Ulkomaiden musiikkikirjallisuus - Galati, Levik. T

(arviot: 3 , keskiverto: 3,67 5: stä)

Otsikko: Ulkomaiden musiikkikirjallisuus

Tietoja kirjasta "Ulkomaiden musiikkikirjallisuus" I. A. Prokhorov

I. Prokhorovan laatima oppikirja "Ulkomaiden musiikkikirjallisuus" on tarkoitettu itsenäiseen opiskeluun. Tämä selittää materiaalin esityksen lyhyyyden ja helppokäyttöisyyden.

Kirja "Ulkomaiden musiikkikirjallisuus" esittelee opiskelijoille lyhyet elämäkerrat ja tunnettujen säveltäjien parhaat teokset. Lapset voivat oppia sellaisten neroiden elämästä ja työstä kuin I.S. Bach, J.Haydn, V.A. Mozart, L. Beethoven, F. Schubert ja F. Chopin. I. Prokhorova ei kuvannut liian yksityiskohtaisesti lahjakkaiden säveltäjien tarinoita, oppikirjasta löydät tärkeimmät elämän päivämäärät, alkuperän, otsikot ja otsikot, toiminta-alueen, olosuhteet, jotka vaikuttivat ammatin valintaan. Kirja kertoo muusikoiden elämän ja työn päävaiheista, heidän sosiaalipoliittisista näkemyksistään.

"Ulkomaiden musiikkikirjallisuus" -julkaisu on tarkoitettu musiikkikoulujen opiskelijoille, mutta jokainen, joka ei ole välinpitämätön klassisille teoksille, löytää tästä kirjasta jotain mielenkiintoista. I. Prokhorovan teksti oli rikastettu selityksillä joistakin musiikillisista ja musiikin ulkopuolisista käsitteistä, mikä tekee siitä vähemmän akateemisen. Muusikoiden elämää kuvaava osa esitetään kyseisen ajanjakson Euroopan maiden historiallisen ja kulttuurielämän yhteydessä. Tämä antaa opiskelijoille mahdollisuuden saada syvempi ja laajempi käsitys legendaaristen säveltäjien olosuhteista.

Koska "Ulkomaiden musiikkikirjallisuus" -kirja on tarkoitettu kotilukemiseen, tarjotaan kaikki sinfoniset teokset neljän käden järjestyksessä. On huomattava, että tarina Bachin työstä, jota ohjelman mukaan tutkitaan vuoden lopussa, on julkaistu alussa. Kirjoittaja otti tällaisen askeleen pitääkseen esityksen kronologian.

Tämän kirjan kirjoittaja on varma, että oppikirjan säännöllinen käyttö herättää opiskelijoiden maun itsenäiseen tutustumiseen suosittuun ja tieteelliseen musiikkikirjallisuuteen. Lisäksi lapset voivat kehittää ja vahvistaa näönlukutaitoaan sekä tottua esiintymiseen neljässä kädessä.
Kuuluisien teosten oppiminen yksin antaa sinun suorittaa niitä oppitunneilla muiden lasten läsnä ollessa, mikä tekee ryhmätunneista aktiivisempia ja parantaa merkittävästi käsitystä klassisesta musiikista.

Sivustoltamme kirjoja lifeinbooks.net voit ladata ilmaiseksi ilman rekisteröitymistä tai lukea I.A.Prokhorovin online-kirjan "Musical Literature of Foreign Countries" epub-, fb2-, txt-, rtf-, pdf-muodossa iPadille, iPhonelle, Androidille ja Kindlelle. Kirja antaa sinulle paljon miellyttäviä hetkiä ja todellista nautintoa lukemisesta. Voit ostaa täydellisen version kumppaniltamme. Täältä löydät myös viimeisimmät uutiset kirjallisuudesta, lempikirjailijoiden elämäkerran. Aloittelijoille kirjoittajille on erillinen osio, jossa on hyödyllisiä vinkkejä ja temppuja, mielenkiintoisia artikkeleita, joiden ansiosta voit itse kokeilla käsiäsi kirjallisuudessa.

Urakoitsijoilta
Tämä kirja on oppikirja musiikkikirjallisuudesta historialliselta ajalta, joka alkaa 1800-luvun viimeisillä vuosikymmenillä. Tällainen oppikirja ilmestyy ensimmäisen kerran: viides numero päättyy, kuten tiedätte, K. Debussyn ja M. Ravelin teoksilla.
Kirja sisältää eri kansallisten musiikkikoulujen piirteet, jotka määrittivät sen yleisen rakenteen. Ensimmäisessä osassa kuvataan yleisiä prosesseja, jotka on omalla tavallaan toteutettu eri maiden musiikkitaiteessa ja eri yksilöiden säveltäjien teoksessa. Jokainen seuraava osa sisältää yleiskatsauksen tietyn maan musiikkikulttuurista sekä monografisen osan, joka on omistettu tämän koulun merkittävimpien säveltäjien teokselle. Vain I. Stravinskyn työhön omistettu osa eroaa rakenteestaan: siinä ei ole johdantokyselyä. Ja tämä on ymmärrettävää: kun hän vietti suurimman osan elämästään Venäjän ulkopuolella erityisten olosuhteiden vuoksi, Stravinsky pysyi venäläisenä mestarina eikä kuulunut mihinkään ulkomaisiin kouluihin. Hänen luovien periaatteidensa ratkaiseva vaikutus lähes kaikkiin vuosisadamme johtaviin muusikoihin ei salli Stravinskyn poistamista 1900-luvun musiikkitaiteen kehityksen yleiskuvasta. Tämän monografisen luvun sisällyttäminen ulkomaisen musiikkikirjallisuuden oppikirjaan johtuu myös koulun opetussuunnitelman erityispiirteistä: 1900-luvun ulkomaisen musiikin opiskeluajankohtana opiskelijat eivät ole lainkaan perehtyneet persoonallisuuteen tai Stravinskyn musiikki. He siirtyvät tälle musiikkitaiteen sivulle vasta neljännen vuoden lopussa, jolloin säveltäjän teoksesta otetaan huomioon vain ensimmäinen, venäläinen kausi.

Oppikirjan koostajien ja kirjoittajien huomio keskittyy sekä tarkasteltavan ajanjakson yleisten musiikillisten ja historiallisten prosessien esittämiseen että niiden vuosisadan klassikoiksi tulleiden merkittävimpien teosten analysointiin. Kun otetaan huomioon 1900-luvun musiikkitaiteen tapahtumien poikkeuksellinen monimutkaisuus, niiden epäjohdonmukaisuus, risteykset ja nopea muutos, katsausluvut ottivat tässä kirjassa paljon suuremman paikan kuin edelliset numerot. Kuitenkin aiheen metodologisten periaatteiden mukaisesti kääntäjät pyrkivät pitämään musiikkiteosten analyysin huomion keskipisteessä, jotka tässä tapauksessa on suunniteltu paljastamaan luovien menetelmien, ajattelutapojen, erilaisten tyyliratkaisujen ja monimuotoisuuden moninaisuus. vuosisadamme mestareiden säveltämistekniikoiden joukko.

Kun otetaan huomioon, että kirja antaa laajan panoraaman musiikkitaiteesta, analyysi on monissa tapauksissa hyvin monimutkainen (mikä on pitkälti itse materiaalin määrittelemä), kokoomateoskokoajat pitävät mahdollisena osoittaa tämä oppikirja opiskelijoille, jotka eivät vain esitä , mutta myös musiikkikoulujen teoreettiset osastot. Kirjan sisältö sallii valikoivan lähestymistavan siihen opetusprosessissa; lukujen tutkimuksen syvyyden ja yksityiskohdat päättävät opettajat itse, riippuen opiskelijoiden valmiudesta, opetusprosessin aineellisista varusteista nuottien ja musiikkitallenteiden kanssa sekä opetussuunnitelman tälle osalle osoittamien tuntien määrästä tietysti.
Suuri joukko kirjailijoita työskenteli tämän kirjan parissa. Näin ollen - materiaalien esittämistapojen väistämättömyys; samaan aikaan lähestymistavassa siihen kääntäjät pyrkivät säilyttämään yhtenäiset metodologiset periaatteet.

SISÄLTÖ
Kääntäjiltä
1900-luvun ulkomaisen musiikkitaiteen kehitystavat.
Itävallan musiikkikulttuuri
GUSTAV MALER
Laulu luovuus. "Vaeltavan oppisopimuslaulun laulut"
Sinfoninen luovuus. Ensimmäinen sinfonia
ARNOLD SCHENBERG
Elämä ja luova polku
"Varsovan perhe
ALBANIN BERG
Elämä ja luova polku
Musiikkidraama "Wozzeck"
Konsertto viululle ja orkesterille
ANTON WEBERN.
Elämä ja luova polku
Musiikkikulttuuri Saksassa
RICHARD STRAUSS
Elämä ja luova polku
Sinfoninen luovuus. Sinfoniset runot "Don Juan" ja "Till Ulenspiegel"
PAUL HINDEMIT
Elämä ja luova polku
Sinfoninen luovuus. Sinfonia "Artist Mathis".
CARL ORF
Elämä ja luova polku
Karl Orffin työn päälajit ja niiden piirteet.
Ooppera "fiksu tyttö"
"Carmina Burana"
IGOR STRAVINSKY
Elämä ja luova polku
"Psalmien sinfonia"
Oedipus kuningas -ooppera
Ranskan musiikkikulttuuri.
ARTHUR ONEGGER
Elämä ja luova polku
Teatterinen ja oratorinen luovuus. Oratorio "Jeanne d" Arc vaakuna "
Sinfoninen luovuus. Kolmas sinfonia ("Liturginen")
DARIUS MILLO
Elämä ja luova polku
Laulu ja instrumentaali, luovuus. "Tulilinna"
FRANCIS PULENCK
Elämä ja luova polku
Ooppera "Ihmisen ääni"
Espanjan musiikkikulttuuri
MANUEL DE FALLA
Elämä ja luova polku
Baletti "Rakasta lumosta"
Ooppera "Lyhyt elämä"

