Varhainen hollantilainen maalaus(harvoin vanha hollantilainen maalaus) on yksi pohjoisen renessanssin vaiheista, aikakausi hollantilaisessa ja erityisesti flaamilaisessa maalauksessa, joka kattaa noin vuosisadan Euroopan taiteen historiassa 1400-luvun toisesta neljänneksestä alkaen. Myöhäisgoottilainen taide korvataan tällä hetkellä varhaisrenessanssilla. Jos myöhäisgootti, joka ilmestyi Ranskassa, loi yleismaailmallisen taiteen muotokielen, johon monet hollantilaiset maalauksen mestarit osallistuivat, niin kuvatulla ajanjaksolla Alankomaiden alueella muodostui selvästi tunnistettava itsenäinen maalauskoulu, jolle oli ominaista realistinen kirjoitustapa, joka ilmaantui ensisijaisesti muotokuvagenressä.

Tietosanakirja YouTube

• 1 / 5

  Näillä alueilla on 1300-luvulta lähtien tapahtunut kulttuurisia ja sosiologisia muutoksia: kirkko taideteosten pääasiakkaana on korvattu maallisilla suojelijalla. Alankomaat taiteen keskuksena alkoi syrjäyttää myöhäisgootiikan taidetta Ranskan hovissa.

  Alankomaita yhdisti Ranskaan myös yhteinen Burgundialainen dynastia, joten flaamilaiset, vallonialaiset ja hollantilaiset taiteilijat löysivät helposti töitä Ranskasta Anjoun, Orleansin, Berryn ja itse Ranskan kuninkaan hovissa. Erinomaiset kansainvälisen gootiikan mestarit, Geldernin Limburgin veljekset olivat pohjimmiltaan ranskalaisia ​​taiteilijoita. Harvinaista poikkeusta Melchior Bruderlamia lukuun ottamatta kotimaahansa Alankomaihin jäivät vain alemman tason maalarit.

  Varhaisen hollantilaisen maalauksen lähtökohtana suppeassa merkityksessä on Jan van Eyck, joka valmistui vuonna 1432 päämestariteoksensa - Gentin alttaritaulun - parissa. Jopa aikalaiset pitivät Jan van Eyckin ja muiden flaamilaisten taiteilijoiden töitä "uutena taiteena", aivan uutena. Kronologisesti vanha hollantilainen maalaus kehittyi suunnilleen samaan aikaan kuin Italian renessanssi.

  Muotokuvan myötä maallinen, yksilöllinen teema nousi ensimmäistä kertaa maalauksen pääaiheeksi. Genremaalaukset ja asetelmat tekivät läpimurtonsa taiteessa vasta Alankomaiden barokkikaudella 1600-luvulla. Varhaisen hollantilaisen maalauksen porvarillinen luonne puhuu uuden ajan tulosta. Aateliston ja papiston lisäksi asiakkaina toimivat yhä useammin rikas aatelisto ja kauppiaat. Maalausten henkilöä ei enää idealisoitu. Katsojan eteen ilmestyy oikeita ihmisiä inhimillisine puutteineen. Rypyt, pussit silmien alla - kaikki ilman koristelua näkyi kuvassa luonnollisesti. Pyhät eivät enää eläneet yksinomaan kirkoissa, he tulivat myös kaupunkilaisten taloihin.

  Maalarit

  Yksi ensimmäisistä uusien taiteellisten näkemysten edustajista Jan van Eyckin ohella pidetään Flemalsky-mestarina, joka tunnetaan tällä hetkellä Robert Campinina. Hänen pääteoksensa on Annunciation alttaritaulu (tai Triptyykki) (toinen nimi: Merode Family Altarpiece; noin 1425), joka sijaitsee nykyään Cloisters Museumissa New Yorkissa.

  Jan van Eyckin veljen Hubertin olemassaolo on ollut kyseenalaistettu pitkään. Viimeisin tutkimus on osoittanut, että vain muutamissa lähteissä mainittu Hubert van Eyck oli vain Gentin koulukunnan keskinkertainen taiteilija, jolla ei ollut perhesuhdetta eikä muutakaan yhteyttä Jan van Eyckiin.

  Rogier van der Weydeniä, joka todennäköisesti osallistui Meroden triptyykin työhön, pidetään Kampenin oppilaana. Hän vuorostaan ​​vaikutti Dirk Boatsiin ja Hans Memlingiin. Memlingin aikalainen oli Hugo van der Gus, joka mainittiin ensimmäisen kerran vuonna 1465.

  Sarjasta erottuu tämän ajan salaperäisin taiteilija Hieronymus Bosch, jonka työ ei ole vielä saanut yksiselitteistä tulkintaa.

  Näiden suurten mestareiden ohella mainitsemisen arvoisia ovat varhaiset hollantilaiset taiteilijat, kuten Petrus Christus, Jan Provost, Colin de Koeter, Albert Bouts, Gosvin van der Weyden ja Quentin Masseys.

  Silmiinpistävä ilmiö oli leidenilaisten taiteilijoiden Cornelis Engelbrechtsen ja hänen oppilaidensa Artgen van Leiden ja Lucas van Leiden työ.

  Varhaisten hollantilaisten taiteilijoiden töistä on säilynyt vain pieni osa tähän päivään asti. Lukemattomat maalaukset ja piirustukset joutuivat ikonoklasmin uhreiksi uskonpuhdistuksen ja sotien aikana. Lisäksi monet teokset vaurioituivat vakavasti ja vaativat kallista kunnostusta. Jotkut teokset ovat säilyneet vain kopioina, kun taas useimmat ovat kadonneet lopullisesti.

  Varhaisten hollantilaisten ja flaamilaisten töitä on edustettuna maailman suurimmissa taidemuseoissa. Jotkut alttarit ja maalaukset ovat kuitenkin edelleen vanhoissa paikoissaan - kirkoissa, katedraaleissa ja linnoissa, kuten Gentin alttari Pyhän Bavon katedraalissa Gentissä. Nyt voit kuitenkin katsoa sitä vain paksun panssaroidun lasin läpi.

  Vaikutus

  Italia

  Renessanssin synnyinpaikassa Italiassa Jan van Eyck nautti suurta kunnioitusta. Muutama vuosi taiteilijan kuoleman jälkeen humanisti Bartolomeo Fazio jopa soitti van Eyckille "Prinssi vuosisadan maalareiden joukossa".

  Vaikka italialaiset mestarit käyttivät monimutkaisia ​​matemaattisia ja geometrisia työkaluja, erityisesti perspektiivijärjestelmää, flaamit onnistuivat näyttämään "todellisuuden" oikein ilman suuria, kuten näyttää, vaikeuksia. Maalausten toiminta ei enää tapahtunut samalla tavalla kuin gootissa samaan aikaan samalla näyttämöllä. Tilat on kuvattu perspektiivin lakien mukaisesti, ja maisemat ovat lakanneet olemasta kaavamaista taustaa. Leveä, yksityiskohtainen tausta vie katseen äärettömyyteen. Ja vaatteet, huonekalut ja kalusteet esiteltiin valokuvaustarkkuudella.

  Espanja

  Ensimmäiset todisteet pohjoisen maalaustekniikoiden leviämisestä Espanjassa löytyvät Aragonin valtakunnasta, johon kuuluivat Valencia, Katalonia ja Baleaarit. Jo vuonna 1431 kuningas Alphonse V lähetti hovimaalarinsa Louis Dalmaun Flanderiin. Vuonna 1439 Bruggesta kotoisin oleva taiteilija Louis Alimbrot muutti ateljeestaan ​​Valenciaan ( Luis Alimbrot, Lodewijk Allyncbrood). Jan van Eyck vieraili Valenciassa luultavasti jo vuonna 1427 osana burgundialaista valtuuskuntaa.

  Valencia, tuolloin yksi Välimeren merkittävimmistä keskuksista, houkutteli taiteilijoita kaikkialta Euroopasta. Perinteisten "kansainvälisen tyylin" taidekoulujen lisäksi työpajoja työskenteli sekä flaamilaisella että italialaisella tyylillä. Täällä kehittyi niin kutsuttu "espanjalais-flaamilainen" taiteen suunta, jonka pääedustajina pidetään Bartolome Bermejoa.

  Kastilian kuninkaat omistivat useita kuuluisia Rogier van der Weydenin, Hans Memlingin ja Jan van Eyckin teoksia. Lisäksi vierailevasta taiteilijasta Juan de Flandesista ("Flanderin Jan", sukunimi tuntematon) tuli kuningatar Isabellan hovimuotokuvamaalari, joka loi perustan espanjalaisen hovin muotokuvan realistiselle koulukunnalle.

  Portugali

  Itsenäinen maalauskoulu syntyi Portugalissa 1400-luvun jälkipuoliskolla hovimaalari Nuño Gonçalvesin Lissabonin työpajassa. Tämän taiteilijan työ on täysin eristyksissä: hänellä ei näytä olevan edeltäjiä eikä seuraajia. Flanderin vaikutus näkyy erityisesti hänen polyptyykkissään "Saint Vincent" Jan van Eyck und seine Zeit. Flamische Meister und der Süden 1430-1530. Ausstellungskatalog Brügge, Stuttgart 2002. Darmstadt 2002.

