Minä vuonna teatteri perustettiin. Teatterin syntymisen historia Venäjällä tai miten teatteri ilmestyi

Kaikki alkoi primitiivisessä yhteiskunnassa, kun ihminen oli täysin riippuvainen hänelle käsittämättömistä luonnonvoimista. Vuodenaikojen muutos, odottamaton kylmä sää, satovika, tulipalot, sairaudet - kaikki johtui yliluonnollisista voimista, jotka oli voitettava. Yksi varmin tavoista saavuttaa menestys oli taikuutta tai noituutta. Se koostui siitä, että ennen työn aloittamista esitettiin kohtaus, joka kuvaa prosessin onnistunutta loppuun saattamista. Näiden esitysten osallistujat käyttivät monimutkaista pantomiimia, mukana laulaminen, musiikki ja tanssi. Ja näissä rituaaleissa modernin teatterin elementit ovat jo alkaneet näkyä ... Photo-1L

Muinaisessa Egyptissä jo kolmannen vuosituhannen eKr. Lopussa. joka vuosi temppeleissä järjestettiin teatterikohtauksia maanviljelijöiden ja käsityöläisten suojeluspyhimyksestä - jumalasta Osiriksesta.

Kreikassa karnevaalityyppiset rituaalit maaseudun jumalien kunniaksi ovat olleet pitkään yleisiä. Dionysoksen jumalan kultilla oli tärkeä rooli kreikkalaisen teatterin kehityksessä. Nämä esitykset koostuivat kolmesta tragediasta ja kolmesta komediasta. Teatterit rakennettiin ulkoilmaan ja olivat kooltaan valtavia. Näyttelijät olivat vain miehiä, jotka pelasivat naisrooleja. Komediahahmojen piti aiheuttaa naurua, joten näyttelijöiden käyttämillä naamioilla oli litistynyt nenä, ulkonevat huulet ja pullistuneet silmät. Suosittuja teatteriesityksiä, joita kutsutaan miimeiksi, olivat suosittuja myös Kreikassa. Mime on pieni jokapäiväinen tai satiirinen kohtaus, jossa kuvataan sekä markkinavarkaita että mytologisia sankareita. Niitä esittivät paitsi miehet, myös naiset, ja näissä teatteriesityksissä näyttelijät esiintyivät ilman naamioita.

Muinaisen Rooman teatteri on esitys, joka on suunniteltu ensisijaisesti yleisön viihdettä varten. Näyttelijöitä pidettiin alemman luokan ihmisinä, mutta jotkut näyttelijät saavuttivat yleismaailmallisen kunnioituksen.

Renessanssiteatteri, nämä esitykset olivat iloisia, kyllästyneitä terävään satiiriin ja mehukkaaseen huumoriin. Teatteriesityksiä järjestettiin neliöinä, puulavoilla, joiden ympärillä oli aina suuri joukko ihmisiä. Teatterit alkoivat keskittyä suuriin teollisuus- ja kulttuurikaupunkeihin. Samana aikana teatteri jaettiin tyypin mukaan. Esimerkiksi ooppera syntyi 1500-luvun vaihteessa, baletti 1700-luvun puolivälistä ja operetti 1800-luvun puolivälistä.

Tämän teatterin aikakauden draaman piirre oli korkean sankarillisen periaatteen läsnäolo, käsitteiden jakaminen hyväksi ja pahaksi, vapaa siirtyminen ylevästä matalaan, traagisesta sarjakuvaan.

Renessanssin aikakausi antoi sysäyksen teatterin jatkokehitykselle ja sen lähentämiselle siihen, mitä tiedämme nyt.

Teatteri on suosittu ja rakastettu taidemuoto. Kun ostamme teatterilippuja, odotamme innolla tapaamistamme ja kuulemistamme suosikkitaiteilijoistamme.
Teatterilla on hyvin muinainen historia. Monia vuosisatoja sitten esi-isämme nauttivat tästä upeasta taiteesta samalla tavalla. Primitiivisessä yhteiskunnassa ihmiset eivät tietenkään tienneet, mikä juliste oli, eikä heillä ollut aavistustakaan näyttelijän ammatista, mutta he osallistuivat suorimmin teatteriesityksiin. Jopa noiden aikojen pakanalliset rituaalit olivat luonteeltaan teatteriesityksiä, jotka olivat tapa palvella jumalia. Jokaisella pappilla oli julkisen puhumisen ja karisman lahja.