Musiikkikirjasto Olemme iloisia, että olet löytänyt ja ladannut kiinnostavat materiaalit musiikkikirjastostamme. Kirjastoa päivitetään jatkuvasti uusilla teoksilla ja materiaaleilla, ja ensi kerralla löydät varmasti jotain uutta ja mielenkiintoista sinulle. Projektikirjasto valmistuu opetussuunnitelman sekä opettamiseen ja opiskelijoiden näkökentän laajentamiseen suositeltujen materiaalien pohjalta. Sekä opiskelijat että opettajat löytävät täältä hyödyllistä tietoa. kirjasto sisältää myös metodologista kirjallisuutta. Lemmikkisäveltäjämme ja esiintyjämme Nykytaiteilijat Täältä löydät myös elämäkerroja merkittävistä taiteellisista ihmisistä, säveltäjistä, kuuluisista muusikoista ja heidän teoksistaan. Työosaan lähetämme nauhoituksia esityksistä, jotka auttavat sinua oppimisessa, kuulet kuinka tämä työ kuulostaa, työn aksentteja ja vivahteita. Odotamme sinua osoitteessa classON.ru. V.N.Bryantseva Johann Sebastian Bach 1685-1750 Wolfgang Amadeus Mozart 1756-1791 Franz Schubert 1797-1828 www.classON.ru Joseph Haydn 1732-1809 Ludwig van Beethoven 1770-1827 Frederic Chopin 1810-1499 Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla hänestä kasvaa yhä enemmän noin X-luvulta eKr. Kuvataide on kehittymässä - ja taiteilijat kuvaavat muusikoita, jotka seuraavat uskonnollisia rituaaleja, sotilaskampanjoita, metsästystä, juhlallisia kulkueita ja tansseja laulamalla ja soittamalla. Tällaisia \u200b\u200bkuvia on säilynyt erityisesti temppelien ja keraamisten maljakoiden seinillä, joita on löydetty kaivausten aikana. Kirjoittaminen ilmestyy - ja käsikirjoitusten kirjoittajat esittävät niihin kappaleiden ja virsien runollisia tekstejä ja tarjoavat mielenkiintoista tietoa musiikkielämästä. Ajan myötä kirjoittajat ovat kiinnittäneet paljon huomiota filosofisiin keskusteluihin musiikista, sen tärkeästä sosiaalisesta, mukaan lukien kasvatuksellisesta roolista, sekä sen kielen teoreettisesta tutkimuksesta. Suurin osa tällaisista tiedoista on säilynyt musiikista joissakin muinaisen maailman maissa, esimerkiksi muinaisessa Kiinassa, muinaisessa Intiassa, muinaisessa Egyptissä, varsinkin ns. Muinaisissa maissa - muinaisessa Kreikassa ja muinaisessa Roomassa, missä Euroopan kulttuuria munittiin2. Johdanto Musiikkia muinaisista ajoista JS Bachiin Rakkaat kaverit! Viime vuonna sinulla oli jo musiikkikirjallisuuden oppitunteja. He puhuivat musiikkikielen pääelementeistä, joistakin musiikillisista muodoista ja tyylilajeista, musiikin ilmeellisistä ja kuvallisista mahdollisuuksista, orkesterista. Samanaikaisesti keskustelu käytiin vapaasti eri aikakausista - nyt antiikista, nyt modernista, sitten palaten vähemmän tai kauempana meistä oleviin kuoppiin. Ja nyt on aika tutustua musiikkikirjallisuuteen kronologisesti peräkkäisessä - historiallisessa järjestyksessä1. Musiikista muinaisessa Kreikassa Millä tavoin tietoa muinaisen maailman musiikista tuli meille? Vakuuttava osoitus antiikin suuresta kulttuurisesta ja historiallisesta roolista on, että muinaisessa Kreikassa VIII vuosisadalla eKr. Pelit. Ja kaksi vuosisataa myöhemmin siellä alettiin järjestää musiikkikilpailuja - Pythian Games, joita voidaan pitää nykykilpailujen kaukaisina esi-isinä. Pythian-pelit pidettiin temppelissä, joka rakennettiin taiteen suojeluspyhimyksen, auringon ja valon jumalan Apollon kunniaksi. Myyttien mukaan hän, voitettuaan hirvittävän käärme Pythonin, perusti nämä pelit itse. Tiedetään, että kun kerran Argoksen Saccadus voitti heidät, soitettuaan auloilla, oboen lähellä olevalla puhallinsoittimella, ohjelmakappaleella Apollon taistelusta Pythonin kanssa.Muinaiskreikkalaisella musiikilla oli tyypillinen yhteys runouteen, tanssi, teatteri. Legendaariselle runoilija Homerukselle omistetut sankariset eeppiset runot "Iliad" ja "Odysseia" olivat naraspev. Laulajat olivat tavallisesti mytologisen Orpheuksen tavoin sekä runotekstin että musiikin kirjoittajia, ja he itse seurasivat lyyraa. Juhlatilaisuuksissa esitettiin kuorotanssikappaleita, joissa oli pantomiimisia eleitä. Antiikin Kreikan tragedioissa ja komedioissa kuorolla oli suuri rooli: hän kommentoi toimintaa, ilmaisi suhtautumisensa kaivauksiin. Sitten. Näin ollen musiikkitaide oli olemassa jo silloin. Sen jälkeen kun fonografi, ensimmäinen äänen mekaanista tallennusta ja toistoa varten tarkoitettu laite, keksittiin vuonna 1877, tutkimusmuusikot alkoivat matkustaa niihin maailman nurkiin, joissa jotkut heimot säilyttävät edelleen primitiivisen elämäntavan. Tällaisten heimojen edustajilta he tallensivat fonografin avulla näytteitä laulavista ja instrumentaalisista kappaleista. Mutta tällaiset äänitteet tietysti antavat vain karkean kuvan siitä, millainen musiikki oli muinaisina aikoina. Sana "kronologia" (se tarkoittaa "historiallisten tapahtumien järjestystä ajassa") tulee kahdesta kreikkalaisesta sanasta - "chronos" ("aika") ja "logos" ("opetus"). 1 Latinankielinen sana "antiguus" tarkoittaa "muinaista". Siitä johdettu määritelmä "antiikki" viittaa antiikin Kreikan ja antiikin Rooman historiaan ja kulttuuriin. 2 2 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla sankareiden toimintaan. Nykyaikaisilla musiikkitieteilijöillä on jonkin verran tietoa musiikista muinaisessa maailmassa ja silti kadehtivat muiden taiteiden historioitsijoita. Monien antiikin arkkitehtuurin upeiden muistomerkkien, antiikin kuvataiteen, erityisesti veistosten, on säilynyt, monia käsikirjoituksia on löydetty suurien muinaisten näytelmäkirjailijoiden tragedioiden ja komedioiden teksteistä. Mutta musiikkiteokset, jotka on luotu samalla aikakaudella ja vielä paljon myöhemmin, ovat meille tuntemattomia. Miksi se tapahtui niin? Tosiasia on, että osoittautui erittäin vaikeaksi keksiä riittävän tarkka ja kätevä nuotintojärjestelmä, joka kukin teistä hallitsi vasta aloittaessaan musiikin oppimisen. Sen ratkaiseminen kesti monta vuosisataa. Totta, muinaiset kreikkalaiset keksivät kirjeen merkinnät. He määrittivät musiikkimoodien asteet tietyillä aakkosilla. Mutta rytmisiä merkkejä (viivoista) ei aina lisätty. Vasta 1800-luvun puolivälissä jKr tutkijat lopulta selvittivät tämän merkinnän salaisuudet. Kuitenkin, jos he pystyivät tulkitsemaan tarkalleen äänen suhteen äänenvoimakkuudessa antiikin Kreikan musiikillisissa käsikirjoituksissa, keston suhde on vain noin. Tällaisia \u200b\u200bkäsikirjoituksia on todellakin löydetty hyvin vähän, ja ne sisältävät muistiinpanoja vain muutamasta monofonisesta teoksesta (esimerkiksi virsiä) ja useammin niiden otteista. riittävä selkeys. Siksi muusikot ovat jo pitkään käyttäneet apukuvakkeita. Nämä kuvakkeet sijoitettiin laulujen sanojen yläpuolelle ja merkitsivät joko yksittäisiä ääniä tai pieniä niiden ryhmiä. Ne eivät ilmoittaneet äänten tarkkaa suhdetta äänenvoimakkuudessa tai kestossa. Mutta ääriviivoillaan he muistuttivat esiintyjiä melodialiikkeen suunnasta, jotka tiesivät sen sydämestä ja välittivät sen sukupolvelta toiselle. Länsi- ja Keski-Euroopan maissa, joiden musiikista keskustellaan tulevaisuudessa tässä oppikirjassa, tällaisia \u200b\u200bkuvakkeita kutsuttiin neumiksi. Neumoja käytettiin muinaisten katolisten liturgisten laulujen - gregoriaanisen laulun - tallentamiseen. Tämä yleinen nimi on johdettu paavi Gregory I3: n nimestä. Legendan mukaan 6. vuosisadan lopulla hän kokosi näiden monofonisten laulujen pääkokoelman. Suunniteltu vain miesten ja poikien suorittamaan kirkkopalvelujen aikana - yksin ja kuoro yhdessä, ne on kirjoitettu rukousteksteihin latinaksi 4. Gregoriaanisen laulun varhaisia \u200b\u200bhämmentyneitä äänitteitä ei voida tulkita. Mutta 11. vuosisadalla italialainen munkki Guido d'Arezzo ("Arezzosta") keksi uuden merkintätavan. Hän opetti laulavia poikia luostarissa ja halusi helpottaa heidän hengellisten laulujensa ulkoa muistamista. neumat sijoitettiin vaakasuoraan viivaan, sen yläpuolelle. Tämä viiva vastasi yhtä tiettyä ääntä ja vahvisti siten äänityksen arvioidun korkeuden. Ja Guido keksi idean piirtää neljä rinnakkaista viivaa ("viivaimet") kerralla samaan aikaan etäisyys toisistaan \u200b\u200bja nevmojen sijoittaminen niiden väliin ja väliin.Siksi esi-isästä syntyi nykyaikainen musiikkihenkilöstö - eräänlainen tiukasti vuorattu kangas, joka mahdollisti äänen sävelkorkeuden osoittamisen tarkasti sävyinä ja puolisävyinä. nuotinnus muuttui visuaalisemmaksi - kuin piirustus, joka kuvaa melodian liikettä, sen taipumista. Hallitsijoita vastaavat äänet, Guido merkitty latinalaisin kirjaimin. Heidän ääriviivat alkoivat muuttua ja muuttuivat lopulta merkkeiksi, joita kutsuttiin näppäimiksi. "Istumalla" hallitsijoiden päälle ja niiden väliin, ne muuttuivat ajan mittaan erillisiksi muistiinpanoiksi, joiden pää oli aluksi neliön muotoinen. Kysymykset ja tehtävät 1. Milloin vanhimmat soittimet valmistettiin tutkijoiden mukaan? Mitä tämä tarkoittaa? 2. Mikä on fonografi, milloin se keksittiin ja miten tutkijat käyttivät sitä? 3. Minkä muinaisen maailman maiden musiikista on säilynyt eniten tietoa? Määritä kartalta - minkä meren ympärillä kolme tällaista maata sijaitsi. 4. Milloin ja missä muinaiset musiikkikilpailut - Pythian Games - alkoivat? 5. Millä taiteilla musiikki oli läheisessä yhteydessä muinaisessa Kreikassa? 6. Mitä muinaiset kreikkalaiset keksivät? Kuinka se on epätarkka? Nimen "Paavi" kantaa pappi, joka johtaa katolista kirkkoa kansainvälisenä hengellisenä organisaationa. Katolisuus on yksi kristillisistä uskonnoista ortodoksisuuden ja protestantismin ohella. Muinaiset roomalaiset puhuivat latinaa. Rooman valtakunnan kaatumisen jälkeen vuonna 476 latinan kieli lakkasi vähitellen puhumasta. Häneltä tulivat niin sanotut romaanikielet - italia, ranska, espanja, portugali. 3 Kuinka kätevää merkintää luotiin keskiajalla (tämän historiallisen ajanjakson alkua pidetään 6. vuosisadalla jKr), kirjoitusmerkinnät melkein unohdettiin. Se ei ollut 3 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla Huhut uudesta merkintätavasta - aivan kuten ihme - saavuttivat paavi Johannes XIX. Hän kutsui Guidon ja lauloi tuntemattoman melodian keksimältä levyltä. Myöhemmin rinnakkaisten viivojen lukumäärää muutettiin monta kertaa, se tapahtui - jopa kasvoi kahdeksantoista. Vasta 1700-luvun lopulla nykyinen viiden linjan henkilöstö "voitti". Useita erilaisia \u200b\u200bnäppäimiä käytettiin myös. Vasta 1800-luvulla diskantti- ja bassoavaimet tulivat yleisimmiksi. Guido d "Aryozzon keksimisen jälkeen he ratkaisivat pitkään toisen vaikean ongelman - kuinka parantaa merkintää niin, että se osoitti äänten tarkan suhteen paitsi sävelkorkeudessa myös kestossa. Jonkin ajan kuluttua he ajattelivat käyttää erimuotoisia merkintäsymboleja. Aluksi tähän lisättiin monia ehdollisia sääntöjä, mikä vaikeutti käytännössä soveltamista. Ja useiden vuosisatojen ajan kehitettiin vähitellen mukavampaa merkintää - juuri sitä, jota nyt 1600-luvun alkamisen jälkeen sitä parannettiin vain yksityiskohdissa. Ja sen rytminen periaate, jota olemme etsineet niin kauan, näyttää olevan yksinkertaisin asia: se koostuu siitä, että kokonaisuus muistiinpanon kesto on aina yhtä suuri kuin kaksi puolikkaata - toinen pääpiirteittäin, puoli - kaksi neljäsosaa, yksi neljännes - kaksi kahdeksasosaa ja niin edelleen. että palkki alkoi erotella toimenpiteitä 1500-luvulla ja aikaleima vuoden 2000 alussa nuotinnus oli pakollinen e 1600-luvulta lähtien. Silloin ei kuitenkaan ollut jo vain musiikkikäsikirjoituksia, vaan myös painettua musiikkia. Sillä musiikin painaminen alkoi pian painatuksen keksimisen jälkeen - 1400-luvun loppupuolella. Muinaisessa maailmassa ja pitkään keskiajalla musiikki oli yleensä yksiääninen. Oli vain muutama yksinkertainen poikkeus. Esimerkiksi laulaja esitti kappaleen ja kopioi sen (so. Soitti sen samanaikaisesti) soittamalla instrumenttia. Samaan aikaan ääni ja instrumentti saattoivat joskus hajota hieman, poiketa toisistaan \u200b\u200bja lähentyä pian uudelleen. Niinpä monofonisessa äänivirrassa ilmestyi ja katosi kaksisuuntaisen äänen "saaret". Mutta aikakautemme ensimmäisen ja toisen vuosituhannen vaihteessa moniääninen rakenne alkoi kehittyä johdonmukaisesti ja tuli myöhemmin hallitsevaksi ammattimaisessa musiikkitaiteessa. Tämä monimutkainen ja pitkä muodostuminen keskittyi pääasiassa katolisen kirkkomusiikin kenttään. Tapaus alkoi keksinnöllä (kenen toimesta - tuntematon) seuraavalla menetelmällä. Yksi laulaja (tai useita laulajia) lauloi päääänen - gregoriaanisen laulun hitaasti virtaavan melodian. Ja toinen ääni liikkui tiukasti rinnakkain - täsmälleen samassa rytmissä, vain koko ajan oktaavin, neljännen tai viidennen etäisyydellä. Nyt korvillemme se kuulostaa hyvin huonolta, "tyhjältä". Mutta tuhat vuotta sitten kirkon, katedraalin kaarien alla kaikuutuva, hämmästynyt ja ilahduttava laulu avasi uusia ilmaisumahdollisuuksia musiikille. Jonkin ajan kuluttua kirkkomuusikot alkoivat etsiä joustavampia ja monipuolisempia tapoja toisen äänen johtamiseen. Ja sitten he alkoivat yhdistää yhä taitavammin kolme, neljä ääntä ja myöhemmin joskus jopa enemmän ääniä. Kysymykset ja tehtävät 1. Miksi kirjeiden merkitseminen oli hankalaa käytännössä? 2. Mikä sai aikaan neuman keskiaikaisia \u200b\u200bkuoroja? 3. Mikä on gregoriaaninen laulu ja miksi sitä kutsutaan niin? 4. Selitä Guido d "Aryozzon keksinnön ydin. 5. Mikä oli seuraava ongelma, joka ratkaistiin Guidon keksinnön jälkeen? 6. Mistä lähtien merkintätapa ei muuttunut merkittävästi? Laajat laulut, joista on jo selvästi erotettu toisistaan \u200b\u200bkolme ja neljä ääntä luotu XIII vuosisadan alussa kirkkomuusikko Perotin. Hän oli merkittävä laulutaiteen edustaja - Pariisin Notre Damen koulu (Neitsyt Marian koulu). Perotinin laulut kuulostivat huomattavan kauniissa rakennuksessa. Damen katedraali. "Kuinka moniäänisyys alkoi kehittyä musiikissa Näin moniäänisyys alkoi kehittyä. Kreikan kielestä käännettynä tämä sana tarkoittaa" moniäänisyyttä ". Mutta polyfonia on vain eräänlainen polyfonia, jossa kaksi tai useampi sama ääni kuuluu samanaikaisesti. lisäksi jokaisella on oma itsenäinen melodinen linja. johtaako yksi ääni päämelodiaa, kun taas toiset ovat sen alaisia \u200b\u200b(seuraa sitä, seuraa sitä), niin se on homofonia - toinen. Notaation parantamisen ansiosta asteittain, varsinkin 1200-luvulta lähtien, musiikkikäsikirjoituksia alettiin tulkita enemmän ja tarkemmin. Tämä antoi mahdollisuuden tutustua paitsi musiikkikulttuuria koskeviin tietoihin myös menneiden aikakausien musiikkiin. Ei ole sattumaa, että notaation menestys osui samaan aikaan polyfonian kehityksen alkuun, mikä on tärkeä vaihe musiikkitaiteen historiassa. 4 www.classON.ru Lasten koulutuksesta venäläisen taiteen alalla on tullut merkittävä musiikkilaji. Säännöllinen massa 5 sisältää kuusi päälaulua, jotka perustuvat latinalaisiin rukousteksteihin. Nämä ovat "Kiriyo Elyison" ("Herra, armahda"), "Gloria" ("Kunnia"), "Creed" ("Minä uskon"), "Sanctus" ("Pyhä"), "Benedictus" ("Siunattu") ) ja "Agnus Dei" ("Jumalan karitsa"). Alun perin gregoriaaninen laulu kuulosti monofonisesti massoissa. Mutta noin 1400-luvulla massa oli muuttunut monimutkaisten polyfonisten osien 6 jaksoksi. Samanaikaisesti jäljitelmiä alettiin käyttää erittäin taitavasti. Käännetty latinaksi "imitatio" tarkoittaa "jäljitelmää". Musiikissa voit joskus jäljitellä musiikin ulkopuolisia ääniä, esimerkiksi satakielen trilliä, käkyn koristamista, meren aaltojen ääntä. Sitten sitä kutsutaan onomatopoiaksi tai äänikuvaksi. Ja musiikin jäljitelmä on tekniikka, jossa yhdellä äänellä päättyvän melodian jälkeen toinen ääni toistaa sen tarkasti (tai ei aivan tarkasti) toisesta äänestä. Sitten muut äänet voivat tulla samalla tavalla. Homofonisessa musiikissa jäljitelmät saattavat näkyä lyhyesti. Ja moniäänisessä musiikissa tämä on yksi tärkeimmistä kehitysmenetelmistä. Se auttaa melodista liikettä tekemään melkein jatkuvaa: taukoja ja kadensseja samanaikaisesti kaikilla äänillä esiintyy moniäänisessä musiikissa vain harvinaisten poikkeusten muodossa7. Yhdistämällä jäljitelmät muihin polyfonisiin tekniikoihin säveltäjät tekivät massansa suuriksi kuoroteoksiksi, joissa neljä tai viisi ääntä on kietoutunut monimutkaiseen äänikankaaseen. Siinä gregoriaanisen laulun melodiaa on jo vaikea erottaa ja yhtä vaikea kuulla rukoussanat. Jopa massat ilmestyivät, joissa suosittujen maallisten kappaleiden melodioita käytettiin päälauluina. Tämä tilanne huolestutti katolisten korkeimpia kirkollisia viranomaisia. 1500-luvun puolivälissä se aikoi kieltää moniäänisen laulamisen kirkollisten jumalanpalvelusten aikana. Tällaista kieltoa ei kuitenkaan tapahtunut huomattavan italialaisen säveltäjän Palestrinan ansiosta, joka vietti melkein koko elämänsä Roomassa ja oli lähellä paavin tuomioistuinta (hänen koko nimensä on Giovanni Pierluigi da Palestrina, eli "Palestrinasta" - pieni kaupunki lähellä Roomaa). Palestrina onnistui massoineen (ja hän kirjoitti yli sata niistä) muodostamaan polyfonian. Koska säestyksellä on sointu-harmoninen perusta, musiikillisen esityksen homofonista varastoa kutsutaan myös homofoniseksi-harmoniseksi. Kysymykset ja tehtävät 1. Mistä lähtien musiikilliset käsikirjoitukset on purettu yhä tarkemmin? 2. Mikä tärkeä uusi vaihe musiikkitaiteen historiassa yhtyi notaation onnistumiseen? 3. Milloin, missä musiikissa ja minkä melodioiden perusteella polyfonia alkoi muodostua johdonmukaisesti? 4. Mikä oli rinnakkainen kaksiääninen? Laulaa useita rinnakkaisia \u200b\u200bkvartseja, viidesosia ja oktaavia yhdessä. 5. Mitä eroa on polyfonian ja homofonian välillä? Kuinka moniäänisyys jatkoi kehitystään Vaikka kirkkolaulussa polyfonia alkoi kehittyä, maallinen musiikki hallitsi edelleen monofoniaa. Selvitti esimerkiksi monia monofonisten kappaleiden äänitteitä, jotka XII-XIV-luvuilla olivat keskiajan runoilijoiden ja laulajien säveltämät ja esittämät. Etelä-Ranskassa, Provencessa, heitä kutsuttiin trubadureiksi, Pohjois-Ranskassa - trouvers, Saksassa - minnesingereiksi. Monet heistä olivat kuuluisia ritareita, ja lauluissaan he usein lauloivat palvotun "kauniin naisen" kauneutta ja hyveitä. Näiden runoilijoiden ja laulajien laulujen melodiat olivat usein lähellä kansanmusiikkia, myös tanssia, ja rytmi oli alisteinen runotekstin rytmille. Myöhemmin, XIV-XVI-luvuilla, "saksalaiset runoilijat-laulajat käsityöläisten joukosta, jotka kutsuivat itseään meisteringeriksi (" laulajamestareiksi "), yhdistyivät työpajoihin. Kirkon moniäänisyys ja maallinen monofonia eivät osoittautuneet eristetyiksi toisistaan. Siksi äänissä, jotka lisättiin pyhiin lauluihin gregoriaaniseen lauluun, maallisten kappaleiden vaikutus tuli havaittavaksi (esimerkiksi trubaduurien ja trouverien kappaleet). Samalla 1300-luvun loppuun mennessä puhtaasti maallinen moniääninen teokset ilmestyivät Ranskassa, jossa kaikkien äänien osat perustuivat laululaatuisiin melodioihin, eikä tekstit sävelletty latinaksi vaan ranskaksi. ajan myötä katolisessa kirkkomusiikissa on edelleen erityisiä kirkkolomille omistettuja misejä Muista, että sykli on useiden erillisten osien (tai näytelmien) teos, jonka yhdistää yhteinen käsite. 7 Cadenza (poljinnopeus) - melodinen ja harmoninen vaihtuvuus, joka täydentää koko musiikkikappaleen tai sen osan. 5 6 5 www.classON .ru koulutus venäläisen taiteen alalla sen osoittamiseksi, että moniääniset sävellykset voivat pysyä erittäin taitavina, mutta kuulostaa läpinäkyviltä ja liturgisia tekstejä voidaan kuulla selvästi. Palestrinan musiikki on yksi niin sanotun tiukan tyylin vanhan kuoropolyfonian korkeuksista. Se vie meidät valaistuneen ylevän mietiskelyn maailmaan - ikään kuin se säteilee tasaista, rauhoittavaa säteilyä. runoilijoita, muusikoita, tutkijoita ja taiteen ystäviä. Heidät kantoi ajatus luoda uudenlainen ilmeikäs yksinlaulu säestyksellä ja yhdistää se teatteritoimintaan. Näin syntyivät ensimmäiset oopperat, joiden juonteet otettiin muinaisesta mytologiasta. Aivan ensimmäinen on Daphne, jonka ovat säveltäneet Jacopo Peri (yhdessä J.Korean kanssa) ja runoilija O.Rinuccini. Se esitettiin vuonna 1597 Firenzessä (koko työ ei ole säilynyt). Muinaisessa kreikkalaisessa mytologiassa Daphne on Ladon-joen jumaluuden ja maan Gaia-jumalattaren tytär. Hän pakeni Apollon tavoittelusta ja rukoili jumalien apua, ja hänestä tuli laakeri (kreikaksi "daphne" - "laakeri") - Apollon pyhä puu. Koska Apolloa pidettiin taiteen suojelijajumalana, Pythian pelien voittajia alettiin kruunata laakeriseppeleellä, jonka perustajana pidettiin Apolloa. Laakeriseppelestä ja erillisestä laakerin haarasta on tullut voiton, kunnian ja palkintojen symboleja. Kaksi muuta oopperaa, jotka sävelsi vuonna 1600 (toisen J. Peri, toisen G. Caccini), kutsutaan molemmiksi Eurydiceksi, koska molemmat käyttävät samaa runotekstiä, joka perustuu antiikin Kreikan myyttiin legendaarisesta laulajasta Orpheuksesta. Ensimmäiset italialaiset oopperat esitettiin aatelisten palatseissa ja taloissa. Orkesteri koostui muutamasta vanhasta soittimesta. Sitä johti muusikko, joka soitti cembaloa (italialainen nimi cembaloille). Ei ollut vielä alkusoittoa, ja trumpettifanit ilmoittivat esityksen alkamisen. Ja lauluosissa vallitsi recitatiivi, jossa musiikillinen kehitys oli alisteinen runolliselle tekstille. Pian musiikki alkoi kuitenkin saada yhä itsenäisemmän ja tärkeämmän merkityksen oopperoissa. Tämä johtuu suurelta osin ensimmäisestä erinomaisesta oopperasäveltäjästä - Claudio Monteverdistä. Hänen ensimmäinen oopperansa, Orpheus, lavastettiin vuonna 1607 Mantovassa. Hänen sankarinsa on jälleen sama legendaarinen laulaja, joka taiteellaan rauhoitti kuolleiden alamaailman jumalaa Hadesia ja vapautti Eurydicen, Orpheuksen rakastetun vaimon, maan päälle. Mutta Hadesin tila - ennen kuin hän lähti valtakunnastaan \u200b\u200bkoskaan katsomatta Eurydicea - Orpheus loukkasi häntä ja menetti hänet jo ikuisesti. Tälle surulliselle tarinalle Monteverdin musiikki on antanut ennennäkemättömän lyyrisen ja dramaattisen ilmeikkyyden. Monteverdin Orpheuksen lauluosista, kuoroista, orkesterijaksoista tuli paljon monimuotoisempia. Tässä teoksessa alkoi muotoutua melodinen ariotyyli - italialaisen oopperamusiikin tärkein ominaispiirre. Firenzen esimerkin mukaan oopperoita alettiin säveltää ja esittää paitsi Mantovassa myös Italian sellaisissa kaupungeissa kuin Rooma, Venetsia, Napoli. Kiinnostus uuteen lajityyppiin alkoi herätä muissa Euroopan maissa, ja niiden kysymykset ja tehtävät 1. Keitä ovat trubaduurit, trouverit, minnesingerit ja meistersingerit? 2. Onko vanhan kirkkopolyfonian ja maallisten laulumelodioiden välillä yhteyttä? 3. Mitkä ovat säännöllisen massan pääosat? 4. Anna esimerkkejä onomatopoiasta musiikissa. 5. Mitä musiikissa kutsutaan jäljitelmiksi? 6. Mitä Palestrina on saavuttanut massoissaan? Oopperan syntymä. Oratorio ja kantaatti Juuri ennen 1600-luvun alkua - historiallisen ajan uuden vuosisadan ensimmäistä vuosisataa - musiikkitaiteessa tapahtui äärimmäisen tärkeä tapahtuma: ooppera syntyi Italiassa. Musiikki on kuulostanut pitkään erilaisissa teatteriesityksissä. Niissä instrumentaalisten ja kuoronumeroiden ohella voitaisiin esittää yksittäisiä laulusooloja, esimerkiksi kappaleita. Ja oopperassa laulajista ja laulajista tuli näyttelijöitä ja näyttelijöitä. Heidän laulunsa orkesterin seurassa yhdistettynä näyttämötoimintaan alkoi välittää esityksen pääsisältöä. Sitä täydentävät maisemat, puvut ja usein myös tanssit - baletti. Niinpä oopperassa musiikki otti johtoaseman eri taiteiden läheisessä yhteisössä. Tämä avasi hänelle uusia suuria taiteellisia mahdollisuuksia. Oopperalaulajat ja laulajat alkoivat välittää ennennäkemättömällä voimalla ihmisten henkilökohtaisia \u200b\u200bemotionaalisia kokemuksia - sekä iloisia että surullisia. Samaan aikaan oopperan tärkein ilmaisukeino oli soololaulun homofoninen yhdistelmä orkesterisäestyksellä. Ja jos ammattimusiikki kehittyi Länsi-Euroopassa 1700-luvulle saakka pääasiassa kirkossa, ja suurin genre oli massa, sitten pääkeskuksesta tuli musiikkiteatteri, ja suurin genre oli ooppera. 1500-luvun lopulla ympyrä 6 kokoontui Italian Firenzen kaupunkiin www.classON.ru Hallitsijat omaksuivat tavan kutsua italialaisia \u200b\u200bmuusikoita oikeustoimiin Venäjälle. Tämä vaikutti siihen, että italialaisesta musiikista tuli kaikkein vaikutusvaltaisin Euroopassa. Ranskassa 1700-luvulla ilmestyi oma kansallinen oopperansa, joka poikkesi italialaisesta. Sen perustaja Jean-Baptiste L yule on italialaista alkuperää. Siitä huolimatta hän tunsi oikein ranskalaisen kulttuurin erityispiirteet ja loi erikoisen ranskalaisen oopperatyylin. Lullyn oopperoissa suuri paikka oli toisaalta recitatiiveilla ja pienillä recitatiivisilla aareilla, ja toisaalta balettitansseilla, juhlallisilla marsseilla ja monumentaalikuoroilla. Yhdessä mytologisten juonien, upeiden pukujen, maagisten ihmeiden esittämisen kanssa teatterikoneiden kanssa, kaikki tämä vastasi hovielämän loistoa ja loistoa Ranskan kuninkaan Louis XIV: n hallituskaudella. Saksan ensimmäisen oopperan "Daphne" (1627) loi pre-Bach-aikakauden suurin saksalainen säveltäjä Heinrich Schutz. Mutta hänen musiikkinsa ei ole säilynyt. Ja oopperalajin kehittymiselle maassa ei ollut vielä ehtoja: ne muotoutuivat vasta 1800-luvun alkaessa. Ja Schützin työssä pääosassa olivat ilmeikkäät instrumentaaliset sävellykset hengellisissä teksteissä. Vuonna 1689 ensimmäinen englantilainen ooppera "Dido ja Aeneas" esitettiin Lontoossa merkittävän lahjakkuussäveltäjän Henry Purcellin toimesta. Tämän oopperan musiikki kiehtoo sydämellisiä sanoituksia, runollista fantasiaa ja värikkäitä kansikuvia. Kuitenkin kuoleman jälkeen Purcell lähes kahden vuosisadan ajan, ei ollut merkittäviä musiikin tekijöitä keskuudessa Englanti säveltäjiä. XVI-XVII vuosisadan vaihteessa samanaikaisesti oopperan kanssa ja myös Italiassa sekä r o d ja l ja s o r sekä r ja I ja cat. Kyse on oopperasta sillä, että esitykseen osallistuvat myös solistit, kuoro ja orkesteri, sekä siitä, että he kuulostavat myös aareja, recitatiiveja, lauluyhtyeitä, kuoroja, orkesterijaksoja. Mutta oopperassa opitaan tapahtumien (juoni) kehityksestä paitsi siitä, mitä solistit laulavat, myös siitä, mitä he tekevät ja mitä yleensä tapahtuu lavalla. Ja oratoriossa ja kantaatissa ei ole näyttämötoimintaa. Ne esitetään konserttiympäristössä ilman pukuja ja koristeita. Mutta oratorion ja kantaatin välillä on myös ero, vaikka ne eivät aina ole selkeitä. Tyypillisesti oratorio on suurempi pala, jossa on kehittyneempi uskonnollinen juoni. Se on usein eeppis-dramaattinen. Tältä osin laulaja-tarinankertojan kertova recitatiivinen osa sisältyy usein oratorioon. Erityinen hengellisten oratorioiden tyyppi - "intohimot" tai "passiiviset" (käännetty latinaksi - "kärsimys"). Passion kertoo ristillä ristiinnaulitun Jeesuksen Kristuksen kärsimyksistä ja kuolemasta. 7 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla Kantaatit jaetaan sanatekstin sisällöstä riippuen hengelliseksi ja maalliseksi. 1600-luvulla ja 1700-luvun alussa Italiassa nousi esiin monia pieniä kamarikantaatteja. Ne koostuivat vuorotellen kahdesta tai kolmesta recitatiivista kahdella tai kolmella aarialla. Myöhemmin pääasiassa juhlallisen kantaatin levinneisyys. Pyhät kantaatit ja erilaiset rakenteet "intohimot" kehittyivät eniten Saksassa. aareja, ja on jännittävää ottaa käyttöön virtuoosi kulkuliike. Corellin ja Vivaldin perinnössä loistava paikka kuuluu triosonaatin genreihin. Useimmissa triosonaateissa kahta pääosaa soittavat viulut, ja kolmas osa, säestysosa, on cembalo tai urut, ja sello tai fagotti kaksinkertaistaa bassoäänen. Trio-sonaattia seurasi sonaatti viululle tai muulle soittimelle, johon liittyi cembalo. ja myös Concerto Grosso - konsertti orkesterille (ensimmäinen kielisoitin). Monille näiden tyylilajien teoksille on ominaista vanhan sonaatin muoto. Tämä on yleensä neliosainen sykli hitaasti, nopeasti, hitaasti ja nopeasti. Hieman myöhemmin, jo 1700-luvulla, Vivaldi alkoi säveltää viululle ja joillekin muille instrumenteille orkesterin mukana. Siihen perustettiin kolmiosainen sykli: "nopea-hidas-nopea". Kysymykset ja tehtävät 1. Missä ja milloin ooppera syntyi? Selitä, kuinka ooppera eroaa teatteriesityksestä musiikilla. 2. Mikä on tärkein ilmaisukeino oopperamusiikissa? 3. Mikä on Claudio Monteverdin ensimmäisen oopperan nimi ja mitkä ominaisuudet ilmenivät hänen musiikissaan? 4. Kerro meille vanhojen ranskalaisten oopperoiden erityispiirteistä. 5. Mikä on ensimmäinen ooppera kirjoitettu Saksassa ja ensimmäinen ooppera Englannissa? 6. Mikä on tärkein ero oratorion ja kantaatin ja oopperan välillä? 7. Mitä ovat "intohimot" ("passiiviset")? Urut alkoivat pitkän historiansa muinaisessa Egyptissä. 1600-luvulle mennessä siitä oli tullut hyvin monimutkainen instrumentti, jolla oli laajat taiteelliset mahdollisuudet. Pieniä urkuja löytyi silloin jopa omakotitaloista. Niitä käytettiin harjoituksiin, he soittivat muunnelmia kansanlaulujen ja tanssien melodioista. Ja kirkoissa ja katedraaleissa kuulosti, kuten nytkin, suuret urut kuohuvilla putkirivillä, puukappaleilla, jotka on koristeltu kaiverruksilla. Urkuja löytyy nykyään myös monista konserttisaleista. Nykyaikaisissa uruissa on useita tuhansia putkia ja jopa seitsemän näppäimistöä (käsikirjaa), jotka sijaitsevat päällekkäin - kuten portaat. Putkia on niin paljon, koska ne on jaettu ryhmiin - rekistereihin. Rekisterit kytketään päälle ja pois päältä erityisillä vipuilla äänen eri värin (sävyn) saamiseksi. Urut on varustettu myös pedaalilla. Tämä on koko jalka-näppäimistö, jossa on paljon isoja näppäimiä. Painamalla heitä jaloillaan, urkuri voi poimia bassoäänet ja ylläpitää niitä myös pitkään (tällaisia \u200b\u200bpysyviä ääniä kutsutaan myös pedaaliksi tai urupisteeksi). Aikavälien rikkauden suhteen, mikäli mahdollista, kevyintä pianissimoa voidaan verrata ukkosenjäävään fortissimoon, uruilla ei ole yhtäläisyyksiä soittimien välillä. 1600-luvulla urkutaide saavutti erityisen korkean kukinnan Saksassa. Kuten muissakin maissa, saksalaiset kirkon urkurit olivat sekä säveltäjiä että esiintyjiä. He eivät vain seuranneet hengellisiä lauluja, vaan myös esiintyneet yksin. Heidän joukossaan oli monia lahjakkaita virtuooseja ja improvisaattoreita, jotka houkuttelivat soittonaan kokonaisia \u200b\u200bväkijoukkoja. Yksi merkittävimmistä heistä on Dietrich Buxtehude. Nuori Johann Sebastian Bach tuli kuuntelemaan näytelmäänsä jalkaisin toisesta kaupungista. Buxtehuden monipuolisessa ja laaja-alaisessa teoksessa on edustettuina aikojen urkumusiikin päätyypit. Toisaalta nämä ovat alkusoittoja, fantasioita ja 1700-luvun instrumentaalimusiikista, sen tyylilajeista ja muodoista, ja soittimien toistaminen pitkään toistui useimmiten lauluteosten ääniosilla tai tanssien mukana. Lauluyhdistelmien instrumentaaliset sovitukset olivat myös yleisiä. Instrumentaalimusiikin itsenäinen kehitys lisääntyi vasta 1600-luvulla. Samaan aikaan laulupolyfoniaan kehittynyt taiteellinen tekniikka jatkoi sen kehittymistä. Ne rikastettiin kappaleisiin ja tanssiin perustuvan homofonisen varaston elementeillä. Samaan aikaan oopperamusiikin ilmeikkäät saavutukset alkoivat vaikuttaa instrumentaalisiin sävellyksiin. Viululla on loistavat virtuoosikyvyt yhdessä melodisen äänen kanssa. Ja juuri oopperan kotimaassa Italiassa viulumusiikki alkoi kehittyä erityisen menestyksekkäästi. 1600-luvun lopulla Arcangelo Corellin luovuus kukoisti ja Antonio Vivaldin luovuus alkoi. Nämä tunnetut italialaiset säveltäjät ovat tuottaneet monia instrumentaaliteoksia viulun osallistuessa ja johtavassa roolissa. Niissä viulu voi laulaa yhtä ilmeikkäästi kuin ihmisen ääni oopperahuoneessa 8 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen toccata-alueella. Niissä moniääniset jaksot vaihtelevat vapaasti improvisaation kanssa - kulkua ja sointua. Toisaalta nämä ovat tiukemmin rakennettuja kappaleita, jotka ovat johtaneet fuugan syntymiseen - monimutkaisimpaan polyfoniaa jäljittelevään muotoon. Buxtehude teki myös monia urkkasovituksia protestanttista koraalia varten koraaliesina. Toisin kuin gregoriaaninen laulu, tämä on hengellisten laulujen yleinen nimi, ei latinaksi, vaan saksaksi. Ne ilmestyivät 1500-luvulla, kun uudenlainen kristillinen oppi - protestantismi - erottui katolisuudesta. Protestanttisen laulun melodinen perusta oli saksalaiset kansanlaulut. 1600-luvulla kaikkien seurakuntalaisten kuoro esitti protestanttisen laulun urkujen tuella. Tällaisille kuorojärjestelyille tyypillinen on neliosainen sointurakenne, jonka melodia on ylemmässä äänessä. Myöhemmin tällaista varastoa alettiin kutsua kuoroksi, vaikka se löytyy instrumentaaliteoksesta. Organistit soittivat myös jousisoitinsoittimia ja sävelivät niitä. Näiden instrumenttien teosten yleinen nimi on clavier-musiikki8. Ensimmäiset tiedot kielisoittimista ovat peräisin XIV-XV-luvuilta. 1700-luvulle mennessä cembalosta oli tullut yleisin näistä. Joten sitä kutsutaan Ranskassa, Italiassa sitä kutsutaan Chembaloksi, Saksassa - Kilflugel, Englannissa - cembalo. Pienempien instrumenttien nimi Ranskassa on epinet, Italiassa - Englannin spineteille - neitsyt. Klavesiini on pianon esi-isä, joka alkoi tulla käyttöön 1700-luvun puolivälissä. Kun painat klavesin näppäimiä, tankoihin asetetut höyhenet tai nahkaiset kielet poimivat jouset. Se osoittautuu äkillisiksi, äänekkääksi ja samalla hieman kohiseviksi ääniksi. Klavesin äänen voimakkuus ei riipu näppäimistön iskun voimakkuudesta. Siksi sitä ei voida käyttää crescendoon ja diminuendoon - toisin kuin piano, mikä on mahdollista, koska näppäimet on joustavammin liitetty jousiin lyöviä vasaroita. Klavesin soittimessa voi olla kaksi tai kolme näppäimistöä, ja siinä on laite, jonka avulla voit muuttaa äänen väriä. Toisen pienen kosketinsoittimen, klavichordin, ääni on heikompi kuin cembalo. Mutta toisaalta melodisempi soittaminen on mahdollista klavikordissa, koska sen kieliä ei kynätä, vaan metallilevyjä painetaan niihin. Yksi antiikin cembalo-musiikin tärkeimmistä tyylilajeista on sarja, jossa on useita osia, muodoltaan täydellinen, kirjoitettu yhdellä näppäimellä. Jokainen osa käyttää yleensä tanssiliikettä. Vanhan sviitin perusta koostuu neljästä eri tanssista, jotka eivät aina ole tarkkaan määriteltyjä. Tämä on rauhallinen allemande (ehkä alunperin Saksasta), liikkuvampi soittokello (alunperin Ranskasta), hidas sarabanda (alunperin Espanjasta) ja nopea temppu (alunperin Irlannista tai Englannista). 1600-luvun lopusta lähtien sviittejä alettiin Pariisin cembaloiden esimerkin mukaisesti täydentää sellaisilla ranskalaisilla tansseilla kuin menuetti, gavotte, burré ja paspier. Ne asetettiin päätanssien väliin, muodostaen intermedia-osiot (latinankielinen "intg" tarkoittaa "välillä"). Vanha ranskalainen cembalo musiikki erottuu armon, armon, runsaasti pieniä melodisia koristeita, kuten mordentes ja trills. Ranskalainen cembalo-tyyli kukoisti François Couperinin (1668 - 1733), lempinimeltään Suuri, teoksessa. Hän loi noin kaksi ja puoli sata näytelmää ja yhdisti ne kaksikymmentäseitsemään sviittiin. Eri ohjelmanimiset näytelmät alkoivat vähitellen hallita niitä. Useimmiten nämä ovat kuin miniatyyri klavesin muotokuvia naisista - hyvin kohdistetut äänen luonnokset joistakin luonteenpiirteistä, ulkonäöstä, käytöksestä. Tällaisia \u200b\u200bovat esimerkiksi näytelmät "Synkkä", "Koskettava", "Ketterä", "Poissa-ajatteleva", "Ilkikurinen". Hänen suuri nykyaikainen Johann Sebastian Bach osoitti suurta kiinnostusta ranskalaisen cembalo-musiikin suhteen, mukaan lukien François Couperinin näytelmät. Kysymykset ja tehtävät 1. Milloin instrumentaalilajien itsenäinen kehitys voimistui? 2. Mikä on sinun suosikki instrumenttisi Arcangelo Corelli ja Antonio Vivaldi. 3. Kerro meille urun rakenteesta. 4. Missä maassa urkitaide on saavuttanut erityisen korkean kukinnan? Mikä on protestanttinen koraali? 5. Kerro meille cembaloen rakenteesta. Mitä tanssiliikkeitä käytetään vanhan klavesiinisarjan pääosissa? Joten oppikirjan johdantokappale esitteli lyhyesti joitain tärkeitä tapahtumia musiikin maailmassa muinaisista ajoista lähtien. Se oli historiallinen "retki", joka auttoi tutustumaan entistä suurempien Länsi-Euroopan muusikoiden perintöön, jotka työskentelivät 1700- ja 1800-luvuilla. Jonkin aikaa klavieria kutsuttiin musiikiksi kaikille kosketinsoittimille, mukaan lukien kosketinsoitin-puhallinsoitin - urut. 8 9 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla Elämän polku Johann Rod, perhe, lapsuus. Johann Sebastian Bach syntyi vuonna 1685 Thüringenissä - yhdellä Keski-Saksan alueista, Eisenachin pikkukaupungissa, jota ympäröivät metsät. Thüringenissä tuntui tuolloin vielä 30 vuoden sodan (1618-1648), jossa kaksi suurta eurooppalaista ryhmittymää törmäsi, vakavat seuraukset. Tämä tuhoisa sota sattui selviytymään Johann Sebastianin esi-isistä, jotka olivat läheisessä yhteydessä saksalaiseen käsityö- ja talonpoikaisympäristöön. Hänen isoisänisänisänsä, nimeltään Veit, oli leipuri, mutta hän rakasti musiikkia niin paljon, että hän ei koskaan eronnut sitruunan, samanlaisen instrumentin kuin mandoliini, kanssa, vaikka soitti ajon aikana myllylle jauhojen jauhamisen aikana. Ja Thüringeniin ja sen lähialueille asettuneiden jälkeläisten joukossa oli niin paljon muusikoita, että kaikkia, jotka harjoittivat tätä ammattia, kutsuttiin siellä "Bachiksi". Nämä olivat kirkon urkurit, viulistit, huilisti, trumpetistit, jotkut heistä osoittivat kykyä säveltää. He olivat kaupungin kuntien palveluksessa ja pienten ruhtinaskuntien ja herttuakuntien hallitsijoiden tuomioistuimissa, joihin Saksa oli pirstoutunut. Sebastian Bach 1685-1750 Tämän yli kolmesataa vuotta vanhan suuren saksalaisen säveltäjän musiikin kohtalo on hämmästyttävä. Elinaikanaan hän sai tunnustusta pääasiassa urkurina ja soittimien tuntajana, ja kuolemansa jälkeen hänet melkein unohdettiin vuosikymmeniksi. Mutta sitten vähitellen he alkoivat näyttää löytävän hänen työnsä uudelleen ja ihailla häntä arvokkaana taiteellisena aartena, taitojensa verran ylittämättömänä, ehtymättömänä sisällön syvyydessä ja inhimillisyydessä. "Älä ole virta! "Meren pitäisi olla hänen nimensä." Näin toinen musiikillinen nero, Beethoven, sanoi Bachista. Bach onnistui julkaisemaan vain hyvin pienen osan teoksistaan \u200b\u200bitse. Nyt yli tuhat niistä on julkaistu (monia muita on menetetty). Ensimmäinen täydellinen kokoelma Bachin teoksia alkoi julkaista Saksassa sata vuotta hänen kuolemansa jälkeen, ja siihen kului neljäkymmentäkuusi laajaa volyymia. Ja on mahdotonta edes karkeasti laskea, kuinka paljon Bachin musiikkia painetaan edelleen ja kuinka monta yksittäistä painosta edelleen painetaan eri maissa. Niin suuri on sen lakkaamaton kysyntä. Sillä sillä on laaja ja kunnioitettava paikka paitsi maailman konserttiohjelmistossa myös opetusohjelmassa. Johann Sebastian Bach on edelleen kirjaimellisesti kaikkien musiikkiin osallistuvien opettaja. Hän on vakava ja tiukka opettaja, hän vaatii keskittymiskykyä hallitakseen moniäänisten teosten taiteen. Mutta se, joka ei pelkää vaikeuksia ja harkitsee tarkkaan vaatimuksiaan, tuntee viisauden ja sydämellisen ystävällisyyden vakavuutensa takana, jota hän opettaa kauniilla kuolemattomilla luomuksillaan. Talo Eisenachissa, jossa JS Bach syntyi. 