Luku XVI.

BERNARD SHOW: "ÄLYKÄS TEATTERI"

Ensimmäiset kaksikymmentä vuotta: Dublinista Lontooseen. - Näyttelykriitikko: taistelussa uudesta teatterista. —« Epämiellyttäviä näytelmiä: Widower's House,« Rouva Warrenin ammatti – vuosisadan lopussa: Miellyttäviä näytelmiä ja« Kolme näytelmää puritaaneille. - Vuosisadan alussa: uudet teemat, uudet sankarit. - "Pygmalion": Galatea nykymaailmassa. - Ensimmäinen maailmansota: "Talo, jossa sydämet särkyvät." - Kahden maailmansodan välillä: edesmennyt Shaw. — Shaw'n dramaattinen menetelmä: paradoksien musiikki.

Minun tapani vitsailla on kertoa totuus.

George Bernard Shaw oli enemmän kuin loistava kirjailija, innovatiivinen näytelmäkirjailija, josta tuli klassikko. globaalissa mittakaavassa. Hänen nokkeluutensa ja paradoksinsa olivat hajallaan ympäri maailmaa. Hänen maineensa oli niin kova, että häntä kutsuttiin yksinkertaisesti nimellä G.B.S.; hänet kuulivat ne, jotka eivät olleet koskaan nähneet tai lukeneet hänen näytelmänsä. Maineikkaiden maanmiestensä W. Churchill, B. Russell ja G. Wells tavoin hän oli suuri englantilainen, jonka läsnäolo hänen elämässään tunsi isänmaallisen ylpeyden useiden sukupolvien ajan.

Ensimmäiset kaksikymmentä vuotta: Dublinista Lontooseen

"Punapartainen irlantilainen Mephistopheles" - niin kutsui hänen elämäkertansa E. Hughesin Bernard Shaw. Sana "irlantilainen" on erittäin tärkeä tässä. Bernard Shaw oli syvästi sidoksissa kotimaahansa, ja omisti sille näytelmänsä John Bull's Other Island (1904). Vuoteen 1922 asti Irlanti oli itse asiassa Britannian siirtomaa. "Green Island" antoi paljon satiirisia kirjoittajia, joilla oli terävä kriittinen näkemys, jotka eivät sovi yhteen tekopyhyyden ja valheen kanssa: D. Swift, R. Sheridan, O. Wilde ja tietysti B. Shaw. Ja myöhemmin - suuri James Joyce, "Ulysseksen" kirjoittaja ja kaksi Nobel-palkittua - runoilija W. Yeats ja näytelmäkirjailija S. Beckett, yksi "absurdin draaman" perustajista.

Dublin: matkan alku. Dublinissa syntynyt George Bernard Shaw (George Bernard Shaw. 1S56-1950) kuului siihen ei mitenkään pieneen kirjailijoiden ryhmään, joka sai tunnustusta, käytyään läpi piikkejä nuorempana ja kokenut kohtalon iskuja. Vaikka näytelmäkirjailijan esi-isät kuuluivat aateliseen perheeseen, hänen isänsä oli vaatimaton myyjä ja itse asiassa luuseri, mikä vaikutti hänen luonteeseensa ja määritti hänen riippuvuutensa viiniin. Hänen poikansa näki hänet harvoin raittiina. Äiti, joka kamppaili menestyksettömästi miehensä riippuvuuden kanssa, joutui elättämään perheensä. Hän opetti! musiikkia, lauloi, johti kuoroa. Tulevan näytelmäkirjailijan lukuisten kykyjen joukossa on hänen äidiltään peritty musikaalisuus. Isä opetti poikaansa vastaamaan elämän ongelmiin pilkallisesti tai ironisesti.

Tilanne perheessä ei ollut helppo, lapset jätettiin omiin käsiin. Myöhemmin, kun hän lähestyi 90-vuotiasta, Shaw muisteli; "En ollut onnellinen Dublinissa, ja kun menneisyydestä nousee haamuja, haluan ajaa heidät takaisin pokerilla." Lapsuus oli "kauheaa", "ilman rakkautta".

Shaw'n lapsuusvuodet osuivat samaan aikaan Irlannin vapaustaistelun nousun kanssa. Vuonna 1858 "Irlannin vallankumouksellinen veljeskunta" syntyi; joskus sen jäseniä kutsuttiin "fenialaiksi". Vuonna 1867 Dublinissa puhkesi kansannousu, joka tukahdutettiin armottomasti. Shaw kutsui itseään nuoreksi fenialaiseksi.

Bernard Shaw oli itse asiassa itseoppinut. Hän aloitti lukemisen 4-5-vuotiaana ja hallitsi melko nopeasti kaikki englantilaiset klassikot, erityisesti Shakespearen ja Dickensin, sekä maailmankirjallisuuden teokset. 11-vuotiaana hänet lähetettiin protestanttiseen kouluun, jossa hän oli hänen mukaansa toiseksi viimeinen tai viimeinen oppilas. Alle vuotta myöhemmin hän muutti Englannin tiede- ja kauppakorkeakouluun, josta hän valmistui 15-vuotiaana: School B, Shaw piti elämäkertansa epäonnistuneimpana vaiheena. Valmistuttuaan Shaw työskenteli kiinteistönvälitystoimistossa. Hänen tehtäviinsä kuului vuokran kerääminen Irlannin pääkaupungin köyhimpien alueiden asukkailta. Mutta hän ei tietenkään voinut ottaa vakavasti byrokraattisia tehtäviä. Hengelliset, älylliset intressit ovat jo voittaneet hänet. Hän luki ahneasti, piti politiikasta.

Vuonna 1876 Shaw'n elämässä tapahtui kohtalokas tapahtuma: hän erosi virastosta ja. lähti Irlannista ja muutti Lontooseen. "Elämäni työtä oli mahdoton suorittaa Dublinissa Irlannin kokemukseni perusteella." hän selitti myöhemmin.

Varhaiset vuodet Lontoossa. Pääkaupungissa Shaw sai työpaikan puhelinyhtiöstä, mutta hänen tulonsa olivat niin pienet, että hän erosi pian. Shaw puhui tästä ironisesti: "Puhelimen eepos päättyi vuonna 1879, ja samana vuonna aloitin siitä, mitä kuka tahansa kirjallinen seikkailija sitten aloitti, ja monet alkavat tähän päivään asti. Kirjoitin romaanin."

Romaani oli nimeltään An Reasonable Liaison (1880), jota seurasi kaksi muuta: An Artist's Love (1S8S) ja Cashel Byronin ammatti (1S83). Jälkimmäinen oli omistettu ammattiurheilulle, nyrkkeilylle. Shaw piti nyrkkeilyn, golfin ja jalkapallon kaltaisia ​​urheilulajeja kohtuuttomina, osoittaen vain, että ihmiskunta on väistämättä halventavaa.

Kustantamoille lähetetyt romaanit hylättiin Shaw'lla ei ollut nimeä tai tukea; hän sai yli 60 hylkäämistä. Myöhemmin hänen romaanejaan alkoivat julkaista rojaltivapaat sosialistiset sanomalehdet.

Tuolloin Shaw oli köyhyydessä ja eläsi satunnaisista töistä. Joskus hänen äitinsä auttoi häntä.Vuonna 1885 hänen ensimmäinen artikkelinsa ilmestyi lehdistössä.

Fabian. Lontoossa Shaw kiinnostui politiikasta. Pääkaupunkiin tuloaan hän selitti erityisesti sillä, että hänen täytyi liittyä maailmankulttuuriin. Ja pian hän osoitti sen luovuudellaan, sitoutumisellaan uusimpiin taiteen suuntauksiin. Samalla hänen julkisten etujen kirjoa laajennettiin ratkaisevasti. Esitys alkoi osoittaa kasvavaa kiinnostusta sosialistisia ideoita kohtaan, mikä oli helposti ennakoitavissa: henkilö, joka tunsi työttömyyden ja köyhyyden omakohtaisesti, ei voinut olla kriitikko yhteiskunnalle, jossa tekopyhyys ja voittokultti vallitsi.

Esitys tapaa tunnetut reformistisen sosialismin ideologit Sydneyn ja Beatrice Webbin ja liittyy heidän perustamaansa Fabian Societyyn, joka on nimetty Fabius Maximuksen (Cunctator), roomalaisen komentajan mukaan. varovaisuutta. Fabianeista tuli "demokraattisen sosialismin" englanninkielisen version ideologeja.

Shaw oli paljon radikaalimpi kuin ortodoksiset fabianit. Hänet nähtiin rauhanomaisten mielenosoitusten riveissä, hän puhui myös mielenosoituksissa, erityisesti Hyde Parkissa. "Olen kadun mies, agitaattori", hän sanoi itsestään.

V. I. Lenin sanoi, että Shaw on "hyvä kaveri, joka putosi Fabianien keskelle. Hän on paljon enemmän vasemmalla kuin kaikki hänen ympärillään." Tätä V. I. Leninin huomautusta on pitkään pidetty perustavanlaatuisena venäläisille show-asiantuntijoille.

Yksi näytelmäkirjailijan aikalaisista muisteli, kuinka hän näki Shaw'n Fabian-museon kirjastossa: hän opiskeli samanaikaisesti Marxin pääkaupunkia ja Wagnerin oopperan Das Rheingold partituuria. Tämä yhdistelmä on koko Show! Hän oli taiteen mies, vapaa ajattelun lento, individualisti, ei voinut täysin alistua tiukalle, dogmaattiselle teorialle. Shaw kirjoitti poliittisista aiheista, samalla kun hän osoitti erityistä hauskasti humoristista tai suoraan sanoen paradoksaalista intonaatiota.

Näiden vuosien aikana Shawsta tuli loistava puhuja, hän oppi esittämään kaikki vakavat ajatukset helposti ja ytimekkäästi. Julkisen puhumisen kokemus heijastui sitten hänen työssään - näytelmien-keskustelujen luomisessa.

Näyttelykriitikko: taistelussa uudesta teatterista

Shaw tuli dramaturgiaan suhteellisen myöhään, sillä hän oli voittanut auktoriteetin alkuperäisenä teatteri- ja musiikkikriitikkona jo 1880-luvun puolivälistä lähtien. Esitys rakasti teatteria, eli sen mukaan. Hänellä itsellään oli epäilemättä näyttelijätietoa, hän luki näytelmänsä paremmin kuin hän.

Shaw'n työ hänen ensimmäisten näytelmiensä parissa kulki käsi kädessä intensiivisen teatteriarvostelijan työn kanssa.

1880-luvulla englantilaisen teatterin tilanne oli hälyttävä. Repertuaari koostui kahdesta osasta. Nykyaikaisia ​​teemoja esittelivät pääasiassa ranskalaiset kirjailijat (Dumas, Sardou), komedia- ja viihdeluonteisia näytelmiä, kevyitä melodraamoja, joiden tarkoituksena on vapauttaa porvarillinen katsoja vakavista elämänongelmista. Klassinen ohjelmisto rajoittui Shakespearen teoksiin, hänen näytelmiensä tuotannot olivat loistavia. Shaw ihaili suurta edeltäjäänsä ja samalla väitteli hänen kanssaan tasavertaisena. Tämä kiista jatkui näytelmäkirjailijan koko elämän ajan. Hän halusi "pelastaa" Englannin vuosisatojen "orjalaiselta alistumiselta" Shakespearelle uskoen, että hänen teostensa ongelmat kuuluvat menneisyyteen. Näytelmä haaveili ongelmallisesta, älykkäästä, vakavasta, nykypäivään kohdistetusta teatterista, jossa kiivas keskustelu ei jäähtyisi, hahmojen näkökulmien yhteentörmäys ei lopu. A. G. Obraztsova kirjoittaa, että tulevaisuuden teatteria hänen näkemyksensä mukaan "kutsuttiin solmimaan luova liitto uudelle tasolle teatteritaiteen - suljettujen teatterinäyttämöjen taiteen ja oratorion taiteen - katujen ja aukioiden, haukkujien ja tribüünien taiteen välillä".

"sankarillinen näyttelijä" Shaw kannatti kiihkeästi "suoraa oppiteatteria". Mutta tämä ei suinkaan merkinnyt sitä, että puolueellista taidetta puolustaessaan hän olisi jättänyt huomioimatta sen esteettisen luonteen tai halunnut asettaa näyttämölle suoran propagandan tehtävän. Shaw pyrki kuitenkin selkeästi korostamaan teatterin sosiaalista ja kasvatuksellista tehtävää, sen kykyä vaikuttaa paitsi katsojien sieluihin ja tunteisiin, myös heidän mieleensä.

Shaw muotoili perusperiaatteensa seuraavasti: "Draama tekee teatteria, ei teatteri tekee draamaa." Hän uskoi, että dramaattisessa taiteessa aika ajoin "syntyy uusi impulssi", ja hän pyrki toteuttamaan sen näytelmissään.

