Tuntisuunnitelma klassismin ja rokokoon taidetta. Klassismin ja rokokoon taidetta

Esikatselu:

Jos haluat käyttää esitysten esikatselua, luo Google-tili (tili) ja kirjaudu sisään: https://accounts.google.com

Diojen kuvatekstit:

Klassismin ja rokokoon kuvataide MHK luokat 10-11

Nicolas Poussinin suunnitelma - klassismin taiteilija

Nicolas Poussin - klassistinen taidemaalari (1594 - 1665) ranskalainen taiteilija, joka seisoi klassismin maalauksen alkuperässä

Näin kauneuden ihanteen kokonaisuuden osien suhteellisuudesta, muotojen ulkoisesta järjestyksestä, harmoniasta ja selkeydestä. Hänen maalauksiaan erottaa tasapainoinen sommittelu, jäykkä, matemaattisesti varmennettu tilan organisointijärjestelmä, jahdattu piirustus ja rytmitaju. Taiteellisen totuuden pääkriteerit ovat järki ja ajatus. Luovuuden pääteemoja ovat sankarilliset teot, jotka perustuvat korkeaan kansalaismotivaatioon; sankarillisen miehen ylistäminen, joka kykenee tuntemaan ja muuttamaan luonnon järjen voimalla. Suosikkisankarit ovat ihmisiä, joilla on korkeat moraaliset ominaisuudet. Maalausten kompositiojärjestelmä perustui kahteen periaatteeseen: muotojen tasapainoon ja niiden vapaaseen korrelaatioon.

"Scipion mahtipontisuus"

"Arcade Shepherds"

"Tancred ja Erminia"

Klassismin veistokselliset mestariteokset Yksi klassismin merkittävimmistä kuvanveistäjistä - Antonio Canova (1757 - 1822) Veistokset: "Orpheus", "Eurydice", "Perseus", "Theseus, Minotauruksen voittaja", "Amor ja Psyche", " Kolme armoa".

"Orpheus" "Eurydice"

"Perseus"

"Kolme Gracea" - Canovan aikalaisten mukaan uuden kauneuden ihanteen korkein ruumiillistuma.

Bertel Thorvaldsen (1768 - 1844) Tanskalaisen taiteilijan parhaita töitä on tunnustettu "Jason kultavillavillalla", "Ganymede ja Zeuksen kotka" ("Ganymede ruokkimassa Zeuksen kotkaa"), "Mercurius"

"Jason kultaisen fleecen kanssa"

"Ganymede ruokkimassa kotka Zeusta"

"elohopea"

Jean Antoine Houdon (1741 - 1828) Kuuluisa ranskalainen klassismin kuvanveistäjä, joka loi ainutlaatuisen muotokuvatietosanakirjan aikakauden merkittävistä henkilöistä. Hänen teostensa päähenkilö on sosiaalinen, jalo ja vahva luonne, rohkea ja peloton, luova ihminen.

Voltairen patsas on Houdonin työn huippu, ihannekuva viisasta ajattelijasta.

"Galantin genren" mestarit: Rokokoomaalaus Rokokoomaalauksen pääteemoja ovat hovimiesten hienostunut elämä, lomat, idylliset elämänkuvat luonnon taustalla, monimutkaisten rakkaussuhteiden maailma ja nerokkaat allegoriat.

Antoine Watteau (1684 - 1721) - "huolimattoman vapaa-ajan runoilija", "armon ja kauneuden laulaja"

"Pyhiinvaellus Cytheran saarelle"

Gilles (Pierrot)

Francois Boucher (1703 - 1770) - "armotaiteilija", "kuninkaallinen taidemaalari" 1. Kuva kevytmielisistä (viettelevistä, kevytmielisistä) kohtauksista 2. Epäselviä vihjeitä 3. Pikantteja yksityiskohtia

"Venuksen syntymä"

"Juno vierailee Aeoluksessa, tuulien vartijana"

"Allegoria maalauksesta"

Aiheesta: metodologinen kehitys, esitykset ja muistiinpanot

tyylin esittäminen musiikissa (klassismi)

8. luokan esitystyylit musiikissa esittelee musiikillisen klassismin ominaispiirteitä ja wieniläisen koulukunnan edustajia...

Esitys Moskovan taideteatterin oppitunnille "Klassismin ja rokokoon taiteellinen kulttuuri"

Esitys on havainnollistava sarja opiskelijoille yleisesti tutustuttavaksi klassismin ja rokokoon taiteen piirteisiin....

Oppitunnin yhteenveto ranskalaisesta kirjallisuudesta multimediaesityksellä "Klassismin aikakauden ranskalainen kirjallisuus"

Tämä oppitunti tarjoaa tietoa klassismin tärkeimmistä edustajista Ranskassa.

dia 1

dia 2

dia 3

dia 4

dia 5

dia 6

Dia 7

Dia 8

Dia 9

dia 10

dia 11

dia 12

dia 13

dia 14

dia 15

dia 16

dia 17

dia 18

dia 19

dia 20

dia 21

dia 22

dia 23

dia 24

dia 25

dia 26

dia 27

dia 28

KONSEPTIT, IDEOITA

Opiskelijoiden tiedon tarkistaminen

Universaalit oppimistoiminnot

alakysymyksiä

10.

11.

12.

13.

14.

15.

16.

17.

18.