9 "Bach" saksaksi käännettynä tarkoittaa "virta". 10 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla Johann Sebastianin isä oli viulisti, kaupunki- ja hovimuusikko Eisenachissa. Hän alkoi opettaa musiikkia nuorimmalle pojalleen ja lähetti hänet kirkkokouluun. Kauniilla korkealla äänellä poika lauloi koulukuorossa. Kun hän oli kymmenvuotias, hänen vanhempansa kuolivat. Vanhempi veli, kirkon urkuri naapurikaupungissa Ohrdrufissa, hoiti orpoa. Hän lähetti nuoremman veljensä paikalliseen lyceumiin ja opetti hänelle itse urkutunteja. Myöhemmin Johann Sebastianista tuli myös cembalo, viulisti ja viulisti. Ja lapsuudesta lähtien hän hallitsi musiikillisen sävellyksen yksin kirjoittamalla uudelleen eri tekijöiden teoksia. Hänen täytyi kirjoittaa yksi häntä erityisen kiinnostava musiikkikirja kuunvaloisin öisin salaa vanhemman veljensä takia. Mutta kun pitkä vaikea työ oli saatu päätökseen, hän huomasi tämän, vihastui Johann Sebastianille luvattomasta teostaan \u200b\u200bja otti käsikirjoituksen häneltä armottomasti. Itsenäisen elämän alku. Luneburg. Viidentoista vuoden iässä Johann Sebastian otti ratkaisevan askeleen - hän muutti kaukaiseen Pohjois-Saksan kaupunkiin Luneburgiin, jossa hän tuli luostarikirkon kouluun laulutieteilijänä. Koulun kirjastossa hän pystyi tutustumaan suureen määrään käsikirjoituksia saksalaisten muusikoiden teoksista. Lüneburgissa ja Hampurissa, jossa hän käveli maanteillä, voitiin kuunnella lahjakkaiden urkureiden peliä. On mahdollista, että Hampurissa Johann Sebastian vieraili oopperatalossa - tuolloin ainoana Saksassa, joka ei esittänyt esityksiä ei italiaksi, vaan saksaksi. Hän valmistui koulusta kolme vuotta myöhemmin ja alkoi etsiä työpaikkaa lähempänä kotimaata. Weimar. Palvelettuaan hetkeksi viulistina ja urkurina kolmessa kaupungissa, Bach vuonna 1708, ollessaan jo naimisissa, asettui yhdeksäksi vuodeksi Weimariin (Thüringen). Siellä hän oli urkuri herttuan hovissa ja sitten varakapellimestari (kappelin pään apulainen - ryhmä laulajia ja instrumentalisteja). Teini-ikäisenä Ohrdrufissa Bach alkoi säveltää musiikkia, erityisesti tekemällä protestanttisen koraalin sovituksia urulleen, hänen suosikkisoittimelleen. Ja Weimarissa ilmestyi joukko hänen upeita kypsiä urkuteoksiaan, kuten Toccata ja fuga d-molli, Passacaglia 10 c-molli, koraaliesitykset. Siihen mennessä Bachista oli tullut vertaansa vailla oleva urku- ja cembalo-esiintyjä ja improvisaattori. Seuraava asia vahvistettiin vakuuttavasti. Kerran Bach meni Sachsenin pääkaupunkiin Dresdeniin, missä he päättivät järjestää kilpailun hänen ja kuuluisan ranskalaisen urkuri ja cembalisti Louis Marchandin välillä. Mutta jälkimmäinen, kuultuaan etukäteen, kuinka Bach improvisoi cembaloon hämmästyttävällä luovalla kekseliäisyydellä, kiirehti salaa poistumaan Dresdenistä. Kilpailua ei järjestetty. Weimarin tuomioistuimessa oli tilaisuus tutustua italialaisten ja ranskalaisten säveltäjien teoksiin. Bach kohteli saavutuksiaan suurella mielenkiinnolla ja taiteellisella aloitteella. Esimerkiksi hän teki useita ilmaisia \u200b\u200btranskriptioita cembalolle ja urulle Antonio Vivaldin viulukonsertoille. Näin syntyivät ensimmäiset tyylikkäimmät konsertit musiikkitaiteen historiassa. Kolmen vuoden ajan Weimarissa Bachin piti säveltää uusi hengellinen kantaatti joka neljäs sunnuntai. Yhteensä tällä tavalla syntyi yli kolmekymmentä teosta. Kuitenkin, kun ikäinen tuomioistuimen kapellimestari kuoli, jonka tehtäviä Bach tosiasiassa hoiti, avoin työpaikka ei annettu hänelle, vaan kuolleen keskinkertaiselle pojalle. Tämän epäoikeudenmukaisuuden raivoissaan Bach lähetti erokirjeensä. "Kunnioittamattomasta vaatimuksesta" hänet asetettiin kotiarestiin. Mutta hän osoitti rohkeaa, ylpeää sinnikkyyttä ja vaati yksinään. Kuukautta myöhemmin, herttua joutui vastahakoisesti antamaan "armoton käskyn" vapauttamaan kapinallinen muusikko ilmaiseksi. Köthen. Vuoden 1717 lopussa Bach perheineen muutti Kötheniin. Hovimestaripaikan tarjosi hänelle Köthenskin Anhaltin prinssi Leopold, Thüringenin vieressä sijaitsevan pienen valtion hallitsija. Hän oli hyvä muusikko - hän lauloi, soitti cembasta ja viola da gamba 11. Prinssi antoi uudelle kapellimestarilleen hyvää taloudellista tukea ja kohteli häntä suurella kunnioituksella. Bachin tehtäviin, jotka veivät hänet suhteellisen vähän aikaa, kuului kahdeksantoista laulajasta ja instrumentalistista kuoron johtaminen, prinssin seuranta ja itse soittaminen cembalosta. Monet Bachin teokset eri instrumenteille syntyivät Köthenissä. Clavier-musiikkia esitetään hyvin monipuolisesti. Toisaalta nämä ovat kappaleita aloittelijoille - Passacaglia - hidas, kolmitahtinen espanjalaista alkuperää oleva tanssi. Sen pohjalta instrumentaalikappaleet syntyivät muunnelmina, joiden melodia toistui toistuvasti bassossa. 10 11 Viola da gamba on muinainen instrumentti, joka näyttää sellolta. 11 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla, pienet esittelyt, kaksi- ja kolmiosaiset keksinnöt. Bach on kirjoittanut ne vanhimman poikansa Wilhelm Friedemannin kanssa harjoitteluun. Toisaalta tämä on ensimmäinen monumentaaliteoksen kahdesta osasta - "Hyvin karkaistu klavieri", joka sisältää yhteensä 48 preludesia ja fugaa, sekä suuren konserttisuunnitelman - "Kromaattinen fantasia ja fuuga". Köthen-ajanjaksoon sisältyy myös kahden clavier-sviitin kokoelman luominen, jotka tunnetaan nimellä "ranska" ja "englanti". Prinssi Leopold vei Bachin mukanaan matkoille naapurivaltioihin. Kun Johann Sebastian palasi tältä matkalta vuonna 1720, hänet valtasi vakava suru - hänen vaimonsa Maria Barbara oli juuri kuollut, jättäen neljä lasta (kolme muuta kuoli aikaisin). Puolitoista vuotta myöhemmin Bach meni naimisiin uudelleen. Hänen toisella vaimollaan, Anna Magdalenalla, oli hyvä ääni ja hän oli erittäin musikaali. Hänen kanssaan opiskellessaan Bach sävelsi näytelmistään ja osittain muiden kirjoittajien näytelmistä kaksi klaveriampaa "Muistikirjaa". Anna Magdalena oli ystävällinen ja huolehtiva Johann Sebastianin elämänkumppani. Hän synnytti hänelle kolmetoista lasta, joista kuusi selvisi aikuisuuteen. Leipzig. Vuonna 1723 Bach muutti Leipzigiin, joka on suuri Saksin kaupallinen ja kulttuurinen keskus Thüringenin naapurissa. Hänellä oli hyvät suhteet prinssi Leopoldiin. Mutta Köthenissä musiikillisen toiminnan mahdollisuudet olivat rajalliset - ei ollut suuria urkuja eikä kuoroa. Lisäksi Bachin vanhemmat pojat kasvoivat, joille hän halusi antaa hyvän koulutuksen. Leipzigissä Bach aloitti kantorin - poikakuoron päällikkönä ja laulukoulun opettajana; Pyhän Thomasin kirkossa (Tomaskirche). Hänen täytyi hyväksyä joukko kiusallisia ehtoja, esimerkiksi "olla poistumatta kaupungista ilman pormestarin lupaa". Bachin kantorilla oli monia muita tehtäviä. Hänen täytyi jakaa osiin pieni koulukuoro ja hyvin pieni orkesteri (tai pikemminkin yhtye), jotta musiikki kuulostaa jumalanpalvelusten aikana kahdessa kirkossa sekä häissä, hautajaisissa ja erilaisilla festivaaleilla. Eikä kaikilla poikakuoristeilla ollut hyvää musiikillista kykyä. Koulutalo oli likainen, laiminlyöty, oppilaat olivat huonosti ruokittuja ja huonosti pukeutuneita. Kaikelle tälle Bach, jota pidettiin samanaikaisesti Leipzigin "musiikkijohtajana", kiinnitti useammin kuin kerran kirkon viranomaisten ja kaupunginhallituksen (tuomari) huomion. Mutta vastineeksi hän sai vähän aineellista apua, mutta paljon virallista virhettä ja nuhtelua. Opiskelijoidensa kanssa hän opiskeli paitsi laulamista myös instrumenttien soittamista, ja lisäksi hän palkkasi heille latinanopettajan omalla kustannuksellaan. Pyhän Thomasin kirkko ja koulu (vasemmalla) Leipzigissä. (Vanhasta kaiverruksesta). Vaikeista elämänolosuhteista huolimatta Bach osallistui innokkaasti luovuuteen. Palvelunsa kolmen ensimmäisen vuoden aikana hän sävelsi ja oppi kuoron kanssa uuden hengellisen kantaatin melkein joka viikko. Noin kaksisataa Bachin tämän tyylilajin teosta on säilynyt. Ja tunnetaan myös useita kymmeniä hänen maallisia kantaatteja. He olivat pääsääntöisesti tervetulleita ja onnittelevia, ja ne osoitettiin useille jaloille. Mutta heidän joukossaan on sellainen poikkeus kuin Leipzigissä kirjoitettu koominen "Kahvikantaatti", joka on samanlainen kuin koomisen oopperan kohtaus. Siinä kerrotaan, kuinka nuori, vilkas Lizhen rakastaa uutta kahvimuotia, toisin kuin isänsä, vanhan murinaa Shlendrian, tahto ja varoitukset. Leipzigissä Bach loi merkittävimmät monumentaaliset laulu- ja instrumentaaliteoksensa - "Passion for John", "Passion for Matthew" 12 ja missio B-molli, joka on sisällöltään lähellä niitä, sekä suuren määrän erilaisia \u200b\u200binstrumentaalisia instrumentteja. sävellykset, mukaan lukien toinen osa "Hyvin karkaistu klaveri", kokoelma Johanneksen ja Matteuksen (samoin kuin Markuksen ja Luukkaan) - Jeesuksen Kristuksen opetusten seuraajia, joka kokosi evankeliumit - tarinoita hänen maallisesta elämästään, kärsimyksistään (" intohimot ") ja kuolema. "Evankeliumi" kreikaksi käännettynä tarkoittaa "hyvää uutista". 12 12 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla "Fuugan taide". Hän matkusti Dresdeniin, Hampuriin, Berliiniin ja muihin Saksan kaupunkeihin, soitti siellä urkuja, testasi uusia instrumentteja. Yli kymmenen vuoden ajan Bach johti Leipzigin musiikkikollegiumia, joka on yliopiston opiskelijoiden ja musiikin ystävien yhdistys - instrumentalisteja ja laulajia. Bachin johdolla he antoivat julkisia konsertteja maallisista teoksista. Yhteydessä muusikoiden kanssa hän oli vieras kaikesta ylimielisyydestä ja sanoi harvoista taidoistaan: "Minun piti tehdä kovasti töitä, kuka on yhtä ahkera, saavuttaa saman". Paljon huolta, mutta myös suuri ilo toi Bachille hänen suuren perheensä. Hänen piirissään hän voisi järjestää kokonaisia \u200b\u200bkotikonsertteja. Hänen neljästä poikastaan \u200b\u200btuli tunnettuja säveltäjiä. Nämä ovat Wilhelm Friedemann ja Carl Philip Emanuel (Maria Barbaran lapset), Johann Christoph Friedrich ja Johann Christian (Anna Magdalenan lapset). Vuosien varrella Bachin terveys heikkeni. Hänen näönsä heikkeni voimakkaasti. Vuoden 1750 alkupuolella hänelle tehtiin kaksi epäonnistunutta silmäleikkausta, sokeutui ja kuoli 28. heinäkuuta. Johann Sebastian Bach eli vaikeaa ja ahkera elämä, jota valaisee loistava luovuus. Hän ei jättänyt merkittävää omaisuutta, ja Anna Magdalena kuoli kymmenen vuotta myöhemmin köyhien turvakodissa. Ja Bachin nuorin tytär Regina Susanna, joka asui 1800-luvulle saakka, pelasti köyhyydestä yksityisillä lahjoituksilla, joista Beethoven otti suuren osan. Luovuus Bachin musiikki liittyy kotimaansa kulttuuriin. Hänellä ei koskaan ollut mahdollisuutta Poistu Saksasta. Mutta hän tutki innokkaasti sekä saksalaisten että ulkomaisten säveltäjien teoksia. Teoksessaan hän yleisti ja rikasti Euroopan musiikkitaiteen saavutuksia. Suurin osa kantaateista, "Pyhän Johanneksen intohimo", "Pyhän Matteuksen intohimo", Massan h-molli ja monia muita teoksia hengellisistä teksteistä Bach ei kirjoittanut vain kirkkomuusikon velvollisuuksien tai tavan mukaan, vaan myös lämpimän vilpittömän uskonnollisen tunteen alaisena. ihmisten ilot. Ajan myötä he ovat menneet paljon temppelien ulkopuolelle eivätkä lakkaa vaikuttamasta syvästi eri kansallisuuksien ja uskontojen kuuntelijoita. Bachin heidän todellisen ihmisyytensä hengelliset ja maalliset teokset ovat yhteydessä toisiinsa. ne luovat kokonaisen musiikkikuvien maailman. Bachin vertaansa vailla oleva moniääninen taito on rikastettu homofonisilla-harmonisilla keinoilla. Hänen lauluteemansa on orgaanisesti täynnä instrumentaalisia kehitysmenetelmiä, ja instrumentaaliset teemat ovat usein emotionaalisesti niin kyllästettyjä, ikään kuin jotain tärkeää lauletaan ja lausutaan ilman sanoja. Toccata ja fuuga D-mollissa urkuille13 Tämä erittäin suosittu teos alkaa hälyttävällä mutta rohkealla tahdonhuudolla. Se kuulostaa kolmesti, laskeutuen oktaavista toiseen, ja johtaa ukkoskuoroon alarekisterissä. Siten toccatan alkaessa hahmotellaan tummasti varjostettu, upea äänitila. 1 Adagion kysymykset ja tehtävät 1. Mikä on niin epätavallista Bachin musiikin kohtalossa? 2. Kerro meille Bachin kotimaasta, hänen esi-isistään ja lapsuudestaan. 3. Milloin ja mistä Bachin itsenäinen elämä alkoi? 4. Kuinka Bachin toiminta Weimarissa eteni ja miten se päättyi? 5. Kerro meille Bachin elämästä Köthenissä ja hänen tämän vuoden teoksistaan. 6. Mitä instrumentteja Bach soitti ja mikä oli hänen suosikki instrumenttinsa? 7. Miksi Bach päätti muuttaa Leipzigiin, ja mitä vaikeuksia hänellä oli siellä? 8. Kerro meille Bachin toiminnasta säveltäjänä ja Bachin esiintyjänä Leipzigissä. Nimeä teokset, jotka hän loi siellä. Toccata (italiaksi "toccata" - "kosketus", "puhallus" verbistä "toccare" "koskettaa", "koskettaa") on virtuoosi pala kosketinsoittimille. 13 13 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla Kuuluu edelleen voimakkaita "pyörteisiä" virtuoosikappaleita ja leveitä sointuaaltopurskeita. Ne erotetaan useita kertoja taukoilla ja pysähdyksillä laajennetuilla sointuilla. Tämä nopean ja hitaan liikkeen vastakkainasetus muistuttaa tarkkaavaisesta hengähdystauosta väkivaltaisten elementtien kanssa käytävien taistelujen välillä. Ja vapaasti, improvisaatiorakenteisesti rakennettujen tokattojen jälkeen kuuluu fuuga. Se keskittyy yhden teeman jäljitelmäkehitykseen, jossa tahdonperiaate näyttää hillitsevän alkuainejoukkoja: 2 Allegro moderato Laajentuneena fuuga kehittyy koodiksi - viimeiseksi, viimeiseksi osaksi. Tässäkin taas puhkeaa toccatan improvisaatioelementti. Mutta hänet lopulta rauhoittavat jännittävät pakottavat huomautukset. Ja koko teoksen viimeiset pylväät koetaan ankaran ihmisen tahdon ankaraksi ja arvokkaaksi voitoksi. Kuoron esiesitykset muodostavat erityisen ryhmän Bachin urkuteoksia. Niistä joukko suhteellisen pieniä lyyrisiä näytelmiä erottuu syvällä ilmeikkyydellään. Niissä koraalin melodian ääni on rikastettu vapaasti kehittyvillä mukana olevilla äänillä. Näin kuvataan esimerkiksi yksi Bachin mestariteoksista, kuoron esiesite f-molli. Clavier Music Inventions Bach kootti useita kokoelmia yksinkertaisista kappaleista niiden joukosta, jotka hän sävelsi opettaessaan vanhinta poikaansa Wilhelm Friedemannia. Yhdessä näistä kokoelmista hän sijoitti viisitoista kaksiosaista polyfonista kappaletta viidentoista avaimeen ja kutsui niitä "keksinnöiksi". Latinasta käännettynä sana "keksintö" tarkoittaa "keksintö", "keksintö". Bachin kaksiosaiset keksinnöt, jotka ovat saatavissa aloittelevien muusikoiden esitykseen, ovat todella merkittäviä moniäänisen kekseliäisyytensä ja samalla taiteellisen ilmaisevuutensa vuoksi. Joten ensimmäinen kaksiosainen keksintö C-duuri syntyy lyhyestä, sujuvasta ja kiireettömästä, rauhallisesta, harkitsevasta teemasta. Yläääni laulaa sen ja jäljittelee välittömästi toistoja toisessa oktaavissa - alemmassa: 14 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen elastisten pallojen alalla. Toiston (jäljitelmän) aikana ylempi ääni jatkaa melodista liikettä. Tämä luo vastustuksen bassossa kuulostavalle teemaan. Lisäksi tämä oppositio - samalla melodisella kuviolla - kuulostaa joskus, kun teema ilmestyy uudelleen yhdellä tai toisella äänellä (palkit 2-3, 7-8, 8-9). Tällaisissa tapauksissa oppositiota kutsutaan pidätykseksi (toisin kuin rajoittamattomat, jotka koostuvat uudestaan \u200b\u200bjoka kerta, kun teema toteutetaan). Kuten muissakin moniäänisissä teoksissa, tämä keksintö sisältää osia, joissa teema kokonaisuudessaan ei soi, vaan käytetään vain sen yksittäisiä käännöksiä. Tällaiset osiot sijoitetaan aiheen juoksujen väliin ja niitä kutsutaan väliintuloiksi. Keksinnön C-duuri yleisen eheyden antaa yhteen teemaan perustuva kehitys, joka on ominaista moniääniselle musiikille. Kappaleen keskellä tehdään ero pääavaimesta, ja loppupuolella se palaa. Tätä keksintöä kuunnellessa voidaan kuvitella, että kaksi opiskelijaa toistaa oppituntinsa ahkerasti yrittäen kertoa toisilleen paremmin, ilmaisemalla enemmän. Tässä kappaleessa, joka on rakenteeltaan samanlainen kuin C-duuri, erityisellä tekniikalla on tärkeä rooli. Aiheen ensimmäisen johdannon jälkeen ylemmällä äänellä alempi ääni jäljittelee paitsi sitä myös sen jatkoa (oppositiota). Joten jonkin aikaa on jatkuva kanoninen ja mitaatio sekä licanon. Samanaikaisesti kaksiosaisten keksintöjen kanssa Bach sävelsi viisitoista kolmiosaista polyfonista kappaletta samoihin näppäimiin. Hän nimesi heidät! "Symphonies" (käännetty kreikaksi - "konsonanssi"). Sillä vanhoina aikoina polyfonisia instrumentaaliteoksia kutsuttiin usein niin. Mutta myöhemmin tuli tapana kutsua näitä näytelmiä kolmiosaisiksi keksinnöiksi. He käyttävät monimutkaisempia moniäänisen kehityksen tekniikoita. Silmiinpistävin esimerkki on kolmiosainen keksintö f-molli (yhdeksäs). Se alkaa kahdella vastakkaisella teemalla samanaikaisesti. Yhden niistä, bassoäänellä kuuluvan, perusta on mitattu jännittyneinen lasku kromaattisia puolisävyjä pitkin. Tällaiset liikkeet ovat yleisiä vanhojen oopperoiden traagisissa aareissa. Se on kuin pahan kohtalon, kohtalon synkkä ääni. Surulliset motiivit-huokaukset läpäisevät toisen teeman keskellä, alttoäänellä: Tulevaisuudessa nämä kaksi teemaa ovat tiiviisti sidoksissa kolmanteen teemaan entistä sydämellisempien anomisten huudahduksin. Näytelmän loppuun asti pahan kohtalon ääni pysyy anteeksiantamattomana. Ihmisen surun äänet eivät kuitenkaan lakkaa. Ihmisen toivon sammumaton kipinä kimaltelee heissä. Ja se vilkkuu hetken viimeisessä F-duuri soinnussa. Bachin "sinfonia" h-molli B-talonsoittaja Bachin talossa Eisenachissa 15 erotetaan myös lyyrisillä oivalluksilla Www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla (kolmiosainen keksintö nro 15). Bach huomautti keksintöjen ja "sinfonioiden" käsikirjoituksen esipuheessa, että niiden pitäisi auttaa kehittämään "melodista soittotapaa". Klavessiin tämä oli vaikeaa. Siksi Bach halusi kotona, myös luokkahuoneessa oppilaidensa kanssa, käyttää toista kielisoitinta - klavichordia. Sen heikko ääni ei sovi konserttiesitykseen. Mutta kuten jo mainittiin, toisin kuin klavesin, klavierin kieliä ei kynätä, vaan ne kiinnitetään varovasti metallilevyillä. Tämä vaikuttaa äänen melodisuuteen ja mahdollistaa dynaamiset sävyt. Siten Bach näki ikään kuin melodisen ja johdonmukaisen äänen johtamisen mahdollisuudet pianolla - instrumentti, joka hänen aikanaan oli vielä epätäydellinen suunnittelussa. Ja kaikkien tämän hetken pianistien tulisi muistaa tämä suuren muusikon toive. Couranta on ranskalaista alkuperää oleva kolmiosainen tanssi. Mutta ranskalaisen cembaloen soittokelloille oli tyypillistä tietty rytminen hienostuneisuus ja manierit. Bachin Courant in c-moll -sarja muistuttaa tämän tanssilajin italialaista vaihtelua - elävämpää ja ketterämpää. Tätä helpottaa kahden äänen joustava yhdistelmä, joka näyttää provosoivan toisiaan: "Ranskan sviitti" c-molli Bachin kolmella clavier-sviittien kokoelmalla on eri nimet. Hän itse kutsui kolmannen kokoelman kuutta sviittiä "partitaksi" (sviitin nimi "partita" ei löydy vain hänen teoksistaan14). Ja kahta muuta kokoelmaa - kuusi kappaletta kussakin - alettiin kutsua "ranskalaisiksi sviiteiksi" ja "englantilaisiksi sviiteiksi" Bachin kuoleman jälkeen syistä, jotka eivät ole täysin selkeitä. Toinen ranskalaisista sviiteistä on kirjoitettu c-molliavaimella. Vanhoissa sviiteissä vakiintuneen perinteen mukaan se sisältää neljä pääosaa - Allemando, Couranta, Sarabanda ja Gigue sekä kaksi muuta intermediaosaa - Aria ja Minuet, Sarabandan ja Gigue: n väliin. Allemande on tanssi, joka muotoutui 1500-luvuilla useissa Euroopan maissa - Englannissa, Alankomaissa, Saksassa, Ranskassa ja Italiassa. Joten esimerkiksi vanha saksalainen allemand oli hieman raskas ryhmätanssi. Mutta astuttuaan clavier-sviitteihin, 1700-luvulle mennessä kaikki kysyntä melkein menetti tanssiominaisuutensa. "Esivanhemmista" hän säilytti vain rauhallisen, asteittaisen askeleen, jonka koko oli neljä tai kaksi neljäsosaa. Se muuttui lopulta löyhästi rakennettuun alkusoittoon. Se näyttää kuohuvalta lyyriseltä alkusoittolta ja Allemand Bachin c-mollisviitistä. Kolme ääntä johtaa useimmiten linjansa tähän. Mutta joskus neljäs ääni yhdistää heihin. Samanaikaisesti melodisin ääni on ylin: Sarabande on kolmiosainen espanjalainen tanssi. Kerran hän oli nopea, temperamenttinen, ja myöhemmin hänestä tuli hitaasti, juhlallinen, usein lähellä surun kulkua. Sarabandea Bachin sviitistä pidetään alusta loppuun kolmen osan varastossa. Keski- ja alaäänten liike on tiukka ja keskittynyt koko ajan (neljännekset ja kahdeksannet hallitsevat). Ja ylemmän äänen liike on paljon vapaampaa ja liikkuvampaa, hyvin ilmeikäs. Kuudestoista ovat vallitsevia täällä, usein löytyy liikkeitä suurilla väleillä (viides, kuudes, seitsemäs). Näin muodostuu kaksi vastakkaista musiikkiesityksen tasoa, syntyy lyyrisesti voimakas ääni15: "Jaettu osiin" - sana "partita" käännetään italiaksi (verbistä "partire" - "jakaa"). Sarabandissa johtava ylempi ääni ei ole niin paljon ristiriidassa muiden kanssa, vaan täydentää niitä. 14 15 16 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla Prelude ja fuga c-molli "Hyvin karkaistun klavierin" prelude ja fuuga C-duuri, Prelude ja fuga c-molli, Prelude ja fuga C-duuri, Prelude ja Fuga C-molli - ja niin edelleen kaikille kahdestatoista oktaaviin sisältyvälle puolisävylle. Tuloksena on yhteensä 24 kaksiosaista jaksoa "Prelude and Fugue" kaikissa pää- ja mollinäppäimissä. Näin molemmat volyymit (yhteensä 48 preluutia ja fugaa) rakennetaan Bachin hyvin karkaistusta Clavierista. Tämä upea teos on tunnustettu yhdeksi suurimmista musiikkitaiteen maailmassa. Näiden kahden osan preluutit ja fuugat sisältyvät sekä ammattimaisten pianistien opetus- että konserttikokoelmaan. Bachin aikana tasainen temperamentti vahvistui vähitellen kosketinsoittimien virityksessä - oktaavin jakaminen kahdentoista yhtä suureksi puolisävyksi. Aikaisemmin räätälöintijärjestelmä oli monimutkaisempi. Hänen kanssaan näppäimissä, joissa on yli kolme tai neljä merkkiä, jotkut välit ja soinnut kuulostivat epäselviltä. Siksi säveltäjät välttivät tällaisten näppäinten käyttöä. Bach oli ensimmäinen, joka todisti loistavasti The Well-Tempered Clavier -kirjassa, että samalla temperamentilla kaikkia 24 avainta voidaan käyttää yhtä menestyksekkäästi. Tämä avasi uusia näköaloja säveltäjille, lisäsi esimerkiksi kykyä tehdä modulaatioita (siirtymiä) avaimesta toiseen. Kirjassa Hyvin karkaistusta klavierista Bach vahvisti kaksiosaisen syklin "Prelude and Fugue" tyypin. Alkuosa on rakennettu vapaasti. Siinä merkittävä rooli voi olla homofoninen-harmoninen asenne ja improvisaatio. Tämä luo kontrastin fuugalle tiukasti polyfonisena teoksena. Samanaikaisesti jakson "Prelude ja fuuga" osia yhdistää paitsi yhteinen sävy. Kummassakin tapauksessa hienovaraiset sisäiset yhteydet ilmenevät omalla tavallaan niiden välillä. Nämä yleiset tyypilliset piirteet voidaan jäljittää Prelude ja fuga c-mollissa hyvin temperoidun Clavierin ensimmäisestä osasta. Prelude koostuu kahdesta pääosasta. Suurempi ensimmäinen on täysin täytetty nopealla, tasaisella kuudentoistaosan liikkeellä molemmissa käsissä. Se on täynnä ilmeellisiä melodisia ja harmonisia elementtejä sisältäpäin. Näyttää siltä, \u200b\u200bkuin pankkien ahdas, se näkisi levoton virta: Gigue on nopea, pirteä tanssi, joka on peräisin Irlannista ja Englannista16. Vanhoina aikoina englantilaiset merimiehet rakastivat tanssia. Sviiteissä kipu on yleensä viimeinen, viimeinen osa. Jigue C-mollissaan Bach käyttää usein kanonisen jäljitelmän tekniikkaa kahden äänen välillä (kuten keksinnössä F-duuri). Tämän näytelmän esitys on läpäisty läpi "pomppivalla" katkoviivaisella rytmillä: Verrattuna Allemandin ja Courantan väliseen kontrastiin Sarabandan ja Gigan välinen kontrasti on terävämpi. Mutta sitä pehmentää kaksi lisäosaa, jotka on asetettu niiden väliin. "Aria" -niminen osa ei muistuta pikemminkin oopperan soololaulunumeroa kuin rauhallista, yksinkertaista mieltä. Seuraava Minuet on ranskalainen tanssi, joka yhdistää liikkuvuuden armon kanssa. Joten tässä sviitissä, jossa on yksi yleinen sävy, kaikkia osia verrataan eri tavoin kuvaannollisessa suhteessa. Lietteen mitat ovat pääosin kolmivaiheiset. 1700-luvulla se on pääasiassa 3/8, 6/8, 9/8, 12/8. 16 17 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla keskiääni, selkeä, helpotus, hyvin muistettava teema ja joustava tanssirytmi: 11 Moderato Energinen itsepintaisuus yhdistetään teemaan armon kanssa, vahvan tahdon rauhan, kavalan kautta. pahaa voidaan nähdä. Tämä tarjoaa mahdollisuuden monipuoliseen ja dynaamiseen kehitykseen edelleen. Kehityksen alussa teema kuulostaa kevyeltä - ainoa kerta, kun se esitetään pääkurssilla (es-duuri). Päänäppäimen (C-molli) teeman kolmen pääjohdon uudelleenkäynnistyksessä toinen basso saa niin voimakkaan ulottuvuuden, että se saa sinut muistelemaan luonnonvoimien raivoaa alkusoittossa. Ja vielä yksi, fuuga-teeman viimeinen esitys päättyy valaistuneeseen pää-duuriin. Tämä alkusoittojen ja fuugan loppujen välinen samankaltaisuus paljastaa syklin vastakkaisten osien sisäisen emotionaalisen suhteen. Kerännyt voimakasta energiaa, tämä virta ensimmäisen osan lopussa näyttää ylittyvän ja seuraavan osan alussa tulee vieläkin kiihkeämmäksi uhkaamalla pyyhkiä pois kaikki tiensä. Tätä alkusoittoa huipentuu nopeuden muutos nopeimpaan (Pesto) ja moniäänisen tekniikan - kaksiosaisen kaanonin - käyttö. Mutta raivoava elementti pysähtyy yhtäkkiä pakollisilla sointujen iskuilla ja merkittävillä lausekkeilla recitatiivista. Täällä tapahtuu toinen tempo muutos - hitaimpaan (Adagio). Ja sen jälkeen kun temppu on muuttunut kolmanneksi maltillisesti nopeaksi A11eggoksi esijohdon viimeisissä baareissa, bassoäänen tonttinen urkupiste hidastaa vähitellen oikean käden kuudennentoista nuotin liikettä. Se leviää pehmeästi ja jäätyy C-duuri soinnulla. Rauhallisuus ja rauhoitus alkavat. Tällaisen vapaan, improvisoidun esittelyn päätyttyä huomio siirtyy toiseen, kontrastiseen suunnitelmaan. Kolmiosainen fuuga alkaa. Tämä sana latinaksi ja italiaksi tarkoittaa "juosta", "lento", "nopea virtaus". Musiikissa fuuga on monimutkainen moniääninen teos, jossa äänet näyttävät kaikuvan, saavansa kiinni toisistaan. Useimmat fuugat perustuvat yhteen teemaan. Fuugoja, joissa on kaksi, vielä harvemmin kolmea ja neljää teemaa, kohdataan harvemmin. Ja fuugat ovat äänien lukumäärän mukaan kaksi, kolme, neljä ja viisi ääntä. Pimeät fuugat alkavat aiheen esittämisestä pääavaimessa millä tahansa yhdellä äänellä. Teemaa jäljitellään sitten vuorotellen muiden äänien kanssa. Näin muodostuu fugun ensimmäinen osa - näyttely. Toisessa osassa - kehitys - teema näkyy vain muissa näppäimissä. Ja kolmannessa ja viimeisessä osassa - reprise9 - se suoritetaan jälleen pääavaimessa, mutta sitä ei enää esitetä yhdellä äänellä. Näyttelyä ei todellakaan toisteta täällä. Säilytettyjä vastakohtia ja välikappaleita käytetään laajalti fugoissa. Bachin c-mollifuuga, josta puhumme, alkaa, ja se esiintyy fuugassa - moniäänisen musiikin korkeimmassa muodossa - ja saavutti täyden kypsyyden ja kirkkaimman kukinnan Bachin teoksessa. Kuuluisa venäläinen 1800-luvun säveltäjä ja pianisti Anton Grigorievich Rubinstein kirjoitti kirjassaan Musiikki ja sen edustajat ihailen hyvin temperoitua klaveriaa, että siellä voi löytää ”uskonnollisten, sankarillisten, melankolisten, majesteettisten, surevien fuugoja, humoristinen, pastoraalinen, dramaattinen hahmo; vain yhdessä asiassa he ovat kaikki samanlaisia \u200b\u200b- kauneudessa ... ”Johann Sebastian Bachin aikalaiset olivat suuri saksalainen säveltäjä Georg Friedrich Handel (1685-1759), merkittävä polyfonian mestari, urkuri-virtuoosi. Hänen kohtalonsa oli erilainen. Hän vietti suurimman osan elämästään Saksan ulkopuolella ja muutti maasta toiseen (hän \u200b\u200basui useita vuosikymmeniä Englannissa). 18 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla Händel on kirjoittanut monia oopperoita, oratorioita ja erilaisia \u200b\u200binstrumentaaliteoksia. Klassisen tyylin muodostuminen musiikissa Kysymykset ja tehtävät 1. Mitä Bachin hengellisillä ja maallisilla teoilla on yhteistä? 2. Kerro meille Toccatan ja fugan d-molli figuratiivisesta luonnosta urulle. 3. Laulakaa tuntemanne Bachin keksintöjen teemat. Mikä on vastakohta, kun sitä kutsutaan säilytetyksi? 4. Mikä on välituote moniäänisessä teoksessa? Mitä jäljitelmää kutsutaan kanoniseksi tai kanoniksi? 5. Nimeä ja kuvaile "ranskalaisen sviitin" pääosat c-molli. 6. Kuinka Bachin hyvin karkaistu Clavier rakennetaan? 7. Mikä on suurin ero alkusoitton ja fugan välillä? Näytä tämä Prelude ja fuuga c-molli The Well-Tempered Clavierin ensimmäisestä osasta. Onko niiden välillä myös yhtäläisyyksiä? Musiikkiteatteri 1700-luku, varsinkin sen keski- ja jälkipuolisko, oli suurten muutosten aikaa kaikilla eurooppalaisen musiikkitaiteen alueilla. Tämän vuosisadan alkaessa italialaiseen oopperaan tuli vähitellen esiin kaksi lajityyppiä - opera-seria (vakava) ja opera-buffa (koominen). Ooppera-sarjoissa vallitsivat edelleen mytologiset ja historialliset juonet, joissa esiintyi ns. "Korkeita" sankareita - mytologisia jumalia, muinaisten valtioiden kuninkaita, legendaarisia komentajia. Opera buffassa juoni on tullut pääosin nykyaikaiseksi jokapäiväiseksi. Sankarit olivat tavallisia ihmisiä, jotka toimivat energisesti ja elämäntapaan uskottavasti. Giovanni Battista Pergolesi The Maid-Lady, joka ilmestyi yleisön edessä vuonna 1733 Napolissa, oli ensimmäinen erinomainen esimerkki buffa-oopperasta. Sankaritar - Serpinan yritteliäs palvelija - menee taitavasti naimisiin mölyn isänsä Uberton kanssa ja itsestään tulee rakastajatar. Kuten monet varhaiset italialaiset buffa-oopperat, Neito-Neiti esitettiin alun perin näyttämönä välipalana Pergolesi-ooperisarjan Ylpeä vanki -teosten välillä (muistele, että latinankielinen sana väliintuloa tarkoittaa väliintuloa). Pian "Neito-Lady" sai suuren maineen monissa maissa itsenäisenä teoksena. Ranskassa koominen ooppera syntyi 1700-luvun jälkipuoliskolla. Se syntyi hauskoista, nokkelista komediaesityksistä, joissa esitettiin musiikkia Pariisin messujen teattereissa. Ja kääntyäkseen koomiseksi oopperaksi, jossa laulunumeroista tuli hahmojen pääominaisuuksia, italialaisen oopperabuffin esimerkki auttoi ranskalaisia \u200b\u200bmessukomedioita. Tätä varten välttämättömät olivat italialaisten "buffonien" oopperaryhmän esitykset Pariisissa, kun "The Maid-Lady" Pergolesi lumoaa Ranskan pääkaupungin. Toisin kuin italialainen oopperabuffa, ranskalaisissa koomiksissa oopperanumerot eivät vuorotella recitatiivien, vaan puhutun vuoropuhelun kanssa. Zing-spiel on myös rakennettu - saksalainen ja itävaltalainen koominen ooppera, joka esiintyi toisessa pääteoksessa Laulu- ja instrumentaaliteokset "Passion for John", "Passion for St. Matthew" -messu h-molli Hengelliset kantaatit (noin 200) säilyneet) ja maalliset kantaatit (säilynyt yli 20) Orkesteriteokset 4 sviittiä ("alkusoittot") 6 "Brandenburgin konsertot" Konsertit sooloinstrumentteille kamariorkesterin kanssa 7 konserttia cembalolle 3 konserttoa kahdelle, 2 - kolmelle cembalolle 2 viulukonsertoa Konsertti kaksi viulua Teokset jousisoittimille 3 sonaattia ja 3 partitaa sooloviululle 6 sonaattia viululle ja cembaloille 6 sarjaa ("sonaatit") soolosellolle Urkuteokset 70 kuoropreludiota Preludes ja fugat Toccata ja fuuga d-molli Passacaglia c-molli Piano partituurit Kokoelma "Pienet alkusoittot ja fuugat" 15 kaksiosaista keksintöä ja 15 kolmiosaista keksintöä ("sinfoniat") 48 preluutia ja fuugaa "Hyvin karkaistusta klavierista" 6 "ranskalainen" kikh ”ja 6” englantilaista ”sviittiä 6 sviittiä (partitas)” italialainen konsertto ”soolokembalolle” Kromaattinen fantasia ja fuuga ”” Fuugen taide ”19 www.classON.ru Lasten koulutus keskellä venäläistä taidetta 1700-luku17. Kaikkien koomisen oopperan musiikilliselle kielelle on ominaista läheinen yhteys kansanlaulu- ja tanssimelodioihin. 1700-luvun loppupuolella suuri saksalainen säveltäjä Christoph Willibald Gluck (1714-1787) uudisti vakavasti oopperalajeja. Ensimmäisen reformistisen oopperansa Orpheus ja Eurydice (1762) hän kirjoitti legendaarisesta muinaiskreikkalaisesta laulajasta tehdyn juoni, jota on käytetty jo monta kertaa oopperoissa aikaisintaan (tästä keskusteltiin johdannossa). Gluck seurasi vaikeaa polkua uudistuksessaan oopperassa. Hänellä oli mahdollisuus vierailla Englannissa monissa Euroopan maissa - Saksassa, Itävallassa, Tanskassa sekä Tšekin tasavallassa, jossa slaavit asuttivat. Ennen vakaata asettumistaan \u200b\u200bWieniin Gluck järjesti 17 ooperisarjaansa teatterilavalla Milanossa, Venetsiassa, Napolissa, Lontoossa, Kööpenhaminassa, Prahassa ja muissa kaupungeissa. Tämän tyylilajin oopperoita esitettiin tuomioistuinteattereissa monissa Euroopan maissa. Poikkeuksena oli Ranska. Siellä 1700-luvun puolivälissä he jatkoivat vakavien oopperoiden säveltämistä ja näyttämistä vain perinteisessä ranskalaisessa tyylissä. Mutta Gluck tutki huolellisesti kuuluisien ranskalaisten säveltäjien Jean-Baptiste Lullyn ja Jean-Philippe Rameaun oopperatuloksia. Lisäksi Gluck kirjoitti ja esitti menestyksekkäästi Wienissä kahdeksan teosta ranskalaisen koomisen oopperan uudessa tyylilajissa. Hän tunsi epäilemättä hyvin italialaiset buffaoopperat, saksalaiset ja itävaltalaiset singspilsin. Kaikki tämä tieto antoi Gluckille mahdollisuuden päivittää päättäväisesti vakavien oopperoiden jo vanhentuneet periaatteet. Ensin Wienissä ja sitten Pariisissa lavastetuissa reformistisissa oopperoissaan Gluck alkoi välittää sankarien emotionaalisia kokemuksia paljon suuremmalla totuudellisuudella ja dramaattisella jännitteellä, vaikuttavuudella. Hän kieltäytyi kasaamasta virtuoosikohteita aareina ja vahvisti recitatiivin ilmaisuvoimaa. Hänen oopperoistaan \u200b\u200btuli määrätietoisempia musiikillisen ja lavakehityksen kannalta, harmonisempia sävellyksissä. Joten musiikkikielessä ja uusien koomisten ja uudistettujen vakavien oopperoiden rakentamisessa tunnistettiin uuden, klassisen tyylin tärkeät piirteet - kehityksen aktiivisuus, ilmaisukeinojen yksinkertaisuus ja selkeys, sävellys harmonia, yleinen jalo ja ylevä musiikin luonne. Tämä tyyli muuttui vähitellen eurooppalaisessa musiikissa koko 1700-luvun ajan, kypsyi vuosina 1770-1780 ja hallitsi 1800-luvun toisen vuosikymmenen puoliväliin saakka. On tarpeen ottaa huomioon, että "klassisen" määritelmällä voi olla toinen, laajempi merkitys. "Klassikoita" (tai "klassikoita") kutsutaan myös musiikki- ja muiksi taideteoksiksi, jotka ovat saaneet tunnustuksen esimerkillisiksi, täydellisiksi, vertaansa vailla oleviksi - luomisen ajankohdasta riippumatta. Tässä mielessä esimerkiksi 1500-luvun italialaisen säveltäjän Palestrinan massaa, Prokofjevin oopperoita ja 1900-luvun venäläisten säveltäjien Shostakovichin sinfoniaa voidaan kutsua esimerkiksi klassikoksi. Instrumentaalimusiikki Samalla laajalla kansainvälisellä tasolla kuin Gluckin oopperauudistus, instrumentaalimusiikki kehittyi voimakkaasti 1700-luvulla. Se toteutettiin säveltäjien ystävällisillä ponnisteluilla monista Euroopan maista. Luottaen lauluun ja tanssiin, kehittämällä musiikkikielen klassista selkeyttä ja dynaamisuutta, he muodostivat vähitellen uusia syklisten instrumentaaliteosten tyylilajeja, kuten klassisen sinfonian, klassisen sonaatin, klassisen jousikvartetin. Sonaattimuoto sai niissä suuren merkityksen. Siksi instrumentaalisyklejä kutsutaan sonaatiksi tai sonaattisymfoniseksi. Sonata-muoto. Tiedät jo, että moniäänisen musiikin korkein muoto on fuuga. Ja sonaattimuoto on homofonisen harmonisen musiikin korkein muoto, jossa moniäänisiä tekniikoita voidaan käyttää vain joskus. Rakenteellaan nämä kaksi muotoa ovat samanlaisia \u200b\u200btoistensa kanssa. Kuten fuugassa, sonaattimuodossa on kolme pääosaa: esittely, työstäminen ja uudelleenkäynnistys. Mutta niiden välillä on myös merkittäviä eroja. Tärkein ero sonaattimuodon ja fuugan välillä ilmestyy välittömästi näyttelyssä 18. Ylivoimainen enemmistö fuugoista on rakennettu kokonaan yhteen teemaan, joka käsitteessä suoritetaan vuorotellen kussakin. Tämä saksankielinen sana tulee sanasta "singen" (" laulaa ”) ja„ Spiel ”(” soita ”) ... 18 Latinalaisen alkuperän sana tarkoittaa "esitys", "esitys". 