Minä vuonna teatteri perustettiin? Teatterin syntyhistoria Venäjällä tai kuinka teatteri ilmestyi

Kaikki alkoi primitiivisestä yhteiskunnasta, jolloin ihminen oli täysin riippuvainen luonnonvoimista, joita hän ei ymmärtänyt. Vuodenaikojen vaihtelut, odottamattomat vilustumiset, sadon epäonnistumiset, tulipalot, taudit - kaikki johtui yliluonnollisista voimista, jotka oli voitettava. Yksi varmimmista tavoista menestyä oli taikuutta tai taikuutta. Se koostui siitä, että ennen työn aloittamista näytettiin kohtaus, joka kuvaa tämän prosessin onnistunutta loppuunsaattamista. Näihin esityksiin osallistujat käyttivät monimutkaista pantomiimia laulun, musiikin ja tanssin säestyksellä. Ja näissä rituaalisissa toimissa on jo alkanut näkyä modernin teatterin elementtejä… Kuva-1L

Muinaisessa Egyptissä, jo kolmannen vuosituhannen lopussa eKr. joka vuosi temppeleissä lavastettiin teatterikohtauksia maanviljelijöiden ja käsityöläisten suojelijasta Osiriksen jumalasta.

Kreikassa karnevaalityyppiset rituaalit maaseudun jumalien kunniaksi ovat olleet yleisiä jo pitkään. Dionysoksen kultilla oli tärkeä rooli kreikkalaisen teatterin kehityksessä. Nämä esitykset koostuivat kolmesta tragediasta ja kolmesta komediasta. Teatterit rakennettiin ulkoilmaan ja olivat valtavan kokoisia. Näyttelijät olivat vain miehiä, jotka näyttelivät myös naisrooleja. Komediahahmojen piti aiheuttaa naurua, joten näyttelijöiden käyttämissä naamioissa oli litistynyt nenä, ulkonevat huulet ja pullistuneet silmät. Kreikassa kansanteatterin spektaakkelit, joita kutsutaan miimiksi, olivat myös suosittuja. Miimi on pieni kotimainen tai satiirinen kohtaus, jossa on kuvattu sekä markkinavarkaita että mytologisia sankareita. Niissä eivät vain miehet, vaan myös naiset, ja näissä teatteriesityksissä näyttelijät esiintyivät ilman naamioita.

Antiikin Rooman teatteri on ensisijaisesti yleisön viihdettä varten tarkoitettu spektaakkeli. Ja näyttelijöitä pidettiin alimpien luokkien ihmisinä, mutta jotkut näyttelijät ovat saavuttaneet yleisen kunnioituksen.

Renessanssin teatteri, nämä esitykset olivat iloisia, täynnä terävää satiiria ja mehukasta huumoria. Teatterinäytöksiä järjestettiin aukioille, puulavalle, joiden ympärillä oli aina suuri joukko ihmisiä. Teatterit alkoivat keskittyä suuriin teollisuus- ja kulttuurikaupunkeihin. Samaan aikaan teatteri jaettiin tyyppeihin. Esimerkiksi ooppera syntyi 1500- ja 1600-luvun vaihteessa, baletti 1700-luvun puolivälistä, operetti 1800-luvun puolivälistä.

Tämän teatterin aikakauden dramaturgian piirre oli korkean sankarillisen periaatteen läsnäolo, käsitteiden jako hyvään ja pahaan, vapaa siirtyminen ylevästä matalaan, traagisesta koomiseen.

Renessanssi antoi sysäyksen teatterin edelleen kehitykselle ja sen lähestymiselle nykyiseen teatteriin.

Teatteri on suosittu ja rakastettu taiteen muoto. Kun ostamme teatterilippuja, odotamme näkevämme ja kuulevamme suosikkitaiteilijoitamme.
Teatterilla on hyvin vanha historia. Myös esi-isämme nauttivat tästä upeasta taiteesta vuosisatoja sitten. Primitiivisessä yhteiskunnassa ihmiset eivät tietenkään tienneet, mitä juliste on, eikä heillä ollut aavistustakaan näyttelijän ammatista, mutta he osallistuivat suoraan teatterituotantoon. Jopa noiden aikojen pakanalliset riitit olivat luonteeltaan teatteriesitystä, mikä oli tapa palvella jumalia. Jokaisella papilla oli julkisen puhumisen ja karisman lahja.

Antiikin aikakaudella teatteri menettää vähitellen rituaalitehtävänsä ja saa viihdyttävän luonteen. Muinaisessa Kreikassa teatteriesitysten juonit perustuivat jaksoihin Olympuksen jumalien elämästä sekä kreikkalaisten sankarien hyökkäyksistä. Näyttelijät ja näytelmäkirjailijat saivat suuret kunnianosoitukset Kreikassa, kun taas Roomassa he eivät päinvastoin kunnioittaneet näyttelijöitä. Teatterirakennuksissa pidettiin gladiaattoritaisteluja, sirkuspelejä ja verisiä näytöksiä, jotka syrjäyttivät teatteritaiteen lähes kokonaan.

Keskiajalla teatteriesitykset kiellettiin, koska kristillinen kirkko näki niissä pakanallisten riitojen ja rituaalien jäänteitä. Inkvisitio joutui ankaran vainon kohteeksi näyttelijät, ja teatteriesitysten katsomisesta rangaistiin ekskommunikaatiolla. Kaikki teatterit suljettiin, joten näyttelijät yhdistyivät kiertoryhmiksi ja esittelivät taidettaan pienissä kylissä.

Renessanssin aikana kirkon vaikutus heikkeni kaikilla ihmiselämän aloilla, alkoi siirtyminen asketismin ihanteista yksilönvapauteen ja humanismiin. Tiede ja kaikki taiteen osa-alueet kehittyivät aktiivisesti. Teatteri kehittyi erityisen nopeasti: ilmestyi katettuja kerrostaloja, kehitettiin näyttämölaitteita, joiden yhteydessä syntyi uusia teatterin erikoisuuksia: näyttämöinsinööri, akustikko, valaisija ja muut, uusia teatteritaiteen genrejä ilmestyi, erityisesti klassinen ooppera.

1800-luvun loppua - 1900-luvun alkua leimaa suuntautuminen esityksen kaikkien komponenttien harmoniseen yhdistelmään. Tämä tuli mahdolliseksi ohjaajan ammatin syntymisen ja esittävien taiteiden siirtymisen uudelle tasolle ansiosta. Tärkeä rooli tässä oli näyttelijäkoululla K.S. Stanislavski.

Nykyään teatteri on monityylilaji. Itse lähestymistapa teatteritoimintaan on muuttunut: se sisältää musiikkia, installaatioita, monimutkaisia ​​maisemakoneistoja, heijastuksia. Jopa puku voi tulla taide-esine.
Myös teatterin musiikki on muuttunut. Monista tuotannoista on tullut enemmän musikaalisia, lisäksi interaktiivisia elementtejä: katsoja voidaan helposti kutsua mukaan tapahtumien kulkuun, laulamaan tai vaikka pienempään rooliin.

Teatteri on edelleen elävä genre, se ottaa jatkuvasti uusia elementtejä sisäänsä - ja tämä on takuu sen elävälle ja kehittymiselle.

Teatteritaiteen juuret ovat muinaisista ajoista toteemisiin tansseihin, eläintottumusten rituaaliseen kopioimiseen, rituaalien suorittamiseen erikoisasuilla, naamioilla, tatuoinneilla ja vartalomaalauksella. Teatterin kehityksen alkuvaiheessa näytelmäkirjailija ja esiintyjä yhdistyivät yhdeksi henkilöksi.

Muinaisessa maailmassa esityksiin kokoontui jopa kymmeniä tuhansia katsojia. Esitysten toiminta avautui luonnon helmassa, ikään kuin se jäisi tapahtumaksi itse elämässä. Tämä antoi antiikin teatterille luonnollisuutta ja eloisuutta.

Keskiajalla teatteri kehittyy muodoissa, jotka juontavat juurensa liturgiseen draamaan, jota esitetään osana jumalanpalvelusta. XIII-XIV vuosisadalla. jumalanpalveluksesta erillisiä genrejä syntyy - näihin kirkon tuotantoihin tunkeutuu mysteeri, ihme, kansanmotiivit ja ideat. Teatterin kansanmusiikkia toteutetaan sekä harrastajataiteen kautta että kiertävien näyttelijöiden katuesityksinä. XV vuosisadalla. syntyy keskiaikaisen teatterin demokraattisin genre - farssi, joka toisti nerokkaasti aikalaisten elämää ja tapoja.

Renessanssin kansanmusiikin teatteritaiteen muodot täyttyvät humanismista (italialainen naamiokomedia), teatterista tulee filosofinen, maailman tilan analysointiväline (Shakespeare), sosiaalisen taistelun väline (Lope de Vega).

Klassismin teatteri (XVII vuosisata) on aikakautensa varsinaista taidetta, joka on rakennettu normatiivisen estetiikan (Boileau) ja rationalistisen filosofian (Descartes) pohjalta. Se perustuu suureen traagiseen (Racine, Corneille) ja suureen komediaan (Molière) dramaturgiaan, joka vahvistaa ihanteellisia sankareita ja pilkkaa paheita. Näyttelijät ilmentävät hahmojen yleismaailmallisia piirteitä jättäen huomioimatta heidän erityiset historialliset ja kansalliset ominaisuutensa. Klassismin teatteri on hovin taiteellisten intressien ja yleisön tarpeiden keskiössä.

XVIII vuosisadalla. Valaistuksen ideat tunkeutuvat teatteriin (Didero, Lessing), siitä tulee kolmannen aseman sosiaalisen taistelun väline feodalismia vastaan. Näyttelijät pyrkivät ilmaisemaan hahmon sosiaalista asemaa.

XIX vuosisadan ensimmäisellä puoliskolla. romanttisen teatterin leviäminen. Hänelle on tunnusomaista kohonnut emotionaalisuus, lyyrisyys, kapinallinen paatos ja spesifisyys hahmojen kuvauksessa.

XIX vuosisadan 30-luvulla. kriittisestä realismista tulee hallitseva suuntaus teatterissa. Tämä suunta kehittyy Gogolin, Ostrovskin ja myöhemmin Tšehovin, Ibsenin, Shawin dramaturgian pohjalta. Teatteri tulee syvästi kansalliseksi ja demokratisoitumaan, sen massa-, populaarimuodot kehittyvät. On teattereita, jotka on suunniteltu tavallisille ihmisille: "tabloid" (Pariisi), "pieni" (New York), esikaupunkien teatterit (Wien).

Venäjän näyttämötaide 1800-luvulla. - realismin teatteri, akuutit sosiaaliset ongelmat, kriittinen suhtautuminen todellisuuteen, sen satiirisen paljastumisen saavuttaminen, elämän tyyppi, persoonallisuuden psykologinen analyysi.

1900-luvun ensimmäisellä kolmanneksella teatterissa tapahtui suuri uudistus: teatteriin tuli ohjaaja. Tämä on 1900-luvun valloitus. Ohjaajat K. Stanislavsky, V. Meyerhold, M. Reinhardt, A. Appia, G. Craig, L. Kurbas loivat uusia tieteellisiä esittävien taiteiden teorioita. Nykyaikana esityksen pääperiaate on kokonaisuus. Ohjaaja ohjaa tätä kokoonpanoa (ryhmää), tulkitsee näytelmäkirjailijan ideaa, muuttaa näytelmän esitykseksi ja organisoi sen koko kulun.

