Kuuluisia maisemia ja niiden kirjoittajia. Venäläisiä maisemamaalareita

Ensimmäiset viehättävät maisemat ilmestyivät Venäjällä 1700-luvun jälkipuoliskolla - sen jälkeen, kun Keisarillinen taideakatemia avattiin Pietarissa vuonna 1757, eurooppalaisten akatemioiden mallin mukaan, jossa on muiden tyylilajien lisäksi myös maisemamaalausluokka. Välittömästi kysytään mieleenpainuvien ja arkkitehtonisesti merkittävien paikkojen "näkymien poistamisesta". Klassismi - ja tämä on sen hallituskauden aika - virittää silmät käsitykseen vain siitä, mikä herättää korkeita yhdistyksiä: majesteettiset rakennukset, mahtavat puut, muinaisia \u200b\u200bsankareita muistuttavat panoraamat. Sekä luonto että kaupunkien veduta Veduta-tyylilajia (italialaisesta veduta-näkökulmasta) kutsuttiin kaupungin kuvaksi erityisen edullisesta näkökulmasta. tulisi esittää ihanteellisessa muodossa - sellaisena kuin sen pitäisi olla.

Näkymä Gatchinan palatsille Long Islandilta. Semyon Shchedrinin maalaus. 1796 vuosi

Tehdas ja kuorintorni Pavlovskissa. Semyon Shchedrinin maalaus. 1792 vuosiSamaran alueellinen taidemuseo

Punainen tori Moskovassa. Maalaus: Fyodor Alekseev. 1801 vuosiTretjakovin osavaltion galleria

Näkymä pörssiin ja amiraliteettiin Pietarin ja Paavalin linnoituksesta. Maalaus: Fyodor Alekseev. 1810 vuosiTretjakovin osavaltion galleria

Maisemat on maalattu elämästä, mutta ne viimeistellään varmasti studiossa: tila on jaettu kolmeen ymmärrettävään suunnitelmaan, perspektiiviä elävöittävät ihmishahmot - ns. Henkilöstö - ja sävellysjärjestystä vahvistaa tavanomainen väri. Semyon Shchedrin kuvaa siis Gatchinaa ja Pavlovskia ja Fjodor Alekseev kuvaa Moskovan aukioita ja Pietarin pengerryyksiä; muuten, molemmat suorittivat taiteellisen koulutuksensa Italiassa.

2. Miksi venäläiset taiteilijat maalaa italialaisia \u200b\u200bmaisemia

Seuraava vaihe Venäjän maiseman kehityksessä - romanttinen - liittyy vielä enemmän Italiaan. Menemällä sinne eläkeläisiksi eli harjoitteluun harjoittelun jälkeen Akatemian onnistuneesti valmistuttua 1800-luvun ensimmäisen puoliskon taiteilijat pääsääntöisesti eivät kiirehdi takaisin. Itse eteläinen ilmasto näyttää heiltä olevan merkki vapaudesta, joka puuttuu heidän kotimaastaan, ja huomio ilmastoon on myös halu kuvata sitä: lämpimän vapaan maan erityinen valo ja ilma, jossa kesä aina kestää. Tämä avaa mahdollisuuksia hallita plenerointimaalausta - kyky rakentaa värimaailma todellisen valaistuksen ja ilmapiirin mukaan. Entinen, klassistinen maisema vaati sankarimaisemia, keskittyi merkittävään, ikuiseen. Nyt luonnosta on tulossa ympäristö, jossa ihmiset elävät. Tietysti romanttinen maisema (kuten mikä tahansa muu) edellyttää myös valintaa - vain se, mikä näyttää kauniilta, pääsee kehykseen: vain tämä on jo toinen kaunis. Maisemat, jotka ovat ihmisestä riippumattomia, mutta hänelle suotuisia - tämä ajatus "oikeasta" luonnosta on sama kuin Italian todellisuus.

Kuutamoinen yö Napolissa. Sylvester Shchedrinin maalaus. 1828 vuosiTretjakovin osavaltion galleria

Grotto Matromanio Caprin saarella. Sylvester Shchedrinin maalaus. 1827 vuosiTretjakovin osavaltion galleria

Vesiputouksia Tivolissa. Sylvester Shchedrinin maalaus. 1820-luvun alkuTretjakovin osavaltion galleria

Veranda kietoutunut rypäleisiin. Sylvester Shchedrinin maalaus. 1828 vuosiTretjakovin osavaltion galleria

Sylvester Shchedrin asui Italiassa 12 vuotta ja tänä aikana hän onnistui luomaan eräänlaisen temaattisen sanakirjan romanttisista maisemamotiiveista: kuutamoinen yö, meri ja luola, josta meri avautuu näkymälle, vesiputouksille ja terasseille. Hänen luonteensa yhdistää universaalin ja intiimin, avaruuden ja mahdollisuuden piiloutua häneltä rypäleen pergolan varjossa. Nämä pergolat tai terassit ovat kuin sisätilojen kotelot äärettömissä, joissa vagabond lazzaroni hemmottelee autuaa joutilaisuutta näköalalla Napolinlahdelle. Ne näyttävät olevan osa maiseman vapaita luonnonvaraisia \u200b\u200blapsia. Shchedrin viimeisteli odotuksensa mukaan maalauksensa studiossa, mutta hänen maalaustyylinsä osoittaa romanttista tunnetta: avoin siveltimenvääntely hajottaa asioiden muodot ja tekstuurit ikään kuin niiden välittömän ymmärtämisen ja emotionaalisen reaktion vauhdissa.

