Italialainen renessanssimaalaus - Giotto, Masaccio, Angelico, Titian ja Giorgione. Renessanssitaiteilijat ▲ Englannin renessanssitaiteilijat

ANGELICO Fra Beato
GIOTTO di Bondone
MANTENIA Andrea
BELLINI Giovani
BOTTICELLI Sandro
VERONEZE Paolo
da VINCI Leonardo
JORDONE
Carpaccio Vittore
MICHELANGELO BUONARROTI
RAPHAEL Santi
TITIAN

Renessanssi tai renessanssi -
(Ranskan renessanssi, italialainen Rinascimento) -
aikakausi eurooppalaisen kulttuurin historiassa,
joka korvasi keskiajan kulttuurin ja
edeltää nykyajan kulttuuria.
Aikakauden arvioitu aikajärjestys - XIV-XVI vuosisatoja.
Renaissanssin erottuva piirre on kulttuurin maallinen luonne
ja sen antropocentrismi (toisin sanoen kiinnostus,
henkilölle ja hänen toiminnalleen).
Kiinnostus muinaista kulttuuria kohtaan ilmestyy,
siinä on ikään kuin sen "uudestisyntyminen" - ja näin termi ilmestyi.

Renessanssi tapahtui Italiassa klassisella täydellisyydellä,
renessanssikulttuurissa, jossa on renessanssia edeltäviä aikoja
ilmiöt 13. ja 14. vuosisadan vaihteessa. Varhaisrenessanssi (1400-luku),
Korkea renessanssi (1500-luvun loppu - 1500-luvun 1. vuosineljännes),
Myöhäinen renessanssi (1500-luku).
Varhaisessa renessanssissa innovaatioiden painopiste
firenzeläisestä koulusta tuli kaikenlainen taide,
arkkitehdit (F.Brunelleschi, L.B.Alberti, B.Rossellino jne.),
kuvanveistäjät (L.Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, A.Rossellino,
Desiderio da Settignano jne.), Maalarit (Masaccio, Filippo Lippi,
Andrea del Castagno, Paolo Uccello, Fra Angelico,
Sandro Botticelli ja muut), jotka loivat plastisesti integraalin,
käsitys maailmasta, jossa on sisäinen ykseys,
leviää vähitellen kaikkialle Italiaan
(Piero della Francescan teokset Urbinossa, Vittore Carpaccio,
F. Cossa Ferrarassa, A. Mantegna Mantovassa, Antonello da Messina
ja veljet Gentile ja Giovanni Bellini Venetsiassa).
Renessanssin aikana, jolloin taistelu humanistista
Renessanssin ideaalit saivat jännittyneen ja sankarillisen luonteen,
arkkitehtuuri ja kuvataide leimattiin leveysasteella
julkinen ääni, synteettinen yleistys ja kuvien voima,
täynnä henkistä ja fyysistä toimintaa.
Raphaelin D. Bramanten rakennuksissa Antonio da Sangallo saavutti
sen apogee on täydellinen harmonia, monumentaalisuus ja selkeä suhde;
humanistinen täyteys, rohkea taiteellisen mielikuvituksen lento,
todellisuuden kattavuus on ominaista suurimpien luovuudelle
tämän aikakauden kuvataide - Leonardo da Vinci,
Raphael, Michelangelo, Giorgione, Titian.
1500-luvun toisesta neljänneksestä lähtien, kun Italia tuli poliittisen kriisin aikaan
ja pettymys humanismin ideoihin, monien mestareiden työhön
hankkinut monimutkaisen ja dramaattisen luonteen.
Myöhäisen renessanssin arkkitehtuurissa (Michelangelo, G. da Vignola,
Giulio Romano, V. Peruzzi) lisääntynyt kiinnostus alueelliseen kehitykseen
rakennuksen koostumus, alisteisuus laajalle kaupunkisuunnittelukonseptille;
rikkaissa ja hienostuneissa julkisissa rakennuksissa, temppeleissä,
villah, palazzon varhaisen renessanssin kirkas tektoniikka muuttui
tektonisten voimien voimakas konflikti (J. Sansovinon,
G. Alessi, M. Sanmicheli, A. Palladio).
Myöhäisen renessanssin maalaus ja veistokset rikastuttivat
ymmärtäminen maailman ristiriitaisuudesta, kiinnostus kuvaan
dramaattinen massatoiminta, tiladynamiikkaan
(Paolo Veronese, J. Tintoretto, J. Bassano);
ennennäkemätön syvyys, monimutkaisuus, sisäinen tragedia saavutettu
kuvien psykologiset ominaisuudet myöhemmissä teoksissa
Michelangelo ja Titian.

Venetsialainen koulu

Venetsialainen koulu, yksi Italian suurimmista maalauskouluista
Venetsian kaupungissa (osittain myös Terrafarmin pikkukaupungeissa).
Venetsian vieressä sijaitsevat mantereen alueet).
Venetsialaiselle koululle on ominaista kuvallinen alku,
erityistä huomiota väriongelmiin, halu toteuttaa
aistillinen täydellisyys ja olemuksen loisto.
Venetsialaisen koulun suurin kukoistus saavutettiin aikakaudella
Varhainen ja korkea renessanssi, Antonello da Messinan teoksissa,
joka avasi öljymaalauksen ilmeikkäät mahdollisuudet aikalaisilleen,
Giovanni Bellinin ja Giorgionen ihanteellisten harmonisten kuvien luojat,
suurin koloristi Titian, joka ruumiillistui kankaisiinsa
iloisuus ja värikäs lukuisuus, joka on ominaista venetsialaiselle maalaukselle.
1500-luvun toisen puoliskon venetsialaisen koulun mestareiden teoksissa.
virtuoosi välittää maailman monivärinen, rakkaus juhlallisiin silmälaseihin
ja monipuolinen väkijoukko esiintyy rinnakkain eksplisiittisen ja piilotetun draaman kanssa,
hälyttävä tunne universumin dynamiikasta ja äärettömyydestä
(Paolo Veronesen ja J. Tintoretton maalaus).
17-vuotiaana perinteisessä venetsialaisessa koulussa kiinnostus väriongelmiin
D. Fettin teoksissa B. Strozzi ja muut ovat rinnakkain barokkimaalaustekniikoiden kanssa,
samoin kuin realistisia taipumuksia karavaggisuuden hengessä.
1700-luvun venetsialaista maalausta varten. kukoistava
monumentaalinen ja koristeellinen maalaus (G.B. Tiepolo),
genre genre (J.B. Piazzetta, P.Longhi),
dokumentoitu - tarkka arkkitehtoninen maisema - lyijy
(J.A.Canaletto, B.Belotto) ja lyriikka,
välittää hienovaraisesti jokapäiväisen elämän runollista ilmapiiriä
Venetsian kaupunkikuva (F.Guardi).

Firenzeläinen koulu

Firenzen koulu, yksi johtavista italialaisista taidekouluista
Renessanssi keskellä Firenzen kaupunkia.
Firenzen koulun muodostuminen, joka lopulta muotoutui 1400-luvulla,
myötävaikuttanut humanistisen ajattelun kukoistamiseen
(F.Petrarca, G.Boccaccio, Lico della Mirandola ja muut),
kääntyi antiikin perintöön.
Giottosta tuli firenzeläisen koulun perustaja renessanssin aikakaudella,
antaa sävellyksilleen muovisen suostuttavuuden ja
elintärkeä varmuus.
1400-luvulla. renessanssin taiteen perustajat Firenzessä
arkkitehti F. Brunelleschi, kuvanveistäjä Donatello,
taidemaalari Masaccio, jota seuraa arkkitehti L.B. Alberti,
kuvanveistäjät L.Ghiberti, Luca della Robbia, Desiderio da Settignano,
Benedetto da Maiano ja muut
Firenzen koulun arkkitehtuurissa 1400-luvulla. luotiin uusi tyyppi
Renaissance palazzo, ihanteellisen temppelirakennuksen etsiminen on alkanut,
aikakauden humanististen ihanteiden täyttäminen.
1400-luvun firenzeläisen koulun kuvataiteille. ominaisuus
intohimo näkökulman ongelmiin, pyrkimys plastisesti selkeään
ihmishahmon rakentaminen
(A. del Verrocchion, P. Uccellon, A. del Castagnon jne. teokset),
ja monille hänen mestareistaan \u200b\u200b- erityinen hengellisyys ja intiimi lyyrinen
mietiskely (B.Gozzolin, Sandro Botticellin,
Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo ja muut).
1400-luvun mestareiden haut renessanssin suurten taiteilijoiden valmistama
Leonardo da Vinci ja Michelangelo, jotka nostivat taiteellisen tehtävän
Firenzen koulu uudelle laatutasolle. 1520-luvulla.
koulun asteittainen heikkeneminen alkaa siitä huolimatta
että monet suuret taiteilijat jatkoivat työskentelyä Firenzessä
(maalarit Fra Bartolommeo ja Andrea del Sarto, kuvanveistäjä A. Sansovino);
1530-luvulta. Firenzen koulusta tulee yksi tärkeimmistä keskuksista
maneristinen taide (arkkitehti ja taidemaalari G. Vasari,
maalarit A. Bronzino, J. Pontormo).
1600-luvulla firenzeläinen koulu romahti.

Varhainen renessanssi

Niin sanotun "varhaisen renessanssin" kausi kattaa
Italiassa aika on 1420-1500.
Näiden kahdeksankymmenen vuoden aikana taide ei ole vielä täysin hylätty
lähimenneisyyden legendoista, mutta yrittää sekoittaa elementtejä niiden kanssa,
lainattu klassisesta antiikista.
Vasta myöhemmin ja vain vähitellen yhä useamman vaikutuksen alaisena
ja vahvemmat muuttuvat elinolot ja kulttuuri,
taiteilijat hylkäävät keskiajan perustukset ja käyttävät rohkeasti
esimerkkejä muinaisesta taiteesta heidän teostensa yleiskäsitteessä,
ja niiden yksityiskohdissa.

Taiteessa Italiassa oli jo päättäväisesti jäljitelty polku
klassisen antiikin, muissa maissa se oli
goottilaistyyliset perinteet. Alppien pohjoispuolella ja myös Espanjassa,
Herätys tapahtuu vasta 1400-luvun lopulla,
ja sen alkuvaihe kestää suunnilleen seuraavan vuosisadan puoliväliin,
tuottamatta kuitenkaan mitään erityisen merkittävää.

Korkea renessanssi

Renessanssin toinen kausi - hänen tyylinsä upeimman kehityksen aika -
yleisesti kutsutaan "renessanssiksi"
se ulottuu Italiassa noin 1500-1580.
Tällä hetkellä Firenzen italialaisen taiteen painopiste
muuttaa Roomaan, kiitos liittymisen Julius II: n paavinvaltaan,
kunnianhimoinen, rohkea ja yritteliäs henkilö,
houkutteli hoviinsa parhaita italialaisia \u200b\u200btaiteilijoita,
joka miehitti heitä lukuisilla ja tärkeillä teoksilla ja antoi
toisille esimerkki rakkaudesta taiteeseen. Tämän paavin ja hänen lähimpien seuraajiensa kanssa
Roomasta tulee ikään kuin Perikles-aikojen uusi Ateena:
siihen luodaan monia monumentaalisia rakennuksia,
suoritetaan upeita veistostöitä,
maalataan freskoja ja maalauksia, joita pidetään edelleen maalaushelminä;
vaikka kaikki kolme taiteen haaraa kulkevat harmonisesti käsi kädessä,
autetaan toisiaan ja toimitaan keskenään.
Antiikkia tutkitaan nyt perusteellisemmin,
lisääntynyt tiukemmin ja johdonmukaisemmin;
rauhallisuus ja ihmisarvo vahvistetaan leikkisän kauneuden sijasta,
mikä oli edellisen kauden tavoite;
muistot keskiajallisuudesta katoavat kokonaan ja ovat melko klassisia
jälki putoaa kaikkiin taideteoksiin.
Mutta muinaisten ihmisten jäljitteleminen ei hukuta heidän itsenäisyyttään taiteilijoissa,
ja he, suurella kekseliäisyydellä ja fantasian vilkkaudella,
käsitellä ja soveltaa vapaasti mitä
jota pidetään tarkoituksenmukaisena lainata hänelle kreikkalais-roomalaisesta taiteesta.

Myöhäinen renessanssi

Renessanssin kolmas kausi,
ns. myöhäisen renessanssin aika,
erottaa taiteilijoiden intohimoinen, levoton halu
melko mielivaltaisesti, ilman kohtuullista järjestystä, kehittyy
ja yhdistää antiikkikuvioita saadaksesi kuvitteellisen maalauksellisuuden
muotojen liioittelu ja vaatimattomuus.
Merkkejä tästä pyrkimyksestä, joka synnytti barokkityylin,
ja sitten, 1700-luvulla, rokokoo-tyyli näytettiin takaisin vuonna
edellisen ajanjakson suurelta osin tahattoman syyn takia
suuri Michelangelo, nerokas, mutta liian subjektiivinen
vaarallisen esimerkin luovuudesta erittäin vapaasta asenteesta
muinaisen taiteen periaatteisiin ja muotoihin; mutta nyt suunta
se on tehty universaaliksi.

****************************************************

ANGELICO, FRA BEATO -
(Fra Giovanni da Fiesole) (Angelico, fra Beato; fra Giovanni da Fiesole)
(n. 1400-1455), italialainen taidemaalari firenzeläisestä koulusta.
Hänen teoksissaan yhdistettiin syvä uskonnollinen sisältö ja tyylikkyys;
goottilainen maalausperinne ja renessanssin uuden taiteen piirteet.
Fra Angelico, joka maailmassa nimettiin Guido di Piero,
syntyi Vicchion kaupungissa Toscanassa noin vuonna 1400. Vuodelta 1417 peräisin olevassa asiakirjassa
hänet mainitaan jo taiteilijana; se tunnetaan myös
että ennen 1423 Fiesolessa hän astui Dominikaaniseen järjestykseen saamalla Fra Giovanni da Fiesolen nimen,
ja myöhemmin Firenzessä sijaitsevan San Marcon luostarin apotti.
Monet teokset johtuvat Fra Angelicon työn alkuvaiheesta,
pidetään nyt opiskelijoiden teoksina, muunnelmina hänen sävellystensä aiheista.
Yksi taiteilijan ensimmäisistä suurimmista teoksista on luostarin Linayuoli-triptyykki
San Marco Firenzessä (1433-1435), jonka keskiosassa Neitsyt ja lapsi ovat edustettuina
valtaistuimella ja sivupaneeleissa on kaksi pyhää. Jumalan äidin hahmo näkyy perinteisesti,
ja seisovien pyhien kuvauksessa Masaccion maalauksen vaikutus on havaittavissa sen raskaalla ja jäykällä kasvojen mallinnuksella.
1430- ja 1440-luvulla Fra Angelico käytti ensimmäisiä uudentyyppisiä alttaritauluja,
josta tuli hyvin suosittua renessanssin aikana - sacra conversazione (pyhä haastattelu).
Vuosina 1438–1445 taiteilija maalasi San Marcon firenzeläisen luostarin freskoilla.
Tämä luostari, jonka paavi Eugene IV siirsi Dominikaaniseen järjestykseen, rakennettiin uudelleen arkkitehdin toimesta
Michelozzo tilaama herttua Cosimo Medici. Seinämaalausten teema liittyy Dominikaaniseen järjestykseen,
sen historia, peruskirja, erityisesti kunnioitetut pyhät.
Esimerkkinä ovat luostarin freskot (kuollut Kristus; Kristus vaeltajana,
jonka vastaanottaa kaksi dominikaanista munkkia; Pyhä Pietari marttyyri (dominikaanien pääpyhimys);
Dominic, polvistumassa ristiinnaulitsemisen yhteydessä).
Fra Angelico kirjoitti lukusalissa suuren sävellyksen Ristiinnaulitseminen kahdella rosvolla
Kristuksen puolelle ja joukko pyhimyksiä kristinuskon kaikilta aikakausilta ristin juurelle.
Heidän surevat kasvonsa kääntyvät maahan, kukaan ei katso ylös Kristukseen;
taiteilija ei kuvannut ristiinnaulitsemista historiallisena tapahtumana, vaan mystisenä kuvana,
elää ihmistietoisuudessa.
San Marcon luostarin freskot täyttävät Kristuksen jäljitelmän hengen - mystinen uskonnollinen tutkielma,
kirjoittanut Kempin augustinolainen kaanon Thomas.
Jokainen solu oli myös koristeltu freskoilla, jotka oli tarkoitettu veljien rakentamiseen,
esimerkiksi sävellys Kristuksen pilkkaaminen. Näiden freskojen tunnelma vastaa yksinkertaisuutta ja
rauhallinen maalaus.
Elämänsä viimeiset kymmenen vuotta Fra Angelico vietti Roomassa, jossa hän koristi kappelin freskoilla
Paavi Nikolai V (1445-1448). Katkelmia St. Lawrence ja St. Stefan.
Suunnittelun mukaan nämä olivat enemmän kerronta kohtauksia kuin rukouskuvia.
He käyttävät monimutkaisia \u200b\u200barkkitehtonisia taustoja, joiden rakentamisessa tieto tuntuu
antiikin taiteen mestari, ja tarkasti kalibroiduissa perspektiivirakenteissa voi nähdä vaikutuksen
Masaccio ja Brunelleschi.

Neitsyt Marian kruunajaiset

Pyhien pyhien piinat Cosmas ja Damian

*********************************************

Giotto di Bondone - syntynyt 1266 tai 1267
Vespignanon kylässä Firenzen lähellä pienen maanomistajan perheessä.
Oletettavasti 10-vuotiaana Giotto alkoi opiskella maalausta
kuuluisan firenzeläisen taidemaalarin Cimabuen studiossa.
Giotto oli Firenzen kansalainen, vaikka hän työskenteli myös Assisissa, Roomassa, Padovassa,
Napoli ja Milano. Hänen taiteellinen lahjakkuutensa ja käytännön liiketoimintaosaamisensa varmistettiin
hän on kiinteässä tilassa. Huolimatta siitä, että Giotton työpaja kukoisti,
historiassa on säilynyt vain muutama hänen nimellään allekirjoitettu kangas,
ja jopa ne, asiantuntijoiden mukaan, kuuluvat todennäköisesti hänen avustajiensa harjaan.
Giotton räikeä persoonallisuus erottuu italialaisista protorenesanssin mestareista,
ensinnäkin taipumus innovoida, luoda uusi taiteellinen tapa,
ennalta määritteli tulevan renessanssin klassisen tyylin.
Hänen maalauksensa ilmentää ajatusta ihmiskunnasta ja kantaa humanismin ensimmäiset alkuajat.
Vuosina 1290-99. Giotto loi Assisen San Francescon ylemmän kirkon seinämaalaukset -
25 freskoa, jotka kuvaavat Vanhan testamentin kohtauksia, sekä jaksoja Assisin Franciscuksen elämästä
("Lähteen ihme"). Freskot ovat merkittäviä selkeyden, mutkattoman kertomuksen,
jokapäiväisten yksityiskohtien läsnäolo, jotka antavat kuvatuille kohtauksille elinvoimaa ja luonnollisuutta.
Hylättyään tuon ajan taidetta hallinneen kirkollisen kaanonin,
Giotto kuvaa hahmojaan samanlaisina kuin oikeat ihmiset:
suhteellisilla, kyykkyillä rungoilla, pyöreillä (ei pitkänomaisilla) pinnoilla,
oikea silmän muoto jne. Hänen pyhänsä eivät nouse maanpinnan yläpuolelle, mutta seisovat tiukasti sen päällä molemmilla jaloilla.
He ajattelevat enemmän maallisesta kuin taivaallisesta, kokevat täysin inhimillisiä tunteita ja tunteita.
Ensimmäistä kertaa italialaisen maalauksen historiassa maalauksen sankareiden mielentila
välitetään ilmeillä, eleillä, asennolla.
Perinteisen kultaisen taustan sijaan Giotton freskot kuvaavat maisemaa,
sisustus- tai veistosryhmät basilikan julkisivuissa.
Jokaisessa sävellyksessä taiteilija kuvaa vain yhden hetken toiminnasta,
eikä sarja erilaisia \u200b\u200bkohtauksia, kuten monet hänen aikalaisensa tekivät.
1300-luvun alussa. taiteilija vieraili Roomassa.
Tutustuminen myöhään antiikkimaalaukseen ja P. Cavallinin teoksiin
myötävaikuttanut hänen luovan menetelmänsä muodostumiseen.
Giotton luovia saavutuksia kehitettiin edelleen Scrovegnin kappelin maalauksissa
(Chapel del Arena) Padovassa, jonka hän teki vuosina 1304-06.
Kappeli sijaitsee seinillä 3 kerroksessa,
freskot kuvaavat kohtauksia Joachimin ja Annan elämästä
("Joachim paimenien joukossa", "Joachimin uhri", "Joachimin unelma", "Kokous Kultaisen portin luona"),
Neitsyt Maria ja Kristus ("Joulu", "Magien palvonta", "Lento Egyptiin",
"Imeväisten verilöyly", "Kristuksen kaste", "Lasarus ylösnousemus",
"Juudas saa maksun petoksesta", "Juudaksen suudelma",
"Ristin kantaminen", "Ristiinnaulitseminen", "Kristuksen valitus", "Ylösnousemus"),
samoin kuin viimeisen tuomion kohtauksia.
Nämä maalaukset ovat taiteilijan pääteos ja huipentuma.
Vuosina 1300-02. Giotto suorittaa seinämaalauksia Badian kirkossa Firenzessä.
Vuoteen 1310-20 mennessä. Tutkijat pitävät kuuluisaa alttaritaidetta "Madonna Onissanti".
Sävellystä ei ole allekirjoitettu, mutta tutkijat pitävät sitä yksimielisesti Giottossa.
1320-luvulla. Giotto luo seinämaalauksia Peruzzi- ja Bardi-kappeleille
Firenzen kirkossa Santa Crocessa Johannes Kastajan elämän aiheista,
Johannes evankelista ja Francis of Assisi
("Pyhän Franciscuksen leimaaminen", "Pyhän Franciscuksen kuolema ja ylösnousemus").
Vuosina 1328-33. Giotto teki lukemattomien opiskelijoiden avulla maalauksia osoitteessa
Anjoun kuninkaan Robertin napolilainen tuomioistuin, joka myönsi taiteilijalle "tuomioistuimen" arvonimen.
Vuodesta 1334 Giotto valvoi Santa Maria del Fioren katedraalin rakentamista
ja kaupungin linnoituksia Firenzessä, jotka saivat laajan tunnustuksen
aikalaiset ja Firenzen kansalaiset. Giottolle hyvitetään Campanile-projekti
Firenzen katedraalin (kellotornit) rakentaminen jatkui
vuosina 1337-43 Andrea Pisano, valmistunut noin 1359 F. Talenti).
Giotto oli naimisissa kahdesti ja hänellä oli kahdeksan lasta.
Vuonna 1337 Giotto kuoli.

