Kuinka monta osaa klassisella sinfonialla on? Sinfonia

Sinfonia (kreikkalaisesta "konsonanssista") - pala orkesterille, joka koostuu useista osista. Sinfonia on musiikillisin muoto konserttiorkesterimusiikista.

Klassinen rakenne

Rakenteen suhteellisen samankaltaisuuden vuoksi sonaattiin sinfoniaa voidaan kutsua orkesterin suursonaatiksi. Sonaatti ja sinfonia sekä trio, kvartetti jne. Kuuluvat "sonaatti-sinfoniseen sykliin" - sykliseen musiikkimuotoon teoksessa, jossa on tapana esittää ainakin yksi osista (yleensä ensimmäinen) sonaattimuodossa. Sonaatti-sinfoninen sykli on suurin syklinen muoto puhtaasti instrumentaalimuodoista.

Kuten sonaatissa, klassisella sinfonialla on neljä osaa:
- ensimmäinen osa kirjoitetaan nopeassa tahdissa sonaattimuodossa;
- toinen liike hidastettuna kirjoitetaan rondona, harvemmin sonaatin tai muunnelman muodossa;
- kolmas osa, scherzo tai menuetti kolmiosaisessa muodossa;
- neljäs osa nopeassa tahdissa, sonaattimuodossa tai rondo-, rondosonaatti-muodossa.
Jos ensimmäinen osa on kirjoitettu maltillisella tempolla, sitä päinvastoin, päinvastoin, voi seurata nopea toinen ja hidas kolmas osa (esimerkiksi Beethovenin yhdeksäs sinfonia).

Ottaen huomioon, että sinfonia on suunniteltu orkesterin suurvoimille, kukin sen osa on kirjoitettu laajemmin ja yksityiskohtaisemmin kuin esimerkiksi tavallisessa pianosonaatissa, koska sinfoniaorkesterin ilmaisuvälineiden rikkaus tarjoaa yksityiskohtainen esitys musiikillisesta ajattelusta.

Sinfonian historia

Termiä sinfonia käytettiin muinaisessa Kreikassa, keskiajalla, ja lähinnä kuvaamaan erilaisia \u200b\u200binstrumentteja, etenkin niitä, jotka pystyvät tuottamaan useamman kuin yhden äänen kerrallaan. Joten Saksassa, 1700-luvun puoliväliin asti, sinfonia oli yleinen termi cembaloen lajikkeille - spinetit ja neitsyt, Ranskassa he kutsuivat tynnyriuruksi, cembaloksi, kaksipäisiksi rummuiksi jne.

Sana sinfonia, joka merkitsee "yhdessä kuulostavia" musiikkikappaleita, alkoi esiintyä joidenkin 1500- ja 1700-luvun teosten nimissä sellaisten säveltäjien joukossa kuin Giovanni Gabrieli (Sacrae symphoniae, 1597 ja Symphoniae sacrae 1615), Adriano Banchieri (Eclesiastiche). Sinfonie, 1607), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie musicali, 1610) ja Heinrich Schütz (Symphoniae sacrae, 1629).

Sinfoniaa, joka muotoutui Domenico Scarlatin johdolla 1700-luvun lopulla, voidaan pitää sinfonian prototyyppinä. Tätä muotoa kutsuttiin tuolloin jo sinfoniaksi, ja se koostui kolmesta vastakkaisesta osasta: allegro, andante ja allegro, jotka sulautuivat yhdeksi kokonaisuudeksi. Juuri tätä muotoa pidetään usein orkesterisymfonian suorana edeltäjänä. Termejä "alkusoitto" ja "sinfonia" käytettiin vaihtokelpoisesti suuressa osassa 1700-lukua.

Muita tärkeitä sinfonian esivanhempia olivat orkesterisarja, joka koostui useista osista yksinkertaisimmissa muodoissa ja pääasiassa samassa sävellajissa, sekä ripieno-konsertto, muoto, joka muistuttaa jousille ja jatko-konsertolle, mutta ilman sooloinstrumentteja. Tässä muodossa luotiin Giuseppe Torellin teokset ja kenties tunnetuin ripieno-konsertti on Johann Sebastian Bachin "Brandenburgin konsertto nro 3".

Sinfonian klassisen mallin perustajaa harkitaan. Klassisessa sinfoniassa vain ensimmäisellä ja viimeisellä kappaleella on sama avain, kun taas keskimmäisillä kappaleilla on päähän muistuttavat avaimet, mikä määrää koko sinfonian avaimen. Klassisen sinfonian erinomaisia \u200b\u200bedustajia ovat Wolfgang Amadeus Mozart ja Ludwig van Beethoven. Beethoven laajensi dramaattisesti sinfoniaa. Hänen sinfonia nro 3 ("Sankarillinen"), jonka mittakaava ja tunnealue ylittää kaikki aikaisemmat teokset, hänen sinfonia nro 5 on kenties tunnetuin koskaan kirjoitettu sinfonia. Hänen 9. sinfoniastaan \u200b\u200btulee yksi ensimmäisistä "kuorosymfonioista", jotka sisällyttävät osia solisteille ja kuorolle viimeiseen osaan.

Romanttisesta sinfoniasta on tullut klassisen muodon ja romanttisen ilmaisun yhdistelmä. Myös ohjelmallisuuden taipumus on kehittymässä. Esiintyä. Romantiikan pääpiirre oli muodon, orkesterin kokoonpanon ja äänen tiheyden kasvu. Tämän aikakauden merkittävimpiin sinfoniasäveltäjiin kuuluvat Franz Schubert, Robert Schumann, Felix Mendelssohn, Hector Berlioz, Johannes Brahms, PI Tchaikovsky, A. Bruckner ja Gustav Mahler.

Sinfonia on muuttunut edelleen 1800-luvun jälkipuoliskolta ja varsinkin 1900-luvulta lähtien. Neliosaisesta rakenteesta on tullut valinnainen: sinfoniat voivat sisältää yhtä tai useampaa osaa (7. sinfonia) yksitoista (D.Shostakovichin 14. sinfonia). Monet säveltäjät kokeilivat sinfonioiden kokoa, joten Gustav Mahler loi kahdeksannen sinfoniansa nimeltä Tuhannen osanottajan sinfonia (johtuen orkesterin ja sen suorittamiseen tarvittavien kuorojen voimasta). Sonaattilomakkeen käytöstä tulee valinnainen.
Beethovenin yhdeksännen sinfonian jälkeen säveltäjät alkoivat lisätä lauluosia sinfonioihin useammin. Musiikkimateriaalin laajuus ja sisältö pysyvät kuitenkin vakiona.

Luettelo merkittävistä sinfonian säveltäjistä
Joseph Haydn - 108 sinfoniaa
Wolfgang Amadeus Mozart - 41 (56) sinfoniaa
Ludwig van Beethoven - 9 sinfoniaa
Franz Schubert - 9 sinfoniaa
Robert Schumann - 4 sinfoniaa
Felix Mendelssohn - 5 sinfoniaa
Hector Berlioz - useita ohjelman sinfonioita
Antonín Dvořák - 9 sinfoniaa
Johannes Brahms - 4 sinfoniaa
Pjotr \u200b\u200bTšaikovski - 6 sinfoniaa (samoin kuin "Manfred" sinfonia)
Anton Bruckner - 10 sinfoniaa
Gustav Mahler - 10 sinfoniaa
- 7 sinfoniaa
Sergei Rachmaninoff - 3 sinfoniaa
Igor Stravinsky - 5 sinfoniaa
Sergei Prokofjev - 7 sinfoniaa
Dmitry Šostakovich - 15 sinfoniaa (myös useita kamarisymfoniaa)
Alfred Schnittke - 9 sinfoniaa

Lukuisien musiikkilajien ja -muotojen joukossa yksi kunnianarvoisimmista paikoista kuuluu sinfoniaan. Koska se on noussut viihde-tyylilajiksi 1800-luvun alusta nykypäivään, se heijastaa herkemmin ja täydellisesti, kuten mikään muu musiikkitaiteen muoto, aikansa. Beethovenin ja Berliozin, Schubertin ja Brahmsin, Mahlerin ja Tšaikovskin, Prokofjevin ja Shostakovichin sinfoniat ovat laajamittaisia \u200b\u200bpohdintoja aikakaudesta ja persoonallisuudesta, ihmiskunnan historiasta ja maailman tavoista.

Sinfoninen sykli, kuten tunnemme sen monista klassisista ja moderneista näytteistä, muodostui noin kaksisataa ja viisikymmentä vuotta sitten. Tämän historiallisen lyhyen ajanjakson aikana sinfonian genre on kuitenkin kulkenut jättimäisen tien. Tämän polun pituus ja merkitys määritettiin juuri sillä, että sinfonia imi kaikki aikansa ongelmat, pystyi heijastamaan aikakauden monimutkaisia, ristiriitaisia, täynnä valtavia mullistuksia, ilmentämään tunteita, kärsimyksiä ja kamppailuja ihmisistä. Riittää, kun kuvitellaan yhteiskunnan elämää 1700-luvun puolivälissä ja muistetaan Haydnin sinfoniat; 1700-luvun lopun - 1800-luvun alkupuolen - suuret mullistukset ja Beethovenin sinfoniat, jotka heijastivat niitä; reaktio yhteiskunnassa, pettymys - ja romanttiset sinfoniat; lopuksi kaikki kauhut, joita ihmiskunnan oli täytettävä 1900-luvulla - ja vertaa Beethovenin sinfonioita Shostakovichin sinfonioihin nähdäkseen selvästi tämän valtavan, joskus traagisen polun. Nykyään harvat ihmiset muistavat, mikä alku oli, mitkä ovat tämän monimutkaisen puhtaasti musiikillisen tyylilajin alkuperät, jotka eivät liity muihin taiteisiin.

