Veistos 1700-luvun lyhytsanoma ja sai parhaan vastauksen

Vastaus henkilöltä Orbital Group [guru]
1700-luvun veistos
1700-luvun jälkipuoliskolla alkaa tasainen kukinta
kotimaiset muovit. Pyöreä veistos kehittyi hitaasti aiemmin, C
vaikea voittaa kahdeksansataa vuotta vanhoja venäläisiä perinteitä suhteessa
pakanallinen "idiootti". Hän ei antanut yhtään suurta venäläistä mestaria
1700-luvun alkupuoliskolla , mutta sitä loistavampi oli hänen nousunsa seuraavassa
aikana. Venäläinen klassismi on tämän ajan johtava taiteellinen suunta
oli suurin sysäys suurten kansalaisideoiden taiteen kehittämiselle,
mikä johti kiinnostukseen kuvanveistoon tänä aikana. F.I.Subin, F.G.Gordeev,
M. I. Kozlovsky, F. F. Shchedrin, I. P. Prokofiev, I. P. Martos - kukin
hän oli kirkkain yksilöllisyys, hän jätti omansa
jälki taiteessa. Mutta ne kaikki yhdistivät yhteiset luovat periaatteet, jotka
he oppivat vielä Akatemiassa professori Nicolas Gilletin veistosluokalla.
Venäläisiä taiteilijoita yhdistivät myös yhteiset ajatukset kansalaisuudesta ja
isänmaallisuus, antiikin korkeat ihanteet.
Kiinnostus sankarilliseen antiikkiin vaikuttaa jumalien ja sankarien valintaan:
peterin aikojen suosikki Neptunus ja Bacchus korvattiin Prometheuksella,
Polycrates, Marsyas, Hercules, Aleksanteri Suuri, Homeroksen sankarit
eeppinen. Venäläiset kuvanveistäjät pyrkivät ilmentämään piirteitä mieskuvassa
sankarillinen persoonallisuus, ja naisessa - ihanteellisesti kaunis, harmonisesti
selkeä, täydellinen alku. Tämä voidaan jäljittää kuten monumentaalisessa,
arkkitehtoniset, koristeelliset ja maalaustelineet.
Toisin kuin barokki, arkkitehtoniset ja koristeelliset muovit aikakaudella
klassismilla on tiukka sijaintijärjestelmä rakennuksen julkisivulla: pääasiassa
keskiosassa pääportti ja sivuulokkeissa tai kruunuissa
rakennusta luetaan taivasta vasten.
Venäläinen veistos 1700-luvun jälkipuoliskolla
Shubinin poikkeuksellisen hahmon rinnalla seisoo galaksi hänen merkittävistä aikalaisistaan, kuten hän, jotka myötävaikuttivat venäläisen veistoksen loistavaan kukoistukseen 1700-luvun toisella puoliskolla.
Kuvanveistäjä Etienne-Maurice Falcone (1716__1791, Venäjällä - 1766 - 1778), joka on kirjoittanut yhden 1700-luvun parhaista monumenteista - Pietari I: n muistomerkin, yhdessä venäläisten mestareiden kanssa, venäläisten veistosten maineesta. Senaatintorilla Pietarissa (kuva 161). Tehtävien valtavuus, ideologisten ja esteettisten kriteerien korkeus, luovan ilmapiirin jännitys venäläisessä taiteessa antoivat kuvanveistäjälle mahdollisuuden luoda täydellisin teoksistaan, erottamattomasti sidoksissa maahan, jossa se syntyi.
Alkuperäinen luonnos oli valmis jo vuonna 1765. Saapuessaan Pietariin Falcone ryhtyi toimimaan ja valmisti vuoteen 1770 mennessä luonnollisen kokoisen mallin. Muistomerkille toimitettiin kivikivi, joka osittaisen leikkaamisen jälkeen painoi noin 275 tonnia. Vuosina 1775-1777 patsas valettiin pronssista, muistomerkin avaaminen tapahtui vuonna 1782. Falconen avustaja muistomerkin parissa työskenteli hänen oppilaansa Marie-Anne Collot (1748-1821), joka veisteli Peterin pään. Falconetin lähdön jälkeen kuvanveistäjä FG Gordeev valvoi muistomerkin asennusta.
Falcone oli ulkomaalainen, mutta hän onnistui ymmärtämään Pietarin persoonallisuuden ja roolin Venäjän historiallisessa kehityksessä siten, että hänen luomansa muistomerkki olisi otettava huomioon venäläisen kulttuurin puitteissa, mikä määritteli kuvan sielullisen tulkinnan. kuvanveistäjän antama Peter.

Vastaus henkilöltä 3 vastausta[guru]

Hei! Tässä on valikoima aiheita ja vastauksia kysymykseesi: 1700-luvun veistoksen lyhytsanoma

Venäläinen 1700-luvun veistos

Muinaisessa Venäjässä veistos, toisin kuin maalaus, löysi suhteellisen vähän käyttöä pääasiassa arkkitehtonisten rakenteiden koristeena. Ensimmäisellä puoliskolla XVIIIvuosisadalla hallitsi vähitellen kaikki maalaustyylin ja monumentaalisen veistoksen tyylilajit. Ensinnäkin monumentaaliset ja koristeelliset muovit, jotka liittyvät läheisesti arkkitehtuuriin, alkoivat kehittyä. Arkkitehti I.P.Zarudnyn johdolla luotiin valkoista kiveä veistoksia Moskovan arkkienkeli Gabrielin kirkolle (Menshikova-torni). Vanhan venäläisen veistoksen rikkaita perinteitä ei unohdettu - puu- ja luunveisto, ikonostaasien koristeellinen muovi.

Petrine-aikakauden monumentaalisen ja koristeellisen veistoksen erityispiirteet ilmenivät selvästi Peterhof-yhtyeen luomisessa, joka kuitenkin muuttui dramaattisesti vuosisadan aikana.

1700-luvun ensimmäinen vuosineljännes oli merkitty paitsi uusien alkuperäisten teosten luomisella myös kiinnostuksen osoittamisella veistosklassikoille. Joten Italiassa ostettiin sitten kuuluisa marmorinen antiikki patsas "Taurus Venus". Ensimmäiset esimerkit maallisista veistoksista tuotiin Euroopan maista, pääasiassa italialaisen barokin mestareiden teoksia.