20 www.classON.ru Lasten taidekasvatus Venäjällä ääni. Ja sonaattimuodon näyttelyssä esiintyy pääsääntöisesti kaksi pääteemaa, luonteeltaan enemmän tai vähemmän erilaisia. Ensin kuulee pääosan teema, myöhemmin sivuosan teema ilmestyy. Vain toissijaisen määritelmää ei missään tapauksessa tule ymmärtää toissijaiseksi. Itse asiassa, sonaattimuodossa, sivuosan teema on yhtä tärkeä kuin pääosan teema. Sana "toissijainen" käytetään tässä, koska toisin kuin ensimmäinen, se ei välttämättä kuulu päänäppäimessä, vaan toisessa, toisin sanoen kuin toissijaisessa. Klassisessa musiikissa, jos näyttelyn pääosa on pää, toissijainen osa esitetään dominantin avaimessa (esimerkiksi jos pääosan avain on C-duuri, niin toissijaisen osan avain on G suuri). Jos näyttelyn pääosa on pieni, toissijainen osa esitetään rinnakkaisella duurilla (esimerkiksi jos pääosan avain on c-molli, niin toissijaisen osan avain on es-duuri). Joko pieni nippu tai yhdistävä osapuoli sijoitetaan pää- ja toissijaisten erien väliin. Itsenäinen, melodinen reliefiteema saattaa esiintyä täällä, mutta pääosan teeman intonaatioita käytetään useammin. Linkkiosalla on sivuosaan siirtymisen rooli, se moduloituu sivuosan avaimeksi. Tonaalinen vakaus on siten heikentynyt. Huhu alkaa odottaa uuden "musiikkitapahtuman" alkamista. Osoittautuu sivujuhlien teeman ulkonäöksi. Joskus näyttelyä voi edeltää johdanto. Ja sivupelin jälkeen kuulostaa joko lyhyt lopputulos tai koko loppupeli, usein itsenäinen teema. Näin näyttely päättyy, vakiinnuttamalla sivuosan tonaalisuuden. Koko näyttely voidaan toistaa säveltäjän ohjeiden mukaan. Kehitys on sonaattilomakkeen toinen osa. Siinä näyttelystä tutut teemat näkyvät uusina versioina, vaihtelevat eri tavoin, vertailevat. Tällainen vuorovaikutus ei usein sisällä kokonaisia \u200b\u200baiheita, vaan motiiveja ja lauseita, jotka on eristetty niistä. Toisin sanoen kehityksen aiheet ovat ikään kuin jaettu erillisiin elementteihin paljastaen niiden sisältämän energian. Samaan aikaan näppäimiä vaihdetaan usein (päänäppäintä kosketetaan tässä harvoin ja lyhyesti). Eri tonaalisuudessa esiintyvät teemat ja niiden elementit valaistaan \u200b\u200buudella tavalla, näytetään uusista näkökulmista. Kun kehityskehitys saavuttaa merkittävän jännitteen huipentumassa, sen suunta muuttuu. Tämän osan lopussa valmistellaan paluuta pääavaimeen, käänne yhteenvetoon tapahtuu. Reprise on sonaattilomakkeen kolmas osa. Se alkaa pääosan palauttamisesta pääavaimeen. Yhteyshenkilö ei johda uuteen avaimeen. Päinvastoin, se vakiinnuttaa päääänen, jossa sekä toissijainen että loppuosa toistetaan nyt. Joten reprise sen tonaalisella vakaudella tasapainottaa kehityksen epävakaa luonnetta ja antaa kokonaisuudelle klassisen harmonian. Uudelleen nousua voidaan joskus täydentää lopullisella rakenteella - coda (johdettu latinankielisestä sanasta, joka tarkoittaa "häntä"). Joten, kun fuuga soi, huomiomme keskittyy kuuntelemiseen, miettimiseen ja tuntemiseen yhdeksi musiikilliseksi ajatukseksi, jota yksi teema ilmentää. Kun teos soitetaan sonaattimuodossa, korvamme seuraa kahden pääteeman (ja toisiaan täydentävän) vertailua ja vuorovaikutusta - ikään kuin seuraisi eri musiikkitapahtumien, musiikillisen toiminnan kehitystä. Tämä on suurin ero näiden kahden musiikillisen muodon taiteellisten mahdollisuuksien välillä. Klassinen sonaattisykli. Noin 1700-luvun viimeisellä kolmanneksella klassinen sonaattisykli muuttui vihdoin musiikissa. Aikaisemmin instrumentaaliteoksia hallitsi sarjan sarja, jossa hitaat ja nopeat osat vuorottelivat, ja vanhan sonaatin muoto, joka oli lähellä sitä. Nyt klassisessa sonaattisyklissä osien lukumäärä on määritetty tarkasti (yleensä kolme tai neljä), mutta niiden sisältö on muuttunut monimutkaisemmaksi. Ensimmäinen osa kirjoitetaan yleensä sonaattimuodossa, josta keskusteltiin edellisessä kappaleessa. Hän kävelee nopeasti tai kohtalaisen nopeasti. Useimmiten se on A11eggo. Siksi tällaista osaa kutsutaan yleensä sonaattiallegroksi. Siinä olevalla musiikilla on usein energinen, tehokas luonne, usein jännittynyt, dramaattinen. Toinen osa on aina ristiriidassa ensimmäisen kanssa tempo ja yleinen luonne. Usein se on hidasta, lyyrisintä ja melodisinta. Mutta se voi olla erilainen, esimerkiksi samanlainen kuin rento kertomus tai tanssivainen. Kolmiosaisessa syklissä viimeinen, kolmas osa, finaali on jälleen nopea, yleensä kiihkeämpi, mutta kehityksessä vähemmän sisäisesti jännittynyt ensimmäisen kanssa. Klassisten sonaattisyklien (etenkin sinfonioiden) finaalissa maalataan usein kuvia tungosta juhlatilaisuudesta, ja niiden teemat ovat lähellä kansanlauluja ja tansseja. Rondomuotoa (ranskalaisesta "ronde" - "ympyrä") käytetään usein. Kuten tiedätte, ensimmäinen osa (pidättäytyminen) toistetaan useita kertoja vuorotellen uusien osioiden (jaksojen) kanssa. 21 www.classON.ru Lasten taidekasvatus Venäjällä heidän ensimmäinen oopperansa? 3. Mihin aikaan klassinen tyyli kypsyi ja mihin aikaan musiikki hallitsi? Selitä ero klassikon määritelmän kahden merkityksen välillä. 4. Mitkä ovat yhtäläisyydet fuuga- ja sonaattimuodon yleisessä rakenteessa? Mikä on suurin ero niiden välillä? 5. Mitkä ovat sonaattilomakkeen pää- ja lisäosat? Piirrä siitä kaavio. 6. Kuinka sonaattimuodon pää- ja toissijaiset osat ovat yhteydessä toisiinsa sen esittelyssä ja repriisissä? 7. Mikä on tyypillistä sonaatin muodossa tapahtuvalle kehitykselle? 8. Kuvaile klassisen sonaattisyklin osia. 9. Mitkä ovat klassisten sonaattisyklien päätyypit esiintyjien kokoonpanosta riippuen. Kaikki tämä erottaa myös monet neljän osan sykleistä. Mutta niihin, äärimmäisten osien (ensimmäinen ja neljäs) väliin, on sijoitettu kaksi keskiosaa. Yksi - hidas - on yleensä toinen sinfoniassa ja kolmas kvartetissa. 1700-luvun klassisten sinfonioiden kolmas osa on Minuet, joka tulee toiseksi kvartetissa. Joten mainitsimme sanat "sonaatti", "kvartetti", "sinfonia". Näiden jaksojen ero riippuu esiintyjien kokoonpanosta. Sinfoniaan kuuluu erityinen paikka - orkesteriteos, joka on tarkoitettu esitettäväksi suuressa huoneessa lukuisien kuuntelijoiden edessä. Tässä mielessä sinfonia on lähellä konserttia - kolmiosainen teos sooloinstrumentille orkesterin säestyksellä. Yleisimmät kamari-instrumentaalisyklit ovat sonaatti (yhdelle tai kahdelle soittimelle), trio (kolmelle soittimelle), kvartetti (neljälle soittimelle), kvintetti (viidelle soittimelle) 19. Sonaattimuoto ja sonaatti-sinfoninen sykli, kuten koko musiikin klassinen tyyli, muodostettiin 1700-luvulla, jota kutsutaan "valaistumisen aikakaudeksi" (tai "valaistumisen aikakaudeksi") sekä "aikakaudeksi" Syy." Tällä vuosisadalla, varsinkin sen toisella puoliskolla, niin kutsutun "kolmannen kartanon" edustajia ylennettiin monissa Euroopan maissa. Nämä olivat ihmisiä, joilla ei ollut aateliston tai papiston arvoja. He olivat velkaa menestyksensä omasta työstään ja aloitteellisuudestaan. He julistivat "luonnollisen ihmisen" ihannetta, jonka luonto itse varusti luovalla energialla, kirkkaalla mielellä ja syvillä tunteilla. Tämä optimistinen demokraattinen ihanne on heijastunut omalla tavallaan musiikilla ja muilla taiteen ja kirjallisuuden muodoilla. Esimerkiksi ihmismielen ja väsymättömien käsien voiton valistuksen alkaessa teki tunnetuksi englantilaisen kirjailijan Daniel Defoen kuuluisa romaani, Robinson Crusoen elämä ja hämmästyttävät seikkailut, julkaistu vuonna 1719. Jozef Haydn 1732-1809 Musiikin klassinen tyyli saavutti kypsyytensä ja kukoisti Joseph Haydnin, Wolfgang Amadeus Mozartin ja Ludwig van Beethovenin teoksissa. Kummankin elämä ja työ vietti pitkään Itävallan pääkaupungissa Wienissä. Siksi Haydnia, Mozartia ja Beethovenia kutsutaan wieniläisiksi klassikoiksi. Itävalta oli monikansallinen imperiumi. Siinä elivät itävaltalaiset, joiden äidinkieli on saksa, unkarilaiset ja erilaiset slaavilaiset kansat, mukaan lukien tšekit, serbit, kroaatit. Heidän laulunsa ja kysymykset ja tehtävät 1. Mitkä ovat 1700-luvun sarjakuvaoopperoiden kansalliset lajikkeet? Mitä eroa on italialaisen buffaoopperan ja ranskalaisen koomisen oopperan rakentamisen välillä? 2. Mihin maihin ja kaupunkeihin suurten oopperauudistajien Christoph Willibald Gluckin toiminta liittyi? Mihin juoniin hän kirjoitti? Muiden kamariyhtyeiden instrumentaalisyklien nimi - sekstetti (6), septetti (7), oktetti (8), nonet (9), desimetri (10). "Kamarimusiikin" määritelmä tulee italialaisesta sanasta "camera" - "huone". Sillä 1800-luvulle saakka useiden instrumenttien sävellyksiä esitettiin usein kotona, toisin sanoen ne ymmärrettiin "huonemusiikiksi". 19 22 www.classON.ru Lasten koulutusta venäläisen taiteen melodioiden parissa kuultiin sekä kylissä että kaupungeissa. Wienissä kansanmusiikki soi kaikkialla - keskustassa ja laitamilla, katujen risteyksessä, julkisissa puutarhoissa ja puistoissa, ravintoloissa ja pubeissa, rikkaissa ja köyhissä omakotitaloissa. Wien oli myös merkittävä ammatillisen musiikkikulttuurin keskus, joka keskittyi keisarilliseen hoviin, aateliston kappeleihin 1 ja aristokraattisiin salonkeihin, katedraaleihin ja kirkoihin. Itävallan pääkaupungissa italialaista ooppera-seriaa on viljelty jo pitkään, täällä, kuten jo mainittiin, Gluck aloitti oopperauudistuksensa. Musiikki seurasi runsaasti tuomioistuimen juhlia. Mutta wieniläiset osallistuivat myös mielellään musiikkiin liittyvään iloiseen näyttelyyn, josta Singspils syntyi, ja he rakastivat tanssia. Kolmesta suuresta wieniläisestä musiikkiklassikosta Haydn on vanhin. Hän oli 24-vuotias, kun Mozart syntyi, ja 38-vuotias, kun Beethoven syntyi. Haydn asui pitkään. Hän selviytyi varhain kuolleesta Mozartista lähes kahdella vuosikymmenellä ja oli vielä elossa, kun Beethoven oli jo luonut suurimman osan kypsistä teoksistaan. Yksityiseen ruhtinaalliseen teatteriin hän kirjoitti yli kaksi tusinaa oopperaa seria-, buffa-tyylilajeissa, sekä useita "nukke" -oopperoita nukkeihin. Mutta hänen tärkeimpien luovien etujensa ja saavutustensa alue on sinfoninen ja kamari2-instrumentaalimusiikki. Yhteensä nämä ovat yli 800 koostumusta3. Niistä yli 100 sinfoniaa, yli 80 jousikvartettoa ja yli 60 klavierisonaattia ovat erityisen merkittäviä. Kypsissä näytteissään suuren itävaltalaisen säveltäjän optimistiset näkymät paljastettiin suurimmalla täydellisyydellä, kirkkaudella ja omaperäisyydellä. Vain joskus tämä kirkas näkymä laukaisee tummemman tunnelman. Heidät voittaa aina Haydnin ehtymätön elämänrakkaus, innokas havainnointi, iloinen huumori, yksinkertainen, terve ja samalla runollinen käsitys ympäröivästä todellisuudesta. Elämän polku Varhaislapsuus. Rorau ja Hainburg. Franz Josef Haydn syntyi vuonna 1732 Roraun kylässä, joka sijaitsee Itä-Itävallassa, lähellä Unkarin rajaa ja lähellä Wieniä. Haydnin isä oli ammattitaitoinen valmentaja, hänen äitinsä toimi kokana kreivikunnan kartanossa, Rorau-omistaja. Hänen vanhempansa poika Joseph, jota perheessä kutsuttiin hellästi Sepperliksi, vanhemmat opettivat varhain olemaan ahkera, siisti ja siisti. Haydnin isä ei tiennyt nootteja lainkaan, mutta hän rakasti laulaa, mukana itse harpulla, varsinkin kun hänellä. vieraat kokoontuivat pieneen taloon. Sepperl lauloi kirkkaalla hopeaäänellä paljastaen upean korvan musiikille. Ja kun poika oli vasta viisi vuotta vanha, hänet lähetettiin naapurikaupunkiin Hainburgiin kaukaisen sukulaisen luokse, joka johti kirkkokoulua ja kuoroa. Hainburgissa Sepperl oppi lukemaan, kirjoittamaan, laskemaan, laulamaan kuorossa ja alkoi myös hallita taitoja soittaa klavichordia ja viulua. Mutta elämä ei ollut hänelle helppoa vieraassa perheessä. Vuosia myöhemmin hän muistutti, että hän sai tuolloin "enemmän malletteja kuin ruokaa". Heti kun Sepperl pääsi Hainburgiin, häntä käskettiin oppimaan voittamaan timpanit voidakseen osallistua samaan kirkon kulkueeseen musiikin kanssa. Poika otti seulan, veti kangaspalan sen päälle ja alkoi harjoittaa ahkerasti. Hän selviytyi onnistuneesti tehtävistään. Vasta kulkueita järjestettäessä heidän täytyi ripustaa instrumentti hyvin lyhyen henkilön selkään. Ja hän oli ryhä, joka sai yleisön nauramaan. Wienin Pyhän Tapanin katedraalin kappelissa. Vieraillessaan Hainburgissa kauttakulkuvaiheessa, Wienin katedraalin kapellimestari ja hovisäveltäjä Georg Reuter kiinnitti huomiota erinomaiseen musiikkikykyyn, jonka Haydn oli vilpittömästi uskonnollinen henkilö. Hän on kirjoittanut useita joukkoja ja muita hengellisiin teksteihin liittyviä laulu- ja instrumentaaliteoksia. 23 www.classON.ru Lasten taidekasvatus Venäjällä Sepperl. Joten vuonna 1740 kahdeksanvuotias Haydn löysi itsensä Itävallan pääkaupungista, jossa hänet otettiin kuorona Pyhän Tapanin katedraalin (pää) katedraalin kappeliin. teen sen itse. Vaikea alku itsenäiseen elämään. Kun kahdeksantoista vuotiaana nuoren miehen ääni alkoi murtua - se väliaikaisesti kähtyi ja menetti joustavuutensa, hänet heitettiin karkeasti ja armottomasti kappelista. Löydettyään itsensä ilman suojaa ja keinoja, hän olisi voinut kuolla nälkään ja kylmään, ellei tuttu laulaja olisi asunut jonkin aikaa vaimonsa ja lapsensa kanssa pienessä huoneessa katon alla. Haydn alkoi ryhtyä mihinkään esiin tulleeseen musiikkiteokseen: hän kirjoitti nuotit uudelleen, antoi penniäkään laulutunteja, soitti klaveria, osallistui viulistina Streetin instrumentaalikokoelmiin, jotka esittivät serenadeja yöllä minkä tahansa kaupunkilaisen kunniaksi. Lopulta hän pystyi vuokraamaan pienen huoneen talon kuudennesta ja viimeisestä kerroksesta Wienin keskustassa. Tuuli puhalsi huoneen läpi, uunia ei ollut, ja talvella vesi jäätyi usein. Haydn asui tällaisessa ahdingossa kymmenen vuotta. Mutta hän ei menettänyt sydämensä ja tutki innokkaasti suosikkitaidettaan. "Kun istuin vanhan, matoja syödyn klaavini luona", hän muisteli vanhuudessa, "en kadehdi ketään kuninkaan onnea." Haydn auttoi voittamaan jokapäiväiset vaikeudet hänen vilkas, iloinen luonteensa. Kerran esimerkiksi yöllä hän sijoitti muusikkokaverinsa syrjäisiin kulmiin yhdelle Wienin kaduista, ja hänen ilmoituksestaan \u200b\u200bkaikki alkoivat soittaa mitä haluavat. Tuloksena oli "kissakonsertti", joka herätti ympäröivien asukkaiden mielenkiintoa. Kaksi muusikosta vietiin poliisiin, mutta skandaalisen "serenadin" aloittajaa ei luovutettu. Tavattuaan suosittu sarjakuvanäyttelijä, Haydn teki yhteistyötä hänen kanssaan säveltääkseen ontavan demonin singspielin ja ansaitsi pienen rahasumman., Palveli häntä jalansijana. Vähitellen Haydn alkoi saada mainetta Wienissä sekä opettajana että säveltäjänä. Hän tapasi kuuluisia ihmisiä; muusikot ja musiikin ystävät. Näkyvän virkamiehen talossa hän alkoi osallistua kamariyhtyeiden esityksiin ja loi ensimmäiset jousikvartettonsa konsertteihin maalaistaloonsa. Haydn kirjoitti ensimmäisen sinfoniansa vuonna 1759, jolloin hän sai käyttöönsä pienen orkesterin, josta tuli kreivi Morcinin kappelin päällikkö. Laskuri piti vain yksittäisiä muusikoita. Haydnin, joka meni naimisiin wieniläisen kampaajan tyttären kanssa, oli pidettävä tämä salassa. Mutta tämä jatkui vasta vuoteen 1760 asti, jolloin Wienissä, suuressa kauniissa kaupungissa, jossa oli upeita rakennuksia ja arkkitehtonisia yhtyeitä, poika pyyhkäisi uusien kirkkaiden vaikutelmien aallon. Monikansallinen kansanmusiikki soi ympärillä. Katedraalissa ja keisarillisessa hovissa, jossa myös kappeli esiintyi, tehtiin juhlallinen laulu- ja instrumentaaliteoksia. Mutta olemassaolon olosuhteet osoittautuivat jälleen vaikeiksi. Luokat, harjoitukset ja esitykset pojat-kuorolaiset olivat hyvin väsyneitä. Heitä ruokittiin niukasti, he olivat jatkuvasti puolinälkää. Heitä rangaistiin ankarasti kepposistaan. Pieni Haydn jatkoi ahkerasti laulutaidon tutkimista, klavierin ja viulunsoittoa, ja hän halusi todella säveltää musiikkia. Reuter ei kuitenkaan kiinnittänyt huomiota tähän. Liian kiireinen omissa asioissaan hän antoi Haydnin kappelissa oleskelun aikana kaikki yhdeksän vuotta vain kaksi sävellystuntia. Mutta Joseph jatkoi itsepäisesti tavoitettaan, ahkerasti ja useita vuosia myöhemmin hän kirjoitti uuden laulupelin nimeltä "Uusi Lame Devil". 20 24 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla, kreivin aineelliset asiat ravistelivat ja hän hajotti kappelinsa. Haydnin avioliitto epäonnistui. Hänen valitsemansa erottui vaikeasta, riitelevästä luonteesta. Hän ei ollut lainkaan kiinnostunut aviomiehensä sävellystoiminnasta - siinä määrin kuin hän teki papillootteja ja patetteja pateelle hänen teostensa käsikirjoituksista. Muutamaa vuotta myöhemmin Haydn alkoi asua erillään vaimostaan. Heillä ei ollut lapsia. Esterhazyn ruhtinaiden kappelissa. Vuonna 1761 varakas unkarilainen; Prinssi Pal Antal Esterhazy kutsui Haydnin varapuheenjohtajaksi Kapellmeisteriksi Eisen Stadtiin. Siitä hetkestä Haydnin palvelu alkoi Esterhazy-perheen kanssa, joka kesti kolme vuosikymmentä. Viisi vuotta myöhemmin hänestä tuli Kapellmeister tämän tehtävän hoitaneen vanhuksen muusikon kuoleman jälkeen. Pala Antalan perillinen, joka kuoli vuonna 1762, - hänen veljensä Myklos 1, lempinimeltään Magnificent, erottui sitoutumisesta ylellisyyteen ja kalliiseen viihteeseen. Muutama vuosi myöhemmin hän muutti asuinpaikkansa Eisenstadtista uuteen 126 huoneen maapalatsiin, ympäröi sen valtavan puiston kanssa, rakensi 400-paikkaisen oopperatalon ja nukketeatterin lähelle ja lisäsi merkittävästi kappelin muusikoiden määrää . Työskentely siinä antoi Haydnille hyvän aineellisen tuen, ja lisäksi mahdollisuuden säveltää paljon ja heti testata itseään käytännössä ohjaamalla uusien teosten orkesteriesitystä. Esterhasessa (kuten uutta prinssihotellia kutsuttiin) järjestettiin usein tungosta vastaanottoja, joihin osallistuivat usein korkeat ulkomaiset vieraat. Tämän ansiosta Haydnin työ tuli vähitellen tunnetuksi Itävallan ulkopuolella. Mutta kaikessa oli, kuten sanotaan, ja kolikon toinen puoli. Palvelukseen tullessaan Haydn allekirjoitti sopimuksen, jonka mukaan hänestä tuli eräänlainen musiikillinen palvelija. Joka päivä ennen illallista ja sen jälkeen hänen täytyi ilmestyä palatsin eteen jauhemaisessa peruukissa ja valkoisissa sukissa kuuntelemaan prinssin käskyjä. Sopimus velvoitti Haydnin kirjoittamaan pikaisesti "kaiken musiikin, jonka herrasmies haluaa, olemaan näyttämättä uusia sävellyksiä kenellekään, ja vieläpä ei sallimaan kenenkään kirjoittaa ne pois, vaan pitää ne yksinomaan hänen herransa puolesta eikä säveltää mitään kenellekään. ilman hänen tietämättään ja armollista lupaa "... Lisäksi Haydnin piti noudattaa kappelin järjestystä ja muusikoiden käyttäytymistä, opettaa laulajille ja olla vastuussa instrumenttien ja nuottien turvallisuudesta. Hän ei asunut palatsissa, vaan naapurikylässä, pienessä talossa. Eisenstadtista ruhtinaallinen tuomioistuin muutti talvella Wieniin. Esterhazasta Haydn pääsi pääkaupunkiin vain satunnaisesti prinssin kanssa tai erityisellä luvalla. Monien Eisenstadtissa ja Esterhasessa vietettyjen vuosien aikana Haydn siirtyi aloittelijasta muusikoksi suureksi säveltäjäksi, jonka teos saavutti korkean taiteellisen täydellisyyden ja joka tunnustettiin paitsi Itävallassa myös kaukana sen rajojen ulkopuolella. Niinpä hän kirjoitti kuusi "Pariisin sinfoniaa" (nro 82-87) Ranskan pääkaupungin tilauksella, jossa ne kuulostivat menestyksekkäästi vuonna 1786. Haydnin tapaamiset Wolfgang Amadeus Mozartin kanssa Wienissä ovat peräisin 1780-luvulta. Ystävällisellä lähentymisellä oli myönteinen vaikutus kummankin suuren muusikon työhön. Ajan myötä Haydn tuli yhä tarkemmin tietoiseksi riippuvaisesta asemastaan. Kirjeissään ystäville Esterhazylta Wienistä, jotka kirjoitettiin vuoden 1790 ensimmäisellä puoliskolla, on sellaisia \u200b\u200blauseita: "Nyt - istun erämaassani - hylätty - kuin köyhä orpo - melkein ilman ihmisten seurakuntaa - surullinen .. Esterhazyn viimeiset ruhtinaat omistivat suuria kartanoita, heillä oli monia palvelijoita ja he johtivat palatseissaan samanlaista elämää kuin kuninkaalliset. Special 25 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alueella päivien ajan En tiennyt, olinko bändimestari vai kapellimestari ... On surullista olla orja koko ajan ... ”Uusi käänne kohtalossa . Matkusta Englantiin. Miklos Esterhazy kuoli syksyllä 1790. Hän oli valaistunut musiikin rakastaja, soitti kielisoittimia eikä voinut olla arvostamatta omalla tavallaan sellaista "musiikillista palvelijaa" kuin Haydn. Prinssi testamentoi hänelle suuren eläkkeen. Mikloksen perillinen Antal, välinpitämätön musiikille, hajotti kappelin. Mutta kun hän halusi kuuluisan säveltäjän edelleen kuuluvan hänen tuomioistuimensa Kapellmeisteriksi, hän jopa lisäsi käteismaksuja Haydnille, joka vapautui virallisista tehtävistä ja saattoi hävittää itsensä kokonaan. Haydn muutti Wieniin aikomuksena säveltää musiikkia ja kieltäytyi aluksi tarjoamasta vierailuja muihin maihin. Mutta sitten hän suostui tarjoukseen tehdä pitkä matka Englantiin ja saapui vuoden 1791 alussa Lontooseen. Joten jo kuudeskymmenes syntymäpäivänsä lähestyessä Haydn näki ensin meren omin silmin ja joutui ensimmäistä kertaa toiseen valtioon. Toisin kuin Itävalta, joka oli edelleen feodaaliaristokraattinen järjestyksessään, Englanti oli pitkään ollut porvarillinen maa, ja yleisö, mukaan lukien musiikki, elämä Lontoossa oli hyvin erilainen kuin Wien. Lontoossa, valtavassa kaupungissa, jossa on paljon teollisia ja kaupallisia yrityksiä, konsertit eivät vallinneet valituille henkilöille, jotka on kutsuttu aateliston palatseihin ja salonkeihin, vaan ne järjestettiin julkisissa salissa, joihin kaikki tulivat maksua vastaan. Haydnin nimeä Englannissa ympäröi jo kirkkauden aura. Kuuluisat muusikot ja arvokkaat kohtelivat häntä paitsi tasa-arvoisena myös erityisen kunnioittavasti. Hänen uudet teoksensa, joissa hän toimi kapellimestarina, kohtasivat innostuneesti ja heille maksettiin suuresti. Haydn johti suurta 40-50 hengen orkesteria, joka on kaksinkertainen määrä Esterhazyn kappelia. Oxfordin yliopisto myönsi hänelle musiikin kunniatohtorin. Haydn palasi Wieniin puolitoisen vuoden kuluttua. Matkalla hän vieraili Saksan Bonnin kaupungissa. Siellä hän tapasi ensimmäisen kerran nuoren Ludwig van Beethovenin, joka muutti pian Wieniin aikomuksena opiskella Haydnin luona. Mutta Beethoven ei ottanut häneltä oppituntia kauan. Kaksi musiikillista neroa, joiden ikä ja temperamentti olivat liian erilaiset, eivät löytäneet todellista keskinäistä ymmärrystä. Kuitenkin Beethoven omisti kolme pianosonaattiaan (nro 1-3) Haydnille, kun se julkaistiin. Haydnin toinen matka Englantiin alkoi vuonna 1794 ja kesti jopa hieman yli puolitoista vuotta. Menestys oli jälleen voitollinen. Luotujen teosten lukuisuudesta; näiden matkojen aikana ja niiden yhteydessä kaksitoista ns. "Lontoon sinfoniaa" olivat erityisen merkittäviä. Elämän ja työn viimeiset vuodet. Esterhazyn seuraava prinssi, Miklos II, kiinnostui enemmän musiikista kuin edeltäjänsä. Siksi Haydn alkoi satunnaisesti tulla Wienistä Eisenstadtiin ja kirjoitti useita joukkoja prinssin määräyksestä. Viime vuosien säveltäjän pääteokset - kaksi monumentaalista oratoriota "The Creation of the World" ja "The Seasons" - esitettiin Wienissä valtavan menestyksekkäästi (yksi vuonna 1799, toinen vuonna 1801). Kuva muinaisesta kaaoksesta, josta maailma sitten syntyy, maapallon luomisesta, elämän syntymisestä maan päällä ja ihmisen luomisesta - tällainen on ensimmäisen näistä oratorioista. Toisen oratorion neljä osaa ("Kevät", "Kesä", "Syksy", "Talvi") koostuvat sopivista musiikillisista luonnoksista maaseudun luonteesta ja talonpoikien elämästä. 26 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen aloilla Vuoden 1803 jälkeen Haydn ei kirjoittanut mitään muuta. Hän eli hiljaa elämästään kunnian ja kunnian ympäröimänä. Haydn kuoli keväällä 1809 Napoleonin sotien huipulla, kun ranskalaiset tulivat Wieniin. sellot ja kontrabassot. Puupuhaltimien ryhmä koostuu huiluista, oboista, klarineteista ja fagoteista. , symbaalit ja rumpu. Kysymykset ja tehtävät 1. Mitkä kolme suurta säveltäjää kutsutaan wieniläisiksi klassikoiksi? Mikä selittää tämän määritelmän? 2. Kerro meille Wienin musiikkielämästä 1700-luvulla. 3. Mitkä ovat tärkeimmät musiikkilajit Haydnin teoksessa. 4. Missä ja miten Haydnin lapsuus ja nuoruus olivat? 5. Kuinka Haydn aloitti itsenäisen polun? 6 .. Millainen Haydnin elämä ja työ oli hänen palveluksensa aikana Esterhazyn ruhtinaiden kappelissa? 7. Kerro meille Haydnin matkoista Englantiin ja hänen viimeisistä elämästään. Sinfoninen luovuus Kun Haydn kirjoitti ensimmäisen sinfoniansa vuonna 1759, monia tämän tyylilajin teoksia oli jo olemassa ja niiden luomista jatkettiin. Ne ovat peräisin Italiasta, Saksasta, Itävallasta ja muista Euroopan maista. Esimerkiksi 1700-luvun puolivälissä sinfoniat, jotka säveltiin ja esitettiin Saksan Mannheimin kaupungissa, jolla oli tuolloin paras orkesteri, saivat yleismaailmallisen maineen. Niin sanotun "Mannheim-koulun" säveltäjien joukossa oli paljon tšekkejä. Yksi sinfonian esi-isistä on italialaisen kolmen osan ooppera-alkusoitto (osien suhde tempon mukaan: "nopea-hidas-nopea".). Varhaisissa ("esiklassisissa") sinfonioissa polku tulevaan klassiseen sinfoniaan oli edelleen tasoitettu, jonka tunnusmerkkeinä olivat kuviomaisen sisällön merkitys ja muodon täydellisyys. Tätä polkua pitkin Haydn alkoi säveltää kypsät sinfoniansa 1780-luvulla. Samanaikaisesti ilmestyivät vielä hyvin nuoren Mozartin kypsät sinfoniat, jotka nousivat hämmästyttävän nopeasti taiteellisen taiteen korkeuksiin. Haydn loi "Lontoon sinfoniat", joka kruunasi hänen saavutuksensa tässä tyylilajissa, Mozartin ennenaikaisen kuoleman jälkeen, joka järkytti häntä syvästi. Haydnin kypsät sinfoniat perustivat seuraavan tyypillisen sävellyksen neliosaisesta syklistä: sonaattiallegro, hidas liike, menuetti ja finaali (yleensä rondo- tai sonaattialegro-muodossa). Samanaikaisesti neljän instrumenttiryhmän orkesterin klassinen kokoonpano määriteltiin sen pääpiirteissä. Johtava ryhmä on merkkijono. Se sisältää viulut, alttoviulut; Haydn ei aina käyttänyt klarinetteja. Jopa hänen "Lontoon sinfonioissa" ne kuulostavat vain viideltä (kahdestatoista). 21 27 www.classON.ru Lasten taidekasvatus Venäjällä Tämä sinfonia tunnetaan nimellä "sotilaallinen". Joillakin Haydnin muilla sinfonioilla on myös nimet. Useimmissa tapauksissa niitä ei anna säveltäjä itse, ja ne merkitsevät vain yhtä tiettyä yksityiskohtaa, usein kuvallista, esimerkiksi jäljittelevää naksahdusta Chicken-sinfonian hitaassa osassa tai tikittämistä Kellon sinfonian hitaassa osassa. Erityinen tarina liittyy f-molli-sinfoniaan, joka nimettiin jäähyväisiksi. Siinä on vielä viides osa (tarkemmin sanottuna Adagio-tyyppikoodit). Esityksen aikana orkesterin jäsenet sammuttavat kynttilät konsolissaan yksi kerrallaan, ottavat instrumenttinsa ja lähtevät. Ainoastaan \u200b\u200bkaksi viulistia on jäljellä, jotka lopettavat hiljaa ja surullisesti viimeisten baarien soittamisen ja lähtevät myös. Tähän on seuraava selitys. Ikään kuin eräänä kesänä prinssi Miklos I pidättäisi Esterhazan kappelin muusikoita pidempään kuin tavallisesti. Ja he halusivat saada loman pian nähdäksesi perheensä, jotka asuivat Eisenstadtissa. Ja epätavallinen toinen jäähyväissymfonia viittasi näihin olosuhteisiin. Sinfonioiden lisäksi Haydnillä on monia muita orkesteriteoksia, mukaan lukien yli sata erillistä menuettia. Ja yhtäkkiä kaikki muuttuu iloisesti: sonaatti-allegron näyttely alkaa. Hidas tempo - nopea (Allegro con spirito - "Nopea, inspiraationa"), raskaan bassoäänen sijasta - samoista G- ja A-litteistä äänistä ylemmässä rekisterissä, liikkuvan ensimmäisen motiivi, tarttuvasti iloinen, tanssin pääteema on syntynyt. Tämän pääaiheen kaikki aiheen motiivit alkavat ensimmäisen äänen toistolla - ikään kuin pirteä polkeminen: Sinfonia es-duuri Tämä on yhdestoista Haydnin kahdestatoista Lontoon sinfoniasta. Sen pääavain on Es-duuri. Se tunnetaan nimellä Timpani Tremolo Symphony 22. Sinfonia kuuluu neljään osaan. Ensimmäinen osa alkaa hitaalla esittelyllä. Tonikille viritetyn timpanin tremolo ("beat") kuulostaa hiljaa. Se on kuin kaukainen ukkosmyrsky. Sitten itse johdannon teema etenee tasaisina leveinä "reunuksina". Aluksi sitä soittavat oktaavin yhtenäisenä sello, kontrabassot ja fagotit. Näyttää siltä, \u200b\u200bettä jotkut salaperäiset varjot kelluvat hiljaa sisään ja joskus pysähtyvät. Joten he epäröivät ja pysähtyvät: Johdannon viimeisissä palkeissa unison vuorotellen useita kertoja vierekkäisillä G- ja A-tasoilla, pakottaen korvan odottamaan - mitä tapahtuu seuraavaksi? Teeman kaksinkertaista esitystä jousipianoinstrumenteilla täydentää tanssimusiikin väkivaltainen möly, joka kuulostaa forte koko orkesterissa. Tämä jylinä pyyhkäisee nopeasti, ja mysteerin sävy ilmestyy uudelleen yhteydenpitoon. Tonaalinen vakaus on rikki. Modulaatio tapahtuu B-l-duurissa (hallitseva e-l-duurissa) - sivuosan avain. Yhdistävässä osassa ei ole uutta teemaa, mutta kuullaan Timpani-teeman alkuperäinen motiivi - puolipallot, joiden iho on ojennettu niiden yli, joihin yksi iski kahdella tikulla. Jokainen pallonpuolisko voi tuottaa vain yhden sävelkorkeuden. Klassisissa sinfonioissa käytetään yleensä kahta pallonpuoliskoa, viritettynä toniciin ja hallitsevaan. 22 28 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla pääosassa ja kaukainen muistutus johdannon teemasta: Esittely päättyy sivuosan (B-duuri) tonaalisuuden vahvistamiseen. Näyttely toistetaan, ja jatkokehitystä seuraa. Se on täynnä pääosan teemasta eristettyjen motiivien moniäänistä matkittavaa ja sävy-harmonista kehitystä. Sivupanoksen teema näkyy kehityksen lopussa. Se suoritetaan kokonaan D-duur-näppäimellä, kaukana pääkappaleesta, eli se näyttää ikään kuin uudessa, epätavallisessa valaistuksessa. Ja eräänä päivänä (yleisen tauon jälkeen fermatan kanssa) salaperäisen intron intonaatiot ilmestyvät bassoon. Kehitys kuulostaa pääasiassa pianolta ja pianissimolta, ja vain satunnaisesti - forte ja fortissimo erillisillä sforzandon aksentilla. Tämä lisää mysteerin vaikutelmaa. Kehityksen pääosan teeman motiivit muistuttavat toisinaan upeaa tanssia. Voidaan kuvitella, että tämä on salaperäisten valojen tanssi, joka joskus vilkkuu kirkkaasti. Es-duuri-avaimen uudelleenkäynnistyksessä pääosan lisäksi myös sivuosa toistetaan ja liitososa ohitetaan. Jotkut mysteerit näkyvät koodissa. Se alkaa, kuten intro, Adagion tempo, timpanien hiljainen tremolo ja unisonin hitaat liikkeet. Mutta pian, ensimmäisen osan lopussa, nopea tempo, voimakas sonoriteetti ja iloinen tanssi "kompurointi" palaa. Sinfonian toinen osa - Andante - on muunnelma kahdesta teemasta - laulu c-molli ja laulu ja marssi C-duuri. Näiden ns. Kaksoisvariaatioiden rakenne on seuraava: ensimmäinen ja toinen teema esitellään ja seuraavat sitten: ensimmäisen teeman ensimmäinen muunnos, toisen teeman ensimmäinen muunnos, ensimmäisen teeman toinen muunnos, toinen toisen teeman ja koodin muunnelma toisen teeman materiaalin perusteella. Tähän päivään asti tutkijat väittävät ensimmäisen aiheen kansallisuudesta. Kroatialaiset muusikot uskovat, että tämä on ominaisuuksiltaan kroatialainen kansanlaulu, ja unkarilaiset muusikot uskovat, että se on unkarilainen laulu. Serbit, bulgarialaiset ja puolalaiset löytävät siitä myös kansalliset piirteensä. Tätä kiistaa ei voida ratkaista varmuudella, koska tällaisen sivuosan teeman nauhoittaminen on jälleen hauskaa tanssia. Mutta pääpuolueeseen verrattuna hän ei ole niin energinen, mutta siro, naisellinen. Melodia kuulostaa viululla oboilla. Tyypillinen valssi säestys tuo tämän teeman lähemmäksi Landderia - itävaltalainen ja eteläsaksalainen tanssi, yksi valssin esi-isistä: 29 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla, jossa on vanha melodia ja sen sanoja ei ole löytyi. Ilmeisesti useiden slaavilaisten ja unkarilaisten kappaleiden piirteet sulautuivat siihen; tällainen on erityisesti eräänlainen siirto lisääntyneelle sekunnille (E-flat - fadies): toisen teeman muunnelmat jatkavat sankarimarssia, jota koristavat virtuoosit kohdat - huilun armon. Ja suurina määrinä odottamattomia käännöksiä "musiikkitapahtumien" kehityksessä tapahtuu. Aluksi marssi-teema muuttuu lempeäksi, läpinäkyväksi. Sitten siitä eristetty motiivi pisteviivalla kehittyy voimakkaasti. Tämä johtaa avaimen äkilliseen ilmestymiseen Es-duuri, jonka jälkeen marssi-teeman viimeinen esitys kuulostaa kirkkaasti ja juhlallisesti C-duurilla. Sinfonian kolmas osa - Minuet - yhdistää alunperin korkean seuran tanssin seremoniallisen juoksupyörän kapriisien leveiden hyppyjen ja synkopioiden kanssa melodiassa: Melodian ja toisen marssivan pääteeman. Ensimmäisen kanssa ristiriidassa sillä on samalla jonkin verran affiniteettia siihen - neljäs lyönti, melodian nouseva ja sitten laskeva suunta ja korotettu IV-aste (fadiez): Tätä hassua teemaa korostaa sujuva, rauhallinen liike Trio - Minuetin keskiosa, joka sijaitsee ensimmäisen osan ja sen tarkan toiston välillä23: Ensimmäisen teeman esitys pianolla ja pianissimo-jousilla kuulostaa rennolta kertomukselta, kuten tarinan alku epätavallisista tapahtumista. Ensimmäinen niistä saattaa tuntua yhtäkkiä kovalta esitykseltä toisesta marssivasta teemasta, jossa puhallinsoittimet lisätään jousiryhmään. Kerrontaääni säilyy ensimmäisen teeman ensimmäisessä muunnelmassa. Mutta surullinen ja varovainen ääni liittyy sen ääniin. Toisen teeman ensimmäisessä muunnoksessa sooloviulu värittää melodian hassuilla kuviollisilla kohdilla. Ensimmäisen teeman toisessa muunnelmassa kertomus saa yhtäkkiä myrskyn, kiihtyneen luonteen (käytetään kaikkia instrumentteja, myös timpanit). Toisessa Menuetti (tai pikemminkin sen äärimmäisen hienovaraisesti kummalliset osat yhdellä merkillä) on ristiriidassa toisaalta sinfonian ensimmäisen ja toisen osan kansan jokapäiväisten aiheiden kanssa, ja toisaalta sen viimeisen neljäs osa - finaali. Tässä, kuten sen pitäisi olla klassisessa sonaattiallegrossa, näyttely esittelee pääosan E-duuri-avaimessa, toissijaisen osan B-duuri dominoivassa näppäimessä, ja repriisissä molemmat kuulostavat Es-duurissa. suuri. Kuitenkin sivuosassa orkesteriteosten keskiosa esitettiin pitkään kolmella soittimella. Tästä tulee nimi "trio". 23 30 www.classON.ru Lasten venäläisen taiteen alalla ilmestyy aivan uusi aihe. Se perustuu pääpuolueen teemaan. johdettu ranskankielisestä sanasta "ronde", joka tarkoittaa "ympyrä" tai "pyöreä tanssi". Kysymykset ja tehtävät 1. Milloin Haydn ja Mozart aloittivat kypsien sinfonioidensa luomisen? 2. Mistä osista Haydnin sinfonia yleensä koostuu? Mitkä ovat Haydnin orkesterin instrumenttiryhmät? 3. Mitä nimiä tiedät Haydnin sinfonioista? 4. Miksi Haydnin sinfoniaa Es-duuri kutsutaan "Taurus-tremololla"? Mistä osiosta se alkaa? 5. Kuvaile sonaattimuodon pääteemoja tämän sinfonian ensimmäisessä osassa. 6. Missä muodossa ja mistä aiheista sinfonian toinen osa kirjoitettiin? 7. Kuvaile kolmannen osan pääaiheita ja osioita. 8. Mikä on finaalin pää- ja toissijaisten pelien teemojen välinen korrelaatio? Mikä on yhteys musiikin luonteen kanssa sinfonian ensimmäisessä osassa ja sen finaalissa? Siten käy ilmi, että koko loppu perustuu yhteen teemaan. Säveltäjä - ikään kuin monimutkaisessa pelissä - joko jatkaa teemaa kokonaan tai yhdistää taitavasti sen muunnelmat ja yksittäiset elementit. Ja hän itse on monimutkainen. Loppujen lopuksi siinä esiintyy ensin harmoninen perusta - kahden ranskalaisen sarven niin sanottu "kultainen kulku" - tyypillinen signaali metsästystorvista. Ja vasta sitten päällekkäin tanssimelodia, lähellä kroatialaisia \u200b\u200bkansanlauluja. Se alkaa "lyömisellä" yhdellä äänellä, ja myöhemmin tämä motiivi toistetaan monta kertaa, jäljitellään, siirtymällä yhdestä äänestä toiseen. Tämä muistuttaa ensimmäisen osan pääteeman alkuperäistä teemaa ja miten sitä siellä kehitetään. Lisäksi säveltäjä ilmoitti finaalissa saman tempo - Allegro con spirito. Joten finaalissa vallitsee lopulta iloisen kansantanssin elementti. Mutta sillä on tässä erityinen luonne - se muistuttaa monimutkaista pyöreää tanssia, ryhmätanssia, jossa tanssi yhdistetään lauluun ja leikkisään toimintaan. Tämän vahvistaa se, että näyttelyssä pääosa toistetaan pääavaimessa kaksi kertaa - lyhyen siirtymäjakson jälkeen ja toissijaisen osan jälkeen. Toisin sanoen se näyttää olevan uudistunut, liikkumalla ympyrässä. Ja tämä tuo rondomuodon piirteet sonaattimuotoon. Sama sana "rondo", kuten jo mainittiin, Clavier-luovuus Kun Haydn loi klavieriteoksensa, piano korvasi vähitellen klavesin ja klavierin musiikillisesta käytännöstä. Haydn kirjoitti varhaiset teoksensa näille vanhoille kosketinsoittimille, ja myöhemmissä painoksissa hän alkoi viitata "klavessiin tai pianoon" ja lopulta joskus vain "pianolle". Hänen clavier-teoksistaan \u200b\u200bmerkittävin paikka kuuluu soolosonaatteihin. Aiemmin uskottiin, että Haydnilla oli vain 52. Mutta sitten, tutkijoiden etsintöjen ansiosta, tämä luku nousi 62: een. Kuuluisimmat näistä ovat sonaatit D-duuri ja E-molli. Sonaatti D-duuri Pään osan, joka aloittaa tämän sonaatin ensimmäisen osan, teema on ilosta ja ilosta roiskuva tanssi poikamielisesti ilkikuristen oktaavihyppyjen, armon nuottien, mordenttien ja äänentoistojen kanssa. Tällaista musiikkia voidaan kuvitella myös soittavan operabuffassa: Aikaisemmissa painoksissa nämä sonaatit painettiin nimellä "nro 37" ja "nro 34" ja myöhemmissä painoksissa "nro 50" ja "nro 53". 