1 Joachim vetäytyy autiomaan

2.Madonna ja lapsi

3 sureva enkeli 1

4. St. Clara Assisista

5. St. St. leimaaminen Francis

6 St. Stephen

7 Kristuksen syntymä

8 Neitsyen syntymä

9 Marian esittely temppelissä

10.Pieta, fragmentti

11 Jumalan äiti ja lapsi valtaistuimelle

12 evankelista Johannes Patmoksesta

MANTENIA ANDREA -
(Mantegna, Andrea) (noin 1431–1506),
yksi Pohjois-Italian suurimmista renessanssimaalareista.
Mantegna yhdisti 1400-luvun renessanssimestareiden tärkeimmät taiteelliset tavoitteet:
intohimo antiikkia kohtaan, kiinnostus tarkkaan ja huolelliseen, pienimpään yksityiskohtiin saakka,
luonnonilmiöiden ja epäitsekkään uskon välittäminen lineaarisessa perspektiivissä
keinona luoda illuusio avaruudesta tasossa.
Hänen työstään tuli tärkein linkki varhaisen renessanssin välillä Firenzessä
ja myöhempi taiteen kukinta Pohjois-Italiassa.
Mantegna syntyi n. 1431; Vuosina 1441–1445 hänet kirjattiin maalareiden työpajaan Padovaan
paikallisen taiteilijan ja antikvariaatin Francesco Squarchonen adoptoiduksi pojaksi,
jonka työpajassa hän työskenteli vuoteen 1448 saakka.
Vuonna 1449 Mantegna alkoi luoda freskokoristeita Padovan Eremitanin kirkolle.
Vuonna 1454 Mantegna meni naimisiin venetsialaisen taidemaalarin Jacopo Bellinin tyttären Nikolosan kanssa.
kahden erinomaisen 1400-luvun mestarin sisko. - Gentile ja Giovanni Bellini.
Vuosina 1456-1459 hän maalasi alttaritaulun San Zenon kirkolle Veronassa. Vuonna 1460
Hyväksyessään Mantua Lodovico Gonzagan markiisin kutsun Mantegna asettui oikeuteensa.
Vuosina 1466-1467 hän vieraili Toscanassa ja vuosina 1488-1490 Roomassa,
jossa hän paavi Innocentius VIII: n pyynnöstä koristi kappelinsa freskoilla.
Korotettu ritarikunnan arvokkuuteen, hänellä on korkea asema tuomioistuimessa,
Mantegna palveli Gonzagan perhettä elämänsä loppuun saakka. Mantegna kuoli 13. syyskuuta 1506.
16. toukokuuta 1446 Mantegna ja kolme muuta taiteilijaa tilattiin maalata Owetarin kappeli
Eremitanin Padovan kirkossa (tuhoutui toisen maailmansodan aikana).
Mantegna kuuluu suurimpaan osaan freskojen luomista koskevaa työtä (1449-1455),
ja hänen taiteellinen tyylinsä hallitsee yhtyettä.
Pyhän Jaakobin kohtaus Herod Agrippan edessä Owetarin kappelissa on esimerkki tyylistä
luovuuden alkuvaihe Mantegna.
Muissa tämän ajan Mantegnan maalauksissa, kuten maalauksessa Rukous kuppia varten
(Lontoo, Kansallisgalleria), ei vain ihmishahmot toteutetaan jäykästi lineaarisesti,
mutta myös maisema, jossa taiteilija tutkii ja maalaa jokaisen kiven ja ruohoterän,
ja kivet ovat täynnä vääntymiä ja halkeamia.
Veronan San Zenon kirkon (1457-1459) alttaritaulu on kuvallinen tulkinta
kuuluisa veistoksellinen Pyhän alttari Antony, luonut Donatello
Sant Antonin (Santo) basilikalle Padovassa. Mantegnan triptyykki on kehystetty,
Suoritettu korkealla helpotuksella ja jäljittelemällä klassisen arkkitehtuurin elementtejä.
Yksi merkittävimmistä esimerkeistä alueellisesta illusionistisesta maalauksesta
Mantegna on Chamme degli Sposi -maalaus Palazzo Ducalessa Mantovassa, valmistunut vuonna 1474.
Neliömäinen huone muuttuu visuaalisesti freskojen avulla kevyeksi, ilmavaksi paviljongiksi,
ikään kuin se olisi kahdelta puolelta suljettu seinille kirjoitetuilla verhoilla ja toiselta puolelta aukeavat
kuva Gonzagan sisäpihasta ja maiseman panoraama taustalla.
Mantegna-holvi jaettiin osastoihin ja sijoitettiin niihin rikas antiikki
koristeellisia kuvia Rooman keisarien rintakuvista ja kohtauksia klassisesta mytologiasta.
Holvin yläosassa on pyöreä ikkuna, jonka läpi taivas näkyy;
rikkaasti pukeutuneet hahmot katsovat alas kaidalta, joka on annettu vahvassa perspektiivileikkauksessa.
Tämä freskosarja on merkittävä paitsi yhtenä ensimmäisistä uudessa eurooppalaisessa taiteessa
esimerkkejä illusorisen tilan luomisesta koneelle, mutta myös erittäin terävänä ja tarkana kokoelmana
tulkittuja muotokuvia (Gonzaga-perheen jäsenet).
Yksiväristen maalausten sykli Caesarin triumfi (1482-1492) tilasi Francesco Gonzaga
ja se oli tarkoitettu koristamaan Mantovan palatsiteatteria; nämä maalaukset ovat huonosti säilyneet
ja ovat tällä hetkellä Hampton Court Palacessa Lontoossa.
Yhdeksän suurta kangasta kuvaa pitkän kulkueen, jossa on valtava määrä antiikkiveistoksia,
panssari, pokaalit. Hänen liikkeensa huipentuu seremonialliseen marssiin voittavan Caesarin edessä. Maalaukset heijastavat Mantegnan laajaa tietoa muinaisesta taiteesta ja klassisesta kirjallisuudesta.
Tässä syklissä ja Madonna della Vittoriassa (1496, Pariisi, Louvre), joka on kirjoitettu Gonzagan sotilaallisen voiton muistoksi,
Mantegnan taide on saavuttanut suurimman monumentaalisuuden. Niissä olevat muodot ovat mittavia, eleet vakuuttavia ja selkeitä,
tilaa tulkitaan laajasti ja vapaasti.
Francesco Gonzagan vaimon Isabella d "Esten studioon (kaappiin) Mantegna kirjoitti kaksi sävellystä.
mytologisista aiheista (kolmas jäi keskeneräiseksi): Parnassus (1497) ja Minerva,
pahoinpitelyt (1502, molemmat Louvressa). Niissä on havaittavissa jonkin verran Mantegnan tyylin pehmenemistä,
liittyy uuteen käsitykseen maisemasta. Belvederen kappelin ulkokoriste,
Mantegnan teloittama paavi Innocentius VIII: lle vuonna 1488, valitettavasti menetettiin
Vatikaanin palatsin laajennus Pius VI: n pontifikaatin aikana.
Huolimatta siitä, että vain seitsemän tulosteen voidaan epäilemättä kuulua Mantegnan käsiin,
mestarin vaikutus tämän taidemuodon kehitykseen on valtava. Hänen kaiverruksensa Madonna and Child osoittaa
kuinka orgaanisesti taiteilijan tyyli voi olla graafisessa tekniikassa,
sen joustavuus ja terävyys viivalla, joka kiinnittää kaivertajan leikkurin liikkeen.
Muita kaiverruksia, jotka on annettu Manteignelle - Taistelu merijumalista (Lontoo, British Museum)
ja Judith (Firenze, Uffizi-galleria).

1 ristiinnaulitseminen, 1457-1460.

2. Madonna ja lapsi.
1457-59. Kappale

3.Rukoile kuppia.
C. 1460

4. kardinaali Carlo Medicin muotokuva.
Vuosien 1450 ja 1466 välillä

5. kamera degli Spozi
Oculus. 1471-74

6. kamera degli Sposi Katsaus pohjoiseen muuriin.

7. kamera degli Sposi Katsaus itäseinään.

8. Merijumalien taistelu.
1470-luku

9 St. Sebastian.
C. 1480

10 Madonna of the Rocks
1489-90

12 Madonna della Vittoria
1496

13 Parnassus
1497, Louvre, Pariisi

14. Samson ja Delila Noin 1500
Kansallisgalleria, Lontoo

****************************

BELLINI Giovanni -
Bellini, italialaisten maalareiden perhe,
renessanssin taiteen perustajat Venetsiassa.
Perheen pää - Jacopo Bellini (noin 1400-1470 / 71)
kuvien pehmeällä lyyrisyydellä hän säilytti yhteyden goottilaisiin perinteisiin
(“Madonna ja lapsi”, 1448, Brera-galleria, Milano).
Piirustuksissaan täynnä eläviä havaintoja
(luonnoksia muinaisista monumenteista, arkkitehtonisia fantasioita),
heijastivat kiinnostusta näkökulman ongelmiin, A. Mantegnan ja P. Uccellon vaikutuksiin.
Nimellä Gentile Bellini (noin 1429-1507), Jacopo Bellinin poika,
Venetsian genre-historiallisen maalauksen syntymä on yhteydessä toisiinsa,
("Kulkue Piazza San Marcossa", 1496, "Pyhän Ristin ihme", 1500, -
molemmat Accademia-galleriassa, Venetsia). Giovanni Bellini (noin 1430-1516),
venetsialaisen koulun suurimman mestarin Jacopo Bellinin toinen poika, joka makasi
renessanssin taiteen perusta Venetsiassa.
Dramaattisesti terävät, kylmäväriset Giovanni Bellinin varhaiset teokset
(Lamentation for Christ, noin 1470, Brera-galleria, Milano) 1470-luvun loppupuolella
korvataan harmonisesti selkeillä kuvilla, joissa komeat ihmiskuvat
hengellistetty maisema on konsonantti (niin kutsuttu "Madonnajärvi", 1490-luku, Uffizi;
"Feast of the Gods", Kansallinen taidegalleria, Washington).
Giovanni Bellinin teokset, mukaan lukien hänen monet Madonnat
("Madonna puilla", 1487, Accademia-galleria, Venetsia; "Madonna", 1488,
Accademia Carrara, Bergamo), erottuvat äänellisen,
ikään kuin kyllästyneenä tyydyttyneiden värien auringolla ja valon ja sävyn sävyjen hienovaraisuudella,
rauhallinen juhlallisuus, lyyrinen mietiskely ja selkeä kuvien runous.
Giovanni Bellinin teoksessa yhdessä klassisesti tilatun sävellyksen kanssa
Renessanssin alttaritaulu (Madonna valtaistuimella pyhien ympäröimänä, 1505,
San Zaccarian kirkko, Venetsia) herätti täyden kiinnostuksen ihmisiin
(muotokuva Doge L.Loredanista, 1502, Kansallisgalleria, Lontoo;
muotokuva Condottieresta, 1480, Kansallisgalleria, Washington).

1. "Pyhän Yrjön ja lohikäärme" alttarin yksityiskohta, 1470

2. "Kreikan Madonna"
1460

3. "Condottiere-muotokuva"
1480

4. "Jumalien juhla"
1514

5. "Ristiinnaulitseminen"
1501-1503

6. "Madonna ja lapsi"
1480

7. "Hyveellisyys"
1500

8. "St. Jerome lukee luonnossa"
1460

9. "Muutos"
1485

10. "Rukous kuppia varten"
(Tuska puutarhassa) Noin 1470

11. "Madonna ja siunattu lapsi"
1510, Brera-kokoelma, Milano

12. "Puhdistamon allegoria" (vasen.fr)
1490-1500, Uffizi-galleria

13. "Neljä allegoriaa
Sitkeys ja kohtalo ", 1490

14. "Puhdistamon allegoria" (r.fr.)
1490-1500, Uffizi-galleria

15. "Neljä allegoriaa
Varovaisuus ja petos ", 1490

16. "Nuori nuori nainen peilillä"
1505-1510, Kunsthistorisches Museum, Wien

****************************

Botticelli Sandro -
[Alessandro di Mariano Filipepi, Alessandro di Mariano Filipepi]
(1445-1510), varhaisen renessanssin italialainen taidemaalari.
Firenzen kouluun kuulunut, noin 1465-1466 opiskeli Filippo Lippin luona;
Vuosina 1481-1482 hän työskenteli Roomassa. Botticellin varhaisille teoksille on tunnusomaista
selkeä tilarakenne, selkeä leikkaus, kiinnostus kotitalouksien yksityiskohtiin
("Magien palvonta", noin 1476-1471,). 1470-luvun lopusta Botticellin lähentymisen jälkeen
Firenzen Medicin hallitsijoiden ja Firenzen humanistien piirin kanssa,
hänen teoksessaan aristokratian ja hienostuneisuuden piirteet korostuvat, maalauksia esiintyy
muinaisista ja allegorisista aiheista, joihin aistilliset pakanalliset kuvat ovat täynnä
ylevä ja samalla runollinen, lyyrinen hengellisyys
("Kevät", noin 1477-1478, "Venuksen syntymä", noin 1483-1485, molemmat Uffizissa).
Maiseman eläimellisyys, hahmojen herkkä kauneus, valon musikaalisuus, värisevät viivat,
hienostuneiden värien läpinäkyvyys, ikään kuin reflekseistä kudottu, luo niihin ilmapiirin
uneliaisuus ja kevyt suru.
Botticellin vuosina 1481-1482 tekemissä freskoissa Vatikaanin Sikstuksen kappelissa
("Kohtauksia Mooseksen elämästä", "Korean, Dathanin ja Abironin rangaistus" jne.)
maiseman ja antiikkiarkkitehtuurin majesteettinen harmonia yhdistetään
sisäinen juonijännitys, muotokuvaominaisuuksien terävyys
yhdessä ihmissielun sisäisen tilan hienovaraisten vivahteiden etsinnän kanssa,
ja maalaustalon muotokuvat päälliköstä (muotokuva Giuliano Medicistä, 1470-luku, Bergamo;
mitalilla varustetun nuoren miehen muotokuva, 1474, Uffizi-galleria, Firenze).
1490-luvulla, sosiaalisten levottomuuksien ja mystisen-askeettisen aikakaudella
Savonarolan munkin saarnat, draamanäkymät ilmestyvät Botticellin taiteessa
ja uskonnollinen korotus ("Slander", vuoden 1495 jälkeen, Uffizi), mutta hänen piirustuksensa
Danten jumalalliseen komediaan (1492–1497, kaiverrustoimisto, Berliini ja Vatikaanin kirjasto)
emotionaalisen ilmeikkyyden terävyydellä ne säilyttävät viivan keveyden ja renessanssin kuvien selkeyden.

1. "Simoneta Vespuccin muotokuva" noin 1480

2. "Hyveiden allegoria"
1495

3. "Lucretian historia"
Noin 1500

4. "Mitalin nuoren miehen muotokuva"

5. "Mystinen joulu"
Noin 1500

6. "Korean, Dathanin ja Abironin rangaistus"

7. "Pyhä Augustinus siunattu"
C. 1480

8. "Ilmoitus"
C. 1490

9. "Madonna Magnificat"
1486

10. "Granaattiomenan Madonna"
1487

11. "Magien palvonta"
Zanobin alttari 1475

12. "Petturi"
1495

13. "Venus ja Mars"
1482-1483

14. "Kevät" 1477-1478
Uffizi-galleria, Firenze

15. "Kirjan Madonna" 1485
Poldi Pezzoli -museo, Milano

16. "Pallas Athena ja kentauri" 1482
Uffizi-galleria, Firenze

17. "Venuksen syntymä" n. 1482
Uffizi-galleria, Firenze

18. Sikstuksen kappelin fresko
(yksityiskohta) 1482 Rooma, Vatikaani

19. "Nastagio degli Onestin tarina"
C. 1485 Prado, Madrid

****************************

VERONEZE Paolo - (Veronese; oikea Cagliari, Caliari) Paolo (1528-1588),
Myöhään renessanssin italialainen taidemaalari.
Opiskeli Veronan taidemaalari A. Badilen kanssa; työskenteli pääasiassa Venetsiassa, samoin kuin Veronassa, Mantovassa, Vicenzassa, Padovassa vuonna 1560, vieraili mahdollisesti Roomassa. Veronesen taiteellinen muoto, joka muotoutui 1550-luvun puoliväliin mennessä, sisälsi venetsialaisen maalauskoulun parhaat piirteet: kevyt, taiteellisesti hienostunut piirustus ja muodon plastisuus yhdistyvät hieno värimaailma, joka perustuu puhtaiden värien monimutkaisiin yhdistelmiin. kirkkaalla hopeisella sävyllä.

1. "Mooseksen löytäminen"
1580

2. "Pyhän Antoniuksen kiusaus"
1567

3. "Pyhän Justinuksen murha"
1573

4. "Daniele Barbaron muotokuva"
1569

5. "Kristus ja samarialainen nainen" (yksityiskohta)
1582

6. "Golgata"
1570.

7. "Mars ja Venus"
1570.

8. "Rakkauden allegoria. Petos"
1570

9. "Saint Lucia"
1580

10. "Kristus Emmauksessa"
1570.

11. "Pyhien Markuksen ja Marcillianin teloitus"
1578

12. "Juhla Simonin talossa"
C. 1581

13. "Enkelit"
(fragmentti "Seepian nainen ja Kristus")

14. "Susannan uiminen"
1570-luku, Louvre, Pariisi

15. "Älä koske minuun!" 1570.
Taidemuseo, Grenoble

16. "Bathsheban uiminen" 1570-luku
Kuvataidemuseo, Lyon

****************************

LEONARDO DA VINCI -
(Leonardo da Vinci) (1452-1519),
Italialainen taidemaalari, kuvanveistäjä, arkkitehti, tutkija ja insinööri.
Renessanssin taiteellisen kulttuurin perustaja,
Leonardo da Vinci kehittyi mestarina
opiskelee Firenzessä A. del Verrocchion luona.
Työtavat Verrocchion työpajassa, jossa taiteellinen käytäntö
paritettu teknisten kokeiden kanssa,
samoin kuin ystävyys tähtitieteilijä P. Toscanellin kanssa
nuoren da Vincin tieteellisten etujen syntyminen.

1. "Kehräpyörän Madonna" 1501

2. "Neitsyt ja lapsi Pyhän Annen kanssa"
C. 1507

3. "Bacchus"
1510-1513

4. "Johannes Kastaja"
1513-1517

5. "Leda ja joutsen"
1490-1500

6. "Neilikan Madonna" 1473

7. "Beatrice d" Esten muotokuva "
1490th

8. "Ginevra Benchin muotokuva"
1476

9. "Ilmoitus"
1472-1475

10. "Viimeinen ehtoollinen"
(keskeinen fragmentti) 1495-1497, Milano

11. Viimeisen ehtoollisen freskon palautusversio
(keskeinen fragmentti)

12. "Madonna Litta"
Noin 1491, Hermitage, Pietari

13. "Lady with ermine" 1485-1490
Kansallismuseo, Krakova

14. "Muusikon muotokuva" 1490
Pinacoteca Ambrosiana, Milano

15. "Mona Lisa" (La Gioconda)
1503-1506, Louvre, Pariisi

16. "Madonna Benoit" 1478
Eremitaasi, Pietari

17. "Tuntemattoman muotokuva"
Noin 1490, Louvre, Pariisi

18. "Madonna of the Rocks" noin. 1511
Kansallisgalleria, Lontoo

****************************

GEORGONE -
(Giorgione; itse asiassa Giorgio Barbarelli da Castelfranco,
Barbarelli da Castelfranco) (1476 tai 1477-1510),
Italialainen taidemaalari, yksi perustajista
renessanssin taide.
Luultavasti opiskellut Giovanni Bellinin kanssa,
oli lähellä venetsialaisten humanistien ympyrää,
kuuluisa myös laulajana ja muusikkona.
Uskonnollisista aiheista koostuvien sävellysten ohella
("Paimien palvonta", Kansallinen taidegalleria, Washington).
Giorgione loi maalauksia maallisista, mytologisista aiheista,
heidän työstään he saivat hallitsevan merkityksen.