Katsotaanpa nopeasti vilkaisu 1700-luvun puolivälin musiikilliseen Eurooppaan.

Italiassa, klassisessa taidemaassa, joka on kaikkien Euroopan maiden suunnannäyttäjä, ooppera hallitsee korkeinta. Niin kutsuttu opera-seria ("vakava") hallitsee. Siinä ei ole eläviä yksittäisiä kuvia, ei ole aitoa dramaattista toimintaa. Opera-seria on vuorovaikutus erilaisista mielentiloista, jotka sisältyvät tavanomaisiin hahmoihin. Sen tärkein osa on aaria, jossa nämä tilat välittyvät. Siellä on vihan ja koston aariaa, valitusten aariaa (lamento), surua hidasta ja iloista rohkeutta. Nämä ariat olivat niin yleistettyjä, että ne voitiin siirtää oopperasta toiseen vahingoittamatta esitystä. Itse asiassa säveltäjät tekivät niin usein, varsinkin kun heidän täytyi kirjoittaa useita oopperoita vuodessa.

Melodiasta tuli ooppera-serian elementti. Tunnettu italialainen bel canto -taide löysi korkeimman ilmaisunsa täällä. Aareissa säveltäjät ovat saavuttaneet todellisen korkeuden tämän tai toisen valtion suoritusmuodosta. Rakkaus ja viha, ilo ja epätoivo, viha ja suru välittivät musiikin niin elävästi ja vakuuttavasti, että sanojen ei tarvinnut kuulla ymmärtääksesi, mistä laulaja laulaa. Tämä avasi pohjimmiltaan tietä tekstittömälle musiikille, joka on suunniteltu ilmentämään ihmisten tunteita ja intohimoja.

Väliintuloista - oopperaserian ja siihen liittyvän sisällön välissä suoritetuista kohtauksista - syntyi sen iloinen sisar, koominen oopperaharrastaja. Sisällöltään demokraattinen (sen hahmot eivät olleet mytologisia sankareita, kuninkaita ja ritareita, vaan tavalliset ihmiset ihmisistä), hän vastusti tarkoituksella itseään oikeustaidelle. Oopperaharrastaja erottui sen luonnollisuudesta, toiminnan vilkkaudesta ja musiikkikielen spontaanuudesta, joka liittyy usein suoraan kansanperinteeseen. Se sisälsi äänekielen twisteriä, koomista parodia-koloratuuria, vilkkaita ja kevyitä tanssimelodioita. Näyttelyiden finaalit etenivät yhtyeinä, joissa hahmot lauloivat toisinaan kerralla. Joskus tällaisia \u200b\u200bfinaaleja kutsuttiin "palloksi" tai "sekaannukseksi", toiminta rullai niihin niin nopeasti ja juonittelu osoittautui hämmentäväksi.

Instrumentaalimusiikki kehittyi myös Italiassa, ja ennen kaikkea oopperaan läheisimmin liittyvä tyylilaji - alkusoitto. Orkesterin johdatuksena oopperateokseen hän lainasi oopperasta kirkkaita, ilmeikkäitä musiikkiteemoja, samanlaisia \u200b\u200bkuin aarioiden melodiat.

Tuon ajan italialainen alkusoitto koostui kolmesta osasta - nopea (Allegro), hidas (Adagio tai Andante) ja jälleen nopea, useimmiten menuetti. He kutsuivat sitä sinfoniaksi - kreikaksi käännettynä - konsonanssiksi. Ajan myötä alkusoittoja alettiin tehdä paitsi teatterissa ennen verhon avaamista myös erillisinä itsenäisinä orkesteriteoksina.

1700-luvun lopulla ja 1700-luvun alkupuolella Italiassa ilmestyi loistava viuluvirtuoosien galaksi, jotka olivat samalla lahjakkaita säveltäjiä. Vivaldi, Iomelli, Locatelli, Tartini, Corelli ja muut, jotka hallitsivat täydellisesti viulun - soittimen, jota voidaan ilmaisullaan verrata ihmisääneen - loivat laajan viulurepertuaarin, lähinnä sonaateiksi kutsuttuista kappaleista (italialaisesta sonaresta - ääni). Niissä, kuten Domenico Scarlatti, Benedetto Marcello ja muut säveltäjät, valmistettiin joitain yhteisiä rakenteellisia piirteitä, jotka siirtyivät sinfoniaan.

Ranskan musiikkielämää muokattiin eri tavalla. He ovat pitkään rakastaneet musiikkia, joka liittyy sanoihin ja tekoihin. Balettitaide oli erittäin kehittynyt; viljeltiin erityyppistä oopperaa - lyyrinen tragedia, joka muistutti Corneillen ja Racinen tragedioita, jolla oli jälki kuninkaallisen hovin erityisestä elämästä, sen etiketistä ja juhlista.

Ranskan säveltäjät pyrkivät myös instrumentaalikappaleita luodessaan suuntaamaan juonia, ohjelmaa ja musiikin sanallista määritelmää. "Heiluttava korkki", "Reapers", "Tambourine" - tämä oli nimi cembalo-kappaleille, jotka olivat joko tyylilajeja tai musiikkimuotokuvia - "Graceful", "Gentle", "ahkera", "Coquettish".

Suuremmat, useista osista koostuvat kappaleet ovat peräisin tanssista. Saksan tiukka, liikkuva, kuten liukuva ranskalainen kello, upea espanjalainen sarabanda ja nopea juoma - englantilaisten merimiesten tulinen tanssi - ovat olleet tunnettuja jo pitkään Euroopassa. Ne olivat instrumentaalisarjan genren perusta (ranskalaisesta sarjasta - sekvenssi). Muita tansseja sisältyi usein sviittiin: menuetti, gavotte, poloneesi. Alustava esipuhe saattoi kuulostaa ennen kaikkea; sviitin keskellä mitattu tanssiliike keskeytettiin joskus vapaalla aarialla. Mutta sviitin selkäranka - neljä eri kansojen eri hahmojen tanssia - oli varmasti läsnä muuttumattomassa järjestyksessä, joka hahmotteli neljä erilaista tunnelmaa ja johti kuuntelijan alun rauhallisesta liikkeestä kiehtovaan nopeaan loppuun.

Sviitit ovat kirjoittaneet monet säveltäjät, eikä vain Ranskassa. Suuri Johann Sebastian Bach antoi heille myös merkittävän kunnianosoituksen, jonka nimiin, samoin kuin saksalaiseen musiikkikulttuuriin yleensä, liittyy monia musiikkilajeja.

Saksan kielen maissa, toisin sanoen lukuisissa Saksan kuningaskunnissa, ruhtinaskunnissa ja piispoissa (Preussin, Baijerin, Saksin jne.), Samoin kuin Itävallan monikansallisen imperiumin eri alueilla, joihin sitten kuului "muusikoiden kansa" "- Habsburgien orjuuttama Tšekki - instrumentaalimusiikkia on jo pitkään viljelty. Missä tahansa pikkukaupungissa, kylässä tai jopa kylässä oli viulisteja ja sellistejä, iltaisin kuulosti yksin- ja yhtyekappaleita, joita amatöörit soittivat innokkaasti. Musiikin tekemisen keskukset olivat yleensä kirkkoja ja niihin liitettyjä kouluja. Opettaja oli pääsääntöisesti kirkon urkuri, joka esitti musiikillisia fantasioita lomilla parhaan kykynsä mukaan. Suurissa saksalaisissa protestanttikeskuksissa, kuten Hampurissa tai Leipzigissä, muotoutuivat myös uudet musiikinmuodon muodot: urkukonsertit katedraaleissa. Näissä konserteissa esiintyi preludeja, fantasioita, muunnelmia, kuorosovituksia ja, mikä tärkeintä, fugoja.

Fuuga on monimutkaisin polyfonisen musiikin tyyppi, joka saavutti huippunsa I.S. Bach ja Händeli. Sen nimi tulee latinalaisesta fuga-juoksusta. Se on moniääninen kappale, joka perustuu yhteen teemaan, joka siirtyy (kulkee!) Äänestä ääneksi. Tässä tapauksessa kutakin melodista linjaa kutsutaan ääneksi. Tällaisten viivojen lukumäärästä riippuen fuuga voi olla kolme, neljä, viisi osaa jne. Fuugan keskiosassa, kun teema on kuulostanut kokonaan kaikilla äänillä, sitä alkaa kehittää: sitten sen alku ilmestyy ja katoaa uudelleen, sitten se laajenee (jokaisesta sen muodostavasta nuotista tulee kaksi kertaa niin pitkä), sitten kutistuu - tätä kutsutaan nousevaksi ja laskevaksi teemaksi. Saattaa tapahtua, että teeman sisällä laskevista melodisista liikkeistä tulee nousevia ja päinvastoin (teema liikkeessä). Melodinen liike liikkuu avaimesta toiseen. Ja fuabin viimeisessä osassa - Reprise - teema kuulostaa jälleen ilman muutoksia, kuten alussa, palaten näytelmän pääavaimeen.

Muistakaamme vielä kerran: puhumme 1700-luvun puolivälistä. Aristokraattisen Ranskan suolistossa on tulossa räjähdys, joka pyyhkäisee hyvin pian absoluuttisen monarkian. Uusi aika tulee. Ja vaikka vallankumouksellisia mielipiteitä valmistellaan edelleen vasta piilevästi, ranskalaiset ajattelijat vastustavat nykyistä järjestystä. He vaativat kaikkien ihmisten tasa-arvoa lain edessä, julistavat vapauden ja veljeyden ideoita.

