Museot-osion julkaisut

Opas naiiviin taiteeseen

N ave -taide tai ei-ammattitaiteilijoiden taide saa harvoin gallerioiden omistajien ja taidekriitikoiden huomion. Naivistien yksinkertaiset ja avoimet teokset voivat kuitenkin olla yhtä dramaattisia ja jopa taiteellisesti merkittäviä kuin tunnustettujen mestareiden kankaat. Mitä naiivi taide on ja miksi sitä on mielenkiintoista seurata - "Culture.RF" -portaalin materiaalissa.

Naiivi tarkoittaa yksinkertaista

Alexander Emelyanov. Omakuva. 2000-luku. Yksityinen kokoelma

Vladimir Melikhov. Haarautuminen. 1989. Yksityiskokoelma

Naiivi taide on ammattitaidottomien taiteilijoiden työ, joka samalla systemaattisesti ja jatkuvasti maalaa. Hyvin naiivisuudessa voidaan erottaa tietyt suunnat, esimerkiksi taiteellinen tai ulkopuolinen taide - taiteilijoiden taide, jolla on psykiatrinen diagnoosi.

Erittäin tärkeä kysymys taidekriitikoille on, kuinka erottaa naiivi amatööristä. Tällaisten taiteilijoiden työn arviointikriteerit ovat yleensä heidän työnsä omaperäisyys ja laatu. Myös kirjoittajan persoonallisuudella on tärkeä rooli: omistiko hän elämänsä taiteelle, yrittikö hän sanoa jotain teoksissaan (maalaus, graafinen, veistoksellinen).

Ensin naiivi

Naiivista taidetta on aina ollut olemassa. Kalliomaalaukset, paleoliittiset veistokset ja jopa muinaiset missä ja karyatidit tehdään kaikki primitivistisellä tavalla. Naiivin erillinen kuvataiteen suuntaus ei tapahtunut yhdessä yössä: tämä prosessi kesti yli vuosisadan ja päättyi 1800-luvun lopulla. Tämän innovatiivisen liikkeen edelläkävijä oli ranskalainen itseoppinut taiteilija Henri Rousseau.

Rousseau palveli tullissa pitkään, jätti ammatin kypsänä ja aloitti maalaamisen vakavasti. Hän yritti ensin esitellä joitain teoksiaan vuonna 1886 Pariisin itsenäisten näyttelyssä, mutta hänet pilkattiin. Myöhemmin, 1900-luvun alussa, hän tapasi kuuluisia avantgarditaiteilijoita, mukaan lukien Robert Delaunay, joka arvosti Rousseaun rohkeaa tyyliä. Avantgarde-taiteilijat "vetäytyivät" usein alkuperäisistä maalareista, kuten Rousseausta, auttoivat heitä kehittymään ja saivat inspiraation teoksistaan \u200b\u200bja näkemyksestään omaan taiteelliseen hakuunsa. Pian Rousseaun työ alkoi olla kysytty, yleisö arvosti hänen aiheidensa omaperäisyyttä ja etenkin värillistä työtä.

Venäjällä naiivi taide esiintyi yleisön edessä taiteilija Mihail Larionovin järjestämässä vuoden 1913 Target-näyttelyssä. Siellä esiteltiin ensin Niko Pirosmanin teoksia, jotka veljet Kirill ja Ilya Zdanevich, taiteilijat ja taidekriitikot, toivat Georgiasta. Ennen tätä näyttelyä yleisö ei kuvitellut, että amatööritaide voisi olla enemmän kuin suosittuja tulosteita ja kansanperinnemaalauksia.

Naiiviset piirteet

Niko Pirosmani. Sozashvilin muotokuva. 1910th. Moskovan modernin taiteen museo

Niko Pirosmani. Nainen pääsiäismunia. 1910-luku Moskovan modernin taiteen museo

Naiivisten mestareiden teoksissa yhdistyvät usein ilon ilmapiiri ja innostunut näkemys jokapäiväisestä elämästä, elävät värit ja yksityiskohtien huomio, fiktio ja todellisuus.

Monet venäläisen naiivitaiteen klassikot, lukuun ottamatta ehkä Niko Pirosmania ja Soslanbek Edzievia, ovat läpäisseet ZNUI: n - Ekstramuraalisen kansan taiteellisen yliopiston - koulun. Se perustettiin vuonna 1960 Nadezhda Krupskajan mukaan nimettyjen taidekurssien perusteella; sen opettivat Robert Falk, Ilya Mashkov, Kuzma Petrov-Vodkin ja muut tunnetut kirjoittajat. Juuri ZNUI: n koulutus antoi naivistille mahdollisuuden hankkia teknisiä taitoja sekä ammatillisen mielipiteen työstään.

Jokainen naiivi muodostuu taiteilijana jonkinlaisessa eristyksessä, pysyy ikuisesti lukittuna omien ideoidensa ja tyylinsä puitteissa ja voi työskennellä koko elämänsä ikuisten teemojen ympyrällä. Joten Pavel Leonovin teokset 1980-luvulta ja 1990-luvun lopulta eivät ole kovin erilaisia: samanlaiset sävellykset, samanlaiset sankarit, sama käsitys todellisuudesta, lähellä lapsen. Ellei maalien laatu ole parempi ja kankaat ovat isompia. Sama voidaan sanoa naivistien ehdottomasta enemmistöstä. He reagoivat erityisesti merkittäviin sosiaalisiin tapahtumiin: ne eivät muuta tyyliä ajan mukaan, vaan lisäävät vain uusia aineellisia aikakauden merkkejä teoksiinsa. Kuten esimerkiksi klassinen naiivi Vladimir Melikhov. Hänen työnsä "Split" on erinomainen esimerkki naisten osuudesta Neuvostoliitossa. Se kuvaa naista, joka on kirjaimellisesti kahdessa paikassa samanaikaisesti: työskentelee tehtaalla yhdellä kädellä ja toisella - lastenhoitajalla.

Naiivit teemat

Pavel Leonov. Omakuva. 1960. Moskovan modernin taiteen museo

Pavel Leonov. Sato. 1991. Moskovan modernin taiteen museo

Naivistit siirtyvät kaikille läheisiin ihmisaiheisiin: syntymä ja kuolema, rakkaus ja koti. Heidän teoksensa ovat aina ymmärrettäviä, koska taiteilijat yrittävät ilmaista heidät innostavat ajatukset mahdollisimman yksinkertaisesti, syventämättä symboliikkaan ja piilotettuihin merkityksiin.

Yksi naiivin taiteilijan ensimmäisistä voimakkaista vaikutelmista on hänen poistumisensa kaupunkiin, sosiaaliseen ympäristöön. Naivistit, jotka pääsääntöisesti asuvat maaseudulla, pyrkivät idealisoimaan kaupunkia; he maalavat katuja ja aukioita kevyiksi, ilmaviksi ja hassuiksi. Taiteilijat, kuten Elfriede Milts, innoittavat erityisesti teknologiset innovaatiot - erityisesti Moskovan metro.

