Antarova. Keskustelut Stanislavskyn kanssa

Surrealismin fanit ja yksinkertaisesti ne, jotka arvostavat miellyttävää vapaa-aikaa, eivät voi jättää väliin näytelmää "Salvador Dalin hullu elämä", joka näytetään Pietarissa helmikuussa. "VD" keskusteli johtavan näyttelijän Sergei Yankovskyn kanssa tuotannosta, suuresta taiteilijasta ja nykytaiteesta.

- Näytelmä suuresta taidemaalarista vaatii mielestäni poikkeuksellista lavastusta ...

- Halusimme aluksi tehdä tuotannon mielenkiintoisella visuaalisella ratkaisulla, minkä vuoksi esityksen maisemat vetoavat päähenkilömme töihin. Kuvia ilmestyy paikalle aina silloin tällöin, mutta ne eivät näy kuvina. Maalausten hahmot heräävät eloon ja alkavat olla vuorovaikutuksessa päähenkilön kanssa, vaikuttaa häneen.

- Ja mitkä Dalin maalausten hahmot esiintyvät näytelmässä?

- Hänen ensimmäiset opettajansa olivat Ramon Pichot, Paul Eluard, Hitler, Lenin, Vermeer's Lacemaker, tohtori Freud ja jopa Elephant.

- Mikä oli sinulle tärkeämpää, mielenkiintoisempaa näytelmän parissa - Salvador Dalin teokset tai hänen kohtalonsa?

- Minusta tuntuu, että se on niin yhteydessä toisiinsa, että toinen on erottamaton toisesta. Näytelmän kirjoittamisprosessissa minua kiinnosti jokin muu: täydellinen myyttien luominen, joka ulottui hänen elämänsä kaikkiin osa-alueisiin. Hänen kirjat ovat räjähtävä sekoitus kaunokirjallisuutta ja omaelämäkerrallista kirjallisuutta. Usein, kun hän kuvaa tapahtunutta tapahtumaa, huomaat yhtäkkiä, että tämä on fiktiota, sitä ei koskaan tapahtunut eikä voinut olla. Esimerkiksi Dali muistelee, että kun hän oli lapsi, hän näki opettajansa, Venäjän ja pienen tytön optisten harhojen teatterissa, joka, kuten hän kirjoittaa, oli Gala. Se on tietysti kaunis, mutta mielestäni hän ei ollut tuolloin kuullut mistään Venäjältä.

- Kun kirjoitit näytelmää, eikö sinulla ollut houkutusta säveltää uusi jakso, väitetysti Salvador Dalin elämäkerrasta?

- Ei, ensinnäkin tehtävänä oli katkaista kaikki tarpeeton ja olla joutumatta surrealismin lavalle. Yritys siirtää surrealismi puhtaassa muodossaan näyttämölle päättyy usein siihen, että katsoja ei yksinkertaisesti ymmärrä mitä tapahtuu. Mielestäni on tärkeää pystyä kertomaan tarina selkeästi.

- Ymmärrätkö itse missä totuus on ja missä taiteilijan fantasia on?

- Tunnetaan tapahtumia, jotka olivat ehdottoman tarkkoja. Esimerkiksi kun he toivat hänelle laskun ravintolassa, hän kirjoitti sekin kirjoittaessaan oman nimikirjoituksen tietäen, että sekkiä ei koskaan makseta, koska sen on allekirjoittanut Salvador Dali itse tai merkittävämpiä tapahtumia - esimerkiksi hänen ensimmäinen tapaaminen Gala kanssa. Nämä tosiasiat löytyvät eri kirjoista, ja käy selväksi, mitä se oli. Heistä tuli esityksen perusta.

- Dali oli innovaatio maalauksessa. Etkö haluaisi tuoda jotain innovatiivista tuotannon teatterikielelle?

- Haluan piiloutua jonnekin modernista innovaatiosta. Mikä tahansa kieli - teatterinen tai kirjallinen - tarkoittaa ensisijaisesti keskustelua yhden henkilön ja toisen välillä. Kirjoittaja on katsojan kanssa. Tässä keskustelussa oletetaan, että yksi henkilö välittää tietoja toiselle. Lähes koko nykytaide ei pyri olemaan ymmärrettävissä tavalliselle katsojalle. Nykyaikaiset taiteilijat sijoittavat usein kokonaisia ​​selittäviä kirjoituksia "teostensa" viereen. Lukemalla näitä tutkielmia ihmettelee, että niillä ei ole mitään tekemistä itse työn kanssa ... Tällainen innovaatio on pyyhkäissyt kaikki taiteen muodot, teatteri mukaan lukien. Katsojana en ymmärrä mitä he puhuvat. Siksi minulla ei ollut tavoitetta tehdä innovatiivista esitystä sanan nykyaikaisessa merkityksessä, enkä tule koskaan! Taiteen tehtävä on välittää ajatus, mieliala, tunteet - ja erityisesti positiiviset.

- Positiiviset tunteet? Ne ovat harvinaisia ​​modernissa teatterissa ...

- Se on totta. Pidän siitä, kun teatteri on loma yleisölle. Ja nyt näemme tämän loman vain klassisessa baletissa, jossa klassinen musiikki soi, missä kaikki on kaunista. Miksi tämä loma ei ole draamateatterissa? Pohjimmiltaan kaikki on peitetty jonkinlaiseen pimeyteen. Kaikki on synkää, kaikki on mustaa tai parhaimmillaan harmaata. Kaikki on huonoa tai jopa pahempaa. Huomasin, että nykytaiteen näyttelyissä - esimerkiksi näyttelyissä, jotka esitettiin Manifesto 10 -biennaalissa tai Erartassa - ei ole kauneutta, ei ole sitä komponenttia, joka on arvostettu koko ajan. Katsot nykyaikaisia ​​maalauksia - kaikki on rumaa! Jotkut arvostelijat tunnustavat sen neroiksi, mutta se on silti ruma. Katsoja ei halua uppoutua pimeyteen, kaikkeen mustaan, kauheaan, synkään ja lisäksi myös likaiseen. Jos henkilö on ainakin vähän itsessään, on luonnollista, että hän pyrkii saamaan miellyttäviä tunteita, positiivisen latauksen ja nauttimaan kauneudesta. Stanislavsky tapasi sanoa, ja toistamme aina sen, mitä hän sanoi: "Yksinkertaisempaa, helpompaa, korkeampaa, hauskempaa". Tässä ovat ensimmäiset sanat, jotka pitäisi ripustaa jokaisen teatterin päälle ... "

- Teatterin pitäisi mielestäsi olla loma. Tarkoittaako tämä, että esityksessä ei saisi olla dramaattisia viivoja, eikä yleisö tule empatioimaan hahmoihin?

- Ei tietenkään. Esityksessämme yleisö varmasti empatioi ja saattaa jopa itkeä lopussa, etenkin tytöt. Lomalla tarkoitan ihmisen hengen kohottamista. Mielenkiintoisen elokuvan, näytelmän tai kirjan lukeminen innostaa meitä, tunnemme jännitystä. Mitä nykytaiteesta ei voida sanoa: kun olet katsellut sitä, haluat löytää köyden, saippuan ja lyhtypylvään. Rakastan todella Franco Zeffirellin elokuvia. Otetaan tunnetuin - "Romeo ja Julia" - kaikki, mitä siellä tapahtuu, koemme ylevänä tarinana rakkauden uskomattomasta voimasta, emmekä siitä, kuinka kaikki kuolivat. Ei siitä, kuinka Juliet puukotti itseään veitsellä, tahrii kaiken verellä, mutta hän joi myrkkyä ja väänsi lattialla lähellä hänen hautaansa. Tämän elokuvan jälkeen kysyt itseltäsi kysymyksiä: "Onko se minussa?", "Voinko rakastaa niin paljon?" Koet kohotuksen, alat etsiä sitä jokapäiväisessä elämässä, arvostat ihmisiä, jotka ovat lähellä. Tämä on todellinen loma!

12. syyskuuta 2013 vuosi Irkutskin akateemisen teatterin lehdistökeskuksessa Pyöreä pöytä oikeutettu "Teatteri on voima, joka suojaa henkilöä moraaliselta tyhjyydeltä, sosiaaliselta yksinäisyydeltä", joka avasi teatteriyhteisön keskustelujakson, jota yhdistää yhteinen suunta - teatteri ja modernisuus.

Tämä ei ole ensimmäinen kerta, kun Vampilov Contemporary Drama -festivaali on kerännyt filologeja, kirjailijoita, toimittajia, kirjallisuuskriitikkoja ja teatteriasiantuntijoita vastaamaan kysymyksiin teatterin luonteesta ja vaikutuksesta yhteiskuntaan, sen koulutustoiminnan merkityksestä nykypäivänä, missiosta, suhteet yleisöön ja vakiintuneeseen teatterin yleisöön, sen odotukset, mieltymykset. Vuoden 2013 tapaamista voidaan kutsua jo perinteisten festivaalikeskustelujen jatkoksi.

Elena Streltsova, teatteriasiantuntija, taidehistorian ehdokas:

"Teatterityö menee joko kohti tuhoa, ja vain käytännönläheisyys sopii tähän: vain materiaali, vain raha, on vain hyötyä, joten yritystoiminnan jatkuva elämä, joka sisältäpäin tuhoaa suurelta osin teatterin kokonaisuuden. Toisaalta, mikä on nyt devalvoitunut, on teatterin henkinen puoli. Kaikki tänään kirotut sanat: kasvatus, tehtävä, joita on jopa mahdotonta sanoa normaalilla intonaatiolla - kaikki alkavat imartella, ironista ...

Nyt kaikki toistavat ihanteellisen teatterin, jonka Stanislavsky näki. Neljä sanaa: "helpompaa, helpompaa, korkeampaa, hauskempaa". Ja on selvää, että se on hauskempaa ja helpompaa - tämä on se, ja yksinkertaisempaa ja korkeampaa - vaikeaa, unohdettua, panetteltua. Ei voi olla sovintoa, voi olla joko - tai, kolmatta ei anneta. Joko seisot toisella puolella, kyynisyyden ja pragmatismin puolella, tai seisot tikkailla, jotka johtavat ylös. Tämä on paljon vaikeampi. Ja aika ei ehkä ole tähän, mutta meidän on vastustettava, jotenkin päästävä ulos. "

Teatterikriitikko Vera Maksimova, pyöreän pöydän isäntä:

”Kummallakin tavalla halusin myös laittaa tämän lauseen keskusteluun. Itse vihkiminen ja jopa pieni oikeus luovuuteen antavat niin suuren onnen. Huomaa, että painopiste on "helpommalla ja hauskemmalla". Keveys on tietysti välttämätön nero. Raskasta, hikoilevaa neroa ei ole olemassa. Vakhtangov oli kevyt, Nemirovich sanoi. Ja mistä esityksissä oli kyse? Elämästä ja kuolemasta. Loppujen lopuksi oli virhe, että monta vuotta mittaimme Vakhtangovia Turandotilla. "Turandot" oli ainoa rehellisen hauskan esitys, jopa "Hääissä" oli rutto, ja Tšekhovissa hänellä oli rutto, ja hän epäröi vain yhtä pääteemaa - elämän ja kuoleman suhdetta. Hän oli tolstojalainen. En tiedä kuinka suuri kristitty hän oli, uskoiko hän kuolemattomuuteen. Synkät esitykset, filosofiset esitykset, suosikkilaji on tragedia, ja samalla hän on täysin kevyt fantasioissaan, valo sävellyksissään, rakenne, valo näyttelijässä. Hän arvosti mielettömästi kauneutta. Mitä tänään ei lainkaan muisteta, on kysymys kauneudesta, kauneuden vaikutuksista ja kauneuden kasvatustavasta. Tässä Vakhtangov. Joten mikä on minulle arvokkain asia tässä neljässä - "korkeampi".

Lisäksi pyöreän pöydän muodossa otettiin esiin muita asioita, kuten teatterin ja uskonnon suhde, onko paikallisten teatterien (repertuaariteatterien) ja uuden teatterin välillä taistelu, mitä se opettaa, mikä uusi teatteri on ajaa ihmisiä siihen, mihin se vaikuttaa, mikä on sen johtajien tehtävä.

Kuva: Anatoly Byzov

Keskustelut Stanislavskyn kanssa

(keskustelun numero 2)

Toimittajalta

Otsikko "Näyttelijän työ itsessään" on omistettu parhaille tähän aiheeseen liittyville teoksille. Päätimme aloittaa esittelemällä K.S. Stanislavsky Suuren teatterin oopperastudion kanssa. Suuren teatterinopettajan ja ohjaajan tapaamiset opiskelijoiden kanssa pidettiin vuosina 1918-1920, ja yksi parhaista opiskelijoista K.S. - Concordia Antarova ("Kaksi elämää"). Näissä keskusteluissa näyttää siltä, ​​että K.S.: n teatterietiikka on merkittävästi esitetty, jonka tuntemus on erityisen tärkeää aloitteleville näyttelijöille ja ohjaajille.

"Helpompaa, helpompaa, korkeampaa, hauskempaa." Nämä ovat ensimmäiset sanat, jotka pitäisi ripustaa jokaisen teatterin yli - taiteen temppeli, jos teatterit olisivat sellaisia. Ainoa rakkaus taiteeseen, kaikkeen korkeaan ja kauniiseen, joka elää jokaisessa ihmisessä - vain tämän kaikkien teatteriin tulevien olisi pitänyt tuoda siihen ja kaataa itsestään kuin ämpäri puhdasta vettä, josta tuhat pesee koko lian. rakennus tänään, jos se oli saastunut eilen ihmisten intohimot ja intohimot.

Yksi studion tai teatterin perustajien ensimmäisistä tehtävistä on kiinnittää huomiota ilmapiiriin. On välttämätöntä varmistaa, että pelko ei missään muodossa, missään muodossa, hiipii studioon eikä hallitse työntekijöiden tai opiskelijoiden sydämissä, niin että kauneus yhdistää ja valloittaa siellä. Jos kauneuden ykseydestä ei ole aavistustakaan, ei ole todellista teatteria, eikä tällaista teatteria tarvita. Jos itsestään ja koko voimakokonaisuudestaan ​​isänmaan iloisina palvelijoina ei ole alkeellista ymmärrystä, tällaista teatteria ei myöskään tarvita - se ei kuulu luovan yksikön joukkoon maan kaikkien luovien voimien joukossa. Täältä voimme ymmärtää, mikä tärkeä asia tämä on - teatterihenkilöstön valinta, aina teatterityön heikoin ja vaikein osa. Kun valinta tehdään suojelukseen eikä kykyihin ja hahmoihin, kun studio on hyväksytty tuttavalla ja suosituksilla, tämä ei vain vähennä teatterin, esityksen tai harjoituksen arvokkuutta, vaan lisää niihin ikävystymistä ja luovuus itsessään on muodostunut näissä tapauksissa korvikkeista eikä todellisesta rakkaudesta, joka palaa oppimaan tulleissa.