Taide, joka heijastaa muutoksia julkisessa elämässä, on herkkä muutoksille Euroopan poliittisessa ilmapiirissä. Esimerkki tästä on Beaumarchaisin kuolemattomat komediat. Tämä koskee myös musiikkia. Nyt, vaikeina aikoina, jotka ovat täynnä historiallisesti merkittäviä tapahtumia, vanhojen, vakiintuneiden musiikkilajien ja -muotojen syvyydessä on syntymässä uusi, todella vallankumouksellinen genre - sinfonia. Siitä tulee laadullisesti, pohjimmiltaan erilainen, sillä se ilmentää myös uuden tyyppistä ajattelua.

Oletettavasti ei ole sattumaa, että sinfonian genre muodostui lopulta saksankielisissä maissa, koska sillä oli edellytyksiä Euroopan eri alueilla. Italiassa ooppera oli kansallinen taide. Englannissa siellä käyneiden historiallisten prosessien henki ja merkitys heijastuivat eniten syntymäsaksalaisen Georg Handelin oratorioissa, josta tuli kansallinen englantilainen säveltäjä. Ranskassa muut taiteet nousivat esiin, erityisesti kirjallisuus ja teatteri, - konkreettisemmat, ilmaisevat suoraan ja ymmärrettävästi uusia ajatuksia, jotka innostivat maailmaa. Voltairen teokset, Rousseaun "New Eloise", Montesquieun "persialaiset kirjeet" peitetyssä mutta melko ymmärrettävässä muodossa esittivät lukijoille kaustisen kritiikin olemassa olevasta järjestyksestä, tarjosivat omia versioitaan yhteiskunnan rakenteesta.

Muutaman vuosikymmenen kuluttua musiikista tuli kappale, joka nousi vallankumouksellisten joukkojen joukkoon. Silmiinpistävin esimerkki tästä on yön yli luotu upseeri Rouge de Lislen Rheinlandin armeijan laulu, josta tuli maailmankuulu Marseillaisen nimellä. Laulua seurasi joukkojuhlien ja suruseremonioiden musiikki. Ja lopuksi, niin kutsuttu "pelastusooppera", jonka sisällön mukaan tyranni pyrki sankariin tai sankaritariin ja pelastui oopperan finaalissa.

Sinfonia vaati täysin erilaisia \u200b\u200behtoja sekä sen muodostumiselle että täysimittaiselle havainnolle. Filosofisen ajattelun "painopiste", joka heijastaa täydellisesti tuon aikakauden sosiaalisten muutosten syvää olemusta, päätyi Saksaan, kaukana sosiaalisista myrskyistä.

Siellä ensin Kant ja myöhemmin Hegel loivat uuden filosofisen järjestelmänsä. Kuten filosofiset järjestelmät, sinfonia - filosofisin, dialektinen-menettelyllinen musiikillisen luovuuden tyylilaji - muodostui lopulta sinne, missä vain lähestyvien ukkosmäärien kaukaiset kaiut saavuttivat. Missä on lisäksi kehittynyt vakaa instrumentaalimusiikin perinne.

Yksi tärkeimmistä uuden genren syntymiskeskuksista oli Mannheim - Baijerin vaalien Pfalzin pääkaupunki. Täällä, vaaliruhtinas Karl Theodorin loistavassa tuomioistuimessa, 1700-luvun 40-50-luvulla, pidettiin erinomainen, ehkä tuolloin Euroopan paras orkesteri.

Sinä aikaan sinfoniaorkesteri oli vasta muotoutumassa. Ja hovikappeleissa ja katedraaleissa orkesteriryhmiä, joilla oli vakaa kokoonpano, ei ollut. Kaikki riippui hallitsijan tai tuomarin käytettävissä olevista keinoista, niiden maista, jotka pystyivät antamaan käskyjä. Aluksi orkesterilla oli vain sovellettu rooli, joka seurasi joko hoviesityksiä tai juhlia ja juhlallisia seremonioita. Ja sitä pidettiin ennen kaikkea oopperana tai kirkkoyhteisönä. Alun perin orkesteri koostui viuluista, luuttuista, harpuista, huiluista, oboista, ranskalaisista sarvista, rummuista. Vähitellen kokoonpano laajeni, jousisoittimien määrä kasvoi. Ajan myötä viulut syrjäyttivät vanhan alttoviulun ja ottivat pian johtavan aseman orkesterissa. Puupuhaltimet - huilut, obot, fagotit - sulautuivat erilliseen ryhmään, ja ilmestyivät vaskisoittimet - trumpetit, pasuunat. Pakollinen instrumentti orkesterissa oli cembalo, joka luo harmonisen perustan äänelle. Hänen takanaan oli yleensä orkesterin johtaja, joka soitti samalla ohjeet esittelyyn.

1600-luvun lopulla aatelisten tuomioistuimissa esiintyneet instrumentaaliset yhtyeet levisivät laajalle. Jokainen hajanaisen Saksan monista pienistä ruhtinaista halusi saada oman kappelin. Orkesterien nopea kehitys alkoi, uusia orkesterisoitomenetelmiä ilmestyi.

Mannheimin orkesteri koostui 30 kielestä, 2 huilusta, 2 oboasta, klarinetista, 2 fagotista, 2 trumpetista, 4 sarvesta, timpanista. Tämä on nykyaikaisen orkesterin selkäranka, sävellys, jolle monet seuraavan aikakauden säveltäjät loivat teoksensa. Orkesteria johti erinomainen muusikko, säveltäjä ja viuluvirtuoosi tšekki Jan Vaclav Stamitz. Orkesterin taiteilijoiden joukossa oli myös aikansa suurimpia muusikoita, paitsi virtuoosisia instrumentalisteja, myös lahjakkaita säveltäjiä Franz Xaver Richter, Anton Filz ja muut. He määrittelivät erinomaisen tason orkesterin esiintymistaidosta, josta tuli kuuluisa hämmästyttävistä ominaisuuksistaan \u200b\u200b- viuluiskun aikaisemmin saavuttamaton tasaisuus, dynaamisten sävyjen hienovaraisimmat porrastukset, joita ei aiemmin käytetty lainkaan.

Nykyaikaisen kriitikko Bosslerin mukaan "pianon, forte, rinforzando tarkka tarkkailu, äänen asteittainen kasvu ja vahvistaminen ja sitten sen voimakkuuden lasku tuskin kuultavaksi ääneksi - kaikki tämä kuultiin vain Mannheimissa " Bernie, englantilainen musiikin rakastaja, joka teki matkan Eurooppaan 1700-luvun puolivälissä, toistaa häntä: "Tällä ylimääräisellä orkesterilla on tarpeeksi tilaa ja puolia osoittamaan kaikki kykynsä ja vaikuttamaan suuresti. Täällä Stomitz, innoittamana Yomellin teoksista, ylitti ensimmäistä kertaa tavanomaisten oopperan alkusoittojen ... kaikki vaikutukset, joita tällainen äänimassa voi tuottaa, kokeiltiin. Täällä syntyivät crescendo ja diminuendo, ja piano, jota aiemmin käytettiin pääasiassa kaikuna ja joka oli yleensä sen synonyymi, ja forte tunnustettiin musiikkiväriksi, jolla on omat sävyt ... "

Tässä orkesterissa neliosaiset sinfoniat kuulostivat ensimmäistä kertaa - sävellykset, jotka rakennettiin saman tyypin mukaan ja joilla oli yleisiä lakeja, jotka absorboivat monia aiemmin olemassa olevien musiikkilajien ja -muotojen piirteitä ja sulattivat ne laadullisesti erilaisiksi; uusi yhtenäisyys.

Ensimmäiset soinnut ovat ratkaisevia, täytelisiä, ikään kuin vaativat huomiota. Sitten leveät, laajamittaiset käytävät. Jälleen soinnut, jotka korvataan arpeggiated liikkeellä, ja sitten - eloisa, joustava, ikään kuin avautuva jousi, melodia. Näyttää siltä, \u200b\u200bettä se voi avautua loputtomiin, mutta se lähtee nopeammin kuin huhu sitä haluaa: kuin talon omistajille suuren vastaanoton aikana esitelty vieras siirtyy pois heistä ja antaa tien muille, jotka seuraavat. Hetken yleisen liikkeen jälkeen ilmestyy uusi teema - pehmeämpi, naisellisempi, lyyrisempi. Mutta se ei kuulosta pitkältä, liukenemalla kappaleisiin. Jonkin ajan kuluttua meillä on jälleen ensimmäinen teema, hieman muutettu, uudessa avaimessa. Musiikkivirta virtaa nopeasti palaten sinfonian alkuperäiseen, perusavaimeen; toinen teema virtaa orgaanisesti tähän virtaan, joka on nyt luonteeltaan ja tunnelmaltaan lähempänä ensimmäistä. Sinfonian ensimmäinen osa päättyy täyskuuloisilla iloisilla sointuilla.

Toinen osa, andante, etenee hitaasti, melodisesti, paljastaen kielisoittimien ilmeikkyyden. Tämä on eräänlainen aaria orkesterille, jota hallitsevat sanoitukset, eleginen meditaatio.