24 31 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen aloilla Mutta sivupuolueen teeman kehittymiseen tunkeutuvat ilkikuriset hyppyt pääpartialta, ja sitten - hämärä kohta Liikkuva yhteysliike. Se kiristyy, lakaisee ja yhtäkkiä rauhoittuu - ikään kuin välittömällä päätöksellä. Sen jälkeen näyttely päättyy huolimattomasti tanssivaan loppuosaan. Kehityksessä on taas paljon vilskettä. Täällä oktaavihyppyjä pääosan teemasta, siirtyminen vasemmalle kädelle, tehdään vieläkin ilkeämmiksi, ja kulkuliike saavuttaa vielä suuremman jännitteen ja laajan ulottuvuuden kuin näyttelyn sivuosan teeman kehittämisessä. Uudelleen nousussa toissijaisen ja viimeisen osan ääni pääavaimessa (D-duuri) vahvistaa tiukasti iloisen mielialan hallitsevuutta. Voimakkaimman kontrastin tuo sonaattiin lyhyt, hidas ja hillitty luonteinen toinen liike. Se on kirjoitettu samannimiseen avaimeen d-molli. Musiikissa voit kuulla sarabandan - muinaisen tanssin - raskaan kulutuspinnan, joka usein hankki surun kulkueen luonteen. Ja ilmeikkäissä melodisissa huudahduksissa, joissa on kolmoisia ja katkoviivaisia \u200b\u200brytmihahmoja, on samankaltaisuutta unkarilaisten mustalaisten surullisten laulujen kanssa: Yhdeksäntoista osa täyttävät iloiset, mutkikkaat kuudennentoista kappaleet. Ja sivuosan (A-duuri avaimessa) teema on myös tanssi, vain hillitty, siro: 32 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla Sonaatti e-molli 1780-luvun alussa Haydn sai kutsu tekemään konserttimatka Lontooseen ensimmäistä kertaa ... Hän valmistautui ahkerasti siihen, mutta ei voinut sitten toteuttaa sitä virallisten tehtäviensä vuoksi Esterhazyn kappelissa. On mahdollista, että kaukaisen "merentakaisen" matkan unelmat ja niihin liittyvät kokemukset heijastuivat tuolloin ilmestyneeseen e-mollisonaattiin. Tämä on ainoa harvoista pienistä Haydn-sonaateista, jossa ensimmäisessä osassa voimakas lyyrinen hahmo yhdistetään erittäin nopeaan tempoon. Juuri tämän liikkeen pääosan teema, jolla sonaatti alkaa: Mutta Haydnin optimistisessa taiteessa on myös erikoinen synkkä kuva kuolemasta aina valloittamalla kirkkaat elämäntavat. Ja tämän sonaatin toinen osa d-molli, joka ei pääty toniciin, vaan hallitsevaan sointuon, välittää välittömästi kiihkeän D-duurin finaalin 25. Finaali rakennetaan rondon muodossa, jossa pääteema - refreeni (D-duurin pääavaimessa) - toistetaan kolme kertaa, ja toistojen välillä on vaihtuvia osioita - jaksoja: ensimmäinen jakso D-molli ja toinen G-duuri. Täällä vain ensimmäisessä d-mollijaksossa liukastuvat surulliset muistot - kaiku keskiosasta. Toinen G-duuri-jakso on jo huolimattomasti iloinen ja johtaa koomiseen "nimenhuutoon" oikealla ja vasemmalla kädellä samalla nuotilla. Viimeisen lennon pääteema (rondo-refreeni) on yksi Haydnin teoksen iloisimmista: Teeman alkulauseet koostuvat kahden elementin yhdistelmästä. Bassoa vasemmassa kädessä, piano liikkuu pitkin pieniä tonic triad kuulostaa kutsuja kiirehtiä jonnekin kaukaa. Ja siellä oikeassa kädessä vapisee, ikään kuin epäilen, seuraavat heiluttavat motiivit-vastaukset. Teeman yleinen liike on pehmeää, aaltoilevaa, heiluttavaa. Lisäksi ensimmäisen kappaleen koko - 6/8 - on tyypillistä barcarole-tyylilajille - "laulut vesillä" 26. Yhdistävässä osassa modulointi tapahtuu rinnakkain G-duurin e-mollin kanssa - sivu- ja loppuosien tonaalisuus. Yhdistävät ja viimeiset osat, jotka ovat täynnä liikkuvia kuudestoistaosan kappaleita, kehystävät sivuosan - kirkkaan, unenomaisen. Tämän osoittavat italialaiset sanat "attacca subito il Finale", joka tarkoittaa "finaalin aloittamista välittömästi". Alun perin venetsialaisten gondolierien kappaleita kutsuttiin barcaroleiksi. Genren nimi tulee italialaisesta sanasta "barca" - "vene". 25 26 33 www.classON.ru Lasten koulutus taideteollisuudessa Venäjällä näyttää nousevan ylöspäin: luonto, signaalien äänellä, ikään kuin vaatisi paluumatkaa, sydän näytti värisevän iloisena hälytyksenä! Ja täällä, sointumuutoksen jälkeen, nousee kolmannen osan (finaalin) pääteema. Tämä on refretti siitä rondomuodosta, johon finaali kirjoitetaan. Se näyttää inspiroivalta ohi kappaleelta, joka auttaa ajamaan "täyden purjehduksen" kotimaahan: Rondomuodon kaava on finaalissa seuraava: pidättäydyttävä (e-molli), ensimmäinen jakso (E-duuri), pidättäytyminen (E-molli), toinen jakso (E-duuri), pidättäytyminen (E-molli). Molemmat jaksot liittyvät refreeniin ja melodiseen suhteeseen toisiinsa. Kun yhdistävät, sivu- ja loppuosat soivat, mielikuvitus piirtää houkuttelevia kuvia - kuinka vapaasti takatuuli puhaltaa, kuinka nopeasti liike vie eteenpäin iloisesti. Lisäksi pää-, liitäntä- ja loppuosien materiaalille rakennetussa kehityksessä vallitsevat poikkeamat pienissä näppäimissä. Pääasiassa, toisin sanoen ei duurissa, vaan molliavaimessa, toissijainen osa ja loppuosa, josta on tullut tilavampi, kuulostavat reprise. Siitä huolimatta suru ja hengelliset epäilyt voitetaan lopulta pyrkimällä tuntemattomaan etäisyyteen. Tämä tarkoittaa ensimmäisen osan viimeisiä palkkia, joissa pääosan teeman kutsuva alku toistetaan merkittävällä tavalla. Sonaatin toinen osa, hidas, G-duuri on eräänlainen instrumentaaliaaria, joka on täynnä kevyttä mietiskelevää tunnelmaa. Hänen vaalea koloraturansa on täynnä lintujen sirinää, purojen röyhkeilyä: Kysymyksiä ja tehtäviä 1. Nimeä Haydnin clavier-musiikin päälaji. Kuinka monta sonaattia tunnetaan? 2. Kuvaile sonaatin D-duuri ensimmäisen osan pääkohtia. Onko tässä osassa yhteyttä pää- ja sivuosien välillä? 3. Mitä kontrastia toinen osa lisää sonaatin D-duuri musiikkiin? Mikä on sen suhde loppuun? 4. Kerro meille sonaatin e-molli ensimmäisen osan pääosan rakenteen ja luonteen erityispiirteistä. Kypsä ja kuvaile loput tämän osan aiheista ja osioista. 5. Mikä on sonaatin e-molli toisen osan luonne? 6. Kerro meille sonaatin e-molli finaalin muodosta ja pääteeman luonteesta. Suurimmat teokset Yli 100 sinfoniaa (104) Konserttisarja erilaisille instrumenteille ja orkesterille Yli 80 kvartettia (kahdelle viulalle, alttoviululle ja sellolle) (83) 62 klavierisonaattia Maailman luominen ja Vuodenajat Oratoriot 24 oopperaa Skotlannin ja irlannin sovitukset kappaleet Makea kuin rauhallinen lepo on kuitenkin kaukana, sylissä 34 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla kirjoitettu moniin genreihin - hänen sinfoniat, instrumentaalikonsertit, erilaiset kamariyhtyeet, pianosonaatit, Requiem kuorolle, solisteille ja orkesterille. Mozartin poikkeuksellisen varhainen ja nopeasti kehittyvä ilmiömäinen kyky luotiin hänen nimensä ympärille; legendaarisen "musiikillisen ihmeen" halo. Kirkas ominaisuus; AS Pushkin antoi hänelle innoitetun taiteilijan näytelmässä ("Pieni tragedia") "Mozart ja Salieri". N.A. Rimsky Korsakovin samanlainen ooppera on kirjoitettu sen perusteella. 27 Mozart oli P: n suosikki säveltäjä. I. Tšaikovski 28. Wolfgang Amadeus Mozart 1756-1791 elämänpolun perhe. Varhaislapsuus. Tammikuussa 1756 syntyneen Wolfgang Amadeus Mozartin syntymäpaikka on Itävallan kaupunki Salzburg. Se on viehättävästi venytetty Salzach-joen mäkisillä rannoilla, joka on asettanut sängyn Alppien itäiselle juurelle. Salzburg oli pienen ruhtinaskunnan pääkaupunki, jonka hallitsija asetettiin arkkipiispaksi. Wolfgang Amadeuksen isä, Leopold Mozart, oli kappelissaan. Hän oli vakava ja korkeasti koulutettu muusikko - tuottelias säveltäjä, viulisti, urkuri, opettaja. Hänen julkaisemansa "Viulunsoiton koulu" jaettiin useisiin maihin, mukaan lukien Venäjä. Leopoldin ja hänen vaimonsa Anna Marian seitsemästä lapsesta vain kaksi selviytyi - nuorin poika Wolfgang Amadeus ja vanhempi tytär Maria Anna (Nannerl)! veli neljä ja puoli vuotta. Kun hänen isänsä alkoi opettaa cembaloa Nannerlille, jolla oli erinomaiset kyvyt, hän alkoi pian opiskella kolmevuotiaan Wolfgangin kanssa huomaten hänet hienovaraisella korvalla ja hämmästyttävällä musiikillisella muistilla, poika oli jo neljä vuotta yrittänyt säveltää musiikkia, ja hänen ensimmäiset selviytyneet cembalo-kappaleet nauhoitti hänen isänsä, kun kirjailija oli vasta viisi vuotta vanha. On tarina siitä, kuinka nelivuotias Wolfgang yritti säveltää clavier-konserton. Yhdessä kynän kanssa hän kasteli mustesäiliön sormilleen ja laittoi blotteja musiikkipaperille. Vasta kun isäni kurkisti tähän lapselliseen äänitteeseen, hän löysi siinä epäilemättömän musiikillisen merkityksen. Yksi suurimmista musiikkineroista, itävaltalainen säveltäjä Wolfgang Amadeus Mozart eli vain 35 vuotta. Näistä hän sävelsi musiikkia kolmekymmentä vuotta ja, jättäen yli 600 teosta, antoi korvaamattoman panoksen maailman taiteen kultaiseen rahastoon. Uskollisimman ja korkeimman arvion Mozartin luovasta lahjasta hänen elinaikanaan antoi hänen vanhin aikalaisensa Joseph Haydn. "... Poikasi", hän sanoi kerran Wolfgang Amadeuksen isälle, "on suurin säveltäjä, jonka tunnen henkilökohtaisesti ja nimeltä; hänellä on maku ja sen lisäksi suurin sävellystieto. " Haydnin ja Mozartin musiikkia, jota kutsutaan wieniläisiksi klassikoiksi, yhdistää optimistinen, aktiivisesti aktiivinen maailmankäsitys, yhdistelmä yksinkertaisuutta ja luonnollisuutta tunteiden ilmaisemisessa runollisella ylevyydellään ja syvyydellään. Samalla heidän taiteellisten etujensa välillä on merkittävä ero. Haydn on lähempänä kansanmusiikkia ja lyricepic -kuvia ja Mozartia - itse asiassa lyyrisiä ja lyyris-dramaattisia kuvia. Mozartin taide kiehtoo erityisesti herkkyyttä ihmisen emotionaalisille kokemuksille sekä tarkkuutta ja vilkkautta erilaisissa ihmishahmoissa. Tämä teki hänestä upean oopperasäveltäjän. Hänen oopperansa, ja ennen kaikkea Le Nozze di Figaro, Don Juan ja Taikahuilu, ovat menestyneet muuttumattomana jo kolmannen vuosisadan ajan, ja ne on lavastettu kaikkien musiikkiteatterien näyttämöille. Yksi maailman arvostetuimmista paikoista konserttiohjelmistossa on Mozartin teokset. Versio siitä, että Salieri myrkytti Mozartin kateudesta, on vain legenda. Tšaikovski orkesteroi neljä Mozartin pianokappaletta ja sävelsi niistä Mozartiana-sarjan. 27 28 35 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla esiintyy viulukonsertilla ... soittaa huivilla peitetyn näppäimistön sekä jos se olisi hänen silmänsä edessä, niin hän etäisyydeltä nimeää kaikki äänet, jotka yksitellen tai sointuina soitetaan klavierilla tai millä tahansa muulla soittimella tai esineiden julkaisemana - kello, lasi, kello. Loppujen lopuksi hän ei improvisoi paitsi cembaloa, myös urkuja niin kauan kuin kuuntelijat sitä haluavat, ja kaikissa, jopa vaikeimmissa avaimissa, jotka hänelle nimetään ... ”Ensimmäiset konserttimatkat . Leopold Mozart päätti aloittaa konserttimatkoja suuriin musiikkikeskuksiin lahjakkaiden lastensa kanssa. Ensimmäinen matka Saksan kaupunkiin Müncheniin tapahtui alkuvuodesta 1762, jolloin Wolfgang oli tuskin kuusi vuotta vanha. Kuusi kuukautta myöhemmin Mozart-perhe meni Wieniin. Siellä Wolfgang ja Nannerl esiintyivät keisarillisessa tuomioistuimessa, menestyivät selvästi ja heitä suihkutettiin lahjoilla. Kesällä 1763 Mozarts otti pitkän matkan Pariisiin ja Lontooseen. Mutta ensin he vierailivat useissa Saksan kaupungeissa ja paluumatkalla - jälleen Pariisissa sekä Amsterdamissa, Haagissa, Genevessä ja useissa muissa kaupungeissa. Pienen Mozartsin, erityisesti Wolfgangin esitykset aiheuttivat yllätystä ja ihailua kaikkialla, jopa upeimmissa kuninkaallisissa hovissa. Noiden aikojen tapojen mukaan Wolfgang ilmestyi aateliselle yleisölle zblotilla ja jauhetulla peruukilla brodeeratussa puvussa, mutta samalla käyttäytyi puhtaasti lapsellisella spontaanisti, hän voisi esimerkiksi hypätä keisarinnan polvilleen. . 4-5 tuntia peräkkäin kestäneet konsertit olivat erittäin väsyttäviä nuorille muusikoille, ja yleisölle niistä tuli eräänlainen viihde. Tässä eräässä ilmoituksessa sanottiin: ”... Tyttö kaksitoista ja poika seitsemäntenä soittavat konsertin cembalossa. .. Lisäksi poika 36 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla Konserttikierros kesti yli kolme vuotta ja toi Wolfgangille monia erilaisia \u200b\u200bvaikutelmia. Hän kuuli suuren määrän instrumentaali- ja lauluteoksia, tapasi erinomaisia \u200b\u200bmuusikoita (Lontoossa Johann Sebastian Bachin nuorimman pojan, Johann Christianin, kanssa). Esitysten välillä Wolfgang opiskeli innokkaasti sävellystä. Neljä hänen viulu- ja cembaloosi-sonaattiaan julkaistiin Pariisissa, mikä osoittaa, että nämä ovat seitsemänvuotiaan pojan teoksia. Lontoossa hän kirjoitti ensimmäiset sinfoniansa. Palaa Salzburgiin ja pysy Wienissä. Ensimmäinen ooppera. Vuoden 1766 lopussa koko perhe palasi Salzburgiin. Wolfgang alkoi systemaattisesti tutkia säveltäjätekniikkaa isänsä johdolla. Mozarts vietti koko vuoden 1768 Wienissä. Teatterin kanssa tehdyn sopimuksen nojalla kaksitoista-vuotias Wolfgang kirjoitti italialaisten mallien mukaan kolmessa kuukaudessa oopperabuffan "Imaginary Simpleton". Harjoitukset alkoivat, mutta esitystä lykättiin ja peruttiin sitten kokonaan (luultavasti kateellisen juonittelun vuoksi). Se tapahtui vasta seuraavana vuonna Salzburgissa. Wienissä Wolfgang sävelsi monia muita musiikkia, mukaan lukien viisi sinfoniaa, ja johti menestyksekkäästi juhlallisen messunsa uuden kirkon vihkimisessä. Matkusta Italiaan. Vuoden 1769 lopusta vuoden 1773 alkuun Wolfgang Amadeus teki isänsä kanssa kolme pitkää matkaa Italiassa. Tässä "musiikin maassa" nuori Mozart esiintyi menestyksekkäästi yli tusinassa kaupungissa, kuten Roomassa, Napolissa, Milanossa ja Firenzessä. Hän johti sinfonioitaan, soitti cembaloa, viulua ja urkuja, improvisoi sonaatteja ja fugoja ennalta määritetyissä aiheissa, aareja ennalta asetetuissa teksteissä, soitti erinomaisesti vaikeita teoksia näkyvistä ja toisti ne muissa näppäimissä. Kaksi kertaa hän vieraili Bolognassa, jossa hän otti jonkin aikaa oppitunteja kuuluisalta opettajalta - teoreetikolta ja säveltäjältä Padre Martinilta. Neljätoista-vuotias Mozart valittiin Bolognan filharmonisen akatemian jäseneksi erityisenä poikkeuksena, kun hän oli loistavasti kestänyt vaikean testin (kirjoittanut moniäänisen sävellyksen monimutkaisia \u200b\u200bpolyfonisia tekniikoita käyttäen). Peruskirjan mukaan siihen pääsivät vain muusikot, jotka olivat täyttäneet 20 vuotta ja joilla oli aikaisempaa kokemusta tässä arvostetussa laitoksessa. Roomassa vierailtuaan Vatikaanin Sikstuksen kappelissa (paavin asuinpaikka) 29 Mozart kuuli kerran 1600-luvulta peräisin olevan italialaisen säveltäjän Gregorio Allegrin laajan pyhän teoksen kahdelle kuorolle. Tätä teosta pidettiin paavin omaisuutena, eikä sitä sallittu kopioida tai levittää. Mutta Mozart kirjoitti muistista koko monimutkaisen kuoropistemäärän, ja paavin kuoromies vahvisti äänityksen tarkkuuden. Italia - suuri maa paitsi musiikissa, myös kuvataiteessa ja arkkitehtuurissa - antoi Mozartille runsaasti taiteellisia vaikutelmia. Hän oli erityisen kiehtonut oopperatalojen vierailu. Nuori mies hallitsi italialaisen oopperatyylin niin, että kirjoitti lyhyessä ajassa kolme oopperaa, jotka sitten lavastettiin suurella menestyksellä Milanossa. Nämä ovat kaksi ooperisarjaa - "Mithridates, Pontuksen kuningas" ja "Lucius Sulla" - ja pastoraalinen ooppera, joka perustuu mytologiseen juoniin "Ascanio in Albassa" 30. Matkat Wieniin, Müncheniin, Mannheimiin, Pariisiin. Loistavista luovista ja konserttimenestyksistään huolimatta Wolfgang Amadeus ei onnistunut saamaan palvelusta kenenkään Italian osavaltioiden hallitsijassa. Minun oli palattava Salzburgiin. Täällä hallitsi kuolleen arkkipiispan sijaan uusi, despootisempi ja töykeämpi hallitsija. Hänen palveluksessaan olleen isän ja pojan Mozartsin oli vaikeampi saada lomaa uusille matkoille. Ja oopperatalo, johon Mozart pyrki säveltämään, ei ollut käytettävissä Salzburgissa, ja muut mahdollisuudet musiikilliseen toimintaan olivat rajalliset. Kahden muusikon matka Wieniin oli mahdollista vain sen ansiosta, että Salzburgin arkkipiispa itse halusi vierailla Itävallan pääkaupungissa. Hän antoi vastahakoisesti Mozartsille luvan matkustaa; München, jossa nuoren säveltäjän uusi ooppera lavastettiin. Ja seuraavaa matkaa varten vain Wolfgang Amadeus onnistui saamaan luvan suurilla vaikeuksilla. Hänen isänsä pakotettiin jäämään Salzburgiin, ja hänen äitinsä meni poikaansa seuraamaan. Ensimmäinen pitkä pysähdys tapahtui Saksan Mannheimin kaupungissa. Yksi tuolloin kuuluisa sinfoniaorkesterin johtajista, esiklassisen Mannheimin säveltäjäkoulun edustaja, toivotti Wolfgang Amadeuksen ja Anna Marian lämpimästi tervetulleeksi taloonsa. Mannheimissa Mozart säveltänyt italialaisia \u200b\u200btaiteilijoita, mukaan lukien Michelangelo. 30 Ponticin valtakunta on muinainen valtio Mustallamerellä, pääasiassa nykyisellä Turkin rannikolla ("Pontus Euxine", toisin sanoen "vieraanvarainen meri", antiikin kreikkalainen nimi Mustalle merelle). Lucius Sulla on antiikin Kreikan sotilaallinen ja poliittinen johtaja. Pastoraali (italiankielisestä sanasta "pastore" - "paimen") on teos, jonka juoni idealisoi elämää luonnon sylissä. Sikstuksen kappeli - paavien kotikirkko Vatikaanissa; se rakennettiin 1400-luvulla paavi Sixtus IV: n johdolla. Kappelin seinät ja katto on maalattu suurten edustajien toimesta. 29 37 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen aloilla useita teoksia, ennen kaikkea instrumentaalisia, jotka on merkitty musiikkityylin kypsyydellä. Mutta Wolfgang Amadeukselle ei ollut myöskään pysyvää työpaikkaa. Keväällä 1778 Mozart ja hänen äitinsä saapuivat Pariisiin. Toiveet saada todellista tunnustusta siellä ja tulla merkittäväksi asemaksi eivät kuitenkaan toteutuneet. Ranskan pääkaupungissa ihmelapsi, tämä näennäisesti elävä lelu, oli jo unohdettu, eivätkä he tunnistaneet nuoren muusikon kukoistavaa lahjakkuutta. Mozartilla ei ollut onnea konserttien järjestämisen tai oopperatilauksen saamisen kanssa. Hän asui kurjuilla tuloilla oppitunneilta, teatterille hän pystyi kirjoittamaan musiikkia vain pieneen balettiin "Trinkets". Hänen kynänsä alta tuli uusia upeita teoksia, mutta ne eivät herättäneet silloin vakavaa huomiota itseensä. Ja kesällä Wolfgang Amadeus kärsi vakavan surun: hänen äitinsä sairastui ja kuoli. Ensi vuoden alussa Mozart palasi Salzburgiin. Opera "Idomeneo". Katkaise arkkipiispan kanssa ja siirry Wieniin. Lähivuosien tärkeimmät tapahtumat Mozartille olivat Kreetan kuninkaan Idomeneo-oopperan luominen ja lavastaminen Münchenissä sekä sen suuri menestys. Täällä italialaisen ooppera-serian parhaat ominaisuudet yhdistetään Gluckin oopperauudistuksen periaatteisiin. Tämä tasoitti tietä Mozartin elävän alkuperäisen oopperan mestariteosten syntymiselle. ... Vuosi oli 1781. Mozart on 25-vuotias. Hän on kirjoittanut kolme ja puoli sataa teosta, täynnä uusia luovia ideoita. Ja Salzburgin arkkipiispan mielestä hän on vain musiikillinen palvelija, jota ylimielinen ja sortava omistaja sortaa ja nöyryyttää yhä enemmän ja pakottaa hänet istumaan pöydän äärelle huoneeseen "kokkien yläpuolelle, mutta riisujen alle". hänen poistua ilman lupaa tai esiintyä missä tahansa ... Kaikesta tästä tuli Mozartille sietämätöntä, ja hän lähetti erokirjeen. Arkkipiispa kieltäytyi kahdesti kirouksilla ja loukkauksilla, ja hänen lähipiirinsä törmäsi muusikon ulos ovesta. Mutta hän, kokenut henkisen sokin, pysyi lujana päätöksessään. Mozartista tuli ensimmäinen suuri säveltäjä, joka erosi ylpeänä taloudellisesti turvatusta mutta riippuvaisesta hovimuusikon asemasta. Wien: viime vuosikymmen. Mozart asettui Wieniin. Vain satunnaisesti hän lähti Itävallan pääkaupungista lyhyeksi ajaksi, esimerkiksi oopperansa Don Juan ensimmäisen tuotannon yhteydessä Prahassa tai kahden konserttikiertueen aikana Saksassa. Vuonna 1782 hän avioitui Constance Weberin kanssa, joka erottui hänen iloisen taipumuksensa ja musikaalisuutensa perusteella. Lapsia syntyi peräkkäin (mutta kuudesta neljä kuoli vauvoina). Mozartin tulot konserttiesityksistä hänen klaverimusiikkinsa esiintyjänä, teosten julkaisemisesta ja oopperan esityksistä olivat epäsäännöllisiä. Lisäksi Mozart, joka oli ystävällinen, herkkäuskoinen ja epäkäytännöllinen henkilö, ei tiennyt kuinka hallita varovaisesti raha-asioita. Vuoden 1787 lopulla nimitetty tuomioistuimen kamarimuusikon heikosti maksettu asema, joka sai tehtäväksi säveltää vain tanssimusiikkia, ei pelastanut usein tuntetusta rahan tarpeesta. Kaiken tämän vuoksi Mozart loi kymmenen Wienin vuoden aikana yli kaksi ja puoli sataa uutta teosta. Heistä loistivat hänen kirkkaimmat taiteelliset saavutuksensa monissa tyylilajeissa. Mozartin avioliittovuonna Wienissä hänen kuohuviini laulunsa "Sieppauksen Seragliosta" lavastettiin suurella menestyksellä; huumori 31. Ja ooppera "Figaron avioliitto", alkuperäinen; Viime iltana Wienin vuosina syntynyt "iloisen draaman" genre "Don Juan" ja ooppera "Taikuhuilu" ovat musiikkiteatterin korkeimpia korkeuksia! hänen tarinansa. Kolme hänen parhaista sinfonioistaan, jotka osoittautuivat viimeisiksi, mukaan lukien g-molli (nro 40), Mozart kirjoitti kesällä 1788. Samalla vuosikymmenellä ilmestyi monia muita säveltäjän instrumentaaliteoksia - neliosainen orkesterin "Little Night Serenade", useita pianokonsertteja, sonaatteja ja erilaisia \u200b\u200bkamariyhtyeitä. Mozart omisti kuusi jousikvartettoaan Haydnille, jonka kanssa hän kehitti lämpimiä ystävyyssuhteita. Näinä vuosina Mozart tutki suurella mielenkiinnolla Bachin ja Händelin teoksia. Mozartin uusin teos on Requiem-massa kuolleille kuorolle, solisteille ja orkesterille32. Heinäkuussa 1791 hänet tilasi säveltäjälle mies, joka ei halunnut antaa nimeään. Tämä näytti salaperäiseltä, se saattoi synnyttää pimeitä ennakkoluuloja. Vasta muutama vuosi myöhemmin kävi ilmi, että tilaus tuli wieniläiseltä kreiviltä, \u200b\u200bjoka halusi ostaa jonkun toisen teoksen ja luovuttaa sen omaksi. Vakavasti sairas, Mozart ei pystynyt suorittamaan Requiemia kokonaan. Yksi säveltäjän opiskelijoista valmistui sen luonnosten pohjalta. On tarina, että suuren muusikon kuoleman aattona, joka seurasi yötä 5. joulukuuta 1791, ystävät lauloivat hänen kanssaan osia vielä keskeneräisestä teoksesta. Requiemin surullisen suunnittelun mukaisesti Mozartin musiikin innoittama lyyrinen ja dramaattinen ilmaisuvoima on saanut erityisen ylevyyden ja vakavuuden. Varojen puutteen vuoksi Mozart haudattiin yhteiseen hautaan 31 32 Seragliolle - naispuolinen puolikas rikkaiden itämaisten aatelisten taloissa. Latinankielinen sana "Requiem" tarkoittaa "lepoa". 38 www.classON.ru Lasten taideopetus Venäjällä on heikkoa, eikä hänen hautajaistensa tarkkaa paikkaa ole vielä tiedossa. Suzanne-kreivitär pukeutui mekkoonsa. Vaimonsa häpeässä Almaviva joutuu enää olemaan puuttumatta Figaroon ja Suzanneen juhlimaan häät, jotka päättävät onnellisina ja onnellisina "hullun päivän", joka on täynnä kaikenlaisia \u200b\u200bodottamattomia tapahtumia. Ooppera alkaa uutisesta, josta on tullut erittäin suosittu ja jota esiintyy usein sinfoniakonsertoissa 34. Toisin kuin monet muut alkusoittot, tässä alkusoittossa ei käytetä itse oopperan aiheita. Tällöin seuraavan toiminnan yleinen mieliala, sen kiehtova nopeus ja loistava iloisuus välitetään selvästi. Alkusoitto on kirjoitettu sonaattimuodossa, mutta ilman yksityiskohtia, mikä on korvattu lyhyellä linkillä näyttelyn ja uusinnan välillä. Samaan aikaan viisi teemaa erottuu selvästi ja korvaa nopeasti toisensa. Ensimmäinen ja toinen niistä muodostavat pääpuolueen, kolmas ja neljäs - sivupuolue, viides - viimeisen puolueen. Ne ovat kaikki energisiä, mutta samalla kullakin on oma erityisluonteensa. Pääosan ensimmäinen teema, jota jouset ja fagotit soittavat yhtenäisesti, liikkuu nopeasti, ilkikurisesti: Kysymykset ja tehtävät 1. Mikä tekee Mozartin musiikista liittyvän Haydnin musiikkiin? Mitä eroa on näiden kahden wieniläisen klassikon taiteellisilla kiinnostuksilla? 2. Kerro meille Wolfgang Amadeus Mozartin perheestä ja varhaislapsuudesta. 3. Missä maissa ja kaupungeissa Mozart esiintyi nuorena poikana? Kuinka nämä esitykset menivät? 4. Missä iässä Mozart kirjoitti ensimmäisen oopperabuffinsa? Miksi sitä kutsuttiin ja minne se asennettiin? 5. Kerro meille nuoren Mozartin matkoista Italiaan. 6. Missä kaupungeissa Mozart vieraili myöhemmin? Oliko hänen matkansa Pariisiin onnistunut? 7. Kerro meille Mozartin tauosta Salzburgin arkkipiispan kanssa. 8. Kuvaile Mozartin elämän ja työn viimeinen vuosikymmen. Mitkä ovat hänen luomansa pääteokset tänä aikana. Ooppera "Figaron avioliitto" Mozartin oopperan "Figaron avioliitto" ensi-ilta tapahtui Wienissä vuonna 1786. Kaksi ensimmäistä esitystä johti säveltäjä itse klavessiin. Menestys oli valtava, mutta toimenpide toistettiin haasteena. Tämän oopperan libreton (sanallinen teksti) neljässä näytöksessä on kirjoittanut italiankielinen Lorenzo da Ponte ranskalaisen kirjailijan Beaumarchais'n komediaan "Hullu päivä eli Figaron avioliitto". Vuonna 1875 P. I. Tšaikovski käänsi tämän libreton venäjäksi, ja hänen käännöksessään ooppera esitetään maassamme. Mozart kutsui Le Nozze di Figaroa oopperabuffaksi. Mutta se ei ole vain hauska komedia, jossa on hauskoja tilanteita. Musiikki kuvaa päähenkilöt erilaisina elävinä ihmishahmoina. Ja Beaumarchaisin näytelmän pääidea oli lähellä Mozartia. Sillä se koostuu tosiasiasta, että kreivi Almaviva Figaron palvelija ja hänen morsiamensa, palvelija Suzanne, ovat älykkäämpiä ja kunnollisempia kuin heidän nimetty mestarinsa, jonka juonet he taitavasti paljastavat. Kreivi itse piti Suzanne, ja hän yrittää lykätä hänen häät. Mutta Figaro ja Suzanne voittavat kekseliäästi kaikki esiin tulevat esteet houkuttelemalla puolelleen kreivin vaimon ja nuoren sivun Cherubino 33. Loppujen lopuksi he järjestävät sen niin, että iltaisin puutarhassa kreivi saa toisen, fanfaarin. lakaistuksella: Sivun jälkeen - jaloa alkuperää oleva poika tai nuori mies, joka on jaloin henkilön palveluksessa. Pääpuolueen, täytetyn puolueen, yhdistävä teema eroaa pääasiassa. Muistakaamme, että sana "alkusoitto" on johdettu ranskankielisestä verbistä "ouvrir", joka tarkoittaa "avata", "aloittaa". 33 34 39 www.classON.ru rohkea Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla mittakaavan kaltaisilla kohdilla, sivuosan ensimmäinen teema ilmestyy, jonka melodiaa soittavat viulut. Teemalla on rytmisesti hassu, hieman kapriisi, mutta pysyvä luonne: laulunumerot. Joten Figaron puolueen ensimmäinen soolonumero (hänet on uskottu baritonille) - pieni aaria (cavatina) - kuulostaa heti sen jälkeen, kun Suzanne ilmoitti sulhaselleen, että kreivi alkoi seurustella häntä. Tässä suhteessa Figaro humisee pilkkaavasti melodian menuetin liikkeessä - gallanttinen korkean yhteiskunnan tanssi (cavatinan kolmiosaisen kostomuodon äärimmäiset osat): Toissijaisen osan toinen teema muistuttaa ratkaisevia huutomerkkejä: Ja teema Viimeinen osa on tasapainoisinta, ikään kuin kaikki ratkaistaan: pelit toistetaan jo pääjäännöksessä. Niihin liittyy coda, joka korostaa edelleen alkusoitton iloista ja vilkasta luonnetta. Tässä Mozartin oopperassa lauluyhdistykset ovat suuressa asemassa, pääasiassa duettoja (kahdelle hahmolle) ja tercettejä (kolmelle hahmolle). Ne erotetaan recitatiivilla, johon liittyy cembalo. Ja toinen, kolmas ja viimeinen, neljäs näyttely päättyvät finaaleihin - suuret kokoonpanot, joihin osallistuu 6–11 merkkiä. Suolatoiminnot sisällytetään dynaamiseen kehitykseen eri tavoin: cavatinan keskiosassa pidätetty liike korvataan nopealla, tyylikkäällä kolmitahtisella melodialla - energisellä kaksitahtisella. Täällä Figaro ilmaisee jo päättäväisesti hinnalla millä hyvänsä estääkseen isäntänsä salakavalat suunnitelmat: 40 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla Figaron puolueen tunnetuin numero on hänen aaria "Frisky, kihara tukka , rakastunut poika. " Se on osoitettu nuorelle sivulle Cherubino. Hän kuuli vahingossa, kuinka kreivi yritti julistaa rakkauttaan Suzanneen, ja tällainen ei-toivottu todistaja käskettiin mennä asepalvelukseen. Aariassa Figaro pilkkaa tilannetta iloisesti ja nokkelasti piirtämällä kuvia nuoren miehen ankarasta sotilaallisesta elämästä, jota tuomioistuimen elämä hemmottelee. Tämä heijastuu musiikissa taitavalla yhdistelmällä pirteä tanssitavuus ja "sotamainen" fanfaariliike. Tämä on kolme kertaa kuulostava pidätys rondon muodossa: Toinen on pieni lauluhahmon aaria "Kuuma veri innostaa sydäntä". Tämä on hillitty tunnustus lempeistä tunteista, joka on osoitettu arkaluontoisesti kreivitärelle itselleen: Suzanne (sopraano) kuvataan monissa kokoonpanoissa energisenä, näppäränä ja kekseliäisenä, eikä tässä huonompi kuin Figaro. Samalla hänen kuvansa runoillaan hienovaraisesti kevyessä unelmallisessa aariassa neljännestä näytöksestä. Siinä Suzanne vetoaa henkisesti Figaroon: Mitä Cherubino itse (hänen osansa suorittaa matala naisääni - mezzosopraano), häntä kuvataan kahdessa aariassa kiihkeä nuori mies, joka ei edelleenkään pysty ymmärtämään omaa tunteet, valmiita rakastumaan kaikkiin vaiheisiin. Yksi niistä on sekä iloinen että värisevä aaria "Kertoa, en osaa selittää". Melodioisuus yhdistyy hänessä rytmiin, ikään kuin ajoittain sykkivän jännityksestä: 41 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla Kysymyksiä ja tehtäviä 1. Milloin ja missä Mozartin oopperan "Figaron avioliitto" ensi-ilta tapahtui? 2. Mille komedialle sen libreto on kirjoitettu? 3. Mikä on tämän teoksen pääidea? 4. Kuinka oopperan alkusoitto järjestetään? 5. Kerro meille Figaron osan kahden soolonumeron erityispiirteistä. 6. Mikä on Cherubinon puolueen ääni? Laulaa hänen aareidensa melodiat. 7. Kuinka Suzanne luonnehditaan yhtyeissä ja miten - neljännen näytöksen aariassa? Neljäs muunnos (vasemman käden heittäminen oikean yli) päinvastoin on rohkeampaa. Viides muunnelma, jossa Andante grazioson alkuperäinen kiireellinen tempo korvataan hyvin hitaalla - Adagio, on melodinen instrumentaaliaaria, joka on värjätty koloratuurilla. Ja sitten tempon muutos nopeaksi (Allegro) vastaa viimeisen, kuudennen muunnelman iloista tanssia. Sonaatin toinen osa on Minuet. Kuten tavallista, se on rakennettu kolmiosaiseksi uusintamuodoksi, joka toistuu tarkasti ensimmäisen osan musiikin uudelleentoistossa. Niiden välissä on keskiosa (Trio) 35. Kaikissa Menuetin osissa maskuliinisesti päättäväiset ja pakottavat lakaavat intonaatiot rinnastuvat naisellisiin intonaatioihin, jotka ovat lempeitä ja tasaisia, samanlaisia \u200b\u200bkuin ilmeikkäät lyyriset huutomerkit-osoitteet. Clavier-sonaatti a-duuri Tunnettu Mozart-sonaatti A-duuri, jota kutsutaan yleisesti "turkkilaiseksi maaliskuun sonaatiksi", on epätavallisen rakennettu sykli. Ensimmäinen osa ei ole sonaatti-allegro, vaan kuusi muunnelmaa kevyestä ja rauhallisesta, viattomasti siroisesta teemasta. Se näyttää kappaleelta, joka voitaisiin hymyttää hyvällä, rauhallisella tuulella Wienin musiikkielämässä. Sen pehmeästi heiluva rytmi muistuttaa sisilialaisen - vanhan italialaisen tanssi- tai tanssilaulun - liikettä: Säveltäjä kutsui sonaatin (finaali) kolmannen osan "A11a Turca" - "Turkkilaisessa suvussa". Myöhemmin tätä finaalia kutsuttiin turkkilaiseksi marssiksi. Turkkilaisen folk- ja ammattimusiikin intonaatiorakenteella ei ole mitään yhteistä, mikä on epätavallista eurooppalaiselle korvalle. Mutta 1700-luvulla eurooppalaisessa, lähinnä teatterimusiikissa, syntyi muoti marsseille, joita kutsutaan perinteisesti "turkkilaisiksi". He käyttävät "Janissary" -orkesterin sävyä, jossa puhallin- ja lyömäsoittimet olivat hallitsevia - isot ja pienet rummut, symbaalit, kolmio. Janissareita kutsuttiin Turkin armeijan jalkaväkiyksiköiden sotilaisiksi. Eurooppalaiset kokivat marssiensä musiikin villinä, meluisana, "barbaarisena". Muunnelmien välillä ei ole teräviä kontrasteja, mutta niillä kaikilla on erilainen luonne. Ensimmäisessä muunnelmassa vallitsee tyylikäs hassu melodinen liike, toisessa - siro leikkisyys yhdistetään humoristiseen sävyyn (vasemmanpuoleisessa osassa olevat "ilkikuriset" armon nuotit ovat huomionarvoisia). Kolmas muunnelma - ainoa, joka ei ole kirjoitettu A-duuriksi, vaan a-molliksi - on täynnä hiukan surullisia melodisia hahmoja, jotka liikkuvat tasaisesti, ikään kuin lempeällä ujouudella: Trion lopussa on nimitys "Minuetto da capo". Italia - "päässä", "alusta alkaen". 35 "Da capo" käännetty sivulta 42 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla Finaali on kirjoitettu epätavallisessa muodossa. Se voidaan määritellä kolmiosaiseksi kuorolla (A-duuri). Toistuva kuoro antaa finaalille rondomerkin. Ensimmäinen osa - helposti "pyörteisillä" motiiveilla (a-molli) - ja keskiosa - melodisella kulkuliikkeellä (F-terävä molli) - yhdistävät luonnollisesti siro tanssin selkeään marssivaiheeseen: Pitkään se oli uskoi, että Mozart sävelsi sonaatin A-duuri kesällä 1778 Pariisissa. Mutta sitten he löysivät tietoja, että tämä tapahtui muutama vuosi myöhemmin, Wienistä. Tällainen tieto on sitäkin todennäköisempää, että siellä esiintyi vuonna 1782 Mozartin laulun "Sieppaus Seragliosta" ensi-ilta. Siinä toiminta tapahtuu Turkissa, alkusoittojen musiikissa ja kahdessa marssikuorossa "Janissary" -musiikin jäljitelmä on havaittavissa. Lisäksi se on meluisa; Väänäessään "Janissary" -koodin A-duuri, Mozart lisäsi senaatit finaaliin vasta vuonna 1784, kun teos julkaistiin. On myös huomionarvoista, että sonaatissa, kuten The Serdlio-sieppauksessa, suuri rooli kuuluu laulun ja marssin genreihin. Kaikessa tässä ilmeni instrumentaalimusiikin ja teatterimusiikin yhteys Mozartille hyvin ominaista. Kysymykset ja tehtävät 1. Mikä on Mozartin sonaatin A-duuri syklin erikoisuus? Kerro teeman luonteesta ja kuudesta muunnelmasta tämän teoksen ensimmäisessä osassa. 2. Mitä tanssilajia käytetään sonaatin toisessa osassa? 3. Selitä, miksi sonaatin A-duuri finaalia kutsutaan "turkkilaiseksi marssiksi". Mikä on sen rakentamisen erikoisuus? Laula hänen pääteemansa. 4. Millä Mozartin musiikillisella ja teatterityöllä hänen "turkkilaisen marssin" musiikki kaikuu? Sinfonia g-molli Kirjoitettu Wienissä 1788, sinfonia g-molli! (Nro 40) on yksi suuren säveltäjän innoitetuimmista teoksista. Sinfonian ensimmäinen osa on sonaatti-allegro erittäin nopeasti. Se alkaa pääosan teemalla, joka kiehtoo välittömästi luottamuksellisena, vilpittömänä lyyrisenä tunnustuksena. Sitä laulavat viulut muiden kielisoittimien pehmeästi heiluttavalla säestyksellä. Hänen melodiansa tunnistaa saman kiihtyneen rytmin kuin Cherubinon ensimmäisen arian alussa Figaron avioliitosta (ks. Esimerkki 37). Mutta nyt se on enemmän "aikuisten", vakavia ja rohkeita sanoituksia: Kuoro (A-duuri) soi kolme kertaa, se on kuin eräänlainen "janissarimeluisa kuoro", vasemman käden osassa kuulet jäljitelmän rumpu: Tässä suhteessa "turkkilainen marssi" kutsutaan joskus "turkkilaiseksi Rondoksi" ("Rondo alla Turca"). 36 43 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla Pieni kehitys). Mutta siinä ei ole kontrasteja, kaikki tottelevat yleistä kevyttä tunnelmaa, joka on alusta alkaen määritelty jousisoittimien pääosassa: Hahmon maskuliinisuutta korostetaan yhdistävässä osassa, johon pääosa kehittyy. Modulaatio tapahtuu rinnakkain G-mollin kanssa B-duuri - sivuosan avain. Sen teema on kevyempi, siro ja naisellinen pääteemaan verrattuna. Sitä värjäävät kromaattiset intonaatiot sekä jousien ja puupuhaltimien sävyjen vuorottelu: Seitsemännessä mittakaavassa tässä näkyy helposti "lepattava" kahden kolmekymmentä sekunnin nuotti. Tulevaisuudessa se joko tunkeutuu kaikkien teemojen melodisiin viivoihin tai ikään kuin kietoutuu niiden ympärille ja esiintyy eri soittimien eri rekistereissä. Ne ovat kuin kaikun ääni rauhallisesta luonnosta. Vain ajoittain hieman häiriintyneinä he kuulevat nyt lähellä, nyt kaukana. Vakiintuneen perinteen mukaan sinfonian kolmas osa on Minuet. Mutta siinä vain keskiosa on selvästi perinteinen - Trio. Sujuvalla liikkeellään, äänten melodisuudella ja G-duuri-tonaalisuudella trio käynnistää tämän Menuetin g-molli-pää-, äärilohkot, mikä on yleensä epätavallista lyriikan ja dramaattisen jännityksen suhteen. Näyttää siltä, \u200b\u200bettä Andanteessa ruumiillistuneen luonnon hiljaisen mietiskelyn jälkeen minun piti palata sinfonian ensimmäisessä osassa vallinneeseen mielenterveyden ja huolen maailmaan. Tämä vastaa sinfonian pääavaimen - g-molli - palauttamista: Viimeisessä osassa tapahtuu uusi energian puhkeaminen. Tässä johtava rooli kuuluu pääpuolueen teeman ensimmäisen - kolmen äänen - motiivin toistuvaan ja jatkuvaan kehittämiseen. Täysin kummallisen kehityksen alkaessa pilvet näyttävät kerääntyvän hälyttävästi. Kevyestä B-l-duurista tehdään terävä käänne F-terävän mollin synkälle, kaukaiselle näppäimelle. Pääpuolueen teema kehittyy dramaattisesti kehityksessä. Se käy läpi useita sävyjä, hajoaa erillisiksi lauseiksi ja motiiveiksi, ja niitä jäljitellään usein orkesterin eri äänillä. Tämän teeman ensimmäinen motiivi sykkii erittäin voimakkaasti. Mutta lopulta sen syke heikkenee, hillitsee vapinaa ja alkaa nousu. Kehityksessä saavutetun suuren dramaattisen intensiteetin vaikutus heijastuu kuitenkin ensimmäisen osan tässä osassa. Täällä yhdistävän osan pituus kasvaa merkittävästi, se johtaa sivu- ja loppuosien esittämiseen ei enää duurissa, vaan g-mollin päänäppäimessä, mikä tekee niiden äänestä dramaattisemman. Sinfonian toinen osa on Andante Es-duuri. Se eroaa lyyris-dramaattisesta ensimmäisestä osasta pehmeällä ja helläan seesteisyydellään. Andante-muoto on myös sonaatti (sinfonian pääavain ja sinfonian neljäs osa - f-finaali - finaali etenee erittäin nopeasti. Finaali on kirjoitettu sonaattimuodossa. Pääosan teema johtaa tässä osassa Samanaikaisesti ensimmäisen osan pääosan teema kuuluu kirkkaimpiin Mozartin instrumentaaliteemoihin. Mutta jos ensimmäisen osan teema kuulostaa lempeältä ja värisevältä lyyriseltä tunnustukselta, niin finaalin teema on intohimoinen lyyrinen ja dramaattinen vetovoima, täynnä rohkeutta ja päätämme 44 www.classON.ru Lasten koulutus Venäjän taide 2. Kerro sinfonian ensimmäisen osan pääteemoista ja niiden kehityksestä. 3. Mikä on musiikin luonne sinfonian toisessa ja kolmannessa osassa? 4. Mikä on sinfonian finaalin pääteema? Kuinka sen luonne eroaa ensimmäisen osan pääosan teemasta? 5. Kuinka finaalin pääpelin teema on jäsennelty? Mihin kehityskehitys perustuu? Suurimmat teokset Tämä tulinen vetovoima syntyy melodian noustessa sointujen äänessä, yhden äänen ympärillä kiertävät energiset melodiset hahmot näyttävät vastaavan sen impulssiin. Kuten sinfonian ensimmäisessä osassa, finaalin toissijaisen osan siro teema kuulostaa erityisen kirkkaalta näyttelyssä, kun se esitetään B-duur-duurissa: 19 oopperaa Requiem Noin 50 sinfoniaa 27 konsertoa klavierille ja orkesterille 5 konsertoa viulu ja orkesteri perustuu pääosan teeman toiseen elementtiin. Finaalin kehityksessä pääpelin teeman ensimmäinen, kutsuva osa kehittyy erityisen voimakkaasti. Suuri dramaattinen jännite saavutetaan harmonisten ja moniäänisten kehitysmenetelmien keskittämisellä - johtaminen monissa sävyisissä ja jäljitelmäkutsuissa. Repriisissä toissijaisen osan esitys g-molli-avaimessa on hieman surullisen varjossa. Ja pääosan teeman toinen osa (myönteiset, energiset hahmot), kuten näyttelyssä, kuulostaa reprise-osan viimeisen osan pohjalta. Tämän seurauksena tämän loistavan Mzartin luomuksen finaali muodostaa elävän lyyrisen ja dramaattisen huipun koko sonaatti-sinfonisesta syklistä, ennennäkemättömän läpikuvakehityksen tarkoituksenmukaisuudessa. Ludwig van Beethoven 1770-1827 Suuri saksalainen säveltäjä Ludwig van Beethoven on nuorin kolmesta loistavasta muusikosta, joita kutsutaan wieniläisiksi klassikoiksi. Beethoven sattui elämään ja luomaan jo 1600- ja 1900-lukujen vaihteessa, suurten yhteiskunnallisten muutosten ja mullistusten aikakaudella. Hänen nuoruutensa osui samaan aikaan, kysymysten ja tehtävien 1 kanssa. Milloin ja missä Mozart loi sinfonian g-molli nro 40? 45 www.classON.ru Lasten koulutus venäläisen taiteen alalla