1. "Ukkosmyrsky"
1505

2. "Soturi joukkoineen"
1509

3. "Madonna valtaistuin
ja pyhät "1505

4. "Madonna maisemassa"
1503

5. "Kolme elämän ikää"
1510

6. "Kirjan Madonna"
1509-1510

7. "Mooseksen löytäminen"
1505

8. "Paimenien palvonta"
Noin 1505

9. "Antonio Broccardon muotokuva"

10. "Maaseutukonsertti"
1510

11. "Vanhan naisen muotokuva"
C. 1510

12. "Ceres"
Noin 1508

13. "Nuoren miehen muotokuva"
C. 1506

14. "Auringonlaskun aikaan"
1506

15. "Madonna ja lapsi pyhien kanssa"
1510

16. "Judith" noin 1504
Eremitaasi, Pietari

17. "Laura" 1506
Kunsthistorisches Museum, Wien

18. "Nukkuva Venus"
Noin 1510, Dresdenin galleria

19. "Kolme filosofia" 1508
Kunsthistorisches Museum, Wien

****************************

CARPACCIO Vittore -
(Carpaccio) Vittore
(noin 1455 tai 1456 - noin 1526),
Varhaisen renessanssin italialainen taidemaalari.
Opiskeli Gentile Bellinin kanssa; työskenteli Venetsiassa.
Carpaccio tulkitsi legendaarisia pyhiä tapahtumia todellisina kohtauksina,
nykyisen Venetsian avaruuteen,
sisälsi kaupunkimaisemia ja sisätiloja, lukuisia tyylilajeja,
elvyttämällä kaupunkilaisten elämää elävästi (maalaussyklit St. Ursulan elämästä, 1490–1495,
Accademia-galleria, Venetsia, ja St.George and St.Jerome, 1502-1507,
Scuola di San Giorgio degli Schiavoni, Venetsia).
Teoksissa esiintyy halu luoda kokonaisvaltainen kuva maailmankaikkeudesta
Carpaccio kiehtovalla kerronnalla,
runollinen ja hieman naiivi yksityiskohtien tuoreus.
Välittää hienovaraisesti valo-ilman ympäristön pehmentävää vaikutusta
kuulostavat paikalliset värit,
Carpaccio valmisti 1500-luvun venetsialaisen maalauskoulun koloristiset löydöt.

1. "Pyhiinvaeltajien saapuminen
Kölniin "
1490

2. "Madonna, Johannes Kastaja ja pyhät"
1498

3. "Pyhän Markuksen leijona"
(kappale)
1516

4. "Pyhän Tapanin riita"
Pyhän Tapanin elämä
1514

5. "Vapahtaja ja neljä apostolia"
1480

6. "Saint George tappaa lohikäärmeen"
1502-1508

7. "Saint Ursulan apoteoosi"
1491

8. "Kymmenen tuhannen tappaminen"
1515

9. "Seleniittien kaste Pyhän Yrjön kautta"
1507

10. "Nuori ritari" 1510,
Thyssen-Bornemisza-kokoelma, Madrid

11. "Allegoria. Kristuksen passio"
1506, Metropolitan, New York

12. "Pyhiinvaeltajien tapaaminen paavin kanssa"
1493, Accademia-galleria, Venetsia

13. "Pyhän Ristin ihme"
1494, Accademia-galleria, Venetsia

****************************

MICHELANGELO Buonarotti -
(Michelangelo Buonarroti; alias Michelagnolo di Lodovico di Lionardo di Buonarroto Simoni)
(1475-1564), italialainen kuvanveistäjä, taidemaalari, arkkitehti ja runoilija
Michelangelon taiteessa he ilmentyivät suurella ilmaisuvoimalla syvästi ihmisinä,
sankaripatosta täynnä olevan renessanssin ihanteet sekä kriisin traaginen tunne
myöhään renessanssin aikakaudelle ominainen humanistinen näkymä.
Michelangelo opiskeli Firenzessä D. Ghirlandaion (1488-1489) ja
kuvanveistäjä Bertoldo di Giovanni (1489-1490),
ratkaiseva merkitys Michelangelon luovalle kehitykselle oli kuitenkin hänen tuttavuutensa
Giotto, Donatello, Masaccio, Jacopo della Quercia,
antiikkimuovisten monumenttien tutkimus.
Michelangelon luovuus,
josta tuli Italian renessanssin loistava viimeinen vaihe,
ollut valtava rooli eurooppalaisen taiteen kehityksessä,
valmisteli suurelta osin manierin muodostumista,
oli suuri vaikutus barokin periaatteiden muodostumiseen.

1. Maalaus Sikstuksen kappelin holviin

2. lunetit (profeetat ja paavit)

3. Yksityiskohta maalauksesta "Aadamin luominen"

4. Yksityiskohta "Profeetat Jeremia ja Jesaja"

5. Yksityiskohta maalauksesta "Eevan luominen"

6. "Pyhä perhe" 1506

7 sisin-kappeli
"Tulva"

8 sisin-kappeli
"Libyan sibyl"

9 sisaruskappeli
"Valon erottaminen pimeydestä"

10 Sikstuksen kappeli
"Pudotus"

11 Sikstuksen kappeli
"Eritrean sibyyli"

12 Sikstuksen kappeli
"Profeetta Sakaria"

****************************

RAPHAEL Santi -
(oikeastaan \u200b\u200bRaffaello Santi tai Sanzio, Raffaello Santi, Sanzio)
(1483-1520), italialainen taidemaalari ja arkkitehti.
Työssään, suurimmalla selkeydellä
humanistiset esitykset korkeasta renessanssista
kauniista ja täydellisestä ihmisestä, joka elää sopusoinnussa maailman kanssa,
aikakaudelle ominaiset elämän vahvistavan kauneuden ihanteet.
Raphael, taidemaalari Giovanni Santin poika, vietti alkuvuosinaan Urbinossa,
vuosina 1500-1504 hän opiskeli Peruginon luona Perugiassa.
Tämän ajanjakson teoksia leimaa hienovarainen runous
ja maisemataustojen pehmeä lyyrisyys.
Rafaelin taide, jolla oli valtava vaikutus eurooppalaiseen maalaukseen XVI-XIX
ja osittain 1900-luvulta, vuosisatojen ajan se on säilynyt taiteilijoille ja katsojille
kiistämättömän taiteellisen auktoriteetin ja mallin arvo.

1. "Madonna Granduca"
1504

2. "Madonna del Impannata"
1504

3. "Madonna vihreässä"
Noin 1508

4. "Pyhä perhe tammen alla"
1518

5. "Pyhän Nikolauksen alttari"
(fragmentti) 1501

6. "Pyhän Yrjön taistelu lohikäärmeen kanssa"
1502

7. "Kolme armoa"
1502

8. "Ritarin unelma"
1502

9. "Galatean voitto"
1514

10. "Anside-Madonna"
Noin 1504

11. "Ristin kantaminen"
1516

12. "Pyhä Mikael ja lohikäärme"
1514

13. "Aadam ja Eeva"
1509-1511

14. "Aragonian Johannes"
1518

15. "Lady yksisarvisen kanssa"
Noin 1502

16. "Margarita Lutin muotokuva"
1519

17. "Balthasar Castiglionen muotokuva" 1515

18. "Madonna Kanidzhani" 1508
Vanha Pinakothek, München

19. "Madonna Conestabile" 1502-1504
Eremitaasi, Pietari

20. "Hesekielin visio" 1515
Palazzo Pitti, Firenze

21. "Sikstuksen Madonna" 1514
Kuvagalleria, Dresden

****************************

TITIAN -
(itse asiassa Tiziano Veccellio, Tiziano Veccellio),
(1476/77 tai 1480 - 1576),
Italialainen taidemaalari aikakaudelta
Korkea ja myöhäinen renessanssi.
Opiskeli Venetsiassa Giovanni Bellinin luona
jonka työpajassa hänestä tuli läheinen Giorgione;
työskenteli Venetsiassa sekä Padovassa, Ferrarassa, Mantovassa, Urbinossa, Roomassa ja Augsburgissa.
Liittyy läheisesti venetsialaisiin taidepiireihin
(Giorgione, J.Sansovino, kirjailija P.Aretino ja muut),
erinomainen venetsialaisen maalauskoulun mestari,
Titian esitteli teoksessaan renessanssin humanistisia ihanteita.
Hänen elämänvahvistettu taiteensa on monipuolinen,
todellisuuden kattavuus, aikakauden syvien dramaattisten konfliktien paljastaminen.
Titianin maalaustekniikalla oli poikkeuksellinen vaikutus tulevaisuuteen,
1900-luvulle asti kuvataiteen maailman kehitys.

1. "Maallinen rakkaus"
(Vanity) 1515

2. "Diana ja Callisto"
1556 - 1559

3. "Bacchus ja Ariadne"
1523-1524

4. "Europan raiskaus"
1559 - 1562

5. "Kaatuminen"
1570

6. "Flora"
1515

7. "Iolanta"
(La Bella Gatta)

8. "Mantuan Federigo Gonzaga"
1525

9. "Venus peilillä" 1555

10. "Danae ja Amor"
1546

11. "maallinen ja taivaallinen rakkaus"
1510

12. "Nuoren naisen muotokuva"
Noin 1530, Eremitaaši, Pietari

13. "Katuva katuva Maria Magdaleena"
1560th, Hermitage, Pietari

14. "Diana ja Actaeon" 1556
Nat. Skotlannin galleria, Edinburgh

15. "Bacchanalia"
1525, Louvre-museo, Pariisi

16. "Urbinskajan Venus"
1538, Uffizi, Firenze

17. "Venus ja Adonis"
1554, Prado, Madrid

****************************

Renessanssi tai renessanssi on antanut meille monia hienoja taideteoksia. Se oli suotuisa aika luovuuden kehittämiselle. Renessanssiin liittyy monien suurten taiteilijoiden nimiä. Botticelli, Michelangelo, Raphael, Leonardo Da Vinci, Giotto, Titian, Correggio ovat vain muutamia tuon ajan luojien nimistä.

Uusien tyylien ja maalauksen syntyminen liittyy tähän ajanjaksoon. Lähestymistapa ihmiskehon kuvaamiseen on tullut melkein tieteelliseksi. Taiteilijat pyrkivät todellisuuteen - he työskentelevät läpi kaikki yksityiskohdat. Tuon ajan maalauksissa olevat ihmiset ja tapahtumat näyttävät erittäin realistisilta.

Historioitsijat erottavat useita maalauksen kehityksen aikoja renessanssin aikana.

Goottilainen - 1200-luku... Suosittu tyyli tuomioistuimessa. Se erottui pompoinnista, vaatimattomuudesta, liiallisesta väristä. Käytetään maaleina. Maalaukset olivat alttarikohteita. Tämän trendin tunnetuimpia edustajia ovat italialaiset taiteilijat Vittore Carpaccio, Sandro Botticelli.

Sandro Botticelli

Proto-renessanssi - 1300-luku... Tällä hetkellä maalausmallien rakenneuudistus tapahtuu. Uskonnolliset aiheet vetäytyvät taustalle, ja maalliset asiat ovat saamassa yhä enemmän suosiota. Maalaus on kuvakkeen paikka. Ihmiset kuvataan realistisemmin, ilmeistä ja eleistä tulee tärkeitä taiteilijoille. Uusi kuvataiteen genre ilmestyy -. Tämän ajan edustajia ovat Giotto, Pietro Lorenzetti, Pietro Cavallini.

Varhainen renessanssi - 1400-luku... Ei-uskonnollisen maalauksen kukinta. Jopa kuvakkeiden kasvot elävämmät - he saavat ihmisen piirteitä. Aikaisempien aikakausien taiteilijat yrittivät maalata maisemia, mutta ne toimivat vain täydennyksenä, taustana pääkuvalle. Varhaisen renessanssin aikana tulee itsenäinen genre. Muotokuva kehittyy edelleen. Tutkijat löytävät lineaarisen perspektiivin lain, ja taiteilijat rakentavat maalauksensa tämän perusteella. Oikea kolmiulotteinen tila voidaan nähdä niiden kankailla. Tämän ajan merkittävimmät edustajat ovat Masaccio, Piero Della Francesco, Giovanni Bellini, Andrea Mantegna.

Korkea renessanssi - kulta-aika... Taiteilijoiden näkymä laajenee entisestään - heidän etunsa ulottuvat Kosmoksen avaruuteen, he pitävät ihmistä maailmankaikkeuden keskuksena.

Tuolloin ilmestyivät renessanssin "titaanit" - Leonardo Da Vinci, Michelangelo, Titian, Raphael Santi ja muut. Nämä ovat ihmisiä, joiden kiinnostuksen kohteet eivät rajoittuneet maalaamiseen. Heidän tietämyksensä laajeni paljon pidemmälle. Näkyvin edustaja oli Leonardo Da Vinci, joka ei ollut vain suuri taidemaalari, vaan myös tiedemies, kuvanveistäjä, näytelmäkirjailija. Hän loi upeita tekniikoita maalauksessa, esimerkiksi "sileä" - illuusion hazeesta, jota käytettiin kuuluisan "La Giocondan" luomiseen.

Leonardo da Vinci

Myöhäinen renessanssi - renessanssin sukupuuttoon (1500-luvun puolivälissä 1600-luvun lopulla). Tämä aika liittyy muutoksiin, uskonnollisiin kriiseihin. Kukinta päättyy, kankaiden viivat hermostuvat, individualismi katoaa. Yleisöstä on tulossa yhä enemmän maalausten kuva. Tuolloin lahjakkaat teokset kuuluvat Paolo Veronesen, Jacopo Tinoretton, kynään.

Paolo Veronese

Italia antoi maailmalle renessanssin lahjakkaimmat taiteilijat, heidät mainitaan eniten maalaushistoriassa. Samaan aikaan muissa maissa tänä aikana maalaus myös kehittyi ja vaikutti tämän taiteen kehitykseen. Muiden maiden maalausta tänä aikana kutsutaan pohjoiseksi renessanssiksi.

Renessanssin aikakausi (1500-luvun loppu - 1500-luvun ensimmäinen vuosineljännes) on täydellisyyden ja vapauden aika. Kuten muutkin tämän aikakauden taiteen muodot, maalausta leimaa syvä usko ihmiseen, hänen luoviin voimiinsa ja mielensä voimaan. Renessanssin mestareiden maalauksissa hallitsevat kauneuden, humanismin ja harmonian ihanteet, ihminen niissä on maailmankaikkeuden perusta.

Tämän ajan maalarit käyttävät helposti kaikkia kuvan keinoja: värejä, rikastettuja ilmalla, valolla ja varjoilla, ja piirtämistä, vapaita ja teräviä; heillä on erinomainen näkökulma ja soveltamisala. Ihmiset hengittävät ja liikkuvat taiteilijoiden kankailla, heidän tunteensa ja kokemuksensa näyttävät olevan syvästi emotionaalisia.

Tämä aikakausi antoi maailmalle neljä neroa - Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Titian. Maalauksessaan korkean renessanssin piirteet - ihanteellisuus ja harmonia yhdistettynä kuvien syvyyteen ja elinvoimaisuuteen - ilmenivät elävimmin.

Leonardo da Vinci

15. huhtikuuta 1452 italialaisessa pienessä Vincin kaupungissa, joka ei ole kaukana Firenzestä, notaari Piero da Vinci syntyi laittomaksi pojaksi. He antoivat hänelle nimen Leonardo di ser Piero d'Antonio. Pojan äiti, eräs Katerina, meni vähän myöhemmin naimisiin talonpoikien kanssa. Isä ei hylännyt laitonta vauvaa, otti hänet koulutukseen ja antoi hänelle hyvän koulutuksen. Vuotta Leonardon isoisän Antonio kuoleman jälkeen vuonna 1469 notaari lähti perheensä kanssa Firenzeen.

Leonardon intohimo piirtämiseen herää jo varhaisesta iästä lähtien. Huomattuaan tämän isä lähetti pojan opiskelemaan yhden tuolloin kuuluisimmista veistoksen, maalauksen ja korujen mestareista Andrea Verrocchion (1435-1488) kanssa. Verrocchion työpajan kunnia oli epätavallisen suuri. Kaupungin jalot asukkaat saivat jatkuvasti monia tilauksia maalausten ja veistosten toteuttamisesta. Ei sattumalta, että Andrea Verrocchio nautti suurta arvostusta opiskelijoidensa kanssa. Nykyaikaiset pitivät häntä firenzeläisen renessanssin ideoiden lahjakkaimpana seuraajana maalauksessa ja veistoksessa.

Verrocchion innovaatio taiteilijana liittyy ensisijaisesti kuvan uudelleensuunnitteluun, joka saa taidemaalarilta naturalistisia piirteitä. Verrocchion työpajasta on säilynyt hyvin vähän teoksia. Tutkijat uskovat, että kuuluisa "Kristuksen kaste" luotiin tässä työpajassa. Lisäksi todettiin, että maalauksen taustalla oleva maisema ja vasemmalla puolella olevat enkelit kuuluvat Leonardon harjaan.

Jo tässä varhaisessa teoksessa ilmeni tulevan kuuluisan taiteilijan luova yksilöllisyys ja kypsyys. Leonardon maalama maisema eroaa huomattavasti Verrocchion itse tekemistä luonnonmaalauksista. Nuorelle taiteilijalle kuuluva se näyttää peittyvän kevyessä sumussa ja symboloi avaruuden ääretöntä ja ääretöntä.

Leonardon luomat kuvat ovat myös erottuvia. Syvä tuntemus ihmiskehon anatomiasta ja sen sielusta antoi taiteilijalle mahdollisuuden luoda epätavallisen ilmeikkäitä kuvia enkeleistä. Valon ja varjon pelin hallitseminen auttoi taiteilijaa kuvaamaan eläviä, dynaamisia hahmoja. Voidaan saada vaikutelma, että enkelit vain jäivät hetkeksi. Vielä muutama minuutti kuluu - ja he heräävät eloon, liikkuvat, puhuvat ...

Taidehistorioitsijat ja da Vincin elämäkertahenkilöt väittävät, että vuoteen 1472 mennessä Leonardo jätti Verrocchion työpajan ja tuli mestariksi maalareiden työpajassa. Vuodesta 1480 hän kääntyi kuvanveistoon, joka Leonardon mukaan oli yksinkertaisin tapa ilmaista ihmiskehon liikkeiden dynamiikkaa. Siitä lähtien hän on työskennellyt Taideakatemiassa - se oli Penzza San Marcon puutarhassa sijaitsevan työpajan nimi, joka luotiin Lorenzo Magnificentin aloitteesta.

Vuonna 1480 Leonardo sai San Donato Sopeton kirkolta tilauksen taiteellisesta sävellyksestä Magien palvonta.

Firenzessä Leonardo ei asunut kauan. Vuonna 1482 hän lähti Milanoon. Todennäköisesti tähän päätökseen vaikutti suuresti se, että taiteilijaa ei kutsuttu Roomaan työskentelemään Sikstuksen kappelin maalausta varten. Tavalla tai toisella, mestari ilmestyi pian kuuluisan italialaisen kaupungin herttua Ludovico Sforzan eteen. Milanot tervehtivät Leonardoa lämpimästi. Hän asui ja asui pitkään Porta Ticinese -korttelissa. Ja jo seuraavana vuonna, vuonna 1483, hän maalasi alttaritaulun, joka tilattiin Immacolata-kappelille San Francesco Granden kirkossa. Tämä mestariteos tunnettiin myöhemmin nimellä Madonna of the Rocks.

Noin samaan aikaan Leonardo työskenteli pronssisen muistomerkin luomisessa Francesco Sforzalle. Luonnokset, kokeiluluonnokset ja näyttelijät eivät kuitenkaan voineet ilmaista taiteilijan aikomusta. Työ jäi kesken.

Vuosien 1489 ja 1490 välillä Leonardo da Vinci maalasi Castello Sforzescon Gian Galeazzo Sforzan hääpäivänä.

Lähes koko vuoden 1494 Leonardo da Vinci omistaa uuden ammatin itselleen - hydrauliikan. Saman Sforzan aloitteesta Leonardo kehittää ja toteuttaa hankkeen Lombardin tasangon alueen tyhjentämiseksi. Kuitenkin jo vuonna 1495 suurin kuvataiteen mestari palasi maalaukseen. Tämä vuosi on alkuvaihe historiallisen kuuluisan freskon "Viimeinen ehtoollinen" luomisessa, joka koristeli luostarin ruokatehtaan seinät, lähellä Santa Maria delle Grazien kirkkoa.

Vuonna 1496, kun Ranskan kuningas Louis XII hyökkäsi Milanon herttuakuntaan, Leonardo lähti kaupungista. Hän muutti ensin Mantualle ja asettui sitten Venetsiaan.

Vuodesta 1503 taiteilija on asunut Firenzessä ja työskennellyt yhdessä Michelangelon kanssa Palazzo Signorian suurneuvoston salin maalauksella. Leonardon piti kuvata "Anghiarin taistelu". Mestari, joka on jatkuvasti luovassa etsinnässä, kuitenkin usein lopettaa aloittamansa työn. Joten se tapahtui "Anghiarin taistelun" kanssa - fresko jäi keskeneräiseksi. Taidekriitikot viittaavat siihen, että kuuluisa "La Gioconda" luotiin silloin.

Vuosina 1506-1507 Leonardo asuu jälleen Milanossa. Herttua Maximilian Sforza on hallinnut siellä vuodesta 1512. 24. syyskuuta 1512 Leonardo päättää lähteä Milanosta ja asettua opiskelijoidensa kanssa Roomaan. Täällä hän ei vain harjoita maalausta, vaan kääntyy myös matematiikan ja muiden tieteiden tutkimuksen puoleen.