Toinen naiivin taiteen yleinen teema on ihmisen kuva - muotokuvat ja erityisesti omakuvat. Naivisteilla on tapa tutkia maailmaa persoonallisuutensa prisman, oman ulkonäön ja ympäröivien ihmisten ulkonäön kautta. Ja heitä kiinnostaa myös tapa kuvata ihmisen sisämaailma hänen ulkonäössään. Siksi muotokuvalajin teokset antavat katsojalle mahdollisuuden tutustua naivisteihin melkein henkilökohtaisesti, tuntea heidät tapaan, jolla taiteilijat kokevat itsensä. Naivistien eristyneisyyttä omassa sisämaailmassaan havainnollistaa esimerkiksi nykytaiteilijan Alexander Emelyanovin omakuva. Hän kuvaa itseään kuvakokoelmana ja niihin, joihin hän osoittaa.

Lähes kaikki naiivin taiteen klassikot tulkitsevat lapsuuden aiheen tavalla tai toisella. Naivistit pysyvät aina lapsina, joten tähän ideaan liittyvistä teoksista - koskettavista ja välittömistä - tulee eräänlainen kontaktipiste menneisyyden lapsen ja nykyajan lapsen välillä, joka elää edelleen taiteilijan sielussa. On huomionarvoista, että naivistit eivät koskaan kirjoita itseään lapsena. He keskittyvät ympäröivään maailmaan, muiden lasten muotokuviin, eläinten kuvaamiseen - aakkosissa näkyviin.

Svetlana Nikolskaya. Stalin kuoli. 1997. Moskovan modernin taiteen museo

Alexander Lobanov. Omakuva soikea kehys Neuvostoliiton vaakunan alla. 1980. Moskovan modernin taiteen museo

Seuraava tärkeä teema naiivissa taiteessa on juhlan teema. Taiteilijat rakastavat mielellään asetelmia, juhlia, häitä ja juhlia - varsinkin usein ne näkyvät Niko Pirosmanin, Pavel Leonovin ja Vasily Grigorjevin maalauksissa, joille juhla saa pyhän, eukaristisen merkityksen. Rakkauden juhla, hauska juhla, perhepiirin juhla - jokainen taiteilija löytää tästä aiheesta jotain hyvin henkilökohtaista ja arvokasta. Kuten kodin teemalla, perheen tulisija, joka symboloi rauhaa, mukavuutta ja turvallisuutta. Pavel Leonovin teoksissa Neuvostoliiton todellisuus liittyy aina iloon, lomiin ja paraateihin. Jopa Leonovin työ kuvaa iloista ja kevyttä.

Naiivi taide ei kuitenkaan aina ole idyllistä. Esimerkiksi ulkopuolinen taide tai taiteellinen brutti jättää katsojan usein epämääräiseen, levottomuuteen. Näissä teoksissa ei ole harmonista ja täydellistä maailmaa - taiteilijat keskittyvät useimmiten yhteen motiiviin tai aiheeseen ja toistavat sen jokaisessa teoksessa. Klassisen ulkopuolisen taiteen Alexander Lobanoville tällainen esine oli Mosin-kivääri. Lobanov itse ei koskaan ampunut kivääriä, eikä hänen teoksissaan ole sotaa, julmuutta eikä kipua. Tämä esine on kuin esine, vallan ruumiillistuma, kuten aktiivinen Neuvostoliiton symboliikka, joka on läsnä valtaosassa hänen teoksiaan.

Keskeisiä filosofisia aiheita taiteilijoille ovat syntymä ja kuolema. Naivistit jumaloivat ihmisen syntymän, sekä fyysisen että henkilökohtaisen, ja vertaavat sitä elämän jumalalliseen alkuperään yleensä. Ja he havaitsevat henkilön lähdön hänen muistinsa ja kivunsa näkökulmasta. Esimerkiksi Svetlana Nikolskayan maalauksessa harmaaksi pukeutuneet ihmiset ovat kontrastinaan punaisella rikkaalla taustalla, heidän ajatuksiaan tai tunteitaan on mahdotonta lukea - he näyttävät muuttuneen kiveksi.

Klassisen naiivisuuden aikakausi katoaa vähitellen. Nykyään naivistien sellainen suljettu ja eristetty olemassaolo, kuin ennen, on mahdotonta. Taiteilijoiden tulisi olla aktiivisesti mukana taideprosessissa, ymmärtää, mitä taidemarkkinoilla tapahtuu. Tämä ei ole hyvä eikä huono - vain ajan mittari. Ja sitä arvokkaampaa on jokaisen katsojan veto naiiviin taiteeseen, kunnes se lopulta katoaa.

Portaali "Kultura.RF" kiittää vanhempaa tutkijaa avusta materiaalin valmistelussa MMOMA , NAIV ... EI -näyttelyn kuraattoriryhmän osallistuja Nina Lavrischeva ja työntekijä Venäjän Lubokin ja naiivitaiteen museo Maria Artamonov.

Naiivi taide, naiivi - (eng. naiivi taide) - yksi alkeellisen taiteen alueista 1700- ja 1900-luvuilla, mukaan lukien harrastajataide (maalaus, grafiikka, veistos, koristetaide, arkkitehtuuri) sekä itseopiskelijoiden visuaalinen työ. Naiivista taideteoksista löytyy huomattavan ranskalaisen taiteilijan A. Rousseaun, lempinimeltään tullivirkailija, maalauksia, koska hän oli ammatiltaan tullivirkailija ja upeita maakuntien muotokuvia venäläisistä 1700--1900-luvuilla. tuntemattomat taiteilijat.

"Naiivi" taiteilija eroaa "ei-naiivista" taiteilijasta, kun shamaani eroaa professorista: molemmat ovat asiantuntijoita, kukin omalla tavallaan.

Jokapäiväisen primitiivisen muotokuvan ainutlaatuisuus johtuu paitsi taiteellisen kielen erityispiirteistä myös yhtä lailla itse luonnon luonteesta. Yleisesti ottaen kauppiaan muotokuvan sommittelumalli on lainattu nykytaiteen taiteesta. Samaan aikaan kasvojen vakavuus, kohonnut siluetin tunne, maalaustekniikka tekevät yhden muistutuksen kuvakemaalauksesta. Mutta yhteys lubokiin tuntuu vieläkin enemmän. Tämä ilmenee ensisijaisesti itse lähestymistapana luontoon, jonka taiteilija havaitsee naiivisti ja kokonaisvaltaisesti, koristeellisesti ja värikkäästi. Venäjän kansallinen etninen tyyppi on selvästi jäljitelty kasvoissa ja vaatteissa. Pää- ja toissijaisen tunnollinen toistaminen johti kokonaisvaltaisen kuvan luomiseen, joka lyö elintärkeän ominaisuuden voimalla.

Naiivinen taide yhdistää mielikuvituksellisen fantasian alkuperäisen kirkkauden, tuoreuden ja vilpittömyyden käsityksen maailmasta ammattitaidon puutteeseen piirtämisessä, maalauksessa, sävellyksessä, mallinnuksessa jne.