Kolmas osa on tyylikäs, upea menuetti. Se luo rentoutumisen tunteen. Ja sitten, kuten tulinen pyörremyrsky, syttyy finaali. Tämä on yleisesti ottaen tuon ajan sinfonia. Sen alkuperä voidaan jäljittää hyvin selvästi. Ensimmäinen osa muistuttaa ennen kaikkea oopperan alkusoittoa. Mutta jos alkusoitto on vasta esityksen aattona, niin tässä toiminta itsessään etenee ääninä. Tyypillisesti oopperan musiikilliset kuvat alkusoittosta - sankarillinen fanfaari, koskettavat lamentot, myrskyisät puskat - eivät liity tiettyihin näyttämötilanteisiin, eikä niillä ole tunnusomaisia \u200b\u200byksilöllisiä piirteitä (muistakaa, että edes Rossinin Sevillan parturin alkusoittolla ei ole mitään tekemistä sisällön kanssa) oopperasta ja yleensä se oli alun perin kirjoitettu toiselle oopperalle!), irtautui oopperan esityksestä ja aloitti itsenäisen elämän. Ne ovat helposti tunnistettavissa sinfonian alkupuolella - sankarien aarioiden ratkaiseva rohkea intonaatio ensimmäisissä aiheissa, joita kutsutaan pääaiheiksi, lyyristen aarien huokaiset huokaukset toisessa - ns. Toissijaisissa - aiheissa.

Oopperaperiaatteet heijastuvat myös sinfonian tekstuuriin. Jos aikaisemmin instrumentaalimusiikissa vallitsi polyfonia eli polyfonia, jossa useita itsenäisiä, toisiinsa kietoutuvia melodioita kuulosti samanaikaisesti, niin tässä alkoi kehittyä erilaista polyfoniaa: yksi päämelodia (useimmiten viulu), ilmeikäs, merkittävä, mukana säestys, joka laukaisee sen, korostaa hänen yksilöllisyyttään. Tämän tyyppinen polyfonia, jota kutsutaan homofoniseksi, hallitsee varhaista sinfoniaa. Myöhemmin fuugasta lainatut laitteet näkyvät sinfoniassa. 1700-luvun puolivälissä se kuitenkin todennäköisesti vastustaa fugaa. Teemoja oli pääsääntöisesti yksi (fuugoja on kaksinkertaisia, kolminkertaisia \u200b\u200bja enemmän, mutta niissä teemoja ei vastusteta, vaan rinnakkain). Se toistettiin useita kertoja, mutta mikään ei ollut ristiriidassa sen kanssa. Se oli pohjimmiltaan aksioma, väitöskirja, joka väitettiin toistuvasti vaatimatta todisteita. Sinfonian päinvastainen: eri musiikkiteemojen ja kuvien ulkonäössä ja muutoksissa voi kuulla kiistoja ja ristiriitoja. Ehkä juuri tässä aikamerkki heijastuu eloisimmin. Totuus ei ole enää itsestään selvää. Sitä on haettava, todistettava, perusteltava, vertailtava erilaisia \u200b\u200bmielipiteitä ja selkeytettävä eri näkökulmia. Tätä tietosanakirjoittajat tekevät Ranskassa. Tämä on saksalaisen filosofian perusta, erityisesti Hegelin dialektinen menetelmä. Ja etsinnän aikakauden henki heijastuu musiikissa.

Joten sinfonia otti paljon oopperan alkusoittosta. Erityisesti alkusoitto hahmotteli myös vastakkaisten osien vuorottelun periaatetta, joka sinfoniassa muuttui itsenäisiksi osiksi. Ensimmäisessä osassaan - ihmisen eri puolet, erilaiset tunteet, elämä sen liikkeessä, kehitys, muutokset, kontrastit ja konfliktit. Toisessa osassa - pohdintaa, keskittymistä, joskus - sanoituksia. Kolmannessa - rentoutumista, viihdettä. Ja lopuksi, finaali - kuvia hauskuudesta, riemusta ja samalla - musiikillisen kehityksen tulos, sinfonisen syklin päättyminen.

Tällainen sinfonia muotoutuu 1800-luvun alkuun mennessä, esimerkiksi yleisesti ottaen, esimerkiksi Brahmsissa tai Brucknerissa. Ja syntymänsä aikana hän ilmeisesti lainasi monet osat sviitistä.

Allemand, Couranta, Sarabande ja Gigue - neljä pakollista tanssia, neljä erilaista tunnelmaa, jotka voidaan helposti jäljittää varhaisissa sinfonioissa. Niissä tanssiminen ilmaistaan \u200b\u200bhyvin selvästi, varsinkin finaaleissa, jotka melodian luonteen vuoksi tempo, jopa mitan mitta, muistuttavat usein juonittelua. Tosin sinfonian finaali on joskus lähempänä oopperabuffan kuohuviiniä, mutta silloinkin sen suhde tanssiin, esimerkiksi tarantellaan, on epäilemättä. Kolmannesta osasta sitä kutsutaan menuetiksi. Ainoastaan \u200b\u200bBeethovenin teoksessa scherzo korvaa tanssin - kiihkeä palkkio tai töykeä tavallinen kansa.

Siksi vastasyntynyt sinfonia on absorboinut monien musiikkilajien piirteet ja lisäksi eri maissa syntyneet tyylilajit. Ja sinfonian muodostuminen tapahtui paitsi Mannheimissa. Siellä oli Wienin koulu, jota edusti erityisesti Wagenzeil. Italiassa Giovanni Battista Sammartini kirjoitti orkesteriteoksia, joita hän kutsui sinfonioiksi ja tarkoitettu konserttiesityksiin, jotka eivät liity oopperateoksiin. Ranskassa belgialaista alkuperää oleva nuori säveltäjä François-Joseph Gossek kääntyi uuden tyylilajin puoleen. Hänen sinfoniansa eivät kohdanneet vastausta ja tunnustusta, koska ranskalaisessa musiikissa vallitsi ohjelmallisuus, mutta hänen työstään oli merkitystä ranskalaisen sinfonian muodostumisessa, sinfoniaorkesterin uusimisessa ja laajentamisessa. Tsekkiläinen säveltäjä František Micha, joka palveli aikoinaan Wienissä, kokeili laajasti ja menestyksekkäästi sinfonisen muodon etsinnässä. Hänen kuuluisalla maanmiehellään Josef Myslevichkalla oli mielenkiintoisia kokeita. Kaikki nämä säveltäjät olivat kuitenkin yksinäisiä, ja Mannheimiin perustettiin koko koulu, jolla oli myös ensimmäisen luokan "instrumentti" - kuuluisa orkesteri. Kiitos onnellisesta tilanteesta, että Pfalzin vaalipiirin vaaleilla oli suuri musiikin ystävä ja että hänellä oli riittävästi varoja varaa siihen kohdistuvat valtavat kulut, Pfalzin pääkaupunkiin kokoontui hienoja muusikoita eri maista - itävaltalaisia \u200b\u200bja tšekkiläisiä, italialaisia \u200b\u200bja preussilaisia joista hän osallistui omalla panoksellaan uuden tyylilajin luomiseen. Jan Stamitzin, Franz Richterin, Carlo Toeschin, Anton Filzin ja muiden mestareiden teoksissa sinfonia nousi niihin perusominaisuuksiin, jotka sitten siirtyivät wieniläisten klassikoiden - Haydnin, Mozartin, Beethovenin - teoksiin.

Joten uuden tyylilajin ensimmäisen puolen vuosisadan aikana on kehitetty selkeä rakenteellinen ja dramaattinen malli, joka pystyy vastaamaan monipuoliseen ja erittäin merkittävään sisältöön. Tämän mallin perustana oli muoto, jota kutsuttiin sonaatiksi tai sonaatti allegroksi, koska useimmiten se kirjoitettiin tässä tempossa ja myöhemmin tyypillinen sekä sinfonia- että instrumentaalisonaatille ja konsertille. Sen erikoisuus on erilaisten, usein vastakkaisten musiikkiteemojen rinnakkaisuus. Sonaattimuodon kolme pääosaa - esittely, kehittäminen ja yhteenveto - muistuttavat klassisen draaman toiminnan avaamista, kehittämistä ja poistamista. Lyhyen esittelyn jälkeen tai heti näyttelyn alussa näytelmän "hahmot" kulkevat yleisön edessä.

Ensimmäistä musiikkiteemaa, joka kuulostaa teoksen pääavaimessa, kutsutaan pääaiheeksi. Useammin - pääteema, mutta oikeammin - pääosa, koska pääosassa, toisin sanoen tietyssä musiikkimuotosegmentissä, jonka yhdistää yksi sävy ja kuvioyhteisö, ajan mittaan ei yksi, vaan useita erilaisia \u200b\u200bmelodioita alkoi ilmestyä. Pääerän jälkeen varhaisissa näytteissä suoralla vertailulla ja myöhemmissä - pienen yhdistävän erän kautta, alkaa sivuerä. Hänen teemansa tai kaksi tai kolme eri teemaa ovat ristiriidassa pääteeman kanssa. Useimmiten sivuosa on lyyrisempi, pehmeämpi, naisellisempi. Se kuulostaa eri näppäimellä kuin pää-, toissijainen (siis osan nimi) avain. Epävakauden tunne ja joskus konfliktit syntyvät. Näyttely päättyy loppuosaan, joka sinfonioiden alussa joko puuttuu tai jolla on puhtaasti palvelurooli eräänlaisena pisteenä, verhona näytelmän ensimmäisen näytöksen jälkeen, ja myöhemmin, Mozartista alkaen, saa merkityksen itsenäinen kolmas kuva sekä pää- että toissijainen kuva.

