Tietoa renessanssin taiteilijoista. Varhaisen renessanssin taidemaalarit

Euroopan kansat pyrkivät elvyttämään loputtomien tuhoavien sotien takia menetettyjä aarteita ja perinteitä. Sodat veivät ihmiset pois maan pinnalta ja ihmisten luomat suuret asiat. Ajatus elvyttää antiikin maailman korkea sivilisaatio sai aikaan filosofiaa, kirjallisuutta, musiikkia, luonnontieteiden nousua ja ennen kaikkea taiteen kukoistamista. Aika vaati vahvoja, koulutettuja ihmisiä, jotka eivät pelänneet mitään työtä. Heidän keskuudessaan tuli mahdolliseksi niiden muutaman neron esiintyminen, joita kutsutaan "renessanssin titaaneiksi". Ne, joita kutsumme vain nimellä.

Renessanssi oli pääasiassa italialaista. Siksi ei ole yllättävää, että taide oli tänä aikana Italiassa korkein nousu ja kukoistus. Täällä on kymmeniä nimiä titaaneja, neroita, upeita ja yksinkertaisesti lahjakkaita taiteilijoita.

MUSIIKKI LEONARDO.

Mikä onnekas mies! - monet sanovat hänestä. Hänellä oli harvinainen terveys, komea, pitkä, sinisilmäinen. Nuoruudessaan hänellä oli vaaleat kiharat, ylpeä artikkeli, joka muistuttaa Pyhän Yrjön Donatellaa. Hänellä oli ennenkuulumatonta ja rohkeutta, maskuliinista kykyä. Hän lauloi upeasti, yleisön edessä sävelsi melodioita ja runoja. Hän soitti mitä tahansa soittimia, lisäksi hän loi ne itse.

Leonardo da Vincin taiteelle aikalaiset ja jälkeläiset eivät ole koskaan löytäneet muita määritelmiä kuin "nero", "jumalallinen", "suuri". Samat sanat viittaavat hänen tieteellisiin paljastuksiinsa: hän keksi säiliön, kaivinkoneen, helikopterin, sukellusveneen, laskuvarjon, automaattisen aseen, sukelluskypärän, hissin, ratkaisi akustiikan, kasvitieteen, lääketieteen, kosmografian monimutkaisimmat ongelmat , loi pyöreän teatterin projektin, joka keksittiin vuosisataa aikaisemmin kuin Galileo, kelloheiluri veti nykyisen vesihiihdon, kehitti mekaniikan teoriaa.

Mikä onnekas mies! - monet sanovat hänestä ja alkavat muistaa rakastettuja ruhtinaita ja kuninkaita, jotka etsivät hänen kanssaan tuttavia, silmälaseja ja juhlapäiviä, jotka hän keksi taiteilijana, näytelmäkirjailijana, näyttelijänä, arkkitehtina ja oli hauskaa heille kuin lapsi .

Oliko kuitenkin korjaamaton pitkämaksainen Leonardo onnellinen, jonka jokainen päivä antoi ihmisille ja maailmalle huolta ja valaistumista? Hän näki ennalta luomustensa kauhean kohtalon: viimeisen ehtoollisen tuhoamisen, Francesca Sforzan muistomerkin ampumisen, vähäisen kaupan sekä päiväkirjojensa ja työkirjojensa hirvittävän varkauden. Vain 16 maalausta on säilynyt tähän päivään saakka. Harvat veistokset. Mutta on monia piirustuksia, koodattuja piirustuksia: kuten modernin fantasian sankarit, hän muutti yksityiskohtia suunnittelussaan ikään kuin niin, että toinen ei voinut käyttää sitä.

Leonardo da Vinci työskenteli erilaisissa taiteissa ja tyylilajeissa, mutta maalaus toi hänelle suurimman maineen.

Yksi Leonardon varhaisimmista maalauksista on Madonna with Flower tai Madonna Benoit. Taiteilija toimii jo täällä aitona innovaattorina. Se voittaa perinteisen juoni-kehyksen ja antaa kuvalle laajemman, universaalin inhimillisen merkityksen, joka on äidin iloa ja rakkautta. Tässä teoksessa ilmeni selvästi taiteilijan taiteen monia piirteitä: selkeä hahmojen ja kolmiulotteisten muotojen koostumus, halu lakonismiin ja yleistykseen, psykologinen ilmeikkyys.

Aloitetun teeman jatko oli maalaus "Madonna Litta", jossa taiteilijan työn toinen piirre ilmeni selvästi - kontrastileikki. Teema valmistui maalauksella "Madonna luolassa", jossa todetaan ihanteellinen sävellysratkaisu, jonka ansiosta kuvatut Madonnan, Kristuksen ja enkelien hahmot sulautuvat maisemaan yhtenä kokonaisuutena, jolla on rauhallinen tasapaino ja harmonia.

Yksi Leonardon työn korkeimmista osista on Viimeisen ehtoollisen fresko Santa Maria Della Grazien luostarin ruokatoriossa. Tämä teos hämmästyttää paitsi kokonaiskoostumuksensa myös tarkkuudella. Leonardo ei vain välitä apostolien psykologista tilaa, vaan tekee sen myös hetkellä, kun se saavuttaa kriittisen pisteen, muuttuu psykologiseksi räjähdykseksi ja konfliktiksi. Tämän räjähdyksen aiheuttivat Kristuksen sanat: "Yksi teistä pettää minut." Tässä työssä Leonardo käytti täysin tekniikkaa konkreettisten lukujen vertaamiseksi, minkä ansiosta kukin hahmo näkyy ainutlaatuisena yksilöllisyytenä ja persoonallisuutena.

Leonardin työn toinen huippu oli kuuluisa Mona Lisan tai La Giocondan muotokuva. Tämä työ merkitsi psykologisen muotokuvan genren alkua eurooppalaisessa taiteessa. Sen luomisessa suuri mestari käytti loistavasti koko taiteellisen ilmaisuvälineen arsenaalia: teräviä kontrasteja ja pehmeitä puolisävyjä, jähmettyä liikkumattomuutta ja yleistä sujuvuutta ja vaihtelevuutta, hienovaraisimpia psykologisia vivahteita ja siirtymiä. Koko Leonardon nero on Mona Lisen hämmästyttävän vilkkaassa katseessa, hänen salaperäisessä ja arvoituksellisessa hymyssä, mystisessä sumussa, joka peittää maiseman. Tämä teos on yksi harvinaisimmista taiteen mestariteoksista.

Jokainen, joka on nähnyt Moskovan Louvresta tuodun "La Giocondan", muistaa minuutit täydellisestä kuuroudestaan ​​lähellä tätä pientä kangasta, kaiken parhaan jännitystä itsessäsi. La Gioconda näytti olevan "marsilainen", tuntemattoman edustaja - sen on oltava tulevaisuus, ei ihmisheimon menneisyys, harmonian ruumiillistuma, josta maailma ei ole kyllästynyt eikä koskaan väsy haaveilemasta.

Paljon enemmän voidaan sanoa hänestä. Mietitkö, ettei tämä ole fiktiota tai fantasiaa. Voit esimerkiksi muistaa, kuinka hän ehdotti San Giovannin katedraalin muuttamista - tämä työ hämmästyttää meitä, 1900-luvun asukkaita.

Leonardo sanoi: ”Hyvän taiteilijan on kyettävä maalamaan kaksi pääasiaa: henkilö ja hänen sielunsa esitys. Vai sanotaanko "Kolumbiinista" Pietarin Eremitaašista? Jotkut tutkijat kutsuvat sitä "La Giocondaksi", ei Louvren kankaaksi.

