Luento: Molieren "korkean" komedian tyylilajin piirteet. Taiteelliset piirteet Molièren komedioissa Molièren komedioissa

« Annamme ankaran paineen pahuuteen ja altistamme heidät universaalille pilkalle ». Komedialla on kaksi isoa tehtävää: opettaa ja viihdyttää. Molieren ajatukset komedian tehtävistä eivät poistu klassistisen estetiikan piireistä, vaan komedian tehtävänä on esittää miellyttävä kuvaus tavallisista virheistä lavalla. Näyttelijän ei pitäisi pelata itseään. Molieren komedia sisältää kaikki klassistisen teatterin ominaispiirteet. Näytelmän alussa esitetään jonkinlainen moraalinen, sosiaalinen tai poliittinen ongelma. se viittaa myös voimien rajaamiseen. kaksi näkökulmaa, kaksi tulkintaa, kaksi mielipidettä. On taistelu antaa lopulta ratkaisu, kirjoittajan mielipide. Toinen piirre on näyttämötilojen suurin keskittyminen pääidean ympärille. Juoni, konflikti, törmäykset ja itse näyttelijähahmot vain havainnollistavat annettua teemaa. näytelmäkirjailijan kaikki huomiot kiinnitetään ihmisen intohimon kuvaamiseen. näytelmäkirjailijan ajatus saa enemmän selkeyttä ja painoa.

Tartuffe.

"Korkean komedian" komedia on henkinen komedia, luonteeltaan komedia. Löydämme tällaisen sarjakuvan Molieren näytelmistä Don Juan, Misanthrope ja Tartuffe.

"Tartuffe, tai petos" oli Molieren ensimmäinen komedia, jossa hän kritisoi papiston ja aateliston paheita. Näytelmä oli tarkoitus näyttää tuomioistuinfestivaalin "Lumottu saaren huvipuisto" aikana toukokuussa 1664 Versailles'ssa. Komedian ensimmäisessä painoksessa Tartuffe oli pappi. Rikkaalla pariisilaisella porvarilla Orgonilla, jonka taloon tämä pyhää näyttelevä kelmi tunkeutuu, ei ole vielä tytärtä - pappi Tartuffe ei voinut mennä naimisiin hänen kanssaan. Tartuffe pääsee taitavasti ulos vaikeista tilanteista huolimatta Orgonin pojan syytöksistä, joka tarttui häneen äitipuoli Elmiraa koskiessaan. Tartufen voitto osoitti selvästi tekopyhyyden vaaraa. Näytelmä kuitenkin häiritsi lomaa, ja Molierea vastaan \u200b\u200bsyntyi todellinen salaliitto: häntä syytettiin uskonnon ja kirkon loukkaamisesta vaatien rangaistusta tästä. Näytelmän esitykset loppuivat.

Vuonna 1667 Moliere yritti järjestää näytelmän uudessa versiossa. Toisessa painoksessa Moliere laajensi näytelmää, lisäsi kaksi uutta näytettä nykyiseen kolmeen, jossa hän kuvasi ulkokulhaisen Tartuffeen yhteyksiä tuomioistuimeen, tuomioistuimeen ja poliisiin. Tartuffe sai nimeksi Panyulf, ja hänestä tuli sosiaalinen tarkoitus mennä naimisiin Orgonin tyttären Mariannen kanssa. Komedia, jolla oli nimi "Pettäjä", päättyi Panyulfin paljastamiseen ja kuninkaan kirkastamiseen. Viimeisimmässä meille tulleessa versiossa (1669) tekopyhää kutsuttiin jälleen Tartuffeiksi ja koko näytelmää kutsuttiin "Tartuffeiksi tai petturiksi".

"Tartuffe" -kirjassa Moliere kääntyi tuolloin yleisimpään tekopyhyyteen - uskonnolliseen - ja kirjoitti sen havaintojensa perusteella uskonnollisen "Pyhän lahjojen seuran" toiminnasta, jonka toimintaa ympäröi suuri mysteeri. Tämän yhteiskunnan jäsenet toimivat mottona "Tukahduttakaa kaikki pahat, auttakaa hyviä". Heidän päätehtävänsä oli taistelu vapaata ajattelua ja jumalattomuutta vastaan. Yhteiskunnan jäsenet saarnasivat vakavuutta ja askeettisuutta moraalissa, reagoivat kielteisesti kaikenlaiseen maalliseen viihteeseen ja teatteriin, harjoittivat intohimoa muotiin. Moliere katseli, kuinka yhteiskunnan jäsenet hierovat kiitollisesti ja taitavasti muiden ihmisten perheisiin, kuinka he alistavat ihmisiä omaksumalla täysin omantuntonsa ja tahtonsa. Tämä herätti näytelmän juoni, kun taas Tartuffe-hahmo muodostui tyypillisistä piirteistä, jotka ovat ominaisia \u200b\u200b"Pyhien lahjojen seuran" jäsenille.

Komedia-juonen uskottavan liikkeen puitteissa Moliere antaa kaksi tasapainottavaa koomista hyperboliaa - Orgonin hyperbolisen intohimon Tartuffeä kohtaan ja yhtä hyperbolisen Tartuffe-tekopyhyyden. Luodessaan tämän hahmon, Moliere esitti tietyn persoonallisuuden pääominaisuuden ja esitteli sitä liioittamalla sitä epätavallisena. Tämä piirre on tekopyhyys.

Tartuffe-kuva ei ole tekopyhyyden ruumiillistuma tavallisena ihmisen paheena, se on sosiaalisesti yleistetty tyyppi. Ei ihme, että hän ei ole lainkaan komediassa: sekä hänen palvelijansa Laurent, tuomari Loyal että Orgonin vanha äiti, rouva Pernel, ovat tekopyhiä. He kaikki peittävät ruma tekonsa jumalallisilla puheilla ja katsovat muiden käyttäytymistä valppaasti. Esimerkiksi rouva Pernel, Orgonin äiti, jo ensimmäisen näytöksen ensimmäisessä esiintymisessä antaa purevia ominaisuuksia melkein kaikille ympärillä oleville: hän sanoo Dorinalle, että "maailmassa ei ole palvelijaa, meluisempaa kuin sinä ja pahinta töykeä tyttö ", pojanpoikansa Damisille -", olet vain hölmö ... viimeinen pentupoika "," saa sen "ja Elmira:" Olet tuhlaavainen. Et voi näyttää ilman vihaa, kun pukeudut kuin kuningatar. kiitos puolisollesi, tällainen rehevä päähine on hyödytön. "

Tartuffeille luonteenomainen ulkonäkö luodaan hänen kuvitteellisesta pyhyydestään ja nöyryydestään: "Hän rukoili päivittäin kirkossa lähelläni ja kumartui polvilleen hartaustilaisuudessa. Hän kiinnitti kaikkien huomion." Tartuffe ei ole vailla ulkopuolista houkuttelevuutta, hänellä on kohtelias, vihjaileva käytös, jonka takana on varovaisuus, energia, kunnianhimoinen hallitsevajano, kyky kostaa. Hän asettui hyvin Orgonin taloon, jossa omistaja ei vain tyydytä pienintäkään mielihahmojaan, mutta on myös valmis antamaan tyttärensä Mariannen, rikkaan perillisen, vaimoksi. Tartuffe onnistuu, koska hän on hienovarainen psykologi: pelatessaan herkkäuskoisen Orgonin pelkoa, hän pakottaa jälkimmäisen paljastamaan hänelle kaikki salaisuudet. Tartuffe peittää salakavalat suunnitelmansa uskonnollisilla argumenteilla:

Ei vain todistaja sano,

Että minua ohjaa voitto.

Maailman rikkaudet eivät houkuttele minua,

Heidän petollinen loisto ei sokea minua ...

Loppujen lopuksi omaisuus voi kadota turhaan,

Menemään kykenevien syntisten luokse

Käytä sitä epäpätevään kalastukseen,

Kääntämättä sitä, kuten teen itse,

Naapurin hyväksi, taivaan tähden (IV, 1)

Hän on täysin tietoinen vahvuudestaan, eikä siksi rajoita julmia vaistojaan. Hän ei rakasta Mariannea, hän on vain kannattava morsian hänelle, hänet kantoi kaunis Elmira, jota Tartuffe yrittää vietellä:

Hänen Casuistinen päättely, jonka mukaan pettäminen ei ole syntiä, ellei kukaan tiedä siitä ("paha tapahtuu siellä, missä me siitä äänestämme. Tietenkin, joka tuo kiusauksen maailmaan, tekee syntiä, mutta joka tekee syntiä hiljaisuudessa, se ei tee syntiä" - IV, 5), raivostutti Elmira. Orgonin poika Damis, salaisen kokouksen todistaja, haluaa paljastaa roiston, mutta kun hän on ottanut itsestään merkityksen ja katumuksen väitetysti epätäydellisistä synneistä, hän tekee Orgonista taas suojelijansa. Kun Tartuffe joutuu toisen päivämäärän jälkeen ansaan ja Orgon ajaa hänet ulos talosta, hän alkaa kostaa ja osoittaa täysin julman, korruptoituneen ja itsekkään luonteensa.

Huolimatta siitä, että Moliere pakotettiin poistamaan vuohi sankaristaan, uskonnollisen tekopyhyyden ja katolisten piirien tekopyhyyden teema säilyi komediassa. Komedia tarjoaa klassisen esityksen yhdestä absolutistisen valtion tärkeimmistä linnoituksista - Ranskan ensimmäisestä kartanosta - papeista. Tartuffe-kuvalla on kuitenkin mittaamattomasti suurempi kapasiteetti. Sanalla sanoen, Tartuffe on rigoristi, joka hylkää kaiken aistillisen ja aineellisen ilman nöyryyttä. Mutta hänelle itselleen ei ole vieraita aistilliset taipumukset, jotka hänen on piilotettava uteliailta katseilta.

Viimeisessä näytöksessä Tartuffe ei enää näy uskonnollisena, vaan nimellä poliittinen tekopyhä: hän julistaa aineellisen vaurauden ja henkilökohtaisten kiintymysten luopumisen absolutistisen valtion etujen nimissä:

Mutta ensimmäinen velvollisuuteni on kuninkaan hyöty,

Ja tämän jumalallisen voiman velka

Nyt olen sammuttanut kaikki tunteet sielussani,

Ja olisin tuominnut hänet, ollenkaan surematta,

Ystävät, vaimo, sukulaiset ja minä (V, 7)

Mutta Moliere tekee enemmän kuin paljastaa tekopyhyyden. Tartuffessa hän esittää tärkeän kysymyksen: miksi Orgon antoi itsensä niin pettää? Tämä jo keski-ikäinen mies, joka ei selvästikään ole tyhmä, jolla on kova asenne ja vahva tahto, alistui hurskauden laajalle levinneelle muodille. "Tartuffe" on jotain samanlaista kuin farsinen törmäys ja tuo hahmon keskelle huijata perheen isä. Moliere tekee keskiaikaiseksi kapea-aikaisen, primitiivisen ja lahjakkaan porvariston. Kiltakäsityön aikakauden porvaristo on arkaainen porvaristo. Hän edustaa absoluuttisen monarkian kolmatta veroa maksavaa kiinteistöä ja kasvoi vanhojen patriarkaalisten suhteiden perusteella. Nämä patriarkaaliset ja ahdasmieliset porvarit ovat juuri astuneet sivilisaation polulle. He katsovat maailmaa naiivisti ja havaitsevat sen suoraan. Moliere kuvaa juuri sellaista porvarillista.

Molieren hahmo on naurettava omituisuudestaan, mutta muuten hän on melko raitti ja ei eroa millään tavoin tavallisesta ihmisestä. Orgone on herkkäuskoinen ja antaa siksi kaikenlaisten šarlataanien johtaa itseään. Komediasankarin omituisuuden luonne on erottamaton siitä, että tämä hahmo on ranskalainen porvarillinen, itsekäs, itsekäs, itsepäinen, että hän on perheen pää. Hänen omituisuus on yksipuolinen, mutta hän vaatii sitä ja jatkaa. Moliere-komedioiden toiminnan kehityksessä merkittävällä paikalla on kohtauksia, kun Orgon luopuu absurdista aikomuksestaan, ja he yrittävät suostutella häntä. Hän jatkaa kuitenkin rohkeasti ja sitkeästi intohimoaan. Intohimo on tässä keskittynyttä ja yksipuolista, siinä ei ole fantastista omituisuutta, se on alkeellista, johdonmukaista ja seuraa porvariston egoistisesta luonteesta. Molieren sankari suhtautuu omituisuuteensa vakavasti, vaikka uskomaton omituisuus voi olla.

Orgon uskoi Tartuffeen hurskauteen ja "pyhyyteen" ja näkee hänessä henkisen mentorinsa, "ja Tartuffeessa kaikki on sujuvaa osassa taivasta, ja tämä on hyödyllisempää kuin mikään vauraus" (II, 2). Hänestä tulee kuitenkin sotilas Tartuffeen käsissä, joka julistaa häpeämättömästi, että "hän mittaa kaiken sellaisena kuin se on meidän standardiemme mukaan: Opetin häntä olemaan uskomatta silmäni" (IV, 5). Syynä tähän on Orgonin tietoisuuden hitaus, joka on tuotu alistumaan viranomaisille. Tämä hitaus ei anna hänelle mahdollisuutta ymmärtää kriittisesti elämän ilmiöitä ja arvioida ympäröiviä ihmisiä.

Hyveellinen porvarillinen Orgon, jolla oli jopa ansioita isänmaalleen, tarttui Tartuffeessä ankaraan uskonnolliseen innostukseen, ja hän antautui tälle ylevälle tunnelmalle suurella innostuksella. Uskoessaan Tartuffeen sanoihin Orgon tunsi heti itsensä valituksi olennoksi ja alkoi henkisen mentorinsa seurauksena pitää maallista maailmaa "lannan kasana". Tartuffe Orgonin silmissä on "pyhä", "vanhurskas" (III, 6). Tartuffe-kuva sokaisi Orgonin niin paljon, että hän ei enää nähnyt muuta kuin palvottavaa opettajaansa. Ei turhaan, kun hän palaa kotiin, hän kysyy Dorinalta vain Tartufen osavaltiosta. Dorina kertoo hänelle Elmiran huonosta terveydestä, ja Orgon kysyy saman kysymyksen neljä kertaa: "No, entä Tartuffe?" Porvarillisen perheen pää Orgon "meni hulluksi" - tämä on koominen "käänteinen". Orgone on sokea, hän tulkitsi Tartuffeen tekopyhyyden pyhyydeksi. Hän ei näe naamiota Tartuffeen kasvoilla. Tässä Orgonin harhassa on näytelmän koominen. Mutta hän itse ottaa intohimonsa aivan vakavasti. Orgone ihailee Tartuffea, ihailee häntä. Hänen riippuvuutensa Tartuffeesta on niin vastoin yleistä järkeä, että hän tulkitsee jopa epäjumalansa kateuden Elmiraa kohtaan osoitus Tartuffeen kiihkeästä rakkaudesta häntä, Orgonia kohtaan.

Mutta Orgonin hahmon koomiset piirteet rajoittuvat tähän. Tartufen vaikutuksesta Orgon inhimillistyy - hänestä tulee välinpitämätön perhettä ja lapsia kohtaan (luovuttamalla laatikon Tartuffeelle hän sanoo suoraan, että "totuudenmukainen, rehellinen ystävä, jonka olen valinnut vävyksi, on lähempänä kuin vaimoni, poikani ja koko perhe "), alkaa turvautua pysyviin taivaaseen. Hän ajaa poikansa ulos talosta ("Hyvä pöytäliinalle! Tästä lähtien sinulla on perintöraja, ja lisäksi isäsi on kirottu, hirsipuu!"), Aiheuttaa kärsimystä tyttärelleen, laittaa vaimonsa epäselvässä asennossa. Mutta Orgone ei tuo vain kärsimystä muille. Orgone asuu julmassa maailmassa, jossa hänen onnellisuutensa riippuu hänen taloudellisesta tilanteestaan \u200b\u200bja suhteestaan \u200b\u200blakiin. Omituisuus, joka kehottaa häntä siirtämään omaisuutensa Tartuffeelle ja uskomaan hänelle laatikon asiakirjoja, asettaa hänet köyhyyden partaalle ja uhkaa häntä vankilalla.

Siksi Orgonin vapauttaminen ei tuota hänelle iloa: hän ei voi nauraa hänelle katsojan kanssa, koska hän on pilalla ja on Tartuffeen käsissä. Hänen asemansa on melkein traaginen.

Moliere on erittäin hienovarainen perustellessaan Orgonin intohimon hyperbolista luonnetta. Hän aiheuttaa kaikkien yllätyksen ja aiheuttaa myös Doreenan pilkan. Toisaalta komediassa on hahmo, jonka intohimo Tartuffeen kohtaan on saanut vieläkin liioitellun luonteen. Tässä on rouva Pernel. Kohtaus, jossa rouva Pernelle yrittää kumota Tartuffeen byrokratian, jonka Orgon itse on havainnut, ei ole vain hauska parodia Orgonin käyttäytymisestä, vaan myös tapa tehdä hänen harhansa vielä luonnollisemmaksi. Osoittautuu, että Orgonen harhaluulo ei ole vielä raja. Jos näytelmän lopussa Orgone saa kuitenkin hyvän kuvan maailmasta Tartuffeen altistumisen jälkeen, niin hänen äitinsä, vanha nainen Pernel, typerästi hurskas inerttien patriarkaalisten näkemysten kannattaja, ei koskaan nähnyt Tartuffeen todellisia kasvoja.

Komediassa edustettuina oleva nuori sukupolvi, joka näki heti Tartuffeen todelliset kasvot, yhdistää palvelija Doreena, joka on pitkään ja omistautunut palvelemaan Orgonin talossa ja nauttii täällä rakkaudesta ja kunnioituksesta. Hänen viisautensa, terve järki ja oivallus auttavat löytämään sopivimmat keinot taistella ovelaa roistoa vastaan. Hän hyökkää rohkeasti sekä pyhää itseään että kaikkia niitä kohtaan, jotka hänelle antautuvat. Koska Dorina ei osaa etsiä ilmaisuja ja ottaa huomioon olosuhteet, Dorina puhuu sujuvasti ja terävästi, ja tässä välittömyydessä ilmenee yleisten tuomioiden kohtuullinen luonne. Että on vain yksi hänen ironisesta puheestaan, joka on osoitettu Mariannelle.

Hän arvaa ensimmäisenä Tartuffeen aikomukset Elmiraa kohtaan: "Hänellä on jonkin verran valetta tekopyhän ajatuksiin: hän kuuntelee sävyisesti mitä tahansa, mitä hän sanoo, ja ehkä jopa rakastaa häntä synnittömästi" (III, 1).

Yhdessä Dorinan kanssa paljastaa kategorisesti myös Tartuffe ja Cleant:

Ja tämä liitto, ikään kuin, symboloi terveen järjen yhdistymistä valaistuneella mielellä, joka vastustaa yhdessä tekopyhyyttä. Mutta Doreen ja Cleant eivät onnistu lopulta paljastamaan Tartuffea - hänen temppunsa ovat liian ovelia ja hänen vaikutuspiirinsä on liian leveä. Kuningas itse paljastaa Tartuffeen. Tämän onnellisen loppunsa myötä Moliere, ikään kuin, kehotti kuningasta rankaisemaan tekopyhiä ja vakuutti itselleen ja muille, että oikeudenmukaisuus kuitenkin voittaa maailmassa vallitsevista valheista. Tämä ulkoinen häiriö ei ole yhteydessä näytelmän kulkuun, se on täysin odottamaton, mutta samalla se ei johdu sensuurinäkökohdista. Tämä heijastaa Molieren mielipidettä oikeudenmukaisesta kuninkaasta, joka on "kaiken petoksen vihollinen". Kuninkaan väliintulo vapauttaa Orgonin tekopyhän vallasta, antaa konfliktille koomisen ratkaisun ja auttaa näytelmää pysymään komediana.