Teatterin säännöt, joissa harjoituksia tehdään useilla sävellyksillä kerralla, mutta jotkut läsnäolijoista toimivat, työskentelevät heidän kanssaan ja loput istuvat, eivät osallistu analysoitaviin ongelmiin, eivät sisäisesti yhdistyneet luovaan työhön ja täyttävät ilmapiiri kateuden ja kritiikin kera on mahdotonta studiossa, jossa kaikki ovat tasa-arvoisia luovassa työssä. Studiossa kaikki tietävät, että on tänään tai huomenna, mutta heidän vuoronsa tulee joka tapauksessa, ja he ymmärtävät, että toveriensa työtä seuraten on elettävä tarkasteltavassa ongelmassa kaikella luovalla huomiolla. Perustamalla tapaus, jossa henkilöä ei kunnioiteta - alisteinen toimija, jossa ei ole kohteliaisuutta, luo rappeutumisen ilmapiirin. Häpeyden kaaos, joka antaa itsensä kohottaa kiiltoa, ei johda siihen ilon ja keveyden ilmapiiriin, jossa voi kasvaa vain korkea henki- ja ajatuskulttuuri. Vain yksinkertaisessa ja kevyessä ilmapiirissä sana voi syntyä täysimittaisena heijastuksena niihin intohimoihin, joiden aateliston ja arvon teatterin tulisi näyttää.

Tuntien, jotka näyttelijä viettää teatterissa harjoitusten aikana, pitäisi luoda hänestä täysimittainen henkilö - taiteen luoja, kauneuden ja rakkauden taistelija, joka voi kaataa kuuntelijansa sydämiin sanan ja äänen koko merkityksen. Jos taiteilijat eivät harjoittelun jälkeen kasvaneet korvissaan parhaissa tunteissaan ja ajatuksissansa, jos heidän inspiraationsa oli pienimuotoinen: "Harjoittelun aikana kaikki vei minut pois ja sydämeni oli puhdas", mutta lähtivät ja putosivat taas kabotismiin ja mautonta: "Olen näyttelijä, olen ihminen", mikä tarkoittaa, että harjoittelun johtajien keskuudessa oli vähän todellista rakkautta ja tulta.

Asia ei ole ollenkaan näyttelijöissä eikä temppuissa, mutta luovuuden alku on kaikkien alku - opettaessaan taiteilijaa etsimään itsessään ymmärrystä sanan arvosta, opettamaan häntä kehittämään huomiota ja piilottamaan itseensä Häntä roolin orgaanisiin ominaisuuksiin, inhimillisten tunteiden luonteeseen eikä arvioida ulkopuolelta tiettyjen toimien vaikutuksista, uskoen, että voi oppia pelaamaan tätä tai toista tunnetta. Elävän ihmisen-taiteilijan elävä sydän on tuotava sisäisen ja ulkoisen, aina elämän rinnakkaisen toiminnan ketjuun; on välttämätöntä auttaa häntä useiden mukautusten avulla vapauttamaan ruumiinsa ja sisämaailmansa kaikista puristimista, jotta hän voi heijastaa näytelmänsä elämää; on välttämätöntä saada hänet sellaiseen huomion voimaan, että perinteiset ja ulkoiset eivät estä häntä ymmärtämästä ihmisten intohimojen orgaanista luonnetta.

Nämä ovat studion tehtävät, tämä on polku, jolla jokainen voi ja täytyy kehittää siinä viljaa, joka siinä on, ja muuttaa siitä voima, joka toimii kauneudena. Mutta jokainen voi saavuttaa tämän kehityksen, jos hän rakastaa taidetta. Taiteessa voit vain valloittaa ja rakastaa, siinä ei ole tilauksia.

TO
... Antarova

Keskustelut Stanislavskyn kanssa

(keskustelunumero 5)

Jokaisen taiteilijaksi haluavan henkilön on vastattava kolmeen kysymykseen:

1. Mitä hän tarkoittaa sanalla "taide"?

Jos hän näkee hänessä vain itsensä jossakin etuoikeutetussa asemassa suhteessa hänen vieressään kulkeviin ihmisiin, jos hän ei tässä taiteellisessa ajatuksessa paljasta sitä, mikä häntä huolestuttaa, kuten tuskin tietoiset sielut, vaeltelevat pimeydessä, mutta häiritsee hänen luovuuttaan, mutta haluaa vain saavuttaa persoonallisuutensa; Jos pikkuporvarilliset ennakkoluulot herättävät hänessä halua valloittaa esteitä tahdolla paljastamaan ulkoinen polku elämään huomattavana ja merkittävänä hahmona, tällainen lähestymistapa taiteeseen on sekä ihmisen että taiteen kuolema.

2. Miksi ihminen, joka on valinnut kaikenlaisen taiteen - draaman, oopperan, baletin, kamarilavan, maali- tai lyijykynät - astuu ihmiskunnan taiteelliseen alaan, ja minkä idean hän haluaa ja hänen pitäisi kantaa tähän taiteeseen?

Jos hän ei ole tajunnut kuinka paljon kärsimystä, taistelua ja pettymystä syntyy hänen edessään, jos hän näkee vain sateenkaarisillan, joka vie hänet inspiraationa maan ja sen elämän toiselle puolelle, missä unelmat elävät, studion pitäisi pettää hänet.

Studion tulisi ensimmäisistä vaiheista tietää, että vain työ - paitsi ulkoisen "uran", myös työvoiman kuolemaan asti - on polku, jonka hän valitsee itselleen; työn tulisi olla energian lähde, jonka studion tulisi monissa kiehtovissa tehtävissä täyttää opiskelijan aivot, sydän ja hermot.

3. Onko teatterissa käyvän ihmisen sydämessä niin paljon sammuttamatonta rakkautta taiteeseen, että se voisi voittaa kaikki esteet, jotka hänelle varmasti kohtaavat?

Studion tulisi elävänä esimerkkinä johtajiensa vaikutuksesta osoittaa, kuinka ihmisen sydämessä oleva sammumaton rakkauden virta taiteeseen tulisi valua päivän aiheeksi. Ja tämän luovan työn voi, pitäisi olla tulessa. Vasta kun tulen sytyttävä öljy on ihmisen rakkaus - vain silloin voidaan toivoa voittavan kaikki esteet, jotka estävät luovuutta ja saavuttavat tavoitteen: vapautettu yleissopimuksista, puhdas taide, jonka luovat puhtaat luovat voimat itsessäsi. Vasta sitten voidaan löytää näyttelijän tahdon joustavuus, vapaa yhdistelmä syvää ymmärrystä perustasta - roolin rakeesta - ja sen jatkuvasta toiminnasta, kun rakkaus taiteeseen on voittanut henkilökohtaisen turhamaisuuden, turhamaisuuden ja ylpeyden. Kun käsitys näyttämöelämän harmoniasta elää mielessä ja sydämessä, vasta sitten - "minusta" irrotetussa toiminnassa - voidaan välittää intohimojen totuus ehdotetuissa olosuhteissa.

Ehkä kaikki suuret elämän voimat suojaavat kutakin studiota ikävystymiseltä ja pedantialta. Sitten kaikki hävisi; sitten on parempi hajottaa studio, opettajat ja opiskelijat, tuhota koko mekanismi. Tämä on vain nuorten voimien turmeltuminen, ikuisesti vääristynyt tietoisuus. Taiteessa voit vain valloittaa. Toistan, että se on sammuttamattoman rakkauden tuli. Opettajat, jotka valittavat väsymyksestä, eivät ole opettajia, he ovat koneita, jotka työskentelevät rahalle. Se, joka pisteytti kymmenen tuntia päivässä ja jättänyt polttamatta rakkautensa niissä, mutta vain tahdon ja ruumiin, on yksinkertainen teknikko, mutta hän ei koskaan tule olemaan mestari, nuorten jäljettömien opettaja. Rakkaus on pyhää, koska sen tuli ei koskaan kerjää, riippumatta siitä, kuinka monta sydäntä se sytyttää. Jos opettaja kaatoi luovuuttaan - rakkauttaan, hän ei huomannut työaikaa, eikä kaikki hänen oppilaansa huomanneet niitä. Jos opettaja palveli jokapäiväisen elämän välttämättömyyttä, oppilaat olivat kyllästyneitä, väsyneitä ja kasvillistaneet hänen kanssaan. Ja ikuinen, jokaiselle ominainen ja jokaisessa rakkauden tavoin elävä taide ei tunkeutunut päivän konventioiden pölyisistä ikkunoista, vaan pysyi sydämessä haisevana.

Joka tunti, jokainen minuutti opettajan ja opiskelijan yhdistymisestä tulisi olla vain lentävä tietoisuus, ikuinen liike ympäristön rytmissä.

Tunteen - ajatuksen - sanan, hengellisen ajattelutavan, tulisi aina olla totuudenmukaisuuden osoitus, laki kyvystä välittää tosiasioita sellaisena kuin henkilö sen näki. Totuus ja rakkaus ovat kaksi polkua, jotka johtavat koko taiteen elämän rytmiin.

Ensi-ilta
Roman Polanskin kultamusiikki "Ball of the Vampires" (Wienin versio vuodelta 2009).

"Ball of the Vampires" on musiikillinen remake Polanskin elokuvasta "The Fearless Vampire Slayers" (1967). Elokuva oli suuri lipputulot menestys. 30 vuotta elokuvan julkaisun jälkeen tuottaja ja Roman Polanskin ystävä Andrew Brownsberg kutsui ohjaajan luomaan elokuvamateriaaliin perustuvan teatterimusiikin. Tällaisia ​​mestareita ovat säveltäjä Jim Steinman (Andrew Lloyd-Webberin kirjoittaja, monien hittien kirjoittaja, kirjoittanut Bonnie Tylerille, Meath Loofille ja Celine Dionille) ja libretisti Michael Kunze (kaikkien maailman musikaalien pääkääntäjä saksaksi).

"Vampyyripallo" ("Tanz der Vampire") on yksi menestyneimmistä projekteista modernin eurooppalaisen musiikkiteatterin historiassa, joka on oikeutetusti luokiteltu maailman kuuluisimpien musikaalien joukkoon. Upeat setit, upeat puvut, upea koreografia ja tietysti voimakas, lumoava musiikki - kaikki tämä teki "Vampyyrien pallosta" todellisen mestariteoksen.
On huomattava, että yksi musikaalin pääteemoista on melodia Bonnie Tylerin hitistä "Total eclipse of a heart", joka voitti Grammyn vuonna 1983.

Ensimmäisestä näytöksestä Wienin Raimund-teatterissa vuonna 1997 aina tähän päivään saakka, Vampyyripallo on voittoisasti lavastanut Euroopan parhaat näyttämöt. 14 vuoden ajan "Vampyyripalloa" ovat nähneet miljoonat katsojat Itävallassa, Saksassa, Yhdysvalloissa, Japanissa, Unkarissa, Puolassa, Belgiassa, Virossa. Vuonna 2009 kirjoittajat loivat musikaalista uuden, Wienin version, jossa on eloisampi lavasuunnittelu. Unkarilainen tuotantosuunnittelija Kentauer infusoi esityksen goottilaisella herkkyydellä, kun taas musiikin ohjaaja Michael Reed järjestää uudelleen kaikki orkesterimateriaalit. Yhteisohjaajan Roman Polanskin Cornelius Balthuksen taitojen ansiosta tuotannosta tulee vieläkin siro, syvällinen ja se saa monia nokkelia vivahteita. Projektin koreografi on Denis Kallokhan.

Projektin laajuus voidaan arvioida pelkästään tosiseikkojen perusteella: esityksen aikana maisemia vaihdetaan 75 kertaa, yli 220 alkuperäistä pukua, peruukkia ja meikkivaihtoehtoa on luotu, ja ohjaajan avustajien on annettava ohjeita erilaisista vaihe vaihtuu 600 kertaa!

Vaikutelma

En kirjoita ensin musikaalista yksityiskohtaisesti, joten kaikki ovat jo kuulleet siitä kaksisataa tai viisisataa kertaa. Toiseksi hän kirjoitti. Kolmanneksi kävin hänen luonaan 2 kertaa ja tämä kertoo jo paljon, koska en katso elokuvia tai esityksiä kahdesti. Lippujen hinta tukehtuu, erittäin tukehtuva! Mutta, IMHO, jos menet tähän musikaaliin, se johtuu vaikuttavista maisemista, pukuista ja äänistä. Ääni kuuluu tietysti kaikkialla, mutta maisemat ja puvut epäilen näkyvät parvekkeen kaukaisista riveistä. Joten, jos haluat todella nähdä ja saada miellyttävän kokemuksen - tervetuloa pohjakerrokseen ja parvekkeen ensimmäisiin riveihin!
Yleensä sanon ja olen aina sanonut, että Pietarissa jotain vastaavaa tähän musikaaliin ei ole vielä tehty, ja varjelkoon, he tekevät sen jonain päivänä!

2. "Pelkään rakkautta", eli im. Lensovet
osoitteessa bileter.ru
Näytelmä "Pelkään rakkautta"

Kohtauksia kaupungin elämästä.
Näytelmä viittaa meihin Venäjän dramaturgian parhaisiin esimerkkeihin, Volodinin ”Olen häpeässä olla onneton” ja “Älä erota rakkaidesi kanssa”, Radzinskyn ”104 sivua rakkaudesta”.
"Pelkään, että rakastun, mutta ... se ei toimi. Ja minulla ei ole enää voimaa kumarrata. Minulla on voimaa vain onnelliseen rakkauteen ”, kertoo yksi näytelmän sankareista. Onko mahdollista saada takeita siitä, ettei kipua, pettymyksiä ja eroa ole? Kuusi näyttelijää pelaa kymmenien erilaisten miesten ja naisten tapaamisia, tunnustuksia, petoksia ja itsepetoksia. Menneet kokemukset epäonnistuneista rakkaustarinoista ajavat uusia kohtaamisia. Sankarit pelkäävät riippuvaisia ​​tunteista, pelkäävät uusia kohtalon ansoja. Ehkä se on totta - "aamukahvi on jo suhde" ja "sinun on katkaistava se huipulla, kunnes katsot silmäsi aamulla"? Näytelmän sankareita rasittavat rakkauskokemukset, lapset, entiset aviomiehet, vaimot, hylätyt rakastajataret ja toivomattomat rakastajat ... Elämä on opettanut meitä olemaan varovaisia.
Tässä tarinassa kukin katsoja löytää nykyisen ajan piirteet ja itsensä: joku ryntää pelottomasti kohti uutta rakkautta ja joku valitsee hengellisen hiljaisuuden.

Vaikutelma
Todella vahva, syvä suorituskyky. Oli joulukuun lopussa. Esitys toi yhteen suuren määrän tavallisten ihmisten epäilyksiä, kokemuksia ja ajatuksia. Olin hämmästynyt A. Aleksakhinan Venäjän kansanmusiikin näytelmistä. Hänen ansiostaan ​​esityksen, ilmaisun ja tunteiden energia välittyi.
Spectal on joukko kohtauksia, jotka muodostavat yhden tarinan. Rakkaustarina. Hieman naiivi, joskus julma, mutta yleensä - elintärkeä. Tosiaan kaikki löytävät itsensä, ajatuksensa ja tunteensa tästä tarinasta.
En voi sanoa, että se on erittäin jännittävä, mutta 1h 40min. näyttää helposti ilman keskeytystä! Menimme ulos ystävän kanssa sekoitetuilla vaikutelmilla, joimme kahvia puolen tunnin ajan "ymmärtämään". Piti siitä yksiselitteisesti, mutta mielestäni "tuulella". Jos haluat "kaivaa itsesi", tutkia tunteitasi, ehdottomasti - "kyllä"! Jos et ole kaukana romanttisuudesta ja muista tunteellisista hölynpölyistä ja haluat nähdä rakkauden kyynisen puolen - ehkä kyllä. Jos et ole kiinnostunut sellaisista aiheista, olet tässä työssä tietysti tylsistynyt ja surullinen.