Näytelmäkirjailija ei hyväksynyt näyttelijöitä, jotka etsivät vain itseilmaisua, mistä hän kritisoi yhtä näyttelijäkohtauksen epäjumalia - Henry Irvingia. Shaw'n ihanne oli sankarillinen näyttelijä, vailla mahtipontisuutta, vääriä tunteita, väärää iloa ja kärsimystä. "Nyt tarvitaan sankareita, joista voimme tunnistaa itsemme", Shaw vaati. Tällaista kuvaa voisi ilmentää näyttelijä, jolla on paitsi hieno tunneorganisaatio, myös äly, sosiaalinen näkemys. Oli tarpeen näyttää sankari, jossa "intohimot synnyttävät filosofian ... maailman hallitsemisen taiteen", eikä vain "hääihin, oikeudenkäynteihin ja teloituksiin". Shaw'n moderni sankari oli sellainen, jonka henkilökohtaiset uskollisuudet ovat syrjäyttäneet "laajemmat ja harvinaisemmat julkiset edut".

"Ibsenismin kvintessenssi". Shaw valitsi Ibsenin liittolaiseksi. Hänestä tuli suuren norjan kiihkeä edistäjä Englannissa, jossa hänen näytelmänsä pääsivät lavalle myöhemmin kuin muissa Euroopan maissa. Shaw puhui vilkkaalla myötätunnolla Ibsenistä, näki hänessä uudistajan, joka antoi dramaturgialle sen tuoreen suunnan, jota moderni näyttämö tarvitsi, taiteilijan, joka "tyydytti tarpeen, jota Shakespeare ei tyydyttänyt". Shaw'n lukuisat artikkelit ja arvostelut A Doll's Housen kirjoittajasta on koottu hänen kirjaansa The Quintessence of Ibsenism (1891). Shaw tulkitsi Ibsenin näytelmiä ja antoi hänelle omat esteettiset näkemyksensä. Kuten eräs kriitikko osuvasti huomautti, hän kuvitteli "mitä Ibsen ajattelisi, jos hän olisi Bernard Shaw". Ibsenin tapaamisen jälkeen "pre-Ibsen-näytelmä" alkoi aiheuttaa hänelle "kasvavaa ärsytystä ja tylsyyttä". Ibsen auttoi Shaw'a ymmärtämään, kuinka tärkeä näytelmä on, jossa "käsitellään ja keskustellaan hahmojen ongelmista, hahmoista ja toimista, jotka ovat suoraan tärkeitä yleisölle itselleen". Ibsenin tärkeimmät innovaatiot liittyvät tähän. Hän "käynnisti keskustelun ja laajensi sen oikeuksia" niin, että se "tunkeutui toimintaan ja lopulta sulautui siihen". Samalla yleisö vaikutti olevan mukana keskusteluissa, osallistuneen niihin henkisesti. Nämä säännökset sovelsivat yhtä lailla Shaw'n itsensä runoutta.

Musiikkikriitikko: "Todellinen wagnerilainen." Toinen suunta Shaw'n toiminnassa oli musiikkikritiikki. Hän tunsi ja ymmärsi omalla tavallaan erilaisten taiteen vuorovaikutuksen, joka oli niin tärkeä vuosisadan vaihteessa: maalaus, kirjallisuus, musiikki. Shaw kirjoitti suurista klassisista säveltäjistä, Beethovenista ja Mozartista, perusteellisesti ja ammattitaidolla. Mutta hänen idolinsa, jolle hän omistautui monia teoksia, oli Richard Wagner (1813-13).

Shaw'lle Ibsenin ja Wagnerin nimet seisovat rinnakkain: edellinen oli draaman uudistaja, jälkimmäinen oopperan uudistaja. Teoksessa The True Wagnerian (1898) Shaw kirjoitti: "... Kun Ibsen tarttui draamaan niskasta, kun Wagner tarttui oopperaan, hänen täytyi tahtomattaan ja tahtomattaan mennä eteenpäin..." Wagner oli myös "mestari" teatterista." Hän saavutti musiikin ja sanojen sulautumisen, hänellä oli valtava, ei vielä täysin merkityksellinen vaikutus kirjallisuuteen. Shaw'lle oli ilmeinen Wagnerin työn syvä, filosofinen merkitys, jonka musiikkinäytelmissä tiettyjä tapahtumia ei niinkään kuvattu kuin niiden olemusta ilmaistu. Samalla itse musiikista tuli toimintaa, joka välitti inhimillisten intohimojen mahtavaa voimaa.

"Epämiellyttäviä näytelmiä": "Leskitalo", "Mrs. Warrenin ammatti"

"itsenäinen teatteri"."Uuden draaman" muodostuminen XIX vuosisadan lopussa. mukana teatterivallankumous. Sitä edustivat A. Antoinen Free Theatre (1887-1896) Ranskassa, Free Stage Literary and Theatre Society (1889-1894) O. Brahma Saksassa, Independent Theatre (1891-1897) Englannissa, järjestettynä. J. T. Grein, jossa eurooppalaisten näytelmäkirjailijoiden näytelmiä englannin sijaan esitettiin useammin. Tässä teatterissa vuonna 1892 Shaw'n ensimmäinen näytelmä Lesken talo näki näyttämövalon. Shaw kuitenkin kääntyi dramaturgiaan paljon aikaisemmin: vuonna 1885 hän sävelsi näytelmän yhdessä Ibsen W. Archerin kriitikon ja kääntäjän kanssa. Myöhemmin tämä näytelmä sisällytettiin tarkistetussa muodossa jaksoon Unpleasant Plays (1898).

"Epämiellyttäviä näytelmiä". Sarjan esipuheessa Shaw kirjoitti: "Käytän tässä dramaattista toimintaa saadakseen katsojan ajattelemaan joitain epämiellyttäviä tosiasioita... Minun on varoitettava lukijoitani, että kritiikkini on suunnattu heitä kohtaan, ei näytelmähahmoja vastaan ​​..."

Shaw esitti näytelmiään usein pitkillä esipuheilla, joissa hän selitti suoraan tarkoituksensa ja luonnehtii hahmoja. Kuten hänen suuren aikalaisensa G. Wells (jonka kanssa Shawlla oli vaikea suhde), Shaw'n teoksissa oli aina valaiseva elementti. "Leskitaloista" hän kirjoitti: "... Osoitin, että porvaristomme kunnioitus ja aatelisten perheiden nuorempien poikien aristokratia ruokkii kaupungin slummejen köyhyyttä, kuten kärpänen ruokkii mätää. Tämä aihe ei ole miellyttävä.

Shaw'n varhaiset näytelmät aiheuttivat laajaa julkista kohua. He määrittelivät hänen dramaattisen metrologiansa pääparametrit. Näytelmät herättävät tärkeitä yhteiskunnallisia kysymyksiä. Juonen liikettä ei määrää niinkään juonittelu kuin näkemysten yhteentörmäys. Keskustelu itse asiassa ohjaa toimintaa, määrittää sisäisen konfliktin. Nuoren Shaw'n huolellinen Ibsenin tekstien tutkiminen näkyy erityisen selvästi petoksen ja tekopyhyyden tuomitsemisessa, jotka peittävät asioiden todellisen tilan. Hänen hahmonsa, kuten Ibesnovskynkin, kokevat loppiaisen.

"Lesken talo". Näytelmä "Leskitalo" heijasteli Shaw'n vaikutelmia hänen työstään Dublinissa vuokrankeräilijänä. Tämä on näytelmä joidenkin ihmisten hyväksikäytöstä toisten toimesta, yhteiskunnan epäoikeudenmukaisesta järjestäytymisestä sen loukkaavalla vaurauden ja vaurauden polarisaatiolla. Tästä syystä kirjoittajan ironia ja katkera pilkkaa. Otsikko on ironinen ja parodioi ilmaisua "leskien talo", joka juontaa juurensa Raamattuun, eli köyhien asuntoon. Päähenkilön nimi on ironinen - vuokranantaja, riistäjä ja rahansyöjä Sartorius (latinasta "pyhä"). Näytelmän juoni on yksinkertainen. Päätapahtumilla on tausta (kuten useissa Ibsenin näytelmissä).

Mutta rentoutuessaan Saksassa rikas Sartornus ja hänen tyttärensä hurmaava Blanche tapasivat nuoren englantilaisen lääkärin Trentin. Blanche ja Trent rakastuivat. Kyse on avioliitosta. Lontoossa Trent vierailee Sartoriuksen luona, mutta ongelmia ilmenee. Trent saa selville, että hänen tulevan appinsa paljon rahaa ei hankittu mitä vanhurskaimmalla tavalla: Sartorius rikastui köyhiltä, ​​slummien asukkailta kerätyn vuokran kustannuksella. Tilanne pahenee Trentin keskustelun jälkeen Sartoriuksen irtisanoman vuokrankerääjän Lickcheesen kanssa. Likchizin tarina on koskettava jakso näytelmässä. Lickchees teki työnsä tunnollisesti: "hän raapsi rahaa sieltä, missä kukaan muu hänen elämässään ei olisi raapinut..." Näyttäessään Trentille pussia rahaa, hän sanoo: "Tässä jokainen penni kastellaan kyynelillä: hän ostaisi leipää lapsi, koska lapsella on nälkä ja itkee nälkä - ja minä tulen repimään viimeisen pennin heidän kurkustansa, "Likchiz häpeää sellaista työtä, mutta ei voi kieltäytyä siitä, koska tässä tapauksessa hänen omat lapsensa jäävät ilman leipää.

Sartoriuksen ahneus on rajaton. Kun Likchiz, omistajan tietämättä, korjaa portaita penneillä, koska hänen hätätilansa uhkaa vuokralaisia ​​loukkaantumisilla, Sartorius erottaa hänet. Lickcheese pyytää Trentiä sanomaan hyvät sanat, mutta tämä suututtaa nuoren miehen, joka uskoo vilpittömästi, että hänen tuleva appinsa on "aivan oikeassa". Moitteessaan Trentiä, "syytöntä karitsaa", Lickcheese lisää Sartoriuksen luonnehdintaa "pahimmaksi Lontoon vuokranantajista". Jos Likchiz olisi "repäissyt ihon elävältä pois" onnettomista vuokralaisista, silloin tämäkään olisi näyttänyt Sartoriukselle riittämättömältä. Tulevaisuudessa näytelmäkirjailija "paljastaa" Trentin itsensä. Sankari on valmis menemään naimisiin Blanchen kanssa ilman isänsä rahoja, asumaan hänen kanssaan omilla itsenäisillä tuloillaan, joiden lähde on kaikki samat slummitalot, koska maa, jolle ne on rakennettu, kuuluu hänen rikkaalle tädilleen.

Sankareita sitoo molemminpuolinen vastuu. Likcheese, joka on palautettu töihin, auttaa Sartoriusta "syömään" toisen kannattavan huijauksen. "Finaalissa Trent, joka ei suinkaan hylännyt Blanchen myötäjäisiä, tiivistää tapahtuneen: "Näyttää siltä, ​​että olemme kaikki täällä yhtä jengiä!"

"Rouva Warrenin ammatti". Shaw'n toinen näytelmä, The Heartbreaker (1893), ei menestynyt, mutta kolmas, Mrs. Warren's Profession (1894), aiheutti sensaation. Sensuuri kielsi sen tuotannon Englannissa, koska prostituutiota pidettiin moraalittomana.

Itse asiassa näytelmässä ei ollut moraalittomuutta, puhumattakaan erotiikasta. Alkuperäisessä juonessa oivallettu ongelma, tulkittu sosiaalisesti, kasvoi modernin yhteiskunnan syvästä turmeltuneisuudesta. Shaw ilmaisee tämän ajatuksen suoraan: "Ainoa tapa naiselle varmistaa olemassaolonsa on antaa hyväilynsä jollekin miehelle, jolla on varaa tukea häntä."

Kirjallisuuden ikuinen teema - isien ja lasten sukupolvien välinen konflikti - esiintyy Shaw'ssa äidin ja tyttären välisenä konfliktina. Päähenkilö Vivi on täysihoitolassa hyvän kasvatuksen saanut nuori tyttö, joka asuu Lontoossa, kaukana Euroopassa asuvasta äidistään. Vivi on jossain määrin eräänlainen "uusi nainen". Hän on pätevä matemaatikko, itsenäinen, älykäs, jolla on itsetunto, ei "pakkomielle" avioliittoon, hän tietää kauniin, mutta pohjimmiltaan tyhjän Frankin hinnan, joka on rakastunut häneen.

Tässä näytelmässä, kuten Widower's Housesissa, on huippukohtaus, jossa Vivi tapaa äitinsä Kitty Warrenin vuosien eron jälkeen.

Kysyttyään äidiltään mitä tämä tekee, mistä hänen huomattavat tulonsa ovat peräisin, Vivi kuuntelee järkyttävää tunnustusta. Kun rouva Warren paljastaa omistavansa bordelliverkoston Euroopan pääkaupungeissa, vilpittömästi närkästynyt Vivi pyytää äitiään luopumaan sellaisesta tulonlähteestä, mutta hän kieltäytyy päättäväisesti.

Olennaista on rouva Warrenin tyttärelleen kertoma elämäntarina. Kitty Warrenin vanhempien perheessä oli neljä tytärtä: kaksi heistä, hän ja Liz, olivat mielenkiintoisia, kauniita tyttöjä, kahdella muulla oli huomaamaton ulkonäkö. Tarve pakotti heidät miettimään rahan ansaitsemista varhain. Ne sisaret, jotka valitsivat kunnollisille tytöille tavanomaisen tien, päättyivät huonosti. Yksi työskenteli valkoisen lyijyn tehtaalla kaksitoista tuntia päivässä surkealla palkalla, kunnes hän kuoli lyijymyrkytykseen. Hän asetti toisen äidin esimerkkinä, koska hän meni naimisiin ruokavaraston työntekijän kanssa, piti kolme lastaan ​​puhtaana ja siistinä enemmän kuin vaatimattomalla rahalla. Mutta lopulta hänen miehensä alkoi juoda: "Oliko se sen arvoista ollakseni rehellinen?" kysyy Missy Warren.