• Bodo Brinkmann: Die flämische Buchmalerei am Ende des Burgunderreichs. Der Meister des Dresdner Gebetbuchs und die Miniaturisten seiner Zeit. Turnhout 1997. ISBN 2-503-50565-1
• Birgit Franke, Barbara Welzel (Hg.): Die Kunst der burgundischen Niederlande. Eine Einführung. Berliini 1997. ISBN 3-496-01170-X
• Max Jakob Friedländer: Altniederländische Malerei. 14 Bde. Berliini 1924-1937.
• Erwin Panofsky: Die altniederländische Malerei. Ihr Ursprung und Wesen.Übersetzt und hrsg. von Jochen Sander ja Stephan Kemperdick. Koln 2001. ISBN 3-7701-3857-0 (Alkuperäinen: Varhainen alankomaalainen maalaus. 2 bde. Cambridge (Mass.) 1953)
• Otto Pacht: Van Eyck, die Begründer der altniederländischen Malerei. München 1989. ISBN 3-7913-1389-4
• Otto Pacht: Altniederländische Malerei. Von Rogier van der Weyden on Gerard David. Hrsg. von Monika Rosenauer. München 1994. ISBN 3-7913-1389-4
• Jochen Sander, Stephan Kemperdick: Der Meister von Flémalle und Rogier van der Weyden: Die Geburt der neuzeitlichen Malerei: Eine Ausstellung des Städel Museums, Frankfurt am Main und der Gemäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin Ostfildern: Hatje Cantz Verlag, 2008
• norbert wolf: Trecento und Altniederländische Malerei. Kunst-Epochen, Bd. 5 (Reclams Universal Bibliothek 18172).

06.05.2014

Frans Halsin elämänpolku oli yhtä kirkas ja intensiivinen kuin hänen maalauksensa. Tähän asti maailma tietää tarinoita Halsin humalassa tappeluista, joita hän silloin tällöin järjesti suurten lomapäivien jälkeen. Luonteeltaan niin iloinen ja eloisa taiteilija ei voinut saada kunnioitusta maassa, jossa kalvinismi oli valtionuskonto. Frans Hals syntyi Antwerpenissä vuoden 1582 alussa. Hänen perheensä lähti kuitenkin Antwerpenistä. Vuonna 1591 Khalit saapuivat Haarlemiin. Fransin pikkuveli syntyi täällä...

10.12.2012

Jan Steen on yksi kuuluisimmista hollantilaisen maalauskoulun edustajista 1600-luvun puolivälissä. Tämän taiteilijan teoksista et löydä monumentaalisia tai tyylikkäitä kankaita, eläviä muotokuvia suurista ihmisistä tai uskonnollisia kuvia. Itse asiassa Jan Steen on arkisten kohtausten mestari, joka on täynnä aikakautensa hauskaa ja kimaltelevaa huumoria. Hänen maalauksensa kuvaavat lapsia, juoppoja, tavallisia ihmisiä, guleeneja ja monia, monia muita. Jan syntyi eteläisessä Hollannin maakunnassa, Leidenin kaupungissa noin vuonna 1626...

07.12.2012

Kuuluisan hollantilaisen taiteilijan Hieronymus Boschin työt ovat edelleen epäselvästi kriitikoiden ja vain taiteen ystävien mielestä. Mitä Boschin kankailla on kuvattu: alamaailman demoneita vai vain synnin turmelemia ihmisiä? Kuka Hieronymus Bosch oikein oli: pakkomielle psykopaatti, lahko, visionääri vai vain suuri taiteilija, eräänlainen muinainen surrealisti, kuten Salvador Dali, joka ammentaa ajatuksia alitajunnasta? Ehkä hänen elämänsä...

24.11.2012

Kuuluisa hollantilainen taiteilija Pieter Brueghel vanhin loi värikkään kirjoitustyylinsä, joka erosi merkittävästi muista renessanssin maalareista. Hänen maalauksensa ovat kuvia kansansatiirisesta eeposta, kuvia luonnosta ja kylän elämästä. Jotkut teokset kiehtovat sommittelullaan - niitä haluaa katsoa ja katsoa, ​​kiistellen siitä, mitä taiteilija tarkalleen halusi välittää katsojalle. Brueghelin kirjoitusten ja maailmannäkemysten erikoisuus tuo mieleen varhaisen surrealistin Hieronymus Boschin töitä...

26.11.2011

Han van Meegeren (koko nimi - Henrikus Antonius van Meegeren) syntyi 3. toukokuuta 1889 yksinkertaisen opettajan perheeseen. Poika vietti kaiken vapaa-aikansa rakkaan opettajansa, jonka nimi oli Korteling, työpajassa. Isä ei pitänyt tästä, mutta Korteling onnistui kehittämään pojassa maun ja kyvyn jäljitellä antiikin kirjoitustapaa. Van Meegeren sai hyvän koulutuksen. Hän aloitti 18-vuotiaana Delft Institute of Technologyn, jossa hän suoritti arkkitehtuurin kurssin. Samaan aikaan hän opiskeli...

13.10.2011

Kuuluisaa hollantilaista taiteilijaa Johannes Jan Vermeeriä, joka tunnetaan myös nimellä Delftin Vermeeri, pidetään oikeutetusti yhtenä hollantilaisen taiteen kulta-ajan kirkkaimmista edustajista. Hän oli genremuotokuvien ja niin sanotun arkimaalauksen mestari. Tuleva taiteilija syntyi lokakuussa 1632 Delftin kaupungissa. Jan oli perheen toinen lapsi ja ainoa poika. Hänen isänsä oli taidekauppias ja silkkikutoja. Hänen vanhempansa olivat ystäviä taiteilija Leonart Breimerin kanssa, joka...

18.04.2010

Jo valmiiksi hakkeroitu lause, että kaikki nerot ovat vähän hulluja, sopii täydellisesti suuren ja loistavan post-impressionistin taidemaalarin Vincent van Goghin kohtaloon. Eläessään vain 37 vuotta, hän jätti rikkaan perinnön - noin 1000 maalausta ja saman määrän piirustuksia. Tämä luku on vieläkin vaikuttavampi, kun huomaat, että Van Gogh omisti alle 10 vuotta elämästään maalaamiseen. 30. maaliskuuta 1853 Etelä-Hollannissa sijaitsevassa Grot-Zundertin kylässä syntyi poika Vincent. Vuotta aiemmin papin perheessä, jossa hän syntyi ...

Hollanti. 17. vuosisata Maa kokee ennennäkemätöntä vaurautta. Niin kutsuttu "kultainen aika". 1500-luvun lopulla useat maan maakunnat itsenäistyivät Espanjasta.

Nyt protestanttinen Alankomaat kulki omaa tietä. Ja katolinen Flanderi (nykyisin Belgia) Espanjan siiven alla - omansa.

Itsenäisessä Hollannissa melkein kukaan ei tarvinnut uskonnollista maalausta. Protestanttinen kirkko ei hyväksynyt koristelun ylellisyyttä. Mutta tämä seikka "pelattiin käsiin" maallisen maalauksen.

Kirjaimellisesti jokainen uuden maan asukas heräsi rakkauden tämäntyyppiseen taiteeseen. Hollantilaiset halusivat nähdä kuvissa oman elämänsä. Ja taiteilijat menivät mielellään tapaamaan heitä.

Koskaan aikaisemmin ympäröivää todellisuutta ei ole kuvattu näin paljon. Tavallisia ihmisiä, tavalliset huoneet ja kaupunkilaisen tavallisin aamiainen.

Realismi kukoisti. 1900-luvulle asti se tulee olemaan arvokas kilpailija akatemismille nymfien ja kreikkalaisten jumalattareineen.

Näitä taiteilijoita kutsutaan "pieniksi" hollantilaiksi. Miksi? Maalaukset olivat kooltaan pieniä, koska ne luotiin pieniin taloihin. Joten melkein kaikki Jan Vermeerin maalaukset ovat korkeintaan puoli metriä korkeita.

Mutta pidän toisesta versiosta enemmän. Alankomaissa 1600-luvulla asui ja työskenteli suuri mestari, "iso" hollantilainen. Ja kaikki muut olivat "pieniä" häneen verrattuna.

Puhumme tietysti Rembrandtista. Aloitetaan hänestä.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Omakuva 63-vuotiaana. 1669 Lontoon kansallisgalleria

Rembrandtilla oli elämänsä aikana mahdollisuus kokea laajimman kirjon tunteita. Siksi hänen varhaisissa teoksissaan on niin paljon hauskaa ja rohkeutta. Ja niin monia monimutkaisia ​​tunteita - myöhemmissä.

Täällä hän on nuori ja huoleton maalauksessa "Tuhlaajapoika tavernassa". Polvillaan on Saskian rakas vaimo. Hän on suosittu taiteilija. Tilauksia satelee.