Naiivin taiteen teokset ovat muodoltaan ja tyyliltään äärimmäisen erilaisia, mutta monille niistä on tunnusomaista lineaarisen perspektiivin puuttuminen (monet primitivistit pyrkivät välittämään syvyyttä käyttämällä eri mittakaavassa olevia hahmoja, erityistä muodon ja värimassojen järjestystä), tasaisuus yksinkertaistettu rytmi ja symmetria, paikallisten värien aktiivinen käyttö, muotojen yleistäminen, esineen toiminnallisuuden korostaminen tiettyjen muodonmuutosten vuoksi, muodon lisääntynyt merkitys, tekniikoiden yksinkertaisuus.

Naiivilla taiteella on pääsääntöisesti optimistinen mielenlaatu, elämänvahvistus, monipuolisuus ja monimuotoisuus, ja sillä on useimmiten melko suuri esteettinen merkitys. Naiivi taide on ikään kuin vastapaino "tekniselle". Naiivisessa taiteessa ei ole tekniikkaa, ei koulua, sitä on mahdotonta oppia. Se vain "kiirehtii" sinusta. Se on omavarainen. Hän ei välitä siitä, miten päälliköt arvioivat häntä, mihin tyyliin hän kuuluu. Tämä on niin alkeellinen sielun luovuus, ja tutkiminen mieluummin riistää häneltä voimansa kuin terävöittää häntä.

Yksi naiivin taiteen näkökohdista on muotojen, kuvien, tekniikan naiivisuus tai yksinkertaisuus; hänessä ei ole ylpeyttä, narsismia, väitteitä. Mutta muodon naiivisuuden takana merkitysten syvyys on selvästi nähtävissä (muuten, pysyessään naiivina, se lakkaa olemasta taide). Se on todellista. Se on kaikkien käytettävissä - lapsi ja vanha mies, lukutaidoton ja tieteiden tohtori.

1900-luvun alkukantaistaiteilijoilla, jotka tuntevat klassisen ja nykyaikaisen ammattitaiteen, on usein mielenkiintoisia ja omaperäisiä taiteellisia ratkaisuja, kun he yrittävät jäljitellä tiettyjä ammattitaiteen tekniikoita asianmukaisen teknisen tiedon ja taitojen puuttuessa.

Venäjällä pitkään vallitsi mielipide, että naiivi taide oli jonkin verran ”toissijaista”. Venäjän kielellä (kuten joillakin muilla) kielellä termillä "primitiivinen" on yksi tärkeimmistä - arvioiva (ja tarkalleen negatiivinen) merkitys. Siksi on tarkoituksenmukaisempaa pysyä naiivin taiteen käsitteessä. Laajimmassa merkityksessä tämä on kuvataiteen nimitys, joka erottuu kuvallisen ja ilmaisevan kielen yksinkertaisuudesta (tai yksinkertaistamisesta), selkeydestä ja muodollisesta välittömyydestä, jonka avulla on erityinen visio maailmasta, jota sivilisaatiot eivät kuormita. yleissopimusten mukaisesti. Samalla unohdettiin, että varhaiset avantgardit, postmodernistit ja käsitteelliset taiteilijat kääntyivät uusien kuvamuotojen etsimiseksi naiivin spontaanuuteen ja viattomuuteen. Chagall osoitti kiinnostusta itseopetuksen työhön, Malevich kääntyi venäläisten suosittujen tulosteiden puoleen, naiivi otti erityisen paikan Larionovin ja Goncharovan työssä. Suurimmaksi osaksi naiivin taiteen tekniikoiden ja kuvien ansiosta menestys liittyi Kabakovin, Bruskinin, Komarin ja Melamidin teosten esittelyihin. Monet 1900-luvun suurimmat taiteilijat käyttivät työssään erilaisia \u200b\u200btekniikoita ja primitivistisen kielen elementtejä. (ekspressionistit, P. Klee, M. Chagal, H. Miro, P. Picasso ja muut). Naiivisessa taiteessa monet kulttuurin edustajat pyrkivät näkemään taiteellisen kulttuurin ulos sivilisaatioiden umpikujasta.

Maailman vision ja sen taiteellisen esitystavan suhteen naiivi taide lähestyy jonkin verran toisaalta lasten taidetta ja toisaalta mielisairaiden luovuutta. Pohjimmiltaan naiivi taide eroaa molemmista. Lähinnä lasten taidetta maailmankuvan kannalta on Oseanian ja Afrikan arkaaisten kansojen ja aborigeenien naiivi taide. Sen perustavanlaatuinen ero lasten taiteeseen on syvässä pyhyydessä, perinteisyydessä ja kanonisuudessa. Lasten naiivisuus ja välitön maailmanhahmottelu tuntui jäätyneen ikuisesti tähän taiteeseen, sen ilmeikkäät muodot ja taiteellisen kielen elementit olivat täynnä pyhä-maagista merkitystä ja kulttisymboleja, joilla on melko vakaa irrationaalisten merkitysten kenttä. Lasten taiteessa he ovat hyvin liikkuvia eivätkä kulta kulttikuormaa. Toisin kuin hän, mielisairaiden taiteelle, joka on muodoltaan usein lähellä sitä, on ominaista tuskallinen pakkomielle samoista motiiveista, pessimistinen-masentava mieliala ja matala taiteellisuus.

Istun kahvilassa. Vanha nainen istuu pöydässäni - on selvää, että varallisuus ei ole ollenkaan suuri. Hän ottaa arkkia A3, hiiltä. "Haluatko minun piirtävän sinut?" En ole samaa mieltä, mutta en myöskään kieltäydy - se on mielenkiintoista. Nauraa jotain hengityksensä alla, nainen kirjaimellisesti 5 minuutissa kuvaa muotokuvaani ja kutsuu minut ottamaan sen - tietysti, ei ilmaista. Muutaman minuutin kuluttua kävelen jo metrolle, pitäen käsissäni arkkia, jolla on hyvin alkeellinen kuva. Maksoin siitä viisikymmentä ruplaa.

Tämä nainen sai minut ajattelemaan naiivia taidetta. Art Encyclopedia of Art määrittelee tämän tyylilajin seuraavasti: "Kansan käsityöläisten sekä itseopiskelijoiden perinteinen taide, joka säilyttää lasten tuoreuden ja maailmankuvan välittömyyden"... Ehkä olet törmännyt näihin kuviin - yksinkertaisia, vilpittömiä, näyttää siltä, \u200b\u200bettä ne on piirtänyt lapsi, mutta itse asiassa tekijä kuuluu aikuiselle. Useimmiten nämä ovat ihmisiä, jopa vanhuksia. Heillä on oma ammattinsa - yleensä työskentelevät. He asuvat kylissä ja käyvät töissä joka päivä. Naiivi taide on melko vanha suuntaus. Jo 1700-luvulla ei-ammattitaiteilijat loivat "armottomasti totuudenmukaiset" muotokuvansa, ja 1900-luvulla naiivit nousivat erilliseksi suunnaksi, vapaana akateemisista säännöistä ja normeista.

Ikoni-maalausta pidetään naiivin esivanhempana. Kun olet nähnyt tällaiset kuvakkeet, voit varmasti erottaa ne perinteisistä. Ne ovat suhteettomia, primitiivisiä, ikään kuin jopa huolimattomia. Kaikkia näitä ominaisuuksia voidaan soveltaa mihin tahansa naiivin taiteen maalaukseen, ei vain kuvakkeisiin.