Poika Nardo, se oli hänen nimensä Vincissä: kirjallisuuden notaarin aviopari, joka piti lintuja ja hevosia maapallon parhaisina olentoina. Kaikkien rakastama ja yksinäinen, taivuttavat teräsmiekat ja piirtävät ripustetut. Keksi sillan Bosporinsalmelle ja ihanteellisen kaupungin, joka on kauniimpi kuin Corbusier ja Niemeyer. Laulaa pehmeällä baritonilla ja saa Mona Lisan hymyilemään. Yhdessä viimeisistä muistikirjoistaan ​​tämä onnekas mies kirjoitti: "Minusta tuntui, että opin oppimaan elämään, mutta opin kuolemaan." Sitten hän tiivisti: "Hyvin eletty elämä on pitkä elämä."

Voitteko olla eri mieltä Leonardon kanssa?

SANDRO BOTTICELLI.

Sandro Botticelli syntyi Firenzessä vuonna 1445 nahan parkkijan perheessä.

Ensimmäistä kertaa Botticellin alkuperäistä teosta pidetään "Magien palvonnana" (noin 1740), jossa hänen alkuperäisen tapansa pääomaisuus - unelmaisuus ja hienovarainen runous - on jo ilmennyt täysin. Hänelle annettiin luontainen runoudellisuus, mutta selkeä mietiskelevän surun hehku hänessä kirjaimellisesti kaikessa. Jopa pyhä Sebastian, jota kiduttajiensa nuolet kiduttavat, katsoo häntä mietteliästi ja irti.

1470-luvun lopulla Botticelli tuli lähelle Firenzen todellisen hallitsijan, Lorenzo Medicin, lempinimeltään Magnificent, ympyrää. Lorenzon ylelliseen puutarhaan kokoontui joukko ihmisiä, luultavasti Firenzen valaistuneimpia ja lahjakkaimpia. Siellä on ollut filosofeja, runoilijoita, muusikoita. Kauneuden ihailun ilmapiiri hallitsi, ja taiteen kauneuden lisäksi myös elämän kauneutta arvostettiin. Antiikkia pidettiin ihanteellisen taiteen ja ihanteellisen elämän prototyyppinä, joka kuitenkin havaittiin myöhempien filosofisten kerrosten prisman kautta. Epäilemättä tämän ilmapiirin vaikutuksesta luotiin Botticellin ensimmäinen suuri maalaus "Primavera (kevät)". Tämä on unenomainen, hieno, ihmeellisen kaunis allegoria ikuisesta kierrosta, luonnon jatkuvasta uudistumisesta. Sitä läpäisee monimutkaisin ja hassu musiikkirytmi. Flora, koristeltu kukilla, tanssivista armoista Eedenin puutarhassa edusti kauneuskuvia, joita ei vielä ollut tuolloin, ja teki siksi erityisen kiehtovan vaikutelman. Nuori Botticelli otti heti erinomaisen paikan aikansa mestareiden joukossa.

Nuoren taidemaalarin korkea maine varmisti hänelle tilauksen raamatullisista freskoista Vatikaanin Sixtuksen kappelille, jonka hän loi 1480-luvun alussa Roomassa. Hän kirjoitti kohtauksia Mooseksen elämästä, Korean rangaistus, Dathan ja Aviron, osoittaen hämmästyttävää sävellystaitoa. Antiikkirakennusten klassinen rauhallisuus, jota vastaan ​​Botticelli toi esiin toiminnan, eroaa voimakkaasti kuvattujen hahmojen ja intohimojen dramaattisesta rytmistä; ihmiskehon liike on monimutkaista, sekavaa, kyllästettyä räjähtävällä voimalla; on vaikutelma ravistuneesta harmoniasta, näkyvän maailman puolustuksettomuudesta ajan ja ihmisen tahdon kiihkeän paineen edessä. Sikstuksen kappelin freskot ilmaisivat ensimmäistä kertaa syvää ahdistusta, joka asui Botticellin sielussa, joka vahvistui ajan myötä. Samat freskot heijastavat Botticellin hämmästyttävää kykyä muotokuvamaalarina: jokainen monista maalatuista kasvoista on täysin omaperäisiä, ainutlaatuisia ja unohtumattomia ...

Palattuaan Firenzeen 1480-luvulla Botticelli jatkoi työtä väsymättä, mutta "esimerkkien" rauhallinen selkeys oli jo kaukana. Vuosikymmenen puolivälissä hän kirjoitti kuuluisan Venuksen syntymän. Tutkijat huomauttavat mestarin myöhemmissä teoksissa aiemmin tuntemattoman moralismin, uskonnollisen korotuksen.

Ehkä merkittävämpi kuin myöhäinen maalaus, Botticellin 90-luvun piirustukset - piirrokset Danten jumalalliselle komedialle. Hän maalasi ilmeisellä ja peittämättömällä ilolla; suuren runoilijan näkemykset välittävät rakastavasti ja huolellisesti lukuisien hahmojen mittasuhteiden täydellisyydestä, harkitusta avaruusjärjestelystä, ehtymättömästä kekseliäisyydestä runollisen sanan visuaalisten vastaavien etsinnässä ...

Henkisistä myrskyistä ja kriiseistä huolimatta Botticelli pysyi loppuun asti (hän ​​kuoli vuonna 1510) suurena taiteilijana, taiteensa mestarina. Tämän osoittaa selvästi "Nuoren miehen muotokuvan" jalo veistos, mallin ilmeikäs ominaisuus, joka ei jätä epäilystäkään hänen korkeasta ihmisarvostaan, mestarin vankasta piirustuksesta ja hänen hyväntahtoisesta katseensa.

Sandro Botticelli(1. maaliskuuta 1445 - 17. toukokuuta 1510) - syvästi uskonnollinen henkilö, työskenteli Firenzen kaikissa suurimmissa kirkoissa ja Vatikaanin Sikstuksen kappelissa, mutta taidehistoriassa hän pysyi pääasiassa suurikokoisten runojen kirjoittajana maalauksia klassisen antiikin inspiroimista aiheista - "Kevät" ja "Venuksen syntymä". ...

Botticelli oli pitkään renessanssin jättiläisten varjossa, jotka työskentelivät hänen jälkeensä, kunnes Ison-Britannian esirafaelitit löysivät hänet uudelleen 1800-luvun puolivälissä. maailman taiteen kehityksen korkein kohta.

Syntynyt varakkaan kaupunkilaisen Mariano di Vanni Filipepi perheeseen. Sai hyvän koulutuksen. Hän opiskeli maalausta munkki Filippo Lippin luona ja otti häneltä sen intohimon kuvaamalla koskettavia motiiveja, jotka erottavat Lipin historialliset maalaukset. Sitten hän työskenteli kuuluisan kuvanveistäjän Verrocchion luona. Vuonna 1470 hän järjesti oman työpajan.

Hän otti viivojen hienovaraisuuden ja tarkkuuden toisesta veljestä, joka oli jalokivikauppias. Jonkin aikaa hän opiskeli Leonardo da Vincin luona Verrocchion työpajassa. Botticellin oman kyvyn alkuperäinen ominaisuus on hänen taipumuksensa fantastiseen. Hän otti ensimmäisenä käyttöön antiikin myytin ja allegorian aikansa taiteeseen, ja erityisen rakkaudella hän työskenteli mytologisten aiheiden parissa. Erityisen upea on hänen Venuksensa, joka ui alasti meressä kuoressa, ja tuulien jumalat suihkuttavat hänet ruususateella ja ajavat kuoren rannalle.