Antiikin aikakaudella teatteri menettää vähitellen rituaalitoimintonsa ja saa viihdehahmon. Muinaisessa Kreikassa teatteriesitysten juonteet perustuivat jaksot Olympuksen jumalien elämästä sekä kreikkalaisten sankareiden hyödyntämiset. Näyttelijöille ja näytelmäkirjailijoille Kreikassa annettiin korkea kunnia, kun taas Roomassa toimijat eivät päinvastoin kunnioittaneet paljoakaan. Teatterirakennuksissa pidettiin gladiaattoritaisteluja, sirkuspelejä ja verisiä esityksiä, jotka lähes korvasivat teatteritaidetta.

Keskiajalla teatteriesitykset olivat kiellettyjä, koska kristillinen kirkko näki niissä pakanallisten rituaalien jäännökset. Inkvisitio vainosi ankarasti näyttelijöitä, teatteriesitysten katsominen oli rangaistavaa ekskommunikaatiolla. Kaikki teatterit olivat kiinni, joten näyttelijät yhdistyivät kiertäviin ryhmiin ja näyttivät taiteitaan pienissä kylissä.

Renessanssin aikana kirkon vaikutus kaikilla ihmiselämän alueilla heikentyi, ja siirtyminen asketismin ihanteista henkilökohtaiseen vapauteen ja humanismiin alkoi. Tiede ja kaikki taiteen osa-alueet kehittyivät aktiivisesti. Teatteri kehittyi erityisen nopeasti: ilmestyi katettuja porrastettuja teatterirakennuksia, kehitettiin näyttämötekniikkaa, jonka yhteydessä syntyi uusia teatterin erikoisuuksia: näyttämökoneikko, akustikko, valaisija ja muita, uusia teatteritaiteita, erityisesti klassinen ooppera.

XIX-luvun loppu - XX-luvun alku on ominaista suuntautumiselle esityksen kaikkien komponenttien harmoniseen yhdistelmään. Tämä tuli mahdolliseksi johtajan ammatin syntymisen ja esittävän taiteen siirtymisen seurauksena uudelle tasolle. Tärkeä rooli tässä oli K.S. Stanislavsky.

Nykyään teatteri on monilaji. Pelkkä lähestymistapa teatteriesitykseen on muuttunut: se sisältää musiikkia, installaatioita, monimutkaisia ​​maisemakoneistoja, projektioita. Jopa puvusta voi tulla taide-esine.
Myös teatterin musiikki on muuttunut. Monista esityksistä on tullut enemmän kuin musikaaleja, interaktiivisilla elementeillä: katsojat voidaan helposti kutsua osallistumaan tapahtumiin, laulamaan jotain tai jopa olemaan toissijainen rooli.

Teatteri on edelleen elävä tyylilaji, se ottaa jatkuvasti uusia elementtejä itseensä - ja tämä on tae, että se elää ja kehittyy.

Teatteritaide on alkanut muinaisina aikoina totemisista tansseista, eläintottumusten rituaalisesta kopioinnista, rituaalien suorittamisesta käyttämällä erityisiä pukuja, naamioita, tatuointeja ja vartalomaalauksia. Teatterikehityksen alkuvaiheessa näytelmäkirjailija ja esiintyjä yhdistyivät yhteen henkilöön.

Muinaisessa maailmassa jopa viisitoista tuhatta katsojaa kokoontui esityksiin. Esitykset etenivät luonnon sylissä, ikään kuin pysyisivät itse tapahtumana. Tämä antoi muinaiselle teatterille luonnollisuutta ja vilkkautta.

Keskiajalla teatteri kehittyi sellaisissa muodoissa, jotka palaavat liturgiseen draamaan, esittäen osana kirkollista palvelua. XIII-XIV-luvuilla. Palvelusta eristettyjä genrejä syntyy - mysteeri, ihme; kansanmotiivit ja ideat tunkeutuvat näihin kirkon esityksiin. Kansan teatterimuodot toteutetaan sekä amatööri-luovuuden että vaeltavien näyttelijöiden katuesityksinä. XV-luvulla. ilmestyi keskiaikaisen teatterin demokraattisin genre - farssi, joka toisti nokkelasti aikalaisten elämän ja tavat.