Yksi naiivin merkittävimmistä edustajista -. Häntä pidetään myös naiivin taiteen perustajana. Rousseau kirjoitti ensimmäisen työnsä 42-vuotiaana - hän työskenteli tullivirkailijana ja aloitti kirjoittamisen vasta eläkkeelle jäätyään. Näillä taiteilijoilla ei ole aikaa olla ammattimaisesti mukana luovassa työssä, eivätkä he myöskään halua. Se on vain, että joskus vapaa-ajallaan he piirtävät mitä näkevät. "Omenoiden poiminta", "Puinti", "Stormy River", "Whitewash-kangas" - nämä ovat naiivien taiteilijoiden maalauksia.

Rousseaun työtä on usein pilkattu ja arvosteltu voimakkaasti, varsinkin aluksi. Ja taiteilija sai suuren suosion sen jälkeen, kun Camille Pissaro tuotiin yhteen hänen maalauksistaan \u200b\u200b- he halusivat huvittaa, ja mestari alkoi ihailla taiteilijan tyyliä ja ylistää kuvaa. Se oli karnevaali-ilta, 1886.

Maiseman yksityiskohdat on kirjoitettu liian huolellisesti, ja suunnitelmien rakentaminen huvitti yleisöä, mutta tämä ilahdutti Pissarroa.

Toinen yhtä tunnettu naiivi taiteilija on georgialainen Niko Pirosmani. 1900-luvun alussa, kun Pirosmani alkoi aktiivisesti harjoittaa taidetta, hän maalasi kotitekoisilla maaleilla öljykankaita - valkoisia tai mustia. Kun näiden värien kuvaaminen oli välttämätöntä, taiteilija jätti öljyliinat maalaamattomaksi - ja näin hän kehitti yhden päätehtaansa.

Pirosmani rakasti kuvata eläimiä, ja hänen ystävänsä sanoivat, että hän mieluummin vetää itseään. Ja itse asiassa Pirosmanin kaikkien eläinten ”kasvot” eivät juurikaan muistuta todellisia eläinten kasvoja, ja niillä kaikilla on sama ilme: surullinen ja puolustamaton, olipa se sitten ”Kirahvi” (1905) tai “Karhu kuutamoisella yöllä” (1905) .

Niko Pirosmani kuoli kodittomien köyhyydessä nälän ja vaikeuksien vuoksi. Ja huolimatta siitä, että hänellä oli ajoittain työtä julkisten ruokailukylttien suunnittelussa.

Suurin osa naiiveista edustajista ei ansaitse rahaa taiteellisella luovuudellaan, ja jättää harrastukseksi parhaimmillaan muutama tunti päivässä. Tätä ei voida tehdä ammatille - juuri tämä erottaa naiivit taiteilijat erilliseksi kastiksi. Tämä on hyvin rehellinen taide, kaikesta sydämestäni - taiteilijan suhteen ei ole tilausten sortoa eikä aineellista riippuvuutta luovuudesta. Hän vain piirtää, koska rakastaa sitä - ja sadonkorjuuta, matchmitting-rituaaleja ja kotimaista jokea metsässä. Hän rakastaa ja laulaa niin hyvin kuin pystyy.

Romanian naiivi taiteilija osaa tehdä tämän hyvin erityisellä tavalla. Hänen teoksensa ovat kuin piirroksia lastenkirjoille - ne ovat värikkäitä, ystävällisiä ja upeita. Daskalu eroaa monista naiiveista taiteilijoista siinä, että hän kuvaa mielikuvituksia, ei arjen tilanteita. On talo, joka on valmistettu kengistä, kääpiöistä, jättiläisistä ja lentävistä yksisarvisista. Samaan aikaan hänen maalauksensa eivät koskaan lakkaa olemasta yksinkertaisia \u200b\u200b- sekä muodoltaan että sisällöltään. Kun katsot niitä, haluat lukea uudelleen suosikkisatujasi ja unelmoida hieman.

Naive sisältää itseopetettua luovuutta ja amatööritaidetta. "Naiivi" ei tarkoita "tyhmää" tai "kapea-alaista". Pikemminkin se on kontrasti ammattitaiteelle. Naiiveilla taiteilijoilla ei ole ammattitaitoisia taitoja. Tämä on heidän eronsa primitivistisistä taiteilijoista: ammattilaisina tyylejä tyylittäneet teoksensa "taitamattomana" ja yksinkertaisena. Ja mikä tärkeintä, naiivit taiteilijat eivät yritä maalata ammattimaisesti kaanonien mukaan. He eivät halua kehittää taidettaan ja tehdä siitä ammattinsa. Naiiviset taiteilijat eivät maalaa maailmaa opetuksensa tapaan, vaan tapana, jolla he kokevat sen.

Aluksi näytti siltä, \u200b\u200bettä naiivi taide on kuin ditti. Olin niin iloinen tästä vertailusta - se osoittautui erittäin värikkääksi ja kirkkaaksi. Mutta ymmärtämisen jälkeen tajusin, että olin väärässä. Naiivi taide on erittäin kevyt, mutta "rauta vakava". Siinä, toisin kuin syövyttävissä, ei ole huumoria, groteskia, karikatyyriä - vaikka se näyttää ensi silmäyksellä aivan erilaiselta. Tekijällä on naiivisella tavalla aina innostunut käsitys siitä, mitä hän kuvaa. Ja missä ei ole iloa, ei ole myöskään naiivista taidetta - he eivät yksinkertaisesti näytä näitä elämän alueita. Naiivi on vilpitön ihailu.

Moskovassa on naiivitaiteen museo - sen työntekijät tekevät vakavaa työtä näyttelyiden keräämisessä ja kommunikoinnissa kirjoittajien kanssa. Nyt museossa on noin 1500 teosta, mutta esittelypaikkoja ei ole paljon, joten näyttelyt vaihtuvat melkein joka kuukausi.

Tämä teksti ei kerro sinulle kaikkea naiivin taiteen taiteilijoista, mutta anna sen ainakin kiinnostaa ja innostaa sinua pääsemään museoon tai katsomaan näitä naiiveja kuvia hakukoneessa. Nämä aikuiset unelmoijat taiteilijat ansaitsevat yksinkertaisen huomion - vaikkakin ilman ihailua ja maailmanlaajuista tunnustusta, mutta yritetään ainakin tuntea heidät.

Naiivista taidetta identifioidaan usein primitivismin kanssa. Mutta vaikka nämä kaksi taiteen suuntaa ovat hyvin lähellä, ne eivät ole sama asia.

Naiivi taide yhdistää amatööri-luovuuden, itseoppineiden taiteilijoiden taiteen. Primitivismin osalta tämä on 1800-luvulla syntynyt maalaustyyli, joka on kuvan tarkoituksellinen yksinkertaistaminen, jolloin sen muodot ovat primitiivisiä. Tämä on ammattilaisten maalaus.
Art brut on lähempänä naiivia taidetta. Naiivista taidetta esitetään kaikissa muodoissa: maalaus, grafiikka, koristetaide, veistos, arkkitehtuuri. Myös venäläinen avantgarde veti naiivia taidetta.