Messiaan esiintyminen (Kristuksen ilmestyminen ihmisille). Alexander Ivanovin maalaus. 1837-1857Tretjakovin osavaltion galleria

Kristuksen ilmestyminen ihmisille. Alkuperäinen luonnos. 1834 vuosi

Kristuksen ilmestyminen ihmisille. Venetsian matkan jälkeen kirjoitettu luonnos. 1839 vuosiTretjakovin osavaltion galleria

Kristuksen ilmestyminen ihmisille. "Stroganov" luonnos. 1830-lukuTretjakovin osavaltion galleria

Mutta Aleksanteri Ivanov, Shchedrinin nuorempi aikalainen, havaitsee toisenlaisen luonteen - joka ei liity ihmisen tunteisiin. Yli 20 vuoden ajan hän työskenteli maalauksen "Messiaan ulkonäkö" parissa, ja maisemat, kuten kaikki muutkin, luotiin epäsuorassa yhteydessä siihen: kirjailija piti itse asiassa niitä usein luonnoksina, mutta ne olivat suoritettiin kuvallisella huolella. Nämä ovat toisaalta autioita panoraamoja Italian tasangoista ja suoista (maailma, jota kristinusko ei ole vielä inhimillistä), toisaalta lähikuvia luonnon elementeistä: yksi oksa, kivet virrassa ja jopa vain kuivina maa, josta on myös panoraamanäkymä, loputtomalla vaakasuoralla friisillä Esimerkiksi maalauksessa "Maaperä Albanon Pyhän Paavalin kirkon portin lähellä", joka on maalattu 1840-luvulla.... Huomio yksityiskohtiin on myös täynnä huomiota plein air -vaikutuksiin: siihen, miten taivas heijastuu veteen ja mäkinen maaperä saa refleksejä auringolta - mutta kaikki tämä tarkkuus muuttuu jotain perustavanlaatuiseksi, ikuisen luonteen kuvaksi ensisijaisessa muodossaan säätiöt. Oletetaan, että Ivanov käytti selkeää kameraa - laitetta, joka auttaa hajottamaan näkyvän. Luultavasti myös Shchedrin käytti sitä, mutta toisella tuloksella.

3. Kuinka Venäjän ensimmäinen maisema ilmestyi

Toistaiseksi luonto on kaunis ja siksi vieras: sen kauneus kielletään. Venäläiset italialaiset eivät ole innoittaneet kylmää Venäjää: sen ilmasto liittyy vapauden puutteeseen, elämän tunnottomuuteen. Mutta muissa piireissä tällaisia \u200b\u200byhdistyksiä ei synny. Nikifor Krylov, Aleksei Gavrilovich Venetsianovin opetuslapsi, joka ei matkustanut kotimaansa ulkopuolella ja ollut kaukana romanttisista näkökulmista, ei todennäköisesti tiennyt Karl Bryullovin sanoja lumen ja talven kirjoittamisen mahdottomuudesta ("kaikki vuotanut maito tulee ulos") . Ja vuonna 1827 hän loi ensimmäisen kansallismaiseman - vain talvella.

Hänen avaamassa koulussa Safonko-vo-kylässä Nyt Venetsianovo.Venetsianov opetti "olemaan kuvaamatta mitään muuta kuin luonnossa ja tottelemaan häntä yksin" (Akatemiassa he päinvastoin opettivat keskittymään näytteisiin, testattuihin ja ihanteellisiin). Tosnan korkealta rannalta luonto oli panoraama - laajasta näkökulmasta. Panoraama on asuttu rytmisesti, ja ihmisten hahmot eivät eksy avaruuteen, vaan ne ovat luonnollisia sille. Paljon myöhemmin juuri tällaiset "onnelliset ihmiset" - mies, joka johtaa hevosta, talonpoikainen nainen, jolla on kruununappa - saavat jonkin verran matkamuisto-aksentin maalauksessa, mutta toistaiseksi tämä on heidän ensimmäinen poistumistaan \u200b\u200bja heidät on piirretty lähinäön hoito. Lumen ja taivaan tasainen valo, siniset varjot ja läpinäkyvät puut edustavat maailmaa idyllinä rauhan ja järjestyksen keskipisteenä. Tämä maailmankäsitys ruumiillistuu vielä jyrkemmin toisen Venetsianovin opiskelijan, Grigory Sorokan, maisemissa.

