrømme, at det blev skabt af kunstnerens åndelige impuls. Og det var grunden til, at kunstnerens humanistiske erudition, ikke råd fra hans lærde venner, men hans magtfulde fantasi, hans lidenskab, bundet af vilje og selvsikker dygtighed, var af afgørende betydning her.

Forud for os er et af de mest betydningsfulde fænomener i kunsthistorien: store mestre ved kraften af \u200b\u200bderes intuition står i kø med deres fjerne forfædre og gør, hvad kunstnere, der har studeret fortiden ikke gør senere, men ikke er i stand til lige det.

Sandro Botticelli

Botticelli blev opdaget af de engelske præ-raphaelitter. Men selv i begyndelsen af \u200b\u200bdet 20. århundrede, med al beundring for hans talent, blev han ikke "tilgivet" for afvigelser fra de almindeligt accepterede regler - perspektiv, chiaroscuro, anatomi. Derefter blev det besluttet, at Botticelli vendte tilbage til gotisk. Vulgær sociologi har opsummeret sin forklaring på dette: "feudal reaktion" i Firenze. Ikonologiske fortolkninger etablerede Botticellis forbindelser med en cirkel af florentinske neoplatonister, især tydeligt i hans berømte malerier "Spring" og "The Venus's Birth".

Selvportræt af Sandro Botticelli, fragment af alterkompositionen "Tilbedelse af magierne" (ca. 1475)

Når man læser moderne videnskabelige kommentarer til dette billede, er det svært at tro, at kunstneren selv kunne gå så dybt ind i det mytologiske plot, at han kom med alle mulige finesser i fortolkningen af \u200b\u200bfigurer, som selv i dag ikke kan forstås med et øjeblik. og i gamle dage forstod de tilsyneladende kun Medici-kruset. Det er mere sandsynligt, at de blev foreslået kunstneren af \u200b\u200ben eller anden lærd person, og det lykkedes ham at opnå, at kunstneren begyndte at interlinear oversætte den verbale serie til den visuelle. Det mest dejlige ved Botticellis maleri er de enkelte figurer og grupper, især gruppen af \u200b\u200bde tre nåde. På trods af at det er blevet spillet et uendeligt antal gange, har det ikke mistet sin charme den dag i dag. Hver gang du ser hende, oplever du et nyt angreb af beundring. Sandelig lykkedes det Botticelli at give sine skabninger evig ungdom. En af de videnskabelige kommentarer til maleriet foreslog, at nådedansen udtrykker ideen om harmoni og uenighed, som de florentinske neoplatonister ofte talte om.

Botticelli hører til de uovertrufne illustrationer til "den guddommelige komedie". De, der har set hans ark, vil altid huske dem, når de læser Dante. Han var, som ingen anden, gennemsyret af ånden i Dantes digt. Nogle af Dantes tegninger har karakter af en nøjagtig grafisk linje til digten. Men de smukkeste er dem, hvor kunstneren forestiller sig og komponerer i Dantes ånd. Disse er mest blandt illustrationer til paradis. Det ser ud til, at maleriparadiset var det sværeste for renæssancens kunstnere, der så elskede den duftende jord, alt det menneskelige. Botticelli fraskriver sig ikke renæssanceperspektivet, de rumlige indtryk, der afhænger af betragterens synsvinkel. Men i paradis rejser han sig til overførslen af \u200b\u200bobjektenes ikke-perspektiviske essens. Hans figurer er vægtløse, skyggerne forsvinder. Lys trænger ind i dem, rummet findes uden for jordiske koordinater. Kropperne passer ind i en cirkel, som i symbolet på den himmelske sfære.

Leonardo Da Vinci

Leonardo er et af de anerkendte genier fra renæssancen. Mange betragter ham som den tidens første kunstner. Under alle omstændigheder kommer hans navn først til at tænke på, når det kommer til de vidunderlige mennesker i renæssancen. Derfor er det så svært at afvige fra de sædvanlige meninger og overveje hans kunstneriske arv med et åbent sind.

Selvportræt, hvor Leonardo portrætterede sig selv som en gammel vismand. Tegningen opbevares i Det Kongelige Bibliotek i Torino. 1512 g.

Leonardo var en stor videnskabsmand, en klog tænker, forfatter, forfatter til "afhandlingen", en opfindsom ingeniør. Hans alsidighed hævede ham over niveauet for de fleste kunstnere på den tid og udgjorde samtidig en vanskelig opgave for ham - at kombinere en videnskabelig analytisk tilgang med kunstnerens evne til at se verden og direkte overgive sig til følelse. Denne opgave besatte efterfølgende mange kunstnere og forfattere. Med Leonardo fik det karakteren af \u200b\u200bet uløseligt problem.