Rembrandt. Tuhlaajapoika tavernassa. 1635 Old Masters Gallery, Dresden

Mutta kaikki tämä katoaa noin 10 vuodessa. Saskia kuolee kulutukseen. Suosio katoaa kuin savu. Iso talo ainutlaatuisella kokoelmalla viedään velkoja vastaan.

Mutta sama Rembrandt ilmestyy, joka pysyy vuosisatoja. Hahmojen alastomia tunteita. Heidän salaisimmat ajatuksensa.

2. Frans Hals (1583-1666)



Frans Hals. Omakuva. 1650 Metropolitan Museum of Art, New York

Frans Hals on yksi kaikkien aikojen suurimmista muotokuvamaalajista. Siksi luokittaisin hänet myös "isojen" hollantilaisten joukkoon.

Hollannissa oli tuolloin tapana tilata ryhmämuotokuvia. Niinpä samankaltaisia ​​töitä oli paljon, joissa kuvattiin yhdessä työskenteleviä ihmisiä: yhden killan ampujia, yhden kaupungin lääkäreitä, hoitokodin johtajia.

Tässä genressä Hals erottuu eniten. Loppujen lopuksi suurin osa näistä muotokuvista näytti korttipakalta. Ihmiset istuvat pöydän ääressä sama ilme kasvoillaan ja vain katsovat. Hals oli erilainen.

Katso hänen ryhmäkuvaansa "Arrows of the Guild of St. George".



Frans Hals. Pyhän kiltan nuolet. George. 1627 Frans Hals -museo, Haarlem, Alankomaat

Täältä et löydä yhtään toistoa asennossa tai ilmeessä. Samaan aikaan täällä ei ole kaaosta. Hahmoja on monia, mutta kukaan ei vaikuta tarpeettomalta. Kiitos yllättävän oikealle figuurijärjestelylle.

Kyllä, ja yhdessä muotokuvassa Hals ylitti monet taiteilijat. Hänen mallinsa ovat luonnollisia. Hänen maalauksissaan korkean yhteiskunnan ihmiset ovat vailla kaukaa haettua loistoa, eivätkä mallit pohjasta näytä nöyryytetyiltä.

Ja hänen hahmonsa ovat hyvin tunteellisia: he hymyilevät, nauravat, elehtivät. Kuten esimerkiksi tämä "mustalainen" ovelalla ilmeellä.



Frans Hals. mustalainen. 1625-1630

Hals, kuten Rembrandt, päätti elämänsä köyhyyteen. Samasta syystä. Hänen realisminsa oli vastoin asiakkaiden makua. Kuka halusi kaunistaa ulkonäköään. Hals ei halunnut suoranaista imartelua ja allekirjoitti siten oman tuomionsa - "Oblivion".

3. Gerard Terborch (1617-1681)



Gerard Terborch. Omakuva. 1668 Mauritshuis Royal Gallery, Haag, Alankomaat

Terborch oli kotimaisen genren mestari. Rikkaat ja harvoin porvarit puhuvat hitaasti, naiset lukevat kirjeitä ja ostaja tarkkailee seurustelua. Kaksi tai kolme lähekkäin olevaa hahmoa.

Tämä mestari kehitti kotimaisen genren kaanonit. Sen sitten lainaavat Jan Vermeer, Pieter de Hooch ja monet muut "pienet" hollantilaiset.



Gerard Terborch. Lasillinen limonadia. 1660-luku. Valtion Eremitaaši, Pietari

A Glass of Lemonade on yksi Terborchin kuuluisista teoksista. Se osoittaa taiteilijan toisen edun. Uskomattoman realistinen kuva mekon kankaasta.

Terborchilla on myös epätavallisia teoksia. Mikä kertoo hänen halustaan ​​ylittää asiakkaiden vaatimukset.

Hänen "Grinder" näyttää Hollannin köyhimpien asukkaiden elämän. Olemme tottuneet näkemään "pienten" hollantilaisten kuvissa viihtyisiä sisäpihoja ja siistejä huoneita. Mutta Terborch uskalsi näyttää houkuttelemattoman Hollannin.



Gerard Terborch. Hiomakone. 1653-1655 Berliinin valtion museot

Kuten ymmärrät, tällaisilla teoksilla ei ollut kysyntää. Ja ne ovat harvinaisia ​​jopa Terborchissa.

4. Jan Vermeer (1632-1675)



Jan Vermeer. Taiteilijan työpaja. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Wien

Miltä Jan Vermeer näytti, ei tiedetä varmasti. On vain ilmeistä, että maalauksessa "Taiteilijan työpaja" hän kuvasi itseään. Totta takaapäin.

Siksi on yllättävää, että mestarin elämästä on äskettäin tullut tunnetuksi uusi tosiasia. Se liittyy hänen mestariteokseensa "Street of Delft".



Jan Vermeer. Delft Street. 1657 Rijksmuseum Amsterdamissa

Kävi ilmi, että Vermeer vietti lapsuutensa tällä kadulla. Kuvassa oleva talo kuului hänen tädilleen. Hän kasvatti siellä viisi lastaan. Hän saattaa istua kynnyksellä ompelemassa, kun hänen kaksi lastaan ​​leikkivät jalkakäytävällä. Vermeer itse asui vastapäätä olevassa talossa.

Mutta useammin hän kuvasi näiden talojen ja niiden asukkaiden sisustusta. Vaikuttaa siltä, ​​​​että maalausten juonet ovat hyvin yksinkertaisia. Tässä on kaunis nainen, varakas kaupunkilainen, tarkastamassa vaakojensa toimintaa.



Jan Vermeer. Nainen painoilla. 1662-1663 National Gallery of Art, Washington

Miten Vermeer erottui tuhansien muiden "pienten" hollantilaisten joukosta?

Hän oli vertaansa vailla oleva valon mestari. Maalauksessa ”Woman with Scales” valo peittää hellästi sankarittaren kasvot, kankaat ja seinät. Antaa kuvalle tuntemattoman henkisyyden.

Ja Vermeerin maalausten koostumukset tarkistetaan huolellisesti. Et löydä yhtään ylimääräistä yksityiskohtaa. Riittää, kun poistat yhden niistä, kuva "murtuu" ja taika katoaa.

Kaikki tämä ei ollut helppoa Vermeerille. Tällainen hämmästyttävä laatu vaati huolellista työtä. Vain 2-3 maalausta vuodessa. Seurauksena on kyvyttömyys ruokkia perhettä. Vermeer työskenteli myös taidekauppiaana ja myi muiden taiteilijoiden teoksia.

5. Pieter de Hooch (1629-1684)



Peter de Hooch. Omakuva. 1648-1649 Rijksmuseum, Amsterdam

Hochia verrataan usein Vermeeriin. He työskentelivät samaan aikaan, oli jopa aikakausi samassa kaupungissa. Ja yhdessä genressä - kotitalous. Hochissa näemme myös yhden tai kaksi hahmoa viihtyisissä hollantilaispihoissa tai -huoneissa.

Avoimet ovet ja ikkunat tekevät hänen maalaustensa tilasta monitasoisen ja viihdyttävän. Ja hahmot sopivat tähän tilaan erittäin harmonisesti. Kuten esimerkiksi hänen maalauksessaan "Palvelija tytön kanssa pihalla".



Peter de Hooch. Piika tytön kanssa pihalla. 1658 Lontoon kansallisgalleria

1900-luvulle asti Hochia arvostettiin suuresti. Mutta harvat ihmiset huomasivat hänen kilpailijansa Vermeerin harvat teokset.

Mutta 1900-luvulla kaikki muuttui. Hochin loisto haihtui. Hänen saavutuksiaan maalauksessa on kuitenkin vaikea olla tunnustamatta. Harva osaa yhdistää ympäristöä ja ihmisiä niin osaavasti.



Peter de Hooch. Kortinpelaajat aurinkohuoneessa. 1658 Royal Art Collection, Lontoo

Huomaa, että vaatimattomassa talossa kankaalle "Korttisoittimet" on kuva kalliissa kehyksessä.

Tämä kertoo jälleen kerran, kuinka suosittu maalaus oli tavallisten hollantilaisten keskuudessa. Kuvia koristasi joka talo: varakkaan porvarin, vaatimattoman kaupunkilaisen ja jopa talonpojan talo.



6. Jan Steen (1626-1679)



Jan Stan. Omakuva luutulla. 1670-luku Thyssen-Bornemisza-museo, Madrid

Jan Steen on ehkä iloisin "pieni" hollantilainen. Mutta rakastava moralisointi. Hän kuvasi usein tavernoja tai köyhiä taloja, joista löydettiin pahe.

Sen päähenkilöt ovat nautiskelijoita ja helpon hyveen naisia. Hän halusi viihdyttää katsojaa, mutta implisiittisesti varoittaa häntä ilkeästä elämästä.