Ensimmäiset monumentaalisten muistomerkkien projektit ilmestyivät Pietari Suuren aikakaudella. Eräälle Pietarin keskusaukiolle suunniteltiin pystyttää riemukas pylväs pohjoisen sodan voiton säilyttämiseksi B.-K. Rastrelli. B.-K. Rastrelli(1675? -1744) oli Venäjän ensimmäinen veistosmestari. Alkuperäisensä italialainen hän muutti Ranskasta vuonna 1716 Pietari I: n kutsusta ja löysi uuden kodin Venäjältä, koska vasta Pietarissa hän sai runsaasti mahdollisuuksia luovuuteen. Bartolomeo-Carlo Rastrelli esitti monia teoksia muotokuva-, koriste- ja monumentaalimuoveista. Hänellä on suuri suosio pietari I: n pronssinen rintakuva (1723-1730, kuva 40), joka välitti mestarillisesti paitsi imperiaalisen ja energisen kuninkaan samankaltaisuuden myös luonteen.

Myös Rastrellin taito muotokuvamaalarina ilmeni menshikovin rintakehässä, esiintyi vuosina 1716-1717, anna Ioannovnan patsas pienen arapchonin kanssa (1741). Monumentaalisuuden tunne ja erinomainen pronssin tuntemus materiaalina erottavat tämän kuvanveistäjän työn. Anna Ioannovnan muotokuvassa, joka käveli hitaasti jalokivillä brodeeratussa raskassa mekossa, Rastrelli loi ilmaisevan kuvan "kuningattaren pelottavasta katseesta", kuten hänen aikalaisensa kutsuivat häntä.

Rastrellin merkittävin työ on ratsastusmonumentti Pietari I. Se heijastaa kuvanveistäjän vaikutteita antiikin, renessanssin ja 1600-luvun monumenteista. Pietaria kuvataan voittajana, joka ratsastaa juhlallisesti hevosella Rooman keisarin puvussa.

Tämän muistomerkin kohtalo on merkittävä. Valettu vuosina 1745-1746 kuvanveistäjän kuoleman jälkeen hänen poikansa arkkitehti F.-B. Rastrelli, hän makasi unohdettuna kaikkien latoissa yli puolen vuosisadan ajan. Vasta vuonna 1800, Paavali I: n määräyksellä, se asennettiin Pietarin insinöörilinnan eteen ja tuli orgaanisesti arkkitehtoniseen kokonaisuuteen.

1700-luvun jälkipuoliskolla. Venäjän veistosten todellinen kukoistus alkaa. Se kehittyi hitaasti, mutta venäläinen valistusajatus ja venäläinen klassismi olivat suurimmat kannustimet suurten kansalaisideoiden, laajamittaisten ongelmien taiteen kehittämiselle, mikä johti kiinnostukseen veistoksiin tänä aikana. Shubin, Gordeev, Kozlovsky, Shchedrin, Prokofiev, Martos- kukin itsessään oli kirkkain yksilö, jätti jäljen taiteeseen. Mutta heitä kaikkia yhdistivät yhteiset luovat periaatteet, jotka he oppivat professori Nicolas Gilletiltä, \u200b\u200bjoka johti vuosina 1758–1777 Akatemian veistosluokkaa, yleiset ajatukset kansalaisuudesta ja isänmaallisuudesta, antiikin korkeat ihanteet. Heidän koulutuksensa perustui pääasiassa antiikin mytologian tutkimuksiin, näyttelijöihin ja kopioihin antiikin ja renessanssin teoksista eläkkeellä - näiden aikakausien alkuperäiset teokset. He pyrkivät ilmentämään sankarillisen persoonallisuuden piirteitä mieskuvassa ja naiskuvassa - ihanteellinen, kaunis, harmoninen, täydellinen alku. Mutta venäläiset kuvanveistäjät eivät tulkitse näitä kuvia abstraktilla ja abstraktilla tasolla, vaan täysin elintärkeällä tavalla. Yleistetyn kauniin etsiminen ei sulje pois ihmisen luonteen täydellistä ymmärtämistä, halua välittää sen monipuolisuutta. Tämä pyrkimys on tuntuva vuosisadan toisen puoliskon monumentaalisissa koristeellisissa muovi- ja maalaustöissä, mutta erityisesti muotokuva-tyylilajissa.

Hänen korkeimmat saavutuksensa liittyvät ensisijaisesti luovuuteen. Fedot Ivanovich Shubin (1740–1805), Lomonosovin maanmies, joka saapui Pietariin taiteilijana, joka oli ymmärtänyt luunleikkauksen hienoudet. Valmistuttuaan akatemiasta Gillet-luokassa suurella kultamitalilla Shubin lähtee eläkeläismatkalle ensin Pariisiin (1767-1770) ja sitten Roomaan (1770-1772), joka vuosisadan puolivälistä lähtien Herculaneumin ja Pompejin kaivauksista, on jälleen koko Euroopan taiteilijoiden vetovoima. Shubinin ensimmäinen työ kotona - rintakuva A.M. Golitsyn (1773, RM, kipsi) todistaa jo mestarin täydestä kypsyydestä. Kaikki mallin ominaisuuksien monipuolisuus paljastetaan sen pyöreän tutkimuksen aikana, vaikka veistoksen päänäkymä on epäilemättä. Älykkyys ja skeptisyys, henkinen armo ja henkisen väsymyksen jäljet, luokan yksinoikeus ja pilkkaava itsetyytyväisyys - Shubin pystyi välittämään hahmon erilaisimmat piirteet tässä Venäjän aristokraatin kuvassa. Taiteellisen median poikkeuksellinen valikoima auttaa luomaan tämän epäselvän luonnoksen. Pään ja hartioiden monimutkainen ääriviiva ja kääntö, monitekstuurisen pinnan (viitta, pitsi, peruukki) tulkinta, hienoin kasvojen mallinnus (ylimielisesti kutisevat silmät, puhdasrotuinen nenäviiva, kapriisinen huulikuvio) ja enemmän vapaa-kuvallinen vaatetus - kaikki muistuttavat barokin tyylisiä laitteita. Mutta aikansa poikana hän tulkitsee mallinsa yleistyneen ihanteellisen sankarin koulutusideoiden mukaisesti. Tämä on tyypillistä kaikille hänen 70-luvun teoksilleen, minkä ansiosta voimme puhua niistä varhaisen klassismin teoksina. Vaikka huomaamme, että aloittelijan Shubinin tekniikoissa voidaan jäljittää barokin lisäksi jopa rokokoon piirteet. Ajan myötä Shubin-kuvissa konkreettisuus, elinvoima ja akuutti spesifisyys lisääntyvät.