19.

20.

21.

22. Turvakysymykset

23. Luova työpaja

24. Esitysten, projektien aiheet

25. heijastus

26. Kirjallisuus:

Sen ajan arkkitehtuurin (ja sisätilojen) silmiinpistävimmät ja huomionarvoisimmat alueet sisältävät neljä tyyliä: barokki, rokokoo, klassismi ja empire. Nämä tyylit olivat olemassa kaikissa Euroopan kehittyneissä maissa, korvasivat tai täydensivät toisiaan, lisäksi ne saivat jokaisessa maassa omat kansalliset erityispiirteensä. Siksi nykyään käytämme sellaisia ​​käsitteitä kuin "venäläinen barokki", englantilainen klassismi" tai "ranskalainen valtakunta". Tästä huolimatta kaikki tyylit kuuluvat samaan ryhmään ja samaan historialliseen ajanjaksoon, joten voimme korostaa niissä useita yhteisiä piirteitä. .

Luksus: näitä tyylejä käytettiin aristokratian sisätilojen sisustamiseen, joten niitä kutsutaan joskus palatsiksi tai kuninkaallisiksi (klassismi on tämän ryhmän vaatimattomin ja hillityn tyyli, vaikka nämä sisätilat ovat nykyaikaisten standardien mukaan ennennäkemätöntä luksusta);

Suuret tilavat huoneet korkealla katolla (vähiten tämä koskee rokokootyyliä);

Sisustusmenetelmät: stukki, seinämaalaukset tai maalaukset klassisilla kohtauksilla, puukaiverrukset (mukaan lukien kaiverrusten käyttö huonekaluissa).

Rokokoon ja klassismin erot:

Klassismissa arkkitehtuurin kaikissa elementeissä on harmonian ja järjestyksen halu;

Klassismi pyrkii pidättyväisyyteen ja yksinkertaisuuteen, välttelee vaatimattomia yksityiskohtia;

Klassismi perustuu antiikin arkkitehtuurin teoriaan ja tarkkailee tarkasti tilan harmoniaa.

Rokokoo

Termi rokokoo tulee ranskan sanasta "rocaille" (lausutaan "rocaille"), ja käännöksessä tarkoittaa "kuori". Tyylistä tuli muunneltu ilmentymä, kauniimpi ja näyttävämpi tulkinta barokkityylistä, ranskalaisen aristokratian ja maallisen kulttuurin tuote. Toisin kuin muut eri taiteen aloilla yleistyneet tyylit, rokokoo viittaa pääasiassa vain sisustukseen.

Tarina. Rokokootyyli ilmestyi 1700-luvulla Ranskassa, ja vuosisadan loppuun mennessä se hallitsi koko Eurooppaa.

Tämä tyyli sekoitetaan visuaalisesti usein barokkiin, niissä on todella paljon yhteistä, mutta niissä on myös monia tunnistettavia eroja. Rokokootyylin tunnusmerkit:

Tällaisille sisätiloille on ominaista seuraavat epiteetit: tyylikäs, kevyt, leikkisä, monimutkainen;

Suurien huoneiden ohella ulkoasu sisältää pienet huoneet, viihtyisiä tiloja - alkovia (isot kapeat esimerkiksi makuutilaa varten);

Värit vaaleanpunainen, sininen, pehmeä vihreä, helmi ja helmiäinen;

Seinien ja kattojen koristelu: hienoimmat stukkokuviot, veistetyt paneelit, hienot peilielementit, seinien ja katon sileää maalausta täydentävät käsintehdyt freskot;

Lattiat: kuviollinen parketti ja matot;

Koristeet: kultaus, tekstiilikoristelu, kristalli- ja lasielementit;

Termi "rokokoo" (tai "rocaille") tuli käyttöön 1800-luvun puolivälissä. Aluksi "rocaille" on tapa koristella luolien, suihkulähteiden kulhojen jne. sisätilat erilaisilla fossiileilla, jotka jäljittelevät luonnollisia (luonnollisia) muodostumia, ja "rocaille" on mestari, joka luo tällaisia ​​​​koristeita. Mitä kutsumme nykyään "rokokooksi" Aikoinaan sitä kutsuttiin "maalaiseksi mauksi", mutta 1750-luvulla. Kaiken "kierretyn" ja "kidutetun" kritiikki vilkastui, ja "pilatun maun" nimitys alkoi esiintyä kirjallisuudessa. Kritiikassa menestyivät erityisen hyvin Encyclopedists, jonka mukaan "pilaantuneessa maussa" ei ollut järkevää alkua.

Tyylin pääelementit: rocaille - kihara ja kartelli - nyt unohdettu termi, jota käytetään nimeämään rocaille-kartusseja. Yksi varhaisimmista tapauksista käyttää näitä termejä on Mondon-sonin "The Third Book of Rocaille and Cartel Forms" vuodelta 1736.

Huolimatta uusien "muinaisten muotojen" suosiosta, jotka tulivat muotiin 1750-luvun lopulla. (tätä suuntaa kutsuttiin "kreikkalaiseksi mauksi"; tämän tyyliset esineet erehtyvät usein myöhäisrokokoon), niin sanottu rokokoo säilytti asemansa vuosisadan loppuun asti. Ranskassa rokokooaikaa kutsuttiin Amorin ja Venuksen ajaksi.