Jan Stan. Kaaos. 1663 Art History Museum, Wien

Stanilla on myös hiljaisempia töitä. Kuten esimerkiksi "aamu-wc". Mutta tässäkin taiteilija yllättää katsojan liian rehellisillä yksityiskohdilla. Mukana on sukkapurukumin jälkiä, ei tyhjää kammiota. Ja jotenkin se ei ole ollenkaan niin, että koira makaa tyynyllä.



Jan Stan. Aamu wc. 1661-1665 Rijksmuseum, Amsterdam

Mutta kaikesta kevytmielisyydestä huolimatta Stanin värimaailmat ovat erittäin ammattimaisia. Tässä hän ohitti monet "pienet hollantilaiset". Katso, kuinka punaiset sukat sopivat täydellisesti sinisen takin ja kirkkaan beigen maton kanssa.

7. Jacobs Van Ruysdael (1629-1682)



Ruisdaelin muotokuva. Litografia 1800-luvun kirjasta.

Hollantilaiset taiteilijat antoivat suuren panoksen mestarien työhön, jotka aloittivat työnsä 1600-luvulla eivätkä ole lopettaneet tähän päivään asti. Heillä oli kuitenkin vaikutusta paitsi kollegoihinsa, myös kirjallisuuden (Valentin Proust, Donna Tartt) ja valokuvauksen (Ellen Cooy, Bill Gekas ja muut) ammattilaisiin.

Kehityksen alku

Vuonna 1648 Hollanti itsenäistyi, mutta uuden valtion muodostamiseksi Alankomaiden oli kestettävä Espanjan kosto, joka tuhosi tuolloin noin 10 tuhatta ihmistä Flanderin kaupungissa Antwerpenissä. Teurastuksen seurauksena Flanderin asukkaat muuttivat Espanjan viranomaisten hallinnassa olevilta alueilta.

Tämän perusteella olisi loogista myöntää, että riippumattomien hollantilaisten taiteilijoiden sysäys tuli juuri flaamilaisesta luovuudesta.

1600-luvulta lähtien on esiintynyt sekä valtion- että taiteenaloja, mikä on johtanut kahden kansallisuuden rajaaman taidekoulun muodostumiseen. Niillä oli yhteinen alkuperä, mutta merkeissä ne erosivat melko paljon. Kun Flanderi pysyi katolisuuden siipien alla, Hollanti koki täysin uuden kukinnan 1600-luvulta lähtien.

hollantilainen kulttuuri

1600-luvulla uusi valtio lähti vasta kehityspolulle katkaisemalla yhteyden menneen aikakauden taiteeseen.

Taistelu Espanjan kanssa laantui vähitellen. Kansallinen mieliala alettiin jäljittää kansanpiireissä erottuaan aiemmin viranomaisten määräämästä katolisesta uskonnosta.

Protestanttisella valtavallalla oli kiistanalainen näkemys sisustamisesta, mikä johti uskonnollisia aiheita koskevien teosten vähenemiseen ja myöhemmin vain maallisen taiteen käsiin.

Todellista ympäröivää todellisuutta ei ole koskaan aikaisemmin kuvattu kuvissa näin usein. Hollantilaiset taiteilijat halusivat teoksissaan näyttää tavallista arkea ilman koristelua, hienostuneita makuja ja jaloutta.

Maallinen taiteellinen räjähdys synnytti lukuisia suuntauksia, kuten maisema, muotokuva, arkigenre ja asetelma (jota edes Italian ja Ranskan kehittyneimmät keskukset eivät tienneet olevan olemassa).

Hollantilaisten realismistaiteilijoiden oma näkemys muotokuvista, maisemista, sisustustöistä ja asetelmamaalauksista herätti kaikkien yhteiskunnan sektoreiden kiinnostuksen tätä taitoa kohtaan.

Näin ollen 1600-luvun hollantilaista taidetta kutsuttiin "hollantilaisen maalauksen kulta-ajaksi", mikä turvasi sen aseman Alankomaiden maalaustaiteen merkittävimpänä aikakautena.

On tärkeää tietää: on olemassa virheellinen mielipide, että hollantilainen koulu kuvasi vain ihmisen olemassaolon keskinkertaisuutta, mutta noiden aikojen mestarit tuhosivat röyhkeästi kehyksen fantastisten teoksiensa avulla (esimerkiksi "Maisema Johannes Kastajan kanssa " kirjoittanut Bloomart).

1600-luvun hollantilaisia ​​taiteilijoita. Rembrandt

Rembrandt Harmensz van Rijnia pidetään yhtenä Hollannin suurimmista taiteellisista henkilöistä. Taiteilijan toiminnan lisäksi hän harjoitti myös kaivertamista ja häntä pidettiin oikeutetusti chiaroscuron mestarina.

Hänen perintönsä on rikas yksilöllisen monimuotoisuuden suhteen: muotokuvia, genrekohtauksia, asetelmia, maisemia sekä maalauksia historian, uskonnon ja mytologian aiheista.

Hänen kykynsä hallita chiaroscuroa teki mahdolliseksi lisätä ihmisen emotionaalista ilmaisukykyä ja henkisyyttä.

Muotokuvien parissa hän työskenteli ihmisten ilmeiden parissa.

Sydäntäsärkevien traagisten tapahtumien yhteydessä hänen myöhempiä teoksiaan täytti hämärä valo, joka paljasti ihmisten syvät tunteet, minkä seurauksena loistavista teoksista ei tullut ketään kiinnostavaa.

Ulkoinen kauneus oli tuolloin muodissa ilman yrityksiä sukeltaa syvyyksiin, samoin kuin naturalismi, joka oli ristiriidassa suoran realismin kanssa.

Maalauksen "Tuhlaajapojan paluu" voi nähdä jokainen venäläinen kuvataiteen ystävä, sillä tämä teos on Pietarin Eremitaašissa.



Frans Hals

Frans Hals on suuri hollantilainen taiteilija ja merkittävä muotokuvamaalari, joka auttoi tuomaan vapaan kirjoittamisen genren venäläiseen taiteeseen.

Teos, joka toi hänelle mainetta, oli vuonna 1616 kirjoitettu maalaus "St. Georgen kiväärikomppanian upseerien juhla".



Hänen tuolloin muotokuvatyönsä oli liian luonnollista, mikä oli poissa nykyajan tasosta. Koska taiteilija jäi väärinymmärretyksi, hän, kuten suuri Rembrandt, päätti elämänsä köyhyyteen. Gypsy Woman (1625-1630) on yksi hänen tunnetuimmista teoksistaan.



Jan Steen

Jan Steen on yksi nokkelimmista ja hauskimmista hollantilaisista taiteilijoista ensi silmäyksellä. Nauramalla sosiaalisia paheita hän halusi turvautua sosiaalisen satiirin taitoon. Hän viihdyttää katsojaa harmittomilla, hauskoilla kuvilla nautiskelijoista ja helpon hyveellisistä naisista, varoitti itse asiassa sellaisesta elämäntavasta.



Taiteilijalla oli myös rauhallisempia maalauksia, esimerkiksi teos "Morning Toilet", joka ensi silmäyksellä vaikutti täysin viattomalta toiminnalta. Mutta jos katsot tarkasti yksityiskohtia, voit olla yllättynyt heidän paljastuksistaan: nämä ovat jälkiä sukkahousuista, jotka ovat aiemmin puristaneet jalkojasi, ja ruukku, joka on täynnä jotain sopimatonta yöllä, sekä koira, joka antaa itsensä olla oikeassa. emännän tyynyllä.



Parhaissa omissa teoksissaan taiteilija oli kollegansa edellä tyylikkäästi taidokas väripalettien ja varjojen hallinta.

Muita hollantilaisia ​​taiteilijoita

Tässä artikkelissa listattiin vain kolme valoisaa henkilöä kymmenistä, jotka ansaitsevat olla samassa listassa heidän kanssaan:




Joten tässä artikkelissa tutustuit 1600-luvun hollantilaisiin taiteilijoihin ja heidän työhönsä.

Huomautus. Listalla on Hollannin taiteilijoiden lisäksi myös Flanderin taidemaalareita.

1400-luvun hollantilaista taidetta
Renessanssin taiteen ensimmäiset ilmentymät Alankomaissa juontavat juurensa 1400-luvun alusta. Ensimmäiset maalaukset, jotka voidaan luokitella jo varhaisrenessanssin muistomerkkeiksi, ovat veljesten Hubert ja Jan van Eyckin luomia. Molemmilla - Hubert (kuoli vuonna 1426) ja Jan (noin 1390-1441) - oli ratkaiseva rooli Hollannin renessanssin muodostumisessa. Hubertista ei tiedetä juuri mitään. Jan oli ilmeisesti erittäin koulutettu henkilö, opiskeli geometriaa, kemiaa, kartografiaa, suoritti joitain Burgundin herttuan Philip Hyvän diplomaattisia tehtäviä, jonka palveluksessa hän muuten matkusti Portugaliin. Renessanssin ensimmäiset askeleet Alankomaissa voidaan arvioida 1400-luvun 20-luvulla tehtyjen veljien kuvateosten perusteella, kuten "Myrhaa kantavat naiset haudalla" (mahdollisesti osa polyptyykkiä; Rotterdam, Museum Boijmans-van Beiningen), "Madonna kirkossa" (Berliini), "Saint Jerome" (Detroit, Art Institute).