3. "Dovlatov. Viisi kulmaa", MDT
osoitteessa bileter.ru
Esitys "Dovlatov. Viisi kulmaa"

Luovien projektien toteuttamiskeskus "Admiralteysky" esittelee näytelmän "Dovlatov. Viisi kulmaa ".

Tarinoihin, kirjeisiin, runoihin perustuva sävellys.
Näytelmä "Dovlatov. Viisi kulmaa" on yritys heijastaa aikaa ja sen sankareita tarinoiden, runojen, radiolähetysten, kirjeiden ...
"Viisi kulmaa" on julkaisemattoman romaanin nimi ja samalla paikka, jossa kirjailija asui Leningradissa kirjallisuuden muodostumisensa aikana - kaupunki, johon palata tuli Dovlatovin maastamuuttoon unelma.
Näytelmässä käytetään Sergei Dovlatovin kirjeitä varhaisimmista (armeijasta) uusimpiin (kirjoitettu New Yorkissa), runoja ja kolme tarinaa jaksosta "Matkalaukku" ja "Ours". Dovlatovin ääni kuulostaa samalta.

Esitys toimii ilman keskeytyksiä.

Musiikki - N.Volkova. Taiteilija - I.Kanevsky. Valosuunnittelija - A. Makhalova.

Vaikutelma
Mukava ja mielenkiintoinen esitys, erityisesti Dovlatovin faneille. Luin kerran reikiin hänen teoksensa "Ours" sekä joukon muita kirjoja, joten tämä esitys oli minulle erityisen mielenkiintoinen! Olin yllättynyt siitä, että yksi kirjan luvuista luettiin kirjaimellisesti sydämestä "tunnetta, järkeä, johdonmukaisuutta noudattaen". Upea karismaattinen näyttelijä, loistava valikoima otteita! Jos rakastat Dovlatovia "kuten minä rakastan häntä", muista mennä. Minulle hän ja hänen teoksensa ilmestyivät uudessa valossa ja löysivät toisen elämän. Kotona luin jopa suosikkiteokseni uudelleen.
Miinuksista - se on erittäin vaikeaa ilman väliaikaa ja epämiellyttäviä tuoleja kammersalissa! Lisäksi itse asiassa ei ole ollenkaan vaatekaappia ja täysin pieni odotushuone yhdistettynä "vaatekaappiin" eli seinän varrella seisoviin ripustimiin.

4. "Näyttelijätär tai romanssi pukeutumisen kanssa", Vol. Buff
osoitteessa bileter.ru
Näytelmä "I.O., tai pukeutunut romaani"

Toiminnallinen komedia rakkaudesta. Mutta rakkautta ei ole olemassa itsestään - se on kirjoitettu tiettyyn aikaan tietyssä yhteiskunnassa. Ja jonkin surullisen lain mukaan rakkaus ja yhteiskunta osoittautuvat melkein aina antagonisteiksi.

Pukeutunut romaani osoittautuu vitsi, joka paljastaa samalla monia nykyajan elämän ongelmia. Hahmojen "sekoittamisen" kirjoittajan käyttämä motiivi muistuttaa Gogolin "Tarkastustarkastajan" juoni. Satiirinen viiva kehittyy kuitenkin rinnakkain lyriikan kanssa, mikä johtaa lopulta odottamattomaan irtisanoutumiseen.

Esityksessä on yksi väliaika.

Esitys on suunniteltu vähintään 14-vuotiaille.

5. "Kiss me, Kat", toveri Moose Comedy
osoitteessa bileter.ru
Musikaali "Kiss Me, Kat"

Broadway-hitti Musical Comedy Theatre -tapahtumassa
Koko Amerikka meni hulluksi hänelle monien vuosien ajan. Tämä on yksi Broadwayn kirkkaimmista hiteistä yhdessä "My Fair Lady", "Cats" ja "The Phantom of the Opera" kanssa.

Col Porterin musiikki on melodista ja helppo muistaa, ja siinä yhdistyvät lävistävä lyyrisyys huumoriin ja keveyteen, ja useista tämän esityksen melodioista on tullut modernin jazzin klassikoita. Kuten kaikki musikaalit, "Kiss Me Kat!" on laadukasta draamaa. Alkuperäisen libreton kirjoittajat Samuel ja Bella Spivak ottivat perustaksi Shakespearen komedian "Tunkeilijan kesyttäminen". Musikaalin toiminta tapahtuu 1900-luvun puolivälissä, teatterin kulissien takana, Haukkien kiusaamisen musiikillisen version ensi-iltana. Kirjassa "Kiss me, Kat!" näyttelijöiden suhde on monimutkaisesti kietoutunut Shakespearen hahmojen suhteeseen. Musikaali sisältää paljon huumoria ja etsiviä elementtejä.

Cola Porterin musiikki ja runous. Libretto Samilta ja Bella Spivakilta. Tuotanto - A.Isakov. Koreografi - N.Reutov.

Vaikutelma
Kirkas, värikäs ja upea musikaali! Ehkä paras asia, jota olen viime aikoina katsellut. Kevyt, näyttää kirjaimellisesti tuulta. Suuri näyttelijä ja mielenkiintoinen, monipuolinen juoni. Erittäin kauniit puvut (kuten aina musikaalisessa komediassa). Mahtava päähenkilön ääni, melodiset ja sielukkaat sävellykset! Gangsterit herättivät ihailua ja todellista iloa, D. Dmitriev oli erityisen vaimea. Ihana ja kevyt huumori, toisin kuin toveri Buff, vitsit toivat hymyn ja loivat positiivisen tunnelman. Tanssinumeroita on paljon, pidin koreografiasta kovasti. Todella arvoinen, mielenkiintoinen ja erittäin onnistunut musikaali! Haluaisin nähdä hänet uudestaan!

Edessä on vielä useita esityksiä, lippuja on ja odotan. Vinkkejä huhtikuuhun otetaan erillisellä Mercillä.

K.S. Stanislavskyn keskustelut
Suuren teatterin studiossa vuosina 1918-1922

Tallentanut RSFSR: n arvostettu taiteilija. K.E. Antarova

Y. Kalashnikovin päätoimituksessa M.: n toinen täydennetty painos, All-Russian Theatre Society, 1947

Konstantin S. Stanislavskyn kolmekymmentä keskustelua luovuuden järjestelmästä ja elementeistä

OPETTAJAN MUISTI

Taiteilijan on helppo kirjoittaa opettajan todelliset sanat muistiinpanoistaan ​​ja antaa ne kaikille, jotka ovat intohimoisia taiteesta ja arvostavat jokaisen näyttämötaiteen polkua käyvän ihmisen kokemusta. Mutta on erittäin vaikea uskaltaa herättää jokaisessa lukijassa elävä kuva nerosta, jonka kanssa olit yhteydessä opettajana, jonka olet nähnyt monen päivän ajan työskennellessäsi kanssasi ja koko taiteilijaryhmän kanssa tasa-arvoisena tasa-arvon kanssa, koskaan sallimatta tunnet etäisyyden itsesi ja opiskelijan välillä, mutta luo ilmapiiri, jossa on helppo kommunikoida, viehätys ja yksinkertaisuus. Mutta uskallan kuitenkin piirtää täällä, ainakin muutamalla piirteellä, kuvan Konstantin Sergeevich Stanislavskistä, kun hän ilmestyi opinnoissaan kanssamme, Moskovan Suuren teatterin taiteilijoina, vuosina 1918-1922. Hän alkoi opiskella kanssamme asunnossaan Karetny Ryadissa, ja hänen luokkansa olivat aluksi epävirallisia, maksuttomia eikä heillä ollut tarkkoja tunteja. Mutta Konstantin Sergeevich antoi meille kaiken vapaa-ajan, viemällä usein tuntikausia omasta lepoaan. Usein luokkamme, alkavat klo 12, päättyivät klo 2. Meidän on muistettava, kuinka vaikea aika sitten oli, kuinka kylmiä ja nälkäisiä kaikki olivat, mikä tuho hallitsi - ensimmäisen maailmansodan julma perintö, jotta voimme arvostaa molempien osapuolten - sekä opettajan että opiskelijoiden - omistautumista. Monet taiteilijoista, huolimatta siitä, että he olivat) Bolshoi-teatterin taiteilijoita, olivat täysin paljain jaloin ja juoksivat studioon Konstantin Sergeevichin luokse vahingossa saamillaan saappailla. Konstantin Sergeevich unohti yleensä, että hänen täytyi syödä ja juoda, aivan kuten me, hänen opiskelijansa, kaunopuheisuuden liekin ja taiteellisen rakkauden liekin kantamana, unohdimme tämän opintojensa aikana. Jos paljon ihmisiä tuli luokkiin eikä hänen valtavan huoneen tuoleissa ja sohvilla ollut tarpeeksi tilaa, he toivat maton, ja kaikki istuivat sen päällä lattialla. Jokainen hetki, joka lensi yhteydenpidossa Konstantin Sergejevichin kanssa, oli loma, ja koko päivä näytti iloisemmalta ja kirkkaammalta, koska iltaisin hänen luokkansa tulivat. Hänen uskolliset avustajansa, jotka työskentelivät aluksi myös studiossa maksutta eivätkä pettäneet työtään loppuun saakka, olivat hänen sisarensa Zinaida Sergeevna Sokolova ja veli Vladimir Sergeevich Alekseev, täynnä huomiota ja kiintymystä meihin vähintään Konstantin Sergeevich itse . Konstantin Sergeevich ei koskaan valmistautunut keskusteluihin, jotka olen tallentanut. Hän ei noudattanut luentomenetelmää; kaikki, mitä hän sanoi, käännettiin heti käytännön esimerkkeiksi, ja hänen sanansa kaatoivat kuin yksinkertainen, vilkas keskustelu hänen kanssaan olevien toverien kanssa, minkä vuoksi kutsuin heitä keskusteluiksi. Hänellä ei ollut tarkkaan laadittua suunnitelmaa, jonka mukaan hän tänään kaikin keinoin käy tällaista keskustelua kanssamme. Hän tuli aina elämästä itsestään, hän opetti arvostamaan annettua, lentämistä nyt, hetkeä ja ymmärsi nerouksensa herkkyydellä yleisönsä mielialan, mikä huolestuttaa taiteilijoita nyt, mikä kiehtoo heitä ennen kaikkea. Tämä ei tarkoita sitä, että Konstantin Sergeevichilla ei ollut lainkaan suunnitelmaa, tämä oli vain osoitus siitä, kuinka hienovaraisesti hän osasi navigoida ja kuinka hän suunnitteli hetken olosuhteiden mukaan sen muuttumattoman suunnitelman orgaaniset ominaisuudet, jossa hän antoi tietonsa välittää meille. Hänen keskustelunsa on aina liittynyt epätavallisen hienovaraisesti live-harjoituksiin. Kuten muistan nyt, seisoimme pianon luona ja yritimme pyrittäessäni keskittymään täysin, luomaan itsellemme julkisen yksinäisyyden luovan ympyrän, laulamaan Tatiana ja Olga duetto Eugene Oneginista. Konstantin Sergeevich sai meidät kaikin mahdollisin tavoin etsimään uusia, eläviä intonaatioita ja värejä äänestämme, kaikin mahdollisin tavoin hän yritti piristää meitä etsinnöissämme, mutta me kaikki menimme tavallisiin oopperakliiseihin. Lopuksi hän tuli luoksemme ja aloitti vieressämme keskustelun, jonka merkitsin numeroon 16. Nähdessään, ettemme päässeet eroon oopperakliseistä, hän antoi unohtaa hetkeksi epäonnistuneen duettomme. Hän alkoi puhua keskittymisestä, suoritti kanssamme useita harjoituksia hengitysrytmiin yhdistetyistä toiminnoista, kunkin tehtävän tiettyjen ominaisuuksien esiin tuomisesta. Vertaamalla erilaisia ​​esineitä, osoittamalla poissaoloon, havaittujen esineiden ominaisuuksiin, jotka putosivat tämän tai toisen taiteilijan huomion ulkopuolelle, hän johti meidät tarkkaavaisuuden tarkkaavaisuuteen. Hän kertoi meille kaiken, mitä olin kirjoittanut 16. keskusteluun, ja palasi taas duettoon. Hänen keskustelunsa jälkeen ymmärsimme heti kaiken, mitä hän halusi kuulla äänemme intonaatioissa, ja loppuelämäni ajan olen liittänyt ajatukseen Olgasta kuun yhdistys - valtava reunapallo ja opettajan mahtava hahmo nousee aina, innoittamana, hellä, täynnä iloa ja energiaa. Konstantin Sergeevich ei koskaan vetäytynyt ennen esteitä, jotka syntyivät hänen oppilaidensa edessä, ennen heidän väärinkäsitystään, hän aina kannusti ja tiesi saavuttaa tuloksia, vaikka hänen täytyisi toistaa sama asia meille monta kertaa. Siksi keskusteluissa toistetaan usein, mutta en tietoisesti ylitä niitä, koska niiden perusteella jokainen voi arvioida, kuinka vaikea tie on "möly, kuinka paljon työtä tarvitaan. Loppujen lopuksi olimme melkein kaikki jo taiteilijoiden taiteilijoita. Bolshoi-teatteri, mutta kuinka vaikeaa Konstantin Sergeevich oli kouluttaa huomiomme ja kaikki luovat elementit, jotka esittävät todellista taidetta! Kuinka väsymätöntä oli hänen huomionsa siihen, mitä hän piti välttämättömänä hengellisenä ja luovana matkatavarana jokaiselle taiteilijalle, joka haluaa kehittää luovia voimiaan eikä jäljitellä jotakuta! Monissa keskusteluissa, joilla ei ollut suoraa yhteyttä etiikkaan, hän yritti jatkuvasti istuttaa meihin minkä tahansa ajatuksen siemenestä toveristaan, joka käveli hänen vieressään ja herättää rakkautta häntä kohtaan. Konstantin Sergeevichillä oli valtava huumori, mutta samalla hän oli niin jalo ja yksinkertainen ajatuksissaan ja kanssakäymisissään, ettei kenenkään tule mieleen kertoa hänelle mitään anekdootteja, juoruja jne. Syvästi vakava ja jännittävä ilmapiiri, jano oppia ja tietää jotain hänen taiteestaanan hallitsi keskuudessamme, ja kaikki tuli opettajalta, täynnä rakkautta ja huomiota meihin. Ei ole mitään tapaa välittää kaikkea, mitä Konstantin Sergeevich antoi meille niin anteliaasti luokissaan. Hän ei tyytynyt tuntemaan meitä opiskelijoina; hän löysi vielä aikaa tulla Bolshoi-teatteriin katsomaan meitä esityksissä. Olisi tarpeen kirjoittaa erillinen kirja "Wertheristä" - studiomme ensimmäisestä tuotannosta, jonka näytimme Taideteatterissa. Ei ole sanoja kuvaamaan energiaa, jonka Konstantin Sergeevich, hänen sisarensa Zinaida Sergeevna, hänen veljensä Vladimir Sergeevich ja kaikki opiskelijat vuodattivat tähän teokseen. Nälkä, kylmä, usein ei lounaalla kaksi päivää, emme tienneet, että olemme väsyneitä. Olimme silloin niin köyhiä studiossa, ettemme voineet edes kutsua valokuvaajaa kuvaamaan koko Werther-tuotantoamme. Ja hän lähti oopperalle, kuten Konstantin Sergeevichin ensimmäinen lahja, edes missään äänitettynä. Konstantin Sergeevich keräsi Taide-teatterin sarjat "mäntymetsästä", pyysin Bolshoi-teatterin pukuja vanhasta, enää käytetystä vaatekaapista, valitsin ne yhdessä Zinaida Sergeevnan kanssa, ja Konstantin Sergeevich hyväksyi ne. Esimerkkinä "palamisesta" voin mainita Vladimir Sergeevichin, joka sitten asui kaupungin ulkopuolella, kantanut selällään pussia, jossa oli kaikenlaisia ​​asioita, joita hän tarvitsi studiolle, ja söi melkein yhden hirssin. Joskus hän sanoi: "Luulen, että jos joku sanoo minulle sanan hirssi nyt, ammu." Naurua, hauskoja kappaleita, kun olimme jo siirtyneet Leontyevsky Lane -kaistalle ja huone oli, vaikka se oli ahdas, mutta suurempi kuin Karetny Ryadissa, kuulosti jatkuvasti kaikista kulmista. Meissä ei koskaan ollut minkäänlaista epätoivoa, ja odotimme aina innolla Konstantin Sergeevichin tulemista luokkiin. Kerran puhuessaan lentävän minuutin arvosta luovuudessa, joka tulisi (arvostetaan hetkeksi etsiä uusia ja uusia tehtäviä ja heidän kanssaan uusia äänen intonaatioita ja uusia fyysisiä toimia, Konstantin Sergeevich puhui Othellosta. Hän tarjosi meille Othellolle kaksi mahdollisuutta päästä Desdemonan makuuhuoneeseen yöllä, niin valtava yhdellä versiolla ja niin sileä, naiivi ja koskettava toisessa, että olimme kaikki tunnottomia ja hiljaa, vaikka Othello oli jo kadonnut ja opettajamme oli jälleen seisoo edessämme .... Mitä voimme sanoa nyt, kun hän ei ole kanssamme? Hänelle taide ei ollut vain heijastus elämästä näyttämöllä, vaan myös polku koulutukseen, ihmisten yhtenäisyyteen. Olkoon meille kaikille, jotka olemme oppineet häneltä, todistus kunniasta ja totuudenmukaisuudesta, todistus kunnioituksesta kaikkia kohtaan, jotka pyrkivät tietoon ja huippuosaamiseen teatraalisessa luovuudessamme. Minulla ei ole voimaa tai kaunopuheisuutta välittää sanoin inspiraatiota, joka Sytytin hänen oppilaansa Konstantin Sergeevichin - kukaan ei voinut vastustaa hänen harrastustaan, mutta he eivät totelleet häntä auktoriteettina ja despootina, vaan ilona, ​​joka yhtäkkiä paljasti sinussa uuden käsityksen jostakin lauseesta, jostakin sanasta, joka valaisee kokonaisuutta. perheesi, ja teit sen huomenna jo toisin. ”Jos minun keräämät Konstantin Sergeevichin keskustelut auttavat jotakuta ainakin edistymään taiteessa, tehtäväni suoritetaan.