Tärkeä Tartuffe-kuvaan liittyvä aihe on ristiriita ulkonäön ja olemuksen, kasvojen ja itsensä päälle heitetyn maskin välillä. Kasvojen ja maskin välinen ristiriita on keskeinen ongelma 1600-luvun kirjallisuudessa. "Teatterimetafora" (elämänteatteri) kulkee kaiken kirjallisuuden läpi. Naamio putoaa vain kuoleman edessä. Yhteiskunnassa elävät ihmiset yrittävät näyttää siltä, \u200b\u200betteivät ne todellisuudessa ole. Yleensä tämä on yleinen ihmisongelma, mutta sillä on myös sosiaalinen alateksti - yhteiskunnan lait eivät ole yhteneviä ihmisluonnon pyrkimysten kanssa (La Rochefoucauld kirjoitti tästä). Moliere ymmärtää tämän ongelman sosiaalisena (hän \u200b\u200bpitää tekopyhyyttä vaarallisimpana paikkana). Orgone uskoo ulkonäköön, ottaa naamion, Tartuffe-naamion kasvoille. Tartuffeen naamio ja kasvot repeytyvät koko komedian ajan. Tartuffe peittää epäpuhtaat maalliset pyrkimyksensä jatkuvasti ihanteellisilla motiiveilla, peittää salaiset syntinsä hienolla ulkonäöllä. Eksentrinen sankari jakautuu kahteen hahmoon: T. on tekopyhä, O. on herkkäuskoinen. Ne ovat riippuvaisia \u200b\u200btoisistaan \u200b\u200bsuorassa suhteessa: mitä enemmän yksi valehtelee, sitä enemmän toinen uskoo. 2 mielikuvaa T: stä: yksi O.: n mielessä, toinen toisten mielissä.

Toiminnan kehitys on sisäisesti toissijaista kontrastien lisääntymiselle, koska altistuminen tapahtuu näkyvyyden ja olemuksen välisen ristiriidan kautta.

T.: n voiton korkein kohta on 4. näytöksen alku, Cleane'n keskustelu T: n kanssa.

Sisäinen symmetria. Vaihe lavalla. Kohtauksen farsismi (O: n luonteen vuoksi)

Kirjainlaatikko on kompromissi todisteita. Motiivin asteittaisen kehittämisen tekniikka (toiminnasta toimintaan).

Kasvojen ja maskin lopullinen kontrasti: informaattori / uskollinen kohde. Vankilan motiivi: vankila on T: n viimeinen sana.

Lovers ovat komedian erityinen hahmoluokka. Molieressa heillä on suhteellisen toissijainen rooli. Heidät työntää taustalle hämmentyneen Orgonin ja tekopyhän Tartuffe-kuvan kuva. Voit jopa sanoa, että Molieren kuvat ystävistä ovat eräänlainen kunnianosoitus perinteelle. Rakastettuaan Molieren komediaan, ei ole väliä, tuleeko hän aatelisesta vai porvarillisesta perheestä, kunnollisesta ihmisestä, kohteliaasta, hyvätapaisesta ja kohteliaasta, intohimoisesta rakkaudesta.

Molieren komedioissa on kuitenkin hetkiä, jolloin rakastajien kuvat saavat elinvoimaa ja realistista konkreettisuutta. Tämä tapahtuu riitojen, epäilyksen ja mustasukkaisuuden kohtausten aikana. "Tartuffe" -elokuvassa Moliere on lempeä nuorten rakkaudelle, hän ymmärtää heidän intohimonsa luonnollisuuden ja oikeutuksen. Mutta rakastajat nauttivat intohimoistaan \u200b\u200bliikaa ja osoittautuvat siksi hauskiksi. Rakastajien kiihkeys, äkilliset epäilyt, järjettömyys ja harkitsematon siirtää heidät koomiseen, ts. Sfääriin, jossa Moliere tuntee itsensä mestariksi.

Viisaan ihmisen päättelijän kuva ja ihanne muotoiltiin renessanssin ranskalaisessa kirjallisuudessa. "Tartuffe" -elokuvassa Cleant on jossain määrin tällaisen viisaan rooli. Moliere puolestaan \u200b\u200bpuolustaa johdonmukaisuuden, terveen järjen ja kultaisen keskipisteen näkökulmaa:

Miten? Turhaa ajatusta kansan mielipiteestä

Voiko sinua estää jalo teko?

Ei, teemme sen, mitä taivas käskee,

Ja omatunto antaa meille aina luotettavan kilven.

"Tartuffe" -viisa päättäjä on edelleen toissijainen ja mukana oleva hahmo, joka ei määrää toiminnan kehitystä ja näytelmän kulkua. Orgon vakuuttui Tartuffen tekopyhyydestä, ei Cleanthesin suostuttelun vaikutuksesta, vaan temppu, joka paljasti hänelle tekopyhän todellisen ulkonäön. Molieren positiivinen moraali, salvia on edelleen vaalea ja tavanomainen hahmo.

Don Juan.

Maailmataide tuntee yli sadan muunnelman Don Juanin kuvasta. mutta siistein on Molieressa. Komediassa on kaksi sankaria - Don Juan ja hänen palvelijansa Sganarelle. komediassa Sganarelle on palvelijafilosofi, kansan viisauden, terveen järjen, raittiuden suhtautuminen asioihin. Don Juanin kuva on ristiriitainen, hän yhdistää hyviä ja huonoja ominaisuuksia. Hän on tuulinen, rakastava naisia, hän pitää kaikkia naisia \u200b\u200bkaunottarina ja haluaa naida kaikkia. Hän selittää tämän rakkaudellaan kauneuteen. Lisäksi hänen kuminsa murtui niin paljon, että Sganarelle sulkee moitteensa toverin ilkeydestä. João ja usein avioliitot. Don Juan iski dona Elviraa, joka rakastui häneen julmasti. Hän sai hänet kiinni rakkaudestaan, mutta sen jälkeen hän järjesti hänelle dynamon täysimääräisesti. Hän ohittaa hänet, kun hän on jo uuden rakkauden kuumuudessa. Lyhyesti sanottuna hän antaa hänelle n # $% ^ lei. moliere näyttää kohtauksen talonpoika-naisen Charlotten viettelystä. Don Juan ei osoita ylimielisyyttä tai epäkohteliaisuutta kansantyttöä kohtaan. Hän pitää hänestä, samoin kuin minuutti ennen sitä, hän piti toisesta talonpoikaystävästä Matyurinasta (tämä ei ole sukunimi, vaan nimi). Hän käyttäytyy vapaammin talonpoikaisen naisen kanssa, mutta kunnioituksesta ei ole edes aavistustakaan. Luokan moraali ei kuitenkaan ole muukalainen Don Juanille ja pitää itseään oikeutettuna täyttämään talonpoika Perotin kasvot, vaikka hän pelasti henkensä. Don Juan on rohkea, ja rohkeus on aina jalo. Totta, vahingossa pelastama henkilö osoittautui petetyn Elviran veljeksi, ja toinen veli haluaa lyödä häntä.

komedian filosofinen huipentuma on uskonnollinen kiista don Juanin ja Sganarellen välillä. Don Juan ei usko Jumalaan, paholaiseen eikä edes "harmaaseen munkkiin". Sganarelle on komedian uskonnollisen näkökulman puolustaja.

kerjäläisen kohtaus: kerjäläinen rukoilee joka päivä häntä antavien ihmisten terveyttä, mutta taivas ei lähetä hänelle lahjoja. Don Juan tarjoaa kerjäläiselle kultakappaleen pilkkaamiseen. Inhimillisimmistä tunteista Sganarelle suostuttelee hänet pilkkaamaan. Hän kieltäytyy, ja Don Juan antaa hänelle kultaisen "rakkaudesta ihmisiin".

Don Juanin ja komentajan välinen konflikti ei ole perusteltu ja käsittämätön, mutta silti komentajan kivikuva rankaisee don Juania. Neljässä ensimmäisessä näytöksessä don Juan oli rohkea ja rohkea. mutta hänelle tapahtui jotain ja hän syntyi uudestaan. kyynelissä oleva isä hyväksyy katuvan tuhlaajapoikansa. iloinen ja sganarel. mutta sen uudestisyntyminen on erilaista: tekopyhyys on muodikas varapuheenjohtaja, hän julistaa. Hän julisti olevansa katuva. ja Don Juanista tuli pyhä. Hänestä on tullut tunnistamaton, ja nyt hän on todella inhottava. hänestä on tullut todella negatiivinen ihminen, ja häntä voidaan rangaista. kivivieras ilmestyy. ukkonen ja salama iski don Juania, maa avautuu ja nielee suuren syntisen. vain sganarelle ei ole tyytyväinen don Juanin kuolemaan, koska hänen palkkansa oli rikki.

Ihmisvihaaja.

tämä on yksi Molieren syvimmistä komedioista. tragedian päähenkilö, alcest, on enemmän traagista kuin naurettavaa. alkaa kahden ystävän välisellä riidalla. riidan aihe on näytelmän pääongelma. edessämme on kaksi erilaista ratkaisua ongelmaan - miten suhtautua ihmisiin, erittäin täydellisiin olentoihin. Alcestus hylkää kaiken suvaitsevaisuuden puutteita kohtaan. Lyhyesti sanottuna se murenee leivän kaikille ja kaikelle. Hänelle kaikki on g..o. Filint laskee sivuvaununsa eri tavalla - sarakkeessa. hän ei halua vihata koko maailmaa poikkeuksetta, hänellä on filosofia kärsivällisyydestä ihmisten heikkouksien suhteen. Moliere kutsui Alcestia misantroopiksi, mutta hänen misantropia ei ole muuta kuin surullinen, fanaattinen humanismi. itse asiassa hän rakastaa ihmisiä, haluaa nähdä heidät ystävällisinä, rehellisinä, totuudenmukaisina (punahiuksiset, rehelliset, rakastuneina). mutta he kaikki, te paskiaiset, osoittautuvat viallisiksi. siksi Alcestus yrittää pettää kaikkia ja poistua ihmismaailmasta. Tässä on Filint - se normaali, hänen humanisminsa - pehmeä ja pörröinen. kirjoittaja ei pyrkinyt häpäisemään Alcestia, hän on selvästi myötätuntoinen hänelle. Mutta moliere ei ole Alcestin puolella, hän osoittaa tappionsa. Alcestus vaatii ihmisiltä suurta voimaa eikä anna anteeksi heikkouksia, ja hän itse osoittaa ne ensimmäisessä kohtaamisessaan elämän kanssa. Alcestuksella on melu Selimeneen, ja vaikka hänessä on monia puutteita, hän ei voi muuta kuin rakastaa. hän vaatii häneltä uskollisuutta, vilpittömyyttä ja totuudenmukaisuutta, sai hänet epäilyksineen, hän sairastui todistamalla saaliinsa ja lähetti hänet kevyelle veneelle sanoen, että hän ei rakastanut. Alcestus pyytää häntä heti yrittämään ainakin olla uskollinen, on valmis uskomaan kaikkeen, on samaa mieltä siitä, että intohimo hallitsee ihmisiä. Moliere kohdistaa hänet todelliseen pahaan löytääkseen Alcesten väärinkäytön. mutta pienillä heikkouksilla, jotka eivät ole niin merkittäviä, että tuomitsemme jyrkästi koko ihmiskunnan niiden takia.

kohtaus, jossa oli sinkitty sonetti tietystä Orontesista: filmi oli hiljainen, alko oli paska päästä varpaisiin.

Selimena karkottaa Alcestan vapaaehtoisella yksinäisyydellään ja maanpaossaan, hän luopuu rakkaudesta ja onnesta. Tämä on Alcestin eräänlaisen quixoticismin surullinen loppu. Filint, joka vastustaa häntä, löytää onnen. Filint nykäisi Eliantea pitkään ja höyrytti tietäen, että hän nyki Alcestaa vastaan. Mutta hän kohteli vastustajaansa normaalisti. Eliante teki varma, että Alcest ei koskaan nouse hänen päällensä ja antaisi itsensä vaimolle Filint. onnellinen ja haluaa vain palauttaa vapaaehtoisen pakolaisen yhteiskuntaan.

26. "Runollinen taide" Boileau.Klassisten perinteiden tiukka vartija .

Molieren komedia

Jean Baptiste Poquelin (Molière) (1622-1673) teki ensimmäisenä komedian näyttämään traagista vastaavalta tyylilajilta. Hän syntetisoi komedian parhaat saavutukset Aristophanesista nykyaikaiseen klassikkokomediaan, mukaan lukien Cyrano de Bergeracin kokemus, jonka tutkijat mainitsevat usein ranskalaisen kansalliskomedian ensimmäisten esimerkkien suorien luojien joukossa.

Molieren elämä ja ura on hyvin tutkittu. Tiedetään, että tuleva koomikko syntyi tuomioistuimen verhoilijan perheeseen. Hän ei kuitenkaan halunnut periä isänsä liiketoimintaa ja luopui vastaavista etuoikeuksista vuonna 1643.

Isoisänsä ansiosta poika tutustui teatteriin aikaisin. Jean Baptiste oli vakavasti intohimoinen hänestä ja haaveili tulla näyttelijäksi. Valmistuttuaan jesuiittakoulusta Clermontissa (1639) ja saanut lakitutkinnon vuonna 1641 Orleansissa, hän järjesti vuonna 1643 "Brilliant Theatre" -ryhmän, johon kuuluivat hänen ystävänsä ja kumppaninsa monien vuosien ajan - Mademoiselle Madeleine Bejart, Mademoiselle Duparie, Mademoiselle Debri muu. Haaveillessaan traagisen näyttelijän urasta, nuori Poquelin ottaa nimen Moliere näyttämönimeksi. Traagisena näyttelijänä Moliere ei kuitenkaan tapahtunut. Sarjan takaiskujen jälkeen syksyllä 1645 "Loistava teatteri" suljettiin.

Vuodet 1645-1658 olivat Moliere-ryhmän seurustelun vuosia Ranskan maakunnissa, mikä rikastti näytelmäkirjailijaa unohtumattomilla vaikutelmilla ja havainnoilla elämästä. Matkakauden aikana syntyivät ensimmäiset komediat, joiden kirjoittaminen paljasti heti Molieren kyvyn tulevana suurena koomikkona. Hänen ensimmäisiä onnistuneita kokeilujaan ovat "Hullu eli kaikki poissa" (1655) ja "Rakkauden ärsytys" (1656).

1658 Moliere ja hänen ryhmänsä palaavat Pariisiin ja soittavat kuninkaan edessä. Louis XVI antaa heidän jäädä Pariisiin ja nimittää veljensä ryhmän suojelijaksi. Ryhmälle toimitetaan Pikku Bourbon -palatsin rakennus.

Vuodesta 1659 lähtien "Naurettavan söpöläisen" tuotannon myötä näytelmäkirjailija Molieren maine alkaa.

Moliere-koomikon elämässä oli ylä- ja alamäkiä. Huolimatta kaikista hänen henkilökohtaiseen elämäänsä ja suhdettaan tuomioistuimeen liittyvistä kiistoista, kiinnostus hänen luomuksiinsa, josta tuli seuraavalle sukupolvelle eräänlainen kriteeri korkealle luovuudelle, kuten "Aviomiehikoulu" (1661), "Vaimoikoulu" (1662) ), ei silti haalistu. "Tartuffe" (1664), "Don Juan tai kivivieras" (1665), "Misanthrope" (1666), "Haluttava parantaja" (1666), "Porvaristo aatelistossa" (1670) ja muut.

Tutkimalla Moliere-perinteet vuosisatojen kirjailijoiden teoksissa, kuten S. Mokulsky, G. Boyadzhiev, J. Bordonov, R. Brae, yrittivät selvittää Molieren ilmiön, teoksen luonteen ja sisällön. hauska teoksissaan. E. Faguet väitti: "Moliere on" terveen järjen "apostoli, eli ne yleisesti hyväksytyt yleisön näkemykset, jotka hänellä oli silmiensä edessä ja jotka hän halusi miellyttää." Kiinnostus Molierea kohtaan ei vähene nykykirjallisuudessa. Viime vuosina on ilmestynyt teoksia, jotka on omistettu paitsi edellä mainituille kysymyksille myös klassistisen konfliktin (A. Karelsky) romantisoinnille, Molieren teatterin arvioinnille M. Bulgakovin (A. Grubin) käsitteessä.

Moliere-teoksessa komediaa kehitettiin edelleen tyylilajina. Muodosti sellaisia \u200b\u200bmuotoja kuin "korkea" komedia, komedia- "koulu" (N. Erofejevan termi), komedia-baletti ja muut. G. Boyadzhiev kirjassaan "Molière: Historialliset muodot korkean komedian tyylilajin muodostumiselle" huomautti, että uuden tyylilajin normit syntyivät, kun komedia lähestyi todellisuutta ja sen seurauksena hankki objektiivisesti olemassa olevien sosiaalisten ongelmien määrittelemiä ongelmia. itse todellisuudessa. Muinaisten mestareiden, commedia dell'arte ja farsin kokemusten perusteella klassikkokomedia sai tutkijan mukaan korkeimman kehityksen Molierelta.

Moliere esitteli näkemyksiään teatterista ja komediasta polemisissa näytelmissä "Vaimokoulun kritiikki" (1663), "Impromptu Versailles" (1663), "Tartuffe-esipuheessa" (1664) ja muissa. Kirjoittajan estetiikan pääperiaate on "opettaa viihdyttämällä". Taiteen todellisen todellisuuden heijastamisen puolesta Moliere vaati mielekästä käsitystä teatteritoiminnasta, jonka aiheen hän valitsi useimmiten tyypillisimmät tilanteet, ilmiöt, hahmot. Samanaikaisesti näytelmäkirjailija kääntyi kriitikoiden ja katsojien puoleen: "Emme hyväksy sitä, mikä on ominaista kaikille, ja saamme oppitunnista mahdollisimman paljon hyötyä olematta teeskentelemättä, että kyse on meistä."

Jo varhaisessa työssään Moliere G. Boyadzhievin mukaan "ymmärsi tarpeen siirtää romanttiset sankarit tavallisten ihmisten maailmaan". Tästä syystä juonet "Naurettava söpöläinen", "Vaimoikoulu", "Aviomiehikoulu" ja "Tartuffe" mukaan lukien.

"Korkean" komedian tyylilajin kehityksen rinnalla Molieren teoksessa muodostetaan komedia- "koulu". Tämän osoittaa "Naurettava söpöläinen" (1659). Näytelmässä näytelmäkirjailija kääntyi aristokraattisen maun normien analysointiin erityisellä esimerkillä arvioidessaan näitä normeja keskittyen ihmisten luonnolliseen, terveelliseen makuun, joten hän kääntyi useimmiten elämänkokemukseensa ja osoitti terävimmät havainnot ja huomautukset parterille.

Yleensä "hyveen" käsitteellä on tärkeä paikka Molieren estetiikassa. Näytelmäkirjailija esitti valaistajien edessä kysymyksen moraalin ja etiikan roolista henkilön yksityisen ja julkisen elämän järjestämisessä. Useimmiten Moliere yhdisti molemmat käsitteet ja vaati kuvaamaan tapoja koskematta persoonallisuuksiin. Tämä ei kuitenkaan ollut ristiriidassa hänen vaatimuksensa kuvata ihmisiä oikein, maalata "luonnosta". Hyveellisyys on aina ollut moraalin heijastus, ja moraali oli yleinen käsite yhteiskunnan moraalisesta paradigmasta. Samaan aikaan hyveestä moraalin synonyyminä tuli kriteeri, ellei kaunis, niin hyvä, positiivinen, esimerkillinen ja siten moraalinen. Ja Molieren hauska määräytyi suurelta osin myös hyveen ja sen komponenttien kehitystasosta: kunnia, ihmisarvo, vaatimattomuus, varovaisuus, tottelevaisuus ja niin edelleen, eli ne ominaisuudet, jotka luonnehtivat positiivista ja ihanteellista sankaria.

Näytelmäkirjailija otti näytteitä positiivisista tai negatiivisista elämästä näyttämällä lavalla tyypillisempiä tilanteita, sosiaalisia taipumuksia ja hahmoja kuin kirjoittajakollegansa. G. Lanson pani merkille Molieren innovaation ja kirjoitti: ”Ei totuutta, ilman koomista ja melkein mitään koomista, ilman totuutta: tämä on Molieren kaava. Sarjakuva ja totuus ovat peräisin Molieresta yhdestä ja samasta lähteestä, toisin sanoen ihmistyyppien havainnoista. "

Aristoteleen tavoin Moliere näki teatterin yhteiskunnan "peilinä". Komedioissaan - "kouluissa" - hän vahvisti Aristophanovin "vieraantumisvaikutuksen" "oppivaikutuksen" (N. Erofejevan termi) kautta, jota kehitettiin edelleen näytelmäkirjailijan työssä.