1960- ja 70-luvuilla käsitys rokokoosta barokin jalostuksen seurauksena oli laajalle levinnyt: ”Rokokoon vaiheeseen tullessaan symboliikka menettävät yhä enemmän itsenäisen merkityksensä ja tulevat osaksi yleistä koristeellista koristelua nymfien, naidien, runsaudensarvisen ohella. , delfiinit ja newts, "Rakkauden jumaluuden Cupidit "muuttuvat - putti - rokokooksi".

Klassismi

Sisustustyylinä ja esteettisenä suunnana klassismi syntyi Euroopassa 1600-luvun alussa. Se perustuu rauhallisuuteen ja tiukkaan antiikkiarkkitehtuuriin, sen mittasuhteisiin ja harmoniaan. Käännetty latinasta "classicus" on normi, järjestys, malli. Pompejin löytö vuonna 1755 vaikutti merkittävästi klassismin kehitykseen. Tämän seurauksena se oli renessanssin arkkitehtuurin luonnollisen kehityksen ja parantamisen tulos.

Klassismin tyylin tunnusmerkit:

Klassismin sisustukselle on ominaista seuraavat sanat ja lauseet: rauhallinen, ihanteelliseen pyrkivä, lakoninen, jalo;

Sisustukselle on ominaista selkeät geometriset, mahdollisimman säännölliset muodot;

Värit: vaaleat ja täyteläiset herkän vaniljan sävyt, vaaleansininen, nuoren lehden väri;

Perinteisten antiikkisten arkkitehtonisten rakenteiden käyttö: pylväät, pilarit (puolipylväät), päällysteet ja friisit;

Antiikkiaiheiset koristeet: tiukat ja geometriset;

Seinien koristelu.Tapetti ylellisillä harjakattoisilla piirroksilla tai kuvioilla, seinäjalustat ja reunat, maalaus on laajalti käytetty;

Lattiat: - tyylikkäitä taideparkettia kalliista eliittipuulajeista. Käytävässä, salissa tai ruokailutilassa on mahdollista käyttää marmoria tai muita kivipäällysteitä;

Sisustus ei ole ylikuormitettu yksityiskohdilla ja pienillä elementeillä.

Englantilaista (skotlantilaista) arkkitehti Robert Adamsia voidaan pitää klassismin aikakauden kirkkaimpana edustajana, alla olevissa kuvissa näkyy hänen tekemänsä sisustukset.

Klassismi perustuu rationalismin ideoihin, jotka saivat elävän ilmaisun Descartesin filosofiassa. Klassismin näkökulmasta taideteos tulee rakentaa tiukkojen kaanonien pohjalta, jolloin se paljastaa itse maailmankaikkeuden harmonian ja logiikan. Klassismista kiinnostaa vain ikuinen, muuttumaton - jokaisessa ilmiössä hän pyrkii tunnistamaan vain oleellisia, typologisia piirteitä, hylkäämällä satunnaisia ​​yksittäisiä piirteitä. Klassismin estetiikka pitää erittäin tärkeänä taiteen sosiaalista ja kasvatuksellista tehtävää. Klassismi asettaa tiukan genrehierarkian, jotka jaetaan korkeaan (oodi, tragedia, eepos) ja matalaan (komedia, satiiri, satu). Jokaisella genrellä on tiukasti määritellyt ominaisuudet, joiden sekoittaminen ei ole sallittua.

Tiettynä suunnana se muodostui Ranskassa 1600-luvulla. Ranskalainen klassismi vahvisti ihmisen persoonallisuuden olemisen korkeimpana arvona vapauttaen hänet uskonnollisista ja kirkollisista vaikutuksista. Klassismin piirteistä Venäjän valtakunnassa, katso artikkeli Venäjän klassismi.

Klassismi nojautui monella tapaa antiikin taiteeseen (Aristoteles, Horatius) pitäen sitä ihanteellisena esteettisenä mallina, "kulta-aikana". 1600-luvun Ranskassa sitä kutsuttiin Minervan ja Marsin ajaksi.

Poussin Nicolas (1594-1665), ranskalainen taidemaalari ja piirtäjä. Opiskeli K. Varenin ja muiden ranskalaisten taiteilijoiden kanssa; Vuodesta 1624 Poussin asui Roomassa (1640-1642 - Pariisissa), sai vaikutteita Carraccista, Domenichinosta, Raphaelista, Titianuksesta, Michelangelosta, opiskeli Leonardo da Vincin ja Durerin tutkielmia, piirsi ja mittasi muinaisia ​​patsaita, opiskeli anatomiaa ja matematiikkaa. Taidemaalari Nicolas Poussin loi 1620-luvulta lähtien korkean kansalaissoundin maalauksia, jotka loivat klassismin perustan eurooppalaiseen maalaukseen (maalaus "Germanicus'n kuolema"), runollisia sävellyksiä kirjallisista ja mytologisista aiheista, joita leimaa ylevä kuvajärjestys, intensiivisen, hellästi harmonisoidun värin emotionaalisuus ("Rinaldo ja Armida", "Tancred ja Erminia", "Parnassus"). Nicolas Poussinin 1630-luvun teoksissa vallitseva selkeä sävellysrytmi nähdään heijastuksena rationaalisesta periaatteesta, joka antaa suuruutta ihmisen jaloille teoille ("Arkadian paimenet", "Mooseksen löytö"). 1650-luvulta lähtien eettinen ja filosofinen paatos on voimistunut Poussinin työssä. Kääntyessään muinaisen historian juoniin, vertaamalla raamatullisia ja evankeliumin hahmoja klassisen antiikin sankareihin, taiteilija saavutti figuratiivisen äänen täyteyden, kokonaisuuden selkeän harmonian ("Lepää lennossa Egyptiin", "Scipion anteliaisuus"). ). Ideaalimaiseman periaatteita kehittävä Nicolas Poussin tekee luonnosta tarkoituksenmukaisuuden ja täydellisyyden ruumiillistuksen ("Maisema polyphemuksen kanssa", noin 1649, maisemasarja "The Seasons", "Apollo and Daphne"). Mytologisten hahmojen tuominen maisemaan, erilaisten elementtien personoiminen, käyttö niissä