Ulkomaalaisten musiikkikirjallisuutta tukevat muistiinpanot ovat lisäys olemassa oleviin musiikkikirjallisuuden oppikirjoihin. Oppikirjan sisältö vastaa aiheen PO.02.UP.03 ohjelmaa. Kulttuuriministeriön suosittelemat "musiikkikirjallisuus" musiikkitaiteen alan ammattikoulutusta edeltävistä lisäkoulutuksesta "Piano", "Jousisoittimet", "Puhallin- ja lyömäsoittimet", "Kansaninstrumentit", "Kuorolaulu" Venäjän federaation.

Musiikkikirjallisuuden nuottien tarkoituksena on kehittää humanitaarista koulutusta ja opiskelijoiden erityisosaamista, erityisesti: "... muodostaa musiikillista ajattelua, taitoja musiikkiteosten havaitsemisesta ja analysoinnista, hankkia tietoa musiikillisen muodon laeista, musiikkikielen erityispiirteistä, musiikin ilmaisukeinoista" 1 .

Oppikirjassa säveltäjien teokset esitetään kulttuuristen ja historiallisten aikakausien yhteydessä, tutkittu läheisessä yhteydessä historiallisten tapahtumien ja niihin liittyvien taiteiden kanssa. Tiivistelmien aineisto edustaa V.N.Bryantsevan, V.S.Galatskajan, L.V.Kirillinan, V.D.Kosenin, T.N.Livanovan, I.D.Prokhorovan ja muiden tunnettujen musiikkitieteilijöiden musiikkihistoriaan liittyvien tutkimusten pääteitä, yleistettyä ja tiivistä ohjeaineistoa muodossa taulukoita, kaavioita ja visuaalisia tukia. Visuaaliset tuet (kuuluisien taiteilijoiden maalausten kopiot, säveltäjien, heidän sukulaistensa ja ystäviensä muotokuvat, merkittävät kulttuuri- ja taidehahmot, historialliset hahmot jne.) Eivät vain liity ja täydennä sanallista tietoa, vaan ovat myös tiedon kantajia hienolla alalla taiteet, liittyvät suoraan musiikin aikakausiin ja suuntauksiin, säveltäjien luovuuteen, heijastavat Euroopan maiden historiaa, kulttuuria ja taidetta.