Näytelmä - eräänlainen spektaakkeli - esitettiin didaktisena apuna katsojalle. Hänen täytyi herättää tietoisuus, tarve riitauttaa, ja kiistassa, kuten tiedät, syntyy totuus. Näytelmäkirjailija tarjosi jokaiselle katsojalle johdonmukaisesti (mutta epäsuorasti) "peilitilanteen", jossa tavallinen, tuttu ja arkinen koettiin ikään kuin ulkopuolelta. Sellaisesta tilanteesta oletettiin useita muunnelmia: tavallinen käsitys; odottamaton toiminnan käänne, kun tuttu ja ymmärrettävä tuli tuntemattomaksi; toimintalinjan syntyminen, joka kopioi tilanteen, korostaen esitettävän tilanteen seurausten mahdollisia muunnelmia, ja lopuksi lopullinen, johon valintaan katsojan tulisi lähestyä. Lisäksi komedian loppu oli yksi mahdollisista, vaikkakin tekijälle toivottavaa. Ei tiedetä, miten lavalle pelattua todellista elämäntilannetta arvioidaan. Moliere kunnioitti jokaisen katsojan valintaa, hänen henkilökohtaista mielipidettään. Sankarit käytiin läpi useita moraalisia, filosofisia ja psykologisia oppitunteja, jotka antoivat juonelle äärimmäisen merkityksellisen, ja itse juonesta tuli tiedon kantajana tilaisuus konkreettiseen keskusteluun ja analyysiin tietystä tilanteesta tai ilmiöstä. ihmisten elämät. Sekä "korkeassa" komediassa että komedia- "koulussa" klassismin didaktinen periaate toteutui täysin. Moliere kuitenkin meni pidemmälle. Näytelmän lopussa yleisöön kohdistunut vetoomus edellytti kutsua keskusteluun, ja tämän näemme esimerkiksi Aviomiehien koulussa, kun Lisette kääntyy kioskien puoleen seuraavan sanatarkasti:

Sinä, jos tunnet ihmissusimiehiä, lähetä heidät ainakin koulumme.

Kutsu "kouluumme" poistaa didaktisuuden linjana kirjailija-opettaja ja katsoja-opiskelija. Näytelmäkirjailija ei erota itseään yleisöstä. Hän keskittyy lauseeseen "meille". Komediassa Moliere käytti usein pronominien semanttisia mahdollisuuksia. Joten, vaikka Sganarelle on vakuuttunut vanhurskaudestaan, hän kertoo ylpeänä veljelleen "minun oppitunnit", mutta heti kun hän tunsi ahdistusta, hän ilmoittaa välittömästi Aristalle "meidän oppituntien" seurauksista ".

Luodessaan Aviomiehikoulua Moliere seurasi Gessendiä, joka väitti kokemuksen ensisijaisuuden abstraktin logiikan suhteen, ja seurasi Terentiusta, jonka komediassa Veljet todellisen kasvatuksen ongelma ratkaistiin. Molieressa, kuten Terence, kaksi veljeä väittelevät koulutuksen sisällöstä. Aristan ja Sganarellen välillä puhkeaa kiista siitä, miten ja millä tavoin saavuttaa hyvä Leonora ja Isabella -kasvatus voidakseen mennä naimisiin tulevaisuudessa ja olla onnellinen.

Muistetaan, että käsite "l"? Koulutus "-" kasvatus, koulutus "- esiintyi eurooppalaisten maallisessa sanastossa 1400-luvulta lähtien. Se tulee latinankielisestä Educatio-nimestä ja merkitsee keinoja vaikuttaa henkilöön Havaitsemme molemmat käsitteet komediassa "Miehikoulu". Lähtökohdat, jotka määrittelivät veljien välisen riidan, olivat kaksi kohtausta - toinen ensimmäisessä näytössä ja viides toisessa.

Kiistan aiheesta Moliere antoi ensimmäisenä Aristalle mahdollisuuden puhua. Hän on vanhempi kuin Sganarelle, mutta kykenevämpi ottamaan riskejä, noudattaa edistyksellisiä näkemyksiä koulutuksesta, antaa Leonoralle joitain vapauksia, kuten teatterikävely, pallot. Hän on vakuuttunut siitä, että hänen oppilaansa pitäisi käydä "maallisen koulun" läpi. "Maallinen koulu" on arvokkaampi kuin rakentaminen, koska siihen koottu tieto testataan kokemuksella. Kohtuullisen luottamuksen pitäisi toimia hyvin. Niinpä Moliere tuhosi perinteisen idean vanhemmasta konservatiivisesta huoltajasta. Aristan nuorempi veli Sganarelle osoittautui niin konservatiiviseksi. Hänen mielestään kasvatus on ennen kaikkea tiukkuus ja valvonta. Hyveellisyys ja vapaus eivät voi olla yhteensopivia. Sganarelle lukee Isabellan luentoja ja saa siten aikaan halun pettää häntä, vaikka tyttö ei ilmaise tätä halua avoimesti. Valeran ulkonäkö on olki, jonka Isabella nappaa ja ohittaa huoltajansa. Koko paradoksi on siinä, että nuori huoltaja ei kykene ymmärtämään nuoren oppilaan tarpeita. Ei ole sattumaa, että finaalissa sarjakuvan korvaa dramaattinen. Isabellan huoltajalle antama "oppitunti" on varsin luonnollinen: ihmiseen on luotettava, hänen tahtoaan on kunnioitettava, muuten protesti kasvaa, joka on erilaisia.

Libertinage-henki määrää paitsi Isabellan toiminnan myös Aristan ja Leonoran käyttäytymisen. Terencein tapaan Moliere ei käytä "liberitasia" kuin kultakaudella - "liberalis" - "antelias", vaan "artes liberales, homo liberalis" - sellaisella, jonka käyttäytyminen ansaitsee vapaan, jalon miehen arvonimen. (Z. Korsch).

Sganarellen ihanteellinen vanhemmuuden käsite tuhoutuu. Tämän seurauksena Leonora on hyveellinen, koska hänen käyttäytymistään ohjaa kiitollisuuden tunne. Tärkeintä itselleen on kuuliaisuus huoltajalle, jonka kunniaa ja arvokkuutta hän vilpittömästi kunnioittaa. Moliere ei kuitenkaan tuomitse Isabellan tekoa. Hän osoittaa hänen luonnollisen tarpeen onnelle ja vapaudelle. Ainoa tapa tytölle saavuttaa onnea ja vapautta on petos.

Näytelmäkirjailijalle hyve kasvatusprosessin lopputuloksena oli olennainen osa käsitteiden ketjua "koulu" - "oppitunti" - "koulutus (kasvatus)" - "koulu". Otsikon ja loppun välillä on suora yhteys. "Koulu", josta Lisette puhuu näytelmän lopussa, on elämä itsessään. Siinä on välttämätöntä hallita tiettyjä käyttäytymisnormeja ja -sääntöjä, viestintätaitoja pysyäkseen aina arvostettuna henkilönä. Tätä auttavat todistetut "maallisen koulun oppitunnit". Ne perustuvat ihmisen yleisiin käsitteisiin hyvästä ja pahasta. Kasvatus ja hyve eivät riipu iästä, vaan ihmisen elämänkatsomuksesta. Kohtuullinen ja itsekäs osoittautuu yhteensopimattomaksi. Itsekkyydellä on kielteinen vaikutus. Sganarelle osoitti tämän täysin käyttäytymisellään. Oppitunti ei näytä pelkästään näytelmän toiminnan rakenteen perustana, vaan myös seurauksena opetettaessa hahmoja ”inhimillisen viestinnän koulussa”.

Jo ensimmäisessä komedia- "koulussa" Moliere löysi uuden kuvan nykyaikaisen yhteiskunnan etiikasta. Todellisuuden arvioinnissa näytelmäkirjailijaa ohjasi rationaalinen elämänanalyysi, joka tutki erityisiä esimerkkejä tyypillisimmistä tilanteista ja hahmoista.

Näytelmäkirjailija keskittyi The School for Wives -tapahtumaan "oppitunnille". Sana "oppitunti" esiintyy seitsemän kertaa kaikissa komedian keskeisissä kohtauksissa. Ja tämä ei ole sattumaa. Moliere määrittelee selvemmin analyysikohteen - huoltajuuden. Komedian tarkoituksena on antaa neuvoja kaikille huoltajille, jotka ovat unohtaneet iän, luottamuksen, todellisen hyveellisyyden, joka on huoltajuuden perusta yleensä.

Toiminnan kehittyessä tarkkailemme kuinka "oppitunnin" käsite laajenee ja syvenee, samoin kuin itse tilanne, joka on yleisön hyvin tiedossa jokapäiväisestä elämästä. Edunvalvonta saa sosiaalisesti vaarallisen ilmiön piirteet. Tämän vahvistamiseksi kuulostavat Arnolfin itsekkäät suunnitelmat, joiden saavuttamiseksi hän on hyveellisen henkilön varjolla valmis antamaan kapeasti kohdennetun koulutuksen Agnesille rajoittamalla hänen oikeuksiaan henkilöinä. Opiskelijalle Arnolf valitsee erakon aseman. Tämä teki hänen elämästään täysin riippuvaisen huoltajan tahdosta. Hyveellisyydestä, josta Arnolf puhuu niin paljon, tulee itse asiassa keino orjuuttaa toinen henkilö. "Hyveellisyyden" käsitteestä huoltajaa kiinnostaa vain sellaiset osatekijät kuin tottelevaisuus, parannus, nöyryys ja Arnolph yksinkertaisesti jättää huomiotta oikeudenmukaisuuden ja armon. Hän on varma, että on jo hyödyttänyt Agnesia, mistä hän epäröi muistuttaa häntä ajoittain. Hän pitää itseään oikeutettuna päättää tytön kohtalo. Etualalla on eettinen dissonanssi sankareiden suhteissa, mikä selittää objektiivisesti komedian finaalin.

Toiminnan kehittämisen aikana katsoja ymmärtää sanan "oppitunti" merkityksen eettisenä käsitteenä. Ensinnäkin kehitetään "oppituntiopetusta". Joten, Georgette, kiittäen suosiota omistajalle, vakuuttaa hänelle, että kaikki hänen oppituntinsa muistetaan. Arnolf vaatii myös Agnesilta tarkkaa oppituntien eli ohjeiden, sääntöjen noudattamista. Hän vaatii häntä oppimaan hyveellisyyden säännöt: "Sinun on tartuttava näihin oppitunteihin sydämelläsi." Oppitunti-ohje, tehtävä, seurattava esimerkki - nuori ei tietenkään ymmärrä vähän, joka ei tiedä miten voisi olla toisin. Ja vaikka Agnessa vastustaa huoltajansa oppitunteja, hän ei ymmärrä täysin protestiaan.

Toiminnan huipentuma tapahtuu viidennessä näytöksessä. Viimeiset kohtaukset määräytyvät yllätysten perusteella, joista tärkein on Agnesin nuhde huoltajalle: ”Ja sinä olet henkilö, joka sanoo haluavansa mennä naimisiin minun kanssani. Seurasin oppituntiasi ja opetit minulle, että sinun täytyy mennä naimisiin, jotta voisit pestä pois synnin. " Samalla "oppitunnisi" eivät ole enää vain oppitunteja. Agnesin sanoin - haaste huoltajalle, joka menetti häneltä normaalin kasvatuksen ja maallisen yhteiskunnan. Agnesin lausunto on kuitenkin yllätys vain Arnolfille. Yleisö seuraa, kuinka tämä protesti kasvaa vähitellen. Agnesin sanat johtavat moraaliseen opetukseen, jonka tyttö on oppinut elämässään.

Arnolf saa myös moraalisen oppitunnin, joka liittyy läheisesti "varoitusopetukseen". Tämän ensimmäisen näytöksen oppitunnin on antanut Arnolfin ystävä Chrysald. Keskustelussa Arnolfin kanssa hän, kiusaten ystävää, piirtää kuvan aisankannattajamiehestä. Arnolf pelkää tulla juuri sellaiseksi aviomieheksi. Hän, jo keski-ikäinen mies, kääntynyt poikamies, joka on päättänyt mennä naimisiin, toivoo pystyvänsä välttämään monien aviomiehien kohtalon, että hänen elämänkokemuksensa on antanut monia hyviä esimerkkejä ja hän pystyy välttämään virheitä. Pelko kunnian pilaamisesta muuttuu kuitenkin intohimoksi. Häntä motivoi myös Arnolfin halu eristää Agnes maallisesta elämästä, joka hänen mielestään on täynnä vaarallisia kiusauksia. Arnolph toistaa Sganarellen virheen, ja "varoitusopetus" kuuluu kaikille unohdetuille huoltajille.

Lopuksi komedian nimi selkeytyy, mikä toimii sekä aiheena (holhouksena) että opetusmenetelmänä, joka muistuttaa luonnon lakeja, että niitä ei voida hylätä, ja se kuulostaa myös neuvona, varoituksena aviomiehille, jotka kuten Arnolf, uskalla rikkoa luonnollista ihmisoikeutta vapauteen ja vapaaseen valintaan. "Koulu" ilmestyi jälleen elämänmenetelmien järjestelmänä, jonka oikea hallinta hallitsee ihmistä naurettavilta tilanteilta ja draamilta.

Yhteenvetona ensimmäisistä tuloksista voidaan sanoa, että jo Molieren työssä komedia- "koulua" kehitettiin aktiivisesti tyylilajina. Sen tehtävänä on kouluttaa yhteiskuntaa. Tämä kasvatus, toisin kuin moralisoiva draama, on kuitenkin vailla avointa didaktisuutta; se perustuu rationalistiseen analyysiin, jonka tarkoituksena on muuttaa katsojan perinteisiä näkemyksiä. Kasvatus ei ollut vain prosessi, jonka aikana katsojan käsitys maailmasta muuttui, vaan myös keino vaikuttaa hänen tietoisuuteensa ja koko yhteiskunnan tietoisuuteen.

Komedian "koulu" sankarit olivat tyypillisin esimerkki intohimosta, luonteesta tai ilmiöstä sosiaalisessa elämässä. He kävivät läpi useita moraalisia, ideologisia ja jopa psykologisia oppitunteja, oppivat tiettyjä kommunikaatiotaitoja, jotka muodostivat vähitellen järjestelmän uusista eettisistä käsitteistä, jotka saavat heidät havaitsemaan arjen eri tavalla. Samalla komedian "koulu" "oppitunti" paljastui melkein kaikissa historiallisesti muodostetuissa leksikoissa - "tehtävästä" lopputulokseen. Ihmisen toiminnan moraalinen tarkoituksenmukaisuus alkaa määrittää hänen hyödyllisyytensä yksittäisen perheen ja jopa koko yhteiskunnan elämässä.

Komedia- "koulun" pääkäsite on "hyve". Moliere yhdistää sen ensisijaisesti moraaliin. Näytelmäkirjailija tuo "hyveen" sisältöön sellaisia \u200b\u200bkäsitteitä kuin "järkevyys", "luottamus", "kunnia", "vapaa valinta". "Hyveellisyys" toimii myös kriteerinä "kauniille" ja "rumalle" ihmisten toiminnassa, mikä määrää suurelta osin heidän käyttäytymisensä riippuvuuden sosiaalisesta ympäristöstä. Tässä Moliere edisti valaisijoita.

"Peilitilanne" auttoi voittamaan tavallisen maailmankuvan dogmatismin ja "vieraantumisen" menetelmällä halutun "oppimisvaikutuksen" saavuttamiseksi. Oikeastaan \u200b\u200bnäyttämötoiminta piirsi vain käyttäytymismallin havainnollistavana esimerkkinä katsojan rationaaliselle todellisuusanalyysille.

Molieren komedia liittyi läheisesti elämään. Siksi siinä on usein dramaattinen elementti. Sen kantajat ovat hahmoja, jotka pääsääntöisesti ilmentävät hahmoissaan tiettyjä henkilökohtaisia \u200b\u200bominaisuuksia, jotka ovat ristiriidassa yleisesti hyväksyttyjen normien kanssa. Vakavia sosiaalisia konflikteja kuullaan usein lavalla. Päätöksessään erityinen paikka annetaan yksinkertaisen alkuperän hahmoille - palvelijoille. Ne toimivat myös terveellisen sosiaalisen elämän periaatteiden kantajina. AS Pushkin kirjoitti: "Huomaa, että korkea komedia ei perustu yksinomaan nauruun, vaan hahmojen kehitykseen, ja se on usein lähellä tragediaa." Tämä huomautus voidaan täysin liittää komedia- "kouluun", joka kehittyy Molieren työssä rinnakkain "korkean" komedian kanssa.

Klassikalisti Moliere vastusti klassitsistisen teatterin pommitusta ja luonnottomuutta. Hänen hahmonsa puhuivat yhteisellä kielellä. Näytelmäkirjailija noudatti luovan elämänsä ajan vaatimusta heijastaa elämää totuudenmukaisesti. Terveen järjen kantajat olivat pääsääntöisesti nuoria hahmoja. Elämän totuus paljastettiin tällaisten sankarien törmäyksessä satiirisen päähenkilön kanssa, samoin kuin koko komedian törmäysten ja hahmasuhteiden joukon.

Moliere pysyi monin tavoin tiukista klassistisista normeista poiketen edelleen tämän taiteellisen järjestelmän puitteissa. Hänen teoksensa ovat hengeltään rationaalisia; kaikki merkit ovat yksirivisiä, ilman konkreettisia historiallisia yksityiskohtia ja yksityiskohtia. Ja silti juuri hänen koomikuvistaan \u200b\u200btuli elävä heijastus prosesseista, jotka liittyivät ranskalaisen yhteiskunnan kehityksen pääsuuntauksiin 1600-luvun jälkipuoliskolla.

"Korkean" komedian silmiinpistävimmät piirteet ilmenivät kuuluisassa näytelmässä "Tartuffe". A. S. Pushkin, verraten Shakespearen ja Molieren teoksia, huomautti: ”Shakespearen luomat kasvot eivät ole, kuten Moliere, tyyppejä sellaisista ja sellaisista intohimoista, sellaiset ja sellaiset päinvastoin; mutta elävät olennot, täynnä monia intohimoja, monia paheita; olosuhteet kehittyvät katsojan edessä heidän vaihteleville ja monipuolisille hahmoilleen. Molieressa hän on niukka - ja vain, Shakespeare, Shylock on niukka, teräväviivainen, kostonhimoinen, lapsia rakastava, nokkela. Molieressa tekopyhä vetää sen jälkeen, kun hyväntekeväisen vaimonsa, tekopyhän, vaimo hyväksyy kartanon säilytettäväksi, tekopyhä; kysyy lasillisen vettä, tekopyhää. " Pushkinin sanoista tuli oppikirjoja, koska ne välittivät näytelmän keskeisen hahmon luonteen hyvin tarkasti, mikä määritteli uuden vaiheen ranskalaisen kansalliskomedian kehityksessä.

Näytelmä esitettiin ensimmäisen kerran Versailles'n festivaalilla 12. toukokuuta 1664. "Tartuffeistä kertova komedia alkoi yleisestä innostuneesta ja kannustavasta huomiosta, joka korvattiin heti suurimmalla hämmästyksellä. Kolmannen näytelmän lopussa yleisö ei tiennyt jo mitä ajatella, ja jotkut ajattelivat, että ehkä Monsieur de Moliere ei ollut aivan oikeassa mielessä. " Näin M. A. Bulgakov kuvaa yleisön reaktiota esitykseen. Nykyaikaisten muistelmien ja 1700-luvun kirjallisuuden, mukaan lukien teatterihistorian, tutkimuksissa todetaan, että näytelmä aiheutti välittömästi skandaalin. Se oli suunnattu jesuiittojen Pyhien lahjojen yhdistystä vastaan, mikä tarkoitti, että Moliere tunkeutui suhteiden alueelle, joka oli kielletty kaikille, mukaan lukien kuningas itse. Kardinaali Hardouin de Beaumont de Perefixin vaatimuksesta ja suuttuneiden tuomioistuinten paineesta Tartuffe kiellettiin tuotannosta. Usean vuoden aikana näytelmäkirjailija kirjoitti komedia uudelleen: hän poisti evankeliumin lainaukset tekstistä, muutti loppua, riisui kirkon vaatteet Tartuffeelta ja esitteli häntä vain hurskas ihminen, ja pehmensi myös tiettyjä hetkiä ja sai Cleanthesin sanomaan monologin todella hurskaista ihmisistä. Ainoan tarkistetun version esityksen jälkeen vuonna 1667 näytelmä palasi lopulta lavalle vasta vuonna 1669, toisin sanoen kuninkaan äidin, fanaattisen katolisen, kuoleman jälkeen.

Joten, näytelmä kirjoitettiin tiettyjen tapahtumien yhteydessä Ranskan julkisessa elämässä. He asettivat Moliereen neo-ullakkokomedian muodossa. Ei ole sattumaa, että hahmoilla on muinaiset nimet - Orgon, Tartuffe. Näytelmäkirjailija halusi ennen kaikkea pilkata "Pyhien lahjojen yhdistyksen" jäseniä, jotka hyötyvät kansalaisten luottamuksesta. Seuran tärkeimpien inspiroijien joukossa oli kuninkaan äiti. Inkvisitio ei epäröinyt rikastua kuuntelevien ranskalaisten irtisanomisilla. Komedia muuttui kuitenkin kristillisen hurskauden tuomitsemiseksi sinänsä, ja keskushahmosta Tartuffeistä tuli tekopyhän ja tekopyhän yleinen nimi.