Palvelijataiteilija (Venetsianov, joka oli ystävänsä "omistajansa kanssa, ei koskaan pystynyt hankkimaan rakasta opiskelijaansa ilmaiseksi) Soroka on niin sanotun venäläisen biedermeierin lahjakkain edustaja (Venetsianovin oppilaiden taiteena) koulua kutsutaan). Koko elämänsä hän maalasi kartanon sisätilat ja ympäristön, ja vuoden 1861 uudistuksen jälkeen hänestä tuli talonpoika-aktivisti, josta hänet pidätettiin hetkeksi ja mahdollisesti ruumiillisen rangaistuksen jälkeen, ja hirtti itsensä. Muita yksityiskohtia hänen elämäkerrastaan \u200b\u200bei tunneta, vain vähän teoksia on säilynyt.

Hänen "Kalastajansa" näyttää olevan "hiljaisin" kuva koko venäläisen maalauksen korpuksessa. Ja kaikkein "tasapainoisin". Kaikki heijastuu kaikkeen ja riimii kaikkeen: järven, taivaan, rakennukset ja puut, varjot ja kohokohdat, ihmiset käärittyinä valkoisissa vaatteissa. Veteen pudotettu airo ei aiheuta roiskeita tai edes heiluta veden pinnalla. Helmen sävyt kankaan valkoisuudessa ja tummissa vihreissä tekevät väristä valon - ehkä myöhäisen iltapäivän, mutta enemmän transsendenttisen, taivaallisen: hajautetuksi rauhalliseksi hehkuksi. Näyttää siltä, \u200b\u200bettä kalastus merkitsee toimintaa, mutta ei: liikkumattomat hahmot eivät tuo avaruuteen tyylilajia. Ja nämä talonpoikaisportteissa ja paidoissa olevat hahmot eivät näytä talonpoikilta, vaan eeppisen legendan tai laulun hahmoilta. Konkreettinen maisema järvellä Spasskoyen kylässä muuttuu ihanteelliseksi luonnonkuvaksi, äänettömäksi ja hieman unelmoivaksi.

4. Kuinka Venäjän maisema vangitsee Venäjän elämän

Venetsialaisten maalaaminen venäläisen taiteen yleisellä alueella oli vaatimaton paikka eikä päässyt valtavirtaan. 1870-luvun alkuun saakka maisema kehittyi romanttisen perinteen valtavirrassa, jossa vaikutukset ja loisto lisääntyvät; sitä hallitsivat italialaiset muistomerkit ja rauniot, näkymät merelle auringonlaskun aikaan ja kuutamoisina öinä (sellaisia \u200b\u200bmaisemia löytyy esimerkiksi Aivazovskylta ja myöhemmin Kuindzhilta). Ja 1860- ja 70-luvun vaihteessa tapahtuu jyrkkä uudelleenmurtuminen. Ensinnäkin se liittyy ulkonäköön kotimaisen luonnon näyttämöllä ja toiseksi siihen, että tältä luonteeltaan puuttuu julistukseltaan kaikki romanttisen kauneuden merkit. Vuonna 1871 Fyodor Vasiliev kirjoitti sulan, jonka Pavel Mihailovitš Tretjakov hankki heti kokoelmaan; samana vuonna Aleksey Savrasov näytti myöhemmin kuuluisan "Rookin" ensimmäisessä kiertävässä näyttelyssä (sitten kuva oli nimeltään "Täältä Rookit ovat saapuneet").

Ja "Sulassa" ja "Rooks" kautta ei ole määritelty: se ei ole talvi, se ei ole vielä kevät. Kriitikko Stasov oli iloinen siitä, kuinka Savrasovin "kuulet talven", kun taas muut katsojat "kuulivat" vasta keväällä. Siirtymävaiheen vaihteleva luonnon tila mahdollisti maalauksen kyllästämisen hienovaraisilla ilmakehän reflekseillä, jotta se olisi dynaaminen. Mutta muuten nämä maisemat koskevat eri asioita.