Sonaattimuodon keskiosa on kehitys. Kuten nimestä käy ilmi, siinä kehitetään musiikkiteemoja, joihin kuuntelijat tutustuivat näyttelyssä (toisin sanoen aikaisemmin esitetyt), ne muuttuvat ja kehittyvät. Samalla ne näytetään uusilta, joskus odottamattomilta puolilta, niitä muokataan, niistä eristetään erilliset motiivit - aktiivisimmat, jotka myöhemmin törmäävät. Kehitys on dramaattisesti tehokas osa. Sen lopussa tulee huipentuma, joka johtaa uudelleenkäynnistykseen - muodon kolmas osa, eräänlainen draaman purkaminen.

Tämän osan nimi tulee ranskankielisestä sanasta reprendre - jatkaa. Se on uusinta, näyttelyn toistaminen, mutta muutettuna: molemmat osat kuulostavat sinfonian pääavaimessa ikään kuin kehitystapahtumat olisivat päässeet sopimukseen. Joskus nousussa on muita muutoksia. Se voidaan esimerkiksi katkaista (ilman mitään näyttelyssä kuulostuneista teemoista), peilata (ensin sivuosa kuulostaa ja vasta sitten pääosa). Sinfonian ensimmäinen osa päättyy yleensä codaan - johtopäätös, joka väittää sonaatti-allegron perussävyisyyden ja peruskuvan. Varhaisissa sinfonioissa coda ei ole suuri ja on pohjimmiltaan jonkin verran kehittynyt loppuosa. Myöhemmin esimerkiksi Beethovenissa se saa merkittävät mittasuhteet ja siitä tulee eräänlainen toinen kehitys, jossa jälleen kerran taistelussa saavutetaan väite.

Tämä lomake osoittautui todella universaaliksi. Sinfonian alusta nykypäivään se ilmentää menestyksekkäästi syvintä sisältöä, välittää kuvien, ideoiden, ongelmien ehtymätöntä runsautta.

Sinfonian toinen osa on hidas. Tämä on yleensä syklin lyyrinen keskus. Sen muoto on erilainen. Useimmiten se on kolmiosainen, ts. Sillä on samanlaiset ääripalat ja keskiosa, joka on niiden kanssa kontrastina, mutta se voidaan kirjoittaa muunnelmina tai muina, jopa sonaatiksi, joka eroaa rakenteellisesti vain ensimmäisestä allegrosta. hitaammassa tahdissa ja vähemmän tehokkaassa kehityksessä.

Kolmas osa - menuetin varhaisissa sinfonioissa ja Beethovenista nykypäivään - scherzo - on yleensä monimutkainen kolmiosainen muoto. Tämän osan sisältöä on muutettu ja monimutkainen vuosikymmenien ajan arkipäivän tai hovitanssista monumentaalisiin voimakkaisiin skersoihin 1800-luvulta ja sen jälkeen, valtaviin pahan ja väkivallan kuviin Shostakovichin, Honeggerin ja muiden 1900-luku. 1800-luvun jälkipuoliskolta lähtien scherzo vaihtaa yhä enemmän paikkaa hitaalla liikkeellä, josta sinfonian uuden käsitteen mukaisesti tulee eräänlainen emotionaalinen reaktio paitsi ensimmäisen osan tapahtumiin myös scherzon kuvamaailmaan (erityisesti Mahlerin sinfonioissa).

Syklin tuloksena syntynyt finaali varhaisissa sinfonioissa kirjoitetaan usein rondosonaattina. Iloisten, kuohuvien ja hauskojen jaksojen vuorottelu muuttumattomalla tanssirekisterillä - tämä rakenne seurasi luonnollisesti finaalin kuvien luonnetta, semantiikkaa. Ajan myötä sinfonian ongelmien syventyessä sen finaalin rakenteen mallit alkoivat muuttua. Finaalit alkoivat ilmestyä sonaattimuodossa, muunnelmien muodossa, vapaassa muodossa ja lopuksi - oratorion piirteillä (mukaan lukien kuoro). Hänen kuvansa ovat myös muuttuneet: paitsi elämänvahvistus, mutta joskus traaginen lopputulos (Tšaikovskin kuudes sinfonia), sovittelu julmaan todellisuuteen tai poistuminen siitä unelmien maailmaan, illuusioista on tullut sinfonisen syklin finaalin sisältö viime sata vuotta.

Mutta takaisin tämän genren loistavan polun alkuun. Se syntyi 1700-luvun puolivälissä ja saavutti klassisen täydellisyytensä suuren Haydnin teoksessa.

kreikaksi. symponia - konsonanssi

Orkesterille tarkoitettu musiikkikappale, pääasiassa sinfoninen, yleensä sonaattisyklisessä muodossa. Koostuu yleensä 4 osasta; on S., jossa on enemmän ja vähemmän osia, enintään yksiosainen. Joskus S.: ssä orkesterin lisäksi esitellään kuoro ja soolo wok. ääniä (siis tie S.-kantaattiin). Kappaleita on jousille, kamari-, puhallin- ja muille orkesterisävellyksille, orkesterille sooloinstrumentilla (S.-konsertti), urulle, kuorolle (S. kuoro) n vok. yhtye (asema C). Concert Symphony - S. konsertti (soolo) soittimilla (2-9), rakenteellisesti liittyvä konserttiin. S. lähestyy usein muita tyylilajeja: S.-suite, S.-rapsody, S.-fantasia, S.-balladi, S.-legenda, S.-runo, S.-kantaatti, S.-requiem, S.- baletti, S.-draama (eräänlainen kantaatti), teatteri. S. (suku honra). S.: n luonteeltaan voidaan verrata myös tragediaan, draamaan, lyriikkaan. runo, sankarillinen. eeppinen, pääse lähemmäs genre-musien sykliä. soittaa, kuvaa sarjan. pohtii. kuvia. Tyypillinen hän yhdistää osien kontrastin suunnittelun yhtenäisyyteen, monipuolisten kuvien moninaisuuteen musien eheyteen. draama. S. on musiikissa sama paikka kuin draama tai kirjallisuusromaani. Korkeimpana työkaluna. musiikki se ylittää kaikki muut tyypit laajimmilla suorituskeinoilla. ideoita ja runsaasti tunnetiloja.

Alun perin julkaisussa Dr. Kreikassa sana "S." tarkoitti harmonista yhdistelmää sävyjä (neljäs, viides, oktaavi), samoin kuin yhteistä laulamista (yhtye, kuoro) yhdessä. Myöhemmin Dr. Rooma, siitä tuli instr-nimi. yhtye, orkesteri. Keskiviikkona. vuosisadan S. ymmärrettiin maalliseksi ohjeeksi. musiikki (tässä mielessä termiä käytettiin Ranskassa jo 1700-luvulla), joskus musiikki yleensä; lisäksi joitain musia kutsuttiin niin. työkalut (esimerkiksi pyöräinen lyyra). 1500-luvulla. tätä sanaa käytetään otsikossa. motettien kokoelma (1538), madrigals (1585), laulu-ohjaaja. sävellykset ("Sacrae symphoniae" - "pyhät sinfoniat" G. Gabrieli, 1597, 1615) ja sitten op. moniääninen näytelmiä (1700-luvun alku). Se on osoitettu polygonalismille. (usein sointu) jaksot, kuten wok-intro tai väliintulo. ja opeta. teoksia, erityisesti sviittien, kantaattien ja oopperoiden introja (alkusoittoja) varten. Ooperi S.: n (alkusoittojen) joukossa esitettiin kaksi tyyppiä: venetsialainen - kahdesta osasta (hidas, juhlallinen ja nopea, fuuga), jotka myöhemmin kehitettiin ranskaksi. alkusoitto, ja napolilainen - kolmiosainen (nopea - hidas - nopea), jonka vuonna 1681 esitteli A. Scarlatti, joka kuitenkin käytti muita osien yhdistelmiä. Sonata syklinen. muoto tulee vähitellen hallitsevaksi S.: ssä ja saa siinä erityisen monipuolisen kehityksen.

Seisomaan erillään n. 1730 oopperasta, jossa ork. johdanto säilyi alkusoittona, sivu itsenäistyi. eräänlainen ork. musiikkia. 1700-luvulla. täyttävät sen perustana. sävellys olivat jouset. soittimet, obot ja sarvet. S.: n kehitykseen vaikutti hajoaminen. tyypit orkista. ja kamarimusiikki - konsertti, sviitti, triosonaatti, sonaatti jne., samoin kuin ooppera yhtyeineen, kuoroineen ja aareineen, joiden vaikutus melodiaan, harmoniaan, rakenteeseen ja kuvamateriaaliin on huomattava. Kuinka täsmällinen. genre S. kypsyi, kun se erottui muista musiikin genreistä, erityisesti teatterista, itsenäisyyden saavuttamisesta sisällössä, muodossa, teemojen kehittämisessä ja sellaisen sävellystavan luomisessa, joka myöhemmin sai nimensä sinfonismiksi ja puolestaan , oli valtava vaikutus moniin alueisiin. luovuus.