Saatuaan kutsun Ranskan kuninkaalta Francis I: ltä toukokuussa 1513, Leonardo da Vinci muutti Amboiseen. Täällä hän elää kuolemaansa asti: hän maalaa kuvia, harjoittaa lomien sisustamista, työskentelee Ranskan jokien käyttöön tarkoitettujen hankkeiden käytännön soveltamiseksi.

2. toukokuuta 1519 suuri taiteilija kuolee. Leonardo da Vinci on haudattu San Fiorentinon Amboisen kirkkoon. Uskonnollisten sotien huipulla (1500-luku) taiteilijan hauta kuitenkin tuhoutui ja tuhoutui kokonaan. Hänen mestariteoksensa, jota pidetään kuvataiteen huipuna 15--16-luvuilla, ovat niin edelleen.

Da Vincin kankaista fresko "Viimeinen ehtoollinen" on erityinen paikka. Kuuluisan freskon historia on mielenkiintoinen ja hämmästyttävä. Sen luominen on vuodelta 1495-1497. Se maalattiin Dominikaanisen ritarikunnan munkkien määräyksellä, jotka halusivat koristaa ruokasalin seinät luostarissaan, joka sijaitsee lähellä Santa Maria delle Grazien kirkkoa Milanossa. Freskossa esitettiin melko tunnettu evankeliumin tarina: viimeinen ateria Jeesuksesta Kristuksesta hänen kahdentoista apostolinsa kanssa.

Tämä mestariteos on tunnustettu taiteilijan koko työn huipuksi. Mestarin luomat kuvat Kristuksesta ja apostoleista ovat epätavallisen kirkkaita, ilmeikkäitä, eläviä. Huolimatta kuvatun tilanteen konkreettisuudesta, todellisuudesta, freskon sisältö osoittautuu täynnä syvällistä filosofista merkitystä. Tässä ruumiillistui ikuinen teema ristiriidasta hyvyyden ja pahan välillä, tyytymättömyydestä ja hengellisestä tunteettomuudesta, totuudesta ja valheista. Johdetut kuvat eivät ole vain kokoelma yksittäisiä luonteenpiirteitä (kukin yksittäinen ihminen koko temperamentinsa monimuotoisuudessa), vaan myös eräänlainen psykologinen yleistys.

Kuva on hyvin dynaaminen. Katsojat todella tuntevat innostuksen, joka kiehtoi kaikkia aterian läsnäolijoita sen jälkeen, kun Kristus oli puhunut profeetalliset sanat lähestyvästä petoksesta, jonka yhden apostolien on tehtävä. Kangas osoittautuu eräänlaiseksi tietosanakirjaksi ihmisen tunteiden ja tunnelmien hienovaraisimmista sävyistä.

Leonardo da Vinci viimeisteli työn yllättävän nopeasti: vain kahden vuoden kuluttua maalaus oli täysin valmis. Munkit eivät kuitenkaan pitäneet siitä: sen toteutustapa oli liian erilainen kuin aiemmin hyväksytty kuvankirjoitustyyli. Mestarin innovaatio ei ollut pelkästään uuden koostumuksen maalien käyttö. Erityistä huomiota kiinnitetään tapaan kuvata perspektiiviä kuvassa. Erityisellä tekniikalla valmistettu fresko laajentaa ja laajentaa todellista tilaa. Voidaan saada vaikutelma, että maalauksessa esitetyn huoneen seinät ovat jatkoa luostarin ruokatehtaan seinille.

Munkit eivät arvostaneet eivätkä ymmärtäneet taiteilijan luovaa aikomusta ja saavutuksia, joten he eivät välittäneet liikaa maalauksen säilyttämisestä. Jo kaksi vuotta freskon maalaamisen jälkeen sen maalit alkoivat heikentyä ja haalistua, seinän pinta ja siihen levitetty kuva näyttivät peittyvän hienoin aineella. Tämä tapahtui toisaalta uusien maalien heikon laadun ja toisaalta luostarin keittiöstä tunkeutuneen jatkuvan kosteuden, kylmän ilman ja höyryn altistumisen vuoksi. Maalauksen ulkonäkö oli täysin pilalla, kun munkit päättivät leikata freskolla seinän sisäänkäynnin tarkalleen seinään. Tämän seurauksena kuva pilkottiin alareunasta.

Menestystä on yritetty palauttaa 1200-luvulta lähtien. Ne kaikki olivat kuitenkin turhia, maali heikkeni edelleen. Syynä tähän on tällä hetkellä ympäristötilanteen heikkeneminen. Freskon laatuun vaikuttavat pakokaasujen lisääntynyt pitoisuus ilmassa sekä tehtaiden ja laitosten ilmakehään päästämät haihtuvat aineet.

Nyt voimme jopa sanoa, että varhainen työ maalauksen palauttamiseksi ei ollut vain tarpeetonta ja merkityksetöntä, mutta sillä oli myös negatiivinen puolensa. Restaurointiprosessin aikana taiteilijat valmistivat usein freskon muuttamalla hahmojen ulkonäköä kankaalle ja kuvattua sisustusta. Joten äskettäin tuli tiedoksi, että yhdellä apostoleista ei alun perin ollut pitkää, käpertynyttä partaa. Lisäksi ruoan seinillä kuvatut mustat kankaat osoittautuivat pieniksi mattoiksi. Vain
2000-luvulla. onnistui selvittämään ja osittain palauttamaan koristeensa.

Nykyaikaiset restauroijat, joiden joukossa Carlo Bertelin johtama ryhmä erottui, päättivät palauttaa freskon alkuperäisen ulkonäön vapauttamalla sen myöhemmin sovelletuista elementeistä.

Äitiyden teema, kuvat nuoresta äidistä, joka ihailee lastaan, pysyi pitkään avainasemassa suuren mestarin työssä. Todellisia mestariteoksia ovat hänen maalauksensa "Madonna Litta" ja "Kukka Madonna" ("Benois Madonna"). Tällä hetkellä "Madonna Littaa" pidetään Pietarin valtion Eremitaaši-museossa. Venäjän keisari Aleksanteri II osti maalauksen vuonna 1865 italialaisen herttuan Antonio Littan perheeltä, jolle se oli aiemmin lahjoitettu Visconti-herttuilta. Venäjän tsaarin määräyksestä maalaus siirrettiin puusta kankaalle ja ripustettiin kuuluisan Pietarin museon saliin.

Taidetieteilijät uskovat (ja tieteelliset tutkimukset ovat todistaneet tämän), että tekijä itse ei viimeistellyt maalauksen luomista. Sen valmisti yksi Leonardon opiskelijoista, Boltraffio.

Kangas on voimakkain ilmaisu äitiyden teemasta renessanssin ajan maalauksessa. Madonna-äidin kuva on kevyt ja hengellinen. Vauvaan kohdistettu katse on epätavallisen lempeä, se ilmaisee samanaikaisesti ja
surua, rauhaa ja sisäistä rauhaa. Äiti ja lapsi näyttävät muodostavan oman, ainutlaatuisen maailman, muodostavan yhden harmonisen kokonaisuuden. Kuvan läpileikkaava ajatus voidaan ilmaista seuraavilla sanoilla: kaksi elävää olentoa, äiti ja lapsi, sisältävät elämän perustan ja tarkoituksen.

Madonnan kuva lapsen kanssa hänen käsissään on monumentaalinen. Täydellisyys ja hienostuneisuus antavat sille erityisen, sujuvan valon ja varjon siirtymisen. Hahmon hellyyttä ja haurautta korostavat naisen harteille pukeutuneen viitan verhot. Taustaikkunoiden kuvat tasapainottavat ja täydentävät sävellystä korostaen kahden rakkaansa erottamista muusta maailmasta.

Tsaari Nikolai II osti viimeisiltä venäläisiltä omistajiltaan vuonna 1914 viimeisiltä venäläisiltä omistajilta maalauksen Madonna kukalla (Madonna Benois), vuonna 1414. Sen varhaiset omistajat pysyivät tuntemattomina. On vain legenda, joka kertoo, että italialainen vaeltava näyttelijä toi kuvan Venäjälle, minkä jälkeen kauppias Sapozhnikov osti sen Samarasta vuonna 1824. Myöhemmin maalaus periytyi isältä tyttärelle, M.A.Sapozhnikova (naimisissa Benoitin kanssa), keisari osti sen. Siitä lähtien maalauksella on kaksi nimeä: "Madonna kukalla" (tekijän nimi) ja "Madonna Benoit" (viimeisen omistajan nimen jälkeen).

Kuva, joka kuvaa Jumalan äitiä ja lasta, heijastaa tavallisia, maallisia tunteita, kun äiti leikkii lapsensa kanssa. Koko kohtaus on rakennettu kontrastille: naurava äiti ja lapsi tutkivat vakavasti kukkaa. Taiteilija, keskittyen juuri tähän vastakkainasetteluun, osoittaa ihmisen pyrkimyksen tietoon, ensimmäiset askeleensa tielle totuuteen. Tämä on kankaan pääidea.

Valon ja varjon leikki asettaa erityisen, intiimin sävyn koko sävellykselle. Äiti ja vauva ovat omassa maailmassa, eronnut maan vilskeestä. Huolimatta kuvattujen verhojen kulmasta ja jäykkyydestä, Leonardo da Vincin harja on melko helppo tunnistaa käytettyjen värien sävyjen ja mustavalkoisten yhdistelmien pehmeillä, pehmeillä siirtymillä. Kangas on maalattu pehmeillä, rauhallisilla väreillä, jota ylläpitää yksi värimaailma, mikä antaa kuvalle pehmeän luonteen ja herättää tuntemuksen maallisesta, kosmisesta harmoniasta ja rauhasta.

Leonardo da Vinci on tunnustettu muotokuvien mestari. Hänen kuuluisimpia kankaitaan ovat "Lady with Ermine" (noin 1483-1484) ja "Muusikon muotokuva".

Taidekriitikot ja historioitsijat ehdottavat, että maalauksessa "Lady with a Ermine" kuvataan Cecilia Gallerani, entinen Milanon herttuan Louis Moreaun suosikki ennen avioliittoa. On todisteita siitä, että Cecilia oli hyvin koulutettu nainen, mikä oli tuolloin hyvin harvinaista. Lisäksi kuuluisan taiteilijan historioitsijat ja biografit uskovat, että hän tunsi läheisesti Leonardo da Vincin, joka kerran päätti maalata muotokuvansa.

Tämä kangas on tullut meille vain uudelleenkirjoitetussa muodossa, ja siksi tutkijat epäilivät pitkään Leonardon kirjoittajaa. Hyvin säilyneet maalauksen osat, jotka kuvaavat ermiiniä ja nuoren naisen kasvoja, antavat meille mahdollisuuden puhua luottavaisesti suuren mestari da Vincin tyylistä. On myös mielenkiintoista, että tiheä tumma tausta ja jotkut yksityiskohdat kampauksesta ovat myöhemmin tehtyjä lisäpiirustuksia.

"Lady with Ermine" on yksi kirkkaimmista psykologisista maalauksista taiteilijan muotokuvagalleriassa. Tytön koko hahmo ilmaisee dynaamisuutta, pyrkimistä eteenpäin, todistaa epätavallisen vahvasta tahdosta ja vahvasta ihmishahmosta. Oikeat kasvonpiirteet vain korostavat tätä.

Muotokuva on todella monimutkainen ja monipuolinen, kuvan harmonia ja täydellisyys saavutetaan yhdistämällä useita elementtejä: ilmeet, pään kääntäminen, käden asento. Naisen silmät heijastavat ylimääräistä mieltä, energiaa, oivallusta. Tiiviisti puristetut huulet, suora nenä, terävä leuka - kaikki korostaa tahtoa, päättäväisyyttä, itsenäisyyttä. Suloinen pään kääntö, avoin kaula, käsi, jossa pitkät sormet silittävät sulavaa eläintä, korostavat koko kuvan haurautta ja hoikkuutta. Ei ole sattumaa, että nainen pitää ermiiniä käsissään. Eläimen valkoinen turkki, samanlainen kuin ensimmäinen lumi, symboloi tässä nuoren naisen hengellistä puhtautta.

Muotokuva on yllättävän dynaaminen. Päällikkö onnistui sieppaamaan tarkasti hetken, jolloin yhden liikkeen pitäisi siirtyä sujuvasti toiseen. Siksi näyttää siltä, \u200b\u200bettä tyttö on elossa, kääntää päänsä ja hänen kätensä liukuu pitkin eläimen pehmeää turkista ...

Sävellyksen poikkeuksellisen ilmeikkyyden antaa hahmojen muodostavien viivojen selkeys sekä varjossa olevan valon siirtymätekniikan hallitseminen ja käyttö, joiden avulla muodot luodaan kankaalle.

"Muusikon muotokuva" on ainoa miesmuotokuva Leonardo da Vincin mestariteoksista. Monet tutkijat tunnistavat mallin Milanon kuorojohtajan Franchino Gaffurion kanssa. Useat tutkijat kumoavat tämän mielipiteen sanomalla, että täällä ei ole kuvernööri, vaan tavallinen nuori mies, muusikko. Huolimatta joistakin da Vincin kirjoitustekniikkaan liittyvistä yksityiskohdista, taidekriitikot epäilevät edelleen Leonardon tekijyyttä. Todennäköisesti nämä epäilyt liittyvät siihen, että kankaalla käytetään elementtejä, jotka ovat ominaisia \u200b\u200blombardilaisten muotokuvataiteilijoiden taiteellisille perinteille.

Muotokuvan tekniikka muistuttaa monin tavoin Antonello da Messinan työtä. Rehevän kihara hiuksen taustalla kasvojen selkeät, tiukat linjat erottuvat hieman jyrkästi. Älykäs henkilö, jolla on vahva luonne, ilmestyy yleisön edessä, vaikka samalla hänen katseensa voidaan kiinni jotain epäinhimillistä, hengellistä. Ehkä juuri tällä hetkellä muusikon sielussa syntyy uusi, jumalallinen melodia, joka jonkin ajan kuluttua voittaa monien ihmisten sydämet.

Ei voida kuitenkaan sanoa, että taiteilija yrittää korottaa ihmistä keinotekoisesti. Mestari välittää hienovaraisesti ja taitavasti kaiken ihmissielun rikkauden ja leveyden turvautumatta hyperboliin ja paatoseen.

Yksi kuuluisimmista da Vincin maalauksista on kuuluisa Madonna of the Rocks (1483-1493). Sen tilasi Milanon San Francesco Granden kirkon munkit Leonardo. Koostumuksen oli tarkoitus koristaa alttaria Immacolat-kappelissa.

Maalauksesta on kaksi versiota, joista toinen on Pariisin Louvressa ja toinen Lontoon kansallisgalleriassa.

Se oli Louvre Madonna of the Rocks, joka koristi kirkon alttaria. Tutkijoiden mukaan taiteilija itse antoi sen Ranskan kuninkaalle Louis XII: lle. Hän teki tämän historioitsijoiden mukaan kiitollisuuden merkkinä kuninkaan osallistumisesta maalausten asiakkaiden ja esiintyjien-taiteilijoiden välisen ristiriidan ratkaisemiseen.

Esitetty versio korvattiin uudella maalauksella, joka on nyt Lontoon kansallisgalleriassa. Vuonna 1785 eräs Hamilton osti sen ja toi sen Englantiin.

"Madonna of the Rocksin" erottuva piirre on ihmishahmojen sulautuminen maisemaan. Tämä on ensimmäinen kuva suuresta taiteilijasta, jossa pyhien kuvat kietoutuvat harmonisesti luonnon kanssa heidän läsnäolonsa innoittamana. Ensimmäistä kertaa mestarin työssä lukuja ei kuvata arkkitehtonisen rakenteen minkään elementin taustalla, vaan ikään kuin ne olisi suljettu ankaraan kallioiseen maisemaan. Tämä tunne syntyy myös sävellyksessä erityisen valopelin ja putoavien varjojen ansiosta.

Madonnan kuva esitetään tässä epätavallisen hengellisellä ja epäinhimillisellä tavalla. Pehmeä valo putoaa enkelien kasvoille. Taiteilija teki monia luonnoksia ja luonnoksia ennen kuin hahmot heräävät eloon ja heidän kuvistaan \u200b\u200bkirkkaat ja ilmeikkäät. Yksi luonnoksista kuvaa enkelin päätä. Emme tiedä onko se tyttö vai poika. Mutta yksi asia voidaan sanoa varmuudella: tämä on maaton olento, täynnä hellyyttä, ystävällisyyttä, puhtautta. Koko kuva on täynnä tunnetta rauhasta, rauhasta ja hiljaisuudesta.

Mestarin myöhemmin kirjoittama versio eroaa ensimmäisestä useissa yksityiskohdissa: halot ilmestyvät pyhien pään yli, pieni Johannes Kastaja pitää ristiä, enkelin sijainti muuttuu. Ja itse teloituksen tekniikasta tuli yksi syy kuvan tekijän osoittamiseen Leonardon opiskelijoille. Tässä kaikki luvut on esitetty lähempänä, laajemmassa mittakaavassa, ja lisäksi niiden muodostavat viivat osoittautuvat havaittavammiksi, jopa raskaammiksi, terävämmiksi. Tämä vaikutus syntyy sakeuttamalla varjot ja korostamalla tiettyjä kohtia sävellyksessä.

Taidekriitikoiden mukaan kuvan toinen versio on tavallisempi, arkipäiväinen. Ehkä syy tähän oli se, että maalauksen valmistuivat Leonardon opiskelijat. Tämä ei kuitenkaan vähennä kankaan arvoa. Taiteilijan aikomus näkyy siinä selvästi, mestarin perinne kuvien luomisessa ja ilmaisussa on hyvin jäljitettävissä.

Vähintään mielenkiintoinen on Leonardo da Vincin kuuluisan maalauksen "Ilmoitus" (1470-luku) historia. Maalauksen luominen juontaa juurensa taiteilijan työn alkuvaiheeseen, opiskeluihin ja työskentelyyn Andrea Verrocchion studiossa.

Useat kirjoitustekniikan elementit antavat mahdollisuuden vakuuttaa, että kuuluisan mestariteoksen tekijä on Leonardo da Vinci, ja sulkea pois Verrocchion tai hänen muiden opiskelijoiden osallistuminen sen kirjoittamiseen. Jotkut sävellyksen yksityiskohdat ovat kuitenkin ominaisia \u200b\u200bVerrocchio-koulun taiteelliselle perinteelle. Tämä viittaa siihen, että nuori maalari oli tuolloin jo ilmenevästä omaperäisyydestä ja kyvystä huolimatta vielä jossain määrin opettajansa vaikutuksessa.

Maalauksen kokoonpano on melko yksinkertainen: maisema, maaseutuhuvila, kaksi hahmoa - Maria ja enkeli. Taustalla
näemme aluksia, joitain rakennuksia, sataman. Tällaisten yksityiskohtien läsnäolo ei ole täysin ominaista Leonardon työlle, eivätkä ne ole tärkeimmätkin tässä. Taiteilijalle on tärkeämpää näyttää sumuiseen sumuun piilotetut vuoret, jotka sijaitsevat etäisyydessä, ja kevyt, lähes läpinäkyvä taivas. Sielumaiset kuvat nuoresta naisesta, joka odottaa hyvää uutista, ja enkelistä ovat poikkeuksellisen kauniita ja lempeitä. Muodonsa linjat säilyvät da Vincin tavoin, mikä mahdollisti kerralla määritellä kangas mestariteoksena, joka kuuluu varhaisen Leonardon harjaan.

Pienien yksityiskohtien toteuttamistekniikka on ominaista myös kuuluisan mestarin perinteelle: kiillotetut penkit, kivipanta, kirjanpidin, koristeltu mielikuvituksellisesti vääntelevillä upeiden kasvien oksilla. Muuten, San Lorenzon kirkkoon asennetun Giovanni ja Piero Medicin haudan sarkofagia pidetään jälkimmäisen prototyyppinä. Nämä elementit, jotka ovat luontaisia \u200b\u200bVerrocchio-koululle ja jotka ovat ominaisia \u200b\u200bjälkimmäisen työlle, da Vinci on jonkin verran uudistanut. Ne ovat eläviä, suuria, harmonisesti kudottuja koko koostumukseen. Näyttää siltä, \u200b\u200bettä kirjailija on asettanut itselleen tavoitteen paljastaa lahjakkuutensa maailma, käyttäen opettajansa ohjelmistoa, omalla tekniikallaan ja taiteellisilla ilmaisukeinoillaan.

Tällä hetkellä yksi maalauksen muunnelmista on Firenzen Uffizi-galleriassa. Sävellyksen toista versiota säilytetään Pariisin Louvressa.

Louvre-maali on rakennettu jonkin verran monimutkaisemmaksi kuin aikaisempi versio. Täällä ovat selvästi näkyvissä kiviparetin seinämien geometrisesti oikeat viivat, joiden mallin toistavat Mary-hahmon takana olevat penkit. Esille tulevat kuvat sijoitetaan sävellykseen asianmukaisesti ja loogisesti. Marian ja enkelin vaatteet kirjoitetaan ensimmäiseen versioon verrattuna ilmeisemmin ja johdonmukaisemmin. Maria matalalla kumartuneen pään kanssa, pukeutuneena tummansiniseen mekkoon, jonka taivaansininen viitta on peitetty hartioillaan, näyttää maalliselta olentolta. Asun tummat värit kirkastavat ja herättävät hänen kasvonsa valkoisuuden. Vähintään ilmeikäs on enkelin kuva, joka toi hyvät uutiset Madonnalle. Kellertävä samettinen, syvä punainen viitta, jossa on verhot, jotka laskevat tasaisesti alaspäin, täydentävät upean kuvan eräänlaisesta enkelistä.