K. Antarova.

Esipuhe ensimmäiseen painokseen

Keskustelut K. S. Stanislavsky Bolshoi-teatterin studiossa, jonka KE Antarova äänitti ja All-Russian Theatre Society julkaisi, tapahtui vuosina 1918-1922, mutta ne liittyvät nykypäivän hyvin akuutteihin kysymyksiin - työvoimaan ja työhön. näyttelijän taiteellinen kurinalaisuus, etiikka, kasvatus ... Stanislavsky ajatteli jatkuvasti näitä aiheita törmäämällä niihin sekä käytännön teatteritoiminnassaan että teoreettisessa työssään "järjestelmäänsä", ja he huolestuttivat häntä aina. Hänen sisarensa ZS Sokolova, joka on työskennellyt monta vuotta käsi kädessä hänen kanssaan ohjaamissaan studioissa, sanoo kirjeessään KE Antarovalle muistiinpanojensa julkaisemisesta: ”Konstantin Sergeevich oli hyvin surullinen, ettei hänellä olisi aikaa kirjoittaa kirja etiikasta, erityisesti näyttelijästä. Muistiinpanoissasi, varsinkin kahdentoista ensimmäisen keskustelun aikana, hän puhuu paljon etiikasta, ja muissa keskusteluissa on paljon eettisiä ajatuksia hajallaan. Useammin kuin kerran veljeni kertoi minulle: " Ehkä etiikkaa käsittelevä kirja - kaikkein välttämättömin, mutta ... minulla ei ole aikaa kirjoittaa. "Tämä todiste riittää ymmärtämään yleisesti julkaistavan kirjan luonteen ja arvon. Mutta lukemalla sen näet siinä heijastus myös siitä poikkeuksellisesta noususta, jonka alkuvuodet toivat Stanislavskin vallankumoukseksi, kun kaikki elämän koettelemukset - sodanjälkeisen kylmyys ja nälkä - eivät vain varjostaneet hänelle tapahtuneen suuruutta, mutta , joka työntää elämän horisonttia, aiheutti hänelle kokonaisen myrskyn uusia ideoita ja uusia muotoiluja siitä, mikä on epämääräisesti br odilo siinä jo ja aikaisemmin. Hänen tarpeensa viedä luovuutensa laajalle ihmisjoukolle löysi ilmaisunsa jo Taideteatterin perustamisen aikaan, mikä vain ulkoisten olosuhteiden vuoksi ei sallinut selviytymistä "Taideteatterina kaikille". Imperialistisen sodan vaikutelmat saivat hänet tunnustamaan koko porvarillisen kulttuurin alemmuuden. Lokakuun sosialistinen vallankumous sai hänet asettamaan erityisen tiukkoja vaatimuksia teatterille ja kaikille sen työntekijöille. "Elämämme sankarikausi vaatii toisen näyttelijän", hän sanoo yhdessä julkaistuissa keskusteluissa. Ja hän etsii tapoja kouluttaa teatterinäyttelijöitä sankarillisen, epäitsekkään palveluksen hengessä maalleen täysin erillään kaikista pikkutavaroista. Hän pyrkii osoittamaan keskusteluissaan, että taiteellinen luovuus voi kukoistaa vain niiden keskuudessa, jotka pystyvät tuntemaan syvimmän yhteyden teatteriliiketoiminnan ja sen taiteellisten tehtävien välillä elämää uudistavan kansan rakentamiseen ja joka täyttää joka päivä, "jokainen" lentävä hetki siinä "korkealla ajatuksilla, tunteilla ja mielialoilla. Stanislavsky kutsuu näissä keskusteluissa väsymättömään työhön itseään kohtaan, tietoisuutensa ja tahdonsa voittoihin kaikesta, mikä estää näyttelijää antautumasta täysin teokselleen, ja hänen äänensä kuuluu kaikessa, intohimoisessa vakaumuksessa. Stanislavskin sisäisen kehityksen polun tutkiminen nuoruusvuodestaan ​​lähtien, mikä heijastuu hänen "Taiteellisissa aikakirjoissaan vuosilta 1877-1892", aina hänen hengellisen kypsyytensä aikaan, jolloin hän kirjoitti kirjat "Elämäni taiteessa" ja "The Work of näyttelijä itsessään "- näemme selvästi, että koko hänen elämänsä oli täynnä taistelua luonteensa epätäydellisyyksien kanssa, johon hän kutsuu keskusteluissaan. Jokainen, jolla on pienintäkään elävä käsitys hänestä, tietää, että hän ei koskaan ollut tyytyväinen saavutuksiinsa - ei työssään, teoreettisessa ajattelussaan eikä itseään koskevassa työssä. Mutta ei ole epäilystäkään siitä, että on olemassa melko vähän halpaan skeptismiin taipuvaisia ​​ihmisiä, jotka hänen keskustelujaan lukiessaan sanovat, että heidän asettamansa vaatimukset nuorille näyttelijöille ovat yleensä mahdotonta toteuttaa ja jopa tarpeettomia, koska valtava enemmistö toimijoista, lukuun ottamatta suurimpia, älä koskaan laita niitä itselleen, ja tämä ei kuitenkaan estänyt heitä näyttämästä kykyjään lavalla, ja mitä he olivat näyttämön ulkopuolella, on heidän oma asia. Stanislavsky kuunteli tietysti tällaisia ​​huomioita useammin kuin kerran, mutta ei voinut hyväksyä niitä. Johtaa jokainen taiteilija millä tahansa taiteen alalla täyttää luomuksensa omalla ideologisella ja psykologisella sisällöllä ja viittaa näyttelijään ", tietysti jopa enemmän kuin kukaan muu taiteilija. Ja jos lahjakkaat ihmiset näyttävät sekä lavalla että kulissien takana , välinpitämättömyys toveriensa ja koko tiiminsä elämään, mauton turhamaisuus, kohtuullisuus ja huolimattomuus suhteessa omaan ja yhteiseen asiaan, saavutti kuitenkin meluisaa menestystä, tämä tarkoittaa vain sitä, että vaativalla suhtautumisella itseensä he antaisivat verrattain enemmän ja antaisivat nosta teatteri niin korkealle, ettei se ole vielä saavuttanut. Stanislavsky jakoi aina saksalaisen älykkään näyttelijän Ifflandin 1700-luvulla ilmaiseman ajatuksen, että paras tapa olla jalo lavalla roolissasi on olla "jalo todellisuudessa, omassa elämässäsi. Stanislavskyn silmien edessä seisoi esimerkkejä suurista taiteilijoistamme Shchepkinistä, Jermolovasta, jotka omistautuivat taiteeseen kaikilla aatelistoilla, jotka olivat heille tyypillisiä elämässä, vaikka heidän aikansa ei ollutkaan suotuisa mielialojen ja taiteellisten ajatusten korkealle lennolle. Hän uskoi aina jakamattoman, sankarillisen palvelun mahdollisuuteen taiteelle ja aikakautemme, joka vaatii ja synnyttää sankareita eri elämänaloilla, aikakaudella, jolloin teatterin tulisi ainakin pysyä elämän mukana ja nousta esiin sen entisen unelmoivan olemassaolon noidankehä, elää kaikella voimallaan "maan päällä ja maan puolesta" - eikö hän, Stanislavsky, voisi vaatia näyttelijöiltä, ​​mihin hänen oma palava, sankariluonteensa vetoaa? Tutkiessaan keskusteluissaan luovuuteen valmistautumista ja näyttelijän luovan prosessin järjestämistä hän painottaa jatkuvasti sitä valtavaa roolia, joka kehitti ihmisen tietoisuutta ja tahtoa voittaa luonnonvarojen rajoitukset tässä prosessissa. Ja jos tällä hetkellä, kauan ennen kuin hänen "järjestelmä" valettiin kirjaan: "Näyttelijän työ itsessään", paljon ei muotoiltu niin selkeästi keskusteluissa, niin joitain "järjestelmän" näkökohtia hän halusi valaista hänen tulevissa teoksissaan, paljastetaan täällä jo perusteellisesti. Tämä on kaiken edellä mainitun lisäksi kysymys aidon taiteellisen luovuuden luonteesta. Täällä hänelle omistetut sivut osoittavat selvästi, että vuosina, joille keskustelut kuuluvat, Stanislavsky oli pettänyt realismia, mutta syventänyt sen käsitettä, täysin poikennut kaikesta naturalismista, jopa tasolla, jota hän kutsui "psykologiseksi naturalismiksi". Tarve taiteelliseen yleistykseen minkä tahansa hahmon kuvassa ja mikä tahansa intohimo, samalla kun noudatetaan kuvan suurinta konkreettisuutta, näkyy keskusteluissa erittäin vakuuttavasti. Mikä tahansa kuvatun syventäminen, ihmishahmojen esittäminen kaikessa ristiriitaisissa ominaisuuksissaan ja pyrkimyksissään, jokaisen elämänilmiön tulkinta eräänlaisena yhtenäisyytenä monimuotoisuudessa ja lisäksi tietyssä ideologisessa valaistuksessa - tämä on mitä Stanislavsky yrittää saavuttaa nuorilta näyttelijöiltä. Siksi hän vaatii heiltä korkeaa älyllistä tasoa ja kykyä syvällisesti ja hienovaraisesti syventyä ihmisen psykologiaan paitsi työskennellessään roolissa, myös tarkkaillessaan ihmisiä elämässä. Esimerkit psykologisesta analyysistä, jonka hän antaa keskusteluissa työskennellessään Bolshoi-teatteristudiossa oopperoiden Werther ja Eugene Onegin tuotannossa, ovat tältä osin erittäin paljastavia. Mitä muistiinpanojen luotettavuuteen KE Antarova piti itse keskustelujen aikana puoliverbaalisesti ja tulkitsi kaikin keinoin samana päivänä, niin ZS Sokolovan 8. marraskuuta 1938 jo lainatun kirjeen rivit kertovat meille tämä: kuinka voisit nauhoittaa veljesi keskustelut ja aktiviteetit niin sanasta sanaan. hän sanoo K.E.Antarovalle palauttaen hänelle muistiinpanojensa käsikirjoituksen. - Kun luin niitä ja kun minulla oli sellainen tila, ikään kuin tänään, kuulin hänet ja kävin hänen luokissaan. Muistin jopa, missä, milloin, minkä harjoittelun jälkeen hän sanoi, mitä nauhoitit ... "Kirjeensä lopuksi ZS Sokolova vahvistaa jälleen, että nämä äänitteet täyttävät osittain sen, mitä KS Stanislavsky itse halusi niin paljon, mutta jolla ei ollut aikaa henkilökohtaisesti.

Lyubov Gurevich

Tammikuu 1939 laji.