Shubin muuttui harvoin pronssiksi, hän työskenteli pääasiassa marmorissa ja käytti aina rinnanmuotoa. Ja tässä materiaalissa mestari näytti kaikenlaisen sekä sävellysratkaisujen että taiteellisen käsittelyn menetelmien monimuotoisuuden. Käyttämällä muovien kieltä hän luo kuvia poikkeuksellisesta ilmaisuvoimasta, poikkeuksellisesta energiasta, joka ei lainkaan pyrkii niiden ulkoiseen sankarointiin ( feldmarsalkan Z.G. rintakuva Chernysheva, marmori, Tretjakovin galleria). Hän ei pelkää laskea, "maata" kuva feldamarsalkasta P.A. Rumjantsev-Zadunaiski, joka välittää hänen lainkaan sankarittomien pyöreiden kasvojensa hahmon hauskalla ylösalaisin olevalla nenällä (marmori, 1778, Valtion taidemuseo, Minsk). Hän ei ole kiinnostunut vain "sisäisestä" tai vain "ulkoisesta". Henkilö esiintyy hänessä kaikessa elämänsä moninaisuudessa ja hengellisessä ulkonäössä. Nämä ovat valtiomiehien, armeijan johtajien, virkamiesten mestarillisesti toteutetut rintakuvat.

90-luvun teoksista, Shubinin työn hedelmällisimmistä jaksoista, haluaisin huomata inspiroivan, romanttisen kuva P.V. Zavadovsky (rinta on säilynyt vain kipsi), Tretjakovin galleria). Terävä pään kääntö, lävistävä katse, koko ulkonäön askeesi, vapaasti virtaavat vaatteet - kaikki puhuu erityisestä tunteesta, paljastaa intohimoisen, erinomaisen luonteen. Kuvan tulkintamenetelmä julistaa romantismin aikakauden. Annetaan monimutkainen monipuolinen ominaisuus lomonosovin rintakehässä, luotu Cameron-galleriaa varten, seisomaan siellä muinaisten sankareiden rinnalla. Siksi hieman erilainen yleistymisen ja antiikin taso kuin muissa kuvanveistäjän teoksissa (pronssi, 1793, Cameron-galleria, Pushkin; kipsi, RM; marmori, Tiedeakatemia; kaksi viimeistä ovat aikaisempia). Shubin kohteli Lomonosovia erityisen kunnioittavasti. Venäläinen nerokas itseoppinut tiedemies oli lähellä kuvanveistäjää paitsi maanmiehenä. Shubin loi kuvan, josta puuttui muodollisuus ja loisto. Hänen ulkonäössään tuntuu vilkas mieli, energia, voima. Mutta eri kulmat antavat erilaisia \u200b\u200baksentteja. Ja toisessa käännöksessä luemme mallin, surun ja pettymyksen kasvot ja jopa skeptisyyden ilmaisun. Tämä on sitäkin yllättävämpää, jos oletamme, että työ ei ole täysimittainen, Lomonosov kuoli 28 vuotta aiemmin. Viimeaikaisissa tutkimuksissa ajatus ilmaistaan \u200b\u200btäysimittaisten luonnosten mahdollisuudesta, jotka eivät ole tulleet meille.

Yhtä monipuolinen tässä monipuolisuudessa - kuvanveistäjän luomassa ristiriidassa kuva Paul I: stä (marmori, 1797, pronssi, 1798. Venäjän valtionmuseo; pronssi, 1800, Tretjakovin galleria). Täällä unelmaisuus esiintyy rinnakkain ankaralla, melkein julmalla ilmaisulla, ja rumat, melkein groteskit piirteet eivät riistä kuvaa suuruudesta.

Shubin työskenteli muotokuvamaalarin lisäksi myös sisustajana. Hän toteutti 58 soikeaa historiallista muotokuvaa Chesmen palatsille (sijaitsee armeijassa), veistoksia Marmoripalatsille ja Peterhofille, joka on lainsäätäjä Katarina II: n patsas (1789-1790). Shubin on epäilemättä suurin ilmiö Venäjän taiteellisessa kulttuurissa 1700-luvulla.

Ranskalainen kuvanveistäjä työskenteli yhdessä venäläisten mestareiden kanssa Venäjällä Etienne-Maurice Falcone(1716-1791; Venäjällä - 1766 - 1778), mikä pietari I: n muistomerkillä Senaatintorilla Pietarissa ilmaisi ymmärryksensä Pietarin persoonallisuudesta, hänen historiallisesta roolistaan \u200b\u200bVenäjän kohtalossa. Falcone työskenteli muistomerkin parissa 12 vuotta. Ensimmäinen luonnos toteutettiin vuonna 1765, vuonna 1770 - luonnollisen kokoinen malli ja vuosina 1775-1777. kivipatsasta valettiin ja jalusta valmisteltiin kivikivestä, joka painoi leikkaamisen jälkeen noin 275 tonnia.Marie-Anne Collot auttoi työskentelemään Peter Falconen päähän. Monumentin avaaminen tapahtui vuonna 1782, jolloin Falcone ei enää ollut Venäjällä, ja valmistui Gordeevin muistomerkin asennus... Falcone hylkäsi voiton voittaneen keisarin, Rooman keisarin, kanonisoidun kuvan, jota ympäröivät hyveellisyyden ja kirkkauden allegoriset hahmot. Hän yritti ilmentää kuvan luojasta, lainsäätäjästä, muuntajasta, kuten hän itse kirjoitti kirjeessään Diderotille. Kuvanveistäjä kapinoi kategorisesti kylmiä allegorioita vastaan \u200b\u200bsanoen, että "tämä on kurja runsaus, joka tuomitsee aina rutiinin ja on harvoin nero". Hän jätti vain käärmeen, jolla on paitsi semanttinen, myös sävellyksellinen merkitys. Näin syntyi kuvasymboli, jossa kaikki hevosen ja ratsastajan liikkeet ja asennot olivat luonnollisia. Yhdestä pääkaupungin kauneimmista aukioista julkisella foorumillaan toteutetusta monumentista on tullut muovinen kuva koko aikakaudesta. Kasvava hevonen rauhoittuu mahtavan ratsastajan lujalla kädellä. Hetken ja ikuisuuden ykseys, joka on upotettu yleiseen ratkaisuun, jäljitetään myös jalustalle, joka on rakennettu tasaiselle nousulle ylös ja jyrkälle pudotukselle. Taiteellinen kuva koostuu joukosta erilaisia \u200b\u200bkulmia, näkökohtia, kuvan näkökulmia. "Pronssisen hevosen idoli" ilmestyy kaikin voimin ennen kuin voi katsoa hänen kasvoihinsa, kuten D.Ye. Arkin, hän toimii välittömästi siluettillaan, eleellään, muovimassojen voimalla, ja tässä ilmenevät monumentaalisen taiteen horjumattomat lait. Tästä seuraa vapaa improvisaatio vaatteissa ("Tämä on sankarillinen mekko", kuvanveistäjä kirjoitti), satulan ja jalustojen puuttuminen, mikä antaa mahdollisuuden nähdä ratsastaja ja hevonen yhtenä siluettina. "Sankari ja hevonen sulautuvat kauniiksi kentauriksi" (Diderot).