Teatteri (kreikaksi θέατρον - päätarkoitus on paikka spektaakkeleille, sitten - spektaakkeli, sanasta θεάομαι - katson, näen) - näyttävä taiteen muoto, joka on synteesi eri taiteista - kirjallisuus, musiikki, koreografia, laulu kuvataiteet ja muut ja sillä on oma erityispiirteensä: todellisuuden, konfliktien, hahmojen heijastus sekä niiden tulkinta ja arviointi, tiettyjen ideoiden hyväksyminen tapahtuu täällä dramaattisen toiminnan kautta, jonka pääkantaja on näyttelijä.

Yleiskäsite "teatteri" sisältää sen eri tyypit: draamateatteri, ooppera, baletti, nukke, pantomiimiteatteri jne.

Teatteri on aina ollut kollektiivista taidetta; nykyteatterissa näyttelijöiden ja ohjaajan (kapellimestari, koreografi) lisäksi näyttelijöiden ja ohjaajan (kapellimestari, koreografi) luomiseen osallistuvat näyttämösuunnittelija, säveltäjä, koreografi sekä rekvisiitta, pukusuunnittelijat, meikkaajat, lavatyöntekijät ja valaisimet. esitys.

Teatterin kehitys on aina ollut erottamaton yhteiskunnan ja koko kulttuurin tilasta - sen kukoistusaika tai taantuminen, tiettyjen taiteellisten suuntausten vallitseminen teatterissa ja rooli maan henkisessä elämässä liittyivät yhteiskunnallisen kehityksen erityispiirteet.

TEATTERI (kreikan sanasta theatron - paikkoja spektaakkelille, spektaakkelille), näyttävän taiteen päälaji. Teatterin yleinen käsite on jaettu teatteritaiteen tyyppeihin: draamateatteri, ooppera, baletti, pantomiimiteatteri jne. Termin alkuperä liittyy antiikin kreikkalaiseen antiikkiteatteriin, jossa auditorion istuimia kutsuttiin tällä tavalla (kreikan verbistä "teaomai" - katson). Nykyään tämän termin merkitys on kuitenkin erittäin monipuolinen. Sitä käytetään lisäksi seuraavissa tapauksissa:

1. Teatteri on rakennus, joka on erityisesti rakennettu tai mukautettu esitysten näyttämiseen ("Teatteri on jo täynnä, laatikot paistavat" A.S. Pushkin).

2. Laitos, esitysten näyttämistä harjoittava yritys sekä sen työntekijät, jotka vuokraavat teatteriesityksiä (Mossovet-teatteri, Taganka-teatterin kierrokset jne.).

3. Joukko dramaattisia tai näyttämöteoksia, jotka on rakennettu jonkin periaatteen mukaan (Tšehovin teatteri, renessanssiteatteri, japanilainen teatteri, Mark Zaharovin teatteri jne.).

4. Vanhentuneessa mielessä (säilytetty vain teatterin ammattislangissa) - näyttämö, näyttämö ("Jalo köyhyys on hyvä vain teatterissa" A.N. Ostrovsky).

5. Kuvainnollisessa mielessä - kaikkien meneillään olevien tapahtumien paikka (sotilaallisten operaatioiden teatteri, anatominen teatteri).

Kuten kaikilla muillakin taidemuodoilla (musiikki, maalaus, kirjallisuus), teatterilla on omat erityispiirteensä. Tämä taide on synteettistä: teatteriteos (esitys) koostuu näytelmän tekstistä, ohjaajan, näyttelijän, taiteilijan ja säveltäjän työstä. Musiikilla on ratkaiseva rooli oopperassa ja baletissa.

Teatteri on kollektiivista taidetta. Esitys on monien ihmisten toiminnan tulos, ei vain lavalla esiintyvien, vaan myös niiden, jotka ompelevat pukuja, tekevät rekvisiitta, valaisevat, kohtaavat yleisön. Ei ihme, että "teatterityöntekijöille" on olemassa määritelmä: esitys on sekä luovuutta että tuotantoa.

Teatteri tarjoaa oman tapansa ymmärtää ympäröivää maailmaa ja sitä kautta omat taiteelliset keinonsa. Esitys on sekä näyttämötilassa tehtyä erityistä toimintaa että erityistä figuratiivista ajattelua, joka eroaa esimerkiksi musiikista.

Teatteriesitys perustuu tekstiin, kuten näytelmään draamaesitystä varten. Jopa niissä näyttämöissä, joissa sana sellaisenaan puuttuu, teksti on välttämätön; erityisesti baletilla, ja joskus pantomiimilla on käsikirjoitus - libretto. Esityksen työstäminen koostuu dramaattisen tekstin siirtämisestä lavalle - tämä on eräänlainen "käännös" kielestä toiseen. Tämän seurauksena kirjallisesta sanasta tulee näyttämön sana.

Ensimmäinen asia, jonka katsoja näkee verhon avautumisen (tai nousun) jälkeen, on lavatila, johon maisema sijoitetaan. Ne osoittavat toimintapaikan, historiallisen ajan, heijastavat kansallista makua. Tilarakenteiden avulla voidaan välittää jopa hahmojen tunnelmaa (esimerkiksi sankarin kärsimyksen jaksossa upota kohtaus pimeyteen tai kiristää sen taustaa mustalla). Toiminnan aikana maisema muuttuu erikoistekniikan avulla: päivä muuttuu yöksi, talvi kesäksi, katu huoneeksi. Tämä tekniikka on kehittynyt yhdessä ihmiskunnan tieteellisen ajatuksen kanssa. Nostomekanismit, suojukset ja luukut, joita muinaisina aikoina käytettiin käsin, nostetaan ja lasketaan nykyään elektronisesti. Kynttilät ja kaasulamput korvataan sähkölampuilla; lasereita käytetään usein.

Jo antiikin aikana muodostettiin kahdenlaisia ​​näyttämöjä ja auditorioita: laatikkolava ja amfiteatterilava. Laatikossa on tasoja ja kojuja, ja yleisö ympäröi amfiteatterilavaa kolmelta sivulta. Nyt maailmassa käytetään molempia tyyppejä. Moderni tekniikka mahdollistaa teatterin tilan muuttamisen - lavasteen järjestämisen auditorion keskelle, katsojan asettamisen lavalle ja esityksen esittämisen salissa. Teatterirakennukselle on aina kiinnitetty suuri merkitys. Teatterit rakennettiin yleensä kaupungin keskusaukiolle; arkkitehdit halusivat rakennusten olevan kauniita ja herättäviä. Teatteriin tullessaan katsoja luopuu arjesta, ikään kuin kohoaa todellisuuden yläpuolelle. Siksi ei ole sattumaa, että peileillä koristeltu portaikko johtaa usein eteiseen.

Musiikki auttaa lisäämään dramaattisen esityksen emotionaalista vaikutusta. Joskus se ei kuulosta vain toiminnan aikana, vaan myös väliajan aikana - yleisön kiinnostuksen ylläpitämiseksi. Näytelmän päähenkilö on näyttelijä. Katsoja näkee edessään ihmisen, joka on salaperäisesti muuttunut taiteelliseksi kuvaksi - eräänlaiseksi taideteokseksi. Taideteos ei tietenkään ole esittäjä itse, vaan hänen roolinsa. Hän on näyttelijän luomus, jonka luovat ääni, hermot ja jotain huomaamatonta - henki, sielu. Jotta näyttämöllä tapahtuva toiminta nähdään kokonaisuutena, se on organisoitava harkitusti ja johdonmukaisesti. Näitä tehtäviä modernissa teatterissa suorittaa ohjaaja. Tietenkin paljon riippuu näyttelijöiden lahjakkuudesta esityksessä, mutta silti he ovat johtajan - ohjaajan - tahdon alaisia. Ihmiset tulevat teatteriin, kuten vuosisatoja sitten. Lavalta kuullaan näytelmien tekstiä esiintyjien voimien ja tunteiden muuntamana. Taiteilijat käyvät omaa vuoropuheluaan - eikä vain sanallista. Tämä on keskustelu eleistä, asennoista, katseista ja ilmeistä. Sisustajan fantasia paikan päällä olevien värien, valon, arkkitehtonisten rakenteiden avulla saa näyttämön tilan "puhumaan". Ja kaikki yhdessä on suljettu ohjaajan tarkoituksen tiukkaan kehykseen, mikä antaa heterogeenisille elementeille täydellisyyttä ja eheyttä.

Katsoja arvioi tietoisesti (ja joskus tiedostamatta, ikään kuin tahtonsa vastaisesti) näyttelemistä ja ohjausta, teatterin tilaratkaisun yhteensopivuutta yleissuunnitelman kanssa. Mutta pääasia, että hän, katsoja, liittyy tässä ja nyt luotuun taiteeseen, toisin kuin muut. Ymmärtäessään esityksen tarkoituksen hän ymmärtää elämän tarkoituksen. Teatterin historia jatkuu.

Teatteritaiteen tyypit ja genret

VAUDEVILLE - eräänlainen komediaasento lauluilla, kupletilla ja tansseilla. Alkuperäinen Ranskasta; 1800-luvun alusta. sai eurooppalaisen jakelun. Peri parhaat teokset kiihkeästi hauskoista, ajankohtaisista todellisuuden heijastuksista.

DRAMA on yksi johtavista dramaturgian genreistä valistuksen jälkeen, ja se kuvaa todellisen ihmisen maailmaa hänen akuutisti ristiriitaisessa, mutta ei toivottomassa suhteessa yhteiskuntaan tai itseensä. XX vuosisadalla. draama erottui vakavalla sisällöllä, heijasteli ihmisen elämän ja yhteiskunnan eri puolia ja tutki ihmisen psykologiaa.

KOMEDIA on eräänlainen draama, jossa toimintaa ja hahmoja tulkitaan koomisissa muodoissa. Kuten tragedia, se syntyi muinaisessa Kreikassa riiteistä, jotka seurasivat kulkueita Dionysoksen jumalan kunniaksi. Komedia, joka raittiisti tutkii ihmisluontoa, pilkkasi ihmisten paheita ja harhaluuloja. Tämän genren parhaat esimerkit erottuvat tinkimättömästä analyysistä, terävyydestä ja rohkeudesta pilkata yhteiskunnan paheita. Eri mailla on omat versionsa komediasta. Tunnettuja ovat italialaisten humanistien "oppinut" komedia ja espanjalainen Lope de Vegan ja Calderonin komedia, englantilainen renessanssin komedia, ranskalainen valistuksen klassikkokomedia ja venäläinen realistinen komedia. Toiminnan organisoinnin periaatteen mukaan erotetaan hahmojen, tilanteiden, ideoiden komedia. Juonityypin mukaan komediat voivat olla jokapäiväisiä ja lyyrisiä, sarjakuvan luonteen vuoksi - humoristisia, satiirisia.