Tartuffe-kuva perustuu sanojen ja tekojen, ulkonäön ja olemuksen väliseen ristiriitaan. Sanalla hän "heittää kaikki syntiset asiat julkisesti" ja haluaa vain sen, "mitä taivas haluaa". Mutta todellisuudessa hän tekee kaikenlaista ilkeyttä ja ilkeyttä. Hän valehtelee jatkuvasti, rohkaisee Orgonia tekemään huonoja asioita. Joten Orgon ajaa poikansa ulos talosta, koska Damis vastustaa Tartuffen avioliittoa Marianan kanssa. Tartuffe annetaan ahmaaksi, tekee pettämistä pettämällä lahjoituksen hyväntekijänsä omaisuuteen. Palvelija Doreena kuvaa tätä "pyhää miestä" seuraavasti:

... Tartuffe on sankari, idoli. Maailman tulisi ihmetellä hänen ansioitaan; Hänen tekonsa ovat ihania, ja mitä hän sanoo, on taivaallinen lause. Mutta kun hän näkee niin yksinkertaisen miehen, hän huijaa häntä pelillään loputtomasti; Hän teki kiihkoilusta tulonlähteen ja valmistautuu opettamaan meitä, kun olemme elossa.

Jos analysoimme Tartuffeen toimia huolellisesti, havaitsemme, että kaikki seitsemän tappavaa syntiä on läsnä. Samalla menetelmä, jota Moliere käyttää keskushahmon kuvan muodostamiseen, on ainutlaatuinen.

Tartuffe-kuva perustuu vain tekopyhyyteen. Tekopyhyyttä julistetaan jokaisella sanalla, teolla, eleellä. Tartuffe-luonteessa ei ole muita piirteitä. Moliere itse kirjoitti, että tässä kuvassa alusta loppuun Tartuffe ei lausu yhtään sanaa, joka ei kuvaa yleisöä huonoista henkilöistä. Piirtäessään tämän hahmon, näytelmäkirjailija turvautuu myös satiiriseen liioitteluun: Tartuffe on niin jumalallinen, että kun hän murskata kirpun rukouksen aikana, hän pyytää anteeksi Jumalalta tappaneensa elävän olennon.

Tartuffeen pyhän periaatteen korostamiseksi Molière rakentaa kaksi kohtausta peräkkäin. Ensimmäisessä "pyhässä miehessä" Tartuffe hämmentynyt pyytää palvelija Doreenaa peittämään pääntien, mutta jonkin ajan kuluttua hän yrittää vietellä Orgonin vaimoa Elmiraa. Molieren vahvuus on siinä, mitä hän osoitti - kristillinen moraali ja hurskaus eivät vain häiritse syntiä, vaan jopa auttavat peittämään nämä synnit. Joten kolmannen näytöksen kolmannessa esiintymisessä "naamioiden repimisen" menetelmällä Moliere kiinnittää katsojan huomion siihen, kuinka taitava Tartuffe käyttää "Jumalan sanaa" perustellakseen intohimoa aviorikokseen. Siten hän paljastaa itsensä.

Tartuffeen intohimoinen monologi päättyy tunnustukseen, joka lopulta vie hänen jumalallisen luonteensa pyhyyden aurasta. Molière tarttuu Tartuffeen huulilla kumoamaan sekä korkean yhteiskunnan moraalin että papiston tavan, jotka eroavat toisistaan \u200b\u200bvähän.

Tartuffeen saarnat ovat yhtä vaarallisia kuin hänen intohimonsa. Ne muuttavat ihmistä, hänen maailmaa siinä määrin, että Orgonin tavoin hän lakkaa olemasta itse. Orgone itse tunnustaa riidassa Cleantin kanssa:

... Joka seuraa häntä, maistuu autuaa maailmaa, ja kaikki maailmankaikkeuden olennot ovat hänelle kauhistuksia. Minusta tuli täysin erilainen kuin nämä keskustelut hänen kanssaan: Tästä lähtien minulla ei ole liitteitä, enkä arvosta enää mitään maailmassa; Anna veljeni, äitini, vaimoni ja lapseni kuolla, olen järkyttynyt tästä niin paljon, hän-hän-hän!

Cleant-komedian resoner toimii paitsi tarkkailijana Orgonin talossa tapahtuvissa tapahtumissa myös yrittää muuttaa tilannetta. Hän heittää avoimesti syytöksiä Tartuffea ja vastaavia vastaan. Hänen kuuluisa monologi on tuomio tekopyhyydestä ja tekopyhyydestä. Tartuffe-kaltaisille ihmisille Cleanthe asettaa ihmiset puhtaalla sydämellä, ylevillä ihanteilla.

Palvelija Doreena vastustaa myös Tartuffea puolustamalla herrojensa etuja. Doreena on komedian nokkelin hahmo. Hän kirjaimellisesti suihkutti Tartuffeä pilkalla. Hänen ironia lankeaa omistajalle, koska Orgone on riippuvainen henkilö, liian luottavainen, minkä vuoksi Tartuffe pettää hänet niin helposti.

Dorina personoi terveellisen kansanperiaatteen. Se, että aktiivisin Tartuffe-taistelija on yleisen terveen järjen kantaja, on syvästi symbolista. Ei ole sattumaa, että Cleanthe, joka personoi valaistun mielen, tulee Doreenin liittolaiseksi. Tämä heijastuu Molieren utopismiin. Näytelmäkirjailija uskoi, että yhteiskunnan pahaa voidaan vastustaa yleisen järjen ja valaistuneen järjen yhdistymisellä.

Dorina auttaa myös Marianaa taistelussa onnesta. Hän ilmaisee avoimesti mielipiteensä omistajalle suunnitelmista mennä naimisiin tyttärensä Tartuffeen kanssa, vaikka palvelijoiden keskuudessa tätä ei hyväksytty. Orgonen ja Dorinan välinen kiistely keskittyy perheopetuksen ongelmaan ja isän rooliin siinä. Orgone pitää itseään oikeutettuna hallita lapsia ja heidän kohtalojaan, joten hän tekee päätöksen epäilemättä. Lähes kaikki näytelmän hahmot tuomitsevat isänsä rajoittamattoman voiman, mutta vain Dorina ominaisen syövyttävällä tavalla tuomitsee jyrkästi Orgonen, joten huomautus vangitsee tarkasti isännän asennon palvelijan lausuntoihin: "Orgone on aina valmis lyödä Dorinaa kasvot ja joka sanalla, jonka hän sanoo tyttärelleen, kääntyy katsomaan Doreenaa ... "

Tapahtumat kehittyvät siten, että komediafinaalien utopismi tulee ilmeiseksi. Todellisempi, tietysti, hän oli ensimmäisessä versiossa. Monsieur Loyal tuli toteuttamaan oikeuden määräys - vapauttamaan talo koko perheestä, koska nyt Monsieur Tartuffe on tämän rakennuksen omistaja. Moliere sisältää dramaattisen elementin viimeisissä kohtauksissa ja paljastaa rajalle surun, johon perhe joutui Orgonin mielijohteesta. Viidennen näytöksen seitsemäs esiintyminen antaa meille lopulta mahdollisuuden ymmärtää Tartuffeen luonteen ydin, joka paljastetaan nyt kauheana ja julmana henkilönä. Orgonille, joka on suojellut tätä prude talossaan, Tartuffe ilmoittaa ylimielisesti:

Hiljainen, herra! Missä juokset niin? Et ole kaukana uudesta majoituksesta, ja minä pidätän sinut kuninkaan tahdosta.

Moliere ilmoitti melko rohkeasti, mikä oli kiellettyä - kuninkaan tahdosta "Pyhien lahjojen seuran" jäseniä ohjataan toiminnassaan. I.Glikman panee merkille, että toiminnassa on poliittinen motiivi, joka liittyy näytelmän hahmojen menneisyyteen. Erityisesti viidennessä teoksessa mainitaan tietty arkku valtion merkityksellisillä asiakirjoilla, joista Orgonin sukulaiset eivät tienneet. Nämä ovat asiakirjoja maahanmuuttaja Argasista, joka pakeni hallituksen sortotoimista. Kuten käy ilmi, Tartuffe petti arkin papereilla ja esitti ne kuninkaalle pyytääkseen Orgonin pidätystä. Siksi hän käyttäytyy niin juhlattomasti, kun upseeri ja tuomari tulevat Orgonin taloon. Tartuffen mukaan kuningas lähetti hänet Orgonin taloon. Tämä tarkoittaa, että kaikki pahat valtiossa ovat peräisin hallitsijalta! Tällainen loppu ei voinut aiheuttaa skandaalia. Näytelmän tekstissä on kuitenkin jo uudistetussa versiossa ihme. Tällä hetkellä, kun Tartuffe luottaa menestykseensä, vaatii kuninkaallisen määräyksen antamista, upseeri pyytää yllättäen Tartufea seuraamaan häntä vankilaan. Moliere tekee kurttia kuninkaan suuntaan. Virkailija osoittaa Tartuffeen ja huomauttaa Orgonen kuinka armollinen ja oikeudenmukainen hallitsija on, kuinka viisaasti hän hallitsee alamaisiaan.

Joten klassismin estetiikan vaatimusten mukaisesti hyvä loppujen lopuksi voittaa, ja päinvastoin rangaistaan. Finaali on näytelmän heikoin kohta, mutta se ei heikentänyt komedian yleistä sosiaalista ääntä, joka ei ole menettänyt merkitystään tähän päivään asti.

Molieren opposition näkemyksiä osoittavista komedioista voidaan nimetä näytelmä "Don Juan tai kivivieras". Tämä on ainoa proosanäytelmä, jossa aristokraatti Don Juan ja talonpojat, palvelijat, jopa kerjäläinen ja rosvo ovat samanarvoisia hahmoja. Ja jokaisella heistä on oma ominaispiirteensä. Täällä Moliere poikkesi klassismista enemmän kuin kaikissa näytelmissään. Se on myös yksi näytelmäkirjailijan paljastavimmista komedioista.

Näytelmä on kirjoitettu lainatulle juonelle. Espanjan näytelmäkirjailija Tirso de Molina esitteli hänet suuressa kirjallisuudessa ensimmäisen kerran komediassa "Pahaa Sevillaa". Moliere tapasi tämän näytelmän italialaisten näyttelijöiden kautta, jotka esittivät sen kiertueella 1664. Moliere puolestaan \u200b\u200bluo alkuperäisen teoksen, jolla on rehellinen aateliston vastainen suuntautuminen. Jokainen ranskalainen katsoja tunnusti Don Juanissa tutun tyyppisen aristokraatin - kyynisen, sujuvan ja rangaista rankaisematta. Tavat, joiden edustaja Don Juan oli, hallitsivat tuomioistuimessa, etenkin kuningas Louis XIV: n seurueen "kultaisten nuorten" keskuudessa. Molieren aikalaiset kutsuivat salamurhasta, "rohkeudesta" ja jumalanpilkasta kuuluisien tuomioistuinten nimiä, mutta yritykset arvata, ketkä näytelmäkirjailija toi esiin Don Juanin nimellä, olivat turhia, koska komedian päähenkilö muistutti silmiinpistävästi monia ihmisiä eikä ketään erityisesti. Ja kuningas itse näytti usein esimerkkiä tällaisista tavoista. Lukuisia kevytmielisiä seikkailuja ja voittoja naisten sydämissä pidettiin tuomioistuimessa pahuutena. Moliere puolestaan \u200b\u200btarkasteli Don Juanin temppuja toisesta näkökulmasta - humanismin ja kansalaisuuden näkökulmasta. Hän kieltäytyy tarkoituksella näytelmän otsikosta "Sevillan pahuus", koska hän ei pidä Don Juanin käyttäytymistä pahuutena ja viattomana kepposena.

Näytelmäkirjailija rikkoo rohkeasti klassismin kaanonit ja rikkoo ajan ja paikan ykseyden saadakseen kuvan sankaristaan \u200b\u200bmahdollisimman elävästi. Toiminnan kohtaus on nimetty Sisiliassa, mutta jokaiseen toimintaan liittyy huomautus: ensimmäinen - "kohtaus edustaa palatsia", toinen - "kohtaus edustaa aluetta meren rannalla", kolmas - "kohtaus edustaa metsää ", neljäs -" kohtaus edustaa Don Juanin huoneistoja "ja viides" kohtaus edustaa avointa aluetta ". Tämä mahdollisti Don Juanin näyttämisen suhteissa eri ihmisiin, mukaan lukien eri luokkien edustajat. Aristokraatti tapaa matkallaan paitsi Don Carlosin ja Don Alonson, myös talonpojat, kerjäläisen ja kauppiaan Dimanshin. Tämän seurauksena näytelmäkirjailija onnistuu näyttämään Don Juanin hahmossa kuninkaan seurakunnan "kultaisen nuoruuden" olennaisimmat piirteet.

Sganarelle antaa täydellisen kuvauksen mestarilleen heti ensimmäisen näytöksen ensimmäisen kerran, kun hän sanoo sulhaselle Guzmanille:

"... herrani Don Juan on suurin kaikista roistoista, joita maa on koskaan kantanut, hirviö, koira, paholainen, turkki, harhaoppinen, joka ei usko taivaaseen, pyhiin eikä Jumalaan eikä paholaisessa, joka elää kuin alhainen karja, kuin epikurealainen sika, kuin todellinen Sardanapalus, joka ei halua kuunnella kristillisiä opetuksia ja pitää kaikkea sitä, mihin uskomme, hölynpölyksi "(A. Fedorovin käännös). Jatkotoimet vain vahvistavat kaiken edellä mainitun.

Don Juan Moliere on kyyninen, julma mies, joka tuhoaa armottomasti naiset, jotka luottavat häneen. Näytelmäkirjailija selittää hahmon kyynisyyden ja julmuuden sillä, että hän on aristokraatti. Jo ensimmäisen ilmiön ensimmäisessä näytössä tämä osoitetaan kolme kertaa. Sganarelle tunnustaa Guzmanille: "Kun jalo herrasmies on myös huono ihminen, se on kauheaa: Minun on pysyttävä uskollisena hänelle, vaikka en voi sietää sitä. Vain pelko saa minut olemaan ahkera, se hillitsee tunteitani ja pakottaa hyväksymään sen, mikä on sieluni vastaista. " Siten käy selväksi, miksi Sganarelle näyttää katsojalle typerältä ja hauskalta. Pelko ohjaa hänen tekojaan. Hän teeskentelee olevansa tyhmä piilottaen luonnollisen viisautensa ja moraalisen puhtautensa puhvelien omituisuuksien taakse. Sganarelle-kuvan on tarkoitus laukaista Don Juanin luonteen koko perusta, luottavainen rankaisemattomuuteen, koska hänen isänsä on tuomioistuimen aristokraatti.

Libertiinityyppi antoi näytelmäkirjailijalle hedelmällisen pohjan moraalisen vastuuttomuuden tuomitsemiselle rationalistisen etiikan näkökulmasta. Mutta samaan aikaan Moliere paljastaa Don Juanin ensisijaisesti sosiaalisesta näkökulmasta, mikä vie päähenkilön kuvan klassikkojen abstraktin-loogisen luonteen ulkopuolelle. Molière esittelee Don Juania tyypillisenä aikansa paheiden kantajana. Komedia-sivuilla eri hahmot mainitsevat jatkuvasti, että kaikki herrat ovat tekopyhiä, libertinejä ja petollisia. Joten Sganarelle julistaa isännälleen: "Tai ehkä luulet, että jos olet aatelissukuinen perhe, niin että sinulla on vaalea, taitavasti kiharoitu peruukki, hattu höyhenillä, kullalla kirjailtu mekko ja tuliväriset nauhat. .. ehkä luulet olevasi älykkäämpi tästä, että kaikki on sinulle sallittua eikä kukaan uskalla kertoa sinulle totuutta? " Talonpoika Pierrot, joka ajaa Don Juanin pois Charlotteista, on samaa mieltä: ”Hitto se! Koska olet mestari, voit siis kiusata naisia \u200b\u200bnenämme alla? Ei, mene ja kiusaa omasi. "

On huomattava, että Moliere näyttää myös esimerkkejä korkeasta kunniasta aristokraattisesta ympäristöstä. Yksi heistä on Don Juanin isä Don Luis. Aatelismies pysyy uskollisena esi-isiensä kunnialle, vastustaa poikansa siveettömää käyttäytymistä. Hän on valmis odottamaan taivaallista rangaistusta rankaisemaan itse poikaansa ja lopettamaan hänen vilpittömyytensä. Komediassa ei ole perinteistä päättelyä, mutta Don Luis kutsutaan soittamaan rooliaan. Pojalle osoitettu puhe vetoaa yleisöön: ”Kuinka alas olet pudonnut! Etkö punoita, koska olet niin vähän alkuperän arvoinen? Onko sinulla oikeus sanoa minulle olla ylpeä hänestä? Mitä olet tehnyt perustellaksesi aatelismäärän? Vai luuletko, että nimi ja vaakuna riittää ja että jalo veri sinänsä jo kohottaa meitä, vaikka toimisimme ilkeästi? Ei, ei, jalo linja ilman hyveitä ei ole mitään. Jaamme esi-isiemme kunnian vain siinä määrin, että pyrimme itse olemaan heidän kaltaisiaan ... Ymmärrä lopuksi, että huono elämää johtava aatelismies on luonnon hirviö, että hyve on ensimmäinen aateliston merkki, että minä pidä nimiä vähemmän tärkeänä kuin tekoja ja että jonkin talonmiehen poika, jos hän on rehellinen mies, asetan korkeammalle kuin kuninkaan poika, jos hän elää kuten sinä. " Don Luisin sanat heijastivat sekä näytelmäkirjailijan itse näkemyksiä että sen aateliston osan tunnelmaa, joka oli valmis vastustamaan tämän luokan ja kastin edustajien sallivuutta julkisessa elämässä.

Komedian aateliston vastaista suuntautumista parantaa päähenkilön kuvan rakentaminen. Esittäessään Don Juania Moliere poikkeaa klassismin estetiikasta ja antaa negatiiviselle hahmolle joukon positiivisia ominaisuuksia, jotka ovat ristiriidassa Sganarellen antamien ominaisuuksien kanssa.

Don Juanilta ei voida kieltää nokkeluutta, rohkeutta, anteliaisuutta. Hän laskeutuu talonpoikaisnaisten kanssa, toisin kuin esimerkiksi Lope de Vega -draaman komentaja. Mutta sitten Moliere purkaa erittäin tarkasti, ja tässä taitonsa taiteilijana kumoaa sankarinsa kaikki positiiviset ominaisuudet. Don Juan on rohkea taistellessaan kahta vastaan \u200b\u200bkolmea vastaan. Kuitenkin, kun Don Juan saa tietää, että hänen on taisteltava kaksitoista, hän antaa palvelijalle oikeuden kuolla itsensä sijasta. Samanaikaisesti ilmenee aateliston moraalisen luonteen alin taso julistaen: "Onnellinen on se palvelija, joka annettiin kuolla loistava kuolema isäntänsä puolesta."

Don Juan heittää kulta kerjäläiselle anteliaasti. Mutta kohtauslaskija Dimanshin kanssa, jossa hän joutuu nöyryyttämään itsensä velkojan edessä, todistaa, että Don Juanin anteliaisuus on ylellistä, sillä hän heittää muiden rahaa.

Toiminnan alkaessa katsojaa houkuttelee Don Juanin suoruus. Hän ei halua olla tekopyhä, julistaen rehellisesti Elviralle, ettei rakasta häntä, että lähti hänestä tarkoituksella, omatunto käski häntä tekemään niin. Mutta poiketen klassismin estetiikasta, Moliere riistää Don Juanilta tämän positiivisen laadun näytelmän kehityksen aikana. Hänen kyynisyytensä naista kohtaan, joka rakastaa häntä, on silmiinpistävää. Vilpitön tunne ei herätä vastausta hänen sielussaan. Dona Elvirasta lähdettyään Don Juan paljastaa kaiken luonteensa siveyden:

Don Juan. Tiedättekö, tunsin jälleen jotain hänessä, tältä epätavalliselta ulkonäöltään löysin erityisen viehätyksen: huolimattomuus päähineessä, väsyneet silmät, kyyneleet - kaikki tämä herätti minussa sammuneen tulen jäänteet.