Raamatun tarinoiden jaksoissa Poussin ilmaisi ajatuksia korkeimmasta välttämättömyydestä tai kohtalosta periaatteena, joka säätelee ihmisen ja maailmankaikkeuden välistä suhdetta.

Watteau Jean Antoine (1684-1721), ranskalainen taidemaalari.

Syntynyt Valenciennesin kaupungissa (Pohjois-Ranskassa) katontekijän perheeseen. Tarkkaa syntymäaikaa ei tiedetä. Kastettiin 10. lokakuuta 1684

Noin 1702 Watteau tuli Pariisiin ja aloitti työskentelyn kopioijana. Luxemburgin palatsissa hänellä oli tilaisuus tutkia P. P. Rubensin maalauksia.

Vuonna 1717 Watteau sai akateemikon arvonimen suuresta maalauksesta Pyhiinvaellus Cytheran saarelle. Vuosina 1719-1720. taiteilija vieraili Englannissa. Watteaun työn kukoistusaika oli lyhytikäinen. Alle vuosikymmenen ajan hän maalasi kankaita "Venetsialainen festivaali", "Feast of Love", "Society in the Park", "Joys of Life", "Gilles",

"Metseten", "E. F. Gersenin liikkeen kyltti".

Watteau ei päivättänyt maalauksiaan, mutta todennäköisimmin hänen maalauksestaan ​​tuli vuosien mittaan vaaleampi. Taiteilija teki monia piirustuksia.

Hänen jatkuvat suosikkihahmonsa muistuttavat näyttelijöitä, jotka esittävät pitkän näytelmän Watteaun kankailla. Aikuisena taiteilija teatralisoi yhä enemmän sävellyksiä, joissa luonto (puut, kukkulat) muuttuu maisemaksi. Teatterikohtaukset ja "uljaat juhlat" ovat hänen myöhempien juoniensa pääteemoja. Watteau, erityisesti hänen koristepaneelinsa, vaikutti ratkaisevasti rokokootyylin kehitykseen.

Jean Honore Fragonard (5. huhtikuuta 1732, Grasse - 22. elokuuta 1806, Pariisi), ranskalainen taidemaalari ja graafikko. Hän opiskeli J. B. S. Chardinin ja F. Boucherin johdolla Pariisissa. Vuosina 1756-1761 hän työskenteli Italiassa, jossa hän toteutti maisemapiirustusjaksoja (Rooman ja Napolin esikaupunkien). Kiintymys konkreettiseen, ainutlaatuiseen ja suoraan emotionaaliseen elävässä todellisuudessa sai Fragonardin siirtymään historiallisen maalauksen kokeiluista ("Korez ja Calliroya", 1765, Louvre, Pariisi) arjen genreen, maisemaan ja muotokuvaan. Jatkaessaan Boucherin "uljasen" genren perinteitä, toisinaan kunnioittaen rokokoon tavanomaisuutta ja hienostuneisuutta, Fragonard saavutti samalla erityisen oivalluksen arjen (mukaan lukien kansan) elämän lyyristen kohtausten, intiimien inhimillisten tunteiden sfäärin ja luonnon runoutta. Tuoreudesta ja hienosta koristeellisesta värityksestä, kirjoitusten keveydestä ja temperamentista, tasaisista sävellysrytmeistä erottuvana Fragonardin teokset ovat täynnä herkkää autuutta, täysiveristä elämän nautintoa ("Swing", 1766, Wallace-kokoelma, Lontoo, "Feast in Saint-Cloud" ", 1775, French Bank, Paris; Bathing Naiads, Louvre, Pariisi), ovat tuskin havaittavissa olevaa pilkkaa hahmojen söpöistä tympeistä (Stealth Kiss, Eremitaaši, Leningrad) tai lämmittää vilpitön, hieman sentimentaalinen myötätunto kohtaloa kohtaan. hahmoista (köyhä perhe, A. S. Pushkinin mukaan nimetty taidemuseo, Moskova, "Farmer's Children", Eremitaaši, Leningrad). Chiaroscuro-sävytyksen hienostuneita vaikutuksia ovat ominaisia ​​hänen lukuisille piirustuksilleen (sanguine, bistre, harvemmin seepia) ja etsauksille.

Chardin Jean-Baptiste Simeon (1699-1779) - ranskalainen taidemaalari, P.-J. Casa ja Noel Kuapel.