MELODRAMA - näytelmä, jossa on terävä juonittelu, liioiteltu emotionaalisuus, hyvän ja pahan jyrkkä vastakohta, moraalinen ja opettava taipumus. Syntyi 1700-luvun lopulla. Ranskassa, Venäjällä - 20-luvulla. 1800-luvulla

MIM on muinaisen kansanteatterin komedialaji, lyhyitä improvisaatioskettejä, jotka ovat luonteeltaan satiirisia ja viihdyttäviä.

OOPERA on musiikillisen ja dramaattisen taiteen genre, jossa sisältö ilmentyy musiikillisen dramaturgian avulla, pääasiassa laulumusiikin kautta. Oopperan kirjallinen perusta on libretto. Tässä musiikkigenrissä runous ja dramaattinen taide, laulu- ja instrumentaalimusiikki, ilmeet, tanssit, maalaus, maisemat ja puvut sulautuvat yhdeksi kokonaisuudeksi.

MYSTERY on keskiaikaisen länsieurooppalaisen uskonnollisen teatterin genre. Mysteereitä esiteltiin kaupunkien aukioilla. Uskonnolliset kohtaukset niissä vuorottelivat välikappaleiden kanssa.

MONODRAMA - dramaattinen teos yhden näyttelijän esittämänä.

MORALITE on 1400-1500-luvun länsieurooppalaisen teatterin genre, opettavainen allegorinen draama, jonka hahmot personoivat erilaisia ​​hyveitä ja paheita.

MUSIIKKI - musiikki- ja näyttämöteos, pääosin komedia, jossa käytetään pop- ja arkimusiikin, dramaattisen, koreografisen ja oopperataiteen keinoja, genre syntyi Yhdysvalloissa 1800-luvun lopulla.

PARODIA - 1) genre teatterissa, näyttämöllä, yksilöllisen tavan, tyylin, puhe- ja käyttäytymisstereotypioiden tietoinen jäljitelmä satiirisiin, ironisiin ja humoristisiin tarkoituksiin; 2) vääristynyt kuva jostain.

Pastoraali on ooppera, pantomiimi tai baletti, jonka juoni liittyy idealisoituun kuvaan paimenen elämästä.

SOTI on 1400-1600-luvun ranskalaisen teatterin komedia-satiirinen genre, eräänlainen farssi.

TRAGEDIA (käännetty kreikaksi - "vuohien laulu") on eräänlainen draama, joka on täynnä traagisen paatos. Antiikin aikana hän esitti traagisten tapahtumien henkilöiden välitöntä elämää, toiminta voitti tarinan. Renessanssin aikana pakollisena pidetty toiminnan yhtenäisyys hylättiin näytelmissä, traagisuus yhdistettiin usein koomiikkaan. Jatkossa tragedia on tiukasti säännelty: jälleen toiminnan, paikan ja ajan yhtenäisyys vallitsee; sarjakuvan ja traagisen välillä on ero. Tragedia puhtaimmassa muodossaan on harvinaista nykyteatterissa. Tragedia perustuu akuuteihin sosiaalisiin konflikteihin, elämän perusongelmiin, yksilön yhteentörmäyksiin kohtalon ja yhteiskunnan kanssa. Traaginen konflikti ratkaistaan ​​yleensä sankarin kuolemalla.

TRAGIKOMEDIA - dramaattinen teos, jossa on sekä komedian että tragedian piirteitä. Se perustuu olemassa olevien elämänkriteerien suhteellisuuden tunteeseen; näytelmäkirjailija näkee saman ilmiön sekä sarjakuvassa että traagisessa kuvauksessa, mikä on tyypillistä 1900-luvulle.

FARS - 1) eräänlainen keskiaikainen länsieurooppalainen kansanteatteri satiirisista kotitalouskomioista, joka oli olemassa XIV-XVI-luvuilla. Lähellä saksalaista fastnachtspieliä, italialaista komediaa dell'artea jne.; 2) XIX-XX vuosisatojen teatterissa. kevyen sisällön komediavaudeville puhtaasti ulkoisilla sarjakuvalaitteilla.

FEERIA - teatteriesitysten genre, jossa lavastettuja tehosteita käytetään fantastisiin kohtauksiin. Syntyi Italiasta 1600-luvulla.

FLIAKI - kansanteatteriesitykset antiikin Kreikassa, erityisen yleisiä III-IV vuosisatojen aikana. eKr. Kreikan siirtomailla: lyhyitä improvisaatiovitsejä-sketsejä arjesta jumalien ja sankarien iloisista seikkailuista.

2. Muinaisen Kreikan teatteri.

Teatterin synty antiikin Kreikassa.

Teatteri on yksi vanhimmista taiteista. Sen alkuperä on kadonnut primitiivisessä yhteiskunnassa. Teatteri syntyi kansanmetsästyksestä ja maatalouden peleistä, jotka ovat luonteeltaan maagisia. Uskoen, että eläimen jäljittely, sen ulkonäkö ja tottumukset voivat vaikuttaa metsästyksen tulokseen, alkukantaiset ihmiset lavastivat tansseja eläinnahoihin pukeutuneena.

Maatalouden myötä juhlat näyttivät juhlistavan sadonkorjuuta. Dionysoksen, viininvalmistuksen jumalan, kunniaksi järjestetyllä festivaaleilla vuohennahoihin pukeutuneet viininviljelijät kuvasivat erilaisia ​​jaksoja Dionysoksen elämästä, lauloivat viiniköynnöksen iloa tuottavaa voimaa.

Tragedia syntyi tästä vuohennahkaisten ihmisten laulusta (tragos - kreikaksi "vuohi").

Samoista Dionysukselle omistetuista lomista syntyi myös komedia (sanasta komos - hillitöntä hauskaa). Komedia, toisin kuin vakavat ja surulliset tragediat, herätti naurua.

Ajan myötä kreikkalaiset teatteriesitykset menettivät yhteyden Dionysoksen jumalan kunnioitukseen, he kertoivat muiden kreikkalaisten jumalien, sankareiden ja tavallisten ihmisten elämästä.

Teatterin laite muinaisessa Kreikassa.

Muinaisessa Kreikassa teatterit rakennettiin ulkoilmaan, vuorten ja kukkuloiden rinteille. Ne oli suunniteltu useille tuhansille ja jopa kymmenille tuhansille katsojille. Yleisö istui kivipenkeillä, jotka kohosivat kielekkeissä leveää pyöreää tai neliömäistä lavaa – orkesteria – päin.

kreikkalainen teatteri. Keskellä on orkesteri. Sen päällä, oikealla ja vasemmalla, on kuoro, keskellä on Dionysoksen patsas. Orkesteri sulkee skönen - katetun huoneen näyttelijöiden vaatteiden vaihtoa varten. Näytelmän edessä on kolme näyttelijää. Modernin taiteilijan piirustus kreikkalaisen teatterin kaivausten mukaan. Keskellä on orkesteri. Sen päällä, oikealla ja vasemmalla, on kuoro, keskellä on Dionysoksen patsas. Orkesteri sulkee skönen - katetun huoneen näyttelijöiden vaatteiden vaihtoa varten. Näytelmän edessä on kolme näyttelijää. Nykytaiteilijan piirustus kaivausten mukaan

Orkesterissa oli näytelmän mukaisesti pukeutuneita näyttelijöitä ja kuoro.

Orkesterin takana oli näyttelijöiden pukuhuone - skeshch (siitä nykyaikainen nimi - lava). Siinä näyttelijät käyttivät kaapuja ja suuria kirkkaanvärisiä naamioita. Aluksi naamiot tehtiin puusta ja sitten kipsillä kyllästetystä ja maalilla päällystetystä kankaasta. Naamiot antoivat kaikille katsojille, jopa hyvin kaukana istuvat, nähdä toimintaa vastaavan "kasvonilmeen" - surullisen, kärsivän, ankaran, iloisen. Lisäksi naamarin auki oleva suu loi eräänlaisen suukappaleen, joka vahvisti näyttelijän ääntä.

Näyttelijän kasvu lisääntyi niin kutsuttujen coturnien - sandaalien, joissa on erittäin paksut pohjat - avulla. Naisten rooleja kreikkalaisessa teatterissa esittivät miehet.

Traagisia ja koomisia runoilijoita antiikin Kreikassa.

Ateenassa järjestettiin traagisten ja sarjakuvarunoilijoiden kilpailuja. Jokaisen piti kirjoittaa ja lavastaa kolme näytelmää. Voittaja palkittiin ikivihreästä laakeriseppeleestä. Kuuluisat kreikkalaiset traagiset runoilijat 500-luvulta. eKr e. - Aischylos, Sofokles ja Euripides. Kreikkalais-persialaisten sotien osallistuja, Aischylus tragediassa "Persialaiset", tuomitsi persialaisen despootin Xerxesin julmuudesta ja omasta tahdosta, lauloi kreikkalaisten rohkeutta taistelussa kotimaansa vapauden puolesta. Monien Aischyloksen tragedioiden sankarit ovat jumalia ja puolijumalia. Tragediassa Kahlittu Prometheus myytin sankari, titaani Prometheus, on kuvattu ihmiskunnan välinpitämättömänä ystävänä ja hyväntekijänä, rohkeana taistelijana mielivaltaa ja väkivaltaa vastaan ​​Zeuksen kuvassa.

Sofokleen tragedioissa jumalat eivät toimi niinkään kuin ihmiset. Tragedia "Antigone" kuvaa rohkeaa naista, joka vastusti kuninkaan epäoikeudenmukaista päätöstä ja tuomittiin kuolemaan tästä. Antigone täytti rohkeasti tuomion. Kuollessaan hän voitti, koska kuningas itse myöhemmin katui ja peruutti tuomionsa, vaikkakin myöhässä. "Antigonen" tragedia oli intohimoinen vetoomus ihmisyyteen, uskollisuuteen velvollisuudelle ja oikeudenmukaisuudelle.

Euripides toi tragedian lähemmäs katsojaa, teki siitä ymmärrettävämmän ja merkityksellisemmän. Runoilija nostaa rohkeasti esille monia aikalaisia ​​huolestuttavia kysymyksiä naisten epätasa-arvon epäoikeudenmukaisuudesta. Hän kuvaa ihmisiä heidän intohimoineen, tunteineen ja toiveineen ja näyttää antiikin kreikkalaisen näyttelijän. Hänen kasvoillaan on traaginen naamio. Jaloissa on koturny. Norsunluuhahmo, maalattu maaleillaMuinaiskreikkalainen näyttelijä. Hänen kasvoillaan on traaginen naamio. Jaloissa on koturny. Norsunluuhahmo, maalattu sellaisilla väreillä kuin elämässä.

Suurin sarjakuvarunoilija oli Aristophanes. Teoksissaan hän paljasti ilkeästi nykyajan Ateenan demokratian puutteet paljastaen monia sen johtajia naurettavalla tavalla. Aristophanes vastusti jyrkästi kreikkalaisten välisiä sotia, joista oli hyötyä vain kouralliselle orjanomistajalle, jotka ylistivät rauhanomaista työtä tekeviä ihmisiä. Monet Aristophanesin komediat pilkkaavat olympialaisten jumalien petosta, ahneutta ja epäoikeudenmukaisuutta. Joten komediassa "Linnut" hän esittää Zeuksen varkaana ja pettäjänä, Poseidonin lahjuksen ottajana ja Herculesin ahmattina. Aristophanesin komediat nauttivat ansaittua menestystä kansan keskuudessa.