S.: n rakenne on läpikäynyt evoluution. S. perustui Napolin tyyppiseen 3-osaiseen sykliin. Usein seuraa venetsialaista ja ranskaa. S.-alkioihin sisältyi hidas johdatus ensimmäiseen osaan. Myöhemmin menuetti tuli S.: ään - ensin 3-osaisen jakson päättymisenä, sitten 4-osaisen jakson yhtenä (yleensä kolmantena) osana, jonka loppupäässä pääsääntöisesti rondo tai rondosonaattimuotoa käytettiin. L. Beethovenin ajasta lähtien menuetti korvattiin scherzolla (3., joskus 2. osa), G. Berliozin - ja valssin - ajalta. S.: lle tärkeintä sonaattimuotoa käytetään ensisijaisesti ensimmäisessä osassa, joskus myös hitaassa ja viimeisessä osassa. 1700-luvulla. S. viljeli monia. hallita. Heidän joukossaan ovat italialainen J.B.Sammartini (85 S., noin 1730-70, joista 7 on kadonnut), säveltäjät Mannheimin koulusta, jossa tšekit olivat johtavassa asemassa (F.K.), ns. . preklassinen (tai varhainen) wienilainen koulu (M. Monne, G. K. Wagenzeil ja muut), Pariisissa työskennellyt belgialainen F. J. Gossek, ranskalaisen perustaja. S. (29 sivua, 1754-1809, mukaan lukien "Metsästys", 1766; lisäksi 3 sivua hengelle. Orkesteri). Klassinen tyypin C. loi Austr. komp. J. Haydn ja W.A. Mozart. "Sinfonian isän" Haydnin teoksessa (104 s., 1759-95) C: n muodostus saatiin päätökseen. Viihdyttävän jokapäiväisen musiikin lajista se muuttui hallitsevaksi vakavan instrumentaaliksi. musiikkia. Perustettu ja perustettu. sen rakenteen piirteet. S. kehittyi sarjana sisäisesti vastakkaisia, tarkoituksenmukaisesti kehittyviä ja yhdistettyjä yhteisen ajatuksen osista. Mozart esitteli draamaa S. jännitys ja intohimoinen lyyrisyys, loisto ja armo antoivat hänelle vielä suuremman tyylisen yhtenäisyyden (n. 50 C, 1764 / 65-1788). Hänen viimeinen S.- Es-duur, g-molli ja C-duuri ("Jupiter") - sinfonian korkein saavutus. oikeusjuttu 1700-luku Mozartin luova kokemus heijastui myöhemmissä teoksissa. Haydn. Wienin klassisen koulun valmistuneen L. Beethovenin (9 s., 1800-24) rooli on erityisen suuri S .. Hänen 3. ("Heroic", 1804), 5. (1808) ja 9. (finaalissa vuonna 1824 laulukvartetin ja kuoron kanssa) S. ovat esimerkkejä sankarillisista. sinfonia, joka on osoitettu massoille ja joka ilmentää vallankumousta. paatoksen kerrossänky taistella. Hänen 6. S. ("Pastoral", 1808) on esimerkki ohjelmallisesta sinfoniasta (katso Ohjelmoitu musiikki), ja seitsemäs S. (1812) on R. Wagnerin sanoin "tanssin apoteoosi". Beethoven laajensi S.: n soveltamisalaa, dynamiikkasi sen draamaa ja syvensi temaattista dialektiaa. kehitys, rikastettu int. S: n järjestelmä ja ideologinen merkitys

Austrille. ja se. romanttiset säveltäjät 1. kerros. 1800-luku tyypilliset lyyrilajit ("Keskeneräinen" Schubertin sinfonia, 1822) ja eepos (viimeinen on Schubertin 8. sinfonia) S, sekä maisema- ja jokapäiväinen musiikki värikkäillä nat. väritys ("italia", 1833 ja "skotlantilainen", 1830-42, Mendelssohn-Bartholdi). Myös psykologia on kasvanut. S.: n rikkaus (R. Schumannin 4 sinfoniaa, 1841-51, joissa hitaat liikkeet ja scherzo ovat ilmeisimpiä). Spontaanisuuden taipumus, joka on jo ilmaantunut klassikoiden keskuudessa. siirtyminen osasta toiseen ja temaattisen perustaminen. Liikkeiden välinen yhteys (esimerkiksi Beethovenin 5. sinfoniassa) kiristyi romantikkojen keskuudessa, ja ilmestyi C, jossa liikkeet seuraavat peräkkäin ilman taukoja (Mendelssohn-Bartholdin "skotlantilainen" sinfonia, Schumanin 4. sinfonia).

Ranskan kukoistus. S. viittaa vuosiin 1830-40, kun on olemassa innovatiivisia teoksia. G. Berlioz, romanttisen luoja. ohjelmisto C perustuu palamaan. juoni (5-osainen "Fantastinen" C, 1830), S.-konsertti ("Harold Italiassa", alttoviululle ja orkesterille, J. Byron, 1834), S.-oratorio ("Romeo ja Julia", draama). S. 6 osassa, solistien ja kuoron kanssa, W. Shakespearen jälkeen, 1839), "Hautajaiset ja riemukas sinfonia" (hautajaismarssi, "oratorinen" pasuunasoolo ja apoteoosi - henkiorkesterille tai sinfonille. Orkesteri, halusta - ja kuoro, 1840). Berliozille on ominaista suurenmoinen tuotantomittakaava, orkesterin valtava kokoonpano, värikäs instrumentointi hienovaraisilla vivahteilla. Filosofinen ja eettinen. ongelma heijastui F. Lisztin sinfonioihin ("Faustin sinfonia", mutta JV Goethe, 1854, loppukuorolla, 1857; "S. jumalalliseen komediaan" Dante ", 1856). Antipoodina Berliozin ja Lisztin ohjelmalliselle ohjaukselle hän toimi. komi. I. Brahms, joka työskenteli Wienissä. Hänen 4 S. (1876-85), kehittää Beethovenin perinteitä ja romanttinen. sinfonia, yhdistetty klassinen. harmonia ja erilaisia \u200b\u200btunnetiloja. Samanlainen tyyli. toiveet ja samalla yksilöllinen ranska. Saman ajanjakson S. - 3. S. (urkuilla), kirjoittanut C. Saint-Saens (1887) ja S. d-moll, kirjoittanut S. Frank (1888). S. Dvořákin julkaisussa S. "Uudesta maailmasta" (viimeinen, kronologisesti 9., 1893) paitsi tšekkiläiset, myös negro- ja intialaiset musiikit taitettiin. elementtejä. Austrin merkittävät ideologiset käsitteet. sinfonistit A.Bruckner ja G.Mahler. Monumentaaliset teokset Brucknerille (8 S., 1865-1894, 9. ei valmis, 1896) on ominaista moniäänisten rikkaus. kankaat (organisaatiotaiteen vaikutus sekä mahdollisesti R. Wagnerin musiikkidraamat), emotionaalisen kasvun kesto ja voima. Mahlerin sinfoniaa varten (9 C., 1838-1909, joista neljä laulamalla, mukaan lukien kahdeksas - "tuhannen osanottajan sinfonia", 1907; kymmenes ei ole valmis, yritys toteuttaa se luonnosten mukaisesti D Cook 1960; S.-kantaatti "Maan laulu", jossa on kaksi soololaulajaa, 1908), jolle on ominaista konfliktien vakavuus, ylevä paatos ja tragedia, ilmaista uutuus. varat. Ikään kuin vastapainona heidän suurille sävellyksilleen, joissa käytetään rikkaita esityksiä. laitteisto, kamari sinfonia ja sinfonietta ilmestyvät.

1900-luvun merkittävät kirjoittajat Ranskassa - A. Roussel (4 S., 1906-34), A. Honegger (sveitsiläinen kansalaisuuden mukaan, 5. S., 1930-50, mukaan lukien 3. - "Liturgical", 1946, 5. - S. "three re") , 1950), D. Millau (12 S., 1939-1961), O. Messiaen ("Turangalila", 10 osaa, 1948); Saksassa - R. Strauss ("Koti", 1903, "Alpine", 1915), P. Hindempt (4 S., 1934-58, mukaan lukien 1. - "Artist Matis", 1934, 3- I - "Harmony of maailma ", 1951), KA Hartman (8 S., 1940-62) ja muut. Sveitsiläinen H. Huber (8 S., 1881-1920, sis. seitsemäs) osallistui S.: n kehitykseen. - "Sveitsi", 1917), norjalaiset K.Sinding (4 S., 1890-1936), H. Severud (9. S., 1920-1961, mukaan lukien antifasistit suunnittelun mukaan 5-7- i, 1941-1945) , K. Egge (5 S., 1942-69), tanska K. Nielsen (6 S., 1891-1925), suomalainen J. Sibelius (7. S., 1899-1924), romanialainen J. Enescu (3 S. , 1905-19), hollantilainen B. Peiper (3 S., 1917-27) ja H. Badings (10 S., 1930-1961), ruotsalainen H. Rosenberg (7 S., 1919-69 ja S. henki ja lyömäsoittimet, 1968), italialainen JF Malipiero (11 S., 1933-69), englantilainen R. Vaughan Williams (9 S., 1909-58), B. Britten (S. Requiem, 1940, "Spring") "S. soololaulajille, sekakuorolle, poikakuorolle ja sinfoniselle orkesterille, 1949), amerikkalaisille C. Ivesille (5 S., 1898-1913), W. Pistonille (8 S., 1937-65) ja R. Harrisille (12 C, 1933-69), brassi ilets E. Vila Lobos (12 S., 1916-58) ja muut. Laaja valikoima tyyppejä C. 1900-luku. luovuuden moninaisuuden vuoksi. ohjeet, nat. koulut, kansanperinneyhteydet. Moderni S. ovat myös rakenteeltaan, muodoltaan, luonteeltaan erilaisia: pyrkivät kohti läheisyyttä ja päinvastoin kohti monumentaalisuutta; ei jaettu osiin ja koostuu monikosta. osat; trad. varasto ja vapaa koostumus; tavalliseen sinfoniaan. orkesterille ja epätavallisille sävellyksille jne. Yksi 1900-luvun musiikin trendeistä. liittyy vanhan - esiklassisen ja varhaisklassisen - musien muokkaamiseen. tyylilajit ja muodot. Hänelle annettiin kunnianosoitus SS Prokofjeville "Klassisessa sinfoniassa" (1907) ja I. F. Stravinskille C-sinfoniassa ja "Sinfonia kolmessa osassa" (1940-45). Useilla S. 1900-luvulla. poikkeama aiemmista normeista paljastuu atonalismin, atematismin ja muiden uusien kokoonpanoperiaatteiden vaikutuksesta. A. Webern rakensi S. (1928) 12-sävyiseen sarjaan. "Avantgarden" edustajien joukossa S. syrjäytyy useilla uudet kokeelliset tyylilajit ja muodot.