Sganarelle. Toisin sanoen, hänen puheensa ei vaikuttanut sinuun.

Don Juan. Ehtoollinen, elää!

Moliere kiinnittää erityistä huomiota tekopyhyyteen. Sitä ei käytetä pelkästään pihanpitäjien uran saavuttamiseen, vaan läheisten välisiin suhteisiin. Tämän osoittaa Don Juanin ja hänen isänsä välinen vuoropuhelu. Tekopyhyys on keino saavuttaa oma itsekäs päämääräsi. Don Juan päättelee, että tekopyhyys on kätevää ja jopa hyödyllistä. Ja tässä hän tunnustaa palvelijalleen. Don Juanin suussa Moliere laulaa tekopyhyyden: "Nykyään he eivät enää häpeä tätä: tekopyhyys on muodikas varapuheenvuoro, ja kaikki muodikkaat paheet menevät hyveiksi. Hyvien sääntöjen miehen rooli on paras kaikista pelattavista rooleista. Tekopyhyydellä on valtavia etuja aikanamme. Tämän taiteen ansiosta petosta pidetään aina suuressa arvossa, vaikka se paljastettaisiin, silti kukaan ei uskalla sanoa yhtään sanaa sitä vastaan. Kaikkia muita ihmisten paheita kritisoidaan, kaikilla on vapaus hyökätä niihin avoimesti, mutta tekopyhyys on erityisoikeuksia nauttiva pahe, se sulkee jokaisen suun omalla kädellään ja nauttii rauhallisesti täydellisestä rankaisemattomuudesta ... "

Don Juan on kuva, johon komedian anti-uskonnollinen teema liittyy. Moliere tekee negatiivisesta sankaristaan \u200b\u200bja vapaan ajattelijan. Don Juan julistaa, että hän ei usko Jumalaan tai mustaan \u200b\u200bmunkkiin, mutta uskoo, että kahdesti kaksi on neljä.

Ensi silmäyksellä saattaa tuntua siltä, \u200b\u200bettä Moliere, joka teki negatiivisesta sankarista vapaan ajattelijan, hylkäsi itse vapaan ajattelun. Don Juanin kuvan ymmärtämiseksi on kuitenkin muistettava, että 1700-luvulla Ranskassa oli kahta vapaamuunnostyyppiä - aristokraattinen ja aito. Aristokratialle uskonto oli suitset, joka esti heitä harjoittamasta liukastunutta elämäntapaa. Mutta aristokratian vapaa-ajattelu oli kuvitteellista, koska se käytti uskontoa omiin etuihinsa. Aito vapaa-ajattelu löysi ilmaisun Descartesin, Gassendin ja muiden filosofien kirjoituksista. Juuri niin vapaata ajattelua kautta koko Moliere-komedia on läpäissyt.

Don Juanin kuvassa Moliere pilkkaa aristokraattisen vapaa-ajattelun kannattajia. Sganarellen palvelijan koomisen hahmon suuhun hän laittaa uskonnon puolustajan puheen. Mutta tapa, jolla Sganarelle lausuu sen, todistaa näytelmäkirjailijan aikomuksista. Sganarelle haluaa todistaa, että Jumala on olemassa, hän ohjaa ihmisen asioita, mutta kaikki hänen väitteensä osoittavat päinvastaisen: ”Hyvä usko ja hyvät dogmat! On käynyt ilmi, että uskontosi on aritmeettinen? Nämä hölynpöly-ajatukset ilmaantuvat, totuuden mukaan, ihmisten mielissä ... Minä, sir, kiitos Jumalalle, en opiskellut kuten te, eikä kukaan voi ylpeillä siitä, että hän opetti minulle mitään, mutta olen mielelläni, Pieni järkeväni ymmärrän kaiken mielessä paremmin kuin mikään kirjuri, ja ymmärrän täydellisesti, että tämä maailma, jonka näemme, ei voinut kasvaa kuin sieni yön yli. Kuka, anna minun kysyä sinulta, loi nämä puut, nämä kivet, tämän maan ja tämän taivaan, joka on yläpuolellamme? Otetaan esimerkiksi sinä: etkö ole itse syntynyt, eikö äitisi tarvinnut tulla raskaaksi isäsi kanssa? Voitteko tarkastella kaikkia niitä hankalia asioita, jotka muodostavat ihmiskehon koneen, eikä ihailla, miten se kaikki sopii yhteen? Hermot, luut, laskimot, valtimot, nämä ... keuhkot, sydän, maksa ja muut osat, jotka ovat täällä ja ... "

Kohtaus kerjäläisen kanssa on myös täynnä syvä uskonnonvastainen merkitys. Hurskas kerjäläinen, hän nälkää, rukoilee Jumalaa, mutta kuitenkin kerjäläinen, ja siunauksen saa jumalanpilkka Don Juan, joka heittää hänelle kultaisen oletetun hyväntekeväisyyden. Samalla hän ei ole vastenmielinen pilkkaamaan jumalista kerjäläistä, jolta hän vaatii jumalanpilkkaa kullasta. Kuten D. D. Oblomievsky kirjoittaa, Don Juan on ”naisten viettelijä, uskollinen jumalanpilkkaaja ja karkea, jäljittelemällä uskonnollista kääntymystä. Turmeltuneisuus on epäilemättä Don Juanin pääominaisuus, mutta se ei estä hänen muita piirteitään. "

Näytelmän finaali saa myös laajan uskonnonvastaisen äänen. Ateisti Don Juan antaa kätensä patsaalle ja kuolee. Patsas on tässä kuvassa esiintyvän korkeimman koston rooli. Moliere säilyttää tarkalleen loppunsa, joka oli Tirso de Molinan näytelmässä. Mutta jos espanjalaisen näytelmäkirjailijan komedian jälkeen yleisö lähti teatterista järkyttyneenä kauhusta, niin Moliere-komedian loppua seurasi nauru. Tosiasia on, että syntisen rankaisemisen kohtauksen taakse ilmestyi heti Sganarelle, joka kiusauksineen ja koomikirjoituksineen aiheutti naurua. Nauru poisti kaiken pelon Jumalan rangaistuksesta. Tässä Moliere peri sekä antiikin komedian että renessanssikomedian ja kirjallisuuden perinteet yleensä.

Näytelmä aiheutti valtavan skandaalin. Viidentoista esityksen jälkeen hänet kiellettiin. Komedia palasi ranskalaiselle näyttämölle vasta 176 vuotta myöhemmin. Molierea moitittiin siitä, että hänen näkemyksensä yhtyvät täysin Don Juanin näkemyksiin. Teatteritutkija Rochemont julisti komedian "pirulliseksi näytelmäksi" ja omistautui monille halveksiville linjoille analyysinsä huomautuksissa Moliere'n komediasta "Kiven vieras" (1665).

Itseopiskelu

1. Tutustu opettajan metodologiseen kirjallisuuteen: missä luokassa Molieren luovuutta tutkitaan?

2. Tee pääpiirre aiheesta "Molieren luovuuden tutkiminen koulussa".

Luova työ aiheesta

1. Kehitä oppituntisuunnitelma Monsieur Jourdainista ja hänen maailmastaan.

2. Kirjoita essee aiheesta: "Misanthrope", Moliere ja "Woe from Wit", Griboyedov (merkkien yhtäläisyydet ja erot).

Kollokviumikysymys

Molieren komediateos.

Hän piti itseään näyttelijänä, ei näytelmäkirjailijana.

Hän kirjoitti näytelmän "Misantroppi", ja Ranskaa akatemia, joka vihasi häntä, oli niin iloinen, että he tarjosivat hänelle tulla akateemikoksi ja saada kuolemattoman arvon. Mutta tämä on ehdolla. Että hän lopettaa näyttämölle menemisen näyttelijänä. Moliere kieltäytyi. Hänen kuolemansa jälkeen akateemikot asettivat hänelle muistomerkin ja pitivät häntä latinaksi: Hänen kirkkautensa on ääretön kirkkauden täyteyden vuoksi, me kaipaamme häntä.

Moliere arvosti Corneillen näytelmiä. Hän uskoi, että teatterissa olisi järjestettävä tragedia. Ja hän piti itseään traagisena näyttelijänä. hän oli hyvin koulutettu henkilö. Valmistunut ClermOn Collegesta. Hän käänsi Lucretiuksen latinasta. Hän ei ollut karhu. Ulkopuolella hän ei ollut koominen näyttelijä. hänellä oli todella kaikki traagisen näyttelijän - sankarin - tiedot. Vain hänen hengityksensä oli heikkoa. Siitä ei ollut tarpeeksi täyttä strofia varten. Hän otti teatterin vakavasti.

Moliere lainasi kaikki tontit, eivätkä ne olleet hänelle tärkeimmät. On mahdotonta perustaa juoni hänen draamaansa. Tärkeintä on hahmojen vuorovaikutus, ei juoni.

Hän kirjoitti Don Giovannin näyttelijöiden pyynnöstä 3 kuukaudessa. Siksi se on kirjoitettu proosassa. Ei ollut aikaa riimoida sitä. Kun luet Moliereä, sinun on ymmärrettävä, mitä roolia Moliere itse oli. Koska hänellä oli päärooli. Hän kirjoitti kaikki näyttelijöiden roolit ottaen huomioon heidän yksilölliset ominaisuutensa. Kun hän ilmestyi ryhmään Lagrange joka piti kuuluisaa rekisteriä. Hän alkoi kirjoittaa sankarikunteja hänelle ja Don Juan roolin hänelle. Molieren esittäminen on vaikeaa, koska näytelmän kirjoittaessaan hän otti huomioon ryhmänsä näyttelijöiden psykofysiologiset kyvyt. Se on kovaa kamaa. Hänen näyttelijänsä olivat kultaisia. Hän riideli Racinen kanssa näyttelijän (Marquis Teresa Duparc) takia, jonka Racine oli houkutellut itselleen lupaamalla kirjoittaa Andromachen roolin hänelle.

Moliere on korkean komedian luoja.

Korkea komedia on komedia ilman hyvää(Vaimokoulu, Tartuffe, Don Juan, Miser, Misanthrope). Sieltä ei tarvitse etsiä hyviä hahmoja.

Filistinen aatelisto ei ole korkea komedia.

Mutta hänellä on myös farsseja.

Korkea komedia viittaa mekanismeihin, jotka aiheuttavat paheita ihmisessä.

Päähenkilö - Orgone (pelaa Moliere)

Tartuffe esiintyy 3 näytöksessä.

Kaikki väittävät hänestä ja katsojan on otettava jokin näkökulma.

Orgone ei ole idiootti, mutta miksi hän toi Tartuffeen taloon ja luotti häneen niin? Orgone ei ole nuori (noin 50), ja hänen toinen vaimonsa Elmira on melkein samanikäinen kuin hänen lapsensa. Hänen on ratkaistava sielun ongelma itse. Ja kuinka yhdistää henkinen ja sosiaalinen elämä nuoren vaimon kanssa. 1600-luvulla tämä oli tärkein syy näytelmän sulkemiseen. Mutta kuningas ei sulkenut tätä näytelmää. Kaikki Molieren vetoomukset kuninkaalle liittyivät siihen, että hän ei tiennyt näytelmän sulkemisen syyn totuutta. Ja he sulkivat sen itävaltalaisen kuninkaallisen äidin Annan takia. Ja kuningas ei voinut vaikuttaa äidin päätökseen.

Hän kuoli vuonna 69, ja vuonna 70 näytelmä soitettiin välittömästi. Mikä oli ongelma? Kysymyksessä, mikä on armo ja mikä on maallinen henkilö. Argon tapaa Tartuffeen jaloissa pukeutuneena kirkossa, hän tuo hänelle pyhää vettä. Orgonella oli suuri halu löytää henkilö, joka yhdistää nämä kaksi ominaisuutta, ja hän näytti siltä Tartuffe sellainen henkilö. Hän johtaa hänet taloon ja näyttää hullulta. Kaikki talossa meni ylösalaisin. Moliere viittaa tarkkaan psykologiseen mekanismiin. Kun henkilö haluaa olla ihanteellinen, hän yrittää fyysisesti tuoda ihanteen lähemmäksi itseään. Hän ei ala rikkoa itseään, mutta tuo ihanteen lähemmäksi itseään.

Tartuffe pettää ketään missään. Hän vain käyttäytyy röyhkeästi. Kaikki ymmärtävät. Että hän on idiootti rouva Pernel ja Orgona .Doreen - piika Mariana ei ole herkku tässä näytelmässä. Käyttäytyy röyhkeästi. Pilkkaa argonia. Puhdas - veli Elmira , Orgonin vävy

Orgone antaa kaiken Tartuffeelle. Hän haluaa päästä mahdollisimman lähelle epäjumalia. Älä tee itsestäsi epäjumalia. Kyse on psykologisesta vapauden puutteesta. Super kristillinen leikki.

Jos henkilö elää jonkin idean mukaan, mikään voima ei voi vakuuttaa häntä. Orgone antaa tyttärensä avioliittoon. Hän kiroaa poikaansa ja potkaisee hänet talosta. Antaa omaisuutensa. Hän antoi jonkun toisen laatikon toverilleen. Elmira oli ainoa, joka pystyi estämään hänet. Ja ei sanalla, vaan teolla.

Pelatakseen tätä näytelmää Moliere-teatterissa he käyttivät pöytää, hapsutettua pöytäliinaa ja kuninkaallista asetusta. näyttelevä olemassaolo lunasti kaiken. Kuinka tarkka teatteri on.

Paljastettu kohtaus, kun Orgone on pöydän alla. Se kestää kauan. Ja ulos päästessään hän kokee katastrofin. Tämä on merkki korkean komediasta. Korkean komedian sankari käy läpi todellisen tragedian. Hän on täällä nyt. Kuten Othello, joka huomasi, ettei hänen olisi pitänyt kuristaa Desdemonaa. Ja kun päähenkilö kärsii, katsoja nauraa villisti. Tämä on paradoksaalinen liike. Jokaisessa näytelmässä Molierella on tällainen kohtaus.

Mitä enemmän se kärsii Harpagon teoksessa Miser (rooli Moliere), jolta arkku varastettiin, hauskempi katsoja. Hän huutaa - poliisi! Pidätä minut! Leikkaa käteni! Mille sinä naurat? Hän puhuu katsojalle. Varastitko lompakkoni? Hän kysyy lavalla istuvalta aateliselta. Galleria nauraa. Tai ehkä on joukossasi varas? Hän kääntyy gallerian puoleen. Ja yleisö nauraa yhä enemmän. Ja kun he ovat jo lopettaneet nauramisen. Sitten heidän pitäisi jonkin ajan kuluttua ymmärtää. Se Harpagon on he.

Oppikirjoissa kirjoitetaan hurjasti tartuffesta lopusta. Kun vartija tulee kuninkaan päätöksen kanssa, he kirjoittavat - Moliere ei voinut vastustaa alennusten tekemistä kuninkaalle pelin läpimurtoon ... se ei ole totta!

Ranskassa kuningas on hengellisen maailman huippu. Tämä on järjen, ideoiden ruumiillistuma. Orgonen ponnistelut ovat aiheuttaneet painajaisia \u200b\u200bja tuhoja hänen perheensä elämään. Ja jos päädymme siihen, että Orgone erotetaan talosta, mistä tuo näytelmä on? Siitä, että hän on vain tyhmä ja siinä kaikki. Mutta tämä ei ole keskustelun aihe. Ei ole loppua. Vartija, jolla on asetus, esiintyy eräänlaisena tehtävänä (jumala autossa), eräänlaisena voimana, joka pystyy tuomaan järjestyksen Orgonin taloon. Hänelle annetaan anteeksi, talo ja laatikko palautettiin hänelle, ja tartuffe meni vankilaan. Voit laittaa asiat järjestykseen talossa, mutta et päähän. Ehkä hän tuo uuden Tartuffe-talon taloon? .. ja me ymmärrämme, että näytelmä paljastaa psykologisen mekanismin ideaalin keksimisestä, lähestymisestä tähän ihanteeseen, ilman että tämä henkilö voisi todella muuttua. Mies on naurettava. Heti kun henkilö alkaa etsiä tukea jostakin ideasta, hänestä tulee Orgon. Tämä näytelmä ei mene hyvin meille.

Ranskassa oli 1700-luvulta lähtien salainen salaliittoyhdistys (salainen ehtoollinen tai pyhien lahjojen yhteiskunta), jota johti itävaltalainen Anna, joka hoiti moraalipoliisin tehtäviä. se oli valtion kolmas poliittinen voima. Kardinaali Richelieu tunsi ja taisteli tämän yhteiskunnan kanssa, ja tämä oli heidän konfliktinsa kuningattaren kanssa perusta.

Tuolloin jesuiittaritar alkoi toimia aktiivisesti. Kuka osaa yhdistää maallisen ja hengellisen elämän. Salon-apot ilmestyvät (Aramis on sellainen). He tekivät uskonnosta houkuttelevaa maalliselle väestölle: samat jesuiitat soluttautuivat koteihin ja takavarikoivat omaisuutta. Koska tilauksen oli oltava olemassa jostakin. Tartuffe-näytelmä kirjoitettiin yleensä kuninkaan henkilökohtaisesta määräyksestä. Ryhmässä Moliere oli farsinäyttelijä, soitti farsseja Groven du Parcia (?). ja ensimmäinen painos oli farssi. Se päättyi siihen, että tartuffe vei kaiken pois ja ajoi Orgonin ulos. Tartuffe soitettiin Versailles'n avajaisissa. Ja keskellä näytelmää 1 kuningatar nousi ja lähti heti, kun kävi selväksi kuka Tartuffe oli. näytelmä suljettiin. Vaikka hän käveli vapaasti käsikirjoituksissa ja häntä soitettiin yksityisasunnoissa. Mutta Molieren seurue ei saanut tehdä tätä. Nucius saapui Roomasta ja Moliere kysyi häneltä, miksi häntä kiellettiin pelaamasta sitä? Hän sanoi, en ymmärrä. Normaali pala. Kirjoitamme huonommin Italiassa. Sitten tartuffen roolin esittäjä kuolee ja Moliere kirjoittaa näytelmän uudelleen. Tartuffesta tulee monimutkaisemman aateliston. Näytelmä muuttuu silmiemme edessä. Sitten alkoi sota Alankomaiden kanssa, kuningas lähtee sinne ja Moliere kirjoittaa vetoomuksen Pariisin parlamentin puhemiehelle tietämättä, että tämä on itävaltalaisen Annen oikea käsi tässä järjestyksessä. ja tietysti näytelmä on jälleen kielletty

Jansenisteillä ja jesuiiteilla oli kiistaa armon suhteen. Tämän seurauksena kuningas sovitti ne kaikki ja näytti näytelmää Tartuffe. Jansenistit ajattelivat, että Tartuffe oli jesuiitta. Ja jesuiitat, että hän on jansenisti.

Don Juan

Juoni on lainattu.

Moliere tyylitti esityksen erittäin tarkasti commedia dell'arten teatteriksi. Hänellä on yksi teko. joka on kirjoitettu patoisina (ranskan murre) talonpoikana. Kun JJ puhuu talonpoikaisten naisten kanssa ( Maturina ja Charlotte ).

JJ on libertiini (vapaa-ajattelija, tieteellistä työtä tekevä aatelismies) .Angelican aviomies (enkeleiden markiisi) oli libertiini. Hänellä oli sellainen tehdas kullan tuotantoa varten.

Libertinage on tietoa maailmasta kaikissa muodoissa.

Rostandin näytelmässä Cyrano de Bergerac, Comte de Guich on Cyranon tärkein vihollinen, hän on libertiini. Nämä ihmiset voisivat suurperjantaina syödä sianlihaa kastamalla sen karpiksi, joka halveksi kaikki kristilliset normit ja olivat moraalitonta naisia \u200b\u200bkohtaan jne.

SISÄÄN JJ keskitti tämän libertinage-käsitteen molemmat puolet.

JJ ei ole ateisti. Hän altistaa kaiken skeptisesti analyyseille, ei vie mitään. Hän on pakkomielle Descartesin ideoiden kanssa. analyysi, ajatuksen liike. Yksinkertaisesta monimutkaiseen. Hän sanoo, että hänellä on Aleksanteri Suuren temperamentti. Hän ei ole ollenkaan naispuolinen rakastaja. Molieressa hän on kuiva ja järkevä. Kaikki nämä naiset tulivat espanjalaiselta juonelta myötäjäisenä.

JJ on maailman tieteellisen tiedon ruumiillistuma.