Esipuhe toiselle painokselle

Vuonna 1939 All-Russian Theatre Society julkaisi ensimmäistä kertaa KS Stanislavskyn ja Suuren teatterin taiteilijoiden keskustelut, jotka nauhoitin. Kuten hermopainoksessa jo todettiin, nämä keskustelut viittaavat vuosiin 1918-1922. Murros koko ihmisten elämässä sytytti yhä elävämmin venäläisen näyttämön suuren opettajan valtavan energian. Hän halusi käyttää voimaansa oopperatalossa, vangita laulajat luovilla ideoillaan ja herättää heissä halu etsiä uusia tapoja oopperataiteesta. Täydennän kirjan ensimmäistä painosta muutamilla Konstantin Sergeevichin keskusteluilla. Jotkut niistä liittyvät suoraan Massenet-oopperan "Werther" työskentelyaikaan. Loput kuusi keskustelua - luovuuden elementeistä - Konstantin (Sergeevitš johti meitä, löysi syitä niihin tavallisten harjoitusten aikana. Nämä keskustelut ovat arvokkaita etenkin siksi, että ne ilmaisivat jo ajatuksia, jotka myöhemmin järjestelmällistettiin ja kehitettiin Stanislavskyn kirjassa "Näyttelijä" "All-Russian Theatre Society oli ensimmäinen organisaatio, joka julkaisi" KS Stanislavskyn keskustelut "pian hänen kuolemansa jälkeen, kun yksikään kustantamo ei ollut vielä julkaissut yhtä kirjaa Stanislavskistä. Tämä julkaisu on ensimmäinen muistomerkki suurelle WTO: n julkaisema KS Stanislavskyn keskustelujen toinen painos on nykyajan teatterielämän hetkessä, jolloin Stanislavskyn "järjestelmästä" on tullut yksi Neuvostoliiton teatteritaiteen keskeisistä ongelmista. "Järjestelmästä" käydään kiivasta keskustelua. teatteriympäristö ja KS Stanislavskyn johtajien ajatukset teatteriluovuudesta, jotka hän ilmaisi Neuvostoliiton teatterin alkaessa. Omno, Konstantin Sergeevichin elävät sanat, jotka hän lausuu ainutlaatuisen kirkkaina ja värikkäinä intonaatioina, menettää paljon äänityksissäni. Saamiesi kirjeiden ja arvostelujen perusteella "Keskustelut" kuitenkin herättää taiteilijoissa halun ymmärtää taiteessa sitä, mitä ihminen luovan tunteen luonteen suuri tutkija vaati. Tuon henkilökohtaisen kiitollisuuteni WTO: lle molemmista "Keskustelut" -lehdistä, en voi jättää huomiotta tämän julkisen organisaation osoittamaa arkaluonteista huomiota ja kiinnostusta nuorista toimijoista. Julkaistamalla KS Stanislavskyn keskustelut uudelleen WTO antaa apua Moskovan ulkopuolella asuville taiteellisille voimille, jotka eivät pysty käyttämään teatterimestareiden neuvotteluja. Mutta paitsi tämän luovan avun ja taiteilijalle kiinnitetyn huomion takia, sanon sydämelliset kiitokseni WTO: lle. Erityinen kiitollisuuteni All-Russian Theatre Society -yhtiölle, ennen kaikkea sen puheenjohtajalle, Neuvostoliiton kansataiteilijalle Aleksandra Aleksandrovna Yablochkinalle, siitä, että annoin mahdollisuuden tutustua K.S.: n luoviin ideoihin suuren teatterihahmon perusohjeista joka sanoi aina: "Työmme pääasia on jatkuvasti eteenpäin suuntautuva tehokas ajatus."

K.E. Antarova.

KESKUSTELU YKSI

YLIMMÄINEN KESKUSTELU

KOLME KESKUSTELUA

Haluan puhua kanssasi tänään ja yhdessä sinun ja itseni kanssa uudelleen ja uudelleen mieltäni siitä, mikä studio on. Ilmeisesti tämä teatterikoulu, jos voin sanoa niin, on nykyhetken mukainen, koska studioita on uskomattoman paljon, kaikenlaisia, sukuja ja suunnitelmia. Mutta mitä enemmän asut, sitä laajemmin vapautat tietoisuutesi pinnallisista sopimuksista, sitä selvemmin näet sekä omat että muiden ihmisten virheet luovuudessa (Keskustelu lokakuussa 1918 Konstantin Sergeevichin asunnossa Karetny Ryadissa.) Studio on alkuvaihe, johon tulisi koota ihmisiä, jotka ovat tietoisesti tietoisia siitä, että ihmisen koko elämä on hänen omaa luovuuttaan ja että hän haluaa tämän luovuuden itselleen vain teatterissa, että teatterissa on koko elämänsä. Henkilötaiteilijan on ymmärrettävä, että luovuuteen vaikuttavia ja vaikuttavia ulkoisia syitä ei ole, että luovuudelle on vain yksi impulssi - toisin sanoen jokainen kantaa itsessään luovia voimia. Studioiden luominen toi valoa entisten teatterien tietämättömyyden kaaokseen, jossa ihmiset yhdistyivät kuin luovaan työhön, mutta itse asiassa itsensä kirkastamiseksi, helpoksi kunniaksi, helpoksi, hajottavaksi elämäksi ja heidän niin käyttämiään varten. - kutsutaan "inspiraatioksi". Studion on elettävä täydellisen toiminnan järjestämisen kanssa; täydellisen kunnioituksen toisia ja toisiaan kohtaan tulisi hallita hänessä; kiinteän huomion kehittämisen tulisi muodostaa lähtökohta niiden hengelliselle matkatavaralle, jotka haluavat opiskella studiossa. Studion tulisi opettaa taiteilija keskittymään ja etsimään tähän iloisia apuvälineitä, jotta hän voisi helposti, iloisesti, mukanaan viedä, kehittää voimaa itsessään eikä nähdä tässä sietämättömässä, vaikkakin väistämättömässä tehtävässä. Nykyaikaisen näyttelijätonnettomuuden tapana on etsiä ulkopuolelta luovuutta stimuloivia syitä. Taiteilijalle näyttää siltä, ​​että työnsä syy ja sysäys ovat ulkoisia faktoja. Syyt hänen menestymisensä näyttämöllä ovat ulkoiset tosiasiat, mukaan lukien klaki ja suojelus. Syyt epäonnistumiseen luovuudessa ovat viholliset ja epätoivot, jotka eivät antaneet hänelle mahdollisuutta paljastaa itseään ja edetä kykyjensä halossa. Ensimmäinen asia, jonka taiteilijan studion tulisi opettaa, on se, että kaikki, kaikki hänen luovuutensa ovat hänessä. Itsetarkastelun katsominen asioihin ja asioihin, luovuuden voiman, syiden ja seurausten etsimisen pitäisi olla oppimisen kaikkien alkujen alku. Loppujen lopuksi, mikä on luovuus? Jokaisen opiskelijan on ymmärrettävä, ettei ole olemassa elämää, joka ei sisällä luovuutta. Henkilökohtaiset vaistot, henkilökohtaiset intohimot, joissa taiteilijan elämä virtaa, jos nämä henkilökohtaiset intohimot voittavat hänen rakkautensa teatteriin - kaikki tämä synnyttää tuskallisen hermoherkkyyden, ulkoisen liioittelun hysteerisen mittakaavan, jonka taiteilija haluaa selittää omaperäisyydellä hänen lahjakkuudestaan ​​ja kutsua "inspiraatioksi" Mutta kaikki, mikä tulee ulkoisista syistä, voi herättää vain vaistojen toiminnan eikä se herättää alitajuntaa, jossa todellinen luonne ja intuitio elävät. Henkilö, joka liikkuu lavalla vaistojensa paineessa laatimatta itselleen tarkkaa toimintasuunnitelmaa, on motivoivissa syissään yhtäläinen eläimiin - metsästetty koira, lintuun hiipivä tai kumpaan nouseva kissa hiirelle. Ero vaikuttaa vain, kun ajatukset, toisin sanoen ihmisen tietoisuus puhdistavat intohimot, ts. Vaistot, valppaalla huomiollaan, kun jokaisessa intohimossa tilapäinen, ohimenevä, tavanomainen, merkityksetön ja ruma on löydetty, eikä heihin kiinnitetä huomiota eikä kiinnitetä heihin, vaan siihen orgaaniseen, intuitiosta erottamattomaan elämään, joka elää kaikkialla, aina ja kaikkialla, kaikissa intohimoissa ja on yhteistä jokaisen ihmisen sydämelle ja tajunnalle. Ja vain tämä muodostaa jokaisen intohimon orgaanisen jyvän. Luovuudelle ei ole samoja polkuja kaikille. On mahdotonta määrätä Ivanille ja Maryalle samoja ulkoisia menetelmiä, misen näyttämön ulkoisia mukautuksia, mutta kaikkien Ivansin ja Maryan on mahdollista paljastaa inspiraatiopalansa arvo, henkinen vahvuus ja ilmoittaa missä, mitä etsiä ja miten kehittää sitä itsessäsi. Aloittelevien opiskelijoiden heittäminen luokasta luokkaan, väsynyt heistä, monien tieteenalojen antaminen kerralla, pään pyyhkiminen tuskin päivänvaloa näkemillä uusilla tieteillä, joiden saavutuksia ei ole vielä testattu riittävällä kokemuksella, on heille erittäin haitallista . Älä yritä aloittaa kasvatustasi ja koulutustasi studionäyttelijöinä, hajallaan välittömästi kaikkiin suuntiin, älä yritä määrittää rooliasi ulkoisilla merkeillä, vaan anna itsellesi aikaa siirtyä pois tavanomaisesta asenteestasi asua ja toimia ulkona. Ymmärrä koko luova elämäsi sulauttamalla sisäinen ja ulkoinen elämäsi yhteen, ja aloita harjoitukset helposti ja hauskasti. Studio on paikka, jossa ihmisen on opittava tarkkailemaan luonnettaan, sisäistä voimaansa, missä hänen on kehitettävä tapana ajatella, että en vain käy läpi elämää, mutta rakastan taidetta niin paljon, että haluan luovuutta itsestäni ja kaikesta, kaikella, mitä ihmiset täyttävät päivän taiteeni ilolla ja onnella. Sen, joka ei osaa nauraa, joka aina valittaa, joka on aina surullinen ja tottunut itkemään ja suremaan, ei pitäisi mennä studioon. Studio on ikään kuin sisäänkäynti taiteen temppeliin. Täällä merkinnän tulisi loistaa jokaiselle meistä tulisilla kirjaimilla: "Opi, rakastaa taidetta ja iloitse siitä, valloita kaikki esteet." Jos rekrytoit studioon ihmisiä, joilla on vähän kulttuuria ja työkyvyttömyyttä vain siksi, että he ovat ohuita ja pitkiä, niillä on hyvät äänet ja näppäryys, niin studio vapauttaa kymmeniä muita häviäjiä, jotka ovat nyt näyttelijämarkkinoiden hukkua. Ja iloisten työntekijöiden sijaan, jotka ovat omistautuneet taiteelle, koska he rakastavat sitä, studiomme vapauttaa kiehtovia ihmisiä, jotka eivät halua päästä maansa sosiaaliseen elämään luovuutensa palvelijoina, jotka haluavat tulla vain mestareiksi, joiksi heidän kotimaahansa. pitäisi palvella sen arvokkaiden sijoittimien ja miinojen kanssa. Ei ole mitään tekosyytä niille ihmisille, jotka asettavat ennen kaikkea studionsa maineen, eikä niille eläville sydämille, jotka kuuluvat siihen, ja jokainen studio on olemassa. Jokaisen, joka opettaa studiossa, tulee muistaa, että hän ei ole vain johtaja ja opettaja, hän on ystävä, auttaja, hän on se iloinen polku, jolla hänen rakkautensa taiteeseen sulautuu rakkauteen häntä kohtaan ihmisissä, jotka ovat tulleet opiskelemaan häntä. Ja vain tämän perusteella, ei henkilökohtaisen valinnan mukaan, opettajan tulisi johtaa heidät ykseyteen itsensä, toistensa ja kaikkien muiden opettajien kanssa. Vasta sitten studio muodostaa sen alkuperäisen ympyrän, jossa toistensa liikearvo vallitsee ja jossa ajan myötä voidaan kehittää harmoninen, ts. Nykyaikaisuuden mukainen esitys.