Ensimmäinen venäläisten joukossa. säveltäjät kääntyivät S. genren puoleen (lukuun ottamatta D. S. Bortnyanskyä, jonka "Konserttisymfonia", 1790, kirjoitettu kamariyhtyeelle) Micah. Y. Vielgorsky (hänen toinen S. esiintyi vuonna 1825) ja A. A. Alyabyev (hänen yksiosainen C. e-moll, 1830 ja päivämäärätön 3-osainen C. Es-dur -sarja, jossa on 4 konserttisarvea). , myöhemmin AG Rubinshtein (6 S., 1850-86, mukaan lukien 2. - "Ocean", 1854, 4. - "Dramatic", 1874). MI Glinka, keskeneräisen S.-alkusoittimen kirjoittaja venäjän alareunassa. teemoilla (1834, valmistunut vuonna 1937 V. Ya. Shebalin), oli ratkaiseva vaikutus tyylin muodostumiseen. pirun rus. S. kaikesta sinfoniastaan. luovuus, jossa muiden tyylilajien sävellykset dominoivat. Sisään S. rus. kirjoittajat lausuivat nat. hahmo, kuvia punkoista kaapataan. elämä, historioitsija. tapahtumia, runouden motiivit heijastuvat. Mighty Handful -säveltäjistä N. A. Rimsky-Korsakov oli ensimmäinen S.-kirjailijana (3 S., 1865-74). Venäjän luoja. eeppinen. S. oli A.P.Borodin (2 S., 1867-76; keskeneräinen 3. s. 1887, nauhoitettu osittain A.K. Glazunovin muistista). Työssään, varsinkin teoksessa "Sankarillinen" (2.) S., Borodin ilmentää kuvia jättimäisestä lankulevystä. vahvuus. Maailman sinfonismin korkeimpia saavutuksia - mies. P. I. Tšaikovski (6 S., 1800-93, ja ohjelma S. "Manfred", kirjoittanut J. Byron, 1885). 4., 5. ja varsinkin kuudes ("hitaasti päättyvä", hitaasti päättyvä) S., joka on luonteeltaan lyyris-dramaattinen, saa aikaan traagisen voiman elämän törmäysten ilmaisemisessa; heillä on syvä psykologia. levinneisyydellä välittää rikas valikoima ihmisen kokemuksia. Eeppinen linja. S. jatkoi A. K. Glazunov (8. S., 1881-1906, mukaan lukien 1. - "Slavyanskaya"; keskeneräinen 9., 1910, - yksi osa, instrumentoija G. Ya. Yudin vuonna 1948), 2 S. kirjoittanut MA Balakirev (1898, 1908), 3 S. - RM Glier (1900-11, 3. - "Ilya Muromets"). Sinfoniat houkuttelevat sinua sydämellisillä sanoituksilla. S. Kalinnikov (2 S., 1895, 1897), syvällinen ajatusten keskittyminen - S. c-moll S. I. Taneyev (1., tosiasiallisesti 4., 1898), draama. säälittävä - S. V. Rachmaninovin (3 S., 1895, 1907, 1936) ja A. N. Skryabinin, 6-osaisen 1. (1900), 5-osaisen 2. (1902) ja 3-osan kolmannen ("Jumalallinen runo") sinfoniat. , 1904), erottaa erityinen dramatisti. eheys ja ilmaisuvoima.

S. on tärkeä paikka pöllöissä. musiikkia. Pöllöiden työssä. säveltäjät saivat erityisen rikkaan ja elävän kehityksen klassisen musiikin korkeista perinteistä. sinfonia. Pöllöt kääntyvät S. kaikkien sukupolvien säveltäjät, vanhimmista mestareista alkaen - N. Ya Myaskovsky, 27 S.: n (1908-50, mukaan lukien 19. - hengen. orkesterille, 1939) luoja ja SS Prokofiev, 7 S. (1917-1952), ja päättyen lahjakkaaseen säveltäjään. Pöllöalan johtava hahmo. S. - D.D.Shostakovich. Hänen 15 sivullaan (1925-71) paljastuu ihmisen tietoisuuden syvyys ja moraalin pysyvyys. joukot (5. - 1937, 8. - 1943, 15. - 1971), jotka ilmentävät aikamme (7. - ns. Leningrad, 1941) ja historian (11. - "1905", 1957; 12. - "1917", 1961) jännittäviä teemoja. ), korkea humanistinen. ihanteet vastustavat synkiä väkivallan ja pahan kuvia (5. osa 13., E. A. Yevtushenkon sanoilla, basso, kuoro ja orkesteri, 1962). Perinteiden kehittäminen. ja moderni S.-tyyppiset rakenteet, säveltäjä, yhdessä vapaasti tulkitun sonaattisyklin kanssa (useille hänen S.: stä on ominaista sekvenssi: hidas - nopea - hidas - nopea), käyttää muita rakenteita (esimerkiksi 11. - " 1905 "), houkuttelee ihmisääntä (solistit, kuoro). 11-osaisessa 14. S. (1969), jossa elämän ja kuoleman teema paljastetaan laajaa sosiaalista taustaa vasten, solistoidaan kaksi laulavaa ääntä jousilla. ja puhaltaa. työkalut.

S.-alueella useiden ihmisten edustajat työskentelevät tuottavasti. nat. oksat pöllöt. musiikkia. Heidän joukossaan on merkittäviä pöllöiden mestareita. Khachaturyan - suurin käsivarsi. sinfonisti, värikkään ja temperamenttisen S. (1. - 1935, 2. - "S. kellolla", 1943, 3. - S.-runo, urkuilla ja 15 ylimääräisellä trumpetilla, 1947); Azerbaidžanissa - K. Karaev (hänen kolmas S. erottuu, 1965), Latviassa - Ya. Ivanov (15 C, 1933-72) jne. Katso Neuvostoliiton musiikkia.

Kirjallisuus: Glebov Igor (Asafiev B.V.), Nykyaikaisen sinfonian rakentaminen, "Nykymusiikki", 1925, nro 8; Asafiev B.V., Symphony, kirjassa: Essejä Neuvostoliiton musiikillisesta luovuudesta, 1. osa, M.-L., 1947; 55 Neuvostoliiton sinfoniaa, L., 1961; Popova T., Sinfonia, M.-L., 1951; Yarustovsky B., Sinfoniat sodasta ja rauhasta, M., 1966; Neuvostoliiton sinfonia 50 vuoden ajan (kokoonpano), Otv. toim. G.G. Tigranov, L., 1967; Konen V., teatteri ja sinfonia ..., M., 1968, 1975; Tigranov G., Kansallisesta ja kansainvälisestä Neuvostoliiton sinfoniassa, kirjassa: Musiikki sosialistisessa yhteiskunnassa, voi. 1, L., 1969; Rytsarev S., Sinfonia Ranskassa ennen Berlioz, M., 1977. Brenet M., Histoire de la symphonie a orchester depuis ses origines jusqu "a Beethoven, P., 1882; Weingartner F., Die Symphonie nach Beethoven, B. 1898 . Lpz., 1926; ego, Ratschläge fur Auffuhrungen klassischer Symphonien, Bd 1-3, Lpz., 1906-23, "Bd 1, 1958 (venäjänkielinen käännös - Weingartner P., Esitys klassisista sinfonioista. Vinkkejä kapellimestareille, voi. 1, M., 1965); Goldschmidt H., Zur Geschichte der Arien- ja Symphonie-Formen, "Monatshefte für Musikgeschichte", 1901, Jahrg. 33, nro 4-5, Heuss A., Die venetianischen Opern-Sinfonien, "SIMG", 1902/03, Bd 4; Torrefranca F., Le origini della sinfonia, "RMI", 1913, v. 20, s. 291-346, 1914, v. 21, s. 97-121, 278-312, 1915, osa 22, s. 431-446 Bekker P., Die Sinfonie von Beethoven bis Mahler, V., (1918) (venäjänkielinen käännös - Becker P., Sinfonia Beethovenista Mahleriin, toim. Ja esittelyartikkeli I. Glebov, L., 1926); Nef K., Geschichte der Sinfonie und Suite, Lpz., 1921, 1945, Sondheimer R., Die formale Entwicklung der vorklassischen Sinfonie, "AfMw", 1922, Jahrg. 4, H. 1, ego, Die Theorie der Sinfonie und die Beurteilung einzelner Sinfoniekomponisten bei den Musikschriftstellern des 18 Jahrhunderts, Lpz., 1925, Tutenberg Fr., Die opera buffa-Sinfonie und ihre Beziehungen zur klassis 1927, Jahrg. 8, nro 4; ego, Die Durchführungsfrage in der vorneuklassischen Sinfonie, "ZfMw", 1926/27, Jahrg 9, S. 90-94; Mahling Fr., Die deutsche vorklassische Sinfonie, B., (1940), Walin S., Beiträge zur Geschichte der schwedischen Sinfonik, Stockh. (1941), Carse A., XVIII vuosisadan sinfoniat, L., 1951; Vorrel E., La symphonie, P., (1954), Brook B.S., La symphonie française dans la seconde moitié du XVIII siècle, v. 1-3, s. 1962; Kloiber R., Handbuch der klassischen und romantischen Symphonie, Wiesbaden, 1964.