Hevosmiehen pää on myös täysin uusi kuva Peterin ikonografiassa, erilainen kuin loistava Rastrellin muotokuva ja täysin tavallinen Collotin tekemä rintakuva. Falconen kuvassa ei hallitse Marcus Aureliuksen filosofinen mietiskely ja huomaavaisuus, ei Condottiere Colleonin hyökkäävä voima, vaan selkeän järjen ja tehokkaan tahdon voitto.

1700-luvun valaistumisen perus esteettinen periaate ilmaisi luonnollisen kiven käytön jalustana. - uskollisuus luonnolle.

”Tämä monumentaalisen veistoksen teos perustuu Venäjän ylevään ajatukseen, sen nuorekkaaseen voimaan, voittoisaan nousuun historian teillä ja asteikoilla. Siksi muistomerkki tuottaa katsojalle monia tunteita ja ajatuksia, läheisiä ja kaukaisia \u200b\u200bassosiaatioita, monia uusia kuvia, joiden joukossa on ylevä kuva sankarimiehestä ja sankarikunnasta, isänmaan kuva, sen voima, kunnia, suuri historiallinen kutsumus dominoi aina "(Arkin D.E.-M. Falcone // History of Russian Art. M., 1961. T. VI. s. 38).

70-luvulla monet akatemian nuoret tutkinnon suorittaneet työskentelivät Shubinin ja Falconen rinnalla. Vuotta myöhemmin Shubin valmistui siitä ja meni eläkkeelle hänen kanssaan Fedor Gordeevich Gordeev (1744–1810), jonka luova polku liittyi läheisesti Akatemiaan (hän \u200b\u200boli jopa sen rehtori jonkin aikaa). Gordeev on monumentaalisten ja koristeellisten veistosten mestari. Varhaisessa työssään N.M. Golitsyna, voidaan nähdä, kuinka venäläiset mestarit pystyivät tunkeutumaan syvälle antiikin, erityisesti kreikkalaisen, muovitaiteen ihanteisiin. Aivan kuten keskiajalla he ottivat luovasti käyttöön Bysantin taiteen perinteet, niin klassismin aikana he ymmärsivät hellenistisen veistoksen periaatteet. On merkittävää, että useimmille heistä näiden periaatteiden hallitseminen ja oman kansallisen klassismin tyylin luominen ei sujunut sujuvasti, ja melkein jokaisen heistä työtä voidaan pitää barokin, joskus rocaille ja uudet, klassistiset suuntaukset. Luovuuden kehitys ei myöskään välttämättä osoita jälkimmäisen voittoa. Joten, Gordeevin ensimmäinen teos "Prometheus" (1769, kipsi, RM, pronssi - Ostankinon museo) ja kaksi Golitsynin hautakiveä (kenttämarsalkka A.M.Golitsyn, sankari Khotin, 1788, GMGS, Pietari, ja D.M.Golitsyn, Kazakovin rakentaman kuuluisan sairaalan perustaja, 1799, GNIMA, Moskova) on barokkiperinteeseen liittyviä piirteitä: monimutkaisuus siluetti, ilme ja dynamiikka ("Prometheus"), yleisen sommittelun maalauksellisuus, allegoristen hahmojen säälittävät eleet (hyve ja sota-nero yhdessä hautakivessä. Suru ja lohdutus toisessa).

N.M.: n hautakivi Golitsyna muistuttaa antiikin Kreikan steelaa. Mureijan bareljeefiguuri, joka on otettu vähemmän kuin luonnossa, on esitetty profiilina, sijoitettu neutraalia taustaa vasten ja kaiverrettu soikioon. Suruisen tunteen majesteettisuus ja juhlallisuus välittävät viitan hitaat taitokset. Tästä hautakivestä lähtee jalo pidättyvyys. Siinä ei ole mitään barokkipatosta. Mutta siitä puuttuu myös abstrakti symboliikka, jota esiintyy usein klassistisen tyylin teoksissa. Suru on täällä hiljaista, ja suru on koskettavasti inhimillistä. Kuvan lyyrisyydestä, piilotetusta, syvästi piilotetusta surusta ja siten läheisyydestä, vilpittömyydestä tulee venäläisen klassismin tunnusomaisia \u200b\u200bpiirteitä. Klassismin periaatteet ilmenivät entistä selvemmin antiikin aiheista tehdyissä bareljeefeissä Ostankinon palatsin (Moskova, 80-90) julkisivuille ja sisätiloille.

Huomattavan venäläisen kuvanveistäjän työssä, jolla on harvinainen mielenkiinto Mikhail Ivanovich Kozlovsky (1753–1802) voidaan myös jäljittää tämä jatkuva "taistelu", yhdistelmä barokin ja klassismin piirteitä, joidenkin tyylilaitteiden etusijalla jokaisessa yksittäisessä teoksessa. Hänen työnsä on selkeä osoitus siitä, kuinka venäläiset mestarit muokkaavat muinaisia \u200b\u200bperinteitä, kuinka venäläinen klassismi muotonsa. Toisin kuin Shubin ja Gordeev, Kozlovskin eläkkeelle siirtyminen alkoi heti Roomasta, ja sitten hän muutti Pariisiin. Palattuaan kotimaahansa hänen ensimmäiset teoksensa olivat kaksi helpotus Marmoripalatsille, joiden nimet: "Reguluksen jäähyväiset Rooman kansalaisille" ja "Camille vapauttamassa Roomaa gallialaisilta" - puhu mestarin suuresta kiinnostuksesta muinaishistoriaan (80-luvun alku).