Vasiliev käsittelee sulaa - se heijastuu nykyaikaiseen yhteiskuntaelämään: sama ajattomuus, surkea ja toivoton. Kaikki kotimainen kirjallisuus, Vasily Sleptsovin vallankumouksellisista ja demokraattisista kirjoituksista Nikolai Leskovin nihilistisiin vasta-aineisiin (yhden näistä romaaneista - "Ei missään" - voisi tulla kuvan nimi), vahvistettiin polun mahdottomuus. - umpikujaan liittyvä tilanne, jossa mies ja poika eksyvät maisemaan. Ja maisemassa, eikö niin? Tilasta puuttuu maisemakoordinaatit, lukuun ottamatta niitä kurjia lumipeitteisiä mökkejä, puujätettä, jotka ovat tukkeutuneet luhistumiin, ja vuorella olevia rappeuttavia puita - sateenvarjo. Se on panoraama, mutta harmaan taivaan sorrama, ei ansaitse valoa ja väriä - tilaa, jossa ei ole järjestystä. Savrasovilla on jotain muuta. Hän näyttää myös painottavan motiivin proosalaisuutta: kirkko, josta olisi voinut tulla "videomaalauksen" kohde, antoi periksi kieroisten koivujen, sieraimen - lumen ja sulavan veden lammikkojen. "Venäjä" tarkoittaa "köyhää", jolla ei ole omistusta: "huono luonto", kuten Tyutševissa. Mutta sama Tyutchev lauloi "kotimaansa pitkäaikaisen laulamisen maata" ja kirjoitti: "Hän ei ymmärrä eikä huomaa / Ulkomaalaisen ylpeä ilme, / Mikä loistaa ja salaa loistaa / nöyrässä alastomuudessasi, "- ja" Rooksissa "tämä salainen valo on ... Taivas vie puolet kankaasta, ja täältä tulee täysin romanttinen "taivaallinen säde" maahan, joka valaisee temppelin seinän, aidan, lammen veden - se merkitsee kevään ensimmäisiä vaiheita ja antaa maiseman sen emotionaalinen ja lyyrinen väritys. Vasilievin kanssa sula kuitenkin lupaa kevään, ja tämä merkitys on mahdollista myös täällä, jos haluat nähdä sen - tai lukea sen täältä.

5. Kuinka Venäjän maisemakoulu kehittyi

Maantie. Aleksei Savrasovin maalaus. 1873 vuosiTretjakovin osavaltion galleria

Ilta. Lintujen lento. Aleksei Savrasovin maalaus. 1874 vuosiOdessan taidemuseo

Savrasov on yksi parhaista venäläisistä koloristeista ja yksi "monikielisistä": hän pystyi yhtä hyvin maalamaan tien lian voimakkaalla ja juhlallisella värillä ("Maaseutu") tai rakentamaan hienoimman minimalistisen harmonian maisemaan, joka koostuu vain maasta. ja taivas ("Ilta. Lintujen lento"). Moskovan maalaus-, veistos- ja arkkitehtuurikoulun edeltäjänä hän vaikutti moniin; hänen virtuoosinen ja avoin kuvamallinsa jatkuu Po-le-novin ja Levitanin kanssa, ja motiivit resonoivat Serovin, Korovinin ja jopa Shishkinin (isot tammet) kanssa. Mutta Shishkin ilmentää erilaista kotimaisuuden ideologiaa. Tämä on ajatus sankaruudesta (hieman eepos), "kansallisen" ja "kansan" juhlallisesta suuruudesta, voimasta ja kirkkaudesta. Eräänlainen isänmaallinen pateettisuus: mahtavia mäntyjä, samanlaisia \u200b\u200bkaikkina vuodenaikoina (ulkoilman vaihtelu oli Shishkinille selvästi vieras, ja hän mieluummin maalasi havupuut), kerääntyvät metsäsarjaan ja yrttejä, jotka on kirjoitettu huolella. , muodostavat myös joukon samanlaisia \u200b\u200byrttejä, jotka eivät edusta kasvitieteellistä monimuotoisuutta. On ominaista, että esimerkiksi maalissa "Ruis" taustalla olevat puut, joiden koko pienenee lineaarisen perspektiivin mukaan, eivät menetä ääriviivojensa selkeyttä, mikä olisi väistämätöntä ilmavan näkökulman vuoksi, mutta taiteilija on kiinnostunut lomakkeiden loukkaamattomuudesta. Ei ole yllättävää, että hänen ensimmäinen yritys kuvata valoilmaympäristö maalauksessa "Aamu mäntymetsässä" (kirjoitettu yhteistyössä Konstantin Savitskin kanssa - hänen harjansa karhuja) aiheutti sanomalehden epigramman: "Ivan Ivanovich, sinä olet ? Millaisen sumun he päästivät irti, isä.

Ruis. Ivan Shishkinin maalaus. 1878 vuosiTretjakovin osavaltion galleria

Aamu mäntymetsässä. Maalaus: Ivan Shishkin ja Konstantin Savitsky. 1889 vuosiTretjakovin osavaltion galleria

Shishkinillä ei ollut seuraajia, ja yleensä venäläinen maisemakoulu kehittyi suhteellisen puhuen Savrasovin linjaa pitkin. Toisin sanoen kiinnostus ilmakehän dynamiikkaan, etudi-tuoreuden ja avoimen kirjoitustavan viljely. Tähän liittyi intohimo impressionismiin, joka oli melkein yleinen 1890-luvulla, ja yleensä emansipaation jano - ainakin väri- ja harjatekniikan vapauttamiseksi. Esimerkiksi Polenovissa - eikä vain yhdessä - luonnoksen ja maalauksen välillä ei ole juuri mitään eroa. Savrasovin ja sitten Levitanin opiskelijat, jotka korvaivat Savrasovin Moskovan koulun maisemaluokan johdossa, impressionistisella tavalla, reagoivat jyrkästi luonnon hetkellisiin tiloihin, satunnaiseen valoon ja äkillisiin säämuutoksiin - ja tämä terävyys ja reaktionopeus ilmaistiin tekniikoiden paljastumisessa, kuinka kuvan luomisprosessi ja taiteilijan tahdon valita tiettyjä ilmaisukeinoja tuli ymmärrettäviksi motiivin kautta ja motiivin päällä. Maisema ei enää ole täysin objektiivinen, tekijän persoonallisuus väitti puolustavansa itsenäistä asemaansa - toistaiseksi tasapainossa annettujen lajien kanssa. Levitanin oli nimettävä tämä asema kokonaan.