Auttamalla jälkimmäistä esittämään maalauksissaan tarvikkeita, hän hankki poikkeuksellisen taidon kuvata kaikenlaisia ​​elottomia esineitä ja päätti omistautua yksinomaan niiden jäljentämiseen.

Itsenäisen toimintansa alussa hän maalasi hedelmiä, vihanneksia, kukkia, kuolleita eläimiä, taloustavaroita, metsästysominaisuuksia sellaisella taidolla, että taiteen ystävät luulivat hänen maalauksiaan kuuluisien flaamilaisten ja hollantilaisten taiteilijoiden teoksiin ja laajensi valikoimaa vasta vuodesta 1739 alkaen. hänen aiheistaan ​​kohtauksia köyhien ihmisten kotielämästä ja muotokuvia.

Tämän toisen luokan maalaukset, jotka erottuivat naivista sisällön yksinkertaisuudestaan, värien vahvuudesta ja harmoniasta, siveltimen pehmeydestä ja rikkaudesta, jopa enemmän kuin Chardinin aikaisemmat teokset, nostivat hänet useista nykytaiteilijoista ja vahvistivat häntä. hänen merkittävimmistä paikoistaan ​​ranskalaisen maalauksen historiassa. Vuonna 1728 hänet määrättiin Pariisin taideakatemiaan, vuonna 1743 hänet valittiin sen neuvonantajiksi, vuonna 1750 hän otti sen rahastonhoitajan tehtävän; lisäksi hän oli vuodesta 1765 lähtien Rouenin tiede-, kirjallisuus- ja kuvataiteen akatemian jäsen.

Tunnetuimmat niistä ovat "Korttilinna", "Rukous ennen illallista", "Ahkera äiti", "Paljas jänis ja metsästystarvikkeet", "Hedelmät marmoripöydällä" ja "Taiteen ominaisuudet", "Kolme poikaa puhaltaa saippuakuplia". ", "Keittiön pöytä tarvikkeineen ja astioineen", Madame Geoffrinin muotokuva, "Tyttö lukemassa kirjettä", "Palu torilta", "Keitä kuorii nauriit" ja toistoja "Rukous ennen illallista", toisto "Castle of Kortit" ja "Rukoukset ennen illallista" ja "Pesijanaiset", "Nuori nainen kirjoamassa mattoa", "Palvelija kaatamassa vettä kannuun", "Rikkoutunut jänis ja kuparinen pata" sekä "Pesuja" ja "Rukoukset ennen illallista" toistoja ja "Äiti ja lapsi".

Klassismin ja rokokoon taidetta

Nicolas Poussin - klassistinen taidemaalari

Klassismin huippu maalauksessa, Ranskan akatemia julisti taiteilijan työn Nicolas Poussin(1594-1665). Hänen elämänsä aikana häntä kutsuttiin "taitavimmaksi ja kokeneimmaksi nykyajan siveltimen mestareiksi", ja hänen kuolemansa jälkeen hänet julistettiin "ranskalaisen maalauksen majakkaksi".

Klassismin ideoiden elävänä edustajana Poussin kehitti luovan menetelmän, joka perustui omaan käsitykseensä kauneuden laeista. Hän näki ihanteensa kokonaisuuden osien suhteellisuudesta, muotojen ulkoisesta järjestyksestä, harmoniasta ja selkeydestä. Hänen maalauksiaan erottaa tasapainoinen sommittelu, jäykkä, matemaattisesti varmennettu tilan organisointijärjestelmä, tarkka piirustus ja hämmästyttävä rytmitaju, joka perustuu muinaiseen musiikillisten moodien teoriaan.

Poussinin mukaan taiteellisen totuuden ja kauneuden pääkriteerit ovat järki ja ajatus. Tätä hän vaati luomaan tavalla, "kuten luonto ja järki sen opettavat". Aiheita valitessaan Poussin piti etusijalla sankarillisia tekoja ja tekoja, jotka perustuivat korkeisiin kansalaismotiiveihin eivätkä alhaisiin inhimillisiin intohimoihin.

Taiteen pääaihe taiteilijan mukaan on se, mikä liittyy ajatukseen ylevästä ja kauniista, joka voi toimia esikuvana ja keinona kasvattaa ihmisen parhaita moraalisia ominaisuuksia. Poussin omisti työnsä sankarillisen miehen ylistämiselle, joka kykenee tuntemaan ja muuttamaan luonnon voimakkaan mielen voimalla. Hänen suosikkisankarinsa ovat vahvoja, vahvatahtoisia ihmisiä, joilla on korkeat moraaliset ominaisuudet. He joutuvat usein dramaattisiin tilanteisiin, jotka vaativat erityistä malttia, hengen suuruutta ja luonteen voimaa. Taidemaalari välitti heidän yleviä tunteitaan asennoilla, ilmeillä ja eleillä.

Historiallisista aiheista Poussin valitsi vain ne, joissa oli toimintaa, liikettä ja ilmaisua. Hän aloitti maalauksen työskentelyn tutkimalla huolellisesti jotakin kirjallista lähdettä (Pyhä Raamattu, Ovidiuksen Metamorfoosit tai T. Tasson Jerusalem Liberated). Jos hän saavutti asetetut tavoitteet, taiteilija ei ajatellut hahmojen monimutkaista sisäistä elämää, vaan toiminnan huipentumaa. Henkinen kamppailu, epäilykset ja pettymykset jäivät taustalle. Poussinin tavallinen juonenkaava oli seuraava: "Noppa heitetään, päätös on tehty, valinta on tehty" (Yu. K. Zolotov).