Kreikan teatterin merkitys.

Teatteri oli Kreikan osavaltioiden suurin voima. Kaikki ihmiset kuuntelivat tragedioiden ja komedioiden tekijöitä. Kuoron laulu tragediasta "Antigone" - "Maailmassa on monia ihmeitä, ihminen on ihanampi kuin kaikki" - tuli ateenalaisten suosikkilauluksi.

Teatteria kutsuttiin "aikuisten kouluksi". Hän kasvatti rakkautta isänmaata kohtaan, työn kunnioittamista, rohkeutta ja muita merkittäviä ominaisuuksia, huomasi puutteita yhteiskunnan rakenteessa.

Kreikkalaisella teatterilla oli valtava vaikutus nyky-Euroopan kansojen teatteritaiteen kehitykseen. Aikamme teatteri lainasi kreikkalaisen teatterin terminologian lisäksi myös monia sen ominaisuuksia ja tekniikoita kreikkalaisille. Muinaisten kreikkalaisten näytelmäkirjailijoiden näytelmät, jotka luotiin yli kaksi tuhatta vuotta sitten, vaikuttivat monien nykyajan suurten dramaattisten kirjailijoiden työhön. Maassamme ja joissakin muissa maissa esitetään edelleen Aischyloksen, Sofokleen ja Euripideksen näytelmiä. Maailman rauhanneuvoston erityispäätöksellä koko edistyksellinen ihmiskunta juhli äskettäin Aristophanesin vuosipäivää. Kaukaisen aikakauden ihmisten ajatukset ja tunteet, jotka ilmaistaan ​​kreikkalaisten tragedioissa ja komediassa, innostavat meitä.

3. Aischyloksen, Sofokleen, Euripideksen, Aristophanesin luovuus.

Aischylus

Aischylos oli tragedian todellinen perustaja. Hän on kirjoittanut yli seitsemänkymmentä teosta, joista vain seitsemän on tullut meille: "Persialaiset", "Pyydäminen", "Seitsemän Thebea vastaan", "Kahlittu Prometheus", "Agamemnon", "Choephors", "Eumenides" . Kaikissa Aischyloksen näytelmissä on vahva uskonnollinen tunne, ne perustuvat inhimillisen intohimon ja henkisyyden konfliktiin.

Aischylos oli ideologisesti sivistyneen tragedian perustaja, nykyaikainen ja Kreikan ja Persian sotien osallistuja, Ateenan demokratian muodostumisajan runoilija. Hänen työnsä päämotiivina on kansalaisrohkeuden ja isänmaallisuuden ylistäminen. Yksi Aischyloksen tragedioiden merkittävimmistä sankareista on sovittamaton teomakisti Prometheus, ateenalaisten luovien voimien henkilöitymä. Tämä on kuva taipumattomasta taistelijasta korkeiden ihanteiden, ihmisten onnen puolesta, järjen ruumiillistuma, joka voittaa luonnon voiman, symboli taistelusta ihmiskunnan vapauttamiseksi tyranniasta, ruumiillistuneena julman ja kostonhimoinen Zeus, jolle Prometheus piti parempana piinaa kuin orjapalvelusta.

Sofokles

Sofokles kirjoitti 125 draamaa, joista seitsemän tragediaa on säilynyt: Antigone, Ajax, Oidipus kuningas, Electra jne. Aristoteleen mukaan Sofokles kuvasi ihanteellisia ihmisiä, kun taas Euripides kuvasi heidät sellaisina kuin he ovat. Euripides oli enemmänkin tapahtumien kommentaattori kuin osallistuja, hän oli syvästi kiinnostunut naispsykologiasta. Tunnetuimmat meille tulleista 19 teoksesta ovat Medea ja Phaedra.

Muinaisten näytelmien piirre oli kuoro, joka seurasi koko toimintaa laulaen ja tanssien. Aischylos esitteli kaksi näyttelijää yhden sijasta, supistaen kuoroosia ja keskittyen dialogiin, mikä oli ratkaiseva askel tragedian muuttamisessa puhtaasti matkivista kuoron sanoituksista aidoksi draamaksi. Kahden näyttelijän peli mahdollisti toiminnan jännityksen lisäämisen. Kolmannen näyttelijän esiintyminen on Sofokleen innovaatio, joka mahdollisti erilaisten käyttäytymislinjojen hahmottamisen samassa konfliktissa.

Euripides

Euripides heijasteli tragedioissaan perinteisen polis-ideologian kriisiä ja maailmankuvan uusien perusteiden etsintää. Hän reagoi herkästi poliittisen ja yhteiskunnallisen elämän polttaviin kysymyksiin, ja hänen teatterinsa oli eräänlainen tietosanakirja Kreikan älyllisestä liikkeestä 500-luvun jälkipuoliskolla. eKr e. Euripideksen teoksissa nostettiin esille erilaisia ​​sosiaalisia ongelmia, esiteltiin uusia ideoita ja keskusteltiin niistä.

Muinainen kritiikki kutsui Euripidesta "filosofiksi näyttämöllä". Runoilija ei kuitenkaan ollut tietyn filosofisen opin kannattaja, eivätkä hänen näkemyksensä olleet johdonmukaisia. Hänen suhtautumisensa Ateenan demokratiaan oli kaksijakoinen. Hän ylisti sitä vapauden ja tasa-arvon järjestelmänä, samalla häntä pelotti kansalaisten köyhä "joukko", joka kansankokouksissa ratkaisi asioita demagogien vaikutuksen alaisena. Langan kautta, koko Euripideksen työn läpi, on kiinnostusta yksilöä ja hänen subjektiivisia pyrkimyksiään kohtaan. Suuri näytelmäkirjailija kuvasi ihmisiä heidän taipumusineen ja impulssineen, iloineen ja kärsimyksineen. Kaikella työllään Euripides sai katsojat ajattelemaan asemaansa yhteiskunnassa, asennetta elämään.

Aristophanes

Komedian tunnetuin kirjoittaja oli Aristophanes, joka osasi suunnata satiiriset "nuolet" nykyajan poliitikkoja, kirjailijoita ja filosofeja vastaan. Hänen silmiinpistävimmät teoksensa ovat Ampiaiset, Sammakot, Pilvet, Lysistrata. Aristophanesin komedioiden sankarit eivät ole legendaarisia hahmoja, vaan Aristophanesin aikakauden Ateenan asukkaita: kauppiaita, käsityöläisiä, orjia. Komedioissa ei ole sellaista kunnioitusta jumalia kohtaan kuin tragedioissa. Joskus heitä jopa naurettiin.

Aristophanes esittää rohkean satiirin Ateenan poliittisesta ja kulttuurisesta tilasta aikana, jolloin demokratia alkaa kokea kriisiä. Hänen komediansa edustavat yhteiskunnan eri kerroksia: valtiomiehiä ja kenraaleja, runoilijoita ja filosofeja, talonpoikia ja sotureita, kaupunkilaisia ​​ja orjia. Aristophanes saa aikaan teräviä koomisia tehosteita, jotka yhdistävät todellisen ja fantastisen ja vievät pilkatun idean järjettömyyteen. Aristophanesin kieli on joustava ja eloisa, toisinaan lähestyy tavallista, toisinaan hyvin töykeää ja alkeellista, toisinaan parodista ja pirteää ja runsaasti odottamattomia komediallisia sanamuodostelmia.

Muinaisen Kreikan tieteet ja kirjallisuus loivat vapaat ihmiset, joilla oli runollinen ja mytologinen maailmankuva. Kaikessa, mitä kreikkalainen ymmärsi, hän löysi harmonian, oli se sitten maailmankaikkeus tai ihminen. Kreikkalainen mytologisessa havaintossaan henkisti kaiken, mikä kosketti hänen tietoisuuttaan. Harmonia ja henkisyys - se määrittää kreikkalaisen kulttuurin ja ennen kaikkea taiteen orgaanisuuden ja eheyden.

4. Muinaisen Rooman teatteri.

III-II vuosisadalla eKr. e. teatterilla on suuri rooli Roomassa, näytelmien juoni on lainattu kreikkalaisilta, mutta hahmot ovat roomalaista alkuperää.

Roomalainen teatteri syntyi, kun patriarkaalinen-heimojärjestelmä hajosi. Hän ei tuntenut kreikkalaisen teatterin julkisia tanssimuotoja eikä luottanut kaupunkiväestön amatööriesityksiin. Roomalainen teatteri oli heti ammattimainen.

Roomalaista teatteria ei liitetty jumaluuden kulttiin, kuten Kreikassa, joten sillä ei ollut samaa yhteiskunnallista merkitystä. Näyttelijöitä ei kunnioitettu, vaan ihmisiä halveksittiin. Heidät värvättiin orjien ja vapauden keskuudesta, ja heidät voitiin lyödä huonosta suorituksesta. Esityksiä järjestettiin yleisten vapaapäivien kunniaksi, samoin kuin muina aikoina yhden jalon kansalaisen aloitteesta.

Roomassa ei pitkään aikaan ollut pysyviä teatterirakennuksia.

Esityksiä varten rakennettiin erityisiä väliaikaisia ​​puurakenteita, jotka rikottiin esityksen lopussa. Lavalava oli puinen lava, joka kohotettiin maan yläpuolelle puolet ihmisen korkeudesta. Siihen johti kolme kapeaa usean portaan tikkaat - hahmot, jotka tulivat (juonen mukaan) toisesta kaupungista, kiipesivät niitä ylös. Taustana oli kopin takaseinä verhoineen. Katsojia varten pystytettiin penkkejä, mutta joskus esityksiä sai katsoa vain seisten, joten he soittivat melko pitkään, mukaan lukien Plautuksen komediat.

Dramaturgian kehittymisen myötä tarve tehdä muutoksia esitykseen kuitenkin kasvoi. Senaatti keskusteli tarpeesta rakentaa Roomaan pysyvä erikoisteatterirakennus. Senaatti kuitenkin uskoi, että teatteri hemmottelee nuoria ja turmelee naisia ​​- ja keskeytti vuonna 154 useita vuosia sitten alkaneen kiviteatterin rakentamisen.

Ensimmäinen pysyvä kiviteatteri rakennettiin noin vuonna 55 eaa. komentaja Gnaeus Pompey Suuri ja mahtui 17 tuhatta katsojaa.

Roomalainen teatteri oli erilainen kuin kreikkalainen. Orkesterin koko pieneni puoleen, se muuttui puoliympyrän muotoiseksi. (Hellenistisessä teatterissa orkesteri miehitti kolme neljäsosaa ympyrästä).