6. Kuinka maisema-vuosisata päättyi

Isaac Levitania pidetään "mielialan maiseman" luojana, taiteilijana, joka heijastaa suurelta osin omat tunteensa luontoon. Itse asiassa Levitanin teoksissa tämä aste on korkea ja tunteiden kirjo soi koko näppäimistöllä hiljaisesta surusta voitokkaaseen iloon.

Suljettuaan XIX vuosisadan venäläisen maiseman historian Levitan näyttää syntetisoivan kaikki liikkeensa näyttämällä ne lopulta täysin selkeästi. Hänen maalauksestaan \u200b\u200blöytyy mestarillisesti kirjoitettuja pikaluonnoksia ja eeppisiä panoraamakehyksiä. Hän oli yhtä taitava sekä impresionistisessa tekniikassa veistää äänenvoimakkuus erillisillä värillisillä aivohalvauksilla (joskus ylittäen impressionistisen "normin" tiedekunnan yksityiskohdissa), että postimpressionistisessa menetelmässä pastamaiset värikkäät muuratut leveät kerrokset. Hän osasi nähdä kamerakulmat, intiimin luonteen - mutta löysi myös rakkauden avoimiin tiloihin (ehkä näin kompensoitiin ratkaisun vaaleuden muisti - nöyryyttävä todennäköisyys häätää Moskovasta Damoklesin miekalla ripustettuna taiteilija kuuluisuuden aikaan pakottaen hänet kahdesti kiirehtimään. pakenee kaupungista).

Iltapuhelu, iltakello. Maalaus: Isaac Levitan. 1892 vuosiTretjakovin osavaltion galleria

"Kaukaiset näkymät" voisi liittyä sekä isänmaallisesti värilliseen avaruuden tunteeseen ("Tuuli tuuli. Volga"), että ilmaista surun kaipuun - kuten "Vladimirka" -maalauksessa, jossa paikan dramaattinen muisti (tämän tuomitun traktaalin varrella) johti Siperian saattueeseen) luetaan ilman ylimääräistä seurakuntaa aivan tien kuvasta, löysällä sateilla tai vanhoilla kulkueilla, synkän taivaan alla. Ja lopuksi eräänlainen löytö Levitanista - filosofisen merkityksen maisema-elegioita, joissa luonnosta tulee tilaisuus pohtia olemassaolon ympyrää ja etsimään saavuttamatonta harmoniaa: "Hiljainen asuinpaikka", "Yli ikuisen rauhan", "Iltakellot" ...

Todennäköisesti hänen viimeinen maalauksensa "Järvi. Rus ”, voisi kuulua tähän sarjaan. Hänet suunniteltiin kokonaisvaltaiseksi kuvaksi Venäjän luonnosta. Levitan halusi kutsua sitä "Rusiksi", mutta päätti neutraalimpaan versioon; kaksoisnimi juuttui myöhemmin.Ehkä osittain siksi siihen yhdistettiin ristiriitaisia \u200b\u200bkantoja: Venäjän maisema ikuisessa olemassaolossaan ja impressionistinen tekniikka, tarkkaavainen "ohikiitävään".

Emme voi tietää, olisiko tämä romanttinen väri- ja käsijoukko pysynyt lopullisessa versiossa. Mutta tämä välitila on synteesi yhdessä kuvassa. Eeppinen panoraama, ikuinen ja horjumaton luonnon antama, mutta sen sisällä kaikki liikkuu - pilvet, tuuli, väreily, varjot ja heijastukset. Laaja aivohalvaus vangitsee sen, mikä ei ole tulossa, vaan tulossa, muuttumassa - ikään kuin yrittäisi saada kiinni. Toisaalta kesän kukoistus, juhlallinen pää trumpetti, toisaalta elämän voimakkuus, valmis muutokseen. Kesä 1900; uusi vuosisata on tulossa, jolloin maisemamaalaus - eikä vain maisemamaalaus - näyttää aivan erilaiselta.

Lähteet

• Böömi K. Lajityyppien historia. Maisemat.
• Fedorov-Davydov A.A. Venäjän maisema 1700-luvulta - 1900-luvun alku.

Jos luulet, että kaikki suuret taiteilijat ovat menneisyydessä, sinulla ei ole aavistustakaan kuinka väärässä olet. Tässä artikkelissa opit aikamme tunnetuimmista ja lahjakkaimmista taiteilijoista. Ja uskokaa minua, heidän teoksensa uppoavat muistiinne yhtä syvälle kuin maestron teokset menneiltä aikakausilta.