Liitekappaleiden sisältö koostuu neljästä osiosta, jotka puolestaan \u200b\u200bon jaettu aiheisiin, jotka kattavat eurooppalaisen musiikin kehitysjaksot antiikin Kreikan musiikkikulttuurista 1800-luvun romanttisten säveltäjien teoksiin. Joten ensimmäisessä osassa tarkastellaan antiikin Kreikan musiikkikulttuuria, keskiajan ja renessanssin aikakausia. Toisessa osassa tarkastellaan barokin aikakautta, J.S.Bachin ja G.F.Handelin teoksia. Kolmas osa on omistettu klassismin aikakaudelle, jossa painotetaan wieniläisten klassikoiden - J. Haydnin, W. A. \u200b\u200bMozartin ja L. Beethovenin - työtä. Neljännessä osassa esitellään romantiikan aikakauden materiaaleja, F. Schubertin ja F. Chopinin teoksia, lyhyt katsaus 1800-luvun romanttisten säveltäjien F. Mendelssohnin, F. Lisztin, R. Schumannin, G. Berliozin, D. Verdi, R. Wagner, I. Brahms, J. Bizet.

Opas sisältää myös tekstissä olevien merkitysten, termien ja käsitteiden sanakirjat, lyhyen analyysin ja musiikillisia esimerkkejä tutkituista teoksista.