Botticellin parhaimpana luomuksena pidetään freskoja, jotka hän aloitti vuonna 1474 Vatikaanin Sikstuksen kappelissa. Valmistui monista Medicin tilaamista maalauksista. Erityisesti hän maalasi Giuliano Medicin, loistavan Lorenzo-veljen, lipun. 1470- ja 1480-luvuilla muotokuvista tuli itsenäinen tyylilaji Botticellin teoksessa (Man with a Medal, n. 1474; Young Man, 1480s). Botticelli tuli tunnetuksi herkästä esteettisestä maustaan ​​ja sellaisista teoksista kuin "Ilmoitus" (1489-1490), "Hylätty" (1495-1500) jne. Elämänsä viimeisinä vuosina Botticelli ilmeisesti jätti maalauksen.

Sandro Botticelli on haudattu Firenzen Onisanti-kirkon perheen hautaan. Testamentin mukaan hänet haudattiin Simonetta Vespuccin haudan lähelle, joka inspiroi mestarin kauneimmat kuvat.

Leonardo di ser Piero da Vinci(15. huhtikuuta 1452, Anchianon kylä, lähellä Vincin kaupunkia lähellä Firenzeä - 2. toukokuuta 1519, - suuri italialainen taiteilija (taidemaalari, kuvanveistäjä, arkkitehti) ja tiedemies (anatomisti, luonnontieteilijä), keksijä, kirjailija, yksi renessanssin taiteen suurimmista edustajista, elävä esimerkki "universaalista ihmisestä".

Nykyaikaisillemme Leonardo tunnetaan ensisijaisesti taiteilijana. Lisäksi on mahdollista, että da Vinci olisi voinut olla kuvanveistäjä: Perugian yliopiston tutkijat - Giancarlo Gentilini ja Carlo Sisi - väittävät, että vuonna 1990 löytämä terrakottapää on ainoa kaatunut Leonardo da Vincin veistostyö meille. Da Vinci itse piti elämänsä eri aikoina kuitenkin ensisijaisesti insinööriä tai tutkijaa. Hän ei käyttänyt paljon aikaa kuvataiteeseen ja työskenteli melko hitaasti. Siksi Leonardon taiteellinen perintö ei ole määrällisesti suuri, ja monet hänen teoksistaan ​​ovat kadonneet tai vahingoittuneet vakavasti. Hänen panoksensa maailman taidekulttuuriin on kuitenkin erittäin tärkeä jopa Italian renessanssin antaman nero-kohortin taustalla. Hänen teostensa ansiosta maalaustaide siirtyi laadullisesti uuteen vaiheeseen sen kehityksessä. Renessanssitaiteilijat, jotka edelsivät Leonardoa, luopuivat päättäväisesti monista keskiaikaisen taiteen sopimuksista. Se oli liike kohti realismia, ja perspektiivin, anatomian, suuremman vapauden tutkimisessa sävellyspäätöksissä on jo saavutettu paljon. Mutta maalauksellisuudessa, maalaustyössä, taiteilijat olivat silti melko tavanomaisia ​​ja rajoitettuja. Kuvan viiva hahmotteli selvästi kohteen, ja kuva näytti maalatulta piirustukselta. Ehdollisin oli maisema, jolla oli toissijainen rooli. ...

Leonardo tajusi ja toteutti uuden maalaustekniikan. Hänen linjallaan on oikeus hämärtää, koska näin me näemme sen. Hän tajusi ilmassa hajoavan valon ilmiön ja sfumaton ulkonäön - katsojan ja kuvatun kohteen välisen sumun, joka pehmentää värikontrasteja ja viivoja. Tämän seurauksena realismi maalauksessa siirtyi laadullisesti uudelle tasolle. ... Renessanssimaalaus botticelli renessanssi

Raphael Santi(28. maaliskuuta 1483 - 6. huhtikuuta 1520) - suuri italialainen taidemaalari, graafikko ja arkkitehti, Umbrian koulun edustaja.

Maalarin poika Giovanni Santi kävi alkuperäisen taiteellisen koulutuksen Urbinossa isänsä Giovanni Santin kanssa, mutta nuorena hän löysi itsensä erinomaisen taiteilijan Pietro Peruginon studiosta. Peruginon maalausten taiteellisella kielellä ja kuvilla, niiden gravitaatiolla kohti symmetristä tasapainoista sävellystä, avaruusratkaisun selkeyttä ja pehmeyttä värin ja valaistuksen ratkaisussa, oli ensisijainen vaikutus nuoren Raphaelin tyyliin.

On myös tarpeen säätää, että Raphaelin luova käsiala sisälsi synteesin tekniikoista ja muiden mestareiden havainnoista. Aluksi Raphael luotti Peruginon kokemukseen, myöhemmin vuorostaan ​​- Leonardo da Vincin, Fra Bartolomeon, Michelangelon löytöihin. ...

Varhaiset teokset (Madonna Conestabile 1502-1503) ovat täynnä armoa, pehmeää lyriikkaa. Hän ylisti ihmisen maallista olemassaoloa, henkisten ja fyysisten voimien harmoniaa Vatikaanin huoneiden maalauksissa (1509-1517) saavutettuaan moitteettoman mittasuhteen, rytmin, mittasuhteiden, värin eufonian, hahmojen ja kuvien ykseyden. majesteettinen arkkitehtoninen tausta ..

Firenzessä, joutuessaan kosketuksiin Michelangelon ja Leonardon luomusten kanssa, Raphael oppi heiltä anatomisesti oikean kuvauksen ihmiskehosta. 25-vuotiaana taiteilija löytää itsensä Roomasta, ja siitä hetkestä lähtien hänen työnsä kukinta alkaa: hän suorittaa monumentaalisia seinämaalauksia Vatikaanin palatsissa (1509-1511), mukaan lukien mestarin mestariteos - fresko "Ateenan koulu", kirjoittaa alttarikoostumuksia ja maalauksia, jotka erottuvat suunnittelun ja toteutuksen harmoniasta, toimii arkkitehtina (Raphael valvoi jonkin aikaa jopa Pyhän Pietarin katedraalin rakentamista). Etsimättä väsymättä ihanteitaan, joka on taiteilijalle Madonnan kuvassa, hän luo täydellisimmän luomuksensa - "Sikstuksen Madonna" (1513), joka on äitiyden ja itsensä kieltämisen symboli. Hänen aikalaisensa tunnustivat Raphaelin maalaukset ja maalaukset, ja pian Santista tuli Rooman taiteellisen elämän keskeinen hahmo. Monet Italian jalot ihmiset halusivat olla yhteydessä taiteilijaan, mukaan lukien Raphaelin läheinen ystävä, kardinaali Bibbien. Taiteilija kuoli 35-vuotiaana sydämen vajaatoimintaan. Rafaelin opiskelijat valmistuivat keskeneräiset Villa Farnesinan, Vatikaanin loggioiden ja muiden teosten maalaukset hänen luonnostensa ja piirustustensa mukaisesti.

Yksi suurrenessanssin taiteen suurimmista edustajista, jonka maalauksille on ominaista kokonaisuuden korostettu tasapaino ja harmonia, sävellyksen tasapaino, mitattu rytmi ja värimahdollisuuksien herkkä käyttö. Viivan moitteeton hallinta ja kyky tiivistää ja tuoda esiin pääasia teki Raphaelista yhden kaikkien aikojen merkittävimmistä piirustuksen mestareista. Raphaelin perintö toimi yhtenä pilarina eurooppalaisen akateemisuuden muodostumisessa. Klassismin kannattajat - veljet Carracci, Poussin, Mengs, David, Ingres, Bryullov ja monet muut taiteilijat - ylistivät Raphaelin perintöä maailman taiteen täydellisimpänä ilmiönä.