Wojciech Babski

Wojciech Babski on nykyaikainen puolalainen taiteilija. Hän valmistui Sleesian ammattikorkeakoulusta, mutta yhdisti itsensä. Viime aikoina hän on piirtänyt pääasiassa naisia. Keskittyy tunteiden ilmaisuun ja pyrkii saamaan suurimman mahdollisen vaikutuksen yksinkertaisilla keinoilla.

Rakastaa väriä, mutta käyttää usein mustan ja harmaan sävyjä parhaan kokemuksen saamiseksi. Pelkää kokeilla erilaisia \u200b\u200buusia tekniikoita. Viime aikoina se on saanut yhä enemmän suosiota ulkomailla, lähinnä Isossa-Britanniassa, jossa se myy menestyksekkäästi teoksiaan, joita löytyy jo monista yksityisistä kokoelmista. Taiteen lisäksi hän on kiinnostunut kosmologiasta ja filosofiasta. Kuuntelee jazzia. Tällä hetkellä hän asuu ja työskentelee Katowicessa.

Warren Chang

Warren Chang on nykyaikainen amerikkalainen taiteilija. Syntynyt 1957 ja kasvanut Montereyssa Kaliforniassa, hän valmistui cum laudesta Pasadenan taidekeskuksen muotoilukorkeakoulusta vuonna 1981 alan kandidaatin tutkinnolla. Seuraavat kaksi vuosikymmentä hän työskenteli kuvittajana useissa yrityksissä Kaliforniassa ja New Yorkissa, ennen kuin aloitti uransa ammattitaiteilijana vuonna 2009.

Hänen realistiset maalauksensa voidaan jakaa kahteen pääryhmään: elämäkerralliset sisustusmaalaukset ja työväestöä kuvaavat maalaukset. Hänen kiinnostuksensa tätä maalaustyyliä kohtaan on juurtunut 1500-luvun taiteilijan Jan Vermeerin töihin, ja se ulottuu esineisiin, omakuviin, perheenjäsenten, ystävien, opiskelijoiden, studioiden, luokkahuoneiden ja kodin sisustuksiin. Hänen tavoitteenaan on luoda mielialaa ja tunteita realistisissa maalauksissaan manipuloimalla valoa ja käyttämällä vaimennettuja värejä.

Chang tuli tunnetuksi siirtyessään perinteiseen kuvataiteeseen. Viimeisten 12 vuoden aikana hän on ansainnut lukuisia palkintoja ja kunnianosoituksia, joista arvostetuin on Yhdysvaltojen suurimman öljymaalareiden yhteisön öljymaalareiden yhdistyksen Master Signature. Vain yksi 50: stä henkilöstä kunnioitetaan mahdollisuudesta saada tämä palkinto. Warren asuu tällä hetkellä Monterey'ssa, työskentelee studiossaan ja opettaa (tunnetaan lahjakkaana kouluttajana) San Franciscon taideakatemiassa.

Aurelio bruni

Aurelio Bruni on italialainen taiteilija. Syntynyt Blairissa 15. lokakuuta 1955. Hän sai scenografian tutkintotodistuksen Spoleton taideinstituutista. Taiteilijana hän on itseoppinut, koska hän "pystytti itsenäisesti tiedon talon" koulussa asetetulle perustalle. Hän aloitti öljymaalaamisen 19-vuotiaana. Tällä hetkellä hän asuu ja työskentelee Umbriassa.

Brunin varhainen maalaus on juurtunut surrealismiin, mutta ajan mittaan hän alkaa keskittyä lyyrisen romantiikan ja symboliikan läheisyyteen ja vahvistaa tätä yhdistelmää hahmojensa hienostuneella hienostuneisuudella ja puhtaudella. Animoidut ja elämättömät esineet saavat yhtäläisen arvokkuuden ja ulkonäön, melkein hyperrealistisesti, mutta samalla ne eivät piiloutu verhon taakse, mutta antavat sinun nähdä sielusi olemuksen. Monipuolisuus ja hienostuneisuus, aistillisuus ja yksinäisyys, huomaavaisuus ja hedelmällisyys ovat Aurelio Brunin henki, jota ruokkii taiteen loisto ja musiikin harmonia.

Alekasander Balos

Alkasandr Balos on öljymaalaukseen erikoistunut nykyaikainen puolalainen taiteilija. Syntynyt 1970 Gliwicessä Puolassa, mutta vuodesta 1989 lähtien asunut ja työskennellyt Yhdysvalloissa Shastassa Kaliforniassa.

Lapsena hän opiskeli taidetta isänsä Janin, itseoppinut taiteilijan ja kuvanveistäjän johdolla, joten taiteellinen toiminta sai jo varhaisesta iästä lähtien täyden tuen molemmilta vanhemmilta. Vuonna 1989, 18-vuotiaana, Balos lähti Puolasta Yhdysvaltoihin, missä hänen koulunsa opettaja ja osa-aikainen taiteilija Katie Gaggliardi kannusti Alkasandraa menemään taidekouluun. Sitten Balos sai täyden apurahan Milwaukee Wisconsinin yliopistosta, jossa hän opiskeli maalausta filosofian professori Harry Rosinin luona.