Renessanssissa teatteritaiteen kansanmuotoja kyllästää humanismi (italialainen naamio-komedia), teatteri saa filosofisuuden, siitä tulee tapa analysoida maailman tilaa (Shakespeare), sosiaalisen taistelun väline (Lope de Vega) .

Klassismin teatteri (1600-luku) on aikakautensa todellinen taide, joka on rakennettu normatiivisen estetiikan (Boileau) ja rationalistisen filosofian (Descartes) pohjalta. Se perustuu suureen traagiseen (Racine, Corneille) ja suureen koomiseen (Molière) dramaturgiaan, joka väittää ihanteellisia sankareita ja pilkkaa paheita. Näyttelijät ilmentävät hahmojen universaaleja inhimillisiä piirteitä unohtamatta heidän erityisiä historiallisia ja kansallisia piirteitään. Klassismin teatteri on tuomioistuimen taiteellisten etujen ja yleisön tarpeiden keskipiste.

XVIII vuosisadalla. koulutusideat tunkeutuvat teatteriin (Diderot, Lessing), siitä tulee keino kolmannen kartanon sosiaaliseen taisteluun feodalismi vastaan. Näyttelijät pyrkivät ilmaisemaan hahmon sosiaalisen aseman.

1800-luvun alkupuoliskolla. romanttinen teatteri leviää. Hänelle on ominaista kohonnut emotionaalisuus, lyyrisyys, kapinallinen pateettisuus, spesifisyys hahmojen kuvauksessa.

XIX vuosisadan 30-luvulla. teatterin hallitsevasta suunnasta on tulossa kriittinen realismi. Tämä suunta kehittyy Gogolin, Ostrovskin ja myöhemmin Tšekhovin, Ibsenin, Shawin draaman perusteella. Teatterista on tulossa syvästi kansallinen ja demokratisoitunut, sen massa- ja kansanmuodot ovat kehittymässä. Tavallisille ihmisille suunnitellut teatterit syntyivät: "bulevardi" (Pariisi), "pieni" (New York), esikaupunkiteatterit (Wien).

Venäjän 1800-luvun näyttämötaide - realistinen teatteri, akuutit sosiaaliset ongelmat, kriittinen asenne todellisuuteen, satiirisen altistumisen saavuttaminen, elämän tyypittely, persoonallisuuden psykologinen analyysi.

1900-luvun ensimmäisellä kolmanneksella teatterissa tapahtui suuri uudistus: teatteriin tuli ohjaaja. Tämä on 1900-luvun valloitus. Ohjaajat K. Stanislavsky, V. Meyerhold, M. Reinhardt, A. Appia, G. Craig, L. Kurbas loivat uusia esittävän taiteen tieteellisiä teorioita. Nykyaikana yhtyeestä on tullut esityksen pääperiaate. Ohjaaja ohjaa tätä yhtyeä (seurue), tulkitsee näytelmäkirjailijan aikomuksen, ilmentää näytelmän performanssiksi ja järjestää sen koko kurssin.

Teatteri (kreikan θέατρον - päämerkitys - paikka silmälaseille, sitten - spektaakkeli, θεάομαι - näytän, näen) on näyttävä taidemuoto, joka on synteesi eri taiteista - kirjallisuus, musiikki, koreografia, laulu, kuvataide ja muut, ja sillä on oma erityispiirteensä: todellisuuden, konfliktien, hahmojen heijastus sekä niiden tulkinta ja arviointi, tiettyjen ideoiden hyväksyminen tapahtuu tässä dramaattisen toiminnan kautta, jonka pääasiallinen kantaja on näyttelijä.

"Teatterin" yleiskäsite sisältää sen eri tyypit: draamateatteri, ooppera, baletti, nukke-, pantomiimiteatteri jne.