Vuonna 1788 Kozlovsky meni jälleen Pariisiin, mutta jo mentorina eläkeläisille, ja joutui vallankumouksellisten tapahtumien keskelle. Vuonna 1790 hän esiintyi polycrates-patsas (RM, kipsi), jossa kärsimyksen teema ja impulssi vapautumiseen kuulostaa säälittävältä. Samaan aikaan Polycratesin kouristelevassa liikkeessä, hänen ketjutetun kätensä, kuolevaissa marttyyrikuoleman ilmeen kasvoissa, on joitain naturalismin piirteitä.

90-luvun puolivälissä palattuaan kotimaahansa alkaa hedelmällisin jakso Kozlovskyn työssä. Hänen maalaustyönsä pääteema (ja hän työskenteli pääasiassa maalaustyössä) on antiikin ajoista. Hänen "Paimenpoika jäniksen kanssa" (1789, marmori. Pavlovskin palatsimuseo), " Nukkuva Amor " (1792, marmori, RM), "Amor nuolella" (1797, marmori, Tretjakovin galleria) ja muut puhuvat hienovaraisesta ja epätavallisen syvästä tunkeutumisesta hellenistiseen kulttuuriin, mutta samalla heiltä puuttuu ulkopuolinen jäljitelmä. Tämä on 1700-luvun veistos, ja Kozlovsky, jolla on herkkä maku ja hienostuneisuus, ylisti nuorekkaan kehon kauneutta. Hänen "Aleksanteri Suuren vartio" (80-luvun toinen puoli, marmori, RM) ylistää sankarillista persoonallisuutta, sitä kansalaisideaalia, joka vastaa klassismin moralisoivia taipumuksia: komentaja testaa tahtoa vastustaen unta; hänen vieressään oleva Iliad-selaus on osoitus hänen koulutuksestaan. Mutta antiikin aika venäläiselle mestarille ei ollut koskaan ainoa tutkimuksen kohde. Tavalla, jolla puoliuneliaisuus, puoliunen tunnottomuus välittyy luonnollisesti, havaitaan vilkas akuutti havainto, kaikessa voidaan nähdä huolellinen luonnon tutkiminen. Ja mikä tärkeintä, ei ole kaikkea vievää järjen dominointia tunteen, kuivan rationaalisuuden suhteen, ja tämä on mielestämme yksi venäläisen klassismin olennaisista eroista.

Kozlovsky klassisti, luonnollisesti, tarttuu sankarin teemaan, ja hän esiintyy useita Iliadiin perustuvia terrakotoja (Ajax Patroclusin ruumiilla), 1796, RM). Kuvanveistäjä antaa oman tulkintansa Peterin historian jaksosta jakov Dolgorukyn patsas, likimääräinen kuningas, raivoissaan yhden keisarin asetuksen (1797, marmori, RM) epäoikeudenmukaisuudesta. Dolgorukyn patsassa kuvanveistäjä käyttää laajasti perinteisiä ominaisuuksia: polttava soihtu ja vaaka (totuuden ja oikeudenmukaisuuden symboli), voitettu naamio (petos) ja käärme (ilkeys, paha). Kehittämällä sankarillista teemaa Kozlovsky puhuu suvorovin kuvaan: Ensinnäkin mestari luo allegorisen kuvan Herkulesta hevosella (1799, pronssi, RM) ja sitten muistomerkin Suvoroville, joka on suunniteltu elinikäiseksi patsaaksi (1799-1801, Pietari). Monumentilla ei ole suoraa muotokuvan samankaltaisuutta. Se on pikemminkin yleistetty kuva soturista, sankarista, jonka sotapuvussa on yhdistetty antiikin roomalaisen ja keskiaikaisen ritarin aseiden elementtejä (ja viimeisimpien tietojen mukaan osan muotoa, jonka Paavali halusi, mutta ei onnistunut ottamaan käyttöön). Energia, rohkeus, aatelisuus syntyvät koko komentajan ulkonäöstä, ylpeästä pään käännöksestä, siroisesta eleestä, jolla hän nostaa miekan. Kevyt hahmo sylinterimäisellä alustalla luo sen kanssa yhden muovisen tilavuuden. Yhdistämällä maskuliinisuus ja armo Suvorovin kuva täyttää sekä klassisen sankarillisen standardin että yleisen käsityksen kauniista esteettisenä luokkana, joka on ominaista 1700-luvulle. Se luo yleiskuvan kansallis sankarista, ja tutkijat pitävät häntä oikeutetusti venäläisen klassismin täydellisimmissä luomuksissa Falconetin "Pronssiratsastajan" sekä Mininin ja Pozharsky Martoksen muistomerkin kanssa.

Näinä vuosina Kozlovsky työskentelee samsonin patsas - keskeinen Peterhofin suuressa kaskadissa (1800-1802). Yhdessä parhaiden kuvanveistäjien - Shubin, Shchedrin, Martos, Prokofjev - kanssa Kozlovsky osallistui Peterhofin suihkulähteiden patsaiden korvaamiseen täyttämällä yksi tärkeimmistä tilauksista. "Samsonissa", kuten sitä perinteisesti kutsutaan, muinaisen Herculesin (joidenkin viimeaikaisten tutkimusten mukaan tämä on Hercules) voima ja Michelangelon kuvien ilmaisu yhdistyvät. Kuva jättiläisestä, joka repi leijonan suun (leijonan kuva sisältyi Ruotsin vaakunaan), kuvasi Venäjän voittamattomuutta.

Suuren isänmaallisen sodan aikana natsit varastivat muistomerkin. Vuonna 1947 kuvanveistäjä V.L. Simonov loi sen uudelleen jäljelle jääneiden valokuva-asiakirjojen perusteella.