Valmistuttuaan opinnoista vuonna 1995 ja ansainnut kandidaatin tutkinnon Balos muutti Chicagoon opiskelemaan Kuvataidekouluun, jonka menetelmät perustuvat Jacques-Louis Davidin työhön. Figuratiivinen realismi ja muotokuvat muodostivat suurimman osan Baloksen työstä 90-luvulla ja 2000-luvun alussa. Nykyään Balos käyttää ihmishahmoa korostaakseen ihmisen erityispiirteet ja osoittamaan puutteita, tarjoamatta kuitenkaan ratkaisuja.

Hänen maalaustensa juoniyhdistelmät on tarkoitettu katsojan tulkitsemaan itsenäisesti, vasta sitten kankaat saavat todellisen ajallisen ja subjektiivisen merkityksensä. Vuonna 2005 taiteilija muutti Pohjois-Kaliforniaan, sen jälkeen hänen työnsä laajuus on laajentunut merkittävästi ja sisältää nyt enemmän ilmaisia \u200b\u200bmaalausmenetelmiä, mukaan lukien abstraktio ja erilaiset multimediatyylit, jotka auttavat ilmaisemaan ideoita ja ihanteita olemisesta maalauksen kautta.

Alyssa-munkit

Alyssa Monks on nykyaikainen amerikkalainen taiteilija. Hän syntyi vuonna 1977 Ridgewoodissa New Jerseyssä. Hän alkoi kiinnostaa maalausta, kun hän oli vielä lapsi. Hän opiskeli New Schoolissa New Yorkissa ja Montclair State Universityssä ja valmistui Boston Collegesta vuonna 1999, sai kandidaatin tutkinnon. Samanaikaisesti hän opiskeli maalausta Firenzen Lorenzo Medici -akatemiassa.

Sitten hän jatkoi opintojaan maisteriksi New Yorkin taideakatemiassa, esittävän taiteen laitoksella, valmistui vuonna 2001. Hän valmistui Fullerton Collegesta vuonna 2006. Jonkin ajanjakson ajan hän luennoi yliopistossa ja oppilaitoksissa eri puolilla maata, opetti maalausta New Yorkin taideakatemiassa, Montclair State Universityssä ja Lyme Academy of Art College -yliopistossa.

”Käyttämällä suodattimia, kuten lasi, vinyyli, vesi ja höyry, vääristän ihmiskehoa. Näiden suodattimien avulla voit luoda suuria abstraktin muotoilun alueita, joiden läpi kurkistavat värisaaret - ihmiskehon osat.

Maalaukseni muuttavat nykyaikaista näkemystä jo vakiintuneista, perinteisistä poseista ja uivista naisista. He voisivat kertoa paljon tarkkaavaiselle katsojalle sellaisista näennäisesti itsestään selvistä asioista, kuten uinnin, tanssin edut ja niin edelleen. Hahmoni painetaan suihkukaapin ikkunaa vasten vääristämällä omaa vartaloaan tajuamalla, että tekemällä näin he vaikuttavat pahamaineiseen miespuoliseen katseluun alastomaan naiseen. Paksut maalikerrokset sekoitetaan jäljittelemään lasia, höyryä, vettä ja lihaa kaukaa. Kuitenkin läheltä öljymaalin hämmästyttävät fysikaaliset ominaisuudet käyvät ilmi. Kokeilemalla maali- ja värikerroksia löydän hetken, jolloin abstrakteista vedoista tulee jotain muuta.

Kun aloin maalata ihmiskehoa, olin heti kiehtonut ja jopa pakkomielle siitä ja uskoin, että minun oli tehtävä maalauksistani mahdollisimman realistisia. ”Tunnustin” realismia, kunnes se alkoi paljastua ja paljastaa ristiriitaisuuksia itsessään. Nyt tutkin maalaustavan mahdollisuuksia ja potentiaalia, jossa edustuksellinen maalaus ja abstraktio kohtaavat - jos molemmat tyylit voivat olla rinnakkain samanaikaisesti, niin minä. "

Antonio Finelli

Italialainen taiteilija - “ Ajan tarkkailija”- Antonio Finelli syntyi 23. helmikuuta 1985. Tällä hetkellä hän asuu ja työskentelee Italiassa Rooman ja Campobasson välillä. Hänen teoksiaan on ollut esillä useissa gallerioissa Italiassa ja ulkomailla: Roomassa, Firenzessä, Novarassa, Genovassa, Palermossa, Istanbulissa, Ankarassa, New Yorkissa, ja niitä löytyy myös yksityisistä ja julkisista kokoelmista.