Hänen mielestään klassismin ideoiden tulisi heijastaa kuvan koostumusta. Hän asetti improvisaation vastakkain tarkoin harkittuun yksittäisten hahmojen ja pääryhmien järjestelyyn.

Visuaalisen tilan tulee olla helposti nähtävissä, suunnitelmien tulee seurata selvästi toisiaan. Itse toimintoa varten tulee varata vain pieni alue taustalla. Useimmissa Poussinin maalauksissa kuvan diagonaalien leikkauspiste osoittautuu sen tärkeimmäksi semanttiseksi keskukseksi.

Poussinin maalausten kompositiojärjestelmä rakentui kahdelle periaatteelle: muotojen tasapainolle (ryhmien rakentaminen keskustan ympärille) ja niiden vapaalle suhteelle (siirtymä pois keskustasta). Näiden kahden periaatteen vuorovaikutus mahdollisti poikkeuksellisen vaikutelman sävellyksen järjestyksestä, vapaudesta ja liikkuvuudesta.

Poussinin taiteellisessa järjestelmässä värillä on suuri merkitys. Tärkeimpien värikkäiden äänien keskinäinen suhde saavutettiin refleksijärjestelmän ansiosta: sävellyksen keskellä olevaan intensiiviseen väriin liittyy yleensä pehmeät neutraalit värit.

Nicolas Poussin on kirjoittanut lukuisia maalauksia mytologisista, historiallisista, uskonnollisista aiheista sekä maisemista. Niistä löytyy lähes aina kiillotettuja, ajatuksia ja draamaa täynnä olevia misan-kohtauksia. Kääntyessään kaukaiseen menneisyyteen hän ei kertonut uudelleen, vaan loi luovasti uudelleen, ajatteli uudelleen tunnettuja tarinoita.

N. Poussinin maalaus "Arcade Shepherds"- yksi taiteilijan työn huipuista, jossa klassismin ideat ovat löytäneet täyden ja elävän ilmentymän. Se osoittaa kirjailijan halun veistokselliseen muotojen selkeyteen, piirustuksen plastiseen täydellisyyteen ja tarkkuuteen, geometrisen koostumuksen selkeyteen ja tasapainoon kultaleikkauksen periaatetta käyttäen. Mittasuhteiden ankaruus, tasainen, selkeä lineaarinen rytmi välitti täydellisesti ideoiden ja hahmojen ankaruuden ja yleyden.

Kuva perustuu syvään filosofiseen ajatteluun maallisen olemassaolon hauraudesta ja kuoleman väistämättömyydestä. Neljä paimenta, onnellisen Arkadian (etelä-Kreikan alue, joka symboloi ikuista vaurautta, rauhallista elämää ilman sotia, sairauksia ja kärsimystä) asukkaita, löytävät vahingossa pensaiden välistä haudan, jossa on teksti: ”Iya oli Arkadiassa. Mutta nyt minä en ole elävien joukossa, niin kuin sinä, joka nyt luet tätä kirjoitusta, et tule olemaan." Näiden sanojen merkitys saa heidät ajattelemaan... Yksi paimenista kumarsi nöyrästi päänsä ja laski kätensä hautakivelle. Toinen, polvistui, kulkee sormellaan kirjainten läpi yrittäen lukea puoliksi pyyhittyyn kirjoitukseen.

Kolmas, joka ei ota käsiään pois surullisista sanoista, nostaa kysyvän katseen toveriinsa. Oikealla oleva nainen katsoo myös rauhallisesti kirjoitusta. Hän laittoi kätensä hänen olkapäälleen, ikään kuin yrittäessään auttaa häntä tulemaan toimeen väistämättömän lopun ajatuksen kanssa. Siten naisen hahmo nähdään henkisen rauhan keskipisteenä, tuona filosofisena tasapainona, johon kirjailija tuo katsojan.

Poussin pyrkii selkeästi luomaan yleisiä kuvia, jotka ovat lähellä muinaisen kauneuden kaanoneja: ne ovat todella fyysisesti täydellisiä, nuoria ja täynnä voimaa. Monilta osin muinaisia ​​patsaita muistuttavat hahmot ovat avaruudessa tasapainossa. Kirjoituksissaan taiteilija käytti ilmeistä chiaroscuroa.

Kuvan taustalla oleva syvä filosofinen ajatus ilmaistaan ​​kristallinkirkkaassa ja klassisen tiukassa muodossa. Kuten roomalaisessa kohokuviossa, päätoiminta tapahtuu suhteellisen matalalla edustalla. Kuvan koostumus on äärimmäisen yksinkertainen ja looginen: kaikki on rakennettu huolellisesti harkittuun tasapainoisten liikkeiden rytmiin ja siihen sovelletaan yksinkertaisimpia geometrisia muotoja, jotka saavutetaan matemaattisen laskennan tarkkuuden ansiosta. Hahmot on ryhmitelty lähes symmetrisesti hautakiven lähelle, ja niitä yhdistää käsien liike ja pitkittyneen tauon tunne. Kirjoittaja onnistuu luomaan kuvan ihanteellisesta ja harmonisesta maailmasta, joka on järjestetty mielen korkeampien lakien mukaan.