Erityistä mielenkiintoa myöhäiseen sävellykseen on mestarin hienovaraisesti maalama maisema: ilman yleissopimusta, etäisyydessä kasvavat puut, melkein realistisesti näkyvät, vaaleansininen, läpinäkyvä taivas, kevyen sumuisen piilotetut vuoret, tuoreet kukat jalkojen alla enkeli.

Maalaus "Saint Jerome" viittaa Leonardo da Vincin työn ajanjaksoon Andrea Verrocchion studiossa (taiteilijan ns. Firenzeläinen aika). Kangas jäi keskeneräiseksi. Sävellyksen pääteema on yksinäinen sankari, katuva syntinen. Hänen ruumiinsa oli kuiva nälästä. Hänen ilmeensä, täynnä päättäväisyyttä ja tahtoa, on kuitenkin elävä osoitus ihmisen vankkumattomuudesta ja hengellisestä voimasta. Emme löydä kaksinaisuutta, moniselitteisyyttä mistään Leonardon luomasta kuvasta.

Hänen maalauksensa hahmot ilmaisevat aina korkeimman asteen erittäin selvää syvää intohimoa ja tunnetta.

Mestaristi maalattu erakon pää todistaa myös Leonardon kirjoittajuudesta. Sen melko tavallinen leviäminen puhuu maalaustekniikan erinomaisesta hallitsemisesta ja päällikön tietämyksestä ihmiskehon anatomian monimutkaisuudesta. Vaikka onkin tehtävä pieni varaus: taiteilija seuraa monessa suhteessa Andrea del Castagnon ja Domenico Venezianon perinteitä, jotka puolestaan \u200b\u200bovat peräisin Antonio Pollaiololta.

Jerome-hahmo on epätavallisen ilmeikäs. Näyttää siltä, \u200b\u200bettä polvistuva erakko on kaikki suunnattu eteenpäin. Oikealla
hän pitää kiveä kädessään vielä yhden hetken - ja lyö itsensä siihen rintaan, pestä ruumiinsa ja kiroaa sieluaan synneistään ...

Kuvan sommittelurakenne on myös mielenkiintoinen. Kaikki se osoittautuu ikäänkuin suljettuna spiraaliin, joka alkaa kivistä, jatkuu leijonan hahmolla, joka sijaitsee katumuksen tekijän jaloissa, ja päättyy erakon kuvaan.

Ehkä suosituin maailman kuvataiteen mestariteoksista on "La Gioconda". Mielenkiintoinen tosiasia on, että kun muotokuva on valmis, taiteilija ei osallistunut siihen kuolemaansa saakka. Myöhemmin maalaus tuli Ranskan kuninkaan Francis I: n luo, joka sijoitti sen Louvreen.

Kaikki taiteentutkijat ovat yhtä mieltä siitä, että maalaus on maalattu vuonna 1503. Muotokuvassa esitetyn nuoren tytön prototyypistä on kuitenkin edelleen kiistaa. On yleisesti hyväksyttyä (perinne tulee kuuluisalta elämäkerralta Giorgio Vasarilta), että muotokuva kuvaa firenzeläisen kansalaisen Francesco di Giocondon vaimoa Mona Lisaa.

Kun katsomme kuvaa, voimme varmuudella sanoa, että taiteilija on saavuttanut täydellisyyden ihmiskuvan luomisessa. Täällä päällikkö poikkeaa aiemmin hyväksytystä ja yleisestä muotokuvan esitystavasta. La Gioconda on maalattu vaalealle taustalle ja sitä lisäksi pyöritetään kolmessa neljänneksessä, hänen katseensa kohdistuu suoraan katsojaan - tämä oli uutta tuon ajan muotokuvataidessa. Tytön selän takana olevan avoimen maiseman ansiosta jälkimmäisen hahmo osoittautuu ikään kuin osaksi maisemaa, joka sulautuu harmonisesti siihen. Tämä saavutetaan Leonardon luoman ja hänen teoksessaan käytetyn erityisen taiteellisen ja graafisen tekniikan - sfumaton - ansiosta. Sen ydin on siinä, että ääriviivat on hahmoteltu epäselvästi, ne ovat hämärtyneitä, mikä luo sävellyksessä sen yksittäisten osien sulautumisen, tunkeutumisen tunteen.

Muotokuvassa tällaisesta tekniikasta (ihmishahmon ja suuren mittakaavan luonnonmaiseman fuusio) tulee tapa ilmaista filosofinen idea: ihmismaailma on yhtä valtava, laaja ja monipuolinen kuin ympäröivä luonnon maailma . Mutta toisaalta sävellyksen pääteema voidaan esittää mahdottomaksi saada täysi tieto luonnon maailman ihmismielestä. Tähän ajatukseen monet taidekriitikot yhdistävät ironisen hymyn, joka on jäätynyt Mona Lisan huulille. Hän näyttää sanovan: "Kaikki ihmisen pyrkimykset tuntea maailma ovat ehdottomasti turhia ja turhia."

Taidetieteilijöiden mukaan La Giocondan muotokuva on yksi Leonardo da Vincin korkeimmista saavutuksista. Siinä taiteilija pystyi todella ilmentämään ja ilmaisemaan täysimääräisesti ajatuksen harmoniasta ja maailman suunnattomuudesta, ajatuksesta järjen ja taiteen prioriteetista.

Michelangelo Buonarroti

Michelangelo Buonarroti, italialainen taidemaalari, kuvanveistäjä, arkkitehti ja runoilija, syntyi Caprese lähellä Firenzettä 6. maaliskuuta 1475. Michelangelon isä, Lodovico Buonarroti, oli Caprese-kaupungin pormestari. Hän unelmoi, että hänen poikansa korvaisi hänet pian tehtävässään. Isänsä toiveiden vastaisesti Michelangelo päättää kuitenkin omistaa elämänsä maalaamiseen.

Vuonna 1488 Michelangelo meni Firenzeen ja tuli siellä taidekouluun, jota johti silloinen kuuluisa kuvataiteen mestari Domenico Ghirlandaio. Vuotta myöhemmin, vuonna 1489, nuori taiteilija työskenteli jo Lorenzo Medicin perustamassa työpajassa. Täällä nuori mies oppii maalauksen toiselta aikansa kuuluisalta taiteilijalta ja kuvanveistäjältä, Bertoldo di Giovannilta, joka oli Donatellon opiskelija. Tässä työpajassa Michelangelo työskenteli yhdessä Angelo Polizianon ja Pico della Mirandolan kanssa, jotka vaikuttivat suuresti nuoren taidemaalarin taiteellisen menetelmän muodostumiseen. Michelangelon työ ei kuitenkaan osoittautunut suljetuksi Lorenzo Medicin ympyrän tilassa. Hänen kykynsä kehittyi jatkuvasti. Taiteilijan huomio kiinnittyi yhä enemmän suurten Giotton ja Masaccion teosten sankarikuviin.

90-luvun alkupuoliskolla. 1400-luvulla ilmestyvät ensimmäiset Michelangelon tekemät veistokset: "Madonna portaissa" ja "Kentaurien taistelu".

"Madonnassa" voidaan nähdä tuon ajan taiteessa yleisesti hyväksytyn taiteellisen kuvaustavan vaikutus. Michelangelon työssä on sama yksityiskohdat kuvien plastisuudesta. Sielläkin voidaan kuitenkin nähdä nuoren kuvanveistäjän puhtaasti yksilöllinen tekniikka, joka ilmeni korkeiden, sankarillisten kuvien luomisessa.

Reliefissä "Kentaurien taistelu" ei ole jälkiä ulkopuolisesta vaikutuksesta. Tämä työ on lahjakkaan mestarin ensimmäinen itsenäinen työ, joka osoittaa hänen yksilöllisen tyylinsä. Reljeefissä ilmestyy mytologinen kuva Lapithien taistelusta kentaurien kanssa koko sisällöltään. Kohtaus on merkittävä poikkeuksellisesta draamastaan \u200b\u200bja realismistaan, jonka ilmaisee kuvien tarkasti renderoidut muovit. Tätä veistosta voidaan pitää lauluna sankarille, ihmisen voimalle ja kauneudelle. Kaikesta draaman draamasta huolimatta kokonaissävellys sisältää syvän sisäisen harmonian.

Taidetieteilijät pitävät "Kentaurien taistelua" Michelangelon työn lähtökohtana. He sanovat, että taiteilijan nero on peräisin juuri tästä teoksesta. Mestarin varhaisiin töihin liittyvä helpotus on eräänlainen heijastus koko Michelangelon taiteellisen rikkauden rikkaudesta.

Vuosina 1495–1496 Michelangelo Buonarroti on Bolognassa. Täällä hän tutustuu Jacopo della Quercian kankaisiin, jotka herättivät nuoren taiteilijan huomion luotujen kuvien monumentaalisuudella.

Vuonna 1496 mestari asettui Roomaan, jossa hän tutki äskettäin löydettyjen antiikkiveistosten, kuten Laocoonin ja Belvederen vartalon, plastisuutta ja toteutustapaa. Antiikin Kreikan kuvanveistäjien taiteellinen tapa heijastui Michelangelo Bacchuksessa.

Vuosina 1498-1501 taiteilija työskenteli "Pieta" -nimisen marmoriryhmän luomisessa ja toi Michelangelolle mainetta yhtenä Italian ensimmäisistä mestareista. Koko kohtaus, joka kuvaa nuorta äitiä itkevän murhatun poikansa ruumiin yli, on läpäissyt poikkeuksellisen hyväntekeväisyyden ja hellyyden tunteen. Ei ole sattumaa, että taiteilija valitsi nuoren tytön malliksi - kuvan, joka personoi henkisen puhtauden.

Tämä ihanteellisia sankareita esittävä nuoren mestarin työ eroaa merkittävästi 1400-luvulla luotuista veistoksista. Michelangelon kuvat ovat syvempiä ja psykologisempia. Surun ja surun tunne välittyy hienovaraisesti äidin kasvojen erityisen ilmeen, käsien ja vartalon asennon avulla, jonka käyriä korostavat vaatteiden pehmeät verhot. Jälkimmäisen kuvaa voidaan muuten pitää eräänlaisena askeleena taaksepäin mestarin työssä: koostumuksen elementtien (tässä tapauksessa mekon taitosten ja hupun) yksityiskohtainen yksityiskohtaisuus renessanssin taiteen piirre. Kokonaisuus on epätavallisen ilmeikäs ja säälittävä, mikä on eräs piirre nuoren kuvanveistäjän töissä.

Vuonna 1501 Michelangelo, joka oli jo kuuluisa veistosmestari Italiassa, lähti jälleen Firenzeen. Tässä on hänen marmorinen "David". Toisin kuin edeltäjänsä (Donatello ja Verrocchio), Michelangelo kuvasi nuorta sankaria juuri valmistautumassa taisteluun. Valtava patsas (sen korkeus on 5,5 m) ilmaisee ihmisen epätavallisen vahvaa tahtoa, hänen ruumiinsa fyysistä voimaa ja kauneutta. Henkilön kuva Michelangelon mielessä on samanlainen kuin mytologisten jättiläistitaanien hahmot. David esiintyy tässä ideana täydellisestä, vahvasta ja vapaasta ihmisestä, joka on valmis voittamaan kaikki tiellään olevat esteet. Kaikki sankarin sielussa kiehuvat intohimot välittyvät kehon käännöksen ja Daavidin kasvojen ilmeen kautta, mikä puhuu hänen päättäväisestä ja vahvan tahdon luonteestaan.

Ei ole sattumaa, että Daavidin patsas koristeli Palazzo Vecchion (Firenzen kaupunginhallituksen rakennus) sisäänkäyntiä symbolina kaupunkivaltioiden voimasta, poikkeuksellisesta voimasta ja itsenäisyydestä. Koko sävellys ilmaisee vahvan ihmissielun ja yhtä vahvan ruumiin harmoniaa.

Vuonna 1501, yhdessä Daavidin patsaan kanssa, ilmestyivät ensimmäiset monumentaalisen ("Kashinin taistelu") ja maalaustyön (pyöreässä muodossa "Madonna Doni") teokset. Jälkimmäistä pidetään tällä hetkellä Uffizi-galleriassa Firenzessä.

Vuonna 1505 Michelangelo palasi Roomaan. Täällä hän työskentelee paavi Julius II: n haudan luomisen parissa. Suunnitelman mukaan haudan piti olla grandioosi arkkitehtoninen rakenne, jonka ympärille sijoitettaisiin 40 marmorista ja pronssista valmistettuja reliefejä veistettyjä patsaita. Jonkin ajan kuluttua paavi Julius II kieltäytyi käskystä, eikä Michelangelon grandioosien suunnitelmien ollut tarkoitus toteutua. Lähteet viittaavat siihen, että asiakas oli melko töykeä päällikölle, minkä seurauksena hän loukkaantui ytimeen ja päätti jättää pääkaupungin ja palata takaisin Firenzeen.

Firenzen viranomaiset suostuttelivat kuitenkin kuuluisan kuvanveistäjän tekemään rauhan paavin kanssa. Pian hän kääntyi Michelangelon puoleen uudella ehdotuksella - Sikstuksen kappelin katon koristamiseksi. Mestari, joka piti itseään ensisijaisesti kuvanveistäjänä, hyväksyi tilauksen vastahakoisesti. Tästä huolimatta hän loi kangas, joka on edelleen tunnustettu maailmantaiteen mestariteos ja joka on jättänyt taidemaalarin muistin monille sukupolville.

On huomattava, että Michelangelo työskenteli kattomaalauksen parissa, jonka pinta-ala on yli 600 neliömetriä. m, täysin yksin, ilman avustajia. Neljä vuotta myöhemmin fresko oli kuitenkin täysin valmis.

Maalattavan katon koko pinta jaettiin useaan osaan. Keskeisellä paikalla on yhdeksän kohtausta, jotka kuvaavat maailman luomista ja ensimmäisten ihmisten elämää. Jokaisen tällaisen kohtauksen kulmissa on alastomien nuorten hahmoja. Tämän sävellyksen vasemmalla ja oikealla puolella on freskoja, jotka kuvaavat seitsemää profeettaa ja viittä ennustajaa. Katto, holvikaaret ja riisuminen on koristeltu erillisillä raamatullisilla kohtauksilla. On huomattava, että Michelangelon luvut ovat tässä eri mittakaavassa. Tämän erityisen tekniikan avulla kirjoittaja voi kohdistaa katsojan huomion tärkeimpiin jaksoihin ja kuviin.

Tähän asti taiteen tutkijat ovat hämmentyneitä freskon ideologisen käsitteen ongelmasta. Tosiasia on, että kaikki sen muodostavat juoni on kirjoitettu vastoin raamatullisen juonen kehityksen loogista järjestystä. Joten esimerkiksi maalaus "Nooan päihtyminen" edeltää sävellystä "Valon erottaminen pimeydestä", vaikka sen pitäisi olla päinvastoin. Tällaiset hajallaan olevat aiheet eivät kuitenkaan heijastuneet taiteilijan taiteelliseen taitoon. Ilmeisesti taiteilijan kannalta oli vielä tärkeämpää olla paljastamatta kertomuksen sisältöä, mutta jälleen kerran (kuten David-patsaassa) näyttää kauniin, ylevän ihmissielun ja hänen voimakkaan, vahvan ruumiinsa harmonia.
Tämän vahvistaa kuva titaanimaisesta isäntämiehistä (fresko "Auringon ja kuun luominen"), joka luo valaisimet.

Lähes kaikissa maailman luomisesta kertovissa freskoissa esiintyy yleisön edessä jättimäinen mies, jossa luojan pyynnöstä elämä, päättäväisyys, voima ja herää. Ajatus itsenäisyydestä on jatkuva säie maalauksessa "Kaatuminen", jossa Eve, joka tavoittaa kielletyn hedelmän, ikään kuin heittäisi haasteen kohtalolle, ilmaisee ratkaisevan halun vapauteen. Tulvat-freskon kuvat, joiden hahmot uskovat elämän ja perheen jatkumiseen, ovat täynnä samaa joustamattomuutta ja elämänjanoa.

Sibylien ja profeettojen kuvia edustavat sellaisten ihmisten hahmot, jotka personoivat voimakkaita tunteita ja hahmojen kirkasta persoonallisuutta. Viisas Joel on täällä epätoivoisen Hesekielin vastakohta. Katsoja on hämmästynyt henkistetyn Jesajan ja kauniin kuvista, jotka näkyvät ennustehetkellä, Delphic-sibylistä suurilla, selkeillä silmillä.

Edellä Michelangelon luomien kuvien patetiikka ja monumentaalisuus on jo todettu useammin kuin kerran. Mielenkiintoinen tosiasia on, että jopa ns. apuhahmot saavat päällikön samat piirteet kuin päähenkilöt. Nuorten miesten kuvat, jotka sijaitsevat yksittäisten maalausten kulmissa, ovat ihmisen kokeman elämänilon ja oman henkisen ja fyysisen voimansa tietoisuuden ruumiillistuma.

Taidekriitikot pitävät Sikstuksen kappelin maalausta oikeutetusti teoksena, joka sai päätökseen Michelangelon luovan muodostumisen ajan. Täällä mestari on jakanut plafonin niin menestyksekkäästi, että kaikista aiheista huolimatta fresko kokonaisuudessaan luo vaikutelman taiteilijan luomien kuvien harmoniasta ja yhtenäisyydestä.

Koko Michelangelon freskotyön ajan taiteilijan taiteellinen menetelmä muuttui vähitellen. Myöhemmät hahmot esitetään laajemmassa mittakaavassa - tämä lisäsi merkittävästi heidän monumentaalisuuttaan. Lisäksi tällainen kuvan mittakaava on johtanut siihen, että kuvioiden muovista on tullut paljon vaikeampaa. Tämä ei kuitenkaan millään tavoin vaikuttanut kuvien ilmeikkyyteen. Ehkä täällä enemmän kuin missään muualla ilmeni kuvanveistäjän lahjakkuus, joka onnistui välittämään hienovaraisesti ihmishahmon kaikki liikerivit. Voidaan saada vaikutelma, että maalauksia ei ole maalattu maaleilla, vaan ne ovat mestarillisesti veistettyjä tilavuuden reliefejä.

Freskojen luonne katon eri osissa on erilainen. Jos keskiosa ilmaisee optimistisimmat tunnelmat, niin holvikaarissa on kuvia, jotka ilmentävät kaikkia synkkien tunteiden sävyjä: rauha, suru ja ahdistus korvataan tässä hämmennyksellä ja tunnottomuudella.

Michelangelon tulkinta Kristuksen esi-isien kuvista on myös mielenkiintoinen. Jotkut heistä ilmaisevat sukulaisuuden tunteita. Toiset taas ovat täynnä pahaa ja vihamielisyyttä toisiaan kohtaan, mikä ei ole tyypillistä raamatullisille sankareille, jotka on kutsuttu tuomaan valoa ja hyvyyttä maailmaan. Taidekriitikot pitävät kappelin myöhempiä lisäyksiä uuden taiteellisen menetelmän ilmentymänä, laadullisen uuden ajanjakson alkuna kuuluisan taidemaalarin työssä.

20-luvulla. 1500-luvulla ilmestyy Michelangelon teoksia, jotka oli tarkoitettu koristamaan paavi Julius II: n hautaa. Kuuluisa kuvanveistäjä sai tilauksen jälkimmäisen rakentamisesta paavin perillisiltä. Tässä versiossa haudan olisi pitänyt olla jonkin verran pienempi, ja siinä olisi oltava vähintään patsaita. Pian mestari saattoi päätökseen kolmen veistoksen toteuttamisen: kahden orjan ja Mooseksen patsaat.

Michelangelo on työskennellyt vankien kuvien parissa vuodesta 1513 lähtien. Tämän työn pääteema on mies, joka taistelee hänelle vihamielisiä voimia vastaan. Täällä korvataan voittaneiden sankareiden monumentaaliset hahmot: hahmot, jotka hukkuvat eriarvoisessa taistelussa pahan kanssa. Lisäksi nämä kuvat eivät ole taiteilijan minkään yhden tavoitteen ja tehtävän alaisia, mutta ne edustavat tunteiden ja tunteiden kietoutumista.

Kuvan monipuolisuus ilmaistaan \u200b\u200beräänlaisen taiteellisen ja kuvallisen menetelmän avulla, jota päällikkö käyttää. Jos siihen asti Michelangelo yritti näyttää hahmon tai veistosryhmän yhdeltä puolelta, nyt taiteilijan luomasta kuvasta tulee muovinen, muuttuva. Riippuen siitä, kummalla puolella patsasta katsoja on, se saa tietyt ääriviivat, ja tämä tai toinen ongelma tulee entistä terävämmäksi.

Sidottu vanki voi toimia esimerkkinä yllä olevasta. Joten jos katsoja kävelee veistoksen ympäri myötäpäivään, hän näkee helposti seuraavat: Ensinnäkin sidotun vangin hahmo, jonka pää on heitetty taaksepäin ja avuton ruumis, ilmaisee epäinhimillistä kärsimystä oman voimattomuutensa, ihmisen sielun ja ruumiin heikkous. Kuitenkin, kun siirryt edelleen veistoksen ympäri, kuva muuttuu merkittävästi. Vankin entinen heikkous katoaa, hänen lihaksensa ovat täynnä voimaa, pää nousee ylpeänä. Ja nyt katsojan edessä ei ole enää uupunut marttyyri, vaan Titan-sankarin voimakas hahmo, joka jonkin naurettavan onnettomuuden seurauksena löysi itsensä kahleiksi. Näyttää siltä, \u200b\u200bettä toinen hetki - ja siteet katkeavat. Tätä ei kuitenkaan tapahdu. Siirtymällä katsoja näkee, kuinka ihmiskeho heikkenee jälleen, hänen päänsä laskee. Ja täällä taas on edessämme säälittävä vanki, joka on eronnut kohtalostaan.