Kozlovskyn ikä oli Fedos Fedorovich Shchedrin(1751-1825). Hän kävi läpi samat vaiheet akatemiassa ja eläkkeellä Italiassa ja Ranskassa. Toteutti hänet vuonna 1776 "Marsyas" (kipsi, NIMAH), kuten Kordlovskin Gordeevin "Prometheus" ja "Polycrates", on täynnä myrskyistä liikettä ja traagista asennetta. Kuten kaikki klassismin aikakauden kuvanveistäjät, Shchedrin on kiehtonut antiikkikuvat ( Nukkuva Endymion1779, pronssi, RM; "Venus", 1792, marmori, RM), samalla kun se osoittaa erityisen runollista tunkeutumista heidän maailmaansa. Hän on mukana myös veistosten luomisessa. peterhofin suihkulähteille ("Neva", 1804). Mutta Shchedrinin merkittävimmät teokset kuuluvat jo myöhäisklassismin aikaan. Vuosina 1811-1813. se toimii zakharovin amiraliteetin veistoksellisen kompleksin yli. Hän täytti kolminumeroiset ryhmät "Meri-nymfit", jotka kantavat palloa- majesteettinen ja monumentaalinen, mutta samalla siro; neljän suuren muinaisen soturin patsaat: Achilles, Ajax, Pyrrhus ja Aleksanteri Suuri - keskustornin ullakkokulmissa. Admiraliteettikompleksissa Shchedrin onnistui alistamaan koristeellisen periaatteen monumentaaliselle synteesille, mikä osoittaa erinomaisen arkkitehtonisen tunteen. Veistokselliset nymfiryhmät ovat selvästi näkyvissä tilavuudessaan sileiden seinien taustalla, ja sotureiden hahmot täydentävät orgaanisesti keskitornin arkkitehtuuria. Vuosina 1807-1811 Shchedrin työskenteli myös kazanin tuomiokirkon eteläisen apissin kotilaisen valtavan friisin "Carrying the Cross" yläpuolella.

Hänen aikalaisensa Ivan Prokofievich Prokofiev(1758-1828) vuosina 1806-1807 ... luo friisin Kazanin katedraaliin pylväiden läntisen käytävän ullakolla aiheesta "Brazenin käärme". Prokofjev on toisen akateemisen kuvanveistäjän sukupolven edustaja; viime vuosina hän opiskeli Gordeevin luona vuosina 1780–1784. opiskeli Pariisissa, lähti sitten Saksaan, missä menestyi muotokuvamaalarina (vain kaksi Prokofjevin muotokuvaa on säilynyt labzins(1802, molemmat terrakotta, RM). Yksi hänen varhaisista teoksistaan \u200b\u200b- "Actaeon" (1784, RM) todistaa jo täysin kehittyneen taiteilijan taitosta, joka välittää taitavasti vahvan, joustavan liikkeen, nuoren miehen joustavan juoksun, jota Dianan koirat ajavat. Prokofjev on pääosin helpotusten mestari, joka jatkaa antiikkisten veistosten parhaita perinteitä (sarja Taideakatemian etu- ja valurautaportaiden kipsi-reliefejä; IIBetsky-talo, Pavlovskin palatsi - kaikki 80-luvut, lukuun ottamatta Akatemian valurautaportaita, jotka toteutettiin vuosina 1819-1820 joka toinen vuosi). Tämä on idyllinen linja Prokofjevin työssä. Mutta mestari tunsi myös korkeat dramaattiset nuotit (jo mainittu Kazanin katedraalin friisi "Kuparikäärme"). Peterhofille Prokofjev esiintyi yhdessä Shchedrinin "Nevan" kanssa "Volkhov" -patsas ja "Tritons" -ryhmä.

Ivan Petrovich Martos (1754–1835) elivät hyvin pitkän luovan elämän, ja hänen merkittävimmät teoksensa luotiin jo 1800-luvulla. Mutta Martoksen hautakivet, hänen 80- ja 90-luvun muistoveistoksensa, heidän mielialallaan ja. muoviliuos kuuluu 1700-luvulle. Martos pystyi luomaan kuvia valaistuna, tuulettamaan hiljaisella surulla, korkealla lyyrisellä tunteella, kuoleman viisaalla hyväksymisellä, joka suoritettiin lisäksi harvinaisella taiteellisella täydellisyydellä ( m.P.: n hautakivi Sobakina, 1782, GNIMA; e.S.: n hautakivi Kurakina, 1792, GMGS).

Vuosien 1720–1730, ”palatsin vallankaappausten” ja “bironovismin” aikakauden jälkeen alkoi kansantietoisuuden uusi nousu, jota pahentaa taistelu ulkomaisten herruuksien kanssa. Venäjän yhteiskunta piti Pietari I: n tyttären Elizabeth Petrovnan liittymistä Venäjän elpymisen alkuun ja Pietarin perinteiden jatkumiseksi. Hänen johdollaan perustettiin Moskovan yliopisto ja kolmen arvostetuimman taiteen akatemia, joilla on tulevaisuudessa valtava rooli kotimaisen henkilöstön koulutuksessa tieteen ja taiteen alalla.

Yksi äskettäin avatun taideakatemian ensimmäisistä professoreista oli ranskalainen kuvanveistäjä Nicolas François Gillet, myöhäisbarokin edustaja, joka opetti opiskelijoille erilaisten muovitaiteen ammattitaitoa, monien myöhemmin tunnettujen mestareiden opettaja.

Andreas Schlüter (1660 / 1665-1714)

Konrad Osner (1669-1747)

Bartolomeo Carlo Rastrelli (1675-1744)

Merkittävin venäläisen veistoksen mestari 1700-luvun alkupuoliskolla oli kreivi Bartolomeo Carlo Rastrelli, italialainen alkuperältään. Koska hän ei tehnyt mitään merkittävää Italiassa ja Ranskassa, hän saapui Pietariin vuonna 1716, jossa hän alkoi suorittaa suuria valtion tilauksia ensin Pietari I: n, sitten Anna Ioannovna ja Elizaveta Petrovna.

Kuvanveistäjä työskenteli Venäjällä kuolemaansa saakka ja loi useita merkittäviä monumentaalisten, koristeellisten ja maalaustöiden veistoksia.

Ensimmäiset ihmiskäsien luomukset, joita voidaan kutsua veistoksiksi, ilmestyivät esihistoriasta ja edustivat esi-isiemme palvottuja epäjumalia. Viimeisten satojen tuhansien vuosien aikana kuvanveistotaide on saavuttanut ennennäkemättömät korkeudet, ja nykyään museoissa ja monien kaupunkien kaduilla ympäri maailmaa voit nähdä todellisia mestariteoksia, jotka aiheuttavat aina ihailua kävijöiden ja ohikulkijoiden keskuudessa. Joten kuka kuuluisista venäläisistä ja ulkomaisista aikakausien mestareista voi väittää, että hänen nimensä luokitellaan "kuuluisiksi kuvanveistäjiksi", ja mitkä heidän teoksistaan \u200b\u200bsisältyivät maailman taiteen kultaiseen rahastoon?