Yhdessä materiaalin tarkan esittämisen taulukoissa ja kaavioissa ohjekirja sisältää mielenkiintoisia faktoja säveltäjien elämästä, jotka on esitetty kertomuksen muodossa ja mukana värikkäissä taiteellisissa kuvituksissa, mikä virkistää lasten käsitystä ja huomiota.

Ulkomaalaisten musiikkikirjallisuuden perushuomautukset on tarkoitettu lasten taidekoulujen, toisen ja kolmannen opiskeluvuoden (5. ja 6. luokka) lasten musiikkikoulujen opiskelijoille, jotka ovat ilmoittautuneet musiikin alan ammattikoulutusta edeltäviin lisäkoulutusohjelmiin taide. Lasten musiikkikoulun, Lasten taidekorkeakoulun musiikkiteoreettisten ja erityisalojen opettajat voivat käyttää oppikirjaa opiskellessaan uutta materiaalia, toistamalla ja järjestelmällisesti käsiteltyjä aiheita, valmistautumalla opiskelijoiden väli- ja lopputodistuksiin, valmistautumalla musiikkiteoreettisiin olympialaisihin, itsenäisesti opiskelijoiden työ, ryhmä - ja henkilökohtainen koulutus, osittain toteutettaessa muita yleisiä kehitysohjelmia vuonna 2007 musiikkitaiteen alalla kulttuuri- ja koulutustoiminnassa.

Liitetiedostojen mukana on työkirja, joka on suunniteltu toimimaan luokkahuoneessa.

Alla on otteita käsikirjasta "Perustietoja ulkomaisten musiikkikirjallisuudesta".

Jos haluat ostaa Tatyana Guryevna Savelyevan käsikirjan "Perustietoja ulkomaisten musiikkikirjallisuudesta", ota yhteyttä kirjailijaan osoitteessa [sähköposti suojattu]

_____________________________________________

1 Arvioitu opetussuunnitelma akateemiselle aineelle PO 02. UP.03. Musiikkikirjallisuus. - Moskova 2012

______________________________________________________