Kitty Warren aloitti uransa astianpesukoneena raittiusravintolassa, kunnes tapasi sisarensa, kauniin Lizzien. Hän vakuutti hänet siitä, että kauneus on hyödyke, joka on kyettävä myymään kannattavasti. Yksittäisistä käsitöistä lähtien sisaret avasivat säästöjään yhdistämällä ensiluokkaisen bordellin Brysselissä. Uuden kumppanin, Croftsin, avulla Kitty laajensi "liiketoimintaansa" perustamalla sivuliikkeitä muihin kaupunkeihin. Äitinsä väitteet huomioiva älykäs Vivi myöntää olevansa "täysin oikeassa ja käytännön näkökulmasta". Ja silti, toisin kuin lääkäri Trent ("Leskien talo"), hän ei hyväksy "likaisen rahan" filosofiaa. Hän torjuu myös rikkaiden Croftien ahdistelun, joka tarjoaa hänelle taloudellisesti edullisen avioliiton.

Vivi on näytelmän ylivoimaisesti viehättävin hahmo. Se herättää assosiaatioita Ibsenin sankareihin, joissa totuuden ja oikeuden kaipuu on ilmeinen. Näytelmän lopussa Vivi eroaa äitistään: hän kulkee omaa polkuaan notaarin toimistossa, järjestää elämänsä rehellisellä työllä, hänen tahtoonsa luottaen, tinkimättä moraalisista periaatteistaan. Mutta niin ilkeitä kuin Kitty Warren, Crofts ja heidän kaltaisiaan ovatkin, dramaattisen juonen logiikasta seuraa, että he eivät ole vain ilkeitä: "Yhteiskunta, ei kukaan yksilö, on pahiksi tässä näytelmässä."

Vuosisadan vaihteessa: "Miellyttävät näytelmät" ja "Kolme näytelmää puritaaneille"

Kaksi vuosikymmentä - "Unpleasant Plays" -elokuvan julkaisusta ensimmäisen maailmansodan loppuun - hedelmällinen vaihe Shaw'n työssä. Tällä hetkellä hänen parhaat teoksensa, jotka olivat aiheeltaan monipuolisia ja rakenteeltaan poikkeuksellisia, näkivät päivänvalon. Shaw'n toinen sykli oli nimeltään Pleasant Pieces. Jos edellisellä syklillä kritiikin kohteena olivat yhteiskunnan sosioekonomiset perustat, niin tällä kertaa kritisoidaan näytelmäkirjailijan maanmiesten mieleen vahvasti juurtuneita ideologisia myyttejä, illuusioita, ennakkoluuloja. Esityksen tarkoituksena oli vakuuttaa raittiin näkemyksen tarpeesta, demytologisoida yleinen tietoisuus.

Sykli sisälsi neljä näytelmää: Arms and a Man (1894), Candida (1894), Destiny's Chosen One (1895), Odotetaan ja katsotaan (IS95).

Tästä syklistä lähtien Shaw'n työ sisältää antimilitaristista teemaa, joka oli niinä vuosina erittäin ajankohtainen.

Yksi Shaw'n satiirin suunnista oli taistelukentällä mainetta saaneiden vahvojen persoonallisuuksien "deheroisointi". Tällainen on näytelmä "Kohtalon valittu", jonka alaotsikko on "Trifle". Sen toiminta tapahtuu vuonna 1796 Italiassa, päähenkilön Napoleonin loistavan uran alussa. Esitys heikentää tarkoituksella komentajan kuvaa. Näytelmän laajassa esipuheessa kirjoittaja selittää; Napoleonin nero oli ymmärrys tykistötykkien merkityksestä mahdollisimman monen ihmisen tuhoamisessa (verrattuna kivääri- ja pistintaisteluihin). Ranskalaiset sotilaat ryöstävät vaikeuksissa ja toimivat kuin heinäsirkat Italiassa.

Näytelmä on kirjoitettu leikkisällä tavalla, eikä se ole kaukana historiallisten tosiasioiden seurannasta. Napoleonin suuhun esitti argumentteja hänen päävastustajastaan ​​- Englannista, "keski-ikäisten", "kauppiaiden" maasta. Napoleon puhuu englantilaisesta tekopyhyydestä. Hänen monologissaan Shaw'n itsensä ääni ja intonaatiot ovat erotettavissa: ”Englantilaiset ovat erityinen kansakunta. Yksikään englantilainen ei voi vajota niin alas, ettei hänellä ole ennakkoluuloja, tai nousta niin korkealle, että hän on vapaa vallastaan... Jokaisella englantilaisella on syntymästään asti jokin ihmeellinen kyky, jonka ansiosta hänestä tuli maailman herra... Hänen kristillisen velvollisuutensa on valloittaa ne, jotka omistavat hänen toiveidensa kohteen ... Hän tekee mitä haluaa ja tarttuu mihin haluaa ... "

Britit erottuvat kyvystään perustella mitä tahansa häpeällisimmät teot viittauksilla korkeimpiin moraalisiin auktoriteeteihin, seisoa näyttävässä moraalisen henkilön asennossa.

"Ei ole olemassa mitään ilkeyttä eikä suoritusta, jota englantilainen ei olisi saavuttanut; mutta ei missään tapauksessa ollut, että englantilainen olisi ollut väärässä. Hän tekee kaiken periaatteesta: hän taistelee sinua vastaan ​​isänmaallisista periaatteista, hän ryöstää sinut liikeperiaatteesta; orjuuttaa sinut keisarillisen periaatteen takia; uhkaa sinua maskuliinisuuden periaatteesta; tukee kuningastaan ​​lojaalisuuden periaatteesta ja katkaisee hänen päänsä republikaanismin periaatteesta.

Näytelmässä "Aseet ja mies", joka tunnetaan Venäjällä nimellä "Suklaasotilas", toiminta tapahtuu vuonna 1886 käydyn Bulgarian ja Serbian sodan aikana, joka johti kahden slaavilaisen kansan järjettömään itsetuhoon. Dramaattinen konflikti perustuu Shaw'lle tyypilliseen kahden tyyppisen hahmon – romanttisen ja realistin – vastakohtaan. Ensimmäinen on bulgarialainen upseeri Sergei Saranov, jolla on kaunis "byronilainen" ulkonäkö, joka rakastaa sanallista retoriikkaa yhdistettynä ilmeiseen asetteluun. Toinen tyyppi on palkkasoturi Brünchli, sveitsiläinen, joka palveli serbien kanssa, käytännöllisen mielen mies, ironinen, vailla illuusioita. Hänelle Rayna Petkova, rikas perillinen, osoittaa myötätuntoa. Toisin kuin Saranov, joka huokuu isänmaallista paatosta, Brunchli pitää sotaa kannattavana, hyvin palkattavana työnä.

Shaw'n seuraava kokoelma, Three Pieces for Puritans (1901), sisältää The Devil's Disciple (1897), Caesar and Cleopatra (IS9S), The Conversion of Captain Brasbound (1899). Lempinimen nimeä ei voi ottaa kirjaimellisesti, se on melko ironista. Syklin esipuheessa Shaw ilmoittaa, että hän asettaa näytelmänsä vastakkain sellaisiin, joissa painopiste on rakkaussuhde. Esitys vastustaa intohimoa, joka voittaa järjen. "Älyllisen teatterin" voittajana Shaw pitää itseään "puritaanina", jolla on lähestymistapa taiteeseen.

Tämän syklin näytelmissä Shaw kääntyy historiallisiin juoniin. Draamassa The Devil's Apprentice, joka jatkaa Shawlle niin tärkeää sodanvastaista teemaa, toiminta tapahtuu Amerikan vallankumouksen aikakaudella 1700-luvulla, vuonna 1777, jolloin kolonistit aloittivat vapaustaistelun Englannin kruunusta. . Näytelmän keskiössä on Richard Dudgeon, joka on täynnä vihaa sortoa ja sortajia, kaikenlaista tekopyhyyttä ja tekopyhyyttä kohtaan.

Näytelmä "Caesar ja Kleopatra" on dramaattinen kehitysteeman suuren komentajan ja Egyptin kuningattaren välisestä suhteesta. Tietyssä määrin tämä näytelmä perustuu sisäiseen polemiikkaan Shakespearen tragedian Antonius ja Kleopatra kanssa. Jälkimmäinen tulkitaan yleensä romanttisen rakkauden apoteoosiksi, jolle valtion edut uhrattiin. Antonius ja Kleopatra Shakespearessa ovat intohimoisia rakastajia, joita vastustaa kylmä, varovainen Octavianus. Esitys muuttaa sankarikäsitystä keskittyen voittaneiden roomalaisten ja egyptiläisten monimutkaiseen suhteeseen. Kleopatran toimintaa ohjaa paitsi vahva tunne Caesaria kohtaan, myös poliittinen laskelma. Caesar ei myöskään ole romanttinen sankari, vaan raitis pragmaatikko. Hän hallitsee tunteitaan. Ja kun asiat kutsuvat häntä Italiaan, hän ei vain eronnut Kleopatrasta, vaan myös lupasi keisarinnalle lähettää itselleen korvaajan - "päästä varpaisiin roomalaisen, nuoremman, vahvemman, tarmokkaamman", "joka ei piilota kaljuaan pää voittajan laakereiden alla." Hänen nimensä on Mark Antony.

Shaw'n näytelmästä tulee ikään kuin esikuva Shakespearen näytelmälle, jonka toiminta tapahtuu Caesarin kuoleman jälkeen, kun Egyptin kuningatar tapaa uuden rakastajansa.

Vuosisadan alussa: uusia teemoja, uusia sankareita

1900-luvun alussa Shaw saavutti maailmanlaajuista mainetta. Hänen henkilökohtainen elämänsä on myös ratkaistu. Vuonna 1898 Shaw koki terveysongelmia. Hänelle tehtiin suuri jalkaleikkaus. Haava ei parantunut pitkään aikaan - hänen ruumiinsa heikkeni ylityön ja huonon kasvisravinnon vuoksi. Sairasta kirjailijaa alkoi hoitaa hänen omistautunut ihailijansa Charlotte Payne-Townsend, irlantilainen, jonka hän tapasi Fabian-seurassa. Samana vuonna he menivät naimisiin. Shaw oli 42-vuotias, Charlotte 43-vuotias. He olivat naimisissa 45 vuotta Charlotten kuolemaan saakka vuonna 1943. Heillä ei ollut lapsia. Tällä heidän liitolla oli selvä henkinen perusta. Shaw oli erikoinen mies, ei ilman kummallisuuksia, hänen toimistonsa oli vaikuttava näky. Kaikkialla, pöydällä, lattialla, kasa kirjoja ja käsikirjoituksia. Shaw ei antanut niihin koskea, mutta Charlotte onnistui parantamaan Shaw'n elämää, tuomaan siihen mukavuutta ja minimaalista järjestystä. Kun Charlottelta kysyttiin, oliko hänen helppoa elää neron kanssa, Ogga vastasi: "En elänyt ei-neron kanssa."

1900-luvulla Shaw oli poikkeuksellisen aktiivinen luova; yksi toisensa jälkeen, noin kerran vuodessa, hänen näytelmänsä julkaistiin, eikä missään niistä toistettu: "Man and Superman" (1903), "John Bull's Other Island" (1904), "Major Barbara" (1905), Lääkärin dilemma (1906), Blasco Posnetin paljastaminen (1909), Androclus ja leijona (1912), Pygmalion (1913).

"Mies ja Superman". Näytelmä "Man and Superman", jonka alaotsikko on "Komedia filosofian kanssa", oli menestys. Tämä on muunnelma Don Juanin tarinasta, naisella on aktiivinen periaate, hän jahtaa miestä yrittäen mennä naimisiin itsensä kanssa.

Päähenkilö John Tanner on sosialisti, rikas nuori mies, C.P.K.B. Hän on viehättävä, naiset vetoavat häneen, mutta sankari pelkää heitä ja pyrkii välttämään avioliittoa. Shaw ilmeisesti laittaa ideansa sankarin suuhun, joka kirjoitti Vallankumouksellisten oppaan ja taskuoppaan. Hän kritisoi kapitalistista järjestelmää ja uskoo, että edistystä ei voida saavuttaa poliittisen taistelun kautta, vaan aktiivisen "elämänvoiman" ja ihmisluonnon biologisen parantamisen tuloksena.

Tannerin käsikirja on täynnä nokkelia, paradoksaalisia aforismeja. Tässä muutamia niistä: "Kultainen sääntö on, ettei kultaisia ​​sääntöjä ole"; "Hallituksen taito piilee epäjumalanpalveluksen järjestämisessä"; "Demokratiassa monet tietämättömät ihmiset valitaan, kun taas aiemmin muutama korruptoitunut nimitettiin"; "Et voi tulla kapeaksi asiantuntijaksi joutumatta päihiksi laajassa merkityksessä"; "Parhaiten koulutettuja lapsia ovat ne, jotka näkevät vanhempansa sellaisina kuin he ovat."