Sganarelle (näyttelijä Moliere) on tavanomaisen, perinteisen, uskontoon perustuvan näkemyksen ruumiillistuma. Sen yhteiskunnan pääkysymys on, kuinka yhdistää tiedemaailma ja moraalinen maailma. Ja mikä on moraalia.

Sganarelle moittii JJ: tä jatkuvasti, että hän rikkoo paskiaisen, turkkilaisen, koiran kaikkia moraalilakeja ... JJ ei oikeuta itseään millään tavalla. Naiset itse heittävät häntä. Maturina ja Charlotte vain nouse häneen. Hän pakenee vaimonsa Elviran luota ja sanoo, että heti kun nainen lakkaa olemasta mielenkiintoinen, hän siirtyy eteenpäin. Hän on pakkomielteinen tiedonjanoon. Hänelle ei ole esteitä.

Teossa 3 he pakenevat harjoittamisesta ja Sganarelle alkaa filosofoida. Sganarelle johtaa näyttämöä; hän on yleensä puhelias. Ja J on lakoninen

JJ sanoo uskovansa, että 2x2 \u003d 4 ja 2x4 \u003d 8, ja Sganarelle sanoo, että uskontosi on aritmeettinen. Mutta on erilainen käännös. Hän uskoi, että 2 + 2 \u003d 4 ja 4 + 4 \u003d 8 Ja tämä on Descartesin periaate: Erota vaikeudet ja siirry yksinkertaisesta monimutkaiseen. Hän sanoo uskovansa maailman tuntemiseen. Sganarelle ei ymmärrä tätä ja sanoo kokonaisen monologin, jossa hän antaa joukon argumentteja, jotka ovat yksinkertaisesti tärkein todiste Jumalan Thomas Aquinaksen olemassaolosta. Tämä on yleinen käsitys katolisen idean perusperiaatteista. Ja lopussa Sganarelle putoaa, ja J sanoo, tässä on todiste sinulle - hän rikkoi nenänsä. Heidän vuoropuheluissaan ei ole oikeutta.

Sitten tulee kuuluisa kerjäläinen kohtaus. J sanoo pilkkaavan, annan sinulle kultaisen. Ja Sganarelle, joka on juuri keskustellut hyveestä. sanoo, jumalanpilkassa, siinä ei ole suurta vikaa.

Kohtaus päättyy siihen, että J antaa hänelle kultapalan ja sanoo: pidä kiinni, annan sen sinulle ihmiskunnasta. Tämä on moraalin ja maailman tieteellisen tiedon kysymys.

Mikä on moraali? Tänään kysymys on kysymys.

Näytelmä on rakennettu siten, että tiede tai uskonto eivät anna meille vastausta kysymykseen.

Ja tärkeimmät tapahtumat tapahtuvat finaalissa. Näkyy aave - ajan kuva viikalla. Sitten ilmestyy kivi vieras ja sitten he putoavat helvettiin.

Mitä nämä kolme muutosta tarkoittavat?

Kun aave ilmestyy (oppikirjoissa he kirjoittavat, että dona Elvira tuli peitteessä pelottamaan häntä - tämä on täydellistä hölynpölyä), tämä on aika viikatteen kanssa. Se oli musta puku, johon oli maalattu luut. Viikate on kuolema. Tämä on naishahmo pitkällä verholla päästä varpaisiin. Kuolemalla on oma tapansa puhua ja liikkua lavalla.

Molieren teatterissa kivivieras näytti tältä: o2.26.08

Näyttelijä oli Tunika - Tämä on miesten lyhyt, asennettu hihaton takki (liivi), joka on yleensä valmistettu vaaleasta nahasta ja jota on käytetty dupletin yli 1500- ja 1700-luvuilla. Sana koskee myös samanlaista hihaton vaatetta, jota Ison-Britannian armeija käytti 1900-luvulla.

Hänet kalkittiin jauholla kuin patsas ja käveli kuin patsas.

Kun näytelmän lopussa he kävelevät haudalle ja katsovat sitä. Sganarelle kertoo kuinka hyvä hän on Rooman keisarin vaatteissa. Molierelle Rooman keisarin käsite liittyi vain yhteen henkilöön - Louis 14

Vuonna 1664 Versailles avasi, kuningas avasi kulkueen, joka ratsasti Rooman keisarin vaatteissa, mutta se ei ollut toga, vaan tavallinen tunika ja höyhen. Ja niin kaikki ajattelivat - Rooman keisari näytti.

Vuonna 1666 Louis 14: n asetuksella Ranskan suurimmissa kaupungeissa asetettiin kuparipatsaat, jotka kuvaavat Louis 14: tä Rooman keisarin vaatteissa. Suuren porvarillisen vallankumouksen aikana ne kaikki kaadettiin tykkeihin. Mutta yksi patsas - kivi - on säilynyt. Se sijaitsee Pariisin Cornoval-museon keskustassa.

Sanalla sanoen lopussa ei tule aave, vaan kuningas, eli korkeampi mieli, jonka on ratkaistava tieteen ja uskonnon välinen kiista

Kivivieras ojentaa kätensä ja J alkaa puhua Sgonarelille- tunnen kauhean kylmän syövän minua. Hän puhuu tunteistaan. Hän korjaa ne ja tuntee maailman kuolemaansa saakka.

Patsas putoaa läpi. Kuinka tehdä se lavalla? He seisoivat luukulla. He menivät sinne. Ja sieltä ammuttiin raketti, ja sitten maalatun liekin kielet puhkesivat. Tämä raivosti arkkipiispan (kuvasi helvettiä raketilla ja maalatulla liekillä). Tiedetään, että palomies oli päivystyksessä esityksessä.

J ei saanut vastausta kysymykseen. Siellä oli Sganarelle, joka valitti palkastani ...

Kumpikaan uskonto tai tiede eivät antaneet vastausta moraalin kysymykseen.

Tämä on korkea komedia ja sen filosofinen merkitys on valtava.

Ranskalaiset uskovat, että on 3 teosta, jotka ilmaisevat eurooppalaisen kulttuurin olemuksen Hamlet, Don Juan ja Faust.

Misantroppi on valtavan laadukas leikki !!! Siellä ei ole käytännössä mitään juoni. Griboyedov arvosti sitä, kun hän kirjoitti Voi nokkeluudesta, hän vain lainasi hetkiä. Tämä on yksi syy siihen, miksi näytelmää ei esitetä täällä.

Hän oli tärkeä Molierelle. Jotta yleisö voisi katsella sitä, hän kirjoitti kauhean farsin "Imaginary Cuckold". Ja aluksi hän soitti Misantropea ja sitten farsia. Ja hän lauloi laulun pullosta, josta Nicola Boileau huudahti - kuinka suuri misantroopin kirjoittaja voi laulaa tämän laulun!

Misantroppi, jonka mukaan kukaan henkilö on misantroppi (henkilö, joka ei rakasta ihmisiä.) Koska tarve elää yhdessä, kehittää ihmisessä kaikkein misantrooppisimmat piirteet. Ja ainoa tapa olla tappamatta toisiaan on kohdella toisiaan alentavasti. Kiista siitä, kuka on misantroppi tai Filinti, onko Alcestus (Molieren rooli) ei pysähdy tähän päivään saakka. Oli esitys. Missä oli misantroppi Selimena ... Tämä näytelmä on jonkin verran kirjallinen. Mutta näin ei ole.

Pelaa keskimääräistä superpeliä tänään !!

Voltaire kutsui sitä 1700-luvun ikonisimmaksi teokseksi. Lukemalla se on hylättävä järjestelmä. Tärkein positiivinen sankari täällä Harpagon ... hän on curmudgeon, joka ei salli kenenkään elää ja jolta aarre varastettiin. Tässä näytelmässä kaikki hahmot metsästävät rahaa uskottavimpien tekosyyksien alla. He tarvitsevat rahaa vain sen käyttämiseen. Poika lainaa rahaa salaa, koska isä kuolee 6 kuukaudessa. Morsian menee naimisiin Harpagonin kanssa, vaikka hän ei rakasta häntä. Jne

Harpagon on filosofi. Hänelle paljastettiin totuus, että kaikki puhuvat vain moraalista. Yleensä maailma on rakennettu vain rahalle. Ja niin kauan kuin sinulla on rahaa, olet keskellä ja elämä pyörii ympärilläsi. Hän ei kuluta rahaa. Hän säästää rahaa yksinäisyydeltä. Tämä on tarkka psykologinen liike. Maailma on hirvittävä. Tämä on kauhea näytelmä. Hän pelästytti hänen aikalaisiaan. Kokin valmentaja ja kutsukokki Jacques ... Hän vaihtaa vaatteita koko ajan. Ja hän kysyy kenelle puhut nyt? Harpagon säästää palvelijoita.

Ja lopussa hän antaa ansioluettelon: Kun sanot totuuden, he lyövät sinua, kun he valehtelevat, he haluavat ripustaa sinut ...

Tämä on nykymaailma.

Arvioimalla komediaa tyylilajina, Moliere julistaa, että se ei ole vain yhtä suuri kuin tragedia, mutta jopa sitä korkeampi, sillä se "saa rehelliset ihmiset nauramaan" ja "auttaa poistamaan paheet". Komedian tehtävänä on olla yhteiskunnan peili, kuvata aikansa ihmisten puutteita. Komedian taiteellisuuden kriteeri on todellisuuden totuus. Molieren komediat voidaan jakaa kahteen tyyppiin, jotka eroavat toisistaan \u200b\u200btaiteellisen rakenteen, koomisen luonteen, juonittelun ja sisällön suhteen. Ensimmäiseen ryhmään kuuluvat jokapäiväisen elämän komediat, joissa farsinen juoni, yksi- tai kolmiteosinen, kirjoitettu proosana. Heidän sarjakuvansa on tilanteen koominen ("Naurettava söpöläinen", 1659 Aisankannattaja, 1660; "Avioliitto" Vastahakoinen parantaja "). Toinen ryhmä on "korkeat komediat". "Komediakomedian" komedia on hahmokomedia, henkinen komedia ("Tartuffe", "Don Juan", "Misanthrope", "Tutkijat" jne.). Korkea komedia, täyttää klassiset säännöt: viisitoiminen rakenne, runollinen muoto, ajan, paikan ja toiminnan yhtenäisyys. Hän oli ensimmäinen, joka yhdisti menestyksekkäästi keskiaikaisen farsin ja italialaisen komedian perinteet. Siellä oli älykkäitä hahmoja, joilla oli kirkas luonne ("Vaimoiden koulu", "Tartuffe", "Don Juan", "Misanthrope", "Miser", "Scientists"). "Tutkijoita" (tai "Scientists Ladies") pidetään edelleen esimerkkinä klassisesta komedialajista. Kirjoittajan aikalaisille oli villi ilmaista avoimesti naisen älykkyyttä, oveluutta ja oveluutta.

"Don Juan".

Don Juan eli Kiven vieras (1665) kirjoitettiin erittäin nopeasti teatterin asioiden parantamiseksi Tartuffen kieltämisen jälkeen. Moliere kääntyi poikkeuksellisen suosittuun teemaan, joka kehitettiin ensin Espanjassa, libertiinistä, joka ei tunne esteitä nautinnon tavoittelussa. Tirso de Molina kirjoitti ensimmäistä kertaa Don Juanista kansanlähteitä käyttäen, Sevillan aikakirjat Don Juan Tenoriosta, libertiinistä, joka sieppasi komentaja Gonzalo de Ulloan tyttären, tappoi hänet ja häpäisi hautakivensä. Moliere käsitteli tätä tunnettua teemaa täysin omaperäisellä tavalla luopuen päähenkilön kuvan uskonnollisesta ja moraalisesta tulkinnasta. Hänen Don Juan on tavallinen maallinen ihminen, ja hänelle sattuvat tapahtumat määräytyvät hänen luonteensa, jokapäiväisten perinteiden ja sosiaalisten suhteiden perusteella. Don Juan Moliere, jonka palvelijansa Sganarelle on näytelmän alusta alkaen määritellyt "suurimmaksi kaikista roistoista, joita maa on koskaan kantanut, hirviö, koira, paholainen, turkki, harhaoppinen" (I, 1) , on nuori rohkea, leikkipoika, joka ei näe esteitä julman persoonallisuutensa ilmentymiselle: hän elää periaatteen "kaikki on sallittua" mukaan. Don Juania luodessaan Moliere ei tuominnut pilkkaamista yleensä, vaan 1700-luvun ranskalaiselle aristokraatille ominaisen moraalittomuuden; Moliere tunsi tämän ihmisrotu hyvin ja kuvasi siksi sankariaan erittäin luotettavasti.

Kuten kaikki aikansa maalliset dandiat, Don Juan asuu velassa ja lainaa rahaa halveksimastaan \u200b\u200b"mustasta luusta" - porvarilliselta Dimanchelta, jonka hän onnistuu hurmaamaan kohteliaisuudellaan ja lähettää sitten oven maksamatta velkaa. Don Juan vapautti itsensä kaikesta moraalisesta vastuusta. Hän viettelee naisia, tuhoaa muiden perheitä, pyrkii kyynisesti korruptoitamaan kaikki, joiden kanssa hän on tekemisissä: yksimieliset talonpoikien tytöt, joista kukin lupaa mennä naimisiin, kerjäläinen, jonka hän tarjoaa kultasäteeksi jumalanpilkasta Sganarelle, jolle hän asettaa elävä esimerkki velkoja Dimanchen kohtelusta. Isä Don Giovanni Don Luis yrittää päättää poikansa kanssa.

Armo, nokkeluus, rohkeus, kauneus - nämä ovat myös Don Juanin piirteitä, joka osaa viehättää paitsi naisia. Sganarelle, moniarvoinen hahmo (hän \u200b\u200bon sekä yksinkertainen että älykäs), tuomitsee isäntänsä, vaikka hän usein ihailee häntä. Don Juan on fiksu, hän ajattelee laajasti; hän on universaali skeptikko, joka nauraa kaikesta - rakkaudesta, lääkkeistä ja uskonnosta. Don Juan on filosofi, vapaa-ajattelija.

Don Juanille, joka on vakuuttunut naispuolinen nainen, on tärkeintä mielihalu. Koska hän ei halua ajatella häntä odottavista väärinkäytöksistä, hän myöntää: "En voi rakastaa kerran, jokainen uusi esine kiehtoo minua ... Yksi Don Juanin houkuttelevista piirteistä koko näytelmässä on hänen vilpittömyys. Hän ei ole prude, ei yritä kuvata itseään paremmin kuin hän on, ja yleensä hän ei arvosta muiden mielipiteitä. Kerjäläisen (III, 2) kohtauksessa hän on pilkannut häntä sydämensä tyydyttämiseksi ja antaa hänelle kultaa "ei Kristuksen tähden, vaan rakkaudesta ihmiskuntaa kohtaan". Viidennessä näytöksessä tapahtuu kuitenkin silmiinpistävä muutos: Don Juanista tulee tekopyhä. Hyvin kulunut Sganarelle huudahtaa kauhulla: "Mikä mies, mikä mies!" Teeskentely, Don Juanin käyttämä hurskauden naamio, on vain kannattava taktiikka; se antaa hänelle mahdollisuuden päästä pois näennäisesti toivottomista tilanteista; tehdä rauha isänsä kanssa, josta hän on taloudellisesti riippuvainen, välttää turvallisesti kaksintaistelua hylätyn Elviran veljen kanssa. Kuten monet hänen sosiaalisessa piirissään, hän otti vain kunnollisen ihmisen ulkonäön. Hänen omin sanoin tekopyhyydestä on tullut "muodikas etuoikeutettu pahe", joka peittää kaikki synnit, ja muodikkaita paheita pidetään hyveinä. Jatkamalla Tartuffeen esille nostamaa teemaa Moliere näyttää tekopyhyyden yleisen luonteen, joka esiintyy eri luokissa ja jota virallisesti kannustetaan. Ranskan aristokratia on mukana myös siinä.

Luomalla Don Giovanni, Moliere noudatti paitsi vanhaa espanjalaista juontaa, myös tekniikoita, jotka rakensivat espanjalaisen komedian traagisten ja koomisten kohtausten vuorotellen, ajan ja paikan ykseyden hylkäämisen, kielityylin yhtenäisyyden rikkomisen. (tässä hahmojen puhe on yksilöllisempää kuin millään tavalla.) tai toinen Moliere-näytelmä). Päähenkilön luonteen rakenne on myös monimutkaisempi. Silti näistä osittaisista poikkeamista klassismin poetiikan tiukoista kaanoneista huolimatta Don Juan pysyy kokonaisuudessaan klassistisena komediana, jonka päätarkoitus on taistelu ihmisten paheita vastaan, moraalisten ja sosiaalisten ongelmien asettaminen, ihmisten kuvaaminen. yleistetyt, tyypitetyt merkit.

Yhdistämällä ranskalaisten parhaat perinteet. renessanssista perittyjen edistyneiden humanististen ideoiden kansanteatteri, klassismin kokemuksia hyödyntäen, Moliere loi uuden eräänlainen komedia, joka on suunnattu modernisuuteen ja joka paljastaa aatelismielisen porvarillisen yhteiskunnan sosiaaliset epämuodostumat... Näytelmissä, jotka heijastavat "kuten peilissä, koko yhteiskuntaa", M. esitti uudet taiteelliset periaatteet: elämän totuus, hahmojen yksilöllistäminen kirkkaalla hahmotyypillä ja näyttämömuodon säilyttäminen, joka välittää areal-teatterin iloisen elementin.

Hänen komediansa ovat suunnattu tekopyhyyttä, jota peittää hurskaus ja uhkea hyve, vastaan \u200b\u200baristokratian hengellistä tuhoa ja ylimielistä kyynisyyttä. Näiden komedioiden sankarit ovat saaneet valtavan voiman sosiaalisesta tyypittelystä.

M.: n päättäväisyys ja tinkimätön luonne ilmenivät erityisen elävästi ihmisten kansan hahmoissa - aktiivisissa, älykkäissä, iloisissa palvelijoissa ja piireissä, jotka olivat täynnä halveksuntaa joutilaisista aristokraateista ja itsehurskaista porvarista.

Korkean komedian keskeinen piirre oli osa traagista , joka ilmenee selvimmin misantroopissa, jota kutsutaan joskus tragikomediaksi ja jopa tragediaksi.

Moliere-komediat koskettaa monenlaisia \u200b\u200bnyky-elämän ongelmia : isien ja lasten väliset suhteet, kasvatus, avioliitto ja perhe, yhteiskunnan moraalinen tila (tekopyhyys, ahneus, turhamaisuus jne.), luokka, uskonto, kulttuuri, tiede (lääketiede, filosofia) jne.

Menetelmä päähenkilöiden näyttämörakentamisesta ja sosiaalisten kysymysten ilmaisemisesta näytelmässä tulee korostamalla yhtä merkkiominaisuutta, päähenkilön hallitseva intohimo. Näytelmän pääkonflikti on tietysti myös "sidottu" tähän intohimoon.

Moliere-hahmojen pääpiirre - itsenäisyys, aktiivisuus, kyky järjestää onnellisuus ja kohtalo taistelussa vanhojen ja vanhentuneiden kanssa... Jokaisella heistä on omat uskomuksensa, oma näkemysjärjestelmänsä, jota hän puolustaa vastustajansa edessä; vastustajan hahmo on välttämätön klassiselle komedialle, koska siinä tapahtuva toiminta kehittyy kiistojen ja keskustelujen yhteydessä.

Toinen piirre Molieren hahmoista on heidän epäselvyytensä... Monilla heistä ei ole yhtä, mutta useita ominaisuuksia (Don Juan), tai toiminnan aikana niiden hahmot monimutkaistuvat tai muuttuvat (Argonne Tartuffe, Georges Danden).

Mutta kaikki negatiiviset merkit yhdistetään yhdellä - toimenpiteen rikkominen... Mitta on klassisen estetiikan pääperiaate. Molieren komedioissa se on identtinen terveen järjen ja luonnollisuuden (ja siten moraalin) kanssa. Heidän kantajansa ovat usein kansanedustajia (Tartuffeen palvelija, Jourdainin plebeiläinen vaimo porvaristossa aatelistossa). Osoittaen ihmisten epätäydellisyyden Moliere toteuttaa komedialajin pääperiaatteen - naurun kautta yhdenmukaistamaan maailmaa ja ihmissuhteita .

Juonimonia komedioita mutkaton... Mutta tällainen mutkaton juoni helpotti Molieren lakonisia ja totuudenmukaisia \u200b\u200bpsykologisia ominaisuuksia. Uudessa komediassa juoni ei ollut enää seurausta juonin temppuista ja mutkista, vaan "seurasi itse hahmojen käyttäytymisestä, jonka hahmot määrittelivät". Molieren kovassa syyttävässä naurussa oli siviilimassojen suuttumusta.