Niko Pirosmani (1852-1918)

Ehkä tunnetuin naiivin taiteen edustaja on Niko Pirosmani (Nikolai Aslanovich Pirosmanishvili). Tämä on kappale "A Million Scarlet Roses" hänestä. Hän syntyi Georgiassa talonpoikaisperheessä. Hän ei saanut paitsi taidetta myöskään mitään koulutusta. Hän osasi lukea vain georgiaa ja venäjää. Hän opiskeli maalausta liikkuvien taiteilijoiden luona, jotka maalasivat kauppojen ja dukhaneiden merkkejä. Hän loi oman luovuutensa ainoasta aina käsillä olevasta asiasta - yksinkertaisesta öljyliinasta, joka oli poistettu pöydältä.

N. Pirosmani "Batumin satama"
Kesällä 1912 kuubafuturistit kiinnostuivat Pirosmanin työstä, ja he alkoivat mainostaa sitä: Ilya ja Kirill Zdanevich, Mikhail Le-Dantiu ja muut. Kirill Zdanevich hankki suuren määrän maalauksia Pirosmanilta ja Ilya Zdanevich julkaistu 1913 Transkaukasian puheessa sanomalehdessä artikkeli Pirosmanishvilin työstä otsikolla "Nugget Artist". 24. maaliskuuta 1913 Moskovan Target-näyttelyssä esitettiin tunnettujen taiteilijoiden (Larionov ja Goncharova) töiden ohella useita Pirosmanin maalauksia, jotka Ilya Zdanevich toi Tbilisistä. Nuoret georgialaiset taiteilijat kiinnostuivat Pirosmanin työstä, ja David Shevardnadze alkoi kerätä kokoelmaa hänen teoksistaan. Mutta tämä ei antanut Pirosmanille maallista hyvinvointia - vuonna 1918 hän kuoli nälkään ja tauteihin.

N. Pirosmani "Metsäkauris maiseman taustalla" (1915). Georgian valtion taidemuseo, Tbilisi
Eläinkuvat ovat taiteilijan teoksessa erityisen paikan. Yksi georgialaisista taiteilijoista huomasi, että maalauksissa olevilla eläimillä on taiteilijan omat silmät.
Naiivi taide taiteellisen kulttuurin ilmiönä on ammattitaiteen ulkopuolella. Hänen ymmärryksensä ja arvostuksensa alkoivat muotoutua vasta 1900-luvun alussa, mutta naiivi taide on vaikuttanut ja vaikuttaa edelleen ammattitaiteilijoiden työhön Venäjällä ja Länsi-Euroopassa. Neuvostoliiton aikana amatöörituotantoa käytettiin ideologiseen työhön. Mutta naiivi taide pysyi uskollisena eettisille arvoille: usko tulevaisuuteen, kunnioitus menneisyyteen. Sen tärkein ero viralliseen ja opportunistiseen taiteeseen on se, että se ei ole kiinnostunut.

Sergei Zagraevsky "Asetelma". Tätä kirjoittajaa kutsutaan myös primitivismiksi.

Monissa maissa on naiivisen taiteen museoita: Saksassa se on Charlotte Zander -museo. Tsaritsinomuseossa Pomeštšikov keräsi naiivin taiteen kokoelman. Suzdalin osavaltion museossa on suuri kokoelma naiivista taidetta. Novogireevon naiivitaiteen museo toimii Moskovassa. Yksityiskokoelmissa on myös monia harrastajataiteilijoiden maalauksia. A. Zhakovskyn naiivitaiteen museo sijaitsee Nizzassa (Ranska).
Naiivin taiteen teokset ovat erittäin houkuttelevia. Haluat katsoa ja katsoa heitä, olla yllättynyt ja hymyillä, surullinen ja ihailla. Joskus näyttää siltä, \u200b\u200bettä se ei ole niin naiivia, tämä taide, jos se herättää niin monia tunteita. Se on kuin toisesta maailmasta. Mutta tämä on henkilökohtainen asenne ja henkilökohtaiset tunteet. Mutta miten asiantuntijat arvioivat naiivia luovuutta?
Hän on julkaissut useita kirjoja nykyaikaisesta naiivista taiteesta K. Bohemian.Käännymme hänen kirjansa "Naivistinen taide", puhuen Pavel Leonovin työstä.

Pavel Petrovich Leonov (1920-2011)

Pavel Leonov (2001)

”Leonov kutsui sävellyksiään rakenteiksi. Nämä mallit ovat kasvaneet värillisellä lihalla. Ihmishahmot ovat useimmiten mustia - ikään kuin kaikki olisivat pukeutuneet mustiin takkeihin, kuten leirin vangit. Mutta joskus he pukeutuvat valkoisiin. Pienistä mustista linnuista, jotka nähtiin punkkeina aikaisin maalausten vaalealla taivaalla, tulee lihavia mustia torneja myöhempien sinisessä, ja sitten valkoiset linnut lentävät tänne.
Leonoville niin ominainen unelmien voitto elämästä, suunnitelmien toteuttaminen ruumiillistumiselle on tyypillinen piirre venäläiselle kansalliselle luonnolle ”(K. Bohemskaya).

P. Leonov "Hei, Puškin!"
Leonovin mallit ovat monitasoisia ja ulottuvat koko kankaan alueelle. Ja kankaat ovat valtavan kokoisia, mikä antaa kirjoittajalle mahdollisuuden elää ikään kuin maalauksensa sisällä maailmassa, jonka hän kuvaa. Hänen maalauksensa kuvaavat menneisyyttä, mutta samalla korostavat menneisyyttä näyttävät kertovan paremmasta tulevaisuudesta. "Leonovin maalaukset sisältävät niin elinvoimaisuutta, että ne valloittavat jokaisen sydämen, jotka ovat avoimia taiteellisille vaikutelmille ja joita museonäytteiden kulutusstandardit eivät pilaa."

P. Leonov "Ja minä lennän ..."
”Ammattikoulun ja tyylin rajojen ulkopuolella luotu marginaalinen luovuus syntyy tarpeista, jotka ovat kaukana taiteellisen kunnian halusta. Sen luojat ovat outoja ihmisiä - eksentrikoita, syrjäytyneitä. He projisoivat kuvia ja visioita muistoista, unelmista ja unelmista teoksiinsa. He puhuvat itselleen kuvien kielellä. He piirtävät taikuutta tehdessään, luovat ympärilleen oman maailman, joka piilottaa heidät todellisuudesta kotelossa ”(K. Bohemskaya).

P. Leonov "Maalla, jossa palmuja ja sitruunaa"
Vuodet kuluvat, ja se on kaikille selvää: Leonov on suuri venäläinen taiteilija. He eivät enää muista "naiivin" määritelmää. Näin Adolf Wölflistä tuli Sveitsin tunnetuin taiteilija. Niko Pirosmanishviliä pidetään niin suurena Georgian taiteilijana.
Leonov loi oman kuvan Venäjältä, jota ei ole koskaan ollut olemassa. Hän loi tyylin, joka kuului hänelle, ja oman hengellisen värinsä.
Leonovin perintö, joka koostuu puolitoista tuhannesta suuresta kankaasta, kuten muiden suurten taiteilijoiden perintö, valtava oma maailma, jonka edessä kasvavat ja taittuvat ympäröivän maailman eri puolet.
Tulevaisuudessa arvioidaan Leonovin arvo, joka tarvitsee perustan kansalliskulttuurirakennuksen rakentamiselle ”(K. Bohemskaya).