Muinaisen maailman kuuluisat kuvanveistäjät

Kuten jo mainittiin, veistostaide sai alkunsa useita vuosituhansia sitten, minkä osoittavat arkeologisten kaivausten aikana löydetyt lukuisat kivi- ja savi-tilavuuskuvat ihmisistä, eläimistä ja myyttisistä olennoista. Kukaan ei tietenkään tiedä, kuka heidän kirjoittajansa oli, mutta historia on säilyttänyt joidenkin suurten kuvanveistäjien nimet, jotka työskentelivät 1400-luvulta eKr. e. ja 1. vuosisadalle jKr. e.

Esimerkiksi kysyttäessä, ketkä ovat antiikin maailman tunnetuimpia kuvanveistäjiä, mainitaan välttämättä muun muassa suuri muinaisen egyptiläisen kuvanveistäjä Thutmose nuorempi. Hän työskenteli farao Akhenatenin hovissa ja loi yhden Amarnan ajan kuuluisimmista taideteoksista - kuningatar Nefertitin rinnan. Kreikan ja Rooman antiikin aikojen kuuluisimmista kuvanveistäjistä on paljon enemmän tietoa. Erityisesti mestarit Kritias ja Nesiot loivat 5. vuosisadalla eKr. e. Harmodiuksen ja Aristogitonin upea sävellys, joka myöhemmin inspiroi myöhempien aikojen kuvanveistäjiä useammin kuin kerran. Vielä suuremmat veistostaidot saavutti suuri Phidias, joka on kullan ja norsunluun kirjoittaja, joka on tunnustettu yhdeksi antiikin maailman ihmeistä. On huomattava, että sellaisten tunnettujen kuvanveistäjien kuin Scopas, Praxiteles ja Lysippos, jotka loivat niin sanotun Pyhän Markuksen kvadrigan, antama suuri panos antiikin taiteen kehitykseen. Roomalaisten kuvanveistäjien osalta suurin osa heidän luomuksistaan, esimerkiksi kuuluisa Belvederen Apollo, on kopioita kreikkalaisista alkuperäisistä.

Maailman kuuluisat kuvanveistäjät: keskiaika

Kuten tiedätte, Länsi-Rooman valtakunnan kaatumista seuranneen historiallisen ajanjakson alku ei ollut paras aika taiteen kehitykseen. Siksi nykyään ei tunneta erityisen merkittäviä veistoksellisia taideteoksia, jotka ovat peräisin 5.-12. Vuosisadalta. Onneksi kirkon diktatuuri alkoi ajan myötä heikentyä, ja ilmestyi pyhien ja hallitsijoiden veistoksia, joiden kirjoittajat antoivat itsensä poiketa uskonnollisen taiteen tiukoista kaanoneista ja tehdä luomuksistaan \u200b\u200brealistisempia. Esimerkkinä voidaan mainita sellaiset mestarit kuin Pisanon isä ja poika, joka työskenteli 1300-luvun lopulla ja 1400-luvun alussa. Ja tietysti kun on kyse goottilaisen ajan tunnetuimmista kuvanveistäjistä, ei voida mainita Adam Kraftia, joka loi Tetzelin kappelin upean alttaritaulun.

Renessanssin veistos

Ehkä tuskin on henkilö, joka ei tiedä kuka kuuluisin kuvanveistäjä ja heidän renessanssin ajan teoksensa ovat. Loppujen lopuksi sellaiset mestariteokset, kuten Daavidin patsas ja kopiot, jotka koristavat katolisia kirkkoja ympäri maailmaa, sekä Gattamelata Donatellon muistomerkki ja Benvenuto Cellinin "Perseus", kuuluvat tähän aikakauteen. Ranskalaisista mestareista on syytä huomata Jean Goujon ja Germain Pilon, jotka työskentelivät italialaisten kollegoidensa vaikutuksesta.

Merkittäviä 1700-luvun veistosmestareita

Rooman Palazzo Polin kuuluisa Trevin suihkulähde, jota pidetään yhtenä Italian pääkaupungin symboleista, on upea esimerkki modernin kuvanveiston taiteesta. Sen kirjoittajat ovat Nicolo Salvi ja Pietro Bracci, jotka esittivät Neptunuksen ja tritonien hahmon. 1700-luvulla työskentelivät myös ranskalaiset kuuluisat kuvanveistäjät Edmond Bouchardon ja Jean Baptiste Pigall, jotka olivat kuuluisia hautakiveistään. Englantilaisista mestareista voidaan erottaa erikoinen trio, joka koostuu John Flaxmanista, Joseph Nollekensista ja Thomas Banksista.

1800-luvun eurooppalainen veistos

1800-luvun alku leimasi kirkkaan maailmanveistoksen tähden - Bertel Thorvaldsenin, joka vuonna 1803 esitteli "Jasonin" yleisölle. Räikeän maailmandebyytin jälkeen hänestä tuli erittäin suosittu mestari tunnettujen asiakkaiden joukossa eri maista, ja melko pitkän luovan elämänsä aikana hän veistää monia erinomaisia \u200b\u200bsävellyksiä ja muotokuvia tunnetuista ihmisistä. Erityisesti on syytä mainita valtava friisi, joka kuvaa Aleksanteri Suuren hyökkäyksiä, jonka hän loi vuonna 1812 koristamaan Quirinalin palatsia.

Kun otetaan huomioon kuka kuuluisimmat kuvanveistäjät ja heidän teoksensa 1800-luvulta, yksi ensimmäisistä nimistä, joka tulee mieleen, on Auguste Rodin. Ja tämä ei ole lainkaan yllättävää, koska hänen teoksensa "Ajattelija" ja "Suudelma" tunnustetaan maailman taiteen suurimmista mestariteoksista. Saksan kuvanveistäjistä L. Schwanthaler ansaitsee erityismaininnan, joka loi monia upeita teoksia, jotka koristavat palatseja ja muita merkittäviä rakennuksia Münchenissä.

Kuvanveistäjät 1900-luvulta

Viime vuosisadalla suurten italialaisten mestareiden perinteitä jatkoi Giacomo Manza, joka tunnettiin Roomassa tehdyn "Kuoleman portin" luomisesta. Lisäksi on syytä mainita sellaiset mestarit kuin Jacques Lipschitz ja Osip Zadkin, jotka työskentelivät surrealistisella tyylillä. Luokkaan "Maailman tunnetuimmat kuvanveistäjät" kuuluu myös teos "Kävelevä mies", joka luotiin vuonna 1961 ja jonka Sotheby's-huutokaupassa arvioitiin 104,3 miljoonaksi dollariksi. 1900-luvun lopun kuvanveistäjistä Lynn Chadwick ja Barry Flanagan ovat myös mainitsemisen arvoisia.