Sama vaihtelu näkyy Kuolevan vangin patsaassa. Katsojan edetessä katsoja näkee, kuinka tuskissaan lyövä ruumis rauhoittuu vähitellen ja muuttuu tunnottomaksi aiheuttaen ajatuksen ikuisesta rauhasta ja hiljaisuudesta.

Vankien veistokset ovat epätavallisen ilmeikkäitä, mikä syntyy hahmojen liikkeen plastisuuden realistisen siirron vuoksi. Ne heräävät elämään kirjaimellisesti katsojan silmien edessä. Vankien patsaan teloituksen voimaa voidaan verrata vain mestarin varhaisimpaan veistokseen - "Kentaurien taisteluun".

Patsas "Mooses", toisin kuin "vangitut", on luonteeltaan hieman hillitty, mutta ei yhtä ilmeikäs. Tässä Michelangelo kääntyy jälleen titaanisen ihmissankarin kuvan luomiseksi. Mooseksen hahmo on johtajan, johtajan, henkilön, jolla on poikkeuksellisen vahva tahto, ruumiillistuma. Sen olemus paljastuu täydellisimmin verrattuna Daavidiin. Jos jälkimmäinen symboloi luottamusta omaan voimaansa ja voittamattomuuteensa, niin tässä Mooses on persoonallisuus ajatukselle, että voitto vaatii valtavia ponnisteluja. Mestari välitti tämän sankarin henkisen jännitteen paitsi kasvojensa valtavan ilmeen kautta myös hahmon plastisuuden avulla: jyrkästi taittuvat viivoja taitoksia vaatteissa, ylösalaisin Mooseksen parta.

Vuodesta 1519 Michelangelo on työskennellyt neljän muun vankipatsaan luomisessa. Ne jäivät kuitenkin keskeneräisiksi. Myöhemmin niitä käytettiin koristelemaan luolaa Firenzessä sijaitsevassa Boboli-puutarhassa. Tällä hetkellä patsaita säilytetään firenzeläisessä akatemiassa. Näissä teoksissa ilmestyy uusi teema Michelangelolle: yhteys veistoksellisen hahmon ja lähdemateriaaliksi otetun kivilohkon välillä. Kuvanveistäjä esittää tässä ajatuksen taiteilijan päätavoitteesta: kuvan vapauttaminen kivikahvoista. Koska veistokset osoittautuivat keskeneräisiksi ja niiden alaosassa näkyvät selvästi käsittelemättömät kivipalat, katsoja näkee kuvan koko prosessin. Tässä näkyy uusi taiteellinen konflikti: ihminen ja ympäröivä maailma. Lisäksi tämä konflikti ei ole ratkaistu henkilön hyväksi. Ympäristö tukahduttaa kaikki hänen tunteensa ja intohimonsa.

Firenzen Medici-kappelin maalaus oli työ, joka merkitsi korkean renessanssin vaiheen päättymistä ja samalla oli uusi vaihe Michelangelon työssä. Työtä tehtiin 15 vuoden ajan, vuosina 1520-1534. Taiteilija joutui jonkin aikaa keskeyttämään työnsä Italiassa tuolloin tapahtuneiden poliittisten tapahtumien vuoksi. Vuonna 1527 Firenze julisti itsensä tasavallaksi vastauksena Rooman tappioon.

Michelangelo valittiin tasavallan valtion rakenteen tukijana linnoitusten päällikön virkaan ja antoi suuren panoksen kaupungin puolustamiseen. Kun Firenze putosi ja Medicit tulivat jälleen valtaan, kuuluisa taiteilija ja nyt myös poliitikko ripustivat vakavan kuolemanuhan. Pelastus tuli täysin odottamattomasti. Paavi Clement VII Medici, joka on ylpeä ja turha ihminen, halusi jättää jälkipolville muiston itsestään ja sukulaisistaan. Kuka muu kuin Michelangelo, joka tunnetaan upeiden kuvien maalaamisesta ja erinomaisista patsaista, voisi tehdä tämän?

Joten, Medici-kappelin rakentamista jatkettiin. Jälkimmäinen on pieni rakenne, jolla on korkeat seinät ja jonka yläosassa on kupoli. Kappelissa on kaksi haudaa: Nemoursin herttuat Giuliano ja Urbinon Lorenzo, jotka sijaitsevat seinien varrella. Kolmannen seinän alttaria vastapäätä seisoo Madonnan patsas. Hänen vasemmalla ja oikealla puolellaan on veistoksia, jotka personoivat pyhien Cosmasin ja Damianin kuvia. On selvää, että ne ovat tehneet suuren mestarin opetuslapset. Tutkijat ehdottivat, että Medici-haudalle tehtiin myös patsaat "Apollo" (toinen nimi - "David") ja "Crouching Boy".

Herttuoiden veistosten lisäksi, joilla ei ollut mitään ulkoista muistutusta prototyyppeihinsä, sijoitettiin allegoriset hahmot: "Aamu", "Päivä", "Ilta" ja "Yö". Ne esitetään tässä maallisen ajan ja ihmiselämän ohimenevyyden symboleina. Kapeissa kapealla olevat patsaat antavat vaikutelman masennuksesta, jonkun kauhean ja valtavan välittömästä saapumisesta. Herttuoiden tilavuushahmot, joita kiviseinät murskaavat joka puolelta, ilmaisevat kuvien hengellisen murtuman ja sisäisen tyhjyyden.

Harmonisin tässä yhtyeessä on Madonnan kuva. Epätavallisen ilmeikäs ja täynnä lyriikkaa, se on yksiselitteinen eikä sitä ole rasitettu pimeillä viivoilla.

Medicin kappeli on erityisen kiinnostava arkkitehtonisten ja veistoksellisten muotojen taiteellisen yhtenäisyyden kannalta. Rakennuksen linjat ja patsaat ovat alisteisia taiteilijan yhdelle ajatukselle. Kappeli on selkein esimerkki kahden taiteen - veistoksen ja arkkitehtuurin - synteesistä ja harmoniasta, jossa toisen osat täydentävät ja kehittävät harmonisesti toisen elementin merkitystä.

Vuodesta 1534 Michelangelo lähti Firenzestä ja asettui Roomaan, jossa hän pysyi elämänsä loppuun asti. Rooman aikakausi suurmestarin työstä kului vasta-uskonpuhdistuksen olosuhteissa taistelussa renessanssin kirjailijoiden, maalareiden ja kuvanveistäjien ylistämien ideoiden kanssa. Manieristien taide korvaa jälkimmäisten luovuuden.

Roomassa Michelangelo tuli läheiseksi ihmisille, jotka muodostivat uskonnollisen ja filosofisen piirin, jota johti tuolloin kuuluisa italialainen runoilija Vittoria Colonna. Kuten hänen nuoruutensa, Michelangelon ajatukset ja ajatukset olivat kaukana niistä, jotka leijuivat ympyrän päissä. Itse asiassa mestari asui ja työskenteli Roomassa väärinkäsitysten ja hengellisen yksinäisyyden ympäristössä.

Tuolloin (1535-1541) ilmestyi Viimeisen tuomion fresko, joka koristeli Sikstuksen kappelin alttariseinää.

Kirjoittaja tulkitsee tässä Raamatun juoni uudelleen. Katsoja ei kuvaa viimeisestä tuomiosta positiivista alkua, korkeimman oikeuden voiton voittoa, vaan pikemminkin yleistä inhimillistä tragediaa koko rodun kuolemasta, kuten Apokalypsi. Valtavat ihmishahmot parantavat sävellyksen draamaa.

Kuvan spontaani luonne vastaa täysin taiteilijan tehtävää - näyttää yleiseen joukkoon eksynyt henkilö. Tällaisen taiteellisen kuvan ratkaisun ansiosta katsojalla on tunne yksinäisyyttä tässä maailmassa ja voimattomuutta vihamielisten voimien edessä, joilla ei ole mitään järkeä taistella. Traagiset nuotit saavat lävistävän äänen myös siksi, että mestarilla ei ole täällä yhtenäistä, monoliittista kuvaa ihmisten joukosta (koska se esitetään myöhäisen renessanssin taiteilijoiden kankailla), jokainen heistä elää omaa elämää. Taiteilijan epäilemätön ansio on kuitenkin se, että hän osoitti edelleen epäjohdonmukaista, mutta ei enää persoonatonta ihmismassaa.

Viimeisessä tuomiossa Michelangelo esittelee epätavallisen ilmeikkään koloristisen tekniikan. Vaalean alastoman ruumiin ja tumman, mustan ja sinisen taivaan kontrasti lisää vaikutelman traagisesta jännitteestä ja masennuksesta sävellyksessä.

Michelangelo. Viimeinen tuomio. Sikstuksen kappelin fresko Vatikaanissa. Kappale. 1535-1541

Vuosina 1542-1550 Michelangelo maalasi Vatikaanin Paolina-kappelin seinät. Suuren taidemaalarin siveltimet kuuluvat kahteen freskoon, joista toista myöhemmin kutsuttiin "Paavalin käännytykseksi", ja toista - "Pietarin ristiinnaulitsemiseksi". Jälkimmäisessä, Peterin teloitusta tarkkailevissa hahmoissa, ajatus henkilön hiljaisesta suostumuksesta, toimettomuudesta ja alistumisesta hänen kohtalolleen esitetään täysin. Ihmisillä ei ole fyysistä eikä henkistä voimaa vastustaa jotenkin väkivaltaa ja pahaa.

1530-luvun lopulla. ilmestyy toinen Michelangelon veistos - Brutusin rintakuva. Tämä työ toimi eräänlaisena vastauksena kuuluisalta mestarilta tyrannisen herttua Alessandro Medicin murhaan, jonka hänen sukulaisensa Lorenzo teki. Todellisista motiiveista huolimatta taiteilija - republikaanien kannattaja - otti jälkimmäisen teon vastaan \u200b\u200bilolla. Brutus-kuva on täynnä kansalaiskulttuuria, jota mestari edustaa jaloina, ylpeinä, itsenäisinä, suuren mielen ja lämpimän sydämen miehinä. Täällä Michelangelo, ikään kuin, palaa ihanteellisen ihmisen kuvaan, jolla on korkeat hengelliset ja henkiset ominaisuudet.

Michelangelon luovuuden viimeiset vuodet kuluivat ystävien ja sukulaisten menetyksen ja entistä pahempaa julkisen reaktion ilmapiirissä. Vastareformistien innovaatiot eivät voineet koskettaa päällikön töitä, joissa ilmenivät renessanssin edistyneimmät ajatukset: humanismi, vapaudenrakkaus, kapinallinen kohtalo. Riittää, kun sanotaan, että yhden vastamuotojen kovan ihailijan, Paul IV Karaffan, päätöksellä muutettiin kuuluisan taidemaalarin viimeisen tuomion kokoonpanoa. Paavi piti freskossa kuvattujen ihmisten alastomia hahmoja säälimättöminä. Hänen määräyksellään Michelangelon opiskelija Daniele da Volterra kätki joidenkin Michelangelo-kuvien alastomuuden verhojen verhoilla.

Michelangelon viimeisiä teoksia - joukko piirustuksia ja veistoksia - läpäisee synkän ja tuskallisen yksinäisyyden ja kaikkien toiveiden romahtamisen. Nämä teokset heijastavat selkeimmin tunnustetun mestarin sisäisiä ristiriitoja.

Niinpä Palestrinan Pietassa oleva Jeesus Kristus esitetään sankarina, joka on murtunut ulkoisten voimien hyökkäyksen alaisena. Sama kuva Firenzen katedraalin Pietassa ("Entombment") on jo arkipäiväisempi ja inhimillisempi. Tämä ei ole enää titaanisankari. Tässä taiteilijalle osoittautuu tärkeämmäksi näyttää hahmojen henkinen voima, tunteet ja kokemukset.

Kristuksen ruumiin katkenneet ääriviivat, kuva äidistä, joka taipuu poikansa kuolleen ruumiin päälle, Nikodemus laski ruumiin
Jeesus haudassa - kaikki on alistettu yhdelle tehtävälle: kuvata ihmisen kokemusten syvyyttä. Lisäksi totta
näiden teosten etuna on päällikön voittama kuvien erimielisyys. Maalauksen ihmisiä yhdistää syvän myötätunnon tunne ja menetyksen katkeruus. Tämä Michelangelon tekniikka kehitettiin italialaisen taiteen muodostumisen seuraavassa vaiheessa myöhäisen renessanssin taiteilijoiden ja kuvanveistäjien teoksissa.

Michelangelon luovuuden viimeisen vaiheen huippua voidaan pitää veistoksena, jota myöhemmin kutsutaan nimellä "Pieta Rondanini". Tässä esitetyt kuvat esitetään hellyyden, henkisyyden, syvän surun ja surun ruumiillistumana. Täällä enemmän kuin koskaan, teema ihmisten yksinäisyydestä maailmassa, jossa on niin paljon ihmisiä, kuulostaa terävältä.

Samat motiivit voidaan kuulla suurmestarin myöhemmissä graafisissa töissä, jotka pitivät piirustusta kuvanveiston, maalauksen ja arkkitehtuurin perusperiaatteena.

Michelangelon graafisten teosten kuvat eivät eroa hänen monumentaalisten sävellystensä sankareista: samat majesteettiset titaanisankarit ovat edustettuina täällä. Työnsä viimeisenä aikana Michelangelo kääntyi piirustukseen itsenäisenä taiteellisena ja visuaalisena tyylilajina. Joten 30-40-luvulla. 1500-luvulla syntyi mestarin eloisimmat ja ilmeikkäimmät sävellykset, kuten "Phaetonin kaatuminen" ja "Kristuksen ylösnousemus".

Taiteilijan taiteellisen menetelmän kehitys voidaan helposti jäljittää esimerkkeihin graafisista teoksista. Jos ensimmäiset kynällä tehdyt piirustukset sisältävät hyvin tarkkoja kuvia hahmoista, joilla on melko terävät ääriviivat, niin myöhemmistä kuvista tulee epämääräisempiä ja pehmeämpiä. Tämä keveys syntyy siitä, että taiteilija käyttää joko sanguiinia tai italialaista lyijykynää, jonka avulla luodaan ohuempia ja herkempiä viivoja.

Myöhempi Michelangelon työ ei kuitenkaan ollut merkitty traagisesti toivottomilla kuvilla. Suuren mestarin arkkitehtoniset rakenteet, jotka ovat peräisin tältä ajalta, jatkavat renessanssin perinteitä. Sen Pyhän Pietarin katedraali ja Rooman Capitolian arkkitehtoninen kokonaisuus ovat korkean humanismin renessanssin ideoiden ruumiillistuma.

Michelangelo Buonarroti kuoli Roomassa 18. helmikuuta 1564. Hänen ruumiinsa vietiin tiukimmalla salaisuudella pääkaupungista ja lähetettiin Firenzeen. Suuri taiteilija haudattiin Santa Crocen kirkkoon.

Maalauksen ja kuvanveiston päällikön työllä oli tärkeä rooli monien Michelangelon seuraajien taiteellisen menetelmän muodostumisessa ja kehittämisessä. Heidän joukossaan ovat maneristit Raphael, jotka usein kopioivat kuuluisan taidemaalarin luomien kuvien viivat. Michelangelon taide ei ollut yhtä tärkeä barokin aikakauden taiteilijoille. Olisi kuitenkin väärin sanoa, että barokin kuvat (henkilö, jota ei siirrä eteenpäin sisäisillä impulsseilla, vaan ulkoisilla voimilla) ovat samanlaisia \u200b\u200bkuin Michelangelon sankarit, jotka ylistävät ihmisen humanismia, tahtoa ja sisäistä voimaa.

Raphael Santi

Raphael Santi syntyi Urbinon pikkukaupungissa vuonna 1483. Suuren taidemaalarin tarkkaa syntymäaikaa ei voitu määrittää. Joidenkin lähteiden mukaan hän syntyi 26. tai 28. maaliskuuta. Muut tutkijat väittävät, että Raphaelin syntymäaika oli 6. huhtikuuta 1483.

1400-luvun lopulla Urbinosta tuli yksi maan suurimmista kulttuurikeskuksista. Elämäkerta-kirjoittajien mukaan Raphael opiskeli isänsä Giovanni Santin kanssa. Vuodesta 1495 nuori mies on työskennellyt Urbino-mestarin Timoteo della Viten taidepajalla.

Rafaelin varhaisimpia säilyneitä teoksia pidetään miniatyyreinä "Ritarin unelma" ja "Kolme armoa". Jo näissä teoksissa heijastuvat täysin renessanssin mestareiden saarnaamat humanistiset ihanteet.

Ritarin unessa eräänlainen uudelleentarkastelu Herculesin mytologisesta teemasta, jonka edessä on valinta: Valor vai Pleasure? .. Raphael kuvaa Herculesia nukkuvana nuorena ritarina. Hänen edessään on kaksi nuorta naista: yhdellä kirja ja miekka käsissä (tiedon symbolit, arvokkuus ja käsivarret), toisella kukkiva oksa, joka ilahduttaa iloa ja nautintoa. Koko sävellys on sijoitettu kauniin maiseman taustalle.

"Kolme armoa" -kohdassa esitetään jälleen antiikkikuvia, jotka on otettu todennäköisesti antiikin Kreikan kuvasta (kuva kallis- tai puolijalokivestä).

Huolimatta siitä, että nuoren taiteilijan varhaisissa teoksissa on paljon lainoja, tekijän luova yksilöllisyys ilmenee jo melko selvästi täällä. Se ilmaistaan \u200b\u200bkuvien lyyrisyydessä, työn erityisessä rytmisessä järjestyksessä, hahmojen muodostavien viivojen pehmeydessä. Maalattujen kuvien poikkeuksellinen harmonia, samoin kuin sävellyksen selkeys ja selkeys, jotka ovat ominaisia \u200b\u200bRaphaelin varhaisille teoksille, puhuvat renessanssin taiteilijasta.

Vuonna 1500 Raphael lähtee kotikaupungistaan \u200b\u200bja menee Perugiaan, Umbrian pääkaupunkiin. Täällä hän opiskeli maalausta Pietro Peruginon studiossa, joka oli Umbrian taidekoulun perustaja. Raphaelin aikalaiset todistavat: kykenevä opiskelija omaksui opettajan kirjoittamistyylin niin syvästi, että heidän kangasmajojaan ei voitu edes erottaa. Hyvin usein Raphael ja Perugino toteuttivat tilauksen työskentelemällä yhdessä kuvan kanssa.

Olisi kuitenkin väärin sanoa, että nuoren taiteilijan alkuperäinen kyky ei kehittynyt lainkaan tänä aikana. Tämän vahvistaa noin 1504 luotu kuuluisa "Conestabile Madonna".

Tässä kankaassa Madonnan kuva ilmestyy ensimmäistä kertaa, joka myöhemmin tulee taiteilijan työn johtavista paikoista. Madonna maalattiin upean maiseman taustalla, jossa oli puita, kukkuloita ja järvi. Kuvia yhdistää se tosiasia, että Madonnan ja vauvan katse ohjataan kirjaan, jota nuori äiti lukee. Sävellyksen täydellisyyden välittävät paitsi päähenkilöiden hahmot myös kuvan itse muoto - tondo (pyöreä), joka ei lainkaan rajoita kuvien vapautta. Ne ovat suuria ja kevyitä. Vaikutus luonnollisuudesta ja realismista syntyy kevyiden kylmien värien ja niiden erityisten yhdistelmien käytöstä johtuen: Madonnan syvän sininen viitta, läpinäkyvä sininen taivas, vihreät puut ja järvivesi, lumiset vuoret valkoisilla latvoilla. Kaikki tämä kuvaa katsellen luo puhtauden ja hellyyden tunteen.

Toinen yhtä kuuluisa Raphaelin työ, joka liittyy myös hänen työnsä alkuvaiheeseen, on vuonna 1504 luotu kangas nimeltä "Marian kihlaja". Maalausta pidetään tällä hetkellä Brera-galleriassa Milanossa. Sävellysrakentaminen on tässä mielenkiintoista. Maalari siirsi kihlauksen uskonnollisen ja rituaalin toiminnan kirkon seiniltä, \u200b\u200bnäkyvästä etäisyydestä kadulle. Sakramentti suoritetaan kirkkaan vaaleansinisen taivaan alla. Kuvan keskellä on pappi, vasemmalla ja oikealla puolella ovat Maria ja Joseph, joiden vieressä pieniä ryhmiä ovat nuoret tytöt ja pojat. Sävellyksen näkökulmasta katsottuna kirkko on eräänlainen tausta, jossa kihlaus tapahtuu. Hän symboloi jumalallista taipumusta ja suosiota Marialle ja Joosefille. Kirkon kupolin viivaa toistava kankaan yläosassa oleva puolipyöreä kehys antaa kuvalle loogisen täydellisyyden.

Kuvan luvut ovat epätavallisen lyyrisiä ja samalla luonnollisia. Täällä liikkeet, ihmiskehon plastisuus välitetään hyvin tarkasti ja hienovaraisesti. Silmiinpistävä esimerkki tästä on hahmo, jossa sävellyksen etualalla oleva poika rikkoo viestikapula polvillaan. Maria ja Joseph näyttävät katsojilta siroilta, melkein eteerisiltä. Heidän sielukas kasvonsa ovat täynnä rakkautta ja hellyyttä. Huolimatta tietystä symmetriasta kuvioiden järjestelyssä, kangas ei menetä lyyristä ääntään. Raphaelin luomat kuvat eivät ole suunnitelmia, ne ovat eläviä ihmisiä kaikilla tunteillaan.