Näytelmä koostuu kahdesta osasta - komediasta John Tannerista ja välikappaleesta Doc Juanista. Vertailemalla näitä kuvia kirjoittaja selventää päähenkilön luonteen olemusta. Don Juanin intohimo naisiin erottuu Tannerin henkisestä Don Juanista - hänen intohimostaan ​​uusiin ideoihin, hänen unelmaansa supermiehestä. Mutta hän ei pysty muuttamaan ajatuksiaan todellisuudeksi.

Majuri Barbara. Shaw'n näytelmissä on suoraa ja terävää yhteiskuntakritiikkiä. Näytelmässä "Majuri Barbara" ironian kohteena on Pelastusarmeija, jossa palvelee päähenkilö Barbara, joka ei suinkaan ole täynnä halua tehdä hyviä tekoja. Paradoksissa että järjestäytynyt hyväntekeväisyys, joka on olemassa rikkaiden kustannuksella, ei vähennä, vaan päinvastoin moninkertaistaa köyhien määrää. Hahmoista yksi vaikuttavimmista kasvoista on sankarittaren isä, Undershaft-asetehtaan omistaja. Hän pitää itseään elämän herrana, hänen mottonsa on: "Ilman häpeää", hän on varsinainen "maan hallitus". Undershaft on kuoleman kauppias ja ylpeilee siitä, että häntä hallitsevat aseet ja torpedot uskonnossaan ja moraalissaan. Ei turhaan, hän puhuu viattoman veren meristä, rauhanomaisten maanviljelijöiden tallatuista pelloista ja muista "kansallisen turhamaisuuden" vuoksi tehdyistä uhrauksista: "Kaikki tämä antaa minulle tuloja: rikastun ja saan lisää tilauksia vain, kun sanomalehdet puhuvat siitä."

Ei ole vaikea kuvitella, kuinka merkityksellinen tästä kuvasta on tullut 1900-luvulle, varsinkin intensiivisen asevarustelun aikana.

Shaw ja Tolstoi. Kuten hänen merkittävät aikalaisensa, Galsworthy ja Wells, Shaw ei ohittanut Tolstoin taiteellista panosta, vaikka hän erosi hänestä filosofisesti ja uskonnollisesti. Skeptinen auktoriteettia kohtaan Shaw viittasi kuitenkin Tolstoin "ajatusten hallitsijoiksi", "Euroopan johtajiksi". Vuonna 1898, kun Tolstoin tutkielma What is Art? ilmestyi Englantiin, Shaw vastasi siihen pitkällä arvostelulla. Yksittäisten Tolstoin teesien kanssa kiistellen Shaw jakoi tutkielman pääajatuksen, joka julisti taiteen sosiaalisen tehtävän. Shaw ja Tolstoy suhtautuivat myös kriittisesti Shakespeareen, vaikka he lähtivätkin erilaisista filosofisista ja esteettisistä lähtökohdista.

Vuonna 1903 Shaw lähetti näytelmänsä Mies ja Superman Tolstoille laajan kirjeen mukana. Tolstoin asenne Shaw'ta kohtaan oli monimutkainen. Hän arvosti suuresti lahjakkuuttaan ja luonnollista huumoria, mutta moitti Shaw'ta siitä, ettei hän ollut tarpeeksi vakava, puhuessaan sellaisesta kysymyksestä kuin ihmisen elämän tarkoituksesta vitsillä.

Tolstoi piti Shaw'n toisesta näytelmästä, Blasco Posnetin paljastamisesta (1909), jonka kirjoittaja lähetti Jasnaja Poljanalle. Hän oli hengeltään lähellä kansandraamaa, ja Shaw'n mukaan se kirjoitettiin ilman Tolstoin The Power of Darknessin vaikutusta.

"Pygmalion": Galatea nykymaailmassa

Ensimmäisen maailmansodan aattona Shaw kirjoitti yhden kuuluisimmista näytelmissään Pygmalionin (1913). Se oli luonnonkauniin, muodoltaan perinteisempi kuin monet hänen muut teoksensa, ja siksi menestyi eri maissa ja tuli klassiseen ohjelmistoon. Näytelmästä tuli myös perusta upealle musikaalille "My Fair Lady".

Näytelmän nimi viittaa muinaiseen myyttiin, jonka Ovidius on työstänyt kirjassaan Metamorphoses.

Lahjakas kuvanveistäjä Pygmalion veisti hämmästyttävän kauniin Galatsinin patsaan. Hänen luomuksensa oli niin täydellinen, että Pygmalion rakastui häneen, mutta hänen rakkautensa oli vastatonta. Sitten Pygmalion kääntyi Zeuksen puoleen rukouksella, ja hän herätti patsaan henkiin. Joten Pygmalion löysi onnen tuhon.

Paradoksien, tavanomaisen viisauden ironisen "käännöksen" mestari Shaw suorittaa samanlaisen operaation myytin juonen kanssa. Näytelmässä ei Pygmalion (professori Higgins) "herätä" Galateaa (Eliza Doolittle), vaan Galatea - hänen luojansa, joka opettaa hänelle todellista ihmisyyttä.

Päähenkilöt ovat foneettinen tiedemies, professori Henry Higgins, alansa erinomainen asiantuntija. Hän pystyy määrittämään puhujan alkuperän ja sosiaalisen aseman ääntämisellä. Professori ei koskaan eronnut muistivihkon kanssa, johon hän tallentaa ympärillään olevien murteita. Täysin tieteeseen imeytynyt Higgips on rationaalinen, kylmä, itsekäs, ylimielinen ja hänen on vaikea ymmärtää muita ihmisiä. Professori on naisiin epäluuloinen poikamies, jossa hän näkee aikomuksen varastaa hänen vapautensa.

Chance saa hänet kosketuksiin Eliza Doolittlen kanssa, joka on poikkeuksellisen ja kirkkaan luonteinen kukkakauppias. Hauskan ääntämisen, mautonta ammattikieltä, Shaw paljastaa omituisuutensa ja viehätyksensä. Puheen puutteet järkyttivät Elizaa, estävät häntä saamasta työtä kunnolliseen kauppaan. Professori Higginsille ilmestyessään hän tarjoaa hänelle vähäisen pennin siitä, että hän opettaa oppituntinsa oikealla ääntämisellä. Eversti Pickering, amatööri lilgisti, tekee vetoa Higginsin kanssa: professorin on todistettava, että hän voi muuttaa kukkatytöstä korkean seuran naisen muutamassa kuukaudessa.

Higginsin kokeilu etenee menestyksekkäästi, hänen pedagogiikkansa kantaa hedelmää, mutta se ei ole ongelmaton. Kaksi kuukautta myöhemmin professori tuo Elizan äitinsä, rouva Higginsin, erinomaisen englantilaisen naisen taloon juuri ajoissa vastaanottopäivään. Jonkin aikaa Eliza käyttäytyy ihailtavasti, mutta eksyi yhtäkkiä "kadun muotisanoihin". Higgins pystyy tasoittamaan asioita vakuuttamalla kaikki, että tämä on uusi sosiaalinen ammattikieltä. Elizan seuraava poistuminen korkeaan yhteiskuntaan on enemmän kuin onnistunut. Nuori nainen erehtyy herttuattareksi, ihailee käytöstapojaan, kauneutta.

Kokeilu, joka oli jo alkanut väsyttää Higginsiä, saatiin päätökseen. Professori on jälleen ylimielisen kylmä tyttöä kohtaan, mikä loukkaa häntä syvästi. Shaw laittaa katkeria sanoja hänen suuhunsa korostaen näytelmän humanistista paatosa: ”Sinä vetit minut ulos mudasta! .. Ja kuka sinulta kysyi? Nyt kiitos Jumalalle, että kaikki on jo ohi ja minut on mahdollista heittää takaisin mutaan. Mihin minä olen hyvä? Mihin olet mukauttanut minut? Minne minun pitäisi mennä? Epätoivoissaan tyttö heittää kenkiä Higginsille. Mutta tämäkään ei horjuta professoria tasapainosta: hän on varma, että kaikki järjestyy.

Näytelmässä on traagisia nuotteja. Esitys kyllästää näytelmän syvillä merkityksillä. Hän puolustaa ihmisten tasa-arvoa, puolustaa ihmisarvoa, yksilön arvoa, jota vähiten mitataan ääntämisen kauneudella ja tapojen aristokratialla. Ihminen ei ole välinpitämätön materiaali tieteellisissä kokeissa. Hän on henkilö, jota on kohdeltava kunnioittavasti.

Eliza lähtee Higgipsin talosta. Ja silti hän onnistuu "pääsemään läpi" vanhasta poikamiehestä. Näiden kuukausien aikana professorin ja Elizan välillä kehittyi sympatiaa.

Finaalissa Eliza palaa Higginsin taloon vaatien professoria pyytämään häneltä vetoomuksen, mutta hän saa kielteisen vastalauseen. Hän kiittää Pickeringiä tämän todella ritarillisesta asenteesta häntä kohtaan ja uhkaa Higginsiä, että tämä menee töihin tämän kilpailijan professori Nepinin assistentiksi.

Esitys tarjoaa surullisen "avoimen" lopun. Riiteltyään uudelleen Higginsin kanssa Eliza lähtee isänsä häihin, joka myös koki ihmeellisen metamorfoosin. Humalassa raadonsyöjä, saatuaan testamentissaan huomattavan rahasumman, liittyi moraaliuudistusten seuran jäseneksi. Elizalle hyvästellessä Higgins pyytää tätä ostoksille huomiotta hänen halveksivaa sävyään. Hän on varma, että Eliza palaa.

Shaw itse kirjoitti näytelmän jälkisanassa, ehkä johtuen siitä, että hän oli riippuvainen vitseistä tai halusi hämmentää katsojaa: "... Hän (Elise) tuntee, että hänen (Higginsin) välinpitämättömyydestään tulee enemmän kuin intohimoinen rakkaus muita tavallisia luontoja kohtaan. Hän on suunnattoman kiinnostunut hänestä. Joskus jopa hänellä on ilkeä halu vangita hänet yksin autiolle saarelle ... "

Näytelmä avasi näytelmäkirjailijan lahjakkuuden uuden puolen: sen hahmot pystyvät paitsi väittelemään ja nokkelasti sukeltamaan, myös rakastamaan, vaikkakin taitavasti peittäen tunteensa.

Näytelmän luomisen historia liittyy Shaw'n ja kuuluisan näyttelijä Patricia Campbellin väliseen romaaniin. Se oli romaani kirjeissä. Patricia näytteli Elizan roolia Pygmalionissa. Keskusteltuaan roolista Patrician kanssa Shaw kirjoitti: ”Näin unta ja unelmoin ja olin pääni pilvissä koko päivän ja koko seuraavan päivän kuin en olisi vielä kaksikymmentä. Ja täytän kohta 56. Mitään niin naurettavaa ja niin ihmeellistä ei ole koskaan tapahtunut.

Pygmalionin venäläisistä tuotannoista erityisen merkittävä on ensi-ilta Maly-teatterissa joulukuussa] 943, jossa Elizan roolissa näyttelee loistava D. Zerkalova.

Ensimmäinen maailmansota: "Sydäntäsärkevä talo"

Ensimmäinen maailmansota oli shokki Shawlle. Toisin kuin ne kirjailijat, jotka olivat varhaisessa vaiheessa lähellä "isänmaallista" näkökulmaa (G. Hauptmann, T. Mann, A. France), Shaw otti rohkean, itsenäisen kannan. Vuonna 1914 hän julkaisi pamfletin "Common Sense About War", jonka animaatio oli antimilitaristinen paatos, joka esiintyi myös useissa hänen näytelmissään. "Sota on suurin rikos ihmisyyttä vastaan, menetelmä konfliktien ratkaisemiseksi barbaarisimmalla tavalla!" Shaw vaati. Pamfletissaan hän varoitti vaarasta joutua isänmaallisten ajatusten sokaisemiseen. Vuonna 1915 Gorki tuki hänen humanistista kantaansa kirjeessään Shawille, jota hän kutsui "yhdeksi aikamme rohkeimmista ihmisistä".

Shaw sukelsi sodanvastaisia ​​tunnelmia useisiin lyhyisiin dramaattisiin teoksiin, jotka sisältyivät kokoelmaan "War Plays" (1919): "O" Flaherty, Victorian ritarikunnan ritari, "Jerusalemin keisari", "Anna - bolshevik" Keisarinna" ja "Elokuu tekee velvollisuutensa" Viimeinen näytelmä on menestynein, lähellä farssia.

Lordi Augustus of Highcastle on merkittävä sotilasviranomainen. Itsetyydyttävä ja tyhmä aristokraatti, jolla on "valurautainen pääkallo", joka halveksii tavallisia ihmisiä, hän pitää pseudo-isänmaallisia puheita. Tämä ei estä häntä paljastamasta tärkeitä sotilaallisia salaisuuksia saksalaiselle vakoojille.

Shaw vastasi Venäjän tapahtumiin vuonna 1917. Hän tuomitsi Englannin hallitsevat luokat, jotka yrittivät tukahduttaa bolshevikit väliintulon avulla. Shaw hyväksyi sosialismin Venäjän vallankumouksen tavoitteeksi. Mutta väkivalta bolshevikkien menetelmänä ei ollut Show Demokraatille hyväksyttävää.