Van Eyckin veljekset ovat poikkeuksellinen paikka nykytaiteessa. Mutta he eivät olleet yksin. Samaan aikaan muut taidemaalarit työskentelivät heidän kanssaan, tyylillisesti ja ongelmallisella tavalla. Heidän joukossaan ensimmäinen paikka kuuluu epäilemättä niin sanotulle Flemal-mestarille. Hänen todellisen nimensä ja alkuperänsä selvittämiseksi on tehty monia nerokkaita yrityksiä. Näistä vakuuttavin versio, jonka mukaan tämä taiteilija saa nimen Robert Campin ja melko kehittyneen elämäkerran. Aiemmin nimeltään alttarin mestari (tai "annunciation") Merode. On myös epäuskottava näkemys, joka liittää hänen teoksiensa nuoren Rogier van der Weydenin.

Kampinista tiedetään, että hän syntyi 1378 tai 1379 Valenciennesissa, sai mestarin arvonimen Tournaissa vuonna 1406, asui siellä, teki maalausten lisäksi monia koristeteoksia, oli useiden maalarien (mukaan lukien Rogier van) opettaja. der Weyden, josta keskustellaan jäljempänä, vuodesta 1426, ja Jacques Dare vuodesta 1427) ja kuoli vuonna 1444. Kampinin taide säilytti arkipäiväisiä piirteitä yleisessä "panteistisessa" järjestelmässä ja osoittautui siten hyvin läheiseksi seuraavan sukupolven alankomaalaisia ​​maalareita. Rogier van der Weydenin ja Campinista äärimmäisen riippuvaisen kirjailijan Jacques Daren varhaiset teokset (esimerkiksi hänen tieteiden palvonta ja Marian ja Elisabetin tapaaminen, 1434-1435; Berliini) paljastavat selvästi kiinnostuksen taidetta kohtaan. tämän mestarin, joka varmasti aikatrendi näkyy.

Rogier van der Weyden syntyi vuonna 1399 tai 1400 ja kuoli vuonna 1464. Jotkut Hollannin renessanssin suurimmista taiteilijoista (esim. Memling) opiskelivat hänen kanssaan, ja hänet tunnettiin laajalti paitsi kotimaassaan myös Italiassa (kuuluisa tiedemies ja filosofi Nikolai Cusalainen kutsui häntä suurimmaksi taiteilijaksi; myöhemmin Dürer pani merkille hänen työnsä). Rogier van der Weydenin työt toimivat ravitsevana perustana useille seuraavan sukupolven maalareille. Riittää, kun sanotaan, että hänen työpajallaan - ensimmäinen näin laajasti järjestetty työpaja Alankomaissa - oli vahva vaikutus yhden mestarin tyylin leviämiseen, ennennäkemättömällä tavalla 1400-luvulla, ja se syrjäytti tämän tyylin lopulta stensiilitekniikoiden summaan. toimi jopa maalauksen jarruna vuosisadan lopulla. Ja silti 1400-luvun puolivälin taidetta ei voida pelkistää Rogier-perinteeseen, vaikka se liittyykin siihen läheisesti. Toinen tapa on ilmennyt ensisijaisesti Dirik Boutsin ja Albert Ouwaterin teoksissa. Heille, kuten Rogierille, panteistinen elämänihailu on jokseenkin vieras, ja heille ihmiskuva menettää yhä enemmän kosketuksen maailmankaikkeuden kysymyksiin - filosofisiin, teologisiin ja taiteellisiin kysymyksiin, jotka saavat yhä enemmän konkreettisuutta ja psykologista varmuutta. Mutta Rogier van der Weyden, korotetun dramaattisen äänen mestari, yksilöllisiin ja samalla yleviin kuviin pyrkivä taiteilija, kiinnosti pääasiassa ihmisen henkisten ominaisuuksien aluetta. Boutsin ja Ouwaterin saavutukset ovat kuvan arjen autenttisuuden vahvistamisessa. Muodollisista ongelmista kiinnostuneita olivat enemmän kysymykset, jotka liittyivät ei niinkään ilmaisullisten kuin visuaalisten ongelmien ratkaisemiseen (ei kuvan terävyys ja värin ilmaisu, vaan kuvan tilaorganisaatio ja valon luonnollisuus, luonnollisuus ja ilmaympäristö).

Nuoren naisen muotokuva, 1445, Taidegalleria, Berliini


Saint Ivo, 1450, National Gallery, Lontoo


Pyhä Luukas maalasi kuvan Madonnasta, 1450, Groningenin museo, Brugge

Mutta ennen kuin siirrytään tarkastelemaan näiden kahden taidemaalarin töitä, on syytä pohtia pienemmän mittakaavan ilmiötä, joka osoittaa, että vuosisadan puolivälin taiteen löydöt ovat samalla jatkoa van Eyck-Kampenin perinteet ja luopuminen niistä olivat molemmissa ominaisuuksissa syvästi perusteltuja. Konservatiivisempi taidemaalari Petrus Christus osoittaa selvästi tämän luopumuksen historiallisen väistämättömyyden jopa taiteilijoille, jotka eivät ole taipuvaisia ​​radikaaleihin löytöihin. Vuodesta 1444 lähtien Christuksesta tuli Bruggen kansalainen (hän ​​kuoli siellä 1472/1473) - eli hän näki van Eyckin parhaat teokset ja syntyi hänen perinteensä vaikutuksesta. Turvautumatta Rogier van der Weydenin terävään aforismiin Christus saavutti yksilöllisemmän ja erottuvan luonnehdinnan kuin van Eyck. Hänen muotokuvansa (E. Grimston - 1446, Lontoo, National Gallery; karthusialainen munkki - 1446, New York, Metropolitan Museum of Art) kuitenkin todistavat samalla kuvien vähenemisestä hänen työssään. Taiteessa halu konkreettiseen, yksilöön ja erityiseen tuli yhä selvemmin esiin. Ehkä nämä suuntaukset ilmenivät selkeimmin Boutsin työssä. Rogier van der Weydeniä (syntynyt vuosina 1400–1410) nuorempi hän oli kaukana tämän mestarin dramaattisuudesta ja analyyttisuudesta. Ja kuitenkin, varhainen Bouts tulee monella tapaa Rogierilta. Alttaritaulu, jossa on "Discent from the Cross" (Granada, katedraali) ja monet muut maalaukset, kuten "The Tombment" (Lontoo, National Gallery), todistavat tämän taiteilijan työn syvällisestä tutkimuksesta. Mutta omaperäisyys on jo havaittavissa täällä - Bouts antaa hahmoilleen enemmän tilaa, häntä ei kiinnosta niinkään tunneympäristö kuin toiminta, sen prosessissa hänen hahmonsa ovat aktiivisempia. Sama pätee muotokuviin. Loistavassa miehen muotokuvassa (1462; Lontoo, National Gallery), rukoillen kohotetuissa - vaikkakaan ilman korotuksia - silmät, erityinen suulinja ja siististi ristissä kädet ovat niin yksilöllistä väritystä, jota van Eyck ei tiennyt. Jopa yksityiskohdissa voit tuntea tämän persoonallisen kosketuksen. Hieman proosallinen, mutta nerokkaan todellinen pohdiskelu on kaikissa mestarin teoksissa. Hän näkyy parhaiten monihahmoisissa sävellyksessään. Ja erityisesti hänen tunnetuimmassa työssään - Louvainin Pyhän Pietarin kirkon alttarissa (1464-1467). Jos katsoja näkee van Eyckin työn aina luovuuden, luomisen ihmeenä, niin ennen Boutsin teoksia syntyy muita tunteita. Boutsin sävellystyö puhuu hänestä enemmän ohjaajana. Tietäen tällaisen "ohjaajan" menetelmän (eli menetelmän, jossa taiteilijan tehtävänä on järjestellä luonteenomaisia ​​hahmoja, ikään kuin elämästä otettuja, organisoida kohtaus) menestys seuraavina vuosisatoina, on syytä kiinnittää huomiota tämä ilmiö Dirk Boutsin työssä.