Tässä teoksessa ilmeni ensimmäistä kertaa selkeimmin, verrattuna aikaisempiin teoksiin, nuoren mestarin kyky kyvyssä järjestää hienovaraisesti sävellyksen rytmi. Tämän ominaisuuden ansiosta arkkitehtonisten rakenteiden kuvat sisällytetään harmonisesti kokonaiskuvaan, jotka eivät ole vain osa Raphaelin maisemaa, mutta jotka ovat samalla tasolla päähenkilöiden kanssa, paljastavat niiden olemuksen ja luonteen.

Halu luoda erityinen rytmi teoksessa sanelee taiteilijan tiettyjen sävyjen värien käytön. Siten sävellys "Marian kihlaja" on rakennettu vain neljälle värille.

Kullankeltaiset, vihreät ja punaiset sävyt yhdistettynä sankareiden vaatteisiin maisemassa, arkkitehtuurissa ja koko sävellykselle tarvittavan rytmin asettamisessa muodostavat harmonian taivaan vaaleansinisten sävyjen kanssa.

Hyvin pian Peruginon taidetyöpaja muuttuu liian pieneksi taidemaalarin kyvyn kasvulle. Vuonna 1504 Raphael päätti muuttaa Firenzeen, jossa kehitettiin renessanssin taiteen ideoita ja estetiikkaa. Täällä Raphael tutustuu Michelangelon ja Leonardo da Vincin teoksiin. On turvallista sanoa, että he olivat nuoren taidemaalarin opettajia hänen luovan menetelmänsä muodostumisen tässä vaiheessa. Näiden mestareiden teoksista nuori taiteilija löysi jotain, mitä ei ollut Umbrian koulussa: alkuperäinen kuvien luomisen tyyli, kuvattavien kuvien ilmeikäs plastisuus, laajempi todellisuuden esitys.

Uudet taiteelliset ja kuvalliset ratkaisut heijastuivat jo Raphaelin vuonna 1505 luomiin teoksiin. Muotokuvia tuolloin kuuluisasta Firenzen filantropista Angelo Donista ja hänen vaimostaan \u200b\u200bpidetään nyt Pitti-galleriassa. Kuvissa ei ole sankarillista paatosta ja liioittelua. Nämä ovat tavallisia ihmisiä, joilla on kuitenkin parhaat ihmisominaisuudet, muun muassa päättäväisyys ja vahva tahto.

Täällä, Firenzessä, Raphael kirjoittaa Madonnalle omistetun maalaussyklin. Hänen kankaansa "Madonna vihreässä", "Madonna kultanauhalla", "Puutarhuri Madonna" ilmestyivät. Nämä sävellykset ovat muunnelmia yhdestä kappaleesta. Kaikki kankaat kuvaavat Madonnaa ja lasta pienen Johannes Kastajan kanssa. Hahmot on sijoitettu upeasti kauniin maiseman taustalle. Raphaelin kuvat ovat epätavallisen lyyrisiä, pehmeitä ja hellä. Hänen Madonna on anteeksiantavan, rauhallisen äitiystalouden ruumiillistuma. Näissä teoksissa on jonkin verran sentimentaalisuutta ja liiallista ihailua sankareiden ulkoisesta kauneudesta.

Maalarin taiteellisen menetelmän erottuva piirre tänä aikana on selkeä värinäkö puute, joka on ominaista kaikille firenzeläisen koulun mestareille. Kankailla ei ole hallitsevia värejä. Kuvat hahmonnetaan pastelliväreillä. Väri ei ole taiteilijan pääasia. Hänen kannaltaan on tärkeämpää välittää viivat, jotka muodostavat kuvan mahdollisimman tarkasti.

Ensimmäiset esimerkit Raphaelin monumentaalimaalauksesta luotiin Firenzessä. Niistä mielenkiintoisin on Madonna Johannes Kastajan ja St. Nicholas "(tai" Anside Madonna "). Taiteilijan luovaan menetelmään vaikuttivat suurelta osin firenzeläisten maalareiden, pääasiassa Leonardo da Vincin ja Fra Bartolomeon, kankaat.

Vuonna 1507 Raphael, joka haluaa verrata Firenzen koulun parhaisiin mestareihin, he olivat Leonardo da Vinci ja Michelangelo, luo melko suuren kankaan, nimeltään "The Entombment". Jotkut sävellyskuvien elementit ovat kuuluisten maalareiden toistoja. Joten Kristuksen pää ja ruumis on lainattu Michelangelon Pieta-veistoksesta (1498-1501) ja Mariaa tukevan naisen kuva - saman mestarin "Madonna Doni" -kankaasta. Monet taidekriitikot eivät pidä tätä Raphaelin teosta alkuperäisenä, mikä paljastaa hänen alkuperäisen kykynsä ja taiteellisen ja kuvallisen menetelmän piirteet.

Viimeisestä epäonnistuneesta työstään huolimatta Raphaelin saavutukset taiteessa olivat merkittäviä. Pian aikalaiset huomasivat ja tunnistivat nuoren taiteilijan teokset, ja kirjailija itse asetettiin samankaltaisiksi renessanssin merkittävien mestareiden-maalareiden kanssa. Vuonna 1508 taidemaalari lähtee kuuluisan arkkitehdin Bramanten, maanmiehen Raphaelin suojeluksessa Roomaan, missä hän on paavin tuomioistuimeen kutsuttujen joukossa.

Tuolloin paavin valtaistuimella ollut Julius II tunnettiin turhana, päättäväisenä ja päättäväisenä miehenä.
Hänen hallituskautensa aikana paavin omaisuutta laajennettiin suuresti sotien kautta. Samaa "loukkaavaa" politiikkaa noudatettiin myös kulttuurin ja taiteiden kehittämisessä. Niinpä tunnetuimmat taiteilijat, kuvanveistäjät ja arkkitehdit kutsuttiin paavin tuomioistuimeen. Rooma, jota koristavat lukuisat arkkitehtoniset rakennukset, alkoi muuttua huomattavasti: Bramante rakensi Pyhän Pietarin katedraalia; Michelangelo keskeytti väliaikaisesti Julius II: n haudan rakentamisen ja alkoi maalata Sikstuksen kappelin kattoa. Paavin ympärille muodostui vähitellen runoilijoiden ja tutkijoiden ympyrä, joka saarnasi korkeita humanistisia periaatteita ja ideoita. Firenzestä saapunut Rafael Santi pääsi tällaiseen ilmapiiriin.

Saapuessaan Roomaan Raphael alkoi työskennellä paavin huoneistojen maalauksen parissa. Freskot luotiin ajanjaksolla 1509-1517. Ne erotetaan muiden päälliköiden samankaltaisista teoksista useilla piirteillä. Ensinnäkin se on maalausten mittakaava. Jos edellisten maalareiden teoksissa oli useita pieniä sävellyksiä yhdellä seinällä, niin Raphaelilla on erillinen seinä kullekin maalaukselle. Niinpä myös kuvatut luvut "ovat kasvaneet".

Lisäksi on tarpeen huomata Raphaelin freskojen rikkaus erilaisilla koriste-elementeillä: tekomarmorilla ja kullatulla koristeltu katto, fresko- ja mosaiikkikoostumukset, lattia maalattu hienolla kuviolla. Tällainen monimuotoisuus ei kuitenkaan luo vaikutelmaa liiallisuudesta ja kaaoksesta. Paikalleen järjestetyt ja taitavasti järjestetyt koriste-elementit herättävät harmonian, järjestyksen ja päällikön asettaman tietyn rytmin tunteen. Tällaisten luovien ja teknisten innovaatioiden seurauksena taiteilijan luomat kuvat maalauksissa ovat selvästi katsojan nähtävissä ja saavat siten tarvittavan selkeyden ja selkeyden.

Kaikkien freskojen täytyi noudattaa yhteistä teemaa: katolisen kirkon ja sen pään kunniaksi. Tässä suhteessa maalaukset perustuvat raamatullisiin juoni- ja kohtauspaikkoihin paavinvallan historiasta (kuvina Julius II ja hänen seuraajansa Leo X). Raphaelissa tällaisilla konkreettisilla kuvilla on kuitenkin yleinen allegorinen merkitys, mikä paljastaa renessanssin humanististen ajatusten olemuksen.

Tästä näkökulmasta erityisen kiinnostava on Stanza della Senyatura (allekirjoitushuone). Sävellyksen freskot ovat osoitus ihmisen hengellisen toiminnan neljästä alueesta. Niinpä freskossa "Dispute" näkyy teologia, "Ateenan koulu" - filosofia, "Parnassus" - runous, "Viisaus, maltillisuus ja vahvuus" - oikeudenmukaisuus. Jokaisen freskon yläosaa kruunaa allegorinen hahmo, joka edustaa tiettyä toimintaa. Holvien kulmissa on pieniä sävellyksiä, jotka ovat samanlaisia \u200b\u200bkuin tämä tai se fresko.

Stanza della Senyatura -maalaus koostuu yhdistelmästä raamatullisia ja antiikin Kreikan aiheita (raamatullinen - "Kaatuminen", antiikki - "Apollon voitto Marsyasta"). Itse se tosiasia, että paavin huoneiden sisustamiseen käytettiin mytologisten, pakanallisten ja maallisten aiheiden yhdistelmää, todistaa tuon ajan ihmisten suhtautumisesta uskonnollisiin dogmoihin. Rafaelin freskot ilmaisivat maallisen periaatteen prioriteetin kirkollis-uskonnolliseen nähden.

Kirkkain ja täysin heijastava uskonnollinen kulttifresko oli maalaus "Kiista". Tässä sävellys näyttää olevan jaettu kahteen osaan: taivas ja maa. Alla, kentällä, ovat kirkon isien, papiston, vanhinten ja nuorten hahmot. Heidän kuvansa ovat epätavallisen luonnollisia, mikä luodaan realistisella toistolla kehojen, käännösten ja hahmojen plastisuudesta. Dante, Savonarola, taidemaalari Fra Beato Angelico voidaan helposti tunnistaa täällä kasvojen joukosta.

Ihmisten hahmojen yläpuolella on kuvia, jotka symboloivat Pyhää Kolminaisuutta: Isä Jumala, hieman hänen alapuolellaan - Jeesus Kristus Jumalan Äidin ja Kastajan Johannes, alapuolella - kyyhkynen - Pyhän Hengen persoonallisuus. Sakramentin symbolina koko koostumuksen keskellä on kiekko.

"Riidassa" Raphael esiintyy lyömättömänä sävellysmestarina. Monista symboleista huolimatta kuva erottuu kuvien poikkeuksellisesta selkeydestä ja tekijän välittämän ajatuksen selkeydestä. Sävellyksen yläosan kuvien järjestelyn symmetriaa pehmentävät koostumuksen alaosassa olevat lähes kaoottisesti sijoitetut hahmot. Siksi edellisen kaavamainen esitys on tuskin havaittavissa. Tässä läpikuultava koostumuselementti on puoliympyrä: puoliympyrä, joka sijaitsee pyhien ja apostolien yläosassa pilvissä, ja sen kaikuna, puoliympyrä vapaista ja luonnollisemmista ihmisten hahmoista kuvan alaosassa.

Yksi Raphaelin parhaimmista freskoista ja teoksista hänen tämän ajanjaksonsa aikana on "Ateenan koulu" -maalaus. Tämä fresko on muinaisen Kreikan taiteeseen liittyvien korkeiden humanististen ihanteiden ruumiillistuma. Taiteilija kuvasi kuuluisia antiikin filosofeja ja tutkijoita. Sävellyksen keskiosassa on Platonin ja Aristoteleen hahmoja. Platonin käsi osoittaa maata ja Aristoteleen taivasta, joka symboloi muinaisten filosofien opetuksia.

Platonin vasemmalla puolella on Sokrates-hahmo, joka käy keskustelun ihmisryhmän kanssa, joista erottuvat nuoren Alkibiadesin kasvot, joiden kehoa suojaa kuori ja hänen päänsä on peitetty kypärällä. Askeleilla on Diogenes, kyynisten filosofisen koulun perustaja. Häntä edustaa täällä kerjäläinen, joka seisoo temppelin sisäänkäynnin luona ja pyytää alttaria.

Koostumuksen alaosassa on kaksi ihmisryhmää. Vasemmalla puolella on Pythagoras-kuva, jota ympäröivät opetuslapset. Oikealla on Euclid, joka piirtää jotain levytaululle, jota myös opiskelijat ympäröivät. Viimeisen ryhmän oikealla puolella on Zoroaster ja kruunattu Ptolemaios palloilla hänen käsissään. Lähistöllä kirjoittaja sijoitti omakuvan ja taidemaalari Sodomun hahmon (hän \u200b\u200balkoi työskennellä Stanza della Senyaturan maalauksen parissa). Keskuksen vasemmalle puolelle taiteilija sijoitti mietteliäs Efesoksen Herakleitos.

Verrattuna Disputin freskojen kuviin Ateenan koulun luvut ovat paljon suurempia ja monumentaalisempia. Nämä ovat sankareita, joilla on erinomainen mieli ja suuri uskollisuus. Freskon pääkuvia ovat Platon ja Aristoteles. Niiden merkityksen määrää paitsi koostumuksessa oleva paikka (ne ovat keskeisellä paikalla), myös ruumiiden ilme ja erityinen plastisuus: näillä hahmoilla on todella kuninkaallinen asento ja kävely. Mielenkiintoinen tosiasia on, että Platonin kuvan prototyyppi oli Leonardo da Vinci. Euclid-kuvan kirjoittamisen malli oli arkkitehti Bramante. Herakleitoksen prototyyppi oli hahmo, jonka Michelangelo kuvasi Sikstuksen kappelin katolla. Jotkut tutkijat viittaavat siihen, että Herakleitoksen kuvan piirsi mestari itse Michelangelosta.

Teema muuttuu myös täällä: fresko kuulostaa eräänlaiselta hymniltä ihmismielelle ja ihmisen tahdolle. Siksi kaikki hahmot asetetaan suurenmoisten arkkitehtonisten rakenteiden taustalle, jotka symboloivat ihmismielen ja luovan ajattelun ääretöntä. Jos "Riitojen" sankarit ovat passiivisia, "Ateenan koulussa" esitetyt kuvat ovat aktiivisia ja energisiä elämänsä rakentajia, maailman sosiaalisen järjestyksen muuntajia.

Freskon sävellysratkaisut ovat myös mielenkiintoisia. Täten Platonin ja Aristoteleen hahmot, jotka sijaitsevat taustalla, johtuen siitä, että ne näytetään liikkeessä, ovat tärkeimmät kuvassa. Ne muodostavat myös sävellyksen dynaamisen keskuksen. Syvyydestä puhuen he näyttävät menevän eteenpäin katsojalle, mikä luo vaikutelman dynamiikasta, sävellyksen kehityksestä, jonka kehystää puolipyöreä kaari.

Raphael suoritti Stanza d'Eliodoro -tiivistehuoneen takana olevan maalaustyön vuosina 1511–1514. Raamatun legendoista ja paavinhistorian tosiasioista tuli tämän huoneen freskojen aiheita, koristeltuina tarinoilla, joissa tärkein paikka annettiin jumalalliselle huolenpidolle ja ihmeelle.

Huone sai nimensä valmistuttuaan "Eliodorin karkottaminen" -freskon koristelutyön loppuun, jonka juoni oli tarina Syyrian komentaja Eliodorista, joka halusi varastaa Jerusalemin linnaan varastoidun rikkauden. Taivaallinen ratsastaja kuitenkin esti häntä. Fresko toimi muistutuksena siitä, kuinka paavi Julius II: n joukot kukistivat ja hävittivät Ranskan armeijan paavin valtioista.

Tätä freskoa ei kuitenkaan eroteta taiteilijan luovan aikomuksen ilmaisuvoimalla. Tämä johtuu todennäköisesti siitä, että kokonaiskoostumus on jaettu kahteen erilliseen osaan. Vasemmalla on kaunis ratsumies, joka yhdessä kahden enkelin kanssa yrittää voittaa Eliodorin. Freskon oikealla puolella on Julius II, joka makaa paareilla. Paareja tukevien joukossa taidemaalari kuvasi kuuluisaa saksalaista taidemaalari Albrecht Dureria. Huolimatta juoni oletetusta sankaripatosta, Raphaelin kuvista puuttuu täysin dynamiikka ja draama.

Hieman luonteeltaan voimakkaampi ja sävellysrakenteeltaan täydellinen on fresko nimeltä "Mass in Bolsen". Sen juoni perustuu tarinaan, joka kertoo epäuskoisesta pappista, jonka vohveli oli tahrannut verellä sakramentin aikana. Paavi Julius II, kardinaalit ja vartijan sveitsiläiset, jotka olivat hänen takanaan, näkivät tämän ihmeen Raphaelin kankaalla.

Tunnetun taiteilijan tämän teoksen erottamiskyky on tullut suureksi, verrattuna aikaisempiin teoksiin, luonnollisuuden ja luonnollisuuden aste sankareiden kuvauksessa. Nämä eivät ole enää abstrakteja, ulkonäöltään silmiinpistäviä hahmoja, vaan varsin todellisia ihmisiä. Silmiinpistävimpiä todisteita tästä ovat paavin vartijan sveitsiläiset kuvat, joiden kasvot ovat täynnä sisäistä energiaa ja ilmaisevat vahvaa inhimillistä tahtoa. Heidän tunteensa eivät kuitenkaan ole taiteilijan mielikuvitusta. Nämä ovat hyvin todellisia ihmisen tunteita.

Kirjoittaja kiinnittää tässä teoksessa paljon huomiota väreihin, kankaan ja kuvien värilliseen täyteyteen. Maalari ei ole enää huolissaan kuvioiden ääriviivojen tarkasta toistosta, vaan myös kuvien värikylläisyydestä, niiden sisäisen maailman esittämisestä tietyn sävyn kautta.

Yhtä ilmeikäs on fresko "Pietarin kirja", joka kuvaa apostoli Pietarin enkelin vapauttamisen kohtausta. Taidekriitikot uskovat, että tämä kuva on eräänlainen symboli paavin legaatin Leo X: n (josta myöhemmin tuli paavi) vapauttamiseen ranskalaisesta vankeudesta.

Erityistä kiinnostusta tähän freskoon ovat tekijän löytämät sävellys- ja värimaailma. Se toistaa yön valaistuksen, mikä parantaa koko sävellyksen dramaattista luonnetta. Tarkkaan valittu arkkitehtoninen tausta myötävaikuttaa myös sisällön paljastamiseen ja kuvan suurempaan emotionaaliseen täydellisyyteen: massiivisista tiilistä rakennettu vankila, raskas kaareva holvi, paksut ristikkotangot.

Stanza d'Eliodoron neljäs ja viimeinen fresko, myöhemmin nimeltään "Paavi Leo I: n tapaaminen Attilan kanssa", tehtiin hänen opiskelijoidensa Giulio Romanon ja Francesco Pennin luonnosten mukaan Raphaelin kanssa. Työ tehtiin vuosina 1514-1517. Mestari itse, josta oli tuolloin tullut epätavallisen suosittu taiteilija, jonka maine ulottui kaikkialle Italiaan ja sai paljon tilauksia, ei pystynyt suorittamaan työtä paavin koristamiseksi. kammiot. Lisäksi Raphael nimitettiin tuolloin Pyhän Pietarin katedraalin pääarkkitehdiksi ja valvoi myös Roomassa ja sen ympäristössä suoritettuja arkeologisia kaivauksia.

Stanza del Inchendiota koristavat maalaukset on kirjoitettu paavinhistorian tarinoiden perusteella. Kaikkien freskojen joukosta ehkä vain yksi ansaitsee erityistä huomiota - "Borgon tuli". Hän kertoo tulipalosta, joka tapahtui yhdessä Rooman asuinalueista vuonna 847. Paavi Leo IV osallistui tuolloin tulipalon sammuttamiseen. Tälle freskolle on ominaista liiallinen pateettisuus ja keinotekoinen draama, joka kuvaa ihmisiä, jotka yrittävät paeta katastrofista: poika, joka kantaa isää, nuori mies kiipeää seinän yli, tyttö, jolla on kannu.

Vatikaanin säikeiden freskot osoittavat hyvin Raphaelin teoksen evoluution: taiteilija siirtyy vähitellen varhaisen teoksen ihanteellisista kuvista draamaan ja samaan aikaan lähentymiseen elämään myöhäiseen aikaan liittyvissä teoksissa (aihesävellykset ja muotokuvat) .

Lähes heti saapuessaan Roomaan, vuonna 1509, Raphael, jatkaen Madonnan teemaa, maalaa maalauksen "Madonna Alba". Madonna Conestabilin lukuihin verrattuna Madonna Alban kuvat ovat paljon monimutkaisempia. Mariaa kuvataan täällä nuorena naisena, jolla on vahva luonne, energinen ja luottavainen. Vauvan liikkeet ovat yhtä voimakkaita. Maalaus on tehty tondona. Hahmot on kuitenkin maalattu kokonaan, mikä ei ollut tyypillistä pyöreille kankaille. Tämä kuvioiden järjestely ei kuitenkaan johda staattisten kuvien esiintymiseen. Ne, samoin kuin koko sävellys kokonaisuudessaan, esitetään dynaamisesti. Tämä tunne syntyy siitä, että päällikkö välittää hienovaraisesti ja tarkasti ihmiskehon liikkeiden plastisuuden.