Aina teatteri oli kollektiivista taidetta; modernissa teatterissa näyttelijöiden ja ohjaajan (kapellimestari, koreografi) lisäksi lavastaja, säveltäjä, koreografi sekä rekvisiitta, pukusuunnittelijat, meikkitaiteilijat, näyttelijät ja valaisimet osallistuvat luomiseen esitys.

Teatterin kehitys on aina ollut erottamaton yhteiskunnan ja koko kulttuurin tilan kehityksestä - sen kukoistus tai taantuma, teatterin tiettyjen taiteellisten suuntausten vallitsevuus ja rooli maan henkisessä elämässä liittyivät sosiaalisen kehityksen erityispiirteet.

Teatteri (kreikkalaisesta. Theatron - paikka spektaakkelille, spektaakkelille), pääasiallinen esittävän taiteen tyyppi. Teatterin yleiskäsite on jaettu teatteritaidetyyppeihin: draamateatteri, ooppera, baletti, pantomiimiteatteri jne. Termin alkuperä liittyy antiikin Kreikan antiikin teatteriin, jossa tarkalleen auditorion paikkoja kutsuttiin (kreikkalaisesta verbistä "teaomai" - katson). Kuitenkin tänään tämän termin merkitys on erittäin monipuolinen. Sitä käytetään lisäksi seuraavissa tapauksissa:

1. Teatteri on rakennus, joka on erityisesti rakennettu tai sovitettu esitysten esittämiseen (A.S. Pushkinin teatteri on jo täynnä, laatikot loistavat).

2. Laitos, esitysten näyttämistä harjoittava yritys sekä koko sen henkilöstöryhmä, joka tarjoaa teatteriesityksiä (Mossovet-teatteri; Taganka-teatterikierrokset jne.).

3. Joukko dramaattisia tai näyttämöteoksia, jotka on rakennettu yhden tai toisen periaatteen mukaan (Tšehovin teatteri, renessanssiteatteri, japanilainen teatteri, Mark Zahharovin teatteri jne.)

4. Vanhentuneessa merkityksessä (säilynyt vain teatteriammattilaisessa argossa) - vaihe, vaihe (AN Ostrovskyn "jalo köyhyys on hyvä vain teatterissa").

5. Kuvaannollisessa mielessä - meneillään olevien tapahtumien (sotilasteatterin, anatomisen teatterin) paikka.

Kuten kaikilla muilla taiteilla (musiikki, maalaukset, kirjallisuus), teatterilla on omat erityispiirteensä. Tämä taide on synteettistä: teatteriteos (esitys) koostuu näytelmän tekstistä, ohjaajan, näyttelijän, taiteilijan ja säveltäjän teoksesta. Musiikilla on ratkaiseva rooli oopperassa ja baletissa.

Teatteri on kollektiivista taidetta. Esitys on seurausta monien ihmisten toiminnasta, paitsi lavalle ilmestyvien, myös niiden, jotka ompelevat pukuja, tekevät rekvisiittaa, asettavat valoa ja tapaavat yleisöä. Ei ole mitään, että "teatterityöntekijöille" on määritelmä: esitys on sekä luovuutta että tuotantoa.

Teatteri tarjoaa oman tapansa tuntea ympäröivä maailma ja vastaavasti omat taiteelliset keinonsa. Esitys on sekä näyttämön tilassa pelattava erityinen toiminta että erityinen kuvaannollinen ajattelu, joka eroaa esimerkiksi musiikista.

Teatteriesitys perustuu tekstiin, kuten näytelmään dramaattiseen esitykseen. Jopa niissä lavastuksissa, joissa sana sinänsä puuttuu, teksti on joskus välttämätöntä; erityisesti baletilla ja joskus pantomiimilla on käsikirjoitus - libreto. Näytelmän käsittelyprosessi koostuu dramaattisen tekstin siirtämisestä lavalle - tämä on eräänlainen "käännös" kieleltä toiselle. Tämän seurauksena kirjallisesta sanasta tulee näyttämösana.

Ensimmäinen asia, jonka katsoja näkee verhon avautuessa (tai noustessa), on näyttämötila, johon maisema asetetaan. Ne osoittavat toimintapaikan, historiallisen ajan, heijastavat kansallista makua. Paikkarakenteiden avulla jopa hahmojen mieliala voidaan välittää (esimerkiksi sankarin kärsimyksen