Keskustelu NELJÄ

Jos voisi kuvitella ihanteellisen ihmiskunnan, jonka vaatimukset taiteelle olisivat niin korkeat, että se täyttäisi kaikki maan päällä toimivan ihmisen ajatuksen, sydämen ja hengen tarpeet, taide itsessään olisi elämän kirja. Mutta tämä kehitysaika on vielä kaukana. "Nyt" etsii taiteesta ohjaavaa avainta elämään, aivan kuten "eilinen" katsoi siihen vain viihdyttäviä silmälaseja. Mitä teatterin pitäisi antaa meille nykyelämässä? Ensinnäkin, ei paljas heijastus itsestään, vaan näyttää kaikki, mikä hänessä on, sisäisessä sankarillisessa jännitteessä; yksinkertaisessa muodossa, ikään kuin jokapäiväisestä päivästä, mutta itse asiassa selkeissä, valoisissa kuvissa, joissa kaikki intohimot ovat jalostettuja ja eläviä. Teatterin kauheinta on teatterinäytös, johon tarttuu taipumus, ideoiden pakottaminen ja lisäksi ei eläville ihmisille, vaan heidän pöydällään keksimille mannekeineille ilman rakkautta, kiihkeä rakkaus niitä ihmissydämiä kohtaan, joita kirjailija halusi kuvata näytelmässään. Jos ihmisen koko elämän arvo lavalla määräytyy hänen luovuutensa eli ajatuksensa, sydämensä ja fyysisen liikkeensa harmonisen sulautumisen kanssa jokaisen sanan kanssa, näytelmän arvo on suoraan verrannollinen tekijän sydänrakkauteen. hänen kuvaamistaan ​​henkilöistä. Suuren kirjailijan on vaikea saada selville, mitä näytelmänsä hahmoista hän rakastaa enemmän. Kaikki - hänen sydämensä elävä vapina, kaikki, suuri ja röyhkeä, - kaikki eivät muotoutuneet mielikuvituksessa vasta ajatuksen luodessa, ja sydän seurasi äänettömästi, kuten joku harmaassa, seisoi syrjässä; hänen ajatuksensa ja sydämensä polttivat itsensä, ja hän tunsi itsessään kaiken ihmispolkujen suuruuden ja kauhun. Ja vasta sitten kaadettiin kynästä sekä korkea että matala, mutta aina elossa, ja jokainen todellinen teatteri - ei teatterin rakastaja vaan nykyaikaisuudensa puolesta toimiva teatteri - voi kaataa hahmojen ulkoisiin toimiin näytelmän. Mitä meidän, studion opiskelijoiden, tulisi ohjata näytelmää valittaessa? Jos sydämesi opiskelijana on täynnä ymmärrystä maallisen luovan elämän arvosta, niin se on myös täynnä ihmisen ensimmäistä rakkautta - rakkautta kotimaahan. Ja valitsemalla näytelmän, etsit ihmiskuvan täydellisyyttä, ei yksipuolisuutta, ihmisistä, jotka kirjailija on kuvannut sinulle. Yrität niin, että näytelmä ei ole sietämätöntä jäljitelmää yhdestä tai toisesta klassisesta mallista, vaan heijastaa elämää; sitten voit heijastaa sitä myös itsesi läpi näyttämöllä elämäntyönä. Älä anna kenenkään tietää kirjoittajan nimeä, mutta ihmisiä, jotka hän kuvasi näytelmässä, ei leikattu mistään kliseistä, vaan elävät ihmiset; Niistä löydät koko ihmisen tunteiden ja voimien kirjon alkaen. heikkous ja päättyy sankaruuteen. Ellei nämä olisikaan stereotyyppisiä ihanteita, joiden valta on kumarrettava, koska sukupolvien ajan niitä on "pelattu" niin ja niin! Aina etsiä itseäsi sellaisena ja sellaisena kuvana näytelmässä. E_s_l_and v_y t_o_t y_l_l_and_a, to_a_to_i_e_a_sh_and o_r_y_a_n_i_h_e_s_k_and_e_y_v_s_t_v_a? Oletetaan, että löydät näytelmän, joka heijastaa tätä tai muuta elämän osaa. Mitä teatterin pitäisi työskennellä, kun uusi näytelmä on jo valittu? Sen vaikutuksiin tai taipumuksiin ei ole tarpeen keskittyä; et houkuttele yleisöä eikä siirrä heille rohkeutta, sankarillista ajattelua, kunniaa tai edes kauneutta. Parhaassa tapauksessa päädyt onnistuneeseen propagandapeliin; mutta tämä ei ole vakavan teatterin tehtävä, se on vain hetki, jolloin teatteri sisällytetään nykyisen tunnin utilitaristiseen tarpeeseen. Vain se, mikä voi pysyä näytelmässä ikuisesti puhtaiden inhimillisten tunteiden ja ajatusten jyvänä, vain se, joka ei riipu ulkoisesta suunnitelmasta ja joka on ymmärrettävissä kaikille, kaiken ikäisille, kaikilla kielillä, mikä voi yhdistää Turkki ja venäläinen, persialainen ja ranskalainen, josta kauneus ei pääse pakenemaan minkään ulkoisen sopimuksen, kuten Tatyanan puhtaan, säteilevän rakkauden, alla - vain tämän on löydettävä teatterista näytelmässä. Ja sitten ei ole pelottavaa, että teatteri eksyy. Hän ei voi eksyä, koska hän ei halunnut etsiä "itseään", "mainettaan ja asenteitaan", mutta halusi olla kuin maaginen lyhty, joka heijastaa elämää - kuulostava ja iloinen. Hän asetti itselleen tehtävän helpottaa kauneuden havaitsemista niille ihmisille, jotka voivat helpommin toteuttaa sen itsessään ja itsessään teatterissa; ne, jotka elävät yksinkertaisessa päivässään ja pystyvät toteuttamaan itsensä elämän luovana yksikkönä lavalta heitettyjen ideoiden avulla. Näytelmän aloittaminen on tärkein hetki. Täällä näytelmän koko arvo niiden ihmisten elämälle, jotka jonain päivänä tulevat teatteriin katsomaan esitystä, alkaa selvittää, tässä asetetaan kivi, jolle taikuus tarina lahjakkaiden teatteriryhmien rakkaudesta ihmisiin, vaikkakin myös lahjakkaita, mutta erilaisella luovuudella, tulisi rakentaa. Mitä voit luoda tämän maagisen, lumoavan sadun elämän totuudesta lavalla? Jos tälle ei ole ensimmäistä ehtoa, näytelmässä ei ole rakkautta, iloisuutta, energiaa, keskinäistä kunnioitusta ja ykseyttä näytelmän aloittelijoiden, tulevien näyttelijöiden ja ohjaajien välillä, ellei ajatuksessa ole yhtenäisyyttä välittää kaikki Korkein, kaunis ja puhdas, jotta voisit tulla energian ja kauneuden johtajiksi kaikille, jotka tulevat teatteriin katsojana - et nosta näytelmää "hyvän esityksen" mallin yläpuolelle. Kun olet valinnut luovuuden polun, saavutat tuloksia vasta, kun sinusta tulee kaikki yksi perhe. Teatterin työtä seuranneiden polku ei ole kuin muiden ihmisten polku. Niillä, jotka eivät kävele näyttämön kauneudessa, voi olla jonkinlainen kaksinkertainen elämä. Heille perheessä voi olla henkilökohtainen elämä, joka ei jaa heidän asioidensa elämää, ja voi olla tuhat tapausta, joissa perhe voi osallistua jonkinasteiseen osallistumiseen. Mutta taiteilija on se, jolle teatteri on hänen sydämensä. Hänen nykyinen päivä on teatteriliiketoiminta. Isänmaan palveleminen on hänen vaiheensa. Rakkaus ja jatkuva luova tuli ovat hänen roolinsa. Tässä on hänen kotimaa, tässä hänen tempauksensa, tässä hänen ikuisen voimansa lähde. Ei voida ajatella, että teatteri on jonkinlainen vihittyjen lahko, että se on irrotettu ja irrotettu elämästä. Kaikki ihmisen luovuuden tiet johtavat elämän ilmentymiseen, koska "kaikki tiet johtavat Roomaan". Ja jokaisen ihmisen Rooma on sama: jokainen kantaa kaiken luovuutensa itsessään, kaataa kaiken elämään itsestään. Et voi luoda ulkoisia lahkoja teattereista. Ne teatterit, joissa jokaisessa ihmisessä samanlainen viljan sisäinen tietoisuus kuolee, ryntäävät ulkoiseen puskuriin, ulkoiseen manierismiin: he etsivät kohtauksia ilman verhoa, sitten etsivät massasimilaatiota toiminnassa, sitten muotoilevat maiseman ylösalaisin, sitten he etsivät vääriä toimintarytmejä, - ja kaikki joutuvat sotkuun, koska heitä ei liikuta kukaan - yhteinen ja ymmärrettävä kaikille. Rytmi on hieno asia. Mutta koko esityksen luomiseksi siihen sinun on itse ymmärrettävä, missä ja mikä on rytmin merkitys. Teatterit voivat johtajista riippuen ja niiden pitäisi toimia eri tavoin. Mutta sisäinen, ei ulkoinen. Ulkoiset sopeutumiset ovat seurausta, sisäisen polun seurausta, ja ne leviävät tavalla tai toisella riippuen siitä, miten toimijat ja johtajat ymmärtävät luovuuden perustan. Jos johtajat ajattelevat ymmärtävänsä kerta kaikkiaan teatteriketjunsa, elleivät he edetä nykyisen elämän rytmissä eivätkä muutu ulkoisissa mukautuksissansa pitäen kiinni yhdestä, vaikka myös ikuisesti liikkuvasta, mutta Samalla elämän muuttumaton ydin, eli rakkaus ihmistä kohtaan - he eivät voi luoda teatteria - isänmaan palvelija, ikivanhan merkityksen teatteri, aikakauden teatteri, joka osallistuu koko elämän luomiseen sen nykyaikaisuudesta. Kuulen usein, että minua moititaan siitä, että olen liian vaativa taiteilijasta, että vaatin melkein askeettisuutta teatterille ja taiteelle luovuttaneelta henkilöltä. Ensinnäkin ne, jotka moittivat minua siitä, että haluan nähdäkseni taiteilijan askeetin, erehtyvät, on riittämätön analyysi siitä, mitä sanalla "taiteilija" pitäisi tarkoittaa. Taiteilijalla, kuten kaikilla taiteilijoilla, on lahjakkuutta. Hänet on jo leimannut kohonnut tunteet, hän on jo tuonut luovan siemenen, vaikka saapuessaan samassa alastomassa, avuttomassa ja köyhtyneessä muodossa, jossa kaikki tulevat maan päälle, kukaan ei vielä arvaa hänen sisäistä vaurauttaan. Henkilö, jolla on lahjakkuutta, on jo tuomittu luovuuteen. Tuo tuli palaa hänessä, mikä työntää häntä koko elämänsä viimeiseen hengitykseen asti luovaan tunteeseen. Jokaisen lahjaksi pakkomielle joutuneen ihmisen elämässä on tärkeä tämä luova voima, joka pitää ihmistä sylissään ja kertoo hänelle: "Sinä olet minun." Tässä ei ole eroa: draaman taiteilijat, laulajat, maalarit, kuvanveistäjät, runoilijat, kirjailijat, muusikot. Täällä ei ole ehdollista eroa. Eroihin liittyy ihmisen tajunnan, tahdon, moraalisen perustan korkeuden, maun, aikakauden, kansojen yleisen kulttuurin ja sivilisaation ymmärryksen laajuus. Taiteilijoiden väliset erot luodaan samalla tavalla kuin hänen orgaaninen, ainutlaatuinen yksilöllisyytensä kehittyy ihmisessä. Sen päälle ja sen ympärille kerrostuvat jokapäiväiset ja sosiaaliset käänteet, tavanomaiset, satunnaiset elämänolosuhteet, toisin sanoen mitä me roolissa kutsumme "ehdotetuiksi olosuhteiksi". Epäilemättä jokainen, joka toi lahjakkuutta maan päälle, elää sen vaikutuksen alaisena. Kaikki toiminta seuraa polkuja, jotka lahjakkuus luo ihmisessä, ja todellinen lahjakkuus tekee ratkaisunsa luovuuteen kaikissa elämän "ehdottamissa" olosuhteissa. Älä koskaan usko, jos joku sanoo, että vaikea elämä mursi hänen lahjakkuutensa. Lahjakkuus on tulta, ja sitä on mahdotonta tukahduttaa, ei siksi, että sammuttimia ei ollut tarpeeksi, vaan siksi, että lahjakkuus on ihmisen sydän, hänen olemuksensa, voimansa elää. Siksi vain koko henkilö voidaan murskata, mutta ei hänen lahjakkuuttaan. Ja täällä, kuten kaikkialla, luovuuden kaikilla aloilla; joillekin lahjakkuus on ike ja ihminen on hänen orjansa. Muille hän on sankariteo, ja henkilö on hänen palvelijansa. Muille hän on ilo, onnellisuus, ainoa mahdollinen elämänmuoto maan päällä, ja ihminen loistavasti, kykynsä viisaudessa, on kansansa omistautunut palvelija. Jokaisen taiteilijan on ymmärrettävä ja ymmärrettävä tarkasti, täysin selkeästi: taiteilija-luoja ei voi olla taiteessa. Kaikki luovuus on sarja elämää vahvistavia lausuntoja. Heti kun kielteinen elementti, tahdollinen komento siirtyy luovuuteen, niin luova elämä pysähtyi. Et voi saavuttaa luovuuden korkeuksia ajattelemalla itsestäsi: "Kieltäydyn elämästä, sen nautinnoista, kauneudesta ja iloista, koska saavutukseni on" uhri koko taiteelle ". Juuri vastapäätä. Taiteessa ei voi olla uhrauksia. Kaikki siinä kiehtoo, kaikki on mielenkiintoista, kaikki vangitsee. Koko elämä houkuttelee itseään. Taiteilija tunkeutuu häneen. Hänen sydämensä on avoin käänteille, törmäyksille, elämän tempauksille; eikä taiteilija voi olla olemassa sankarillisessa teossa, kuten luostarijärjestys luopua elämästä. Taiteilijan feat paljastaa luovan elämän salaisuudet, mikä osoittaa lahjaattomalle ihmiselle joukon suuruudesta, jota taiteilija vakoili esineiden luonteessa. Taiteilija on voima, joka heijastaa kaiken sisimmän luonnon ihmisille, joilta puuttuu lahja nähdä itsenäisesti nämä hengelliset aarteet. Nyt on selvää, että jos taiteilijalla on saavutus, se on hänen sisäinen elämä. Taiteilijan esitys elää sydämensä kauneudessa ja puhtaudessa, ajatustensa tulessa. Mutta tämä ei suinkaan ole tahdon järjestys, ei elämän ja onnellisuuden kieltäminen ja hylkääminen. Tämä paljastaa ihmisille loistavia syvyyksiä, suuria totuuksia. Näin olen kertonut sinulle taiteilija-luojan korkeasta tehtävästä. Haluaisin palata jälleen kysymykseen siitä, miten valmistaudut tähän korkeaan tehtävään eli luovuuteen. Kuvittele, että jokainen teistä on 25-vuotias kerralla, ja elämä on tuonut teille suunnilleen samat olosuhteet kuin minulla tällä hetkellä. Työskentelet jonkin taiteilijaryhmän kanssa "järjestelmän" mukaisesti. Kuinka saavutat sellaisen tajunnan taiteilijasta, että hän ymmärtää, että hänen luovuutensa ei ole näkymätön hattu, jonka voit aina pitää valmiina taskussa ja ottaa esiin sillä hetkellä, kun sinun täytyy löytää itsesi lavalle ja "olla "valmis luovuuteen. Olen kertonut sinulle useammin kuin kerran, että kaikki, jonka taiteilija valitsee elämässä, kaikki, mitä hän oppii, mitä hän saavuttaa laajenevassa tietoisuudessaan, on vain polku luovamman "minä" joustavampaan vapautumiseen arjen kynsistä. , egoistinen "minä" ... Ja tämä pieni, egoistinen "minä", toisin sanoen intohimoinen, ilkeä, ärtyisä impulssi, turhamaisuus ja sen seuralainen - ensisijaisuuden jano - vai onko se hiljaa? Se pitää myös henkilöä tiukasti. Tämä taistelu itsessään, aivan kuten hyödyllisen ja haitallisen välinen taistelu huomiossa ja mielikuvituksessa, on taiteilijan saavutusten taustalla. Jos roolityöskentely vaatii kokonaisen sarjan visioita, taiteilijan on löydettävä paljon monimutkaisempia elokuvia työskentelemään itsensä kanssa - taistelussa itsessään korkean ja matalan välillä. Taiteilija-luojan tulisi olla selvä paitsi yksi tavoite: päästä täydelliseen itsekontrolliin, siihen luovuuteen edeltävään rauhaan. Mutta hänen on heti, samaan aikaan, nähtävä edessään toinen tavoite: herättää itsessään elämänmaku kauneuden etsinnässä, maku pitkäaikaiseen työhön rooleissaan ja kuvissaan ilman ärsytystä, hyväntahtoisuudessa kohti ihmiset koko nykyisen elämän sisäisessä kokemuksessa suurimpana kauneutena ... Roolin ja kaiken taiteilijan näyttämölle tuoma arvo riippuu aina taiteilijan itsensä sisäisestä elämästä, hänessä luodusta tavasta elää kaaoksessa tai sopusoinnussa. Jatkuva kaoottinen kiire, heittää yksi rooli, sitten toinen; päivittäisessä toiminnassa tapahtuva hälinä, kyvyttömyys saavuttaa kurinalaisuutta siirtyvät huonona tapana, sisällä ja siitä tulee taiteilijan itsensä ilmapiiri työssä. Kaikki tämä liittyy koulutukseen tai pikemminkin taiteilijan itseopetukseen, ja jokaisen lahjakkaan ihmisen on ymmärrettävä, että roolityöskentely heijastaa suoraa työtä itsessään. Pidetäänkö tunnit aulassa, näyttämöllä tai harjoitushuoneessa, ei ole merkitystä siinä vaiheessa, missä luokat itse ovat, toisin sanoen onko se lukeminen, roolianalyysi, ensimmäisen vaiheen harjoitukset, vaan tärkeää on se, mikä on taiteilijan sielussa. Minkä ajatusten kanssa hän elää kun meni harjoitukseen, mitkä kuvat seurasivat häntä teatteriin. Jos lahjakkuus kuiskasi hänelle: "Sinä olet minun", taiteilija pystyy seisomaan tuossa kauneudessa, siinä kauniissa, joka kiehtoo katsojaa ajan myötä. Jos vain hänen egoisminsa vaistot huutavat hänelle: "Sinä olet meidän", polut luovuuteen eivät voi avautua hänessä. Taide vie koko ihmisen, kaiken hänen huomionsa. Et voi antaa hänelle elämänpalasia, mutta sinun on annettava koko elämäsi. Saatat ajatella, että tässä esitän tarkkuutta, jossa jotkut moittivat minua sanomalla, että haluan tehdä askeetin taiteilijasta. Mutta olen jo selittänyt sinulle, mitä tarkoitan lahjakkaalla taiteilija-luojalla. Lisään määritelmääni yhden, vähintään yhtä tärkeän kuin kaikki muut, luovuuden elementin: maku. Taiteilijan maku määrää hänen koko elämänsä. Riittää, kun näet henkilön, hänen kävelytavansa, pukeutumistavansa, puhumisen, syömisen, lukemisen, jotta saadaan käsitys ihmisen mausta siitä, mitä hän rakastaa eniten. On taiteilijoita, jotka rakastavat enemmän kuin mitään muuta moitteetonta, pedanttista, pikkutarkkuutta, joka ympäröi heitä. Koko elämä jatkuu mennessä mitatut solut, ja Jumala kieltää siirtämästä jotain asunnossaan vakiintuneesta paikasta. Henkilö voi olla ystävällinen ja jopa kykenevä melko laajaan asioihin sekä teatterissa että kotona. Mutta hänen kurja murtuma nousee hänen edessään kaikkialla. Jos jakkara sijoitetaan lavalle senttimetriä pidemmälle tai lähemmäksi, jos ikkunan verho ei putoa täsmälleen määritettyä linjaa pitkin, tämän tilauksen taiteilija tai ohjaaja pystyy sammuttamaan taiteen kokonaan ja uppoutumaan jokapäiväinen elämä. Maku määrää paitsi ihmisen ulkoisen elämän myös koko sisäisen elämän, ne impulssit, joissa vallitsee joko pikkutarkka, tavanomainen tai orgaaninen tarve korkeille tunteille. Jotta taiteilija pääsee sellaiseen tilaan, kun katsoja näkee kehyksen ulkopuolella ekstaasissa - tietoisen luovuuden kautta alitajuntaan luovaa luovuutta -, taiteilijalla on oltava maku kauniista, maku, joka luo hänen elämä ei pelkästään tavallisista, jotka ovat välttämättömiä yksinkertaisissa päivävoimissa, vaan myös sankarillisista jännitteistä, joita ilman elämä ei ole hänelle rakas, ja näyttämölle luovuuden areenana ei pääse. Maku vie ihmisen läpi kaikki arjen esteet, kaikkien porvarillisten tapojen läpi, jotka näyttävät olevan tärkeimpiä maallikon tarpeissa. Ja vain siksi, että maku ajaa ihminen-taiteilijan kauneuteen, hän voi saavuttaa tämän innostuksen, ne korotetut impulssit, joissa hän onnistuu tuntemaan itsensä tilassa: "Minä olen rooli", ja kertomaan rohkeasti katsojalle: "Minä olen". Nämä ovat kaikki niitä ihmisen psyyken syvyyksiä, joihin elävän taiteen jatkuvuus perustuu. Oli surullisia aikoja, jolloin elävä taide oli poistumassa, ja se korvattiin kuivalla, kuolleella muodolla. Mutta se heräsi jälleen eloon heti, kun ilmestyivät taiteilijat, joiden elämänmaku taiteessa toi heidän rakkautensa täydelliseen epäitsekkäästi omistautumiseen sille, pyhän sydämen suurelle omistautumiselle taiteen palvelulle. Järjestelmässäni, jonka mukaan opetan teitä, pyrin viemään teidät luovan voimanne tutkimuksen polulle. Haluan rikkoa kliseesi ja antaa sinulle uudenlaista luovuutta, joka pelastaa taiteilijan kuolemalta. Usein taiteilija ajattelee, että hänen väripalettinsa on kiiltävä, kimalteleva viitta. Mutta todellisuudessa se on vain vanha kylpytakki, jossa voit nähdä paljon tahroja maaleilla kuluneista postimerkkeistä, jotka ovat levinneet kaikkiin suuntiin. Toivotan teille kaikille mahdollisimman pian eroon kaikenlaisista sävelmistä ja olemasta aina elossa rooleissanne. Pukeudu aina värikkäiden todenmukaisten tunteiden ja ajatusten viittaan. Tällöin pakotat paitsi yleisön olemaan tarkkaavainen kaikessa, mitä lavalle tehdään, mutta kaikissa kappaleissasi on ajatussana-ääni, ja minä sanon sinulle yhdessä yleisön kanssa: "Uskon "