Erityisen tärkeää taiteilijan luovan menetelmän muodostumiselle oli maalaus "Madonna nojatuolissa" (tai "Madonna della Cedia"), jonka valmistuminen valmistui noin vuonna 1516. Hieman idealisoitu kuva Madonnasta on tässä perusteltu. konkreettisten, todellisten elementtien lisääminen sävellykseen. Joten esimerkiksi Marian rinta on peitetty leveällä, kirkkaalla huivilla. Tällaiset huivit olivat tuolloin kaikkien italialaisten talonpoikien suosikkiasuste.

Madonnan, pikkulasten Kristuksen ja pienen Johannes Kastajan hahmot sijaitsevat lähellä toisiaan. Voidaan saada vaikutelma, että kuvat virtaavat tasaisesti toisiinsa. Koko kuva on täynnä epätavallisen kevyttä lyyristä tunnetta. Äitiysrakkauden ikuisesti elävä teema välittyy tässä paitsi Marian katseessa myös hänen hahmonsa plastisuudessa. Tondon muoto antaa koko sävellykselle loogisen täydellisyyden. Pyöreälle kankaalle asetetut Marian ja vauvan hahmot symboloivat kahden lähimmän ihmisen: äidin ja lapsen ykseyttä. Tämä
Hänen aikalaisensa tunnistivat Raphaelin maalauksen maalausmaalauksen huipuksi paitsi sommittelurakentamisen lisäksi myös muovisten kuvalinjojen hienovaraisen siirron vuoksi.

10-luvulta lähtien. XVI vuosisata Raphael työskentelee alttaritaulujen sävellysten parissa. Joten vuonna 1511 ilmestyy "Madonna Foligno". Ja vuonna 1515 kuuluisa taiteilija alkoi luoda kangasta, joka toisi myöhemmin maalarille suuren mestarin kunnian ja voitti useamman kuin yhden sukupolven ihmisten sydämet. Sikstuksen Madonna on maalaus, joka merkitsi viimeistä vaihetta Raphaelin taiteellisen menetelmän kehittämisessä. Äitiysaihe, joka sai täällä, verrattuna aikaisempiin teoksiin, suurin kehitys ja täydellisin ruumiillistuma.

Tullessaan katedraaliin katsoja kääntyy välittömästi Madonnan majesteettisen hahmon puoleen, joka kantaa lapsen Jeesusta Kristusta käsissään. Tämä vaikutus saavutetaan erityisellä hahmojen sommittelulla. Puoliavoin verho, pyhien Sixtuksen ja Barbaran katseet Marian suuntaan - kaiken tämän tarkoituksena on valaista ja tehdä nuoresta äidistä sävellyksen keskipiste.

Paljastamalla Madonnan kuvan, Raphael poikkesi kaukana renessanssin taiteilijoista. Madonna puhuu täällä suoraan katsojalle. Hän ei ole kiireinen lapsen kanssa (kuten Madonna Leonardo da Vinci) eikä ole uppoutunut itseensä (kuten mestarin varhaisen työn sankaritarit). Tämä Maria, joka liikkuu lumivalkoisia pilviä pitkin katsojaa kohti, käy keskustelua hänen kanssaan. Hänen avoimissa silmissään voi nähdä äitiysrakkautta, sekaannusta, toivottomuutta, nöyryyttä ja syvää huolta pojan tulevasta kohtalosta. Näkijänä hän tietää kaiken, mitä lapselle tapahtuu. Ihmisten pelastamiseksi äiti on kuitenkin valmis uhraamaan hänet. Pikkulasten Kristuksen kuvassa on sama vakavuus. Hänen silmissään, ikään kuin, koko maailma on päättynyt, hän, kuten profeetta, kertoo meille ihmiskunnan ja omansa kohtalon.

Raphael. Sixtus Madonna. 1515-1519

Marian kuva on täynnä draamaa ja epätavallisen ilmeikäs. Häneltä puuttuu idealisointi, eikä hänelle ole annettu hyperbolisia piirteitä. Kuvan täydellisyyden, täydellisyyden tunne syntyy tässä sävellyksen dynaamisuuden ansiosta, joka ilmaistaan \u200b\u200bhahmojen plastisuuden tarkalla ja uskollisella siirtämisellä sekä sankareiden vaatteiden verhoilulla. Kaikki luvut on esitetty elävinä, liikkuvina, kirkkaina. Marian kasvot, kuten Kristus-vauva, jolla ei ole lapsellisesti surullisia silmiä, ilmaisevat koko joukon tunteita, jotka muuttuvat yksi toisensa jälkeen kirjaimellisesti katsojan silmien edessä: surua, ahdistusta, nöyryyttä ja lopulta päättäväisyyttä.

Taidekriitikoiden keskuudessa kysymys Sikstuksen Madonnan prototyypistä on edelleen avoin. Jotkut tutkijat tunnistavat tämän kuvan nuoren naisen kuvalla, joka on kuvattu muotokuvassa "Lady in the Veil" (1514). Taiteilijan aikalaisten todistuksen mukaan Mary "Sikstuksen Madonna" -kankaalla on kuitenkin pikemminkin yleistetty naisityyppi, rafaelilainen ihanne kuin jokin erityinen kuva.

Raphaelin muotokuvateoksista kiinnostavaa on paavi Julius II: n muotokuva, joka on maalattu vuonna 1511. Todellinen henkilö esitetään tässä eräänlaisena ideaalina, joka oli tunnusomaista piirre taidemaalarin luovalle menetelmälle.

Erityisen huomionarvoista on vuonna 1515 luotu kreivi Baldassare Castiglionen muotokuva, joka kuvaa rauhallista, tasapainoista, harmonisesti kehittynyttä henkilöä. Raphael toimii täällä upeana värimestarina. Hän käyttää monimutkaisia \u200b\u200bväriyhdistelmiä ja tonaalisia siirtymiä. Sama sävyn hallitseminen erottaa toisen taidemaalarin teoksen: naisen muotokuvan "Lady in the Veil" ("La donna velata", 1514), jossa hallitseva väri on valkoinen maali (naisen lumivalkoinen mekko sytyttää valon) verho).

Merkittävä osa Raphaelin työstä on monumentaalisten teosten käytössä. Hänen myöhempien samanlaisten teostensa joukossa mielenkiintoisin on ensinnäkin fresko, joka koristeli Villa Farnezinan (entisen rikkaan miehen Chigin omaisuus) "Galatea-voiton" seinät. Tätä kuvaa erottaa epätavallisen iloinen tunnelma. Kuvat ovat kirjaimellisesti täynnä onnea. Samanlainen sävy syntyy käyttämällä erityistä kirkkaiden, tyydyttyneiden värien yhdistelmää: paljaat valkoiset kappaleet yhdistyvät harmonisesti täällä läpinäkyvän sinisen taivaan ja sinisten meren aaltojen kanssa.

Viimeinen Rafaelin monumentaalinen teos oli Vatikaanin palatsin toisessa kerroksessa sijaitsevan kaarevan gallerian seinien koristelu. Salien sisustus oli koristeltu keinotekoisesta marmorista tehdyillä maalauksilla ja mosaiikeilla. Freskojen aiheet taiteilija piirsi raamatullisista legendoista jne. groteskit (antiikin Kreikan haudoista löydetyt maalaukset - luolat). Maalauksia on yhteensä 52. Ne yhdistettiin myöhemmin jaksoksi yleisnimellä "Rafaelin raamattu". On myös mielenkiintoista, että kuuluisa taiteilija työskenteli Vatikaanin palatsin salien sisustuksessa yhdessä opiskelijoidensa kanssa, joiden joukossa merkittävä paikka oli Giulio Romano, Francesco Penny, Perino del Vaga, Giovanni da Udine.

Raphaelin myöhemmät maalaustangot olivat eräänlainen heijastus ja ilmaus mestarin vähitellen kasvavasta luovasta kriisistä. Raphael seuraa korkean renessanssin mestareiden luomien kuvien jatkuvasti lisääntyvää dramatisointia, mutta pysyy samalla uskollisena jo vakiintuneille taiteellisen kuvauksen menetelmilleen, Raphael joutuu tyyliltään ristiriitaisiin. Hänen keinonsa ja tapansa ilmaista ajatuksia ovat liian harvat luodakseen laadullisesti uusia, täydellisempiä kuvia heidän sisäisen maailmansa ja ulkoisen kauneuden välittämisen näkökulmasta. Eläviä esimerkkejä Raphaelin työn ajanjaksosta ovat "Ristin kantaminen" (1517), sykli "Pyhät perheet" (noin 1518), alttarikoostumus "Muutos".

On aivan mahdollista, että niin lahjakas taidemaalari, kuten Raphael, olisi löytänyt tien tällaisesta luovasta umpikujasta, ellei äkillinen kuolema, joka järkytti mestarin kaikkia aikalaisia. Raphael Santi kuoli 6. huhtikuuta 1520 37-vuotiaana. Ylimääräiset hautajaiset järjestettiin. Suuren taidemaalarin tuhka on haudattu Rooman Pantheoniin.

Raphaelin teokset ovat edelleen maailman taiteen mestariteoksia tähän päivään asti. Nämä maalaukset, jotka ovat esimerkki klassisesta taiteesta, on suunniteltu näyttämään ihmiskunnalle täydellinen, epäinhimillinen kauneus. He esittivät katsojalle maailman, jossa ihmisiä hallitsevat korkeat tunteet ja ajatukset. Raphaelin teos on eräänlainen hymni taiteelle, joka muuttaa ihmisen ja tekee hänestä puhtaamman, kirkkaamman, kauniimman.

Titian (Tiziano Vecellio)

Tiziano Vecellio syntyi armeijan perheeseen pienessä Pieve di Cadore -kaupungissa, joka sijaitsee vuoristossa ja osa venetsialaista aluetta. Tutkijat eivät pystyneet määrittämään Titianin syntymän tarkkaa päivämäärää ja vuotta. Jotkut uskovat, että se on 1476-1477, toiset - 1485-1490.

Tutkijoiden mukaan Vecellion perhe oli tarpeeksi muinainen ja vaikutusvaltainen kaupungissa. Nähdessään pojan varhaiset taidot maalaamiseen, vanhemmat päättivät lähettää Tizianon venetsialaisen mosaiikkimestarin taidepajaan. Jonkin ajan kuluttua nuori Vecellio määrättiin opiskelemaan työpajalle, ensin Gentile Bellini ja sitten Giovanni Bellini. Tällä hetkellä nuori taiteilija tapaa Giorgionen, jonka vaikutus heijastui hänen varhaisissa töissään.

Kaikki taiteilijan teokset voidaan ehdollisesti jakaa kahteen jaksoon: ensimmäinen - ns. Dzhordzhonevsky - vuoteen 1515-1516 (kun Giorgionen vaikutus ilmenee voimakkaimmin taidemaalarin teoksissa); toinen - 40-luvulta. 1500-luku (Titian oli tällä hetkellä jo vakiintunut mestari, joka edustaa myöhäisen renessanssin taidetta).

Giorgionen ja renessanssin maalareiden taiteellisen menetelmän muodostumisen alkuvaiheessa Titian miettii tapoja taiteellisten ongelmien ratkaisemiseksi. Taiteilijan siveltimestä tulee uusia kuvia, jotka poikkeavat merkittävästi ylevistä ja hienostuneista hahmoista, esimerkiksi Raphael ja Leonardo da Vinci. Titianin sankarit ovat maanläheisiä, täytelisiä, aistillisia, heissä on suurelta osin pakanallinen periaate. Maalarin varhaiset kankaat erottuvat melko yksinkertaisella sävellyksellä, jota kuitenkin läpäisee epätavallisen iloinen mieliala ja tietoisuus maallisen elämän pilvettömästä onnesta, täyteydestä ja äärettömyydestä.

Tämän kauden teoksista, jotka ilmaisevat taiteilijan luovimman menetelmän täydellisesti, yksi kirkkaimmista on 10-s päivätty kangas "Rakasta maallista ja taivaallista". 16. vuosisata. Kirjoittajan on tärkeää paitsi välittää juoni, myös näyttää kaunis maisema, joka herättää ajatuksia olemisen rauhasta ja onnellisuudesta sekä naisen aistillisesta kauneudesta.

Naishahmot ovat epäilemättä yleviä, mutta he eivät ole abstrakteja elämästä, eikä kirjoittaja idealisoi niitä. Pehmeillä väreillä maalattu ja taustalle sijoitettu maisema toimii erinomaisena taustana siroille ja siroille, mutta samalla varsin todellisille, konkreettisille naiskuville: maallinen rakkaus ja taivaallinen rakkaus. Taitavasti säveltetty sävellys ja hienovarainen väritaju auttoivat taiteilijaa luomaan epätavallisen harmonisen teoksen, jonka jokainen osa osoittautuu alisteiseksi tekijän halulle näyttää maallisen luonnon ja ihmisen luonnon kauneutta.

Myöhemmässä vuodelta 1518 Titianin teoksessa "Assunta" (tai "Marian taivaaseenastuminen") ei ole sitä rauhallista mietiskelyä ja tyyneyttä, joka kuulostaa teoksessa "Maanpäällinen ja taivaallinen rakkaus". On enemmän dynamiikkaa, voimaa, energiaa. Sävellyksen keskeinen hahmo on Mary, jonka nuori nainen on täynnä maallista kauneutta ja voimaa. Apostolien näkemykset kohdistuvat häneen, joiden kuvat ilmaisevat saman sisäisen elinvoiman ja energian. Sävellys "Bacchus ja Ariadne" (syklistä "Bacchanalia", 1523) on eräänlainen hymni ihmisen kauneudelle ja voimakkaalle ihmiselle.

Maan maallisen kauneuden kirkastamisesta tuli teema Titianin uudessa teoksessa, nimeltään "Urbino-Venus". Se luotiin vuonna 1538. Huolimatta siitä, että kuvassa ei ole minkäänlaista ylellisyyttä ja hengellisyyttä, se ei silti vähennä kankaan esteettistä arvoa. Venus on todella kaunis täällä. Hänen kauneutensa on kuitenkin maanläheinen ja luonnollinen, mikä erottaa Titianin luoman kuvan Botticellin Venuksesta.

Olisi kuitenkin väärin sanoa, että taiteilijan työn alkuvaiheen kuvat ylistivät vain henkilön ulkoista kauneutta. Heidän koko ulkonäönsä kuvaa harmonista ihmistä, jonka ulkoinen kauneus rinnastetaan henkiseen ja on yhtä kauniin sielun kääntöpuoli.

Tästä näkökulmasta kaikkein kiinnostavin on Jeesuksen Kristuksen kuva kankaalla "Caesarin denari", joka luotiin ajanjaksolla 1515-1520. Titian näyttää Jeesuksen olevan olematta lainkaan jumalallinen, korotettu, taivaallinen olento . Hänen kasvonsa sielukas ilme viittaa siihen, että katsojan edessä on jalo henkilö, jolla on täydellinen henkinen organisaatio.

Vuosina 1519-1526 kirjoitetussa "Pesaron Madonna" -alttarikoostumuksessa luodut kuvat ovat täynnä samaa henkisyyttä. Vilkkaan ja todellisen kuvan luomista helpottaa suurelta osin se, että päällikkö käyttää eri värejä: Marian lumivalkoinen verho, taivaansininen, tulipunainen, kirkkaan punainen, sankareiden kultaiset vaatteet, rikas vihreä matto. Tällainen sävyjen vaihtelu ei tuota kaaosta sävellykseen, vaan päinvastoin auttaa taidemaalaria luomaan harmonisen ja harmonisen kuvajärjestelmän.

1520-luvulla. Titian loi ensimmäisen dramaattisen teoksen. Tämä on kuuluisa maalaus "The Entombment". Kristuksen kuva tulkitaan täällä, aivan kuten maalauksessa "Caesarin denari". Jeesusta ei esitetä olentona, joka laskeutui taivaasta ihmiskunnan pelastamiseksi, vaan täysin maallisena sankarina, joka kaatui eriarvoisessa taistelussa. Huolimatta juoni tragediasta ja draamasta, kangas ei aiheuta katsojaan epätoivotunnetta. Päinvastoin, Titianin luoma kuva on optimismin ja sankaruuden symboli, joka ilmentää ihmisen sisäistä kauneutta, aatelisuutta ja hänen henkensä vahvuutta.

{!LANG-4eeb9cacf468a4b5c79099444e07afd9!}

{!LANG-6765db386bbda9ef6eafa05b368f6f17!}

{!LANG-401b35757e6bc643de4d5cbdb9fca5a4!}

{!LANG-3c3af1b50614af3966879904de4f39ca!}

{!LANG-1f575f601aeb32556c92bf99645629ac!}

{!LANG-25f2dbdd2bdb3575f4495c91c3e05273!}

{!LANG-5e89bea2416cce9b5c712698b1bfcd83!}

{!LANG-5921a975d961e76125148d7f8822c075!}

{!LANG-dd7ec203d8f0092d88d4c120d17dbd7f!}

{!LANG-5ce0177d9439e94b0085767f50d445f7!}
{!LANG-2f4ca6367d97ff6cf9deff9acca61569!}

{!LANG-d9da10cacaaa473f91be710c7c40e3ff!}

{!LANG-75be5098a8620a10ac6c16476c590e9c!}
{!LANG-4d7760ed0cbae05c585f504882a3c16e!}

{!LANG-8be2a66e036f172ce6d77103fde87538!}

{!LANG-779931f63353f102d8d1b089471f2fc3!}

{!LANG-15de24cb88e9d89f6a8210ade0276a79!}

{!LANG-9e58343a60f3be1e7dfa55333caeb019!}

{!LANG-f3c1783f88549fff2ca377db77b64c24!}

{!LANG-4f45af806a54c463d6c9c15409c5d499!}
{!LANG-a08ed5e5b2aed7caee7e65c6322b0ade!}

{!LANG-77f5fbb0c4673d0c61199128496de2d9!}

{!LANG-f145168b503535116259c90b9b4272f7!}

{!LANG-b74f3314fb552306e378973f156c5b2d!}

{!LANG-35619de133d99bd114ac9f0ac57b8347!}

{!LANG-bd9670e140722d6b599e67bbfacfead9!}

{!LANG-a65758a40e090659c3cf36146ae42d91!}

{!LANG-aece41025d88b96e4db949101af835fd!}

{!LANG-9be72e62b454c33bc5bbf3f130e4c5f5!}

{!LANG-419e285d173e660d76769ba6475ed640!}

{!LANG-fc6ae539ad94c05d29bf8540192c2730!}

{!LANG-250d8f95f30aa5f167d9da10f6c0316b!}

{!LANG-81e46c48a0be7c41a8879106bebcc5de!}

{!LANG-d688094b9277c4c1803482c32ca79c35!}

{!LANG-1779e49153c90ef9f245b359a2e9e49f!}

{!LANG-d518b27a72ca2f71c83cee157384fc8f!}

{!LANG-ce794551b9bf88fa2aab0c3eeee8a53a!}

{!LANG-62f977ae7b470061cbf9af8ef5fa4fb7!}

{!LANG-100d1c82ca8ca9713b0e822b0e6d6bb7!}

{!LANG-e0c26356b3f6384ba7cee8941aacdb79!}

{!LANG-7c274a3a003de12d2e5869ceaa836b7a!}

{!LANG-ca02cf5a49056d3f5b63af1a15189698!}

{!LANG-ed660ffde7e93b0a2b910b2dd69924d8!}

{!LANG-b77b68de8e90b94704f31925bd3794c1!}

{!LANG-4f89ef4df1330d3fc66b5280b3463292!}

{!LANG-9db46230c9294f6fae6e087fc9109b14!}

{!LANG-567771b7b90f0f3a36c4e5a4642a9f99!}

{!LANG-c42557084e9df5a8a39c9b36a070f28e!}

{!LANG-62e8a8eb651daeb570b6ab838f24248a!}

{!LANG-d898f6dcb598436871caac81d9c31332!}

{!LANG-c51790c18d1d7d61f02415d2bb55ff61!}

{!LANG-a58a7f77f698450d30cb06a0f98c96b3!}

{!LANG-632e5219bb948cafa62fd6ad59cc7ad0!}

{!LANG-93dce92fbdc378f700eda011b0b52fb6!}

{!LANG-edf1dd038beb8ce10d6c68d5d51a31c1!}

{!LANG-2180c47d0013b4359ca5d30f536d8daa!}

{!LANG-34bbfa547f401eb72bde71db9404d9c7!}

{!LANG-faaaaf746edd1ef56d608dbd9d540e75!}

{!LANG-cc40906c6bc27ec20ad6505f16a6d5ea!}

{!LANG-e44d3ce2ca6beb93bb1772aff9155013!}

{!LANG-a8aa7101fbb33bd3351140b71793ef76!} {!LANG-90e5ba6aaa0a856e9dfa16f9f0191d3d!}{!LANG-540c7aa94ececa9a81c93e56166ffeb5!} {!LANG-c676ee0f465996d96bf306ae75dfc45f!}{!LANG-af2975d8dc6422220c6c1905f807507e!} {!LANG-ee49b86248994e7cc4b7b6ba5fc082bb!}{!LANG-27a19fb1326368cd7257d25e71e146d5!} {!LANG-2b73c6966682bf5b7bb4d1d3813c8127!}{!LANG-b23ad5a01e923295f1579966dbdec749!}

{!LANG-3e1b045783cd2ace72f03422ce51975a!}

{!LANG-a3edde7c0045778d24d3ca6cd1e0f817!}

{!LANG-fa9588c8fec67440c84f3004c0689fb5!}

{!LANG-572e6db2343ff4a8928d17ed685b1072!}

{!LANG-8d1986ecb79962992e55577a62698a0f!}

{!LANG-503a543f8df8ed8b191b9749dd7d0785!}

{!LANG-228c6deef78fde946fb948323675b9a7!}

{!LANG-d949d4f48abc126ec0db15ce29e38663!}