Etruskeilla ja roomalaisilla, kuten kaikilla kansoilla, oli rituaali- ja kulttilauluja ja pelejä, siellä oli myös etruskeilta peräisin oleva kansankomediateatteri, histrioninen teatteri, Atelanan kansanteatteri (Atellan kaupungista) jatkuvalla näyttelemällä. naamiot oli lähellä kreikkalaista miimiä: typerys Bukkon, typerys Mack, yksinkertainen Papp, viekas Dossen. Koska teatteriesitys ei liittynyt jumaluuden kulttiin, vaan ajoitettiin lomien, sirkusesitysten, gladiaattoritaistelujen, valtiomiesten voittojen ja hautaamisen, temppelien vihkimisen kanssa, roomalainen teatteri oli luonteeltaan sovellettua toiminnallista. Rooman tasavalta ja vielä enemmän valtakunta oli oligarkkityyppinen valtio, joten myös kulttuurielämän kehitys meni toisin, mikä vaikutti myös teatteriin. Hän ei voinut juurtua syvälle sellaisissa olosuhteissa. Muualla kuin Kreikassa oli näyttelijän asema. Toisin kuin kreikkalainen, hän ei ollut yhteiskunnan täysivaltainen jäsen ja hänen ammattinsa halveksittiin.

Roomalaisen teatterin organisaatio oli omat ominaisuutensa. Kuoro ei osallistunut esitykseen, näyttelijät eivät käyttäneet naamioita. Roomalaisen dramaturgian ongelmat eivät nousseet antiikin Kreikan moraalisille korkeuksille. Ainoastaan ​​kahden näytelmäkirjailijan teoksia on säilynyt meidän aikamme: Plautus ja Terence, koomikko, joista toinen tuli yhteiskunnan alemmista kerroksista ja toinen oli orja, jonka omistaja oli vapauttanut lahjakkuutensa vuoksi. Heidän komediansa juoni on piirretty uusattisen komedian näytelmistä, niiden päähenkilö on taitava ovela orja. Traagista genreä edustavat vain Senecan teokset, stoalainen filosofi, joka kirjoitti näytelmiä mytologisista aiheista kapealle eliittipiirille, eikä niillä ole tiukasti sanottuna mitään tekemistä teatterin kanssa.

Rooman valtakunnan perustamisen myötä pantomiimikuvat yleistyivät. Siitä huolimatta roomalaisella dramaturgialla oli suuri vaikutus klassismin uuden ajanjakson dramaturgiaan: Corneille, Racine (antiikin jälkeisessä Euroopassa kreikan kieli tunsi vain harvat).

5. Teatteriesitysten järjestäminen muinaisessa Kreikassa ja muinaisessa Roomassa.

Roomassa, samoin kuin Kreikassa, teatteriesityksiä järjestettiin epäsäännöllisesti, mutta ne ajoitettiin tiettyjen lomapäivien kanssa. 1. vuosisadan puoliväliin asti. eKr. Roomaan ei rakennettu kiviteatteria. Esitykset pidettiin puurakenteissa, jotka purettiin valmistumisen jälkeen. Aluksi Roomassa ei ollut erityisiä paikkoja katsojille, vaan he katsoivat "lavapelejä" seisoen tai istuen lavan vieressä olevan kukkulan rinteessä.

Ensimmäisen kiviteatterin Roomassa rakensi Pompeius toisen konsulaattinsa aikana vuonna 55 eaa. Hänen jälkeensä Roomaan rakennettiin muita kiviteattereita.

Roomalaisen teatterirakennuksen piirteet olivat seuraavat: katsojien istuimet olivat tarkan puoliympyrän muotoisia; puoliympyrän muotoista orkesteria ei ollut tarkoitettu kuorolle (se ei ollut enää roomalaisessa teatterissa), vaan se oli paikka etuoikeutetuille katsojille; näyttämö oli matala ja syvä.

Roomalaisen teatterin tuotannot olivat näyttäviä ja tarkoitettu pääasiassa plebeijöille. "Leipää ja sirkuksia" tämä iskulause oli hyvin suosittu Rooman tavallisten ihmisten keskuudessa. Roomalaisen teatterin alkuvaiheessa olivat matala-arvoisia ihmisiä ja vapauksia.

Yksi Rooman teatteriesitysten lähteistä oli kansanlauluja. Näitä ovat fesceniinit - syövyttävät, pahat riimit, joita naamioituneet kyläläiset käyttivät sadonkorjuujuhlien aikana. Paljon tuli teatteriin Atellanasta, naamioiden kansankomediasta, joka sai alkunsa oskaaniheimoista, jotka asuivat Italiassa lähellä Atellan kaupunkia.

Atellana toi roomalaiseen teatteriin vakiintuneet naamarit, jotka juontavat juurensa muinaisista etruskien Saturnuksen peleistä, jotka pidettiin muinaisen italialaisen Saturnuksen jumalan kunniaksi. Atellanissa oli neljä naamiota: Makk - hölmö ja ahmatti, Bukk - tyhmä kerskutelija, joutilaspuhuja ja yksinkertainen, Papp - maalaismainen typerä vanha mies ja Dossen - ruma sharlataani tiedemies. Tämä mukava seura on huvittanut rehellisiä ihmisiä jo pitkään.

On tarpeen nimetä toinen ikivanha dramaattisen toiminnan tyyppi - miimi. Aluksi se oli karkea improvisaatio, jota esitettiin italialaisilla lomapäivillä, erityisesti Floralia-kevätjuhlilla, ja myöhemmin miimistä tuli kirjallinen genre.

Roomassa tunnettiin useita dramaattisten esitysten genrejä. Jopa runoilija Gnaeus Nevius loi niin kutsutun pretextatu-tragedian, jonka hahmot käyttivät tekosyytä - roomalaisten tuomarien vaatteita.

Komediaa Roomassa edusti kaksi tyyppiä; komedia togata ja komedia palliata. Ensimmäinen on iloinen näytelmä, joka perustuu paikalliseen italialaiseen materiaaliin. Hänen hahmonsa olivat yksinkertaisia ​​ihmisiä. Togata on saanut nimensä roomalaisesta ylävaatteesta - toga. Tällaisten komedioiden kirjoittajat Titinius, Aphranius ja Atta tunnemme vain erillisistä säilyneistä katkelmista. Komedian nimi pallita yhdistettiin lyhyeen kreikkalaiseen viitaan - palliumiin. Tämän komedian kirjoittajat kääntyivät ensisijaisesti kreikkalaisten näytelmäkirjailijoiden, uusattisen komedian edustajien - Menanderin, Philemonin ja Diphilusin - luovaan perintöön. Roomalaiset koomikot yhdistivät usein kohtauksia eri kreikkalaisista näytelmistä yhdeksi komediaksi.

Komedian palliata tunnetuimpia edustajia ovat roomalaiset näytelmäkirjailijat Plautus ja Terence.

Plautus, jolle maailmanteatteri on velkaa monia taiteellisia löytöjä (musiikista tuli olennainen osa toimintaa, se soi sekä lyyrisissä että komediakohtauksissa), oli universaali persoona: hän kirjoitti tekstin, soitti esityksissä, jotka hän itse lavastaa (" Aasit, Pot, Boastful Warrior, Amphitrion jne.). Hän oli todellinen kansantaiteilija, kuten hänen teatterinsa.

Terence on eniten kiinnostunut perheriidoista. Hän karkottaa raa'an farssin komediastaan, tekee niistä hienostuneita kielellisesti, muodoissa, joissa inhimilliset tunteet ilmaistaan ​​("Tyttö Andoksesta", "Veljet", "Anoppi"). Ei ole sattumaa, että renessanssin aikana Terencen kokemus oli niin hyödyllinen draaman ja teatterin uusille mestareille.

Kasvava kriisi johti siihen, että antiikin roomalainen dramaturgia joko romahti tai toteutui sellaisissa muodoissa, jotka eivät varsinaisesti liittyneet teatteriin. Joten Rooman suurin traaginen runoilija Seneca kirjoittaa tragedioitaan ei esittelyä varten, vaan "draamoja lukemista varten". Mutta atellana jatkaa kehittymistään, hänen naamionsa määrä täydentyy. Hänen tuotannossaan käsiteltiin usein poliittisia ja sosiaalisia kysymyksiä. Atellanan ja miimin perinteet eivät itse asiassa koskaan kuolleet ihmisten keskuudessa, vaan ne jatkuivat keskiajalla ja renessanssilla.

Roomassa näyttelijöiden taito saavutti erittäin korkean tason. Traaginen näyttelijä Aesop ja hänen nykyaikainen sarjakuvanäyttelijä Roscius (1. vuosisadalla eKr.) nauttivat yleisön rakkaudesta ja kunnioituksesta.

Muinaisen maailman teatterista on tullut olennainen osa koko ihmiskunnan henkistä kokemusta, se on luonut paljon sille, mitä nykyään kutsumme moderniksi kulttuuriksi.

6. Keskiajan teatteri. Uskonnollinen ja kansanteatteri

Keskiaikaisen teatterin historia on kulttuurinen poikkileikkaus kokonaisesta aikakaudesta (keskiaika - feodaalijärjestelmän aikakausi, V-XVII vuosisatoja), jonka avulla voidaan tutkia keskiaikaisen ihmisen tietoisuutta. Tässä tietoisuudessa ihmisten terve järki ja omituisimmat taikauskot, uskon into ja kirkon dogmien pilkkaaminen, spontaani rakkaus elämään, maallisten asioiden kaipaus ja kirkon juurruttama ankara askeesi olivat ristiriitaisia. Usein kansanomaiset realistiset periaatteet joutuivat ristiriitaan idealististen uskonnollisten ideoiden kanssa, ja "maallinen" voitti "taivaallisen". Ja itse keskiaikainen teatteri syntyi kansankulttuurin syvissä kerroksissa.

Jo varhaisen keskiajan lopulla kaupunkien aukioille ja kaduille sekä meluisissa tavernoissa ilmestyi vaeltavia huvitajia - histrioneja. Ranskassa heitä kutsuttiin jonglööreiksi, Englannissa - minstreleiksi, Venäjällä - buffoonsiksi. Taitava histrioni oli yhden näyttelijän teatteria. Hän oli taikuri ja akrobaatti, tanssija ja muusikko, hän saattoi näyttää esityksen apinan tai karhun kanssa, esittää sarjakuvan, kävellä pyörällä tai kertoa hämmästyttävän tarinan. Näissä tarinoissa ja esityksissä asui iloinen messuhenki, vapaa vitsi.

Vielä röyhkeämpää oli vaganttien taide. Parodia ja satiiri hallitsivat täällä. Vagantit eli "vaeltavat papit" ovat puoliksi koulutettuja seminaareja ja halveksittuja pappeja. Kirkkolaulujen motiiveista he lauloivat "kaikkijuovan Bacchuksen" ylistystä, parodioivat rukouksia ja jumalanpalveluksia. Kirkon vainoamat histrionit ja kulkurit yhdistyivät veljeskuntiin ja houkuttelivat puoleensa mitä erilaisimpia ihmisiä. Tällainen oli esimerkiksi Ranskassa "huolettomien lasten veljeskunta", jota johti tyhmien prinssi. "Kaverit" näyttelivät hauskoja "tyhmiä" tekoja (soti), joissa kaikkea ja kaikkia pilkattiin, ja kirkko esiintyi Äidin tyhmänä.