Keskustelu viides

Jokaisen taiteilijaksi haluavan henkilön on vastattava kolmeen kysymykseen: 1. Mitä hän tarkoittaa sanalla "taide"? Jos hän näkee hänessä vain itsensä jossakin etuoikeutetussa asemassa suhteessa hänen vieressään kulkeviin ihmisiin, jos hän ei tässä taiteellisessa ajatuksessa paljasta sitä, mikä häntä huolestuttaa, kuten tuskin tietoiset sielut, vaeltelevat pimeydessä, mutta häiritsee hänen luovuuttaan, mutta haluaa vain saavuttaa persoonallisuutensa; jos pikkuporvarilliset ennakkoluulot herättävät hänessä halua valloittaa esteitä tahdon avulla paljastamaan itselleen ulkoinen polku elämään, havaittavana ja merkittävänä hahmona tällainen lähestymistapa taiteeseen on sekä ihmisen että taiteen kuolema. Työntekijöiden rekrytoinnin aikana studion on ymmärrettävä selvästi, keitä se voi kouluttaa ja kenen puolella kaikki henkisen kasvatuksen ponnistelut eivät johda haluttuun loppupäähän, eli uuden tajunnan syntymiseen taiteilijaan, missä hänen luova työnsä tulee olla työtapa yleisen edun hyväksi. 2. Miksi ihminen, joka on valinnut kaikenlaisen taiteen - draaman, oopperan, baletin, kamarilavan, maali- tai lyijykynät - astuu ihmiskunnan taiteelliseen alaan, ja minkä idean hän haluaa ja hänen pitäisi kantaa tähän taiteeseen? Beli, hän ei tajunnut, kuinka paljon kärsimystä, taistelua ja pettymyksiä aiheuttaisi hänen edessään, jos hän näkee vain sateenkaarisillan, joka vie hänet innoituksena maan ja elämän toiselle puolelle, missä unelmat elävät, studion pitäisi pettää häntä. Ensimmäisistä hetkistä lähtien opiskelijan on ymmärrettävä, että suuri työ, työ maan päällä, maan puolesta, ei sen puolesta, tulee olemaan hänen ohjauslankansa, liekinsä, ohjaava tuli. Studion on löydettävä kaikki hänen ulkoiset mukautuksensa ja kehitettävä huomiota hänessä eläviin voimiin. Hänen ensisijainen tehtävänsä on seurata tarkasti studion työtä. Opiskelijan hallitsematon työ, jota hän itse soveltaa taiteellisiin tehtäviinsä, on aina harhaa, aina ennakkoluulojen verkosto, josta on sitten paljon vaikeampaa irtautua niistä kuin päästä niihin. Opiskelijan tulisi tietää ensimmäisistä vaiheista, että vain työ - paitsi ulkoisen "uran", myös työn kuolemaan asti - on se tie, jonka hän valitsee itselleen; työn tulisi olla sen energian lähde, jonka studion tulisi monissa kiehtovissa tehtävissä täyttää opiskelijan aivot, sydän ja hermot. 3. Onko teatterissa käyvän ihmisen sydämessä niin paljon tukahduttamatonta rakkautta taiteeseen, joka voisi voittaa kaikki esteet, jotka varmasti kohtaavat hänen edessään? Studion tulisi käyttää elävää esimerkkiä johtajiensa vaikutuksesta ja osoittaa, kuinka ihmisen sydämessä oleva sammumaton rakkauden virta taiteeseen tulisi valua päivän aiheeksi. Ja tämän luovan työn voi, pitäisi olla tulessa. Vasta kun tulen sytyttävä öljy on ihmisen rakkaus - vain silloin voidaan toivoa voittavan kaikki esteet, jotka estävät luovuutta ja saavuttavat tavoitteen: vapautettu yleissopimuksista, puhdas taide, jonka luovat puhtaat luovat voimat itsessäsi. Vasta sitten voidaan löytää näyttelijän tahdon joustavuus, vapaa yhdistelmä perustan - roolin rakeen - syvää ymmärtämistä ja sen toimintaa, kun rakkaus taiteeseen on voittanut henkilökohtaisen turhamaisuuden, ylpeyden ja ylpeyden. Kun ymmärrys näyttämöelämän harmoniasta elää mielessä ja sydämessä, vasta sitten - "minusta" irrotettuna - voidaan välittää intohimojen totuus ehdotetuissa olosuhteissa. Studion on järjestelmälleni sopivien harjoitusten avulla johdettava irtautumiseen "itsestä", kaikkien kytkentään, kiinteään huomioon tekijän tai säveltäjän ehdottamiin olosuhteisiin heijastamaan intohimojen totuutta niissä. Kaikki elämän suuret voimat pelastavat jokaisen studion ikävystymiseltä ja pedantialta. Sitten kaikki hävisi; sitten on parempi hajottaa studio, opettajat ja opiskelijat, tuhota koko mekanismi. Tämä on vain nuorten voimien turmeltuminen, ikuisesti vääristynyt tietoisuus. Taiteessa voit vain valloittaa. Toistan jatkuvasti, että se on sammuttamattoman rakkauden tuli. Opettajat, jotka valittavat väsymyksestä, eivät ole opettajia, he ovat koneita, jotka työskentelevät rahalle. Se, joka pisteytti kymmenen tuntia päivässä ja ei onnistunut polttamaan rakkauttaan, vaan vain tahdon ja ruumiin, on yksinkertainen teknikko, mutta hän ei koskaan tule olemaan mestari, nuoren henkilöstön opettaja. Rakkaus on pyhää, koska se ei koskaan vähennä sen tulta, ei väliä kuinka monta sydäntä se sytyttää. Jos opettaja kaatoi luovuuttaan - rakkauttaan, hän ei huomannut työaikaa, eikä kaikki hänen oppilaansa huomanneet niitä. Jos opettaja palveli jokapäiväisen elämän välttämättömyyttä, oppilaat olivat kyllästyneitä, väsyneitä ja kasvillistaneet hänen kanssaan. Ja niissä ikuinen, kaikille ja kaikille ominainen, rakkauden tavoin elävä taide ei tunkeutunut päivän konventtien pölyisistä ikkunoista, vaan pysyi sydämessä haisevana. Joka tunti, jokainen minuutti opettajan ja opiskelijoiden liitosta tulisi olla vain lentävä tietoisuus, ikuinen liike; ympäröivän elämän rytmissä. Tunteen - ajatuksen - sanan, hengellisen ajattelutavan, tulisi aina olla totuudenmukaisuuden osoitus, laki kyvystä välittää tosiasioita sellaisena kuin henkilö sen näki. Totuus ja rakkaus ovat kaksi polkua, jotka johtavat koko taiteen elämän rytmiin. Studion on saatettava eloon todenmukaisuus ihmisessä ja hänen rakkaudessaan, kasvatettava ja kasvatettava heitä huolellisesti. Ja voidakseen siirtyä itsensä tarkkailun polulle, studiossa on otettava käyttöön oikea hengitys, oikea ruumiinasento, keskittyminen ja tarkkaavainen syrjintä. Koko järjestelmäni perustuu tähän. Tämän pitäisi olla studion lähtökohta kouluttaa henkilöstöä. Hengityksen ensimmäisten oppituntien pitäisi olla perustana sellaisen itsetarkkaisen huomion kehittymiselle, johon kaiken taiteellisen työn tulisi olla rakennettu. Kerron usein, hyvin usein, näyttelijän hyvistä tavoista. Miksi lopetan siellä niin usein? Koska pidän näyttelijän kasvatusta yhtenä luovuuden elementeistä. Mistä se koostuu ja mitä meidän on tarkoitettava sillä? Missä tasoissa se joutuu kosketuksiin luovuuden kanssa sen elementtinä? Näyttelijän "kasvatuksella" tarkoitan paitsi ulkoisten tapojen ryhmittymää, harjoittelulla ja harjoituksilla kehitettävien liikkeiden kätevyyden ja kauneuden hienostamista, mutta myös henkilön kaksinkertaista, rinnakkaista kehittyvää voimaa. sisäisen ja ulkoisen kulttuurin, joka luo hänestä erottamiskyvyn. Miksi pidän kasvatusta niin tärkeänä hetkenä taiteilijan työssä, että kutsun sitä jopa yhdeksi luovuuden elementeistä? Koska yksikään henkilö, joka ei ole saavuttanut itsekontrollin korkeinta kohtaa, ei voi ilmaista kaikkia piirteitään kuvana. Jos itsehillintä ja sisäinen kurinalaisuus eivät vie taiteilijaa täydelliseen rauhaan ennen luovuutta, harmoniaan, jossa taiteilijan on unohdettava itsensä persoonana ja annettava tie ihmisen roolille, hän maalaa kaikki kuvatut tyypit hänen omaperäisyytensä värit. Hän ei voi alkaa luovasti huolehtia roolin elämästä. Jokaisessa roolissa hän siirtää henkilökohtaisen: ärsytyksen, itsepäisyyden, kaunaa, pelkoa, tahattomuutta tai päättämättömyyttä, kuumaa temperamenttia jne. Harmonia, jonka näyttelijän, toisin sanoen hänen luovan "minä", pitäisi ajatella, tulee koko työstä organismin, työn ja ajatusten sekä tunteiden. Näyttelijä-luojan on kyettävä käsittämään aikansa kaikki suurimmat; on ymmärrettävä kulttuurin arvo kansansa elämässä ja tunnustettava itsensä sen yksiköksi. Hänen on ymmärrettävä kulttuurin korkeudet, joihin maan aivot pyrkivät, suurten aikalaistensa persoonassa.Jos taiteilijalla ei ole valtavaa kestävyyttä, jos hänen sisäinen organisaationsa ei luo luovaa kurinalaisuutta, kyky siirtyä pois henkilökohtaisesta , mistä voi saada voimaa heijastaa julkisen elämän korkeutta? Kun valmistelin Shtokmanin roolia, näytelmässä ja roolissa minua kantoi Shtokmanin rakkaus ja hänen pyrkimys totuuteen. Intuitiosta, vaistomaisesti, pääsin sisäkuvaan kaikilla piirteillä, lapsellisuudella, likinäköisyydellä, joka puhui Shtokmanin sisäisestä sokeudesta ihmisen paheisiin, hänen toveruuteensa lasten ja vaimonsa kanssa, hauskuuteen ja liikkuvuuteen. Tunsin Shtokmanin viehätyksen, joka sai kaikki hänen kanssaan tekemisissä olevat ihmiset tulemaan puhtaammiksi ja paremmiksi, paljastamaan sielunsa hyvät puolet hänen läsnäollessaan. Intuitiosta tulin myös ulkoiseen kuvaan: se virtasi luonnollisesti sisäisestä. Shtokmanin ja Stanislavskyn sielu ja ruumis sulautuivat orgaanisesti toisiinsa. Heti kun ajattelin tohtori Shtokmanin ajatuksia tai huolenaiheita, hänen lyhytnäköisyytensä oli itse, näin hänen ruumiinsa nojaavan eteenpäin, hätäisen kävelyn. Toinen ja kolmas sormi venyttelivät itsestään, ikään kuin ahdistaakseen tunteeni, sanani, ajatukseni keskustelukumppanin sieluun ... Taiteilijan koko elämän ja työn perusta on mahdottomuus erottaa hänen jokapäiväinen "I "näyttelijän" minä ". Jos näyttelijä ei ole aina helppo tunnistaa katsojaa ja löytää tarvittava ulkoinen muoto hahmoilleen, hänen on aina helppo ymmärtää, tunkeutua jakautumisen syvyyteen, kuvatun kuvan draama, jos hänellä on saavutti luovan, vakaan itsehillinnän. Mitä korkeampi taiteilijan itsehillintä on, sitä elävämmin hän pystyy näyttämään impulsseja kauneudelle tai kaatumishimolle, sankarillisille jännitteille tai paheiden ja intohimojen pohjalle. Näyttelijän vahvuus, kyky nousta tunteiden ja ajatusten sankariksi ovat seurausta hänen kasvatuksestaan. Kasvatus, itsehillintänä, luovana periaatteena näyttelijän elämässä, on samalla korkeudella luovuuden elementin - taiteen rakkauden - kanssa. Riippumatta siitä, kuinka paljon taiteilija nousee luovuudessa, esteenä on paitsi hänen kulttuurinsa koulutettuna tai tietämättömänä myös kyky joutua sankarillisiin jännitteisiin. Se sisältää vain ne, jotka löytävät täydellisen, vakaan itsehillinnän. Tämä itsehillintä luovana elementtinä tulee niihin taiteilijoihin, joiden henkilökohtaiset intohimot, kuten kateus, mustasukkaisuus, kilpailu ja johtojano, ovat jo laskeneet. Heidän asemassaan on kasvanut intohimo taiteeseen, epäitsekäs ilo siitä, että on mahdollisuus viedä ihmissielun suuret impulssit teatterin näyttämöltä ja näyttää heille, etkä itseäsi yleisölle. Sitten näyttelijässä syttyy tuli, joka yhdistää hänet ja yleisön yhdeksi kokonaisuudeksi. Sitten taiteilijasta ei tule jonkun valittu henkilö, vaan kansansa tunnustettu poika, jossa jokainen katsoja tunnisti itsensä parhaat puolet, kärsi tai itki, iloitsi tai nauroi koko sydämestään osallistumalla elokuvan elämään. roolihenkilö. Miten taiteilija työskentelee itsensä kanssa tämän voiman saavuttamiseksi: pitäisikö lavasta ja auditoriosta muodostua yhtenäinen kokonaisuus? Taiteilija itsessään hänen tunteen- ja ajatuskulttuurinsa on sulautettava yhteen. Tämä yhtenäinen itsetuntemus tuo luovuuden alkuvaiheisiin. Kuinka voit hankkia tämän yhtenäisen tajunnan, joka tulee rakkauden taiteeseen ja itsehillinnän seurauksena? Onko mahdollista saavuttaa se, koska sanoin taiteilijalle: "Ajattele niin"? Taiteilijan tietoisuutta on mahdotonta nostaa toiselle tasolle jonkun toisen tahdolla. Vain harmonisesti kehittyvä taiteilija voi itsenäisesti, oman kokemuksensa kautta, saavuttaa laajentuneen tietoisuuden seuraavan, korkeimman vaiheen. Mikä on sitten kaikkien, myös minun, rooli opettajana, jos yhden kokemus tältä alueelta ei opeta toiselle mitään? Havaitsemme kaikilla tieteen, tekniikan, lääketieteen aloilla, kuinka joidenkin kokemuksista tulee seuraavien sukupolvien peräkkäinen, perinnöllinen arvo. Vain taiteessa ja kenties itse elämässä ihmiset eivät halua hyväksyä rakkaansa kokemusta, joka varoittaa rakkaudella harhaluuloista ja illuusioista. Pyrin esittelemään sinulle korkeamman ymmärryksen luovuudesta sekä lavalla että elämässä. Mitä minun pitää tehdä tämän vuoksi? Minun ei tarvitse vain huomauttaa teille, taiteilijat, luovan tunteen luonteesta ja sen elementeistä. Minun on heitettävä pinnalle kaikki malmit, jotka olen louhinut elämässäni, ja näytettävä, miten itse saavutan kussakin roolissa, ei tuloksia, mutta etsin juuri tietä, eli kuinka kaivan malmini. Lukuisilla keskittymiseen, huomiota kiinnittäviin aktiviteetteihin ja harjoituksiin keskittymiseen, huomion luomiseen ja julkisen yksinäisyyden luomiseen niihin, johdatin sinut ymmärtämään luovuuden kaksi päälinjaa: työskentelemään itsesi kanssa ja työskentelemään roolin parissa. Ennen kuin ryhdyn keskittymään tiettyyn rooliin, ennen huomiopiirin luomista, ennen kuin aloitan sen sisällyttämisen tiettyihin uusiin "ehdotettuihin olosuhteisiin" minulle annetusta roolista, minun on itse vapautettava itseni tämän elintärkeän, jokapäiväisen kerroksen energia, joka kiinnittyi minuun tänään, tähän tuntiin asti, kun aloitan työmme. Siihen asti asuin yksinkertaisesti tämän tai toisen yhteiskunnan, tämän tai toisen kaupungin, kadun, perheen jne. Jäsenenä. "Jos" en katkaise kaikkien päivän ehdottamieni olosuhteiden ketjuja ", jos" en vapauta itseni konventioistani, niin että tietoisuus herää minussa: "Sen lisäksi, että olen yksikkö kaikista näistä päivän olosuhteistani, olen edelleen koko maailmankaikkeuden yksikkö", niin en ole täysin valmis havaitsemaan rooli orgaanisten, universaalien tunteiden paljastamiseksi siinä. Rooliin keskittyvän energian vuodattamiseksi yleisöön täytyy heittää pois kaikki energia, joka on syntynyt vain elämäni olosuhteissa. Milloin sitten heitän ehdolliset olosuhteeni helpimmalla ja yksinkertaisimmalla tavalla? Kuinka voin todennäköisesti tulla uusiin ehdotettuihin ehtoihin? Taiteessa "tietää" tarkoittaa kykyä. Tuo tieto "yleensä", joka täyttää aivot havainnoilla ja jättää kylmän sydämen, ei ole hyvä taiteilija-luojalle, taiteilijalle, joka kokee kaiken, mitä roolinsa sankari tuntee.