Poussinin maalausten koloristinen järjestelmä perustui yleensä kirjoittajan uskomukseen, että väri on tärkein tilan tilavuuden ja syvyyden luomiskeino. Tasoihin jakautumista korosti yleensä voimakkaiden värien yhteensopivuus. Etualalla vallitsi yleensä keltainen ja ruskea väri, toisessa - lämmin, vihreä, kolmannessa - kylmä, pääasiassa sininen. Tässä kuvassa kaikki on klassisen kauneuden lakien alaista: kylmän taivaan värien yhteentörmäys lämpimän etualan kanssa ja alaston ihmiskehon kauneus, joka välittyy tasaisessa hajavalaistuksessa, havaittiin erityisen tehokkaasti ja ylevästi taustaa vasten. seesteisen maiseman vehreistä lehdistä.

Yleisesti ottaen kuva oli täynnä piilotetun surun, rauhan ja idyllisen mielenrauhan tunnetta. Stoinen sovinto kohtalon kanssa, viisas, arvokas kuoleman hyväksyminen liitti Poussinin klassismin muinaiseen maailmankuvaan. Ajatus kuolemasta ei aiheuttanut epätoivoa, vaan se nähtiin olemisen lakien väistämättömänä ilmentymänä.

"Galantin genren" mestarit: Rokokoomaalaus

Rokokoomaalauksen pääteemoja ovat hoviaristokratian hieno elämä, "uljaat juhlat", idylliset kuvat "paimenen" elämästä koskemattoman luonnon taustalla, monimutkaisten rakkaussuhteiden maailma ja nerokkaat allegoriat. Ihmiselämä on välitöntä ja ohikiitävää, ja siksi on välttämätöntä saada kiinni "onnellisesta hetkestä", kiirehtiä elämään ja tuntemaan. "Hienollisten ja ilmavien pienten esineiden henki" (M. Kuzmin) tulee monen "kuninkaallisen tyylin" taiteilijan työn leitmotiiviksi.

Useimmille rokokoomaareille Venus, Diana, nymfit ja kupidot ylittävät kaikki muut jumalat. Kaikenlaiset "uiminen", "aamukäymälät" ja välittömät nautinnot ovat nyt melkein kuvan pääaihe. Eksoottiset värinimet tulevat muotiin: "pelästyneen nymfin reiden väri" (liha), "maidossa kelluvan ruusun väri" (vaaleanpunainen), "kadonneen ajan väri" (sininen). Hyvin harkitut, sirot klassismin sävellykset väistyvät tyylikkäälle ja hienostuneelle kuviolle.

Antoine Watteau(1684-1721) aikalaiset kutsuivat "huolimattoman vapaa-ajan runoilijaksi", "armon ja kauneuden laulajaksi". Teoksissaan hän vangitsi piknikkejä ikivihreissä puistoissa, musiikki- ja teatterikonsertteja luonnon helmassa, intohimoisia tunnustuksia ja rakastajien riitoja, idyllisiä treffejä, balleja ja naamiaisia. Samaan aikaan hänen maalauksissaan on koskettavaa surua, kauneuden ohimenevyyden tunnetta ja tapahtumien ohimenevää luonnetta.

Yksi taiteilijan kuuluisista maalauksista - "Pyhiinvaellus Cytheran saarelle", jonka ansiosta hänet hyväksyttiin Royal Academy of Painting and Sculpture -akatemiaan ja hän sai arvonimen "uljakkaiden juhlien mestari". Viehättävät naiset ja uljaat herrat kokoontuivat merenlahden kukkien täyttämälle rannalle. He purjehtivat Cytheran saarelle - rakkauden ja kauneuden jumalattaren Venuksen saarelle (tunnistettu kreikkalaisen rakkauden jumalattaren Afroditen kanssa), missä hän legendan mukaan nousi meren vaahdosta. Rakkauden festivaali alkaa patsaalla, joka kuvaa Venusta ja Amoreita, joista yksi laskeutuu laskemaan laakeriseppeleen kauneimmalle jumalattarelle. Patsaan juurella on pinottu aseita, haarniskoja, lyyraa ja kirjoja - sodan, taiteen ja tieteen symboleja. No, rakkaus voi todella voittaa kaiken!

Toiminta etenee kuin elokuva, joka kertoo peräkkäin jokaisen rakastuneen parin kävelystä. Hahmojen välisessä suhteessa vihjeiden kieli hallitsee: yhtäkkiä

heitellyt katseet, tytön käsissä olevan fanin kutsuva ele, kesken lauseen katkennut puhe... Ihmisen ja luonnon harmonia tuntuu kaikessa. Mutta on jo ilta, kultainen auringonlasku värittää taivaan. Rakkauden loma hiipuu ja täyttää rakastuneiden parien huolettoman hauskanpidon surulla. Hyvin pian he palaavat laivaansa, mikä vie heidät epätodellisesta maailmasta jokapäiväisen todellisuuden maailmaan. Ihana purjevene - rakkauden laiva - on valmis purjehtimaan. Lämpimät, pehmeät värit, vaimeat värit, kevyet siveltimen vedot, jotka tuskin koskettivat kangasta - kaikki tämä luo erityisen charmin ja rakkauden tunnelman.

Ja taas rakastan maapalloa

Mitkä ovat auringonlaskun säteet niin juhlallisia,

Kevyellä siveltimellä Antoine Watteau

Kosketti sydäntäni kerran.