Näytelmä Tšehovin tapaan. Sotavuosina merkittävin ja monimutkaisin draama luotiin alkuperäisellä otsikolla, josta tuli aforismi: "Talo, jossa sydämet murtuvat." Shaw aloitti näytelmän työskentelyn vuonna 1913, valmistui vuonna 1917 ja julkaisi sen sodan päätyttyä, vuonna 1919. Näytelmän alaotsikko on "Fantasia venäläiseen tyyliin englannin teemoilla". Kuten tavallista, Shaw edelsi näytelmää, jota leimaa laaja, sosiofilosofinen ääni, yksityiskohtainen esipuhe, joka osoitti sen "venäläistä jälkiä". Tämä näytelmä oli Shaw'lle virstanpylväs; se omaksui monia hänen aikaisempien draamansa motiiveja, teemoja ja tekniikoita. Kirjoittaja korosti idean mittakaavaa: katsojan edessä on kulttuurinen, joutilas Eurooppa sodan kynnyksellä, kun aseet olivat jo ladattu. Näytelmässä Shaw toimii satiirikkona ja yhteiskuntakriitikkona ja kuvaa yhteiskuntaa rentoutuneena, "ylikuumennetussa huoneen ilmapiirissä", jossa "sieluton tietämätön viekkaus ja energia hallitsevat".

Shaw nimesi suuret venäläiset kirjailijat Tšehovin ja Tolstoin edeltäjikseen tällaisten ongelmien kehittämisessä. "Tšehovilla", Shaw sanoo, "on neljä ihanaa teatteria varten tehtyä tutkimusta Talosta, jossa sydämet särkyvät, joista kolme - "Kirsikkatarha", "Setä Vanja" ja "Lokki" on esitetty Englannissa. Myöhemmin, vuonna 1944, Shaw kirjoitti, että hän oli kiehtonut Tšehovin dramaattiset ratkaisut teemaan "kulttuuribummeiden, jotka eivät harjoita luovaa työtä" arvottomuudesta.

Shaw'n mukaan Tolstoi kuvasi myös "Taloa" ja teki tämän "Valaistumisen hedelmissä" "julmalla ja halveksivalla tavalla". Hänelle se oli "talo", jossa Eurooppa "kuolettaa sielunsa".

Shaw'n näytelmässä monimutkainen, monimutkainen juonittelu, jossa todellisuus esiintyy groteskin ja fantasian rinnalla. Sankarit ovat ihmisiä, jotka ovat epätoivoisia, jotka ovat menettäneet uskonsa elämän arvoihin, jotka eivät piilota arvottomuuttaan ja turmeltuneisuuttaan. Tapahtumat kehittyvät talossa, joka on "rakennettu kuin vanha laiva". Näytelmässä esiintyvät kolmen sukupolven edustajat.

Talon omistaja on kahdeksankymmentävuotias kapteeni Shotover, mies, jolla ei ole kummallisuuksia. Nuorena miehenä hän koki romanttisia meriseikkailuja, mutta vuosien mittaan hänestä tuli skeptikko. Hän kutsuu Englantia "sielujen vankityrmäksi". Talolaivasta tulee synkkä symboli. Keskustelussaan yhden tyttärensä aviomiehen Hectorin kanssa Shotover tarjoaa enemmän kuin pessimistisen ennusteen maansa tulevaisuudesta: "Hänen kapteeni makaa sängyllään ja imee jätevettä suoraan pullosta. Ja ohjaamoon menevä joukkue pommittaa kortteja. Ne lentävät, murtuvat ja hukkuvat. Luuletko, että Herran lait kumotaan Englannin hyväksi vain siksi, että olemme syntyneet tänne? Pelastus sellaisesta kohtalosta Shotoverin mukaan piilee "navigoinnin" tutkimuksessa eli poliittisessa koulutuksessa. Tämä on Shaw'n suosikkiidea. Keskisukupolvi, Shotoverin tyttäret Hesiona Heshebye ja Eddie Utterword sekä heidän aviomiehensä on kuvattu satiirisesti. He elävät huonosti, hedelmättömästi ja ymmärtävät sen, mutta heillä ei ole energiaa, he voivat vain valittaa, tehdä sarkastisia huomautuksia toisilleen ja jutella pienistä asioista. Melkein kaikki hahmot ovat sotkeutuneet valheiden verkkoon.

Ainoa toimija tässä taloon kokoontuneessa kirjavassa seurassa on Mengen. Shotover vihaa häntä. Hän varaa dynamiittia räjäyttääkseen ympärillään olevan vihatun maailman, jossa, kuten Hector sanoo, kunnollisia ihmisiä ei juuri ole.

Harvojen positiivisten hahmojen joukossa on nuori Lady Ellie Dan. Siinä yhdistyy halu romanttisiin illuusioihin ja käytännöllisyys. Hän neuvottelee Shotoperin kanssa naimisiin rikkaan miehen Mengenin kanssa, jonka rahat hankittiin rikollisin keinoin. Ellie on valmis "myymään loppuun" hänelle "pelastaakseen sielunsa köyhyydestä". Mutta "vaarallinen vanha mies" Shotoner vakuuttaa hänet, että "rikkaus on kymmenen kertaa todennäköisemmin syöksyä helvettiin". Lopulta Ellie päättää, että paras vaihtoehto on ryhtyä Shotoverin vaimoksi. Ellie muistuttaa jossain määrin sellaisia ​​Shown sankarittaria kuin Vivi, Eliza Doolittle, jolla on arvokkuuden tunne ja paremman elämän jano.

Näytelmän loppu on symbolinen. Saksan ilmahyökkäys osoittautuu ainoaksi mielenkiintoiseksi tapahtumaksi, joka häiritsi hahmojen "siettömän tylsää" olemassaoloa.Yksi pommeista putoaa ehdottomasti kaivoon, jossa Mengen ja taloon saapunut varas piileskelivät. Muut sankarit kokevat "ihania tuntemuksia" ja haaveilevat uudesta hyökkäyksestä...

Tämä näytelmä, kuten Pygmalion, kumoaa Shaw'n itsepintaiset moitteet, joiden mukaan hän ei melkein luonut täysiverisiä ihmishahmoja ja että lavalla esiintyivät vain ideologisten teesien kantajat, tietyt mies- ja naisasuihin pukeutuneet hahmot.

Näytelmä "Talo, jossa sydämet särkyvät" sai päätökseen näytelmäkirjailijan luovan kehityksen tärkeimmän, hedelmällisimmän vaiheen. Edessä oli vielä kolme vuosikymmentä kirjoitustyötä täynnä mielenkiintoisia hakuja.

Kahden maailmansodan välillä: myöhäinen Shaw

Kun sota päättyi ja Versaillesin sopimus (1919) allekirjoitettiin, Shaw oli jo 63-vuotias. Mutta hän ei näyttänyt tuntevan vuosien taakkaa. Tässä kuvataan lyhyesti hänen luovan polun viimeisiä vuosikymmeniä, sillä tämä ajanjakso on jo käsitelty 1900-luvun kirjallisuuden kulkua.

"Takaisin Metusalahin". Näytelmäkirjailija hallitsee uusia teemoja ja genrejä, erityisesti filosofisen ja utopistisen poliittisen näytelmän, eksentrian ja farssin genrejä. Hänen viisinäytöksinen näytelmänsä "Takaisin Metusalahin" (1921) on groteski-fantastisella tavalla jatkettu pohdinta historian ja evoluution ongelmista. Shaw'n idea on alkuperäinen. Hän on vakuuttunut siitä, että yhteiskunnan epätäydellisyys piilee ihmisen itsensä epätäydellisyydessä, ensisijaisesti hänen maallisen olemassaolonsa lyhyessä kestoajassa. Tästä syystä tehtävänä on pidentää ihmisen elinikää Metusalahin ikään asti, eli jopa 300 vuodeksi systemaattisen biologisen evoluution avulla.

"Pyhä Johanna". Seuraava draama on tuotettu. Esitys, Saint Joan (1923), on otsikoitu Chronicle in Six Parts with an Epilogue. Siinä Shaw kääntyi sankariteemaan. Näytelmän keskellä on Jeanne d'Arcin kuva. Tämän tytön kuva ihmisistä, tämän persoonallisuuden ilmiö, salaperäinen ja peloton, herätti ihailua ja oli lukuisten tutkimusten ja ideologisen kiistan kohteena. Vuonna 1920 Jeanne kanonisoitiin pyhimykseksi Taiteellisessa tulkinnassa Jeannen kuvalla Shaw'ssa oli merkittäviä edeltäjiä: Voltaire, Friedrich Schiller, Mark Twain, Anatole France.

Näytelmän esipuheessa Shaw vastusti sankarittarensa romantisointia, hänen elämänsä muuttamista sentimentaaliksi melodraamaksi. Perustuen objektiiviseen tosiasioiden ja asiakirjojen analyysiin, terveen järjen logiikkaa noudattaen, Shaw loi aidon historiallisen tragedian. Hän esitteli Jeannen "järkevänä ja älykkäänä maalaistyttönä, jolla on poikkeuksellisen vahva mielen ja lujuus".

Keskustelussa kuninkaan kanssa Jeanne lausuu sanat, jotka ovat avainasemassa hänen luonteensa ymmärtämisessä: "Olen itse maasta ja sain kaiken voimani työskentelemällä maan päällä." Hän kaipaa palvella isänmaataan, vapautumisensa asiaa. Epäitsekkyydellä ja isänmaallisuudellaan Jeanne vastustaa niitä palatsin juonittelijoita, joita ajavat vain itsekkäät intressit. Jeannen uskonnollisuus on osoitus hänen henkisestä vapaudesta ja todellisen inhimillisyyden kaipauksesta.

Vuonna 1928 Shaw, toinen englantilainen Kiplingin jälkeen, voitti Nobelin kirjallisuuspalkinnon. Vuonna 1931 hän meni Neuvostoliittoon juhlimaan siellä 75-vuotissyntymäpäiviään, ei ilman osuutta raivostuksesta. Stalin hyväksyy.

Englannissa Shaw kirjoitti ja puhui paljon maamme puolustamiseksi. Anteeksipyyntö neuvostoille ei suinkaan ollut todiste Shaw'n poliittisesta lyhytnäköisyydestä, vaikka hänen puheensa varmasti tuntuivat haasteelta brittiläisen lehdistön neuvostovastaisuudelle. Ehkä hän, kuten jotkut länsimaiset kirjailijat 1930-luvulla, joutui Stalinin voimakkaan propagandakoneiston vaikutuksen alle, joka toimi myös ulkomailla.

Viime vuosikymmenien näytelmiä. B. Shaw'n viime vuosien näytelmissä on toisaalta varsinainen sosiopoliittinen teema, toisaalta epätavallinen, paradoksaalinen muoto, jopa taipumus eksentrisyyteen ja pöyhkeilyyn. Tästä johtuu heidän näyttämötulkinnan vaikeus.

Vakavimman talouskriisin vuonna kirjoitetun näytelmän "Apple Cart" (1929) alaotsikko on "Political Extravaganda". Nimi juontaa juurensa ilmaisuun: "kaappaa omenakärry", eli katsoa, ​​ettei rikottu järjestys ole enää ennallistamisen kohteena, järkyttää kaikki suunnitelmat. Toiminta sijoittuu tulevaisuuteen, vuonna 1962, ja se sisältää nokkelaa hyökkäystä Englannin poliittista järjestelmää vastaan.

Näytelmän sisältö rajoittuu älykkään ja oivallisen miehen kuningas Magnuksen loputtomiin kahakkaisiin pääministerinsä Proteuksen ja hänen kabinettinsa kanssa. Proteus myöntää: "Otan pääministerin viran samasta syystä, josta kaikki edeltäjäni ovat tehneet: koska en ole hyvä mihinkään muuhun." Esitys tekee selväksi: ei kuninkaalla, ei ministereillä, vaan monopoleilla, yrityksillä, rahasäkeillä on todellista valtaa. Suuri osa tästä näytelmästä kuulostaa edelleen hyvin relevantilta.

Iloisen pöyhkeyden tapaan jatketaan näytelmää Katkera mutta totta (1932), jonka syvä teema on englantilaisen yhteiskunnan henkinen kriisi. Toisessa näytelmässä - "Aground" (1933) - työttömyyden ja sen voittamisen aihe, joka oli ajankohtainen 1930-luvun alussa, kuulosti. Esitys luo uudelleen karikatyyrimuotokuvia brittihahmoista, pääministeri Arthur Chawenderosta ja hänen hallituksensa jäsenistä.

Näytelmän Simpleton from Unexpected Islands (1934) utopistisen juonen ytimessä on kirjailijan usko tyhjän olemassaolon haitallisuuteen. Useissa näytelmissä Shaw luo kuvia niistä, jotka hankkivat omaisuutensa epäoikeudenmukaisella tavalla (The Millionaire, 1936; Byant's Billions, 1948) tuomitsemalla fasismin ja totalitarismin; tunkeutui hänen näytelmäänsä "Geneva" (1938), dramaattikko kehittymässä; myös historiallisia aiheita ("Kuningas Kaarlen kultaisina päivinä", 1939) Toisen maailmansodan aikana Shaw vaati nopeaa toisen rintaman avaamista ja eurooppalaista solidaarisuutta Venäjää kohtaan, jolloin hän puhui aktiivisesti radiossa, erityisesti piti lyhimmän puheensa, joka koostui vain kahdesta sanasta: "Auta Venäjää".