Kirkko vainosi histrioneja ja kulkijoja, mutta oli voimaton tuhota ihmisten rakkautta teatteriesityksiin. Pyrkiessään tehostamaan kirkon jumalanpalvelusta - liturgiaa - papisto itse alkoi käyttää teatterimuotoja. Siellä on liturginen draama, joka perustuu kohtauksiin Pyhästä Raamatusta. Sitä pelattiin temppelissä ja myöhemmin kuistilla tai kirkkopihalla. XIII-XIV vuosisadalla. ilmestyy uusi keskiaikaisen teatteriesityksen genre - ihme ("ihme"). Ihmeiden juonit on lainattu legendoista pyhimyksistä ja neitsyt Mariasta. Yksi tunnetuimmista on 1200-luvun ranskalaisen runoilijan "Ihme Theofiluksesta". Rutbef.

Keskiaikaisen teatterin huippu - mysteeri.

Tämä genre kukoisti 1400-luvulla. Melkein koko kaupungin väestö osallistui mysteereihin: toiset - näyttelijöinä (jopa 300 henkilöä tai enemmän), toiset - katsojina. Esitys ajoitettiin samaan aikaan messujen kanssa, juhlallista tilaisuutta varten ja avattiin värikkäällä kulkueella kaiken ikäisistä ja -luokista. Juoni on otettu Raamatusta ja evankeliumista. Toimintaa jatkettiin aamusta iltaan useiden päivien ajan. Paviljongit rakennettiin puiselle alustalle, joista jokaisella oli omat tapahtumansa. Lavan toisessa päässä oli runsaasti koristeltu paratiisi, toisessa päässä - Helvetti, jossa lohikäärmeen suu auki, kidutusvälineet ja valtava pata syntisille. Keskustan maisemat olivat äärimmäisen lakoniset: portin yläpuolella oleva teksti "Nasaret" tai kullattu valtaistuin riitti kuvaamaan kaupunkia tai palatsia. Lavalle ilmestyi profeettoja, kerjäläisiä, paholaisia ​​Luciferin johdolla... Prologissa kuvattiin taivaallisia sfäärejä, joissa Isä Jumala istui enkelien ja allegoristen hahmojen - Viisaus, Armo, Oikeus jne. - ympäröimänä. Sitten toiminta siirtyi. maan päälle ja sen ulkopuolelle - helvettiin, jossa Saatana paahtoi syntisiä sieluja. Vanhurskaat tulivat ulos valkoisissa, syntiset - mustissa, paholaiset - punaisissa sukkahousuissa, maalattu kamalilla "kasvoilla".

Esitysten säälittävimmät hetket liittyivät surevaan Jumalanäitiin ja Jeesuksen kärsimykseen. Mysteerillä oli myös omat koomiset hahmonsa: naijia, kerjäläisiä, paholaisia, jotka pelkäsivät, mutta usein huijasivat. Säälittävä ja koominen esiintyivät rinnakkain sekoittumatta keskenään. Tapahtumat kehittyivät korkeampien ja alempien voimien suurimmalla huomiolla ja väliintulolla. Taivas, maa ja alamaailma muodostivat yhden valtavan maailman, ja ihminen tässä maailmassa oli sekä hiekanjyvä että keskus - loppujen lopuksi hänen sielunsa puolesta taistelivat häntä paljon voimakkaammat voimat. Suosituimpia olivat Arnoul Grebanin mysteerit sekä yksi harvoista maallisen teeman teoksista - "Orleansin piirityksen mysteeri", joka loi uudelleen Englannin ja Englannin välisen satavuotisen sodan (1337-1453) tapahtumat. Ranska ja Orléans-neidon - Jeanne d'Arcin -, joka johti ranskalaisten taistelua englantilaisia ​​hyökkääjiä vastaan ​​ja jonka Ranskan kuningas kavalsi, jolle hän palautti valtaistuimen. Koska julkinen esitys oli suunnattu suurelle yleisölle, mysteeri ilmaisi sekä kansanomaisia, maallisia periaatteita että uskonnollisten ja kirkollisten aatteiden järjestelmää, tämä genren sisäinen epäjohdonmukaisuus johti sen rappeutumiseen ja oli myöhemmin syynä sen kiellolle kirkossa.

Toinen suosittu genre oli moraali. Ne näyttävät lähteneen mysteereistä ja niistä on tullut itsenäisiä, opettavaisia ​​näytelmiä. Esitettiin vertauksia "Järkeästä ja järjettömästä", "Vanhursaasta ja Juhlistajasta", jossa ensimmäinen ottaa Järkeä ja Uskoa elämänsä kumppaneiksi, toinen - Tottelemattomuudesta ja irstauttamisesta. Näissä vertauksissa kärsimys ja sävyisyys palkitaan taivaassa, kun taas sydämen kovuus ja ahneus johtavat helvettiin.

He soittivat moraalia farssilla. Siellä oli jotain parvekkeen kaltaista, jossa he esittelivät eläviä kuvia taivaan sfääreistä - enkeleistä ja jumalasta Sabaoth. Kahteen leiriin jaetut allegoriset hahmot ilmestyivät vastakkaisilta puolilta muodostaen symmetrisiä ryhmiä: Usko - risti käsissään, Toivo - ankkurilla, Ahneus - kultapussilla, Delight - appelsiini ja imartelulla oli ketun häntä, jolla hän silitti Stupidityä.

Moraali on kasvojen kiistaa, joka esitetään näyttämöllä, konflikti, joka ei ilmaistu toiminnan, vaan hahmojen välisen kiistan kautta. Joskus synneistä ja paheista puhuvissa kohtauksissa ilmestyi farssin elementti, sosiaalinen satiiri, väkijoukon hengitys ja "aukion vapaa henki" (A. S. Pushkin) tunkeutuivat niihin.

Aukioteatterissa, olipa kyseessä mysteeri, moraali, soti tai histrionien esitys, heijastui keskiaikaisen ihmisen elämänrakkaus, hänen iloinen röyhkeys ja ihmeen jano, usko hyvän ja oikeuden voittoon.

Eikä ole sattumaa, että 1900-luvulla. kiinnostus keskiaikaiseen teatteriin kasvaa. Näytelmäkirjailijoita ja ohjaajia houkuttelee sen vetovoima massoihin, ihmisten tietoisuuteen kuuluva hyvän ja pahan selkeä ero, tapahtumien "yleinen" kattavuus, taipumus vertaukseen, elävä "juliste"-metafora. Tämän folk-spektaakkelin runoutta käyttää V. E. Meyerhold lavastaessaan V. V. Majakovskin näytelmää "Mystery-Buff". Saksassa näytelmä-vertauksen on hyväksynyt B. Brecht. 60-70-luvun vaihteessa opiskelijoiden protestiliikkeen aikana L. Ronconi Italiassa esitti L. Arioston Raivokkaan Rolandin aukiolle ja Ranskassa A. Mnushkin esityksiä Ranskan suuresta vallankumouksesta (1789, "1791"). Muinainen teatteriperinne ikään kuin saa uuden elämän ja yhdistyy nykyajan teatterityöntekijöiden etsintöihin.

Keskiaikaisen uskonnollisen teatterin genret

Yhdeksännellä vuosisadalla ensimmäinen keskiaikaisen uskonnollisen teatterin genre syntyy - liturginen draama. Tämä teatteriesitys oli osa jumalanpalvelusta (liturgiaa).

Syyt tämän genren esiintymiseen liittyvät todennäköisesti pappien haluun houkutella mahdollisimman monia ihmisiä uskontoon, tehdä palvonnasta (keskiajalla kristilliset jumalanpalvelukset pidettiin latinaksi) ymmärrettävämpää lukutaidottomille. tavalliset ihmiset.

Liturginen draama syntyi kirkkotrooppista - evankeliumitekstin dialogisoidusta transkriptiosta, joka yleensä päättyi laulamiseen. Hänen jälkeensä liturgia jatkui normaalisti.

Ensimmäinen liturginen draama on kohtaus kolmesta Mariasta, jotka tulevat Herran haudalle. Tämä draama esitettiin pääsiäisenä. Sen juoni oli, että Maria (papit, jotka laittoivat päähänsä olkahuiveja, jotka tarkoittivat naisten vaatteita) tulivat haudalle, jossa ristiinnaulitun Kristuksen ruumiin piti makaa, jotta se voidettaisiin mirhalla. Kuitenkin haudassa he tapasivat enkelin (nuoren papin valkoisessa viitassa). Tässä kohtauksessa on jo esiintynyt dialogia ja yksilöllisiä vastauksia (enkelin ja Marian välillä), minkä ansiosta voimme sanoa, että tämä toiminta oli ensimmäinen liturginen draama.

Liturgisen draaman lavastuksen järjestivät papit itse. Esitykset pidettiin temppelissä.

Olemassaolon alkuvaiheessa liturginen draama liittyi läheisesti messuun, sen teksti vastasi täysin jumalanpalveluksen tekstiä sekä sisällöltään että tyyliltään. Liturginen draama esitettiin latinaksi, ja se oli messun tapaan juhlava tunnelma. "Näyttelijät" lausuivat sanansa laulavasti.

Vähitellen draama eristyy yhä enemmän palvelusta. Liturgisesta draamasta ilmestyy kaksi itsenäistä jaksoa - joulu (sisältää jaksoja: paimenten kulkue, jotka ennakoivat Kristuksen syntymää, tietäjien palvonta, kohtaus kuningas Herodeksen vihasta, joka määräsi tappamaan kaikki vauvat Betlehemissä) ja pääsiäinen (se sisälsi Kristuksen ylösnousemukseen liittyviä jaksoja).

Ajan myötä myös liturginen draama kehittyy staattisesta ja symbolisesta tehokkaaksi. Kotitalouselementit alkavat juurtua siihen.

Alunperin jumalanpalveluksen tekemiseksi seurakuntalaisille ymmärrettävämmäksi luotu liturginen draama yksinkertaisti uskonnollisia ajatuksia, mikä kuitenkin oli täynnä suurta vaaraa uskonnolle, koska se johti sen häväistymiseen.

Vuonna 1210 paavi Innocentius III:n asetuksella liturgisen draaman esittäminen kirkkorakennuksissa kiellettiin. Tässä vaiheessa liturginen draama genrenä lakkaa olemasta.

Uskonnollinen teatteri ei kuitenkaan katoa. Liturginen draama nousee kirkosta kuistille ja muuttuu puoliliturgiseksi draamaksi.

Tässä esityksessä on vielä enemmän maallisia motiiveja. Se menettää vahvan yhteyden jumalanpalvelukseen ja kirkkokalenteriin, joten esityksen päivän valinta tulee vapaammaksi. Puoliliturginen draama esitetään myös messupäivinä. Latinan sijaan esitykset alkavat tapahtua kansankielillä.

"Jumalallisia" rooleja suoritti edelleen papisto. Esityksessä käytettiin kirkkovaatteita ja -välineitä. Toimintaa seurasi kuoron laulu, joka esitti uskonnollisia virsiä latinaksi.

Papisto osallistui valtavasti puoliliturgisen draaman esitysten järjestämiseen (alueen tarjoaminen esitykselle (kuisti), pääroolien esittäminen, ohjelmiston valinta, "pukujen" ja "rekvisiiton" valmistelu.

Uskonnolliset aiheet alkavat kuitenkin kietoutua aktiivisesti maallisiin aiheisiin. Teatterikulttuuri pyrkii irtaantumaan uskonnosta, mikä ei kuitenkaan toteudu kokonaan koko keskiajan aikana.