Lyijykynän piirustukset " Ajan tarkkailija”Antonio Finelli lähettää meidät ikuiselle matkalle läpi ihmisen ajallisuuden sisämaailman ja siihen liittyvän huolellisen analyysin tästä maailmasta, jonka pääelementti on ajan kulku ja sen jäljet, joita se tekee iholle.

Finelli maalaa muotokuvia kaiken ikäisistä, sukupuolisista ja kansallisista ihmisistä, joiden ilmeet todistavat ajan kulun, ja taiteilija toivoo löytävänsä todisteita ajan armottomuudesta hahmojensa ruumiista. Antonio määrittelee teoksensa yhdellä yleisnimellä: "Omakuva", koska lyijykynän piirustuksissa hän paitsi kuvaa henkilöä myös antaa katsojan miettiä ajan kulumisen todellisia tuloksia ihmisen sisällä.

Flaminia carloni

Flaminia Carloni on 37-vuotias italialainen taiteilija, diplomaatin tytär. Hänellä on kolme lasta. Hän asui Roomassa kaksitoista vuotta, Englannissa ja Ranskassa kolme vuotta. Hän on saanut taiteen historian tutkinnon BD: n taidekoulusta. Sitten hän sai tutkintotodistuksen taideteosten restauroijana. Ennen kuin hän löysi kutsumuksensa ja omistautui täysin maalaukseen, hän työskenteli toimittajana, koloristina, suunnittelijana ja näyttelijänä.

Flaminia kehitti intohimon maalaamiseen lapsena. Hänen tärkein väliaine on öljy, koska hän rakastaa "coiffer la pate" ja leikkii myös materiaalilla. Hän oppi samanlaisen tekniikan taiteilija Pascal Toruan teoksissa. Flaminia on saanut inspiraationsa suurista maalareista, kuten Balthus, Hopper ja François Legrand, sekä erilaisista taiteellisista liikkeistä: katutaide, kiinalainen realismi, surrealismi ja renessanssirealismi. Hänen suosikki taiteilijansa on Caravaggio. Hänen unelmansa on löytää taiteen terapeuttinen voima.

Denis Tšernov

Denis Chernov on lahjakas ukrainalainen taiteilija, syntynyt vuonna 1978 Sambirissa, Lvivin alueella Ukrainassa. Valmistuttuaan Kharkovin taidekoulusta vuonna 1998 hän jäi Kharkoviin, jossa hän asuu ja työskentelee tällä hetkellä. Hän opiskeli myös Kharkovin valtion muotoilu- ja taideakatemian grafiikan laitoksella, valmistui siitä vuonna 2004.

Hän osallistuu säännöllisesti taidenäyttelyihin, tällä hetkellä niitä on ollut yli 60, sekä Ukrainassa että ulkomailla. Suurin osa Denis Chernovin teoksista on yksityiskokoelmissa Ukrainassa, Venäjällä, Italiassa, Englannissa, Espanjassa, Kreikassa, Ranskassa, Yhdysvalloissa, Kanadassa ja Japanissa. Osa teoksista myytiin Christie'sille.

Denis työskentelee monenlaisissa graafisissa ja maalaustekniikoissa. Lyijykynäpiirrokset ovat yksi hänen suosikki maalausmenetelmistään, myös hänen lyijykynäpiirustustensa teemaluettelo on hyvin monipuolinen, hän kirjoittaa maisemia, muotokuvia, alastoja, tyylilajikompositioita, kirjakuvituksia, kirjallisuuden ja historian rekonstruointeja ja fantasioita.

Venäjän metsä venäläisten taiteilijoiden maalauksissa

"Toivon, että tulee aika, jolloin kaikki Venäjän luonto

elossa ja innoittamana, näyttää venäläisten taiteilijoiden kankailta "(I. Shishkin)

Venäjän luonto on monipuolinen ja ainutlaatuinen. Hänen kauneutensa lauloivat runoissaan merkittävät venäläiset runoilijat: Zhukovsky V.A., Pushkin A.S., Tyutchev F.I., Fet A.A., Nekrasov N.A., Nikitin I.S. muut. Ja sitten näimme venäläisen luonnon maisemamaalareiden maalauksissa: I.Shishkin, A.Kuindzhi, I.Ostroukhov, I.Levitan, V.Polenov, G.Myasoedov, A.Gerasimov, A.Savrasov, V.Nikonov ja monet muut maalarit.

SISÄÄNvenäläisten taiteilijoiden maalauksissa näemme, kuinka luonnonmaisemat välittävät sen ohuen näkymätön viiva, joka erottaa meidät siitä. Maalauksen luonto heijastaa maailmaa, jossa ihmistä ei hallitse luontoa, vaan luonto häntä. Maailma, jossa värit terävöittävät yhtenäisyyden tunteita luonnon kanssa. Maalauskaudet ovat erityinen teema venäläisten taiteilijoiden luonnonmaisemissa, koska mikään ei kosketa niin herkästi kuin luonnon ulkonäön muutos vuodenajan mukaan. Kauden myötä luonnon tunnelma muuttuu, mikä taiteilijan harjan helposti välittää kuvia maalauksessa.