Titian Vecellio(1476/1477 tai 1480s - 1576) - italialainen renessanssimaalari. Titianin nimi on samankaltainen renessanssitaiteilijoiden kuin Michelangelon, Leonardo da Vincin ja Raphaelin kanssa. Titian maalasi kuvia raamatullisista ja mytologisista aiheista, hänestä tuli kuuluisa muotokuvamaalarina. Hän sai tilauksia kuninkailta ja paavilta, kardinaaleilta, ruhtinailta ja prinsseiltä. Titian ei ollut edes kolmenkymmenen vuotias, kun hänet tunnustettiin Venetsian parhaaksi maalariksi ..

Syntymäpaikkansa (Pieve di Cadore Bellunon maakunnassa) jälkeen häntä kutsutaan joskus da Cadoreksi; tunnetaan myös nimellä Titian the Divine ..

Titian syntyi valtiomiehen ja armeijan johtajan Gregorio Vecellion perheessä. Kymmenen vuoden iässä hänet lähetettiin veljensä kanssa Venetsiaan opiskelemaan kuuluisan mosaiikkin Sebastian Zuccaton kanssa. Muutamaa vuotta myöhemmin hän tuli oppisopimuskouluttajaksi Giovanni Bellinin työpajaan. Hän opiskeli Lorenzo Lotton, Giorgio da Castelfrancon (Giorgione) ja useiden muiden myöhemmin kuuluisien taiteilijoiden luona.

Vuonna 1518 Titian maalaa maalauksen "Neitsyt Marian taivaaseenastuminen", vuonna 1515 - Salome Johannes Kastajan pään kanssa. Vuosina 1519-1526 hän maalasi useita alttareita, mukaan lukien Pesaron perheen alttarin ..

Titian asui pitkään. Viimeisiin päiviin asti hän ei lopettanut työskentelyään. Titian maalasi viimeisen maalauksensa Kristuksen valitukset omalle hautakivelleen. Taiteilija kuoli ruttoon Venetsiassa 27. elokuuta 1576, saatuaan tartunnan pojastaan ​​huolehtimalla hänestä.

Keisari Kaarle V kutsui Titianin luokseen ja ympäröi hänet kunnioituksella ja kunnioituksella ja sanoi useammin kuin kerran: "Voin luoda herttua, mutta mistä saan toisen Titianin?" Kun taiteilija eräänä päivänä pudotti harjansa, Charles V kohotti sen ja sanoi: "Titianin palveleminen on kunnia jopa keisarille." Sekä Espanjan että Ranskan kuninkaat kutsuivat Titianin paikalleen asettumaan hoviin, mutta tilausten jälkeen taiteilija palasi aina kotimaahansa Venetsiaan. Titianin mukaan on nimetty kraatteri Mercurialle. ...

Eurooppalaisten kannalta synkän keskiajan kausi päättyi, jota seurasi renessanssi. Hän antoi mahdollisuuden elvyttää antiikin melkein kadonnut perintö ja luoda suuria taideteoksia. Renessanssin tutkijoilla oli myös tärkeä rooli ihmiskunnan kehityksessä.

Paradigma

Bysantin kriisi ja tuho johti siihen, että Euroopassa ilmestyi tuhansia kristittyjä maahanmuuttajia, jotka toivat kirjoja mukanaan. Näissä käsikirjoituksissa muinaisen ajanjakson tiedot kerättiin, unohdettiin puoliksi mantereen länsipuolella. Niistä tuli humanismin perusta, joka nosti ihmisen, hänen ideansa ja halunsa vapauteen etualalle. Ajan myötä kaupungeissa, joissa pankkiirien, käsityöläisten, kauppiaiden ja käsityöläisten rooli kasvoi, alkoi syntyä maallisia tiede- ja koulutuskeskuksia, jotka eivät vain olleet katolisen kirkon alaisuudessa, vaan taistelivat usein sen sanelemaa vastaan.

Giotton maalaus (renessanssi)

Keskiajan taiteilijat loivat pääasiassa uskonnollista sisältöä. Erityisesti ikonimaalaus oli pitkään maalauksen päälaji. Ensimmäinen, joka päätti näyttää tavalliset ihmiset kankailleen sekä luopua Bysantin koululle ominaisesta kanonisesta kirjoitustavasta, oli Giotto di Bondone, jota pidetään protorenaissanssin edelläkävijänä. Assisen kaupungissa sijaitsevan San Francescon kirkon freskoilla hän käytti chiaroscuron peliä ja poikkesi yleisesti hyväksytystä sävellysrakenteesta. Giotton tärkein mestariteos oli kuitenkin Padovan arenan kappelin maalaus. Mielenkiintoista on, että heti tämän tilauksen jälkeen taiteilija kutsuttiin koristamaan kaupungintalo. Työskennellessään yhtä maalauksia saadakseen parhaan luotettavuuden "taivaallisen merkin" kuvauksessa Giotto kuuli tähtitieteilijä Pietro d'Abanoa. Siten tämän taiteilijan ansiosta maalaus lopetti ihmisten, esineiden ja luonnonilmiöiden kuvaamisen tiettyjen kaanonien mukaisesti ja muuttui realistisemmaksi.

Leonardo da Vinci

Monilla renessanssin luvuilla oli monipuolinen kyky. Kukaan heistä ei kuitenkaan voi verrata monipuolisuudessaan Leonardo da Vinciin. Hän osoitti olevansa erinomainen taidemaalari, arkkitehti, kuvanveistäjä, anatomisti, luonnontieteilijä ja insinööri.

Vuonna 1466 Leonardo da Vinci meni opiskelemaan Firenzeen, jossa hän maalausmahdollisuuksien lisäksi opiskeli kemiaa ja piirtämistä sekä hankkii taitoja metallin, nahan ja kipsin parissa.

Jo taiteilijan ensimmäiset kankaat erottivat hänet työtovereidensa joukosta. Pitkän tuolloin 68-vuotisen elämänsä aikana Leonardo da Vinci loi mestariteoksia kuten "Mona Lisa", "Kastaja Johannes", "Lady with Ermine", "Viimeinen ehtoollinen" jne.

Kuten muutkin renessanssin merkittävät hahmot, taiteilija oli kiinnostunut tiede ja tekniikka. Erityisesti tiedetään, että hänen keksimääsi pyörän pistoolilukkoa käytettiin 1800-luvulle saakka. Lisäksi Leonardo da Vinci loi piirustuksia laskuvarjosta, lentävästä koneesta, valonheittimestä, kahdella linssillä varustetusta kaukoputkesta jne.

Michelangelo

Kun keskustellaan siitä, mitä renessanssin luvut antoivat maailmalle, luettelo heidän saavutuksistaan ​​sisältää välttämättä tämän erinomaisen arkkitehdin, taiteilijan ja kuvanveistäjän teokset.

Michelangelo Buonarrotin tunnetuimpia luomuksia ovat Sikstuksen kappelin katon freskot, Daavidin patsas, Bacchuksen veistos, Bruggen Madonnan marmoripatsas, Maalaus "Pyhän Antoniuksen kärsimys" ja monet niistä muita maailmataiteen mestariteoksia.

Raphael Santi

Taiteilija syntyi vuonna 1483 ja asui vain 37 vuotta. Raphael Santin suuri perintö asettaa hänet kuitenkin symbolisen luokituksen "Renessanssin erinomaiset hahmot" -elokuvan ensimmäisiin riveihin.