KESKUSTELU

Studio ei ole paikka satunnaiselle roolipelille. Et voi tulla tänne haluamalla sellaisena ja sellaisena aikana tai sellaisen ja sellaisen satunnaisten olosuhteiden sanelemaa tarvetta siirtää tämä tai tuo rooli, koska liikkuva elämä ajoi umpikujaan ja johtajien ohjeet olivat tarvitaan, ja siksi halu vierailla studiossa ... Opiskelija on sellainen, joka näkee elämäntyönsä taiteessaan, jolle studio on perhe. Kun oppilas tulee luokalle, hän ei voi ajatella henkilökohtaisia ​​asioita, epäonnistumisia ja päivän koettelemuksia; hänen on jo lähestyttävä studiota, hänen on vaihdettava ajatuksia työstään ja pyrittävä pois muusta elämästä. Astuessaan studioon hänen on suljettava itsensä kauneuden, korkeiden, puhtaiden ajatusten piiriin työstään ja iloitettava siitä, että on paikka, jossa hän voi yhdistää ihmisten kanssa, jotka pyrkivät kauneuteen, kuten hän. Opiskelija on ihmisen kehittynyt tajunta, jossa ajatus rakkaudesta taiteeseen, josta tulee ohjaava periaate, ei saa kaikki hänen kanssaan kommunikoivat ihmiset kuivumaan - aivoista ja jännitteistä, alkaen filosofinen pyrkimys - yhtenäisyys, ja jossa yksinkertainen tieto kauneudesta itsessämme antaa siitä tietoa jokaisessa ja tuo keskinäistä kunnioitusta ja hyvää tahtoa. Saapuessaan studioon, ei tyhjien keskustelujen toveriesi kanssa tarvitse täyttää aika, mutta muista, kuinka arvokkaita lennon ja peruuttamattomat ajat tuosta nuoruusajasta ovat, kun energia näyttää tuhoutumattomalta ja loputtomalta voiman reunalta. Huomiota jokaiseen lentävään minuuttiin! Huomiota jokaiseen kokoukseen! Huolellisinta huomiota tylsyyteen itsessäsi! Jos epätoivo on vallannut ihmisen hengen tänään, ei vain tänään, vaan huomenna ja ylihuomenna, luovat tavoitteet ovat epäonnistuneet. Kaikella käyttäytymisellä työajan aikana studiossa opiskelijan on itse kehitettävä hahmonsa parhaat ominaisuudet ja ensinnäkin - keveys, hauskuus ja iloisuus. Traaginen kaivos, sankarillinen ulkonäkö, halu kehittää itsessään roolinsa ulkoinen "tyyli" - kaikki tämä on vanhentunutta teatterijätettä, joka olisi pitänyt jo kauan heittää pois taiteellisista näkymistä. Itsessään on elettävä kaikilla tunteiden ja ajatusten täyteydellä ja koko ajan rakennettava uusi tietoisuus, joka kuulostaa modernisuuden muistiinpanoilta. Kaikkien ponnistelujen on kohdistuttava ajatusten syvyyteen ja puhtauteen; sydämen luovuuteen on kiinnitettävä huomiota jokaisella lentävällä minuutilla. Ja sitten tuo "julkisen yksinäisyyden ympyrä", johon taiteilijan on luotava, luodaan aina helposti, iloisesti ja yksinkertaisesti. Tapa olla tarkkaavainen kaikissa elämän hetkissä lavalla ja sen ulkopuolella, kasvattaa studiossa tietoisen tarkkailun kaikesta ulkoisesta ja sisäisestä. Hän ymmärtää, studioopettajien ohjaamana vähitellen ja oikein, että luovuuden alkuun tarvitset: 1) huomion, ulkoisen ja sisäisen, 2) hyväntahtoisuuden, 3) täydellisen rauhan ja rauhan itsessään ja 4) pelottomuuden. Jos studio ei sisällä ensimmäisistä vaiheista lähtien studion absurdia luonnetta, koskettavuutta, hysteriaa, kateutta ja vihamielisyyttä, --- se ei vapauta paitsi suuria taiteilijoita, se ei edes luo vain hyviä taiteilijoita, jotka osaavat houkutella yleisön hajautunutta huomiota. Mitä vahvempi taiteilijan julkisen yksinäisyyden ympyrä, sitä korkeampi hänen huomionsa ja ajattelunsa etsivät kauneutta itsestään ja ympärillään olevista, mitä enemmän taiteilijan viehätys, sitä kauemmin hänen luovuuden värähtelyt kiirehtivät ja sitä voimakkaampi hänen vaikutuksensa yleisö. Studion on paljastettava yksi toisensa jälkeen luovuuden salaisuudet opiskelijalle ja ensimmäiselle heistä: mitä lahjakkaampi hän on, sitä enemmän luovia voimia hänellä on, sitä laajempi on hänen sisäisen henkisen ymmärrystään, sitä enemmän kauneutta hän löytää muista . Ja jos hän näkee paljon kauneutta ympärillään, jos hänen huomionsa kiinnittää jokaisessa ihmisessä arvoa, niin hänen luova piirinsä rikastuu, hänen energiansa kipinä on kirkkaampi, hänen kykynsä heijastaa koko elämäänsä lavalla laajenee ja laajenee. Taiteilijan luovuuden vaikein kompastuskivi on taipumus ohjata huomionsa siten, että hän näkee aina naapureissaan olevat huonot, ulkonevat puutteet eikä niissä piilotetun kauneuden. Tämä on yleensä vähän kykenevien ja vähän kehittyneiden taiteellisten ominaisuuksien ominaisuus - nähdä kaikkialla, huonosti, kaikkialla nähdä vainoa ja juonittelua, mutta itse asiassa; tosiasia ei ole itsessään riittävän kehittyneitä kauneuden voimia sen erottamiseksi ja absorboimiseksi kaikkialle. Siksi heidän kuvansa ovat yksipuolisia ja epätodellisia, koska ei ole ihmisiä, joilla ei ole kauneutta - sinun tarvitsee vain tuntea ja ymmärtää se. Aluksi vaikean sisäisen huomion vaihtaminen tulee vähitellen tapaksi. Tutusta - ei heti, vaan vähitellen - tulee kevyt ja lopuksi kevyt - kaunis. Sitten vain kaunis itsessään alkaa herättää jokaisessa ihmisessä kauniin vastevärähtelyjä, ja näyttämön polku elämän heijastuksena on taiteilijalla valmis. Ilman niin syvällistä, vapaaehtoista itsensä valmistelua ei voi tulla toimijaksi - ihmissydämen arvojen heijastajaksi. Sinun itsesi on pystyttävä avaamaan sydämesi kaikille elämän kohtaamisille, jokaiselle heistä opittava kiinnittämään luovaa huomiota, ja sitten olet valmis näytelmän hahmoihin; taiteilijan polku, kuvan, äänen, kävelyn, tapojen esitysvoimat ovat valmiita, koska oikea tunne on valmis itsessänne, paitsi ajatus, myös sydän on valmis havaitsemaan koko ihmisen, joka hänen on heijastettava itse. Ajatus - tunne - sana - kuin tuttu rulla, ylittää huomion siihen, joka nyt on kuvattava. Kaikki rakkaus siirtyy näytelmän sankarille, ja hänestä tulee erottamaton itsestään. Aluksi studion on taisteltava opiskelijoidensa pelkoa ja ahdistusta vastaan. Jokaisessa yksittäistapauksessa ja yleistutkimuksissa on välttämätöntä käyttää useita tunteja tämän torjuntaan. On selitettävä, että kaikki nämä puhtaasti vaikuttavat huolet ovat peräisin ylpeydestä, turhamaisuudesta ja ylpeydestä, pelosta olla muita huonompia. Taiteilijan on välttämätöntä huomauttaa, että hänen on vapautettava sisäiset voimansa, jotta niistä tulee joustavia ja että heillä on mahdollisuus ottaa vastaan ​​tehtävät, jotka rooli sanelee tällä hetkellä. Ensisijaisuuden jano, kuten edellä mainitut henkilökohtaiset tunteet, on poistettava kastin ennakkoluulona. Studiossa kaikki ovat tasa-arvoisia. Kaikki ovat yhtä luovia yksiköitä. Ja joukko kykyjä, jotka antavat toiselle mahdollisuuden pelata ensimmäisiä rooleja ja toiset toisia, ovat ulkoisia käytäntöjä. Huomenna jonkun ulkoinen data saattaa ravistua, hän saattaa sairastua ja menettää silmänsä, äänensä tai ontumisensa ja rakastajista tulee toisen luokan toimija rooleissa. Mutta loppujen lopuksi vain hahmo ja hänen roolinsa ovat muuttuneet. Muuttuivatko hänen henkensä ja lahjakkuutensa? Jos hän hyväksyi iskunsa iloisesti esteenä, jonka hänen rakkautensa taiteeseen kukisti, hänen kykynsä voi kehittyä vielä laajemmaksi ja syvemmäksi, koska KESKITTYVÄ KESKUSTELU