B.Steinpress

Longread " Sinfoninen musiikki "tilda-palvelussa

http: //projekti134743. tilda. ws/ sivu 621898.html

Sinfoninen musiikki

Sinfoniaorkesterin esitettäväksi tarkoitetut musiikkiteokset.

Tuuli messinki: trumpetti, Tuba, pasuuna, Voltorn.

Puupuhaltimet: Oboe, Klarinetti, Huilu, Fagotti.

Kielet: Viulu, Viola, Sello, Vastalähettiläs

Rummut: Bassorumpu, virvelirumpu, Tamtam, Timpani, Celesta, Tambourine, Symbaalit, Castanets, Maracas, Gong, Kolmio, Kellot, Ksylofoni

Muut sinfoniaorkesterin instrumentit: Urut, Celesta, Klavesiini, Harppu, Kitara, Piano (flyygeli, Pianano).

Instrumentin sävyn ominaisuudet

Viulu: Herkkä, kevyt, kirkas, melodinen, kirkas, lämmin

Viola: Matta, pehmeä

Sello: Rikas, paksu

Kontrabassi: Kuuro, kova, synkkä, paksu

Huilu: Viheltävä, kylmä

Oboe: nenä, nenä

Klarinetti: Matta, jousi

Fagotti: Tukehtunut, paksu

Trumpetti: Kiiltävä, kirkas, kevyt, metallinen

Ranskalainen sarvi: Pyöristetty, pehmeä

Pasuuna: Metallinen, terävä, voimakas.

Tuba: Kova, paksu, raskas

Tärkeimmät tyylilajitsinfoninen musiikki:

Sinfonia, sviitti, alkusoitto, sinfoninen runo

Sinfonia

- (kreikan kielestä. sinfonia - "Konsonanssi", "suostumus")
orkesterimusiikin johtava genre, monimutkainen, runsaasti kehitetty moniosainen teos.

Sinfoniaominaisuudet

Se on merkittävä musiikkilaji.
- Hälytysaika: 30 minuutista tuntiin.

Päähenkilö ja esiintyjä on sinfoniaorkesteri

Sinfonian rakenne (klassinen muoto)

Koostuu neljästä osasta, jotka ilmentävät ihmiselämän eri puolia

1 osa

Nopein ja dramaattisin, jota edeltää joskus hidas intro. Kirjoittanut sonaattimuodossa, nopeasti (allegro).

Osa 2

Rauhallinen, huomaavainen, omistettu rauhallisille luonnonkuville, lyyrisille kokemuksille; surullinen tai traaginen mieliala.
Kuulostaa hidastettuna, kirjoitetaan rondona, harvemmin sonaatin tai muunnelman muodossa.

Osa 3

Tässä on peli, hauskaa, kuvia kansanelämästä. Se on scherzo tai menuetti kolmiosaisessa muodossa.

Osa 4

Nopea finaali. Kaikkien osien seurauksena se erottuu voitokkaasta, juhlallisesta, juhlallisesta luonteesta. Se on kirjoitettu sonaattimuodossa tai rondo-, rondosonaatti-muodossa.

Mutta on myös sinfoniaa, jossa on vähemmän (tai enemmän) osia. On myös yksiosaisia \u200b\u200bsinfonioita.

Sinfonia ulkomaisten säveltäjien teoksissa

• • Franz Joseph Haydn (1732 - 1809)

108 sinfoniaa

Sinfonia nro 103 "Tremolo Timpanin kanssa"

Sen nimi " vibra timpanilla»Sinfonia sai ensimmäisen palkin ansiosta, jossa timpanit soittavat tremoloa (italialainen tremolo - vapina), joka muistuttaa kaukaisia \u200b\u200bukkosilmoituksia
äänenvoimakkuudelle E-tasossa. Näin alkaa hidas yhtenäinen johdanto (Adagio) ensimmäiseen osaan, jolla on syvästi keskittynyt luonne.

• • Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)

56 sinfoniaa

Sinfonia nro 40

Yksi kuuluisimmista Mozartin viimeisimmistä sinfonioista. Sinfonia sai suuren suosion sen epätavallisen vilpittömän musiikin ansiosta, joka on ymmärrettävissä laajimmalle kuuntelijaryhmälle.
Sinfonian ensimmäisellä osalla ei ole johdantoa, mutta se alkaa heti pääosan allegro-teeman esittelyllä. Tämä aihe on levoton; samaan aikaan hän erottuu melodisuudesta ja vilpittömyydestä.

• • Ludwig van Beethoven (1770—1827)

9 sinfoniaa

Sinfonia nro 5

Sinfonia iskee lakonisella esityksellään, muotojensa tiiviydellä, kehityspyrkimyksellä, se näyttää syntyneen yhdellä luovalla impulssilla.
"Näin kohtalo koputtaa oviimme" - sanoi Beethoven
tämän kappaleen avaustangoista. Sinfonian päämotiivin kirkas ilmeikäs musiikki mahdollistaa sen tulkinnan kuvana henkilön taistelusta kohtalon iskujen kanssa. Sinfonian neljä osaa esitetään tämän taistelun vaiheina.

• • Franz Schubert(1797—1828)

9 sinfoniaa

Sinfonia nro 8 "Keskeneräinen"

Yksi maailman sinfonian runoudellisimmista sivuista, uusi rohkea sana tässä monimutkaisimmissa musiikkilajeissa, joka avasi tien romanttisuudelle. Tämä on sinfonisen genren ensimmäinen lyyrinen ja psykologinen draama.
Siinä ei ole 4 osaa, kuten klassisten säveltäjien sinfonioita, vaan vain kaksi. Tämän sinfonian kaksi osaa jättävät kuitenkin vaikutelman hämmästyttävästä eheydestä, uupumuksesta.

Sinfonia venäläisten säveltäjien teoksissa

• • Sergei Sergeevich Prokofjev (1891— 1953)

7 sinfoniaa

Sinfonia nro 1 "Klassinen"

Nimetty "klassikoksi", koska se säilyttää 1700-luvun klassisen muodon vakavuuden ja logiikan, ja samalla se erottuu modernista musiikkikielestä.
Musiikki on täynnä teräviä ja "pistäviä" teemoja, kiihkeitä kohtia käyttäen tanssilajien erityispiirteitä (poloneesi, menuetti, gavotte, laukka). Ei ole sattumaa, että sinfonian musiikille luotiin koreografisia sävellyksiä.

• • Dmitry Dmitrievich Shostakovich(1906—1975)

15 sinfoniaa

Sinfonia nro 7 "Leningradskaya"

Vuonna 1941 sinfonia nro 7 säveltäjä reagoi toisen maailmansodan kauheisiin tapahtumiin, jotka oli omistettu Leningradin saartolle (Leningradin sinfonia)
"Seitsemäs sinfonia on runo taistelustamme, tulevasta voitostamme", Shostakovich kirjoitti. Sinfonia sai maailmanlaajuisen tunnustuksen fasismin torjunnan symbolina.
Pääteeman kuiva äkillinen melodia, lakkaamaton rummunlyönti luovat vireyden, ahdistuneen odotuksen tunteen.

• • Vasily Sergeevich Kalinnikov (1866-1900)

2 sinfoniaa

Sinfonia nro 1

Kalinnikov aloitti ensimmäisen sinfonian kirjoittamisen maaliskuussa 1894 ja valmistui täsmälleen vuotta myöhemmin, maaliskuussa 1895
Sinfonia kuvasi eloisimmin säveltäjän kyvyn piirteitä - vilpitöntä avoimuutta, spontaanisuutta, lyyristen tunteiden rikkautta. Sinfoniassaan säveltäjä ylistää luonnon kauneutta ja loistoa, venäläistä elämää ja personoi Venäjän kuvan venäläisestä sielusta venäläisen musiikin välityksellä.

• • Peter Iljitš Tšaikovski (1840—1893)

7 sinfoniaa

Sinfonia nro 5

Sinfonian esittely on hautajaismarssi. "Täydellinen ihailu kohtalosta ... käsittämättömästä kohtalosta", kirjoittaa Tšaikovski luonnoksissaan.
Tällä tavoin säveltäjä saavuttaa vaikean voittamisen ja sisäisen taistelun polun voiton itsestään, epäilyistään, henkisestä ristiriidastaan \u200b\u200bja tunteiden sekaannuksesta.
Pääidean kantaja on pakattu, rytmisesti joustava teema, jolla on muuttumaton vetovoima alkuperäiselle äänelle, joka kulkee syklin kaikkien osien läpi.

"Musiikin tarkoitus on koskettaa sydäntä"
(Johann Sebastian Bach).

"Musiikin tulisi iskeä tulta ihmisen sydämestä"
(Ludwig van Beethoven).

"Musiikin, myös kauheimmissa dramaattisissa tilanteissa, tulisi aina valloittaa korva, pysyä aina musiikkina."
(Wolfgang Amadeus Mozart).

”Musiikkimateriaali, so. Melodia, harmonia ja rytmi, on varmasti ehtymätön.
Musiikki on valtiovarainministeriö, johon jokainen kansalaisuus antaa oman osuutensa yhteisen edun hyväksi "
(Peter Ilyich Tšaikovski).

Rakasta ja opiskele musiikin suurtaidetta. Se avaa sinulle koko korkean tunteiden, intohimojen, ajatusten maailman. Se tekee sinusta hengellisesti rikkaamman. Musiikin ansiosta löydät itsestäsi uusia tuntemattomia voimia. Näet elämän uusissa väreissä ja väreissä "
(Dmitry Dmitrievich Shostakovich).