Elämäkerrasta

P. Leonov "Omakuva" (1999)

Pavel Petrovich Leonov syntyi Orjolin maakunnassa. Hänen elämänsä oli raskasta, hän työskenteli tehtaissa, hakkasi puuta, korjasi aluksia, rakensi teitä, oli puuseppä, rappaaja, liesi, peltiseppä, taidemaalari, graafinen suunnittelija. Hän asui Orelissa Ukrainassa, Azerbaidžanissa, Georgiassa, Uzbekistanissa. Hänet pidätettiin useita kertoja vuosina 1940-1950.
Hän alkoi maalata 1950-luvulla Kamtšatkassa. 1960-luvulla. opiskeli Roginskyn kanssa. Roginsky kutsui häntä "Neuvostoliiton aikakauden Don Quijoteksi". Hänen työnsä hedelmällisin jakso alkoi 1990-luvulla, jolloin Moskovan keräilijät ostivat hänen teoksensa aktiivisesti, vaikka hän asui jatkuvasti tarvitsevana, vaikeissa elinolosuhteissa.
Vaimonsa kuoleman jälkeen hän ei työskennellyt ja asui poikansa kanssa Savinon kylässä Ivanovon alueella. Haudattu sinne.

Elena Andreevna Volkova (1915-2013)

Hänen teoksissaan on jotain lapsellista, lämmintä ja koskettavaa. Ne eivät näytä kuuluisilta klassikkoteoksilta. Mutta heidän tuntemuksensa tuo onnea sielulle.

E. Volkova "Pikku sika piiloutui" (1975-1980)
Rypäleiden, kurkkujen, omenoiden, päärynöiden ja sienien joukossa sika makaa tyylikkään asetelman keskellä. "Älä ajattele, että tämä on hyytelönyt sika", Elena Andreevna sanoi joka kerta, esittäen tätä työtä. "Hän vain pakeni äitinsä luota ja piiloutui hedelmien keskelle."
Elena Andreevna Volkova luo maalauksissaan lapsuuden iloisen käsityksen.

E. Volkova "Hevonen hopeametsässä"
”Kaikki, mitä kirjoitan nyt kankailleni, on syntynyt lapsuudestani. Se oli kaikki unelmani, katselin kaikkea, kaapattu lapsuudesta nykypäivään. En koskaan ohita kauneutta, pidän kaikesta ympärillä. Kaikki on hyvin kaunista omalla tavallaan ”(K. Bohemskajan kirjasta“ Naiivi taide ”).
Lapsuudesta lähtien hän on musikaali, ja hän havaitsee väärän värin vääränä äänenä, joka pilaa koko kuoron. Hänen maalauksensa tuovat lämpöä ja iloa, hengellistä puhtautta ja itse elämää kaikessa monipuolisuudessaan.

E. Volkova "Rauhaa kaikille!" (1984)
Hänen todellisuutensa on täynnä rakkautta. Hänen maailmansa on ehdoton valo ja rauha.

E. Volkova "Kevät"

Elämäkerrasta

Hän syntyi Chuguevissa, lähellä kaukaa talosta, jossa Ilya Repin syntyi, yksinkertaisessa perheessä. Hän työskenteli projektorin apulaisena liikkuvassa elokuvateatterissa. Hänen aviomiehensä kuoli sodan aikana. E. Volkova aloitti maalaamisen 1960-luvulla 45-vuotiaana ilman taidekoulutusta. Yksi ukrainalaisen avantgardin perustajista, Vasily Yermilov, hankki useita maalauksiaan. Sergei Tarabarov Moskovan naiivitaiteen galleriasta "Dar" vuonna 2000 pitää Volkovaa yhtenä mielenkiintoisimmista taiteilijoista, jotka työskentelevät naiivin taiteen tyyliin Venäjällä.
Elena Volkovasta tuli ensimmäinen naiivitaiteen genren taiteilija, jolla oli yksityisnäyttely Tretjakovin galleriassa.
Viime vuosina hän asui Moskovassa. Hän kuoli 99-vuotiaana.

Taisiya Švetsova (s. 1937)

Taiteilija Vologdan alueelta. Ei erityistä taidekasvatusta. Hän on maalannut vuodesta 1996. Hänen maalauksensa ovat anteliaisuuden ja ystävällisyyden juhla.

T.Svetsova "Hevonen" (2008)

T.Svetsova "Neljä joulua" (2007)

Hollantilainen taiteilija Ina Freke (s. 1941)

Ina Freke syntyi Chroningenissa (Hollanti). Hän mieluummin kesän kirkkaat värit kuin kotimaansa rauhalliset maisemat. Taiteilija otti harjan korvaamaan ihmishenkien menetys (miehensä kuolema). Hänen kokeman shokin oli helpompi kestää, kun hän veisteli veistoksia ja maalasi kuvia. Monet ihmiset tulevat naiiviin taiteeseen syvien tunteiden tai stressin jälkeen.
Inan piirustusten suosikkiteemoja ovat Afrikan eksoottinen maailma, avaruusmatkojen fantasia ja nuorten romantiikka. Kirkkaiden väripisteiden erottaminen musiikkiviivojen mukaan on Freke-tyyli.

Ina Freke "Frivolity"

I. Freke "Planeetan utopia"
On sääli, että monille taiteen ystäville ja ammattilaisille naiivi taide on edelleen vain marginaalinen, käsittämätön ja hauska kulttuurinen ilmiö. Tämä on koko maailma, johon sinun tarvitsee vain päästä ymmärtääksesi sen. Lisäksi pääsy ilman ennakkoluuloja, puhtaalla sydämellä - loppujen lopuksi nämä teokset luotiin puhtaalla sydämellä.

Naivimaalaus "Hattu ja ruusut"

”Minussa syntyi metsästys öljymaaleilla maalattavaksi. En ole koskaan maalannut niitä aikaisemmin: ja sitten päätin tehdä siitä kokeen ja kopioin itsestäni muotokuvan kankaalle ”, kirjoitti Tulan aatelismies Andrei Bolotov syksyllä 1763 päiväkirjaansa. Yli kaksi ja puoli vuosisataa on kulunut, ja "maalimaalien metsästys" vallitsee edelleen aikakautemme. Ihmiset, jotka eivät ole koskaan ottaneet kynää ja harjaa käsissään, tarttuvat yhtäkkiä vastustamattomaan intohimoon kuvataiteita kohtaan.