Death Shaw: Täydellisesti eletty elämä. Juhlittuaan yhdeksänkymmentä vuotta 1946 näytelmäkirjailija jatkoi työtään. Vuonna 1949, vuosi ennen kuolemaansa, hän kirjoitti leikkisän nukkekomedian Shex vs. Shaw, jonka hahmot Shakespeare ja Shaw arvasivat helposti ja johti poissaolevia leikkisää polemiikkaa.

Viime vuosina näytelmäkirjailija asui yksin Ayot-Saint-Laurencen pikkukaupungissa ja jatkoi työskentelyä pysyen elävänä legendana. Shaw kuoli 2. marraskuuta 1950 94-vuotiaana. Kaikki, jotka tunsivat hänet, puhuivat hänestä ihaillen ja panivat merkille tämän neron hämmästyttävän monipuolisuuden.

Kauan ennen kuolemaansa 44-vuotias Shaw sanoi yhdessä puheessaan: "Tein työni maan päällä ja tein enemmän kuin minun piti. Ja nyt olen tullut luoksesi pyytämättä palkkiota. Väitän sen oikeutetusti." Eikä Shaw'n palkintona ollut vain maailmanlaajuinen maine, tunnustus ja rakkaus, vaan ennen kaikkea tietoisuus siitä, että hän oli täyttänyt tehtävänsä maan päällä voimansa ja kykyjensä parhaalla mahdollisella tavalla.

Shaw'n dramaattinen menetelmä; paradoksien musiikkia

Shaw'n kirjailijaura kesti kolme neljäsosaa vuosisataa. Hän oli keksijä, joka jatkoi ja rikasti maailman dramaattisten klassikoiden perinteitä. Hän kehitti ja teroitti Ibsenin "ideadraaman" periaatetta.

Ibsenin hahmojen kiistat kasvoivat Shaw'n pitkiksi keskusteluiksi. Ne hallitsevat näytelmää, imevät ulkoista dramaattista toimintaa ja niistä tulee konfliktien lähde. Usein Shaw aloittaa näytelmänsä laajoilla esipuheilla, joissa hän selittää hahmojen hahmoja ja kommentoi niissä käsiteltyä ongelmaa. Hänen hahmonsa eivät toisinaan ole niinkään psykologisesti määriteltyjä yksittäisiä hahmoja kuin tiettyjen käsitteiden ja teorioiden kantajia. Heidän suhteensa näkyy älyllisenä kilpailuna, ja itse näytelmä muuttuu keskusteludraamaksi. Lahjakas puhuja ja kiistanalainen Shaw välittää nämä ominaisuudet hahmoilleen.

Toisin kuin Ibsen, jonka töitä hallitsivat draamat, Shaw on ensisijaisesti koomikko. Hänen metodologiansa ytimessä on sitiriko-huumoriperiaate. Näytelmä on lähellä antiikin suuren satiirikko Aristophanesin tapaa, jonka näytelmissä hahmojen kilpailuperiaate toteutui.

Esitystä on verrattu Swiftiin. Mutta toisin kuin Swift, varsinkin myöhempi, Shaw ei vihaa ihmisiä. Hänessä ei myöskään ole Swiftin synkkyyttä. Mutta Shaw, ei ilman ironiaa ja jopa halveksuntaa, halveksii ihmisten typeryyttä, heidän hävittämättömiä ennakkoluuloja ja naurettavaa sentimentaalisuutta.

Hänen polemiikkansa Shakespearen kanssa, kaikista sen ääripäistä huolimatta, ei ollut vain Shaw'n mielijohteesta, hänen halustaan ​​järkyttää kirjallinen maailma, haaste lähes itsensä edistämiseksi. Loppujen lopuksi se oli yritys kiistämättömältä auktoriteetilta. Shaw halusi haastaa hänen mielestään Shakespearen tuhoisan epäjumalanpalveluksen, joka on juurtunut maanmiehiinsä, ylimielisen uskon, että vain Englantiin voi syntyä yksi ja vertaansa vailla oleva runoilija, joka on kaiken kritiikin yläpuolella. Tästä seurasi, että kaikki näytelmäkirjailijat ja runoilijat joutuivat keskittymään Shakespeareen työssään. Esitys osoitti myös, että voisi olla toinenkin dramaturgia.

Huumoria, satiiria, paradokseja. Esitys on kaukana todenmukaisesta, peilikuvana todellisuutta. Hänen teatterinsa on älyllistä. Sitä hallitsevat huumorin ja satiirin elementit. Hänen hahmonsa puhuvat vakavista asioista koomisella, ironisella tavalla.

Shaw'n näytelmissä kimaltelee nokkeluutta ja hänen kuuluisia paradoksejaan. Paradoksaalisia eivät ole vain Shaw'n sankarien lausunnot, vaan myös hänen näytelmiensä tilanteet ja usein juonit. Jopa Othellossa Shakespeare sanoo: "Rakkaat vanhat paradoksit ovat olemassa, jotta tyhmät nauravat." Mutta Shaw'n näkökulma: "Minun tapani vitsailla on kertoa totuus."

Monet Shaw'n paradokseista ovat aforistisia. Tässä on joitakin niistä: « Järkevä ihminen sopeutuu maailmaan, järjetön yrittää jatkuvasti mukauttaa maailmaa itselleen. Siksi edistyminen riippuu aina järjettömistä ihmisistä”; ”Kun mies haluaa tappaa tiikerin, hän kutsuu sitä urheiluksi; kun tiikeri haluaa tappaa itsensä, ihminen kutsuu sitä verenhimoksi. Ero rikollisuuden ja oikeuden välillä ei ole enää”; "Kuka tietää miten - tekee; joka ei osaa tehdä - opettaa; joka ei osaa opettaa, opettaa kuinka opettaa”; "Ihmisiä ei imarreltu imartelulla, vaan sillä, että heitä pidetään imartelun arvoisina"; ”Terve kansakunta ei tunne kansallisuuttaan, aivan kuten terve ihminen ei tunne olevansa luita. Mutta jos heikennät sen kansallista arvoa, kansakunta ei ajattele muuta kuin sen palauttamista.”

Shaw'n paradoksit räjäyttivät yleisesti hyväksyttyjen ajatusten kuvitteellisen säädyllisyyden, korostivat niiden epäjohdonmukaisuutta, järjettömyyttä. Tässä Shaw osoittautui yhdeksi absurditeatterin edelläkävijöistä.

Shaw'n näytelmissä runoutta ajatellaan. Hänen sankarinsa ovat rationaalisia, rationaalisia, näytelmäkirjailija jopa ikään kuin ironisesti yli tunteiden tai, tarkemmin sanottuna, yli sentimentaalisuuden. Mutta tämä ei tarkoita, että hänen teatterinsa olisi kuivaa, kylmää, vihamielistä emotionaaliselle, lyyriselle teatterille.

Merkittävä piirre B. Shaw'n teoksissa on niiden piilotettu musikaalisuus. Hän on sopusoinnussa hänen luovan persoonallisuutensa kanssa. Hän asui musiikin ilmapiirissä, ihaili klassikoita, toimi musiikkikriitikkona, rakasti soittaa musiikkia. Hän rakensi näytelmänsä musiikin sävellyksen lakien mukaan, tunsi lauseen rytmin, sanan äänen. Hän kirjoitti jatkuvasti sanamusiikista Shakespearen esitysten arvosteluissa. Hän kutsui näytelmiensä näyttelyitä "alkusoittoiksi", hahmojen dialogeja - "duetoiksi", monologeja - "sooloosiksi". Shaw kirjoitti joistakin kappaleista "sinfonioiksi". Koska Shaw oli toisinaan mukana näytelmiensä näyttämisessä, hän kiinnitti erityistä huomiota esityksen tahtiin ja rytmiin. Monologit, duetot, kvartetot, Sole-leveät kokoonpanot loivat hänen esityksensä musiikillisen kuvion. Hän antoi ohjeita näyttelijän neljälle päääänelle: sopraano, kontralto, tenori, basso. Hänen näytelmissään on käytetty erilaisia ​​musiikkiefektejä.

Thomas Mann, yksi 1900-luvun älyllisen eurooppalaisen romaanin tekijöistä, huomautti poikkeuksellisen hienovaraisesti: "Tämän laulajan ja laulunopettajan pojan dramaturgia on maailman älykkäin, mikä ei estä sitä olemasta musiikkia. - sanojen musiikki, ja se on rakennettu, kuten hän itse korostaa, teeman musiikillisen kehityksen periaatteelle; Kaikella läpinäkyvyydellä, ilmaisukyvyllä ja hillitysti kriittisellä ajattelun leikkisyydellä hän haluaa tulla nähdyksi musiikina ... "

Mutta tietysti Show-teatteri on pikemminkin "esitysten" kuin "kokemusten" teatteri. Hänen dramaattisten ideoidensa toteuttaminen vaatii ohjaajalta ja näyttelijältä epäsovinnaisia ​​lähestymistapoja, suurta konventioastetta. Roolien esittämiseen liittyy epätavallinen näyttelimistyyli, eksentrinen, groteski, satiirisesti terävä. (Hieman samanlaisia ​​vaikeuksia syntyy Brechtin tulkinnassa.) Tästä syystä Pygmalion, useimmiten lavastettu komedia, on lähinnä perinteistä tyyppiä.

Kirjallisuus

Taiteellisia tekstejä

Näyttely B. Valmiita teoksia: 6 osassa / B. Show; esipuhe A Aniksta. - M, 1978-1982.

Show B. Draamasta ja teatterista / B. Show. - M., 1993.

Show B. Musiikista / B. Show. - M, 2000.

Näytä B. Kirjaimet / B. Näytä. - M.. 1972.

Kritiikkiä. Oppaat

Balashov P. Bernard Shaw // Englanninkielisen kirjallisuuden historia: 3 osassa - M „ 1958.

Grazhdanskaya 3. T. Bernard Shaw: essee elämästä ja työstä / 3. T. Grazhdanskaya. - M., 1968.

Obraztsova A. G. Bernard Shaw eurooppalaisessa teatterikulttuurissa XIX-XX vuosisadan vaihteessa / A. G. Obraztsova. - M., 1974.

Obraztsova A. G. Bernard Shaw'n dramaattinen menetelmä / A. G. Obraztsova. - M., 1965.

Pearson X. Bernard Shaw / X. Pearson. - M., 1972.

Romm A. S. George Bernard Shaw / A. S. Romm, - M., L., 1966.

Romm A. S. Show teoreetikko / A. S. Romm. - L., 1972.

Hughes E, Bernard Shaw / E. Hughes, - M., 1966

Näytelmä on näytelmäkirjailijan kirjoittaman kirjallisen teoksen muoto, joka koostuu tyypillisesti hahmojen välisestä vuoropuhelusta ja on tarkoitettu luettavaksi tai teatteriesitykseen; pieni musiikkikappale.

Termin käyttö

Termi "näytelmä" viittaa sekä näytelmäkirjailijoiden kirjoitettuihin teksteihin että heidän teatteriesitykseensä. Muutamat näytelmäkirjailijat, kuten George Bernard Shaw, eivät halunneet saada näytelmänsä luetuksi tai esitettäväksi lavalla. Näytelmä on draaman muoto, joka perustuu vakavaan ja monimutkaiseen konfliktiin.. Termiä "näytelmä" käytetään laajassa merkityksessä - koskien dramaattista genreä (draama, tragedia, komedia jne.).

Kappale musiikissa

Musiikkiteos (tässä tapauksessa sana tulee italian kielestä pezzo, kirjaimellisesti "pala") on instrumentaaliteos, usein pieni volyymi, joka on kirjoitettu pisteen, yksinkertaisen tai monimutkaisen 2-3 osittaisessa muodossa tai rondon muodossa. Musiikkinäytelmän nimi määrittelee usein sen genreperustan - tanssi (F. Chopinin valssit, poloneesit, mazurkat), marssi (P. Tšaikovskin "Lasten albumista" "Marss of the Tin Soldiers"), laulu ( F. Mendelssohnin "laulu ilman sanoja").

Alkuperä

Termi "leikki" on ranskalaista alkuperää. Tässä kielessä sana pala sisältää useita leksikaalisia merkityksiä: osa, pala, työ, kohta. Näytelmän kirjallinen muoto on kulkenut pitkän matkan muinaisista ajoista nykypäivään. Jo antiikin Kreikan teatterissa muodostui kaksi klassista dramaattisten esitysten genreä - tragedia ja komedia. Myöhempi teatteritaiteen kehitys rikastutti draaman genrejä ja lajikkeita ja vastaavasti näytelmien typologiaa.

näytelmän genrejä. Esimerkkejä

Näytelmä on dramaattisen kirjallisuuden muoto, mukaan lukien:

Näytelmän kehitys kirjallisuudessa

Kirjallisuudessa näytelmää pidettiin alun perin muodollisena, yleisenä käsitteenä, joka osoitti, että taideteos kuuluu dramaattiseen genreen. Aristoteles ("Poetiikka", jaksot V ja XVIII), N. Boileau ("Viesti VII Racinelle"), G. E. Lessing ("Laocoon" ja "Hamburgin dramaturgia"), J. W. Goethe ("Weimarin hoviteatteri") käyttivät termiä " näytelmä" yleismaailmallisena käsitteenä, joka soveltuu kaikkiin draaman genreihin.