G. Ivanov

Watteaun maalaus kuuluu todellisiin mestariteoksiin. Gilles (Pierrot), luotu opasteeksi liikkuvien koomikkojen esityksiin. Gilles on ranskalaisen naamiokomedian pää- ja suosikkihahmo, joka on sopusoinnussa italialaisen dell'arten komedian sankarin Pierrot'n kanssa. Kömpelö, naiivi olento näyttää olevan erityisesti luotu näppärän ja ovelan Harlequinin jatkuvaa pilkkaamista ja temppuja varten. Gilles on kuvattu perinteisessä valkoisessa puvussa, jossa on viitta ja pyöreä hattu. Hän seisoo liikkumattomana ja eksyksissä katsojan edessä, kun taas muut koomikot asettuvat lepäämään. Hän näyttää etsivän keskustelukumppania, joka pystyy kuuntelemaan ja ymmärtämään häntä. Koomikon naurettavassa asennossa, jonka kädet ovat löysät ja silmät kiinni, on jotain koskettavaa ja suojaamatonta. Tylsän väsyneessä ja surullisessa ulkonäössä piileskeli ajatus ihmisen yksinäisyydestä, joka oli pakotettu huvittamaan ja viihdyttämään kyllästynyttä yleisöä. Sankarin emotionaalinen avoimuus tekee hänestä yhden maailmanmaalauksen historian syvällisimmistä ja merkityksellisimmistä kuvista.

Taiteellisesti maalaus on loistava. Motiivin ja sommittelun äärimmäinen yksinkertaisuus yhdistyy tässä tarkkaan kuvioon ja huolellisesti harkittuun värimaailmaan. Kummitusvalkoinen huppari on maalattu huolellisin ja samalla rohkein siveltimen vedoin. Kimaltelevat vaalean hopeiset, tuhka-lila, harmahtavan okran sävyt virtaavat ja hohtavat, murtuvat sadoiksi vapiseviksi kohokohtiksi. Kaikki tämä luo hämmästyttävän ilmapiirin kuvan syvän filosofisen merkityksen havaitsemiseen. Miten täällä voi olla eri mieltä erään hänen aikalaisensa lausunnosta: "Watto ei kirjoita maaleilla, vaan hunajalla, sulalla meripihkalla."

Francois Boucher(1703-1770) piti itseään uskollisena Watteaun oppilaana. Jotkut kutsuivat häntä "armon taiteilijaksi", "maalauksen Anacreoniksi", "kuninkaaliseksi maalariksi". Jälkimmäinen näki hänessä "tekopyhäisen taiteilijan", "jolla on kaikkea paitsi totuus". Toiset taas huomauttivat skeptisesti: "Hänen kätensä poimii ruusuja sieltä, missä muut löytävät vain piikkejä."

Taiteilijan sivellin kuuluu useisiin seremoniallisiin muotokuviin kuningas Ludvig XV:n rakastajatar, markiisi de Pompadour. Tiedetään, että hän holhosi Bushia, tilasi hänelle useammin kuin kerran maalauksia uskonnollisista aiheista maaseudulle ja pariisilaisiin kartanoihin. kuvassa "Madam de Pompadour" sankaritar esitellään hajallaan olevien kukkien ja ylellisten esineiden ympäröimänä, jotka muistuttavat hänen taiteellista makuaan ja harrastuksiaan. Hän nojaa kuninkaallisesti rehevien, juhlavien verhojen taustaa vasten. Hänen kädessään oleva kirja on selkeä vihje valistuksesta ja sitoutumisesta älyllisiin tavoitteisiin. Markiisi de Pompadour kiitti avokätisesti taiteilijaa ja nimitti hänet ensin Gobelin-manufaktuurin johtajaksi ja sitten Taideakatemian presidentiksi ja antoi hänelle "kuninkaan ensimmäisen maalarin" tittelin.

Francois Boucher kääntyi useammin kuin kerran kuvaamaan kevytmielisiä kohtauksia, joiden päähenkilöt olivat söpöjä, ujoja paimentyttärejä tai pulleita alastomia tyttöjä mytologisen Venuksen ja Dianan muodossa. Hänen maalauksensa ovat täynnä moniselitteisiä vihjeitä, pikantteja yksityiskohtia (paimenen satiinihameen kohotettu helma, kylpevän Dianan kekseliäästi kohotettu jalka, suuhun painettu sormi, kaunopuheinen, kutsuva ilme, rakastajaisten jalkoihin takertuvat karitsat , suudella kyyhkysiä jne.). No, taiteilija tunsi aikakautensa muodin ja maut erittäin hyvin!

Maailman maalauksen historiassa Francois Boucher on edelleen upea värien ja hienon piirustuksen mestari. Nokkelat koostumukset, epätavalliset hahmojen kulmat, rikkaat värikorostukset, läpinäkyvien värien kirkkaat heijastukset pienillä, kevyillä vedoilla, tasaiset, virtaavat rytmit - kaikki tämä tekee F. Boucherista vertaansa vailla olevan maalarin. Hänen maalauksensa muuttuvat koristepaneeleiksi, koristavat käytävien ja olohuoneiden reheviä sisätiloja, kutsuvat onnen, rakkauden ja kauniiden unien maailmaan.