Mysteeri

Toinen uskonnolliseen teatteriin liittyvä genre. Mysteeri sai alkunsa kulkueista kirkon juhlapäivien kunniaksi.

Nimi tulee lat. ministerium - jumalanpalvelus

Mysteeriteatterin kukoistusaika osuu XV-XVI-luvuille.

Esitykset järjestivät kaupungin työpajat ja kunnat, ei kirkko. Kaikki kaupungin asukkaat osallistuivat mysteereihin.

Messupäivinä järjestettiin usein mysteeriesityksiä.

Messujen avauspäivän aamulla suoritettiin kirkon rukouspalvelu, jonka jälkeen järjestettiin juhlallinen kulkue, johon koko kaupunki osallistui. Hänen jälkeensä mysteeri pelattiin suoraan.

Mysteerit jaettiin kolmeen sykliin - Vanha testamentti (Vanha testamentti, maailman luomisesta Kristuksen syntymään), Uusi testamentti (Uusi Testamentti, Kristuksen syntymä, elämä, kuolema, ylösnousemus ja taivaaseenastuminen) ja apostolinen (pyhien elämä).

Mysteerin järjestämiseen ja esittelyyn osallistuivat kaupungin eri työpajojen edustajat. Jokainen työpaja sai oman itsenäisen jakson toiminnassa.

Esitys kesti koko päivän, joskus useita päiviä.

Siellä oli kolme tyyppistä näyttämötilaorganisaatiota ja vastaavasti kolme erilaista esitystapaa mysteereistä.

Mobiili (tyypillistä ensisijaisesti Englannille). Mysteerien erilliset jaksot esitettiin pakettiautoissa, joissa oli korkea taso, joka oli avoin joka puolelta. Näitä pakettiautoja kutsuttiin pezhentsiksi. Tietyn jakson näyttämisen jälkeen pakettiauto siirtyi viereiselle aukiolle, jonka tilalle ajoi uusi, jossa oli mukana seuraavan jakson näyttelijät. Ja niin edelleen mysteerin loppuun asti.

Rengasmainen. Aukiolla oli yksi laituri. Paalut hänelle järjestettiin rengasmaisesti. Lavalla oli useita erillisiä osastoja, jotka kuvasivat erilaisia ​​toimintapaikkoja. Katsoja sijaitsi laiturin ympärillä.

Lehtimaja. Useita toimintapaikkoja kuvattiin samanaikaisesti aukiolla. Se oli sarja paviljonkeja, jotka sijaitsivat yhdelle alustalle suorassa linjassa ja olivat kasvot edessä. Jokaisessa lehtimajassa pelattiin erilliset jaksot riippuen siitä, millaista kohtausta tämä lehtimaja kuvasi. Yleisö liikkui paviljongista toiseen.

Tällainen näyttämötilan organisointi liittyy keskiaikaisen teatterin tärkeimpään periaatteeseen - samanaikaisuuteen (samanaikaisuuteen). Tämä periaate merkitsi useiden toimintapaikkojen ruudulla olemisen samanaikaisuutta ja vastaavasti niissä tapahtuvien toimintojen samanaikaisuutta. Samanaikaisuus juontaa juurensa keskiaikaisiin aikakäsityksiin.

Esityksiä järjestettäessä käytettiin aktiivisesti koneita, maisemiin, erityisesti taivasta tai helvettiä kuvaaviin, kiinnitettiin paljon huomiota. Näytelmä oli erittäin tärkeä.

Mysteereissä naturalismi (etenkin erilaisten veristen kohtausten esittämisenä) ja konventionaalisuus esiintyivät rinnakkain.

Huolimatta siitä, että mysteerin järjestivät maalliset henkilöt, se oli eräänlainen uskonnollinen palvelu, jonka koko kaupunki loi.

Mysteereihin osallistumista pidettiin hurskaana tekona. Monet roolit olivat niin suosittuja hakijoiden keskuudessa, että järjestäjät järjestivät huutokaupan, josta nämä roolit myytiin.

Mysteeri sisälsi täysin heterogeenisiä elementtejä. Huolimatta siitä, että sen pääsisältö oli jokin jakso Raamatusta, arkipäiväiset elementit tunkeutuivat hyvin aktiivisesti mysteeriin. Lisäksi mysteeriesitys laimennettiin joskus kokonaisilla farssilla kohtauksilla, jotka olivat käytännössä erillinen esitys, jolla ei ollut juonen suhteen mitään tekemistä mysteerin kanssa. Lisäksi jaksot, joissa oli mukana paholaisia, olivat erittäin suosittuja. Ja usein myös sellainen hahmo kuin narri esiintyi mysteereissä.

Aluksi amatöörit osallistuivat mysteerien järjestämiseen, myöhemmin syntyi kokonaisia ​​ammattiliittoja, joiden tehtävänä oli saada aikaan mysteeri. Yleensä niitä kutsuttiin veljeskuntia analogisesti muiden keskiaikaisten veljeskuntien kanssa.

Tunnetuin tällainen järjestö oli Ranskan Herran kärsimyksen veljeskunta, joka vuodesta 1402 lähtien jopa sai monopolin Pariisin mysteerien, mutta myös ihmeiden ja "muiden uskonnollisten moraalisten näytelmien" järjestämiseen (kuten patentti myönnettiin). veljeskunnan jäsenille kuningas sanoi).

Ihme

Tämän genren nimi tulee latinan sanasta miraculum (ihme).

Syntyy Ranskassa XIII vuosisadalla.

Ihme tulee pyhien kunniaksi laulavista hymneistä ja heidän elämänsä lukemista kirkossa. Siksi tarinat Neitsyt Marian ja pyhien tekemistä ihmeistä toimivat juonen pohjana.

Ihmeesityksiä Ranskassa järjestivät erityiset yhteisöt - puys. Heidän nimensä tulee sanasta podium.

Moraali

Toinen genre, joka liittyy keskiajan uskonnolliseen teatteriin.

Ilmestyy XV-XVI-luvuilla.

Tämä on allegorinen näytelmä, jossa allegoriset hahmot toimivat. Jokainen niistä on jonkin abstraktin käsitteen (synti, hyve, laatu jne.) personifikaatio. Juonen olemus rajoittui tarinaksi siitä, kuinka ihminen kohtaa valinnan hyvän ja pahan välillä.

Ihmiset, jotka valitsivat hyveen, palkittiin lopulta, ja paheeseen antautuneita rangaistiin. Siten jokainen moraali oli didaktismin täynnä.

Moraalilla ei ole suoraa yhteyttä raamatullisiin aiheisiin, mutta sen moraali antaa meille mahdollisuuden luokitella tämä genre keskiajan uskonnolliseksi teatteriksi.

Moraalin näyttämölava oli lava, joka rakennettiin aukiolle.

Allegoriahahmoilla oli rinnassaan kirjoituksia, jotka selittivät yleisölle, joka oli heidän edessään. Lisäksi jokaisella heistä oli oma luontainen attribuuttinsa, jolla hän esiintyi aina lavalla ja joka myös symbolisesti selitti, millainen allegoria se oli.

Venäläisen teatterin historia on jaettu useisiin päävaiheisiin. Alkuvaiheen leikkisä vaihe alkaa heimoyhteiskunnasta ja päättyy 1600-luvulle, jolloin Venäjän historian uuden ajanjakson myötä alkaa uusi, kypsempi vaihe teatterin kehityksessä, joka huipentuu pysyvän valtion perustamiseen. ammattiteatteri vuonna 1756.

Termit "teatteri", "draama" tulivat venäjän sanakirjaan vasta 1700-luvulla. 1600-luvun lopussa käytettiin termiä "komedia" ja koko vuosisadan ajan "hauskaa" (Hauska vaatekaappi, huvikammio). Suosituissa massoissa termiä "teatteri" edelsi termi "häpeä", termiä "draama" - "peli", "peli". Venäjän keskiajalla niille synonyymi määritelmät olivat yleisiä - "demoninen" tai "saataninen", puhkipelit. Kaikenlaisia ​​ulkomaalaisten 1500-1600-luvuilla tuomia mielenkiintoisia asioita ja ilotulitteita kutsuttiin myös hauskoiksi. Nuoren tsaari Pietari I:n sotilaallisia ammatteja kutsuttiin myös hauskoiksi. Tässä mielessä sekä häitä että pukeutumista kutsuttiin "leikkiksi", "peliksi". Soittimien suhteen "leikki" on aivan erilainen merkitys: tamburiinien soittaminen, nuuskiminen jne. Suullisen draaman termit "leikki" ja "leikki" säilyivät kansan keskuudessa 1800-1900-luvuille asti.

Kansantaide

Venäläinen teatteri sai alkunsa muinaisina aikoina. Sen alkuperä juontaa juurensa kansantaiteeseen - rituaaleihin, työtoimintaan liittyviin lomiin. Ajan myötä riitit menettivät maagisen merkityksensä ja muuttuivat esityspeleiksi. Niissä syntyi teatterin elementtejä - dramaattista toimintaa, naamiointia, dialogia. Jatkossa yksinkertaisimmat pelit muuttuivat kansandraamaksi; ne luotiin kollektiivisen luovuuden prosessissa ja säilytettiin ihmisten muistissa, siirtyen sukupolvelta toiselle.

Pelit eriytyivät kehitysprosessissaan, hajosivat toisiinsa liittyviksi ja samalla yhä etäisemmiksi lajikkeiksi - draamaksi, rituaaliksi, peliksi. Heidät toi yhteen vain se, että he kaikki heijastivat todellisuutta ja käyttivät samanlaisia ​​ilmaisumenetelmiä - dialogia, laulua, tanssia, musiikkia, naamiointia, naamiointia, näyttelemistä.

Pelit vaikuttivat dramaattiseen luovuuteen.

Pelit olivat alun perin suora heijastus heimoyhteisön organisaatiosta: niissä oli pyöreä tanssi, kuoroluonteinen luonne. Pyöreissä tanssipeleissä kuoro- ja dramaattinen luovuus sulautuivat orgaanisesti yhteen. Peleihin runsaasti sisältyneet laulut ja dialogit auttoivat luonnehtimaan leikkisä kuvaa. Myös joukkomuistotilaisuuksissa oli leikkisä luonne, ne ajoitettiin kevääseen ja niitä kutsuttiin "merenneidoksi". XV-luvulla käsitteen "Rusalia" sisältö määriteltiin seuraavasti: demonit ihmisen muodossa. Ja Moskovan "Azbukovnik" vuodelta 1694 määrittelee merenneidot "buffonipeleiksi".

Isänmaamme kansojen teatteritaide saa alkunsa rituaaleista ja peleistä, rituaalitoimista. Feodalismin alaisuudessa teatteritaidetta viljelivät toisaalta "kansat" ja toisaalta feodaaliset aateliset, ja sen mukaisesti äijät erotettiin.

Vuonna 957 suurherttuatar Olga tutustui Konstantinopolin teatteriin. Hippodromiesityksiä on kuvattu 1000-luvun viimeisen kolmanneksen Kiovan Sofian katedraalin freskoilla. Buffoonit mainittiin ensimmäisen kerran vuosikirjoissa vuonna 1068.