Alankomaiden taiteen seuraava askel kattaa 1400-luvun kolme tai neljä viimeistä vuosikymmentä - erittäin vaikeaa aikaa maan ja sen kulttuurin elämälle. Tämä ajanjakso alkaa Jos van Wassenhoven (tai Joos van Gentin; vuosina 1435-1440 - 1476 jälkeen). Taiteilija, jolla oli merkittävä rooli uuden maalauksen kehittämisessä, mutta joka lähti vuonna 1472 Italiaan, sopeutui siellä ja kuuluu orgaanisesti italialaiseen taiteeseen. Hänen alttaritaulunsa "Ristiinnaulitsemisella" (Gent, St. Bavo's Church) todistaa vetovoimasta kerrontaa kohtaan, mutta samalla halusta riistää tarinalta kylmän välinpitämättömyyden. Jälkimmäisen hän haluaa saavuttaa armon ja koristeellisuuden avulla. Hänen alttaritaulunsa on luonteeltaan maallinen, ja sen vaalea värimaailma on rakennettu hienoille värikkäille sävyille.
Tämä ajanjakso jatkuu poikkeuksellisen lahjakkuuden mestarin Hugo van der Goesin työllä. Hän syntyi noin 1435, hänestä tuli mestari Gentissä vuonna 1467 ja kuoli vuonna 1482. Husin varhaisimpiin töihin kuuluu useita Madonnan ja lapsen kuvia, jotka eroavat kuvan lyyrisesti (Philadelphia, Taidemuseo ja Bryssel, Museo), sekä maalaus "Pyhä Anna, Maria lapsen ja lahjoittajan kanssa" (Bryssel, museo). Rogier van der Weydenin löytöjä kehittäessään Hus näkee sävellyksessä ei niinkään tapaa organisoida kuvattua harmonista, vaan keskittymiskeinoa ja kohtauksen tunnesisällön paljastamista. Ihminen on Gusille merkittävä vain henkilökohtaisten tunteidensa voimalla. Samaan aikaan Gusia houkuttelevat traagiset tunteet. Pyhä Genevieven kuva (Valituksen takana) kuitenkin todistaa, että alastomia tunteita etsiessään Hugo van der Goes alkoi kiinnittää huomiota myös sen eettiseen merkitykseen. Portinarin alttarissa Hus yrittää ilmaista uskoaan ihmisen henkisiin kykyihin. Mutta hänen taiteensa tulee hermostuneeksi ja jännittyneeksi. Gusin taiteelliset tekniikat ovat monipuolisia - varsinkin kun hänen on luotava uudelleen ihmisen henkinen maailma. Joskus, kuten paimenten reaktiota välittäessään, hän asettaa läheiset tunteet rinnakkain tietyssä järjestyksessä. Joskus, kuten Marian kuvassa, taiteilija hahmottelee kokemuksen yleisiä piirteitä, joiden mukaan katsoja täydentää tunteen kokonaisuutena. Joskus - kapeasilmäisen enkelin tai Margaritan kuvissa - hän turvautuu kuvan tulkitsemiseen sävellys- tai rytmistekniikoilla. Joskus psykologisen ilmaisun vaikeaselkoisuus muuttuu hänelle luonnehdinnan välineeksi - aivan kuten hymyn heijastus leikkii Maria Baroncellin kuivilla, värittömillä kasvoilla. Ja tauoilla on valtava rooli - tilaratkaisussa ja toiminnassa. Niiden avulla on mahdollista kehittyä henkisesti, täydentää sitä tunnetta, jonka taiteilija on hahmotellut kuvassa. Hugo van der Goesin kuvien luonne riippuu aina roolista, jonka niiden tulisi kokonaisuutena olla. Kolmas paimen on todella luonnollinen, Joosef täysin psykologinen, hänen oikealla puolellaan oleva enkeli on lähes surrealistinen, ja Margaretan ja Magdaleenan kuvat ovat monimutkaisia, synteettisiä ja rakennettu poikkeuksellisen hienovaraisille psykologisille asteituksille.

Hugo van der Goes halusi aina ilmaista, ilmentää kuvissaan ihmisen henkistä pehmeyttä, hänen sisäistä lämpöään. Mutta pohjimmiltaan taiteilijan viimeiset muotokuvat todistavat Husin työn kasvavasta kriisistä, koska hänen henkistä rakennettaan ei synny niinkään yksilön yksilöllisten ominaisuuksien tiedostaminen, vaan ihmisen yhtenäisyyden traaginen menetys ja maailma taiteilijalle. Viimeisessä teoksessa - "Marian kuolema" (Bruges, museo) - tämä kriisi johtaa taiteilijan kaikkien luovien pyrkimysten romahtamiseen. Apostolien epätoivo on toivotonta. Heidän eleensä ovat merkityksettömiä. Kelluu Kristuksen säteilyssä hänen kärsimyksillään se näyttää oikeuttavan heidän kärsimyksensä, ja hänen lävistetyt kämmenensä käännetään katsojalle, ja määrittelemättömän kokoinen hahmo rikkoo laajamittaista rakennetta ja todellisuudentajua. On myös mahdotonta ymmärtää apostolien kokemuksen todellisuuden mittaa, sillä heillä kaikilla on sama tunne. Eikä se ole niinkään heidän kuin taiteilijan. Mutta sen kantajat ovat edelleen fyysisesti todellisia ja psykologisesti vakuuttavia. Samankaltaiset kuvat heräävät henkiin myöhemmin, kun 1400-luvun lopulla Hollannin kulttuurissa vuosisadan vanha perinne (Boschin kanssa) päättyy. Outo siksak muodostaa kuvan sommittelun perustan ja järjestää sen: vain liikkumattomana istuva apostoli, joka katsoo katsojaa, on kallistettu vasemmalta oikealle, kumartunut Maria on oikealta vasemmalle, Kristus, kelluva, on kotoisin. vasemmalta oikealle. Ja sama siksak väreissä: istuvan värin hahmo liittyy Mariaan, joka makaa himmeän sinisellä kankaalla, kaapussa myös sininen, mutta sininen on perimmäistä, äärimmäistä, sitten Kristuksen eteeristä, aineetonta sinisyyttä . Ja apostolien pukujen värit: keltainen, vihreä, sininen - äärettömän kylmä, kirkas, luonnoton. Tunne "Assumption" on alasti. Se ei jätä tilaa toivolle tai ihmisyydelle. Hugo van der Goes meni elämänsä lopussa luostariin, ja hänen viimeisiä vuosiaan varjostivat mielenterveysongelmat. Ilmeisesti näissä elämäkerrallisissa tosiasioissa voidaan nähdä heijastus traagisista ristiriidoista, jotka määrittelivät mestarin taiteen. Husin työ tunnettiin ja arvostettiin, ja se herätti huomiota myös Hollannin ulkopuolella. Jean Clouet Vanhin (Moulinin mestari) sai vahvan vaikutuksen hänen taiteestaan, Domenico Ghirlandaio tunsi Portinarin alttaritaulun ja opiskeli sitä. Hänen aikalaisensa eivät kuitenkaan ymmärtäneet häntä. Hollannin taide kallistui tasaisesti eri polulle, ja muutama jälki Husin töiden vaikutuksesta vain laukaisi näiden muiden suuntausten voiman ja yleisyyden. He ilmenivät suurimmalla täydellisyydellä ja johdonmukaisuudella Hans Memlingin teoksissa.


Maallinen turhamaisuus, triptyykki, keskuspaneeli,



Helvetti, triptyykin "Earthly Vanity" vasen paneeli,
1485, Museum of Fine Arts, Strastbourg

Hans Memling, ilmeisesti syntynyt Seligenstadtissa lähellä Frankfurt am Mainia, vuonna 1433 (kuoli 1494), taiteilija sai erinomaisen koulutuksen Rogierilta ja muutettuaan Bruggeen saavutti siellä laajan suosion. Jo suhteellisen varhaiset teokset paljastavat hänen etsintönsä suunnan. Valon ja ylevän alku sai häneltä paljon maallisempaa ja maallisempaa merkitystä, ja kaikki maallinen - jonkin verran ihanteellista riemua. Esimerkkinä on alttari Madonnan, pyhimysten ja lahjoittajien kanssa (Lontoo, National Gallery). Memling pyrkii säilyttämään todellisten sankariensa arjen ulkonäön ja tuomaan ihanteelliset sankarit lähemmäs heitä. Korotettu alku lakkaa olemasta tiettyjen panteistisesti ymmärrettyjen yleisten maailmanvoimien ilmentymä ja muuttuu ihmisen luonnolliseksi henkiseksi omaisuudeksi. Memlingin työn periaatteet tulevat selvemmin esiin ns. Floreins-alttarissa (1479; Brugge, Memling-museo), jonka päänäyttämö ja oikea siipi ovat pohjimmiltaan ilmaisia ​​kopioita Rogierin Münchenin alttaritaulun vastaavista osista. . Hän pienentää rajusti alttarin kokoa, leikkaa pois Rogierin sävellyksen yläosan ja sivut, vähentää hahmojen määrää ja ikään kuin tuo toiminnan lähemmäs katsojaa. Tapahtuma menettää majesteettisen laajuutensa. Osallistujien kuvilta puuttuu edustavuus ja ne saavat yksityisiä piirteitä, sävellys on pehmeän harmonian sävy, ja väri, säilyttäen puhtauden ja läpinäkyvyyden, menettää täysin Rogierin kylmän, terävän sointumisen. Se näyttää tärisevän vaaleista, kirkkaista sävyistä. Vielä tyypillisempi on Annunciation (noin 1482; New York, Lemanin kokoelma), jossa käytetään Rogierin kaavaa; Marian kuvalle on annettu pehmeän idealisoinnin piirteitä, enkeli on genisioitu merkittävästi ja sisustusesineet on kirjoitettu van Eyckilaisella rakkaudella. Samanaikaisesti italialaisen renessanssin aiheet - seppeleet, putit jne. - tunkeutuvat yhä enemmän Memlingin työhön, ja sävellysrakenne muuttuu yhä mitatummaksi ja selkeämmäksi (triptyykki Madonna ja lapsi, Enkeli ja lahjoittaja, Wien ). Taiteilija yrittää hämärtää rajaa konkreettisen, porvarimaisen alun ja idealisoivan harmonisen välillä.