Lad os glemme et stykke tid alt, hvad der hviskes til os af den smukke myte om kunstner-videnskabsmanden, og vi vil bedømme hans maleri, som vi bedømmer maleriet af andre mestre i hans tid. Hvad får hans arbejde til at skille sig ud fra deres? Først og fremmest årvågenhed af vision og høj kunstnerisk ydeevne. De bærer præg af udsøgt håndværk og den fineste smag. I maleriet af sin lærer Verrocchio, "Dåb", malede den unge Leonardo en engel så sublim og sofistikeret, at den smukke engel Verrocchio ved siden af \u200b\u200bham virker enkel og grundlæggende. I årenes løb blev "æstetisk aristokrati" inden for Leonardos kunst endnu stærkere. Dette betyder ikke, at ved domstolene for suverænerne blev hans kunst høflige, høflige. Under alle omstændigheder kan du aldrig ringe til hans Madonna-bondekvinder.

Han tilhørte den samme generation som Botticelli, men han talte om ham misbilligende, selv spottende, idet han betragtede ham som bagud. Leonardo stræbte selv efter at fortsætte søgningen efter sine forgængere inden for kunsten. Ikke begrænser sig til plads og volumen, sætter han sig selv til opgave at mestre det stille lysmiljø, der omslutter objekter. Dette betød det næste skridt i den kunstneriske forståelse af den virkelige verden, til en vis grad åbnede vejen for venetianernes farvelægning.

Det ville være forkert at sige, at fascinationen med videnskab forstyrrede Leonardos kunstneriske arbejde. Denne mands geni var så stor, hans dygtighed var så høj, at selv et forsøg på at "tage halsen på hans sang" ikke kunne dræbe hans kreativitet. Hans gave som kunstner brød konstant igennem alle begrænsninger. I hans kreationer indfanger den umiskendelige troskab af øjet, bevidsthedens klarhed, børstens lydighed, den virtuose teknik. De erobrer os med deres charme som en besættelse. De, der har set La Gioconda, husker, hvor svært det er at rive sig væk fra det. I en af \u200b\u200bhallerne i Louvre, hvor hun befandt sig ved siden af \u200b\u200bde bedste mesterværker fra den italienske skole, vinder hun og regerer stolt over alt, hvad der hænger omkring hende.

Leonardos malerier danner ikke kæder som mange andre renæssancekunstnere. I hans tidlige værker, som "Madonna Benoit", er der mere varme og spontanitet, men i hende gør eksperimentet sig også følt. "Tilbedelse" i Uffizi er en fremragende undermaling, en temperamentsfuld, livlig skildring af mennesker, der ærbødigt henvender sig til en yndefuld kvinde med en baby i skødet. I "Madonna of the Rocks" er en engel charmerende, en krøllet hår, ung mand, der ser ud af billedet, men han afvises af den mærkelige idé om at overføre iddilia til hulens mørke. Den forherligede "sidste nadver" har altid glædet sig over karakterernes karakteristiske karakter: den blide John, den akutte Peter, skurken Judas. Det faktum, at sådanne livlige og ophidsede figurer er placeret tre i en række på den ene side af bordet, ligner imidlertid en uberettiget konvention, vold mod den levende natur. Ikke desto mindre er dette den store Leonardo da Vinci, og da han malede billedet på denne måde, betyder det, at han opfattede det på den måde, og denne nadver vil forblive i århundreder.

Observation og årvågenhed, som Leonardo kaldte kunstnere i sin "afhandling", begrænser ikke hans kreative muligheder. Han forsøgte bevidst at anspore sin fantasi ved at se på væggene revnet fra alderdommen, hvor seeren kan forestille sig ethvert plot. I den berømte Windsor-tegning af den sangagtige "The Thunderstorm" af Leonardo, blev det afsløret for hans øjne fra en eller anden bjergtop. En række Windsor-tegninger på temaet Flood er et bevis på en virkelig strålende indsigt fra kunstnerens tænker. Kunstneren skaber tegn, der ikke har nogen anelse, men som fremkalder en følelse af forbløffelse blandet med rædsel. Tegningerne blev skabt af den store mester i en slags profetisk delirium. Alt siges i dem på det mørke sprog i Johns visioner.

Leonardos indre uoverensstemmelse på de faldende dage gør sig gældende i to af hans værker: Louvre "Johannes Døberen", Torino-selvportrættet. I et sent selvportræt i Torino stirrer kunstneren, der er nået alderdom, åbent på sig selv i spejlet på grund af rynkende øjenbryn - han ser træk af forfald i hans ansigt, men han ser også visdom, et tegn på "efteråret af livet".