Uuden suunnan syntyminen

1900-luvun ja 2000-luvun alkupuolen naiivi taide eroaa huomattavasti aikaisempien vuosisatojen primitiivisyydestä. Syyt tähän, kummallakin tavalla, ovat "opetetun" taiteen kehityksessä. 1800-luvun lopulla johtavat eurooppalaiset mestarit tietivät tarkasti nykykulttuurinsa "uupumuksesta". He pyrkivät saamaan elinvoimaa villistä, alkeellisesta maailmasta, joka oli olemassa aiemmin tai joka säilyy edelleen planeetan syrjäisissä nurkissa. Paul Gauguin oli yksi ensimmäisistä tällä polulla. Hylkäämättä rappeutuneen eurooppalaisen sivilisaation edut taiteilija yritti verrata "primitiivistä" elämää ja "primitiivistä" luovuutta, halusi tuntea olevansa mies, jonka suonissa villin veri virtaa. "Täällä, mökini lähellä, täydellisessä hiljaisuudessa haaveilen väkivaltaisista harmonioista luonnon päihdyttävien tuoksujen joukossa", Gauguin kirjoitti Tahitissa oleskelustaan.

Monet viime vuosisadan alun mestarit ovat kiehtoneet primitiiviä: Henri Matisse keräsi afrikkalaisen veistoksen, Pablo Picasso hankki ja ripusti työpajaansa näkyvään paikkaan Henri Russon muotokuvan, Mihail Larionov näytti yleisölle käsityöläisiä, teoksia Niko Pirosmanashvilista ja lasten piirustukset Target-näyttelyssä.

Alkeellisilla taiteilijoilla on ollut 1910-luvulta lähtien mahdollisuus näyttää teoksiaan ammattimaisten käsityöläisten töiden ohella. Seurauksena primitiiville tapahtui dramaattinen muutos: se tajusi oman taiteellisen arvonsa, lakkasi olemasta perifeerisen kulttuurin ilmiö. Alkeellisuuden yksinkertaisuus on tulossa yhä kuvitteellisemmaksi. Rousseau myönsi vähän ennen kuolemaansa: "Olen säilyttänyt naiivisuuteni ... Nyt en voinut enää muuttaa kovalla työllä hankittua kirjoitustyyliäni."

Tällä hetkellä naiivi taide syntyy erityisenä taiteellisena ilmiönä, joka eroaa primitiivisestä. Usein naiivien taiteilijoiden työ määritellään ei-ammattimaiseksi taiteeksi, mikä korostaa akateemisen tason taiteellisen koulutuksen puutetta. Mutta tämä ei selvästikään riitä ymmärtämään sen eroa amatööruudesta ja käsityöstä. "Naiivi" siirtää painopisteen tuloksesta sisäisiin syihin. Tämä ei ole vain "oppimatonta", vaan myös "yksinkertainen", "taiteeton" - suora, erilaistumaton todellisuuden tunne, joka ei tunne heijastuksia.

Erottuvat piirteet

Itseilmaisun etsimisessä itseopettaja kääntyy tiedostamattomasti lasten luovuuden muotoihin - muotoiluun, litistettyyn tilaan, koristeellisuuteen hänen luomansa uuden maailman ensisijaisina elementteinä. Aikuinen ei voi piirtää kuin lapsi, mutta voi havaita ympäristön suoraan lapsellisella tavalla. Naiivisen taiteen erottuva piirre ei ole taiteilijan luomuksissa, vaan hänen tajunnassaan. Kirjoittaja kokee maalauksen ja siinä kuvatun maailman todellisuutena, jossa hän itse on olemassa. Mutta yhtä realistinen taiteilijalle ja hänen näkemykselleen: ”Mitä haluan kirjoittaa, on aina kanssani. Kaikki tämä näen heti kankaalla. Esineitä pyydetään heti kankaalle, valmiina sekä väreinä että muotoina. Kun työskentelen, lopetan kaikki esineet, kunnes tunnen harjan alla, että ne ovat elossa ja liikkuvat: eläimet ja hahmot, vesi, kasvit, hedelmät ja kaikki luonto ”(E. A. Volkova).

Esitettyjen esineiden prototyypit ovat tekijän mielikuvituksessa materialisoituneiden, mutta elottomien fantomien muodossa. Ja vain kuvan valmistumisprosessissa heidän animaationsa tapahtuu. Tämä kankaalle luotu elämä on uuden myytin syntymä.

// pichugin2

Naiivi taiteilija ei kuvaa niin paljon kuin näkee, vaan mitä tietää. Halu välittää ajatuksiaan asioista, ihmisistä, maailmasta ja heijastaa elämän virtauksen tärkeimpiä hetkiä johtaa tahattomasti päällikön kaaviotukseen ja selkeyteen - tilaan, jolloin yksinkertaisemmista asioista tulee, sitä merkittävämpiä ne ovat.

Ankkojen järvi, työ kentällä ja puutarhassa, pesula, poliittinen mielenosoitus, hääjuhla. Ensi silmäyksellä maailma on tavallinen, tavallinen, jopa hieman tylsää. Mutta katsotaanpa tarkemmin näitä yksinkertaisia \u200b\u200bkohtauksia. Niissä tarina ei koske niinkään arkea, vaan olemista: elämästä ja kuolemasta, hyvästä ja pahasta, rakkaudesta ja vihasta, työstä ja juhlista. Tietyn jakson kuvausta ei tässä pidetä hetken kiinnityksenä, vaan didaktisena tarinana koko ajan. Taiteilija kirjoittaa hankalasti yksityiskohdat, ei voi erottaa pääosaa toissijaisesta, mutta tämän epäpätevyyden takana syntyy maailmankatsomusjärjestelmä, joka pyyhkäisee täysin vahingossa olevan, hetkellisen. Kokemattomuus muuttuu oivallukseksi: haluamalla kertoa yksityisestä, naiivi taiteilija puhuu muuttumattomasta, ikuisesti olemassa olevasta, horjumattomasta.

Paradoksaalisesti naiivi taide yhdistää taiteellisten ratkaisujen odottamattomuuden ja gravitaation kohti rajallista joukkoa teemoja ja juoni, viitaten kerran löydettyihin tekniikoihin. Tämä taide perustuu toistuviin elementteihin, jotka vastaavat ihmisen universaaleja ideoita, tyypillisiä kaavoja, arkkityyppejä: tila, alku ja loppu, kotimaa (menetetty paratiisi), runsaus, loma, sankari, rakkaus, rauha.

Mytologinen perusta

Mytologisessa ajattelussa ilmiön ydin ja alkuperä ovat identtiset keskenään. Matkansa aikana myyttien syvyyksiin naiivi taiteilija saapuu alun arkkityyppiin. Hän tuntee olevansa lähellä ensimmäistä ihmistä, joka löytää maailman uudelleen. Asiat, eläimet ja ihmiset näkyvät hänen kankaillaan uudessa, tunnistamattomassa muodossa. Kaikille nimiä antavan Adamin tapaan naiivi taiteilija antaa tavalliselle uuden merkityksen. Taivaallisen autuuden teema on hänelle lähellä ja ymmärrettävää. Taiteilija ymmärtää idylliä alkutilana, joka annetaan henkilölle syntymästä lähtien. Naiivi taide näyttää palaavan ihmiskunnan lapsuuteen, autuaan tietämättömyyteen.