Taiteilijan mestariteoksia ovat Marian kruunaus Oddin alttarille, Pietro Bembon muotokuva, Nainen yksisarvisen kanssa, lukemattomat Stanza della Senyaturalle tilatut freskot ja muut.

Raphaelin luovuuden huippua pidetään "Sikstuksen Madonnana", joka on luotu Pyhän luostarin kirkon alttarille. Sixtus Piacenzassa. Tämä kuva antaa unohtumattoman vaikutelman jokaiselle, joka sen näkee, koska siinä käsittelemättömällä tavalla kuvattu Maria yhdistää Jumalan Äidin maallisen ja taivaallisen olemuksen.

Albrecht Durer

Renessanssin kuuluisat hahmot eivät olleet vain italialaisia. Heidän joukossaan on saksalainen taidemaalari ja kaiverrusten mestari Albrecht Durer, joka syntyi Nürnbergissä vuonna 1471. Hänen merkittävimmät teoksensa ovat Landauerin alttari, omakuva (1500), maalaus Ruususeppeleiden juhla ja kolme kaiverrustyöpajaa. Jälkimmäisiä pidetään kaikkien aikojen ja kansojen graafisen taiteen mestariteoksina.

Titian

Renessanssin suuret hahmot maalausalalla ovat jättäneet meille kuvia kuuluisimmista aikalaisistaan. Yksi tämän eurooppalaisen taiteen aikakauden merkittävistä muotokuvamaalareista oli Titian, joka syntyi kuuluisasta Vecellio-perheestä. Hän ikuisti kankaalle Federico Gonzagan, Charles V: n, Clarissa Strozzin, Pietro Aretinon, arkkitehti Giulio Romanon ja monet muut. Lisäksi hänen harjansa kuuluvat kankaisiin antiikin mytologian aiheista. Kuinka suuresti hänen aikalaisensa arvostivat taiteilijaa, osoittaa se tosiasia, että kun kerran Titianin käsistä pudonnut harja kiirehti ottamaan vastaan ​​keisari Charles V. kenellekään.

Sandro Botticelli

Taiteilija syntyi vuonna 1445. Aluksi hänestä tuli kultaseppä, mutta sitten hän päätyi Andrea Verrocchion työpajaan, jonka luona Leonardo da Vinci opiskeli kerralla. Uskonnollisten aiheiden lisäksi taiteilija loi useita maallisen maallisen sisällön. Botticellin mestariteoksia ovat maalaukset Venuksen syntymä, kevät, Pallas ja kentauri sekä monet muut.

Dante Alighieri

Renessanssin suurhahmot ovat jättäneet pysyvän jälkensä maailman kirjallisuuteen. Yksi tämän ajan merkittävimmistä runoilijoista on Dante Alighieri, syntynyt 1265 Firenzessä. 37-vuotiaana hänet erotettiin kotikaupungistaan ​​poliittisten näkemystensä takia ja vaelsi elämänsä viimeisiin vuosiin.

Lapsena Dante rakastui ikäisensä Beatrice Portinariin. Aikuisena tyttö meni naimisiin toisen kanssa ja kuoli 24-vuotiaana. Beatricestä tuli runoilijan muusa, ja hänelle vihki teoksensa, mukaan lukien tarina "Uusi elämä". Vuonna 1306 Dante alkoi luoda "jumalallista komediaa", jonka parissa hän on työskennellyt melkein 15 vuotta. Siinä hän paljastaa italialaisen yhteiskunnan paheet, paavien ja kardinaalien rikokset, ja "paratiisissa" sijoittaa Beatricensä.

William Shakespeare

Vaikka renessanssin ideat pääsivät Brittein saarille viiveellä, siellä luotiin myös erinomaisia ​​taideteoksia.

Erityisesti yksi ihmiskunnan historian tunnetuimmista näytelmäkirjailijoista, William Shakespeare, työskenteli Englannissa. Yli 500 vuotta hänen näytelmänsä ovat olleet teatterilavalla planeetan kaikissa nurkissa. Hän kirjoitti tragediat "Othello", "Romeo ja Julia", "Hamlet", "Macbeth" sekä komediat "Kahdestoista yö", "Paljon välinpitämättömyyttä ei mitään" ja monia muita. Lisäksi Shakespeare tunnetaan salaperäiselle Swarthy Ladylle omistetuista soneteistaan.

Leon Battista Alberti

Renessanssi vaikutti myös muutokseen Euroopan kaupunkien ulkonäössä. Tänä aikana luotiin upeita arkkitehtonisia mestariteoksia, mukaan lukien Pyhän Rooman katedraali. Peterin, Laurenzianan portaikko, Firenzen katedraali jne. Michelangelon ohella kuuluisa tutkija Leon Battista Alberti kuuluu renessanssin tunnettujen arkkitehtien joukkoon. Hän antoi valtavan panoksen arkkitehtuuriin, taideteoriaan ja kirjallisuuteen. Hänen kiinnostuksen kohteisiinsa kuului myös pedagogiikan ja etiikan, matematiikan ja kartografian ongelmia. Hän kirjoitti yhden ensimmäisistä arkkitehtuurin tieteellisistä teoksista, nimeltään "Kymmenen kirjaa arkkitehtuurista". Tällä teoksella oli valtava vaikutus kollegoidensa seuraaviin sukupolviin.

Nyt tunnet renessanssin tunnetuimmat kulttuurihenkilöt, joiden ansiosta ihmissivilisaatio aloitti uuden kehityskierroksen.

7. elokuuta 2014

Taidealan opiskelijat ja taidehistoriasta kiinnostuneet ihmiset tietävät, että 1400- ja 1400-luvun vaihteessa maalauksessa tapahtui jyrkkä muutos - renessanssi. Noin 1420-luvulla jokaisesta tuli yhtäkkiä paljon parempi piirustus. Miksi kuvista tuli yhtäkkiä niin realistisia ja yksityiskohtaisia, ja maalauksissa oli valoa ja äänenvoimakkuutta? Kukaan ei ajatellut tätä pitkään aikaan. Kunnes David Hockney otti suurennuslasin.

Selvitetään mitä hän löysi ...

Kerran hän katsoi 1800-luvun ranskalaisen akateemisen koulun johtajan Jean Auguste Dominique Ingresin piirroksia. Hockney kiinnostui näkemään pienet piirustuksensa suuremmassa mittakaavassa, ja hän laajensi niitä kopiokoneella. Näin hän törmäsi salainen puoli maalaushistoriassa renessanssin jälkeen.

Tehtyään valokopioita Ingresin pienistä (noin 30 senttimetrin) piirustuksista Hockney hämmästyi kuinka realistisia ne olivat. Ja hänelle näytti myös, että Ingresin linjat olivat hänelle jotain
muistuttaa. Kävi ilmi, että he muistuttivat häntä Warholin työstä. Ja Warhol teki tämän - hän heitti valokuvan kankaalle ja hahmotteli sen.

Vasen: Yksityiskohta Ingresin piirustuksesta. Oikealla: Mao Zedong Warholin piirustus

Mielenkiintoisia tapauksia, Hockney sanoo. Ilmeisesti Ingres käytti Camera Lucidaa - laitetta, joka on rakenne, jossa on prisma, joka on kiinnitetty esimerkiksi telineeseen tablettiin. Siten taiteilija, katsellen piirustustaan ​​yhdellä silmällä, näkee todellisen kuvan ja toisella - itse piirustuksen ja kätensä. Osoittautuu optiseksi harhaksi, jonka avulla voit siirtää tosielämän mittasuhteet tarkasti paperille. Ja tämä on juuri kuvan realismin "takuu".