Memlingin taide herätti pohjoisten provinssien mestareiden huomion. Mutta he olivat kiinnostuneita myös muista piirteistä - niistä, jotka liittyivät Husin vaikutukseen. Pohjoiset provinssit, mukaan lukien Hollanti, jäivät tuolloin jälkeen eteläisistä sekä taloudellisesti että henkisesti. Varhainen hollantilainen maalaus ei yleensä ylittänyt myöhäiskeskiaikaista mutta maakunnallista muottia, eikä sen käsityö koskaan noussut flaamilaisten maalareiden taiteellisuuden tasolle. Vasta 1400-luvun viimeiseltä neljännekseltä tilanne muuttui Hertgen tot sint Jansin taiteen ansiosta. Hän asui Harlemissa St. Johnin munkkien kanssa (joille hän on velkaa lempinimensä - Sint Jans käännöksessä tarkoittaa Pyhää Johannesta) ja kuoli nuorena - 28-vuotiaana (syntynyt Leidenissä (?) noin 1460/65, kuoli Harlemissa 1490-1495). Gertgen tunsi epämääräisesti Husia huolestuneen ahdistuksen. Mutta nousematta traagisiin oivalluksiinsa, hän löysi yksinkertaisen inhimillisen tunteen pehmeän viehätyksen. Hän on lähellä Gusia hänen kiinnostuksensa ihmisen sisäiseen, henkiseen maailmaan. Gertgenin tärkeimpien teosten joukossa on alttaritaulu, joka on kirjoitettu Harlem Johniteille. Siitä on säilynyt oikea, nyt sahattu kaksipuolinen puite. Sen sisäpuoli on suuri monihahmoinen surukohtaus. Gertgen saavuttaa molemmat aikaan asetetut tavoitteet: välittää lämpöä, tunteen inhimillisyyttä ja luoda elinvoimaisesti vakuuttava kerronta. Jälkimmäinen on erityisen havaittavissa lehden ulkopuolella, joka kuvaa Julianus Luopiolaisen Johannes Kastajan jäänteiden polttamista. Toiminnan osallistujilla on liioiteltu ominaisuus, ja toiminta on jaettu useisiin itsenäisiin kohtauksiin, joista jokainen esitetään elävästi havainnoituna. Matkan varrella mestari luo kenties yhden ensimmäisistä ryhmämuotokuvista uuden ajan eurooppalaisessa taiteessa: muotokuvan ominaisuuksien yksinkertaisen yhdistelmän periaatteelle rakennettuna hän ennakoi 1500-luvun töitä. Gertgenin työn ymmärtämiseen antaa paljon hänen "Kristuksen perhe" (Amsterdam, Rijksmuseum), joka esitetään kirkon sisätiloissa ja tulkitaan todelliseksi tilaympäristöksi. Etualalla olevat hahmot pysyvät merkityksellisinä, ilman mitään tunteita, säilyttäen arkisen ilmeensä rauhallisesti arvokkaasti. Taiteilija luo kuvia, luonteeltaan kenties Alankomaiden taiteen porvariisimpia. Samalla on merkittävää, että Hertgen ei ymmärrä arkuutta, hyvännäköistä ja tietynlaista naivisuutta ulkoisesti tunnusmerkkeinä, vaan tietyinä ihmisen henkisen maailman ominaisuuksina. Ja tämä porvarillisen elämäntunteen ja syvän emotionaalisuuden fuusio on tärkeä piirre Hertgenin teoksessa. Ei ole sattumaa, että hän ei antanut sankariensa henkisille liikkeille ylevää yleismaailmallista luonnetta. Hän estää tarkoituksella hahmojaan muuttumasta poikkeuksellisiksi. Tämän vuoksi he eivät näytä yksilöllisiltä. Heillä on hellyyttä eikä muita tunteita tai vieraita ajatuksia, heidän kokemustensa selkeys ja puhtaus tekee heistä kaukana arjen rutiineista. Tästä johtuva kuvan ideaalisuus ei kuitenkaan koskaan vaikuta abstraktilta tai keinotekoiselta. Nämä ominaisuudet erottavat myös yhden taiteilijan parhaista teoksista, "Nativity" (Lontoo, National Gallery), pienen kuvan, joka on täynnä jännityksen ja yllätyksen tunteita.
Gertgen kuoli varhain, mutta hänen taiteensa periaatteet eivät jääneet hämärään. Häntä lähempänä seisova Braunschweigin diptyykin mestari ("St. Bavo", Braunschweig, museo; "Joulu", Amsterdam, Rijksmuseum) ja jotkut muut nimettömät mestarit eivät kuitenkaan niinkään kehittäneet Hertgenin periaatteita, vaan antaneet niille luonteen. yhteinen standardi. Ehkä merkittävin heistä on Mestari Neitsyt inter virgines (nimetty Amsterdamin Rijksmuseumin maalauksen mukaan, joka kuvaa Mariaa pyhien neitsyiden joukossa), jotka eivät niinkään kiintyneet tunteiden psykologiseen oikeutukseen kuin sen ilmaisun terävyyteen pienissä. melko arkipäiväisiä ja joskus lähes tarkoituksella rumia hahmoja (Hautaus, St. Louis, Museum; Valituslaulu, Liverpool; Annunciation, Rotterdam). Mutta myös. hänen työnsä on pikemminkin todiste ikivanhan perinteen uupumuksesta kuin sen kehityksen ilmaisu.

Taiteellisen tason jyrkkä lasku on havaittavissa myös eteläisten maakuntien taiteessa, jonka mestarit olivat yhä taipuvaisempia arjen pienistä yksityiskohdista mukaansa. Muita kiinnostavampi on hyvin kerronnallinen Pyhän Ursulan legendan mestari, joka työskenteli Bruggessa 1400-luvun 80-90-luvuilla ("The Legend of St. Ursula"; Brugge, mustien sisarten luostari), tuntematon kirjoittaja muotokuvista Baroncellin puolisoista (Firenze, Uffizi), jotka eivät olleet vailla taitoa, mutta myös hyvin perinteinen Bruggen mestari Pyhän Lucian legendasta ("St. Lucian alttari", 1480, Brugge, St. Lucia) Jamesin kirkko ja myös polyptyykki, Tallinna, museo). Tyhjän, pikkutaiteen muodostuminen 1400-luvun lopulla on väistämätön vastakohta Hussin ja Hertgenin pyrkimyksille. Ihminen on menettänyt maailmankuvansa pääpilarin - uskon maailmankaikkeuden harmoniseen ja suotuisaan rakenteeseen. Mutta jos tämän laajalle levinnyt seuraus oli vain entisen käsitteen köyhtyminen, niin lähempi tarkastelu paljasti maailmassa uhkaavia ja salaperäisiä piirteitä. Vastatakseen ajan ratkaisemattomiin kysymyksiin käytettiin myöhäiskeskiaikaisia ​​allegorioita, demonologiaa ja synkkiä Pyhän Raamatun ennustuksia. Kasvavien akuuttien sosiaalisten ristiriitojen ja vakavien konfliktien yhteydessä Boschin taide nousi esiin.