Kiovan Venäjä tunsi kolmen tyyppisiä teattereita: tuomioistuin, kirkko, kansanmusiikki.

ilveily

Vanhin "teatteri" oli kansannäyttelijöiden - buffoonien - pelejä. Ujous on monimutkainen ilmiö. Buffooneja pidettiin eräänlaisina velhoina, mutta tämä on virheellistä, koska rituaaleihin osallistuvat puhvet eivät vain parantaneet uskonnollista ja maagista luonnettaan, vaan päinvastoin esittelivät maallisen, maallisen sisällön.

Kuka tahansa voisi puhjentaa, eli laulaa, tanssia, vitsailla, näytellä sketsejä, soittaa soittimia ja näytellä, eli kuvata jotakin henkilöä tai olentoa, kuka tahansa voisi. Mutta vain se, jonka taide taiteellisuudellaan erottui massojen taiteen tason yläpuolelta, tuli ja kutsuttiin puhkikäsityöläiseksi.

Kansanteatterin rinnalla kehittyi ammattimainen teatteritaide, jonka kantajia Muinaisella Venäjällä olivat äijät. Nukketeatterin ilmestyminen Venäjälle liittyy äijäpeleihin. Ensimmäiset kronikkatiedot buffooneista osuvat ajoissa samaan aikaan, kun Kiovan Sofian katedraalin seinille ilmestyi buffon-esityksiä kuvaavia freskoja. Kroonikkomunkki kutsuu ämpäriä paholaisten palvelijoiksi, ja katedraalin seinät maalannut taiteilija havaitsi mahdolliseksi sisällyttää heidän kuvansa kirkkokoristeisiin ikonien ohella. Buffoonit yhdistettiin massoihin, ja yksi heidän taiteensa tyypeistä oli "kumi", eli satiiri. Skomorokhoveja kutsutaan "tyhmiksi", toisin sanoen pilkkaajiksi. Glum, pilkkaaminen ja satiiri liittyvät jatkossakin tiukasti hölmöihin.

Maallinen äijän taide oli vihamielinen kirkkoa ja papiston ideologiaa kohtaan. Kirkkomiehillä vallitsevasta vihasta päihteiden taitoa kohtaan on todisteita kronikoiden muistiinpanoista ("Tarina menneistä vuosista"). Kirkon opetukset 1000- ja 1100-luvuilta julistavat, että myös naamio, johon huumorimiehet turvautuvat, on synti. Buffoonit joutuivat erityisen voimakkaan vainon kohteeksi tataarin ikeen vuosina, jolloin kirkko alkoi intensiivisesti saarnata askeettista elämäntapaa. Mikään vaino ei ole hävittänyt hölmöitaidetta ihmisten keskuudesta. Päinvastoin, se kehittyi menestyksekkäästi, ja sen satiirinen pistely tuli yhä akuutimmaksi.

Muinaisella Venäjällä tunnettiin taiteeseen liittyvät käsityöt: ikonimaalaajat, jalokiviseurat, puun ja luun veistäjät sekä kirjankirjoittajat. Buffoonit kuuluivat heidän joukkoonsa, koska he olivat "ovelia", laulun, musiikin, tanssin, runouden, draaman "mestareita". Mutta heitä pidettiin vain hauskoina, hauskoina ihmisinä. Heidän taiteensa oli ideologisesti sidoksissa kansan joukkoihin, käsityöläisiin, jotka yleensä vastustivat hallitsevia massoja. Tämä teki heidän taitostaan ​​paitsi hyödyttömän, myös feodaaliherrojen ja papiston kannalta ideologisesti haitallisen ja vaarallisen. Kristillisen kirkon edustajat asettivat äijät viisaiden ja ennustajien viereen. Rituaaleissa ja peleissä ei edelleenkään ole jakoa esiintyjiin ja katsojiin; heiltä puuttuu kehittyneitä juonia, reinkarnaatio kuvaksi. Ne esiintyvät kansandraamassa, joka on täynnä teräviä sosiaalisia aiheita. Suullisen perinteen neliöteatterien esiintyminen liittyy kansandraamaan. Näiden kansanteatterien näyttelijät (buffoons) pilkkasivat vallanpitäjiä, papit, rikkaat, esittelivät myötätuntoisesti tavallisia ihmisiä. Kansanteatterin esitykset rakennettiin improvisaatiolle, sisälsivät pantomiimia, musiikkia, laulua, tanssia, kirkkonumeroita; esiintyjät käyttivät naamioita, meikkiä, pukuja, rekvisiitta.

Buffoonien suorituskyvyn luonne ei aluksi vaatinut heidän yhdistämistä suuriin ryhmiin. Satujen, eeppisten, laulujen esittämiseen, soittimen soittamiseen riitti vain yksi esiintyjä. Buffoonit jättävät kotonsa ja vaeltavat Venäjän maalla etsiessään työtä, muuttavat kylistä kaupunkeihin, joissa he palvelevat paitsi maaseudun, myös kaupunkilaisia ​​ja joskus ruhtinaallisia tuomioistuimia.

Huijareita houkuttelivat myös kansanhoviesitykset, jotka lisääntyivät Bysantin ja sen hovielämän tuntemisen vaikutuksesta. Kun Moskovan hoviin järjestettiin Huvihuone (1571) ja Huvikammio (1613), ällöttäjät joutuivat siellä hovinhureiden asemaan.

Buffoonien esitykset yhdistivät eri taiteenlajeja: niin varsinaista dramaattista taidetta kuin kirkko- ja "variaatiotaidetta".

Kristillinen kirkko vastusti kansanpelaamista ja ällötaitoa rituaalisella taiteella, joka oli täynnä uskonnollisia ja mystisiä elementtejä.

Buffoonien esitykset eivät kehittyneet ammattiteatteriksi. Teatteriryhmien syntymiselle ei ollut edellytyksiä - loppujen lopuksi viranomaiset vainosivat hölmöjä. Kirkko myös vainosi pöyhkeitä ja kääntyi maallisten viranomaisten puoleen saadakseen apua. Huijareita vastaan ​​lähetettiin XV vuosisadan Trinity-Sergius-luostarin peruskirja, XVI vuosisadan alun lakisääteinen peruskirja. Kirkko asetti itsepintaisesti ihailijat pakanallisen maailmankuvan kantajien (taikurit, velhot) tasolle. Ja silti, äijäesitykset jatkoivat elämäänsä, kansanteatteri kehittyi.

Samaan aikaan kirkko ryhtyi kaikkiin toimenpiteisiin vaikuttaakseen. Tämä ilmeni liturgisen draaman kehityksessä. Jotkut liturgiset draamat saapuivat meille kristinuskon mukana, toiset 1400-luvulla yhdessä "suuren kirkon" äskettäin hyväksytyn juhlallisen peruskirjan ("Käskentely maassa", "Jalkojen pesu") mukana.

Huolimatta teatterin ja näyttävien muotojen käytöstä, venäläinen kirkko ei luonut omaa teatteriaan.

1600-luvulla Simeon Polotsklainen (1629-1680) yritti luoda liturgisen draaman pohjalta taiteellisen kirjallisen draaman, tämä yritys osoittautui eristäytyneeksi ja hedelmättömäksi.

1600-luvun teatterit

1600-luvulla syntyivät ensimmäiset suulliset draamat, juoniltaan yksinkertaiset ja heijastavat suosittuja tunnelmia. Nukkekomedia Petrushkasta (hänen etunimensä oli Vanka-Ratatouille) kertoi fiksun iloisen kaverin seikkailuista, joka ei pelännyt mitään maailmassa. Teatteri todella ilmestyi 1600-luvulla - tuomioistuin ja kouluteatteri.

tuomioistuinteatteri

Hoviteatterin synty johtui hoviaatelisten kiinnostuksesta länsimaiseen kulttuuriin. Tämä teatteri esiintyi Moskovassa tsaari Aleksei Mihailovitšin alaisuudessa. Näytelmän "Artakserkseksen toiminta" (raamatullisen Esterin tarina) ensiesitys pidettiin 17. lokakuuta 1672. Hoviteatterilla ei aluksi ollut omia tiloja, maisemia ja pukuja siirrettiin paikasta toiseen. Ensimmäiset esitykset lavasi pastori Gregory Saksan siirtokunnalta, näyttelijät olivat myös ulkomaalaisia. Myöhemmin he alkoivat rekrytoida ja kouluttaa venäläisiä "nuoria". Heidän palkansa maksettiin epäsäännöllisesti, mutta he eivät säästellyt maisemista ja puvuista. Esitykset erosivat suuresta loistosta, joskus soittimen ja tanssin mukana. Tsaari Aleksei Mihailovitšin kuoleman jälkeen hoviteatteri suljettiin, ja esitykset jatkuivat vasta Pietari I:n johdolla.

kouluteatteri

Hoviteatterin lisäksi Venäjällä toimi 1600-luvulla myös kouluteatteri slaavilais-kreikkalais-latinalaisessa akatemiassa, teologisissa seminaareissa ja kouluissa Lvovissa, Tiflisissä ja Kiovassa. Näytelmät olivat opettajien kirjoittamia, ja oppilaat esittivät historiallisia tragedioita, allegorisia draamoja, jotka ovat lähellä eurooppalaisia ​​ihmeitä, välikappaleita - satiirisia arkikohtauksia, joissa soi protesti yhteiskuntajärjestelmää vastaan. Kouluteatterin välikappaleet loivat pohjan komediagenrelle kansallisessa dramaturgiassa. Kouluteatterin alkupuolella oli kuuluisa poliittinen hahmo, näytelmäkirjailija Simeon Polotsky.

Oikeuskouluteatterin ilmestyminen laajensi venäläisen yhteiskunnan henkisen elämän ulottuvuutta.

1700-luvun alun teatteri

Pietari I:n käskystä vuonna 1702 perustettiin yleisölle tarkoitettu julkinen teatteri. Erityisesti hänelle, ei Moskovan Punaiselle torille, rakennettiin rakennus - "Komediatemppeli". Siellä esiintyi saksalainen I. Kh. Kunst -ryhmä. Ohjelmistossa oli ulkomaisia ​​näytelmiä, jotka eivät menestyneet yleisössä, ja teatteri lakkasi olemasta vuonna 1706, kun Pietari I:n tuet päättyivät.

Johtopäätös

Uuden sivun isänmaamme kansojen esittävän taiteen historiassa avasivat orja- ja amatööriteatterit. 1700-luvun lopusta lähtien olemassa olleissa maaorjaryhmissä esitettiin vaudevilleä, sarjakuvia ja baletteja. Orjateatterien pohjalta syntyi yksityisiä yrityksiä useisiin kaupunkeihin. Venäläisellä teatteritaiteella oli myönteinen vaikutus isänmaamme kansojen ammattiteatterin muodostumiseen. Ensimmäisten ammattiteatterien ryhmiin kuului lahjakkaita amatöörejä - demokraattisen älymystön edustajia.

Teatteri Venäjällä 1700-luvulla saavutti valtavan suosion, siitä tuli laajojen massojen omaisuutta, toinen ihmisten henkisen toiminnan julkinen alue.