Mutta syksyn teema ei ole yhtä laajalle levinnyt. "Paratiisista karkottamisen" juoni suosio todistaa tietyn sukulaisen yhteyden olemassaolon ensimmäisten ihmisten myytin ja naiivin taiteilijan kohtalon, hänen asenteensa, hengellisen historiansa välillä. Syrjäytyneet, paratiisin lumpenit - Aadam ja Eeva - tuntevat akuutisti autuuden menetyksen ja ristiriidan todellisuuden kanssa. He ovat lähellä naiivia taiteilijaa. Loppujen lopuksi hän tuntee sekä lapsellisen tyyneyden että luomisen euforian ja maanpaossa olevan katkeruuden. Naiivinen taide paljastaa jyrkästi ristiriidan taiteilijan halun oppia ja selittää maailmaa ja halun tuoda siihen harmoniaa, elvyttää kadonneen koskemattomuuden välillä.

Naiivisessa taiteessa usein erittäin voimakas tunne "kadonnut paratiisi" pahentaa taiteilijan henkilökohtaisen epävarmuuden tunnetta. Tämän seurauksena sankarien puolustajien hahmo näkyy usein kankailla. Perinteisessä myytissä sankarin kuva personoi harmonisen periaatteen voiton kaaokseen.

Naiivisten taiteilijoiden teoksissa voittajan, joka tunnetaan suosituista vedoksista - Ilja Muromets ja Anika soturi, Suvorov ja Kaukasuksen valloittaja, kenraali Ermolov - ulkonäkö saa sisällissodan sankarin Chapaevin ja Marsalkka Zhukov. Ne kaikki ovat tulkintoja käärmehävittäjän kuvasta, joka on tallennettu geneettisen muistin syvyyteen, ja palataan takaisin ikoniin, jossa St.George tappaa lohikäärmeen.

Soturi-puolustajan vastakohta on kulttuurisankari-demiurge. Lisäksi tässä tapauksessa painopiste siirtyy ulkoisesta toiminnasta tahdon ja hengen sisäiseen jännitteeseen. Demiurgin roolia voi pelata mytologinen hahmo, esimerkiksi Bacchus, joka opetti ihmisille viininvalmistusta, tai tunnettu historiallinen hahmo - Ivan Julma, Pietari I tai Lenin, joka personoi ajatuksen autokraatti, valtion perustaja tai, mytologiseen tekstiin viitaten, esivanhempi.

Mutta runoilijan kuva on erityisen suosittu naiivissa taiteessa. Useimmiten käytetään samaa sävellystekniikkaa: istuva hahmo kuvataan paperilla ja kynällä tai runokirjalla kädessään. Tämä yleismaailmallinen järjestelmä toimii runollisen inspiraation kaavana, ja höyhenpeite, lionfish, hussar mentik tai kosovorotka toimivat "historiallisina" yksityiskohteina, jotka vahvistavat tapahtuneen syvällisen aitouden. Runoilijaa ympäröivät runojensa hahmot, luomansa maailman tila. Tämä kuva on erityisen lähellä naiivia taiteilijaa, koska hän näkee itsensä aina kuvamaailmassa sankareidensa vieressä ja elää luojan inspiraation uudestaan \u200b\u200bja uudestaan.

Neuvostoliiton ideologialla oli suuri vaikutus monien naiivien taiteilijoiden työhön. Mytologisten mallien mukaan rakennettu se muodosti kuvat "uuden aikakauden alusta" ja "kansojen johtajista", korvasi vilkkaan kansanloman Neuvostoliiton rituaaleilla: viralliset mielenosoitukset, juhlalliset kokoukset ja seremoniat, palkinnot tuotannon johtajille ja vastaavia.

Mutta naiivin taiteilijan harjan alla kuvatut kohtaukset muuttuvat muuksi kuin kuviksi "Neuvostoliiton elämäntavasta". "Kollektiivisen" ihmisen muotokuva on rakennettu monista maalauksista, joissa henkilö hämärtyy, työnnetään taustalle. Kuvioiden mittakaava ja poseiden jäykkyys korostavat johtajien ja väkijoukon välistä etäisyyttä. Tämän seurauksena vapauden ja keinotekoisuuden tunne siitä, mitä tapahtuu, näkyy selvästi ulomman kankaan läpi. Naiivisen taiteen, viljelijöiden vilpittömyyden kanssa kosketuksiin joutuminen ideologisista fantomeista muuttuu tekijöiden tahtoa vasten hahmoiksi absurdin teatterissa.

// pichugin

Naiivisuuden ydin

Naiivisessa taiteessa on aina vaihe kopioimisesta. Kopiointi voi olla vaihe taiteilijan yksilöllisen tavan tai tietoisen itsenäisen tekniikan kehittymisessä. Esimerkiksi tämä tapahtuu usein, kun luot muotokuvan valokuvasta. Naiivilla taiteilijalla ei ole ujoutta "korkean" tason edessä. Teosta tarkastellessaan hänet vangitsee kokemus, ja tämä tunne muuttaa kopion.

Tehtävän monimutkaisuudesta hämmentyneenä Alexey Pichugin esittää "Pompejin viimeisen päivän" ja "Strelettien teloituksen aamun" maalatulla puisella reliefillä. Pichugin fantasioi yksityiskohdissa melko tarkasti sävellyksen yleistä luonnosta. Pompejin viimeisenä päivänä terävä roomalainen kypärä vanhan miehen kantavan soturin päässä muuttuu pyöreäksi reunukseksi. "Strelettien teloituksen aamuna" -taulukko lähellä teloituspaikkaa alkaa muistuttaa koulua - valkoisella tekstillä mustalla pohjalla (Surikovissa se on maalaamattoman puun väriä, mutta tekstiä ei ole kaikki). Mutta mikä tärkeintä, teosten yleinen väri muuttuu dramaattisesti. Tämä ei ole enää synkkä syksyinen aamu Punaisella torilla tai eteläinen yö, jota valaisee virtaava laava. Värit muuttuvat niin kirkkaiksi ja tyylikkäiksi, että ne ovat ristiriidassa tonttien draaman kanssa, muuttavat teosten sisäistä merkitystä. Alexey Pichuginin kääntämät folk-tragediat muistuttavat enemmän messualueiden juhlia.

Mestarin "luovan ala-arvoisuuden kompleksi", joka oli yksi "vanhan" primitiivin houkuttelevista puolista, on nykyään lyhytikäinen. Taiteilijat avaavat nopeasti silmänsä siitä, että heidän ei kovin taitavilla luomuksillaan on oma viehätyksensä. Tämän tahattomat tekijät ovat taidekriitikot, keräilijät ja tiedotusvälineet. Tässä mielessä paradoksaalisesti naiivin taiteen näyttelyillä on tuhoisa rooli. Harvat hallitsevat, kuten Rousseau, "ylläpitää naiivisuuttaan". Joskus eiliset naiivit - tietoisesti tai tajuttomasti - aloittavat oman menetelmänsä kehittämisen polun, alkavat tyylitellä itseään kuten itsensä, mutta useammin taidemarkkinoiden väistämättömän elementin kiristäminä he putoavat laajaan, kuten portit, syleilyyn massakulttuuri.