Hieronymus van Aken, lempinimeltään Bosch, syntyi Hertogenboschissa (hän ​​kuoli siellä 1516), eli kaukana Alankomaiden tärkeimmistä taidekeskuksista. Hänen varhaisista teoksistaan ​​ei puutu primitiivisyyttä. Mutta jo ne yhdistävät oudolla tavalla terävän ja häiritsevän luonnon elämän tunteen kylmään groteskiseen ihmiskuvaukseen. Bosch vastaa modernin taiteen trendiin - todellisen kaipuullaan, ihmiskuvan konkretisoinnilla ja sitten - sen roolin ja merkityksen vähenemisellä. Hän vie tämän suuntauksen tiettyyn rajaan. Boschin taiteessa esiintyy satiirisia tai paremminkin sarkastisia kuvia ihmiskunnasta. Tämä on hänen "Operaatio tyhmyyden kivien poistamiseksi" (Madrid, Prado). Leikkauksen suorittaa munkki - ja tässä näkee papiston pahan virnistyksen. Mutta se, jolle se on tehty, katsoo tarkkaavaisesti katsojaa, tämä katse saa meidät mukaan toimintaan. Sarkasmi kasvaa Boschin teoksissa, hän esittää ihmiset matkustajina hölmöjen laivalla (maalaus ja piirros sille Louvressa). Hän kääntyy kansanhuumorin puoleen - ja se saa hänen kätensä alla synkän ja katkeran sävyn.
Bosch vakuuttaa elämän synkän, irrationaalisen ja alhaisen luonteen. Hän ei ainoastaan ​​ilmaise maailmankatsomustaan, elämäntajuaan, vaan antaa sille moraalisen ja eettisen arvion. Heinäsuovasta on yksi Boschin merkittävimmistä teoksista. Tässä alttarissa alaston todellisuudentaju sulautuu allegorisyyteen. Heinäsuovasta viitataan vanhaan flaamilaiseen sananlaskuun: "Maailma on heinäsuovasta: ja jokainen ottaa siitä mitä voi napata"; näkyvät ihmiset suutelevat ja soittavat musiikkia enkelin ja jonkin pirullisen olennon välillä; fantastiset olennot vetää vaunua, ja paavi, keisari, tavalliset ihmiset seuraavat sitä iloisesti ja kuuliaisesti: jotkut juoksevat eteenpäin, ryntäävät pyörien väliin ja kuolevat murskattuna. Kaukana oleva maisema ei ole fantastinen eikä upea. Ja kaiken yläpuolella - pilvessä - pieni Kristus kohotetuin käsin. Olisi kuitenkin väärin luulla, että Bosch vetoaa allegoristen vertausten menetelmään. Päinvastoin hän pyrkii varmistamaan, että hänen ajatuksensa ruumiillistuu taiteellisten päätösten olemukseen, jotta se ei näy katsojalle salatun sananlaskun tai vertauksena, vaan yleistävänä ja ehdottomana elämäntapana. Keskiajalta tuntemattomalla hienostuneella fantasialla Bosch asuttaa maalauksensa olennoilla, jotka yhdistävät hassulla tavalla erilaisia ​​eläinmuotoja tai eläinmuotoja elottoman maailman esineisiin, mikä asettaa ne ilmeisen epätodennäköisiin suhteisiin. Taivas muuttuu punaiseksi, linnut purjeineen lentävät ilmassa, hirviömäiset olennot ryömivät poikki maan pinnan. Hevosjalkaiset kalat avaavat suunsa, ja niiden vieressä on rotat, jotka kantavat selässään elävöittäviä puisia koukkuja, joista ihmiset kuoriutuvat. Hevosen lantio muuttuu jättimäiseksi kannuksi ja pyrstöpää hiipii jonnekin ohuilla paljailla jaloilla. Kaikki ryömii ja kaikella on teräviä, naarmuuntuvia muotoja. Ja kaikki on saastuttama energialla: jokainen olento - pieni, petollinen, sitkeä - tarttuu pahaan ja hätäiseen liikkeeseen. Bosch antaa näille fantasmagorisille kohtauksille suurimman vakuuttavan. Hän hylkää etualalla avautuvan toiminnan kuvan ja levittää sen koko maailmalle. Hän antaa monihahmoisille dramaattisille ekstravagantseilleen aavemaisen sävyn sen yleisyydessä. Joskus hän tuo kuvaan jonkin sananlaskun dramatisoinnin - mutta huumoria siitä ei jää jäljelle. Ja keskelle hän asettaa pienen puolustuskyvyttömän Pyhän Antoniuksen hahmon. Tällainen on esimerkiksi Lissabonin museon alttari, jonka keskellä on "Pyhän Antoniuksen kiusaus". Mutta tässä Bosch näyttää ennennäkemättömän terävän, alaston todellisuudentajun (etenkin mainitun alttarin ulko-ovien kohtauksissa). Boschin kypsissä teoksissa maailma on rajaton, mutta sen tilallisuus on erilainen - vähemmän kiihkeä. Ilma näyttää kirkkaammalta ja kosteammalta. Näin on kirjoitettu "John on Patmos". Tämän kuvan kääntöpuolella, jossa Kristuksen marttyyrikuoleman kohtaukset on kuvattu ympyrässä, esitetään hämmästyttäviä maisemia: läpinäkyviä, puhtaita, joissa on laajat avoimet joen tilat, korkea taivas ja muut - traagiset ja intensiiviset (" Ristiinnaulitseminen"). Mutta mitä itsepintaisemmin Bosch ajattelee ihmisiä. Hän yrittää löytää sopivan ilmaisun heidän elämälleen. Hän turvautuu suuren alttarin muotoon ja luo oudon, fantasmagorisen suurenmoisen spektaakkelin ihmisten syntisestä elämästä - "Ilojen puutarhan".

Taiteilijan uusimmissa teoksissa oudosti yhdistyvät hänen aikaisempien teostensa fantasia ja todellisuus, mutta samalla niissä on surullisen sovinnon tunne. Pahojen olentojen rypäleet ovat hajallaan ja levittäytyivät aiemmin voitokkaasti koko kuva-alalle. Erillään, pieninä, ne piiloutuvat edelleen puun alle, ilmestyvät hiljaisista jokisuihkuista tai juoksevat autioiksi kasvaneiden ruohokukkulien läpi. Mutta niiden koko pieneni, he menettivät aktiivisuuden. He eivät enää hyökkää ihmisten kimppuun. Ja hän (tämä on edelleen St. Anthony) istuu heidän välissä - lukee, ajattelee ("St. Anthony", Prado). Bosch ei ollut kiinnostunut yhden ihmisen asemasta maailmassa. Saint Anthony on aikaisemmissa teoksissaan puolustuskyvytön, säälittävä, mutta ei yksin - itse asiassa häneltä on riistetty se osa itsenäisyyttä, joka antaisi hänelle mahdollisuuden tuntea itsensä yksinäiseksi. Nyt maisema liitetään vain yhteen ihmiseen, ja Boschin teoksissa nousee esiin teema ihmisen yksinäisyydestä maailmassa. Boschin myötä 1400-luvun taide päättyy. Boschin työ täydentää tämän puhtaan oivalluksen, sitten intensiivisten etsintöjen ja traagisten pettymysten vaiheen.
Mutta hänen taiteensa personoima suuntaus ei ollut ainoa. Yhtä oireellinen on toinenkin suuntaus, joka liittyy mittaamattoman pienemmän mittakaavan mestarin - Gerard Davidin - työhön. Hän kuoli myöhään - vuonna 1523 (syntyi noin 1460). Mutta kuten Bosch, hän sulki 1400-luvun. Jo hänen varhaiset teoksensa (The Annunciation; Detroit) ovat proosallis-todellista varastoa; 1480-luvun lopun teokset (kaksi maalausta Cambysesin tuomioistuimen juonesta; Brugge, museo) paljastavat läheisen suhteen Bousiin; parempi kuin muut lyyrisen luonteen sävellykset, joissa on kehittynyt, aktiivinen maisemaympäristö ("Rest on the Flight into Egypt"; Washington, National Gallery). Mutta mitä selkeimmin mestarin mahdottomuus ylittää vuosisadan näkyy hänen triptyykissään "Kristuksen kaste" (1500-luvun alku; Brugge, museo). Maalauksen läheisyys, miniatyrisointi näyttää olevan suorassa ristiriidassa kuvan suuren mittakaavan kanssa. Todellisuus hänen näkemyksessään on vailla elämää, uupunut. Värien voimakkuuden takana ei ole henkistä jännitystä eikä tunnetta maailmankaikkeuden arvokkuudesta. Maalaustyylin emali on kylmä, itsenäinen ja vailla emotionaalista keskittymistä.

1400-luku Alankomaissa oli suuren taiteen aikaa. Vuosisadan loppuun mennessä se oli uupunut itsensä. Uudet historialliset olosuhteet, yhteiskunnan siirtyminen toiseen kehitysvaiheeseen aiheuttivat uuden vaiheen taiteen kehityksessä. Se syntyi 1500-luvun alussa. Mutta Alankomaissa maallisen periaatteen, joka on edelleen van Eycksiltä, ​​heidän taiteelleen tyypillisellä yhdistelmällä uskonnollisten kriteerien kanssa arvioitaessa elämänilmiöitä, kyvyttömyyteen havaita henkilöä hänen omavaraisessa suuruudessaan, ulkopuolella Kysymykset hengellisestä yhteydestä maailman tai Jumalan kanssa, Alankomaissa on uusi aikakausi väistämättä vasta koko aikaisemman maailmankuvan vahvimman ja vakavimman kriisin jälkeen. Jos Italiassa korkea renessanssi oli looginen seuraus Quattrocenton taiteesta, niin Alankomaissa tällaista yhteyttä ei ollut. Siirtyminen uuteen aikakauteen osoittautui erityisen kipeäksi, koska se merkitsi monessa suhteessa aikaisemman taiteen kieltämistä. Italiassa murto keskiaikaisista perinteistä tapahtui jo 1300-luvulla, ja Italian renessanssin taide säilytti kehityksensä eheyden koko renessanssin ajan. Hollannissa tilanne on toinen. Keskiaikaisen perinnön käyttö 1400-luvulla vaikeutti vakiintuneiden perinteiden soveltamista 1500-luvulla. Hollantilaisille maalareille 1400- ja 1500-lukujen välinen raja liittyi radikaaliin maailmankuvan murtamiseen.