Moliere oli erittäin suuttunut aristokraattien ja papiston asemaan ja "ensimmäiseen murskaavaan iskuun Molierenezin jalo-porvarilliselle yhteiskunnalle komediaansa" Tartuffe ". Hän osoitti loistavalla voimalla Tartuffeen esimerkillä, että kristillinen moraali antaa ihmiselle mahdollisuuden olla täysin vastuuton tekojensa suhteen. Mies, joka on riistetty omasta tahdostaan \u200b\u200bja jätetty kokonaan Jumalan tahtoon. " Komedia kiellettiin, ja Moliere jatkoi taistelua siitä koko elämänsä ajan.

Don Juanin kuva on tärkeä myös Molieren työssä Boyadzhievin mukaan. "Don Juanin kuvassa Moliere leimasi vihaan tyyppisen liukastuneen ja kyynisen aristokraatin, miehen, joka paitsi tekee julmuutensa rankaisematta, myös ylpeilee siitä, että alkuperänsä aateliston vuoksi hänellä on oikeus sivuuttaa moraalilakeja, jotka sitovat vain yksinkertaisen otsikon ihmisille. "

Moliere oli ainoa 1600-luvun kirjailija, joka edisti porvariston lähentymistä joukkojen kanssa. Hän uskoi, että tämä parantaisi ihmisten elämää ja rajoittaisi papiston laittomuutta ja absolutismia.

1. Filosofiset ja moraalieteettiset näkökohdat J.-B. Molter ("Tartuffe", "Don Juan"). Ohjaavuuden ja viihteen synteesi näytelmäkirjailijan työssä.

Moliere tuo esiin ei viihdyttäviä, vaan kasvatuksellisia ja satiirisia tehtäviä. Hänen komedioilleen on ominaista terävä, ruoskainen satiiri, ristiriidattomuus sosiaalisen pahan kanssa ja samalla kuohuviini terve huumori ja iloisuus.

"Tartuffe" - Molieren ensimmäinen komedia, jossa paljastuvat tietyt realismin piirteet. Yleensä hän, kuten hänen varhaiset näytelmänsä, noudattaa klassisen teoksen keskeisiä sääntöjä ja sävellystekniikoita; Moliere kuitenkin usein poikkeaa niistä (esimerkiksi Tartuffe-ohjelmassa ei noudateta täysin ajan yhtenäisyyden sääntöä - juoni sisältää esihistoriaa Orgonin ja pyhän tuttavuudesta).

Tartuffessa Moliere tuomitsee päähenkilön esittämän petoksen sekä Orgonin ja rouva Pernelin edustaman tyhmyyden ja moraalisen tietämättömyyden. Vilpillisesti Tartuffe väistelee Orgonia, ja jälkimmäinen putoaa syöttiä tyhmyytensä ja naiivin luonteensa vuoksi. Juuri ristiriita ilmeisen ja näennäisen, maskin ja kasvojen välillä on näytelmän koomiksen päälähde, koska sen ansiosta petos ja yksinkertaisuus saavat katsojan nauramaan sydämellisesti.

Ensimmäinen - koska hän yritti epäonnistuneesti yrittää siirtää itsensä täysin erilaisena, täysin vastakkaisena persoonallisuutena ja valitsi jopa täysin spesifisen, ulkomaalaisen ominaisuuden - mikä voi olla vaikeampi zhuirille ja libertinille pelata askeettia, innokas ja siveä pyhiinvaeltaja. Toinen on naurettavaa, koska hän ei ehdottomasti näe asioita, jotka kiinnittäisivät normaalia ihmistä, hän ihailee ja ilahduttaa sitä, mikä saa aikaan ellei homerista naurua, sitten joka tapauksessa suuttumusta. Orgonessa Moliere korosti ennen muuta hahmoa köyhyyden, mielen kapea-alaisuuden, kapean mielentunnon, jota vieti tiukan mystiikan loisto, ääri-moraalin ja filosofian päihtyessä. Mikä on täydellinen irtautuminen maailmasta ja kaikkien maallisten nautintojen halveksiminen.

Naamion käyttäminen on Tartuffeen sielun ominaisuus. Tekopyhyys ei ole hänen ainoa varapuheenjohtaja, mutta se tuodaan esiin, ja muut negatiiviset piirteet vahvistavat ja korostavat tätä ominaisuutta. Moliere onnistui syntetisoimaan todellisen tekopyhyyden tiivisteen, joka tiivistyi voimakkaasti melkein absoluuttisesti. Todellisuudessa tämä olisi mahdotonta.

Moliere omistaa ansaitusti "korkean komedian" tyylilajin - komedian, joka väittää paitsi huvittavansa ja pilkkaavansa myös ilmaisemaan korkeita moraalisia ja ideologisia pyrkimyksiään, luovan laakerin.

Konflikteissa uuden tyyppiset komediat näkyvät selvästi todellisuuden tärkeimmät ristiriidat... Nyt sankareita ei näytetä vain ulkoisessa, objektiivisesti koomisessa olemuksessaan, vaan subjektiivisilla kokemuksilla, joilla on joskus todella dramaattinen luonne heille. Tämä tunteiden draama antaa uuden komedian negatiivisille sankareille elintärkeän totuudenmukaisuuden, mikä saa satiirisen irtisanomisen erityisen voimaksi.

Korostetaan yksi luonteenpiirre... Kaikki Molieren "kultaiset" komediat - "Tartuffe" (1664), "Don Juan" (1665), "Misanthrope" (1666), "Miser" (1668), "Kuvitteellinen sairas" (1673) - perustuvat tätä menetelmää. On huomionarvoista, että edes luetellut näytelmien nimet ovat joko päähenkilöiden tai hallitsevien intohimojen nimet.

Katsojan (lukijan) ei toiminnan alusta alkaen ole epäilyksiä Tartuffeen persoonasta: karkea ja huijaus. Nämä eivät ole erillisiä syntejä, jotka ovat luonteenomaisia \u200b\u200btavalla tai toisella meille jokaiselle, vaan päähenkilön sielun luonnetta. Tartuffe ilmestyy lavalle vasta kolmannessa näytöksessä, mutta sillä hetkellä kaikki tietävät jo kuka ilmestyy, kuka on syyllinen sähköistettyyn tilanteeseen, jonka näytelmäkirjailija taitavasti kirjoittaa kahdessa edellisessä näytöksessä.

Joten ennen Tartuffen vapauttamista on vielä kaksi täyttä tekoa, ja Orgon-perheen konflikti on jo raivoissaan täydellä voimalla. Kaikki ristiriidat - omistajan sukulaisten ja hänen äitinsä, hänen kanssaan henkilökohtaisesti ja lopulta Tartuffeen itsensä kanssa - syntyvät jälkimmäisen tekopyhyydestä. Voimme sanoa, ettei edes Tartuffe itse ole komedian päähenkilö, vaan hänen varahenkilönsä. Ja se on vika, joka vie kantajansa romahdukseen, eikä lainkaan rehellisempien toimijoiden yrityksiä tuoda pettäjä puhtaaseen veteen.

Molieren näytelmät ovat näytelmiä-diagnooseja, jotka hän asettaa ihmisten intohimoihin ja paheisiin. Ja kuten edellä todettiin, juuri näistä intohimoista tulee hänen teostensa päähenkilöitä. Jos "Tartuffe" -sivustossa tämä on tekopyhyyttä, niin sisään Don Juan tällainen hallitseva intohimo on epäilemättä ylpeys. Nähdä hänessä vain himokas mies, joka ei tiedä pidättyvyyttä, on alkeellisuutta. Himo itsessään ei kykene johtamaan taivasta vastaan \u200b\u200bkapinaan, jonka näemme Don Juanissa.
Moliere pystyi näkemään nykyaikaisessa yhteiskunnassa todellisen voiman, joka vastustaa Tartufen kaksinaisuutta ja Don Juanin kyynisyyttä. Tästä voimasta tulee protestoiva Alcestus, Molieren kolmannen suuren komedian, The Misanthrope, sankari, jossa koomikko ilmaisi kansalaisideologiansa suurimmalla intohimolla ja täydellisyydellä. Alcestin kuva, joka on moraalisissa ominaisuuksissaan suoraan vastakohta Tartuffeen ja Don Juanin kuville, on täysin samanlainen kuin toiminnallinen rooli näytelmässä, joka kantaa juoni-moottorin kuormaa. Kaikki konfliktit käyvät ilmi Alcestan persoonasta (ja osittain hänen "naisversiosta" - Selimenestä), hän vastustaa "ympäristöä" samalla tavalla kuin Tartuffe ja Don Juan.

Kuten jo mainittiin, päähenkilön hallitseva intohimo on pääsääntöisesti syy komedian irtisanomiselle (ei ole väliä onko se onnellinen vai päinvastoin).

19. Saksalainen valaistumisen teatteri. G.-E. Lessing ja teatteri. F.L. Schroeder.

Saksalaisen teatterin pääedustaja on Gotthold LESSING - hän on saksalaisen teatterin teoreetikko, sosiaalisen draaman luoja, kansallisen komedian ja koulutustragedian kirjoittaja. Hän toteuttaa humanistiset vakaumuksensa taistelussa absolutismia vastaan \u200b\u200bhampurilaisen teatterin (koulurealismin koulun) tetraalisella lavalla.

vuonna 1777 Mongheimin kansallisteatteri avataan Saksassa. Tärkein rooli hänen työstään oli näyttelijä-ohjaaja-näytelmäkirjailija-Iffland. Magheim-teatterin näyttelijät erottautuivat virtuoositekniikastaan, joka välitti tarkasti sankarien luonteenpiirteet, ohjaaja kiinnitti huomiota toissijaisiin yksityiskohtiin, mutta ei näytelmän ideologiseen sisältöön.

Weimor-teatteri on kuuluisa sellaisten näytelmäkirjailijoiden kuin Goethe ja Schiller teoksista. Oli sellaisten näytelmäkirjailijoiden tuotantoja: Goethe, Shilir, Lesinga ja Walther. Ohjaustaiteen perusta asetettiin. perustettiin realistinen peli. Ansamblin periaate.

20. italialainen valaistumisen teatteri: K.Goldoni. K. Gozzi.

Italialainen teatteri: Seuraavat teatteriesitykset olivat suosittuja teatterissa: komedia delart, oopperaharrastaja, vakava ooppera, nukketeatteri. Koulutusideat italialaisessa teatterissa toteutettiin kahden näytelmäkirjailijan teoksissa.

Galdonille se on ominaista: dellartin tragedian naamioiden hylkääminen sankarien paljastamisen luonteen muodostumisen hyväksi, yritys luopua improvisaatiosta näytelmässä, näytelmän kirjoittaminen sellaisenaan, teoksessa esiintyy 1700-luvun ihmisiä.

Teatterin näytelmäkirjailija Gozzi puolusti naamioita, minkä vuoksi hänen tärkeimpänä tehtävänään oli jatkaa improvisaatiota. (kuningaspeura, prinsessa turandot). Kehittää teatraalisten satujen tyylilajia.

22. Kansallisen teatteriperinteen syntyminen 1600-luvun kulttuurin yhteydessä.

1700-luvun venäläisen teatterin piirteet.

Teatteri ilmestyy Aleksei Mihailovitšin hoviin. Ensimmäisen esityksen ilmestyessä Moskovassa ei ole tarkkoja tietoja. Uskotaan, että petollisten tunkeutumisen jälkeen suurlähetystötaloihin voitaisiin järjestää eurooppalaisia \u200b\u200bkomedioita. Britannian suurlähettilään - Pokrovkan suurlähetystön - mukaan vuodelta 1664 on viitteitä. Toinen versio on, että näytelmät voisivat lavoittaa poikarit prozapodniki. Atamon Medvedev pystyi näyttämään teatteriesityksiä talossaan vuonna 1672.

Virallisesti teatteri esiintyy venäläisessä kulttuurissa kahden ihmisen ponnistelujen ansiosta. Alexey Mikhailovich, toinen henkilö on Johann Gottward Gregory.

Ensimmäiset esitykset liittyivät mytologisiin ja uskonnollisiin tontteihin, näiden esitysten kieli erottui kirjallisuudesta ja raskaasta kädestä (toisin kuin kansanmusiikki, skomorokhssilaiset) aluksi näytelmät näytettiin saksaksi, sitten venäjäksi. Ensimmäiset esitykset olivat erittäin pitkiä ja kesti jopa 10 tuntia.

Teatterin perinne katosi Alexei Mikhailovichin kuoleman myötä ja syntyi uudestaan \u200b\u200bPeter 1: n kanssa.

23. Teatterin rooli Pietarin uudistusten järjestelmässä ja venäläisen kulttuurin sekularisoitumisprosessin yhteydessä.

Venäläinen teatteri 1700-luvun aikakaudella. Teatteriperinteen uusiminen 1700-luvulla tapahtui Pietarin uudistusten vaikutuksesta. Vuonna 1702 Peter loi JULKISEN teatterin. Alun perin oli tarkoitus, että tämä teatteri ilmestyy Punaiselle torille. Teatterille annettiin nimi "KOMEDIARY KEEPER". Ohjelmiston muodosti KUNSOM.

Peter halusi tehdä teatterista paikan, josta tulisi tärkein foorumi hänen poliittisten ja sotilaallisten uudistustensa selittämiselle. Teatterin oli tarkoitus suorittaa ideologinen tehtävä, mutta lavalla näytettiin enimmäkseen saksalaisen draaman teoksia, jotka eivät menestyneet yleisön keskuudessa. Peter vaati, että esitykset kestävät enintään kolme näytöstä, jotta ne eivät sisällä rakkaussuhdetta, jotta nämä näytelmät eivät ole liian hauskoja eivätkä liian surullisia. Hän toivoi näytelmien olevan venäjäksi ja tarjosi siksi palvelua puolalaisille näyttelijöille.

Peter piti teatteria keinona kouluttaa yhteiskuntaa. Ja siksi hän toivoi, että teatterista tulisi foorumi niin kutsuttujen "voittokomedioiden" toteuttamiselle, jotka on omistettu sotilaallisille voitoille. Hänen projektinsa eivät kuitenkaan onnistuneet, eikä saksalaiset ryhmät hyväksyneet niitä. Tämän seurauksena näyttelijät soittivat mitä he voisivat pelata, pääasiassa saksalaiset näyttelijät, mutta myöhemmin venäläiset näyttelijät alkoivat esiintyä, heille alettiin opettaa näyttelemisen perusteet, mikä mahdollisti lavastusten tekemisen venäjäksi.

Myös yleisö ei hyväksynyt Peterin aloitteita, teatterin käyttöaste oli hyvin alhainen.

Syyt teatterin epäsuosioon liittyvät ulkomaiseen ryhmään, ulkomaiseen draamaan, eristyneisyyteen jokapäiväisestä elämästä, arjesta, näytelmät eivät olleet kovin dynaamisia, hyvin retorisia, korkea retoriikka saattoi esiintyä rinnakkain karkean huumorin kanssa. Vaikka teatteri käännettiin venäjäksi, tämä kieli ei ollut elossa, koska saksan sanastosta oli paljon vanhoja slaavilaisia \u200b\u200bsanoja. Yleisö koki myös näyttelijöiden pelin huonosti, koska mimikrit ja tavat olivat myös huonosti sovitettuja Venäjän elämään.

1706 - komediakromi on suljettu, näyttelijät hajotetaan, huolimatta kaikista Kunstin seuraaja Furstista. Kaikki sarjat ja puvut siirrettiin Pietarin sisar NAtel'ya Alekseevnan teatteriin. Vuonna 1708 he yrittivät purkaa Khraminin, se purettiin vuoteen 35 asti.

Khramiinien lisäksi rakennetaan seuraavat: Bojaar Miloslavskyn huvittava palatsi - Pereobrazhenskin kylässä avattiin puinen teatteri. Teatteri Lefortin talossa.

Toisin kuin Aleksei Mikhailovitšin teatterissa, joka oli luonteeltaan eliittisempi, Pietari Suuren aikana teatteri oli helpommin saavutettavissa ja yleisö muodostui kaupunkilaisten keskuudesta.

Pietari 1: n kuoleman jälkeen teatteri ei kuitenkaan kehittynyt.

24. Teatteri Venäjän kulttuurielämän yhteydessä XVIII-XIX-luvuilla. Serf-teatteri venäläisen kulttuurin ilmiönä.

Teatteri keisarinna ANNA IUANOVNAn johdolla, koska Katarina Ensimmäinen ja Pietari II olivat välinpitämättömiä teatteritaiteelle, lavastivat harvoin teatterikohtauksia tuomioistuimessa. Teologisissa oppilaitoksissa oli kouluteatteri.

Anna Ionovna rakasti kierrosta ja esityksiä, esitykset olivat luonteeltaan koomisia. Anna oli hyvin kiinnostunut saksalaisista komedioista, joissa näyttelijöiden on lopulta voitettava toisiaan. Saksalaisten ryhmien lisäksi Venäjälle saapuu tällä hetkellä italialaisen oopperan ryhmiä. Hänen hallituskautensa aikana palatsiin rakennettiin pysyvän teatterin rakentamista. Yleisö on tällä hetkellä Pietarin aatelisto.

Teatteri Elizabeth Petrovnan aikana. Ulkomaisten ryhmien ohella teatteriesityksiä annetaan Gentry Cadet Corpsissa. Täällä vuonna 1749 sumorokov "KHOREF" -tragedia järjestetään ensimmäisen kerran, koodetikorpukset kouluttivat venäläisten aatelisten eliittiä, vieraita kieliä, kirjallisuutta tutkittiin täällä, tansseja valmisteltiin tulevaa diplomaattista palvelua varten. Opiskelijoille luotiin ympyrä kirjallisuuden ystäviä Sumorokovin johdolla. Teatterista tuli osa tämän piirin työtä. Teatteriesityksiä pidettiin osana koulutusohjelmaa ja pidettiin eräänlaisena viihteenä. Tässä jalossa joukossa ei tutkittu vain aatelisten lapsia, vaan myös ihmisiä muista yhteiskuntakerroksista. Tässä laitoksessa valtio hoitaa tehtävän maksaa lahjakkaiden ihmisten koulutus.

Pääkaupunkien lisäksi 40-luvun lopulla ja 50-luvun alussa viihdekeskukset alkavat keskittyä maakuntien kaupunkeihin, tämän ilmiön syyt liittyvät siihen, että tänä aikana kauppiaat alkoivat on taloudellinen riippumattomuus. Kauppiaat tutustuvat Länsi-Euroopan kulttuurin saavutuksiin. Olla yksin. Venäjän yhteiskunnan liikkuvimmista kerroksista. Venäjän kauppakaupungit ovat rikastuneet, mikä on tärkeä edellytys teatteriliiketoiminnan järjestämiselle. Jaroslavlin maakunnasta on tulossa tällaisen teatraalisuuden perusta. Jaroslavlissa avataan Fjodor Volkovin johdolla paikallinen harrastajateatteri, joka myöhemmin kuljetetaan Pietariin vuonna 1752, ja tästä tulee ehto venäläisen teatterin perustamista koskevan päätöksen antamiselle. Pietarissa, johon osallistuu näyttelijöinä Jaroslavlin joukko. Asetus ilmestyy vuonna 1756.

Katariinan teatteri 2. teatterin katsottiin olevan välttämätön edellytys ihmisten koulutukselle ja valaistumiselle, tuomioistuinryhmiä on kolme: italialainen ruumis, balettiryhmä ja venäläinen draamaryhmä.

Ensimmäistä kertaa maksullisten esitysten teatterit alkavat. Hän toteuttaa useita uudistuksia, jotka liittyvät vapaaehtoiseen yritystoimintaan viihdettä varten.

Vuonna 1757 - Moskovassa avattiin italialainen ooppera, vuonna 1758 - keisarillinen teatteri. Esitykset antoi Bolkonsky.

Serfiteatterit.

Serffiteatterit ovat ainutlaatuinen ilmiö maailmakulttuurin historiassa, niitä kehitetään erityisen kehityksessä 1700-luvun vaihteessa, syyt tämän ilmiön muodostumiseen johtuvat siitä, että rikkaat aateliset alkoivat muodostaa elämänsä vilkaisun keisarilliseen hoviin, jolla oli eurooppalainen koulutus, aateliset alkoivat kerätä teatteriryhmiä vieraiden viihdyttämiseksi omien orjiensa joukosta, koska ulkomaiset ryhmät olivat kalliita. Moskovasta, Yaroslavlista tuli orjateatterin kaasuntuotannon keskukset, tunnetuimpia olivat Muromskyn ja Sheremetjevin ruumiit. Galitsins.