XVIII vuosisadalla. ilmestyi dramaattisia teoksia, joiden otsikoissa esiintyi sana "näytelmä" ("Näytelmä Kyroksen liittymisestä"). 1800-luvulla nimeä "näytelmä" käytettiin viittaamaan lyyriseen runoon. 1900-luvun näytelmäkirjailijat pyrkivät laajentamaan draaman genrerajoja käyttämällä erilaisia ​​dramaattisia genrejä, vaan myös muita taiteen muotoja (musiikkia, laulua, koreografiaa, mukaan lukien baletti, elokuva).

Näytelmän sävellysrakenne

Näytelmän tekstin sävellysrakenne sisältää joukon perinteisiä muotoelementtejä:

• otsikko;
• näyttelijöiden luettelo;
• hahmoteksti - dramaattiset dialogit, monologit;
• huomautukset (tekijän muistiinpanot toimintapaikan, hahmojen luonteen ominaisuuksien tai tietyn tilanteen osoittamiseksi);

Näytelmän tekstisisältö on jaettu erillisiin kokonaisiin semanttisiin osiin - toimiin tai tekoihin, jotka voivat koostua jaksoista, ilmiöistä tai kuvista. Jotkut näytelmäkirjailijat antoivat teoksilleen tekijän alaotsikon, joka osoitti näytelmän genre-spesifisyyttä ja tyylisuuntausta. Esimerkiksi: "näytelmä-keskustelu" B. Shaw "Avioliitto", "play-parabola" B. Brecht "A kiltti mies Sichuanista".

Näytelmän tehtävät taiteessa

Näytelmällä oli vahva vaikutus taidemuotojen kehitykseen. Maailmankuulut taiteelliset (teatteri-, musiikki-, elokuva-, televisio-) teokset perustuvat näytelmien juoniin:

• oopperat, operetit, musikaalit, esimerkiksi: W. A. ​​Mozartin ooppera "Don Giovanni, or the Punished Libertine" perustuu A. de Zamoran näytelmään; operetin "Truffaldino Bergamosta" juonen lähde on C. Goldonin näytelmä "Kahden herran palvelija"; musikaali "West Side Story" - sovitus W. Shakespearen näytelmästä "Romeo ja Julia";
• balettiesitykset, esimerkiksi: baletti Peer Gynt, joka perustuu G. Ibsenin samannimiseen näytelmään;
• elokuvateokset, esimerkiksi: englantilainen elokuva "Pygmalion" (1938) - sovitus B. Shaw'n samannimisestä näytelmästä; Elokuva Koira seimessä (1977) perustuu Lope de Vegan samannimisen näytelmän juoneeseen.

Nykyaikainen merkitys

Nykyaikaisessa kirjallisuuskritiikassa ja kirjallisuuskäytännössä laajalti käytetty tulkinta näytelmän käsitteestä yleismaailmallisena dramaattisiin genreihin kuulumisen määritelmänä on säilynyt tähän asti. "Näytelmän" käsitettä sovelletaan myös sekadraamateoksiin, joissa yhdistyvät eri genren piirteet (esim. Molièren esittelemä komedia-baletti).

Sana leikki on peräisin Ranskalainen pala, joka tarkoittaa kappaletta, osaa.

B. Esitys "uudesta draamasta"

Historiallisessa ja kirjallisessa näkökulmassa "uusi draama", joka toimi 1800-luvun dramaturgian radikaalina uudelleenjärjestelynä, merkitsi 1900-luvun dramaturgian alkua. Länsi-Euroopan "uuden draaman" historiassa uudistajan ja pioneerin rooli kuuluu norjalaiselle kirjailijalle Henrik Ibsenille (1828-1906).

B. Shaw, joka näki Ibsenissä "suuren idealismin kriitikon" ja hänen näytelmissään - omien näytelmäkeskustelujensa prototyypin, artikkeleissa "Ibsenismin kvintessenssi" (1891), "Realistinen dramaatikko - hänen Kriitikot" (1894) ja myös lukuisissa näytelmien arvosteluissa, kirjeissä ja esipuheissa hän analysoi syvällisesti norjalaisen näytelmäkirjailijan ideologista ja taiteellista innovaatiota ja muotoili sen pohjalta käsityksensä näytelmien luovista tehtävistä. uusi draama". Shaw'n mukaan "uuden draaman" pääpiirre on, että se kääntyi päättäväisesti moderniin elämään ja alkoi keskustella "ongelmista, hahmoista ja toimista, jotka ovat suoraan tärkeitä yleisölle itselleen". Ibsen loi pohjan "uudelle draamalle", ja Shaw'n silmissä nykyyleisölle hän on paljon tärkeämpi kuin suuri Shakespeare. "Shakespeare toi meidät lavalle, mutta meille vieraissa tilanteissa... Ibsen tyydyttää tarpeen, jota Shakespeare ei tyydyttänyt. Se edustaa itseämme, mutta meitä omissa tilanteissamme. Se, mitä hänen hahmoilleen tapahtuu, tapahtuu meille." Shaw uskoo, että nykyajan näytelmäkirjailijan tulisi seurata samaa polkua kuin Ibsen. Samalla omasta työstään puhuessaan Shaw myöntää, että "hänen on pakko ottaa kaikki draaman materiaali joko suoraan todellisuudesta tai luotettavista lähteistä". "En luonut mitään, keksinyt mitään enkä vääristänyt mitään, paljastan vain ne dramaattiset mahdollisuudet, jotka piilevät todellisuudessa."

Yhteiskunnassa vakiintunutta "väärien ihanteiden kulttia" Shaw kutsuu "idealismiksi" ja sen kannattajia "idealisteiksi". Heihin kohdistuu Ibsenin satiirin pointti, joka puolustaa ihmispersoonan oikeutta toimia toisin kuin yhteiskunnan "moraaliset ihanteet" edellyttävät. Ibsen Shaw'n mukaan "vaatii, että korkein tavoite on inspiroitu, ikuinen, jatkuvasti kehittyvä, eikä ulkoinen, muuttumaton, väärä ... ei kirjain, vaan henki ... ei abstrakti laki, vaan elävä impulssi. " Nykyajan näytelmäkirjailijan tehtävänä on juuri paljastaa yhteiskunnassa piilevät ristiriidat ja löytää tie "julkisen ja yksityisen elämän täydellisempiin muotoihin".

Siksi on välttämätöntä toteuttaa draaman uudistus, tehdä keskustelu, erilaisten ajatusten ja mielipiteiden törmäys dramaturgian pääelementiksi. Shaw on vakuuttunut siitä, että modernin näytelmän draaman ei tulisi perustua ulkoiseen juonitteluun, vaan itse todellisuuden teräviin ideologisiin konflikteihin. "Uusissa näytelmissä dramaattinen konflikti ei rakennu ihmisen vulgaaristen taipumusten, hänen ahneutensa tai anteliaisuuden, katkeruuden tai kunnianhimon, väärinkäsitysten ja sattumien ja kaiken muun ympärille, vaan erilaisten ihanteiden törmäyksen ympärille."

Siten Ibsenin koulukunta, Shaw päättää, loi uuden draaman muodon, jonka toiminta liittyy "läheisesti käsiteltävään tilanteeseen". Ibsen "käynnisti keskustelun ja laajensi oikeuksiaan siinä määrin, että levittyään ja tunkeutuessaan toimiin se lopulta assimiloitui häneen. Leikkimisestä ja keskustelusta on tullut lähes synonyymejä. Retoriikka, ironia, argumentaatio, paradoksi ja muut "ideadraaman" elementit on suunniteltu herättämään katsoja "emotionaalisesta unesta", saamaan hänet myötätuntoon, muuttamaan hänestä "osallistuja" syntyneeseen keskusteluun - sana, älä anna hänelle "pelastusta herkkyydessä, sentimentalisuudessa", vaan "opettaa ajattelemaan".

46. ​​Sosiaalisen draaman piirteitä B. Shaw'n teoksessa

George Bernard Shaw (26. heinäkuuta 1856 – 2. marraskuuta 1950) oli brittiläinen (irlantilainen ja englantilainen) kirjailija, kirjailija, näytelmäkirjailija, kirjallisuuden Nobel-palkittu. Julkinen henkilö (sosialistinen "Fabianist", englanninkielisen kirjallisuuden uudistuksen kannattaja). Toiseksi (Shakespearen jälkeen) suosituin näytelmäkirjailija englantilaisessa teatterissa. Bernard Shaw on modernin englantilaisen sosiaalisen draaman luoja. Jatkamalla englantilaisen dramaturgian parhaita perinteitä ja ottamalla vastaan ​​nykyteatterin suurimpien mestareiden - Ibsenin ja Tšehovin - kokemusta, Shaw'n työ avaa uuden sivun 1900-luvun dramaturgiassa. Satiirin mestari Shaw valitsee naurun pääaseeksi taistelussaan sosiaalista epäoikeudenmukaisuutta vastaan. "Minun tapani vitsailla on kertoa totuus", nämä Bernard Shaw'n sanat auttavat ymmärtämään hänen syyttävän naurunsa erikoisuuden.

Elämäkerta: Alkuvaiheessa kiinnostui sosiaalidemokraattisista ideoista; herätti huomion hyvin kohdistetuissa teatteri- ja musiikkiarvosteluissa; myöhemmin hän itse toimi näytelmäkirjailijana ja provosoi välittömästi teräviä hyökkäyksiä ihmisiltä, ​​jotka olivat suuttuneet kuvitteellisesta moraalittomuudestaan ​​ja liiallisesta rohkeudestaan; Viime vuosina siitä on tullut yhä suositumpi englantilaisen yleisön keskuudessa ja se löytää ihailijoita mantereelta kirjoittamalla hänestä kriittisiä artikkeleita ja käännösten hänen valittuja näytelmiään (esimerkiksi saksaksi - Trebitsch). Näytelmä rikkoo täysin puritanisen moraalin, joka on edelleen tyypillistä suurelle osalle englantilaisen yhteiskunnan varakkaita piirejä. Hän kutsuu asioita niiden oikeilla nimillä, pitää mahdollisena kuvata mitä tahansa maallista ilmiötä ja on jossain määrin naturalismin kannattaja. Bernard Shaw syntyi Irlannin pääkaupungissa Dublinissa virkamiehenä toimineen köyhän aatelismiehen perheeseen. Lontoossa hän alkoi julkaista artikkeleita ja arvosteluja teatteriesityksistä, taidenäyttelyistä, ilmestyi painettuna musiikkikriitikkona. Shaw ei koskaan erottanut intohimoaan taiteeseen hänen luontaisesta kiinnostuksestaan ​​aikansa sosiaalista ja poliittista elämää kohtaan. Hän osallistuu sosiaalidemokraattien kokouksiin, osallistuu kiistoihin, häntä kiehtovat sosialismin ideat. Kaikki tämä määritti hänen työnsä luonteen.

Matka Neuvostoliittoon: 21. heinäkuuta - 31. heinäkuuta 1931 Bernard Shaw vieraili Neuvostoliitossa, missä hänellä oli 29. heinäkuuta 1931 henkilökohtainen tapaaminen Josif Stalinin kanssa. Koska Bernard Shaw oli poliittinen sosialisti, hänestä tuli myös stalinismin kannattaja ja "Neuvostoliiton ystävä". Joten näytelmänsä "Aground" (1933) esipuheessa hän tarjoaa teoreettisen perustan OGPU:n tukahduttamiselle kansan vihollisia vastaan. Avoimessa kirjeessään Manchester Guardian -sanomalehden toimittajalle Bernard Shaw kutsuu lehdistössä ilmestyneitä tietoja Neuvostoliiton nälänhädästä (1932-1933) väärennökseksi. Kirjeessään Labour Monthly -lehdelle Bernard Shaw asettui myös avoimesti Stalinin ja Lysenkon puolelle kampanjassa geneettisiä tutkijoita vastaan.

Näytelmä "Philanderer" heijasteli kirjailijan melko negatiivista, ironista asennetta avioliittoinstituutioon, jota hän tuolloin oli; "Leskitaloissa" Shaw antoi ihanan realistisen kuvan Lontoon proletaarien elämästä. Hyvin usein Shaw toimii satiiristina ja nauraa armottomasti englantilaisen elämän rumia ja mautonta puolta, erityisesti porvarillisten piirien elämää ("John Bullin toinen saari", "Arms and the Man", "Kuinka hän valehteli miehelleen", jne.).

Shaw'lla on myös näytelmiä psykologisessa genressä, joskus jopa melodraama-alueen (Candida jne.) vieressä. Hän omistaa myös aiemmin kirjoitetun romaanin: "Rakkaus taiteilijoiden maailmassa". Tätä artikkelia kirjoittaessaan käytettiin materiaalia Brockhausin ja Efronin tietosanakirjasta (1890-1907). 1890-luvun ensimmäisellä puoliskolla hän työskenteli kriitikkona London Worldille, jossa hänen seuraajakseen tuli Robert Hichens.