Muotokuvan piirtäminen kameralla lucida, 1807

Sitten Hockney kiinnostui vakavasti tällaisista "optisista" piirustuksista ja maalauksista. Studiossaan hän ja hänen tiiminsä ovat ripustaneet seinille satoja vuosisatojen ajan luotuja maalauksia. Teokset, jotka näyttivät "aidoilta" ja jotka eivät. Järjestely luomisajankohdan ja alueiden mukaan - pohjoisessa yläosassa, etelässä alareunassa, Hockney ja hänen tiiminsä näkivät terävän muutoksen maalauksessa 14-15-luvuilla. Yleensä kaikki, jotka tietävät ainakin vähän taiteen historiasta, tietävät renessanssin.

Ehkä he käyttivät samaa selkeää kameraa? Sen patentoi vuonna 1807 William Hyde Wollaston. Vaikka itse asiassa tällaista laitetta kuvailee Johannes Kepler jo vuonna 1611 teoksessaan Dioptrice. Sitten ehkä he käyttivät toista optista laitetta - camera obscuraa? Loppujen lopuksi se on ollut tiedossa Aristoteleen ajoista lähtien ja se on pimeä huone, johon valo menee pienen reiän läpi, ja näin saadaan projektio reiän edessä olevasta, mutta ylösalaisin olevasta, pimeässä huoneessa. Kaikki olisi hieno, mutta kuva, joka saadaan heijastuskyvykameralla ilman objektiivia, ei lievästi sanottuna ole korkealaatuinen, se ei ole selkeä, se vaatii paljon kirkasta valoa, koosta puhumattakaan. heijastuksesta. Mutta laadukkaita linssejä oli melkein mahdotonta valmistaa vasta 1500-luvulle saakka, koska tuolloin ei ollut mitään tapaa saada tällaista laatulasia. Tekemistä, Hockney ajatteli, siihen mennessä jo kamppailen ongelman kanssa fyysikko Charles Falcon kanssa.

Bruggessa asuvan taidemaalarin ja varhaisen renessanssin flaamilainen taidemaalari Jan Van Eyckin maalaus on kuitenkin piilotettu. Maalauksen nimi on "Arnolfiniparin muotokuva".

Jan Van Eyck "Arnolfiniparin muotokuva" 1434

Kuva loistaa yksinkertaisesti valtavalla määrällä yksityiskohtia, mikä on varsin mielenkiintoista, koska se maalattiin vasta vuonna 1434. Ja peili toimii vihjeenä siitä, kuinka kirjailija onnistui ottamaan niin suuren askeleen eteenpäin kuvan realismissa. Ja myös kynttilänjalka on uskomattoman monimutkainen ja realistinen.

Hockney oli täynnä uteliaisuutta. Hän sai käsiinsä kopion tällaisesta kattokruunusta ja yritti piirtää sen. Taiteilija kohtasi tosiasian, että niin monimutkaista asiaa on vaikea piirtää perspektiiviin. Toinen tärkeä seikka oli tämän metalliesineen kuvan olennaisuus. Teräskohteen kuvaamisessa on erittäin tärkeää sijoittaa kohokohdat mahdollisimman realistisesti, koska tämä antaa valtavasti realismia. Mutta näiden kohokohtien ongelma on, että ne liikkuvat, kun katsojan tai taiteilijan katse liikkuu, mikä tarkoittaa, että ei ole helppoa kaapata niitä ollenkaan. Ja realistinen kuva metallista ja häikäisystä on myös erottuva piirre renessanssin maalauksissa, ennen sitä taiteilijat eivät edes yrittäneet tehdä sitä.

Luomalla tarkan kolmiulotteisen kattokruunumallin Hockney-tiimi varmisti, että Arnolfinin parin muotokuva kattokruunu piirrettiin tarkasti perspektiivissä yhdellä katoavalla pisteellä. Mutta ongelmana oli, että niin tarkkoja optisia instrumentteja kuin camera obscura linssillä ei ollut olemassa noin vuosisadan ajan maalauksen luomisen jälkeen.

Katkelma Jan Van Eyckin maalauksesta "Arnolfiniparin muotokuva" 1434

Suurennettu fragmentti osoittaa, että maalauksen "Arnolfiniparin muotokuva" peili on kupera. Joten peilejä oli päinvastoin - kovera. Lisäksi noina päivinä tällaiset peilit tehtiin tällä tavalla - otettiin lasipallo ja sen pohja peitettiin hopealla, sitten kaikki, paitsi pohja, katkaistiin. Peilin takaosaa ei ollut pimennyt. Tämä tarkoittaa, että Jan Van Eyckin kovera peili voi olla sama peili kuin kuvassa, vain takapuolelta. Ja mikä tahansa fyysikko tietää, mikä peili heijastettuna heijastaa kuvan heijastetusta. Täällä hänen ystävänsä fyysikko Charles Falco auttoi David Hockneya laskelmissa ja tutkimuksissa.

Kovera peili heijastaa kuvan tornista ikkunan ulkopuolelle kankaalle.

Heijastuksen selkeä, kohdennettu osa on noin 30 neliösenttimetriä, mikä on täsmälleen pään koko monissa renessanssin muotokuvissa.

Hockney hahmottaa henkilön heijastuksen kankaalle

Tämä on esimerkiksi Giovanni Bellinin (1501) "Doge Leonardo Loredana" -muotokuvan, Robert Campenin (1430) miehen muotokuvan, punaisessa turbaanissa olevan miehen Jan Van Eyckin todellisen muotokuvan koko. "ja monia muita varhaisia ​​hollantilaisia ​​muotokuvia.

Renessanssin muotokuvia

Maalaus oli erittäin palkattu työ, ja luonnollisesti kaikki liikesalaisuudet pidettiin tiukassa luottamuksessa. Taiteilijalle oli hyödyllistä, että kaikki vihkiytymättömät ihmiset uskoivat, että salaisuudet olivat mestarin käsissä eikä niitä voitu varastaa. Liiketoiminta oli suljettu ulkopuolisilta - taiteilijat olivat kiltassa ja monipuolisimmat käsityöläiset - satuloiden valmistajista peilien valmistajiin. Antwerpenissä perustetussa Saint Luke -killassa, joka mainittiin ensimmäisen kerran vuonna 1382 (samankaltaisia ​​kiltoja avattiin monissa pohjoisissa kaupungeissa, ja yksi suurimmista oli killan Bruggessa - kaupungissa, jossa Van Eyck asui), oli myös mestareita, jotka tekivät peilit.

Joten Hockney toi uudelleen, kuinka voit piirtää monimutkaisen kattokruunun Van Eyckin maalauksesta. Ei ole yllättävää, että Hockneyn projisoiman kattokruunun koko vastaa täsmälleen kattokruunua maalauksessa "Arnolfinin pariskunnan muotokuva". Ja tietysti häikäisevät metallia - projektiossa ne pysyvät paikallaan eivätkä muutu, kun taiteilija vaihtaa asemaa.

Mutta ongelma ei ole vieläkään täysin ratkaistu, koska ennen korkealaatuisen optiikan ilmestymistä, jota tarvitaan reikäkameran käyttämiseen, jäljellä oli 100 vuotta, ja peilin avulla saadun projektion koko on hyvin pieni . Kuinka maalata yli 30 neliösenttimetrin kuvia? Ne luotiin kollaasina - monesta näkökulmasta se osoittautui eräänlaiseksi pallomaiseksi visioon, jossa oli monia katoavia pisteitä. Hockney tajusi tämän, koska hän itse oli mukana tällaisissa kuvissa - hän teki monia valokuvakollaaseja, joissa saavutetaan täsmälleen sama vaikutus.