Maateatteri kehittyi synteettisenä, musiikillisesti dramaattisena esityksenä ooppera- ja balettilisäyksillä. Tällaiset esitykset vaativat näyttelijöiden erityiskoulutusta, opetettiin kieliä, tapoja, koreografiaa, sanaa ja näyttelijöitä. Maatorteatterin tunnetuimpien näyttelijöiden joukossa: Zhemchugova, Šilokova-Granatova, Izumrudova.

Niin sanottu sokeriruokojärjestelmä pantiin erittäin vakavasti, tämä oli erityisen ominaista seurueille, joissa esiintyi usein balettiesityksiä.

Maatyteatteri stimuloi venäläisen draaman syntymistä. Maateatterissa stenografinen taide oli erittäin kehittynyt.

Länsi-Euroopan teatterikäytännöllä (draama, länsimaalaiset opettajat) oli erittäin vakava vaikutus maaorja-teatteriin, kun taas kansallismielisten piirteiden muodostuminen maaorja-teatterissa tekee tästä ilmiöstä erittäin tärkeän Länsi-Euroopan teatterin kannalta.

26. Länsi-Euroopan teatterin uudistus XIX-XX vuosisadan vaihteessa. Uusi draama-ilmiö.

1900-luvun vaihteessa Länsi-Euroopan kirjallisuuden historiassa leimasi dramaattinen taide. Nykyaikaiset kutsuivat tämän ajan draamaa "uudeksi draamaksi" korostaen siinä tapahtuneiden muutosten radikaalia luonnetta.

"Uusi draama" syntyi tiedekultin ilmapiirissä, joka johtui luonnontieteiden, filosofian ja psykologian epätavallisen nopeasta kehityksestä, ja löytäessään uusia elämänalueita, absorboi kaikkivaltiaan ja kaikkea läpäisevän tieteellisen analyysin hengen. Hän havaitsi monia erilaisia \u200b\u200btaiteellisia ilmiöitä, vaikutti erilaisiin ideologisiin ja tyylisiin suuntauksiin ja kirjallisuuskouluihin naturalismista symboliikkaan. Uusi draama ilmestyi hyvin tehtyjen, mutta kaukana elämästä, näytelmien aikana ja yritti alusta alkaen kiinnittää huomiota sen palavimpiin, polttavimpiin ongelmiin. Uuden draaman alussa olivat Ibsen, Björnson, Strindberg, Zola, Hauptmann, Shaw, Hamsun, Maeterlink ja muut merkittävät kirjailijat, joista kukin antoi ainutlaatuisen panoksen sen kehitykseen. Historiallisesta ja kirjallisesta näkökulmasta "uusi draama", joka toimi 1800-luvun draaman radikaalia uudelleenjärjestelyä, merkitsi 1900-luvun draaman alkua.

"Uuden draaman" edustajat vetoavat tärkeitä sosiaalisia, sosiaalisia ja filosofisia ongelmia ; he kestävät aksentti ulkoisesta toiminnasta ja tapahtumadraamasta vahvistaa psykologiaa, luoda tekstitekstiä ja epäselvää symboliikkaa .

Eric Bentleyn mukaan "Ibsenin ja Tšekovin sankareilla on yksi tärkeä piirre: heillä kaikilla on itsessään ja ikään kuin levitä ympärilleen. tuomion tunne, laajempi kuin henkilökohtaisen kohtalon tunne. Koska draamojen leima leimaillaan merkitsee koko kulttuurirakennetta, molemmat toimivat sosiaalisina näytelmäkirjailijoina käsitteen laajimmassa merkityksessä. Niiden johdettu hahmot ovat tyypillisiä yhteiskunnalleen ja aikakaudelleen". Mutta silti keskustaan heidän teoksensa Tšekhov, Ibsen, Strindberg eivät asettaneet katastrofaalista tapahtumaa vaan ulospäin tapahtumaton arki huomaamattomien vaatimustensa kanssa, ominaisen pysyvien ja peruuttamattomien muutosten kanssa Tämä taipumus ilmaistiin erityisen selvästi Tšekhovin draamassa, jossa renessanssin draaman perustaman dramaattisen toiminnan kehityksen sijasta on tasainen kerronnallinen elämänvirta, ilman ylä- ja alamäkiä, ilman varmaa alkua ja loppua. Jopa sankarien kuolema tai kuolemanyritys ei ole välttämätöntä dramaattisen konfliktin ratkaisemiseksi, koska "uuden draaman" pääsisältö ei tule ulkoinen toiminta, vaan eräänlainen "lyyrinen juoni", sankarien sielujen liike, ei tapahtuma, mutta oleminen , ei ihmisten suhdetta toisiinsa, mutta heidän suhde todellisuuteen, maailmaan.
Ulkoinen konflikti "uudessa draamassa" luonnostaan \u200b\u200bliukenematon ... Hänen paljastama jokapäiväisen olemassaolon tragedia ei ole niinkään draaman liikkeellepaneva voima kuin paljastuvan toiminnan tausta, joka määrää teoksen traagisen paatoksen. Aito sauva dramaattinen toiminnot tulee sisäinen konflikti ... Se voi olla myös liukenematon näytelmässä ulkoisten olosuhteiden vuoksi, jotka alistavat ihmisen kuolemaansa itselleen. Siksi sankari, joka ei löydä tukea nykyhetkestä, etsii moraalisia ohjeita poikkeuksetta kauniissa menneisyydessä tai määrittelemättömässä valoisassa tulevaisuudessa. Vasta sitten hän tuntee jonkinlaisen hengellisen täyttymyksen, saa mielenrauhan.

Yhteinen "uudelle draamalle" sitä voitaisiin harkita symboli käsite , jonka avulla taiteilija pyrki täydentämään kuvattua, paljastamaan ilmiöiden näkymättömän merkityksen ja ikään kuin jatkamaan todellisuutta vihjeillä sen syvälle merkitykselle. "Pyrkimyksessä sijoittaa symboli konkreettisen kuvan tilalle epäilemättä reaktio naturalistista maanläheisyyttä, tosiasiaa vastaan \u200b\u200bon vaikuttanut." Ymmärretty sanan laajimmassa merkityksessä, useimmiten symboli toimi kuvana , yhdistää kaksi maailmaa : yksityinen, jokapäiväinen, yksilöllinen ja universaali, kosminen, ikuinen. Symboli tulee "todellisuuden koodiksi", jota tarvitaan "idean visualisointiin".

"Uudessa draamassa" ajatus tekijän läsnäolosta näytelmän tekstissä on muuttumassa ja sen seurauksena hänen näyttämöesityksessään. Aihe-objekti-organisaatiosta tulee kulmakivi. Nämä muutokset tulivat ilmaisuksi huomautusten järjestelmässä, jolla ei enää ole pelkästään palveluroolia, mutta joita kehotetaan ilmaisemaan draaman mieliala, tunne, nimeämään draaman lyyrinen johtoaine, sen emotionaalinen tausta, yhdistämään draaman luonne ja olosuhteet. hahmojen elämäkerta, ja joskus itse kirjoittaja. Ne eivät ole osoitettu niinkään ohjaajalle kuin katsojalle ja lukijalle. Ne voivat sisältää kirjoittajan arvion siitä, mitä tapahtuu.

On tapahtumassa muuttaa "uudessa draamassa" ja dramaattisen vuoropuhelun rakenteessa ... Sankarien jäljennökset menettävät yleisen ominaisuutensa olla sanatoiminta, kasvavat lyyrisiksi monologeiksi, jotka julistavat sankareiden näkemyksiä, kertovat menneisyydestään ja paljastavat tulevaisuuden toiveita. Tällöin sankareiden yksilöllisen puheen käsite muuttuu ehdolliseksi. Näyttelijärooli ei määrää niinkään hahmojen henkilökohtaisia \u200b\u200bominaisuuksia, sosio-psykologisia tai emotionaalisia eroja, vaan universaalisuuden, heidän asemansa tasa-arvon, mielentilan. "Uuden draaman" sankarit pyrkivät kaatamaan ajatuksensa ja tunteensa moniin monologeihin.
Juuri "uuden draaman" "psykologian" käsite saa perinteisen käsitteen. Tämä ei kuitenkaan tarkoita sitä, että hahmot suljetaan taiteilijoiden eturyhmästä tähän suuntaan. "Hahmo ja toiminta Ibsenin näytelmissä ovat niin hyvin sovitettuja, että kysymys toisen tai toisen prioriteetista menettää kaiken merkityksen. Ibsenin näytelmien sankareilla ei ole vain luonnetta, vaan myös kohtalo. Luonne ei ole koskaan ollut itsessään kohtalo. Sana "kohtalo" on aina tarkoittanut ihmisiin kohdistuvaa ulkoista voimaa, joka laski heidän päällensä, "voimaa, joka elää ulkopuolella, elää oikeutta" tai päinvastoin epäoikeudenmukaisuutta.

Tšekhov ja Ibsen kehittivät " uusi hahmojen kuvaustapa jota voidaan kutsua " elämäkerrallinen ". Nyt hahmo hankkii elämäntarinan, ja jos näytelmäkirjailija ei pysty esittämään sitä yhdessä monologissa, hän antaa tietoja hahmon menneestä elämästä pala palalta täällä ja siellä, jotta lukija tai katsoja voi myöhemmin koota ne yhteen. Tämä" "sankarien" elämäkerta yhdessä näyttelijöiden johdannon kanssa - romaanin vaikutuksen alaisena - tilavien realististen yksityiskohtien kanssa on ilmeisesti "uuden draaman" erikoisin piirre hahmojen luomisessa.

"Uuden draaman" tärkein suuntaus on sen pyrkimys luotettavaan kuvaan, todenmukaiseen esitykseen sisämaailmasta, hahmojen elämän ja ympäristön sosiaalisista ja jokapäiväisistä piirteistä. Toiminnan paikan ja ajan tarkka väri on sen ominaispiirre ja tärkeä edellytys vaiheiden toteuttamiselle.

"Uusi draama" kannusti avaamista uudet esittävän taiteen periaatteet perustuu todenmukaisen, taiteellisesti tarkan toistamisen vaatimukseen siitä, mitä tapahtuu. "Uuden draaman" ja sen näyttämöteatterin estetiikan ansiosta neljäs seinäkonsepti "Kun näyttelijä näyttämöllä, ikään kuin ottamatta huomioon katsojan läsnäoloa, K.S. Stanislavsky, "on lopetettava näytteleminen ja aloitettava elämä näytelmän elämästä, siitä tulee sen päähenkilö", ja yleisö puolestaan \u200b\u200buskoo tähän uskottavuuden illuusioon ja innokkaasti tarkkailee näytelmän hahmojen elämää, joka heille on helposti tunnistettavissa. .

"Uusi draama" on kehittynyt sosiaalisen, psykologisen ja henkisen "ideoiden draaman" tyylilajit , joka osoittautui erittäin tuottavaksi 1900-luvun draamassa. Ilman "uutta draamaa" on mahdotonta kuvitella joko ekspressionistisen tai eksistencialistisen draaman, Brechtin eeppisen teatterin tai ranskalaisen "antidraman" syntymistä. Ja vaikka yli sata vuotta on erottanut meidät uuden draaman syntymähetkestä, se ei ole vielä menettänyt merkitystään, erityistä syvyyttään, taiteellista uutuuttaan ja tuoreuttaan.

27. Venäläisen teatterin uudistus XIX-XX vuosisadan vaihteessa.

Vuosisadan alussa venäläinen teatteri oli uudistumassa.

Maan teatterielämän tärkein tapahtuma oli moskovan taideteatterin avajaiset (1898), perustaja C.S. Stanislavsky ja V.N. Nemirovich-Danchenko. Moskovan taide teatteri toteutti uudistuksen, joka kattoi kaikki teatterielämän näkökohdat - teatterielämän ohjelmisto, ohjaus, näytteleminen, organisointi; täällä luotiin ensimmäistä kertaa historiassa luovan prosessin metodologia. Ryhmän ytimen muodostivat Moskovan filharmonisen yhdistyksen musikaali- ja draamakoulun draamaosaston (OL Knipper, IM Moskvin, VE Meyerhold) draamaosaston oppilaat, jossa VINemirovich-Danchenko opetti näyttelemistä, ja harrastajaesitysten osallistujat johtivat KS Stanislavsky "Taiteen ja kirjallisuuden yhdistys" (MP Lilina, MF Andreeva, VV Luzhsky, AR Artyom). Myöhemmin V.I.Kachalov ja L.M.Leonidov liittyivät ryhmään.

Ensimmäinen esitys Moskovan taideteatterista tuli Tsaari Fjodor Ioannovich "A. K. Tolstoin näytelmän perusteella; Uuden teatterin todellinen syntymä liittyy kuitenkin A.P. Tšekhovin ja M.Gorkyn draamaan. Tšekhovin lyriikan, lempeän huumorin, kaipauksen ja toivon hienovarainen ilmapiiri löytyi esityksistä Lokki (1898), Vanya-setä (1899), Kolme sisarta (1901), Kirsikkapuutarha ja Ivanov (molemmat vuonna 1904). Ymmärtäneet elämän ja runouden totuuden, Tšehhovin draaman innovatiivinen olemus Stanislavsky ja Nemirovich-Danchenko löysivät erityisen tavan toteuttaa sen, löysivät uusia menetelmiä modernin ihmisen hengellisen maailman paljastamiseksi. Vuonna 1902 Stanislavsky ja Nemirovich-Danchenko esittivät M. Gorkyn näytelmät "Porvaristo" ja "Alareunassa", jotka olivat läpäisseet lähestyvien vallankumouksellisten tapahtumien ennakoinnin. Tšekhovin ja Gorkin teoksia koskevassa työssä uuden tyyppinen näyttelijä , välittäen hienovaraisesti sankarin psykologian ominaisuudet, ohjauksen periaatteet muodostettiin , etsivät näyttelijöitä, luomalla mieliala, yleinen toimintailmapiiri, koristeellinen ratkaisu (taiteilija V.A.Simov), jokapäiväisiin sanoihin piilotetun ns. tekstin välittämiseen on kehitetty keinot (sisäinen sisältö). Ensimmäistä kertaa maailman näyttämötaiteessa Moskovan taideteatteri nosti esiin ohjaajan arvo - näytelmän luova ja ideologinen tulkki.

Vuosien 1905–07 vallankumouksen kukistamisen ja erilaisten dekadenttisten suuntausten leviämisen aikana Moskovan taideteatteria kantoivat hetkeksi etsinnät symbolisteatterin alalta (Andreev ja "Miehen elämä" ja " Elämän draama ", Hamsun, 1907). Sen jälkeen teatteri siirtyi klassiseen ohjelmistoon, joka oli kuitenkin lavastettu innovatiivisella ohjaustavalla: Gribojedovin "Voi witistä" (1906), Gogolin "Tarkastaja" (1908), Kuukausi maassa " Turgenev (1909), "Kaikille viisaille, tarpeeksi yksinkertaisuudesta" Ostrovsky (1910), Veljekset Karamazovit Dostojevskin jälkeen (1910), Shakespearen Hamlet, Tahattomasti avioliitto ja Molieren kuvitteellinen potilas (molemmat vuonna 1913).

28. A.P. Tšekhovin draaman innovaatio ja sen maailmanlaajuinen merkitys.

Tšekhovin draamat läpäisevät yleisten ongelmien ilmapiiri ... Heissä ei onnellisia ihmisiä ... Heidän sankareillaan ei yleensä onnistu joko suurissa tai pienissä: he kaikki osoittautuvat häviäjiksi tavalla tai toisella. Esimerkiksi Lokissa on viisi tarinaa epäonnistuneesta rakkaudesta; Kirsikkapuutarhassa Epikhodov onnettomuuksineen on persoonallisuus yleiseen elämän hankaluuteen, josta kaikki sankarit kärsivät.

Yleinen sairaus pahenee ja pahenee tunne täydellisestä yksinäisyydestä ... Kirsikkapuutarhan kuurot ovat tässä mielessä symbolinen hahmo. Ensimmäisen kerran yleisön edessä vanhana värisenä ja korkealla hatulla hän kävelee lavan yli, kertoo itselleen jotain, mutta yhtään sanaa ei voida laatia. Lyubov Andreevna sanoo hänelle: "Olen niin iloinen, että olet vielä elossa", ja Firs vastaa: "Yli eilen." Pohjimmiltaan tämä vuoropuhelu on raaka malli Tšekhovin draaman kaikkien hahmojen välillä. "Kirsikkapuutarhassa" Dunyasha jakaa Pariisista saapuneen Anyan kanssa iloisen tapahtuman: "Pyhän jälkeen kirjuri Epikhodov teki minulle tarjouksen", Anya vastasi: "Hävitin kaikki nastat." Tšekhovin draamat hallitsevat erityinen kuurouden ilmapiiri - psykologinen kuurous ... Ihmiset ovat liian syventyneet itseensä, omiin asioihinsa, omiin ongelmiinsa ja epäonnistumisiinsa, ja siksi he eivät kuule toisiaan hyvin. Niiden välinen kommunikaatio tuskin muuttuu vuoropuheluksi. Yhteisen edun ja hyvän tahdon välityksellä he eivät pääse toisiinsa millään tavalla, koska he "puhuvat enemmän itselleen ja itselleen".

Tšekhovilla on erityinen tunne elämän draama ... Hänen näytelmissään oleva paha on ikään kuin murskattu, tunkeutuu jokapäiväiseen elämään, liukenee jokapäiväiseen elämään. Siksi Tšekhovin on hyvin vaikea löytää selkeä syyllinen, erityinen ihmisen epäonnistumisen lähde. Hänen näytelmissään ei ole suoraa ja suoraa julkisen pahuuden kantajaa. ... On tunne, että oudossa suhteessa ihmisten välillä jossakin määrin on syyllinen kukin hahmo erikseen ja kaikki yhdessä ... Tämä tarkoittaa sitä, että paha on piilossa yhteiskunnan elämän perustoissa, sen koostumuksessa. Elämä sellaisissa muodoissa kuin se on nyt, ikäänkuin purkaa itsensä ja heittää tuomion ja alemmuuden varjon kaikille ihmisille. Siksi Tšekhovin näytelmissä mykistetään konfliktit, poissa klassisessa draamassa sankarien selkeä jakaminen positiivisiksi ja negatiivisiksi .

"Uuden draaman" poetiikan piirteet. Ensinnäkin Tšekhov tuhoaa "end-to-end-toiminnan" , avaintapahtuma, joka järjestää klassisen draaman juoniyksikön. Draama ei kuitenkaan hajoa samanaikaisesti, vaan se kootaan toisen sisäisen yhtenäisyyden perusteella. Sankarien kohtalot, kaikilla erimielisyyksillään, kaikella juoni-itsenäisyydellään, "riimillä", kaikuvat toisiaan ja sulautuvat yhteiseen "orkesterisoundiin". Monista erilaisista, rinnakkain kehittyvistä elämistä, eri sankareiden monista äänistä kasvaa yksi "kuoron kohtalo", muodostuu yleinen mieliala. Siksi he puhuvat usein Tšekhovin draamojen "moniäänisyydestä" ja kutsuvat heitä jopa "sosiaalisiksi fuuseiksi", vetämällä analogiaa musiikillisen muodon kanssa, jossa kaksi tai neljä musiikkiteemaa ja melodiaa soivat ja kehittyvät samanaikaisesti.

Tshekhovin näytelmissä katoaa päästä päähän -toiminta myös klassinen yksi-sankaruus poistetaan, dramaattisen juoni keskittyy päähenkilön ympärille. Tavanomainen sankarien jakautuminen positiivisiksi ja negatiivisiksi, pää- ja toissijaisiksi tuhoutuu, kukin johtaa omaa puoluettaan, ja kokonaisuus syntyy, kuten kuorossa, jossa ei ole solistia, monien yhtäläisten äänien ja kaiun konsonanssissa.

Hänen näytelmissään Tšekhov paljastaa uuden luonteen ihmishahmosta. Klassisessa draamassa sankari paljasti itsensä toimissa ja toimissa, joiden tarkoituksena oli asetetun tavoitteen saavuttaminen. Siksi klassinen draama pakotettiin Belinskyn mukaan aina kiirehtimään, ja toiminnan vetäytyminen aiheutti epäselvyyttä, hahmojen epäselvyyttä ja muuttui anti-taiteelliseksi tosiasiaksi.

Tšekhov avasi uusia mahdollisuuksia draaman hahmon esittämiseen. Se ei paljastu taistelussa tavoitteen saavuttamiseksi, vaan olemisen ristiriitojen kokemisesta. Toiminnan paatos korvataan meditaation paatoksella. On tšekovilainen, tuntematon klassiselle draamalle.