Bernard III teki paljon aikansa teatterin uudistamiseksi. Sh oli "näyttelijäteatterin" kannattaja, jossa päärooli kuuluu näyttelijälle, hänen teatteritaidolleen ja moraaliselle luonteelleen. Sh:lle ​​teatteri ei ole yleisön viihteen ja viihteen paikka, vaan intensiivisen ja merkityksellisen keskustelun areena, jota käydään polttavista aiheista, jotka syvästi kiihottavat yleisön mieltä ja sydäntä.

Todellisena uudistajana Shaw puhui draaman alalla. Hän hyväksyi uudenlaisen näytelmän englantilaisessa teatterissa - älyllisen draaman, jossa pääpaikka ei kuulu juonittelulle, ei terävälle juonelle, vaan jännittyneille kiisteille, sankarien nokkelille sanallisille kaksintaisteluille. Shaw kutsui näytelmiään "keskustelunäytelmiksi". Ne innostivat katsojan mielen, pakottivat hänet pohtimaan tapahtuvaa ja nauramaan olemassa olevien määräysten ja tapojen järjettömyydelle.

1900-luvun ensimmäinen vuosikymmen ja erityisesti maailmansotaa 1914-1918 edeltävät vuodet kuluivat Shawlle merkittävien ristiriitaisuuksien merkin alla hänen luovissa etsinnöissään. Shaw'n demokraattisten näkemysten ilmaisu tänä aikana oli yksi hänen loistavimmista ja. tunnetut komediat - "Pygmalion" (Pygmalion, 1912) Kirjallisuuskriitikkojen keskuudessa on mielipide, että Shaw'n näytelmät, enemmän kuin muiden näytelmäkirjailijoiden näytelmät, edistävät tiettyjä poliittisia ideoita. Bernard Shaw'ssa militantti ateismi yhdistettiin "elämänvoiman" anteeksipyyntöön, jonka evoluution objektiivisten lakien mukaan pitäisi viime kädessä luoda vapaa ja kaikkivaltias yksilö, joka on vapaa omasta eduista, pikkuporvarillisesta kapeasta. , ja luonteeltaan ankarista moraalisista dogmeista. Sosialismi, jonka Shaw julisti ihanteeksi, veti häneen yhteiskunnana, joka perustuu absoluuttiseen tasa-arvoon ja yksilön monipuoliseen kehitykseen. Shaw piti Neuvosto-Venäjää sellaisen yhteiskunnan prototyyppinä. Useammin kuin kerran ilmaisi ehdottoman tukensa proletariaatin diktatuurille ja ilmaisi ihailunsa Leniniä kohtaan, Bernard Shaw teki matkan Neuvostoliittoon vuonna 1931 ja näkemäänsä katsauksissaan vääristeli törkeästi todellista tilannetta oman teoreettisen näkemyksensä hyväksi. näkemykset, jotka saivat hänet jättämään huomiotta nälän, laittomuuden tai orjatyön. Toisin kuin muut neuvostokokeilun länsimaiset kannattajat, jotka vähitellen vakuuttuivat sen poliittisesta ja moraalisesta epäonnistumisesta, Shaw pysyi "Neuvostoliiton ystävänä" elämänsä loppuun asti. Tämä kanta jätti jäljen hänen filosofisiin näytelmiinsä, jotka yleensä ovat suoraa saarnaamista Shaw'n utopistisista näkemyksistä tai yritystä argumentoida hänen poliittisia mieltymyksiään. Showtaiteilijan arvovaltaa luovat pääosin erilaiset näytelmät, jotka johdonmukaisesti toteuttavat hänen ideadraaman periaatetta, johon liittyy ristiriitaisten käsitysten yhteensopivuus elämästä ja arvojärjestelmistä. Keskustelunäytelmä, jota Shaw piti ainoana aidosti nykyaikaisena dramaattisena muodona, voisi olla tapojen komedia, päivän aiheeseen osoitettu pamfletti, groteskki satiirinen katsaus ("ylimääräinen", Shaw'n omalla terminologialla) ja " korkea komedia" huolellisesti kehitetyillä hahmoilla, kuten "Pygmalion" (1913), ja "fantasia venäläiseen tyyliin", jossa on selkeitä kaikuja Anton Pavlovich Chekhovin motiiveista (kirjoitettu ensimmäisen maailmansodan aikana, hän piti sitä katastrofina, "The House Where Hearts Break" (1919, lavastettu 1920. Bernard Shaw'n dramaturgian genre monimuotoisuus vastaa sen laajaa emotionaalista kirjoa - sarkasmista elegiseen pohdintaan rumien sosiaalisten instituutioiden uhreiksi joutuneiden ihmisten kohtalosta. Shaw'n alkuperäinen esteettinen idea pysyy kuitenkin ennallaan, ja hän on vakuuttunut siitä, että "näytelmää ilman riitaa ja kiistan aihetta ei enää lainata vakavana draamana". Hänen oma johdonmukaisin yritys vakavaan draamaan sanan varsinaisessa merkityksessä oli Saint Joan (1923), joka on versio tarinasta Jeanne d'Arcin oikeudenkäynnistä ja teloituksesta. Melkein samanaikaisesti viidessä osassa kirjoitettu näytelmä "Takaisin Metusalahin" (1923), jonka toiminta alkaa luomishetkellä ja päättyy vuonna 1920, kuvaa parhaiten Shaw'n historiallisia käsityksiä, joka näkee ihmiskunnan kronikan vuorotteluna pysähtyneisyyden ja luovan kehityksen jaksot, lopulta huipulla.

Kirjoittaminen

G. Ibsenin näytelmä "Nora" ("Nukketalo") aiheutti kiivasta keskustelua yhteiskunnassa, paikoin olohuoneissa jopa julkaistiin ilmoitus: "Älä puhu \\"nukkekodista\\"". Itse asiassa uusi draama alkoi päähenkilö Ibsenin sanoilla, joka sanoi miehelleen Gelmerille: "Meillä on jotain puhuttavaa." Ibsen loi eräänlaisen näytelmä-keskustelugenren, jossa hahmojen pääasia ei ole saavuttaa menestystä elämässä, vaan etsiä todellisia todisteita totuudesta dialogissa. Näytelmäkeskustelu herätti keskustelua myös elämässä.

Tosiasia on, että edes nykypäivän naisen vapautuessa Noran käytöstä - hänen luopumistaan ​​lapsista - ei voida pitää normina, ja Ibsenin aikana se loukkasi yleistä moraalia.

Noran rooli on iso testi jokaiselle näyttelijälle. Kuuluisista näyttelijöistä Noraa näyttelivät italialainen Eleonora Duse ja venäläinen Vera Komissarzhevskaya. Ensimmäinen lyhensi näytelmän tekstiä, kun taas toinen soitti kokonaan Ibsenin mukaan.

Oletettiin, että taideteoksessa, mukaan lukien draama, on hahmojen kehityksen logiikka, joka määrää hahmojen toiminnan, eli tämän käsitteen mukaan hahmon elämässä ei voi olla mitään odottamatonta. Nora on rakastava äiti, ja normaalin päättelyn logiikan mukaan riita miehensä kanssa ei voi olla syy lastensa jättämiseen. Kuinka tämä "lintu", "orava" saattoi päättää tällaisesta teosta ja puolustaa niin itsepäisesti näkökulmaansa?

Ibsen ei seurannut normaalin tapahtumanratkaisun polkua. Hän oli keksijä draaman alalla, joten hahmojen psykologisesta riittämättömyydestä tuli hänen symboli sosiaalisten suhteiden riittämättömyydestä. Ibsen loi analyyttisen, ei psykologisesti jokapäiväisen näytelmän, ja tämä oli uutta. Ibsen osoitti, kuinka ihminen kaikesta huolimatta, psykologisesta varmuudesta huolimatta, uskaltaa olla oma itsensä.

"Minun täytyy itse selvittää, kumpi on oikeassa - yhteiskunta vai minä", Nora ilmoittaa miehelleen. – En voi enää olla tyytyväinen siihen, mitä enemmistö sanoo ja mitä he kirjoittavat kirjoihin. Minun täytyy itse miettiä näitä kaikkia asioita ja yrittää ymmärtää ne."

Luotuaan näytelmän, joka oli tunnelmaltaan uusi (analyyttinen), Ibsen "ei purkanut" sitä arkisista yksityiskohdista. Näin näytelmä alkaa joulukuusella, jonka Nora osti ja toi kotiin pyhänä aattona. Joulu katolilaisille ja protestanteille on vuoden pääloma, se on perheen mukavuuden ja lämmön persoonallisuus. Joulukuusen lisäksi näytelmäkirjailija antaa monia muitakin arkisia yksityiskohtia. Tämä on Noran napolilainen puku, jossa hän tanssii naapurin juhlissa, sitten samassa asussa hän aloittaa ratkaisevan keskustelun Gelmerin kanssa. Tämä on postilaatikko, jossa on koronantajan paljastava kirje, Rankin käyntikortti, jossa on merkki hänen välittömästä kuolemastaan. Lähtiessään Gelmeristä Nora haluaa ottaa mukaansa vain ne tavarat, jotka hän toi kotoaan menessään naimisiin. Hän on "vapautettu" "nukkekodin" asioista, kaikesta, mikä näyttää hänen mielestään epärehelliseltä, vieraalta. Ibsen pyrki monissa yksityiskohdissa näyttämään Helmerin talon elämän "roskaamista". Samalla nämä alitekstin yksityiskohdat auttavat lukijaa ja katsojaa ymmärtämään tapahtuneen olemuksen.. Juhlassaan Norjan naisliitossa vuonna 1898 pitämässään puheessa kirjailija sanoi: "Kiitos maljasta, mutta Minun on torjuttava kunnia osallistua tietoisesti naisliikkeeseen. En edes ymmärtänyt asian ydintä. Ja syy, jonka puolesta naiset taistelevat, näyttää minusta olevan yleismaailmallinen ... "

Rohkeimpina Ibsenin aikana pidettiin Noran lausuntoja ja tekoja näytelmän lopussa, kun Gelmer, peloissaan vaimonsa jättävän perheen, muistuttaa häntä velvollisuuksistaan ​​miestään ja lapsiaan kohtaan. Nora vastaa: ”Minulla on muita velvollisuuksia ja samat pyhät. Velvollisuudet itseäni kohtaan." Gelmer turvautuu viimeiseen argumenttiin: ”Ensinnäkin olet nainen ja äiti. Se on tärkeintä." Nora vastaa (tässä vaiheessa kuului taputuksia): "En usko siihen enää. Luulen, että ensinnäkin olen ihminen kuten sinä... tai ainakin minun pitäisi huolehtia siitä, että minusta tulee ihminen."

1800- ja 1900-luvun vaihteessa feminismin lipuksi noussut Ibsenin näytelmä sata vuotta myöhemmin ei herätä kiinnostusta siellä, missä se kerran sai jyliseviä suosionosoituksia, eli Norjassa, Venäjällä ja tietysti muissa maissa. Luonnollinen kysymys: miksi? Ovatko kaikki ongelmat, jotka saivat Noran toimimaan niin kuin hän teki, hävinneet? Ehkä tämä johtuu siitä, että Nora käsittelee erityistapausta yksilön vapautustaistelusta? "Nukketalo" on kuitenkin näytelmä, joka osoittaa ulkoisesti vauraan elämän ja sen sisäisen vaivan välisen ristiriidan. Ehkä ihmisen vapautumisen ongelma 2000-luvun alussa siinä näkökulmassa, jossa se esitetään Ibsenin näytelmässä, näyttää kaukaa haetulta, sanotaan "nainen raivoaa rasvasta", vaikeassa elämässämme ei ole aikaa siihen.

Näytelmässä on toinenkin tärkeä seikka päähenkilön kohtalon huomioimisen lisäksi. F. M. Dostojevskin mukaan ihmiskunnan muuttuminen ajattelemattomiksi ja rauhallisiksi nukkeiksi, jotka tottelevat nukkenäyttelijöitä (kuten näytelmässä: Gelmer - Nora), on kauhea vaara. Sivilisaation mittakaavassa "nukeilla leikkiminen" johtaa totalitaaristen hallintojen syntymiseen ja kokonaisten kansojen kuolemaan. Mutta Ibsenillä ei tietenkään voi olla näitä johtopäätöksiä. Hänelle perhe on yhteiskunta, sen jälki. Eikä tästä voi olla muuta kuin samaa mieltä.

Ibsenin draamat, jotka kulkivat ympäri maailman kaikkia teattereita, vaikuttivat voimakkaasti maailmandraamaan. Taiteilijan kiinnostuksesta hahmojen henkiseen elämään ja sosiaalisen todellisuuden kritiikkiin tuli progressiivisen draaman lakeja 1800- ja 1900-luvun vaihteessa.

Harmi, että teatteridemme ohjelmistossa ei nykyään ole juuri lainkaan G. Ibsenin näytelmiä. Vain satunnaisesti kuulee Edvard Griegin musiikkia toiselle Ibsenin teokselle - draamalle "Peer Gynt", joka liittyy kansantaiteeseen, satujen maailmaan. Solveigin viehättävä kuva, draaman syvä filosofinen merkitys herätti kaikkien kauneuden ystävien huomion Peer Gyntiin.