Melkein vuosisataa myöhemmin, 1500-luvulla, tuli lopulta mahdolliseksi saada ja käsitellä lasia hyvin - suuria linssejä ilmestyi. Ja ne voitaisiin vihdoin laittaa camera obscuraan, jonka periaate on ollut tiedossa muinaisista ajoista lähtien. Linssikamera obscura oli uskomaton vallankumous kuvataiteessa, koska projektio voi nyt olla minkä kokoinen tahansa. Ja vielä yksi asia, nyt kuva ei ollut "laajakulmainen", vaan suunnilleen normaali näkökulma - eli suunnilleen sama kuin nykyään, kun valokuvataan objektiivilla, jonka polttoväli on 35-50 mm.

Lävistyskameran ja objektiivin käytön ongelma on kuitenkin se, että eteenpäin suuntautuva projektio objektiivista on peilattu. Tämä johti siihen, että maalauksessa oli paljon vasenkätisiä optiikan käytön alkuvaiheessa. Kuten tässä 1600-luvun maalauksessa Frans Hals -museosta, jossa tanssii vasenkätinen pari, vasenkätinen vanha mies uhkaa heitä sormella ja vasenkätinen apina ikäisensä naisen mekon alla.

Tässä kuvassa kaikki ovat vasenkätisiä.

Ongelma ratkaistaan ​​asentamalla peili, johon linssi on suunnattu, jolloin saavutetaan oikea projektio. Mutta ilmeisesti hyvä, tasainen ja suuri peili maksoi paljon rahaa, joten kaikilla ei ollut sitä.

Keskittyminen oli toinen ongelma. Tosiasia on, että jotkin kuvan osat kankaan yhdessä paikassa projisointisäteiden alla olivat epätarkkoja, eivät selkeitä. Jan Vermeerin teoksessa, jossa optiikan käyttö on selvästi nähtävissä, hänen työnsä näyttää yleensä valokuvilta, voit myös huomata epätarkkoja paikkoja. Voit jopa nähdä piirustuksen, jonka linssi antaa - pahamaineisen "bokeh". Kuten täällä, maidossa "Maitonainen" (1658) kori, siinä oleva leipä ja sininen maljakko ovat epätarkkoja. Ihmissilmä ei kuitenkaan näe "epätarkkaa".

Jotkut maalauksen yksityiskohdat ovat epätarkkoja

Ja kaiken tämän valossa ei ole lainkaan yllättävää, että Jan Vermeerin hyvä ystävä oli tiedemies ja mikrobiologi Anthony Phillips van Leeuwenhoek sekä ainutlaatuinen mestari, joka loi omat mikroskoopit ja linssit. Tutkijasta tuli taiteilijan postuuminen johtaja. Ja tämän perusteella voimme olettaa, että Vermeer kuvasi ystävänsä kahdella kankaalla - "Geographic" ja "Astronomer".

Jos haluat nähdä minkä tahansa osan tarkennuksessa, sinun on muutettava kankaan sijainti projisointisäteiden alla. Mutta tässä tapauksessa ilmeni virheitä mittasuhteissa. Kuten täältä voidaan nähdä: "Anthea" Parmigianinon (noin 1537), "Lady Genovese" Anthony Van Dyckin (1626) pieni pää, valtava talonpoikien jalat Georges de La Tourin maalauksessa.

Kuvasuhteen virheet

Tietenkin kaikki taiteilijat ovat käyttäneet linssejä eri tavalla. Joku luonnoksia varten, joku koostui eri osista - loppujen lopuksi nyt oli mahdollista tehdä muotokuva, ja loput viimeistellä toisella mallilla tai mannekiinilla yleensä.

Velazquezilla ei myöskään ole juurikaan piirustuksia. Hänen mestariteoksensa kuitenkin säilyi - muotokuva paavi Innocentius 10: stä (1650). Paavin kylpytakkeilla - ilmeisesti silkillä - on kaunis valopeli. Blikov. Ja kaiken kirjoittamiseksi yhdestä näkökulmasta oli tarpeen yrittää kovasti. Mutta jos teet heijastuksen, kaikki tämä kauneus ei pääse pakenemaan - häikäisy ei enää liiku, voit kirjoittaa juuri niillä leveillä ja nopeilla vedoilla, kuten Velazquezin.

Hockney toistaa Velazquezin maalauksen

Myöhemmin monilla taiteilijoilla oli varaa camera obscuraan, ja se lakkasi olemasta iso salaisuus. Canaletto käytti kameraa aktiivisesti Venetsianäkymien luomiseen eikä piilottanut sitä. Nämä kuvat antavat tarkkuudensa vuoksi puhua Canalettosta dokumenttielokuvantekijänä. Canaletton ansiosta näet paitsi kauniin kuvan myös itse historian. Näet, mikä oli ensimmäinen Westminster Bridge Lontoossa vuonna 1746.

Canaletto "Westminster Bridge" 1746

Brittiläinen taiteilija Sir Joshua Reynolds omisti camera obscuran eikä ilmeisesti kertonut siitä kenellekään, koska hänen kameransa taittuu ja näyttää kirja. Nykyään se sijaitsee Lontoon tiedemuseossa.

Camera obscura naamioituna kirjaksi

Lopuksi, 1800-luvun alussa, William Henry Fox Talbot kirosi ja käytti kamera-lucidaa - sitä, johon sinun täytyy katsoa yhdellä silmällä ja piirtää käsilläsi - ja päätti, että tällainen haitta on poistettava. kerta kaikkiaan, ja hänestä tuli yksi kemiallisen valokuvan keksijöistä ja myöhemmin suosio, joka teki siitä massiivisen.

Valokuvan keksinnöllä maalauksen monopoli kuvan realismiin katosi, nyt valokuvasta on tullut monopoli. Ja lopulta maalaus vapautti linssin ja jatkoi polkua, josta se kääntyi 1400-luvulla, ja Van Goghista tuli kaiken 1900-luvun taiteen edelläkävijä.

Vasen: 1100-luvun bysanttilaiset mosaiikit. Oikealla: Vincent Van Gogh, Monsieur Trabuchin muotokuva, 1889

Valokuvan keksiminen on parasta, mitä maalaus on tapahtunut koko historiansa ajan. Ei enää tarvinnut luoda yksinomaan todellisia kuvia, taiteilija vapautui. Tietysti kesti vuosisadan päästä kiinni taiteilijoihin heidän ymmärryksestään visuaaliseen musiikkiin ja lopettaa Van Goghin kaltaisten ihmisten pitäminen "hulluina". Samaan aikaan taiteilijat alkoivat käyttää valokuvia aktiivisesti "vertailumateriaalina". Sitten ilmestyivät sellaiset ihmiset kuin Wassily Kandinsky, venäläinen avantgarde, Mark Rothko, Jackson Pollock. Maalauksen jälkeen myös arkkitehtuuri, veistos ja musiikki vapautettiin. Totta, Venäjän akateeminen maalauskoulu on jumissa ajassa, ja nykyään akatemioissa ja kouluissa katsotaan edelleen häpeäksi käyttää valokuvausta apuna, ja korkeinta saavutusta pidetään puhtaasti teknisenä kykynä piirtää mahdollisimman realistisesti paljain käsin .

David Hockneyn ja Falcon tutkimuksessa mukana olleen toimittajan Lawrence Weschlerin artikkelin ansiosta paljastuu toinen mielenkiintoinen tosiasia: Van Eyckin muotokuva Arnolfiniparista on italialainen kauppias Bruggessa. Arnolfini on firenzeläinen ja lisäksi hän on Medici-pankin edustaja (käytännössä Firenzen omistajat renessanssin aikana, heitä pidetään tuon ajan taiteen suojelijoina Italiassa). Ja tämä puhuu mistä? Se, että hän voisi helposti viedä Pyhän Luukkaan killan salaisuuden - peilin - Firenzeen, josta perinteisen historian mukaan renessanssi alkoi, ja Bruggen taiteilijat (ja vastaavasti muut mestarit) ovat pidetään "primitivisteinä".

Hockney-Falcon teorian ympärillä on paljon kiistoja. Mutta siinä on varmasti rakeinen totuus. Taidehistorioitsijoiden, kriitikoiden ja historioitsijoiden osalta on jopa vaikea kuvitella, kuinka monta historiaa ja taidetta käsittelevää tieteellistä teosta todellisuudessa osoittautui täydelliseksi hölynpölyksi, mikä muuttaa myös koko taiteen historiaa, kaikkia heidän teorioita ja tekstejä.

Optiikan käyttö ei vähennä taiteilijoiden kykyjä - tekniikka on loppujen lopuksi keino välittää mitä taiteilija haluaa. Ja päinvastoin, tosiasia, että näissä maalauksissa on todellinen todellisuus, vain lisää niille painoarvoa - loppujen lopuksi näin näyttivät tuon ajan ihmiset, asiat, tilat, kaupungit. Nämä ovat oikeita asiakirjoja.

Renessanssi tai renessanssi on historiallinen virstanpylväs eurooppalaisessa kulttuurissa. Tämä on kohtalokas vaihe maailman sivilisaation kehityksessä, joka korvasi keskiajan tiheyden ja hämäryyden ja edelsi uuden ajan kulttuuriarvojen syntymistä. Renessanssin perinnölle antroposentrismi on luontainen - toisin sanoen suuntautuminen ihmiseen, hänen elämäänsä ja työhönsä. Kirkon dogmoista ja juonista erotettu taide saa maallisen luonteen, ja aikakauden nimi viittaa antiikin motiivien elpymiseen taiteessa.

Italiasta alkanut renessanssi jaetaan yleensä kolmeen vaiheeseen: varhainen ("quattrocento"), korkea ja myöhemmin. Harkitse suurten mestareiden työn piirteitä, jotka työskentelivät noina muinaisina, mutta merkittävinä aikoina.

Ensinnäkin on huomattava, että renessanssin luojat eivät pelkästään harjoittaneet "puhdasta" kuvataidetta, vaan myös osoittivat olevansa lahjakkaita tutkijoita ja löytäjiä. Esimerkiksi firenzeläinen arkkitehti Filippo Brunelleschi kuvasi joukon sääntöjä lineaarisen perspektiivin rakentamiseksi. Hänen muotoillut lait antoivat mahdollisuuden kuvata tarkasti kolmiulotteinen maailma kankaalle. Progressiivisten ideoiden ruumiillistumisen ohella myös sen ideologinen sisältö on muuttunut - maalausten sankareista on tullut "maallisempia", joilla on selkeät henkilökohtaiset ominaisuudet ja hahmot. Tämä koski jopa uskontoon liittyviä teoksia.

Quattrocenton ajanjakson (1400-luvun jälkipuolisko) erinomaiset nimet - Botticelli, Masaccio, Masolino, Gozzoli ja muut - ovat oikeutetusti turvaaneet kunniapaikan maailman kulttuurikassalle.

Renessanssin aikana (1500-luvun alkupuoli) taiteilijoiden koko ideologinen ja luova potentiaali paljastetaan kokonaan. Tämän ajan ominaispiirre on taiteen viittaus antiikin aikakauteen. Taiteilijat eivät kuitenkaan kopioi sokeasti muinaisia ​​aiheita, vaan käyttävät niitä omien tyyliensä luomiseen ja kehittämiseen. Tämän ansiosta kuvataide saavuttaa johdonmukaisuuden ja vakavuuden antaen tietyn edellisen ajan kevytmielisyyden. Tämän ajan arkkitehtuuri, veistos ja maalaus täydentivät harmonisesti. Renessanssin aikana rakennetut rakennukset, freskot, maalaukset ovat todellisia mestariteoksia. Tunnettujen neroiden nimet loistavat: Leonardo da Vinci, Raphael Santi, Michelangelo Buonarotti.

Leonardo da Vincin persoonallisuus ansaitsee erityistä huomiota. He sanovat hänestä, että tämä on mies, joka on kaukana ajastaan. Taiteilija, arkkitehti, insinööri, keksijä - tämä ei ole täydellinen luettelo tämän monipuolisen persoonallisuuden hyposaaseista.

Leonardo da Vinci tunnetaan nykyajan kadunmiehenä ensisijaisesti taidemaalarina. Hänen tunnetuin teoksensa on Mona Lisa. Esimerkillään katsoja voi arvostaa kirjoittajan tekniikan innovaatiota: ainutlaatuisen rohkeuden ja rennon ajattelun ansiosta Leonardo kehitti pohjimmiltaan uusia tapoja "elvyttää" kuvaa.

Valonsironnan ilmiötä käyttämällä hän saavutti toissijaisten yksityiskohtien kontrastin vähenemisen, mikä nosti kuvan realismin uudelle tasolle. Mestari kiinnitti erityistä huomiota kehon suoritusmuodon anatomiseen tarkkuuteen maalauksessa ja grafiikassa - "ihanteellisen" hahmon mittasuhteet on kiinnitetty "Vitruvian Maniin".

1500-luvun loppua ja 1700-luvun ensimmäistä puoliskoa kutsutaan yleensä myöhäiseksi renessanssiksi. Tälle kaudelle oli ominaista hyvin erilaiset kulttuuriset ja luovat taipumukset, joten sitä on vaikea arvioida yksiselitteisesti. Vastareformaatioon sisältyvät Etelä-Euroopan uskonnolliset suuntaukset johtivat abstraktioon ihmisen kauneuden ja muinaisten ihanteiden kirkastamisesta. Tällaisten tunteiden ristiriita renessanssin vakiintuneen ideologian kanssa johti firenzeläisen manierismin syntymiseen. Tämän tyyppisille maalauksille on ominaista keksitty värivalikoima ja katkoviivat. Tuolloin venetsialaiset mestarit - Titian ja Palladio - muodostivat omat kehityssuuntansa, joilla oli vain vähän kosketuspisteitä taiteen kriisin ilmenemismuotoihin.

Italian renessanssin lisäksi on kiinnitettävä huomiota pohjoiseen renessanssiin. Alppien pohjoispuolella asuneisiin taiteilijoihin antiikin taide vaikutti vähemmän. Heidän työssään jäljitetään goottilaisen vaikutus, joka säilyi barokin aikakauteen asti. Pohjoisen renessanssin suurimmat hahmot ovat Albrecht Durer, Lucas Cranach vanhempi, Pieter Bruegel vanhempi.

Renessanssin suurten taiteilijoiden kulttuuriperintö on korvaamaton. Jokaisen nimi on säilynyt ahdistuneesti ja huolellisesti ihmiskunnan muistissa, koska se, joka sitä käytti, oli ainutlaatuinen timantti, jolla oli monia puolia.