Kuuluisia venäläisiä kuvanveistäjiä 1700-luvulta

Venäjän veistämisen taiteesta ei tarvitse puhua Petrine-aikakauden aikana, koska sitä ei yksinkertaisesti ollut olemassa. Pietarin perustaminen sai ihmiset ajattelemaan palatsien ja aukioiden koristamista veistosseoksilla, kuten Euroopan maissa oli tapana, joten he alkoivat kutsua ulkomaisia \u200b\u200bmestareita tuomioistuimeen. Ensimmäiset tunnetut venäläiset kuvanveistäjät olivat siis ulkomaalaisia. Esimerkiksi meille on tullut useita mittavia muotokuvia, jotka on valinnut tulevan suuren arkkitehdin isä - KB Rastrelli.

Kun Katariina II perusti Taideakatemian, venäläiset alkoivat opiskella siellä. Erityisesti hänen hallituskautensa aikana kotimaisen kuvanveistotaiteen pioneerit, kuten F.Subin, M.Kozlovsky ja F.Gordeev, jotka loivat kuuluisan Samsonin, erottivat itsensä. Erityisen paljon lahjakkaita käsityöläisiä ilmestyi 1800-luvulla. Erityisesti tänä aikana työskentelivät sellaiset Venäjän kuuluisat kuvanveistäjät kuin M.M.Antokolsky, Peterhofin Pietari Suuren muistomerkin kirjoittaja, A.M.Opekushin, P.Velionsky ja I.N.Shroder.

Yksi 1900-luvun ensimmäisen puoliskon tunnetuimmista veistostöistä on tietysti Vera Mukhinan kuuluisa muistomerkki "Työläinen ja kollektiivinen nainen" - tunnustettu sosialistisen realismin mestariteos. Vähintään mielenkiintoisia ovat E. Vutechichin, joka loi "Warrior-Liberator" Berliinin Treptow Park -puistoon ja maailmankuulun patsas "Motherland", ja M. Anikushin - AP Tšekhovin ja A. Pushkinin muistomerkkien kirjoittaja. , joka asennettiin Leningradiin vuonna 1957.

Mitä ovat Neuvostoliiton jälkeisen ajan tunnetuimmat venäläiset kuvanveistäjät, luultavasti Ernst Neizvestny, joka aloitti työnsä jo Neuvostoliiton päivinä, joutui muuttamaan Yhdysvaltoihin, ja hänen merkittävin työnsä - " Mask of Sorrow "Magadanin muistomerkille stalinististen sortojen uhreille - luotu vuonna 1996. Toinen kuvanveistäjä, joka on saanut laajan tunnustuksen viime vuosikymmeninä, on M.Shemyakin, jonka teosten joukossa moniarvoinen sävellys "Lapset - aikuisten paheiden uhrit" ansaitsee erityismaininnan.

Luettelot ikonisista ja vaikutusvaltaisista kuvanveistäjistä

Muinaiset Egyptin kuvanveistäjät

Innovatiiviset ja kekseliäät egyptiläiset kuvanveistäjät ja veistäjät sekä naapurimaiden Välimeren käsityöläiset pysyivät melkein täysin tuntemattomina.

Muinaiset kreikkalaiset kuvanveistäjät (500-100 eKr.)

Kreikkalaisen veistoksen uskotaan olevan sekoitus ideoita ja tekniikoita egyptiläisistä, mykeeneläisistä ja persialaisista kulttuureista. Kreikkalaiset kuvanveistäjät tutkivat sekä kivileikkausta että pronssia. Yllättäen huolimatta Kreikan uskomattomasta panoksesta veistoksen kehittämiseen, monta tunnettujen mestareiden nimeä on säilynyt tähän päivään saakka.

Katkelma Halicarnassuksen mausoleumin friisistä. Scopas.

• Phidias (noin 488-431 eKr.). Klassisen ajan suurin kuvanveistäjä;
• Myron Eleutherista (noin 480–444 eKr.). Päällikön pronssiveistos;
• Lysippos (noin 395–305 eKr.). Tunnettu kuvanveistäjä Aleksanteri Suuren suojeluksessa;
• Polycletus (5. vuosisata eKr);
• Callimachus (5. vuosisata eKr);
• Scopas (noin 395–350 eKr);
• Praxiteles (noin 395–350 eKr);
• Leochares (noin 350 eKr.).

• Honore Daumier (1808-1879);
• George Frederick Watts (1817-1904)
• Jean-Baptiste Carpeau (1827-1875)
• Frederick Leighton (1830-1896)
• Constantin Meunier (1831-1905);
• Frederic-Auguste Bartholdi (1834-1904)
• Edgar Degas (1834-1917);
• Georges Minne (1866-1941).

Ugolino ja hänen lapsensa. Jean-Baptiste Carpeau.

Nykytaiteilijat: 1900-luku

1900-luvun alkuvuodet olivat veistosta vallankumouksellisia, kiitos suurelta osin taiteilijoille, kuten Picasso, Boccioni ja Naum Gabo, sekä uusille modernistisille liikkeille (kubismi, surrealismi, dada jne.). Uusia abstrakteja muotoja ja veistoksen esineitä ilmestyy.

Istuva. Ernst Barlach. Veistos Madridin yliopiston edessä. Hyatt Huntington.

1900-luku: modernit kuvanveistäjät

Siirtyminen modernismista postmodernismiin monipuolisti veistoksia. Uusia materiaaleja (esimerkiksi konkreettisia), uusia muotoja (superrealismi, abstraktit teokset) ja tekniikoita ilmestyy. Perinteiset teokset ovat kuitenkin edelleen ajankohtaisia \u200b\u200bhuolimatta monista eroista nykyaikaisiin teoksiin.

• Louise Bourgeois (1911–2010);
• Joseph Beuys (1921-1986);
• Cesar Baldachchini (1921-1998);
• Eduardo Paolozzi (1924-2005);
• Donald Judd (1928–1994);
• Saul Levitt (1928-2007);
• Niki de Saint Phalle (1930-2002).

Esitetty kuvanveistäjäluettelo ei ole täydellinen eikä sisällä useita tunnettuja nimiä, mutta antaa yleisen kuvan eri aikakausien mestareista, tyylistä ja ideoista.

Kaikkien aikojen parhaat kuvanveistäjät päivitetty: 23. syyskuuta 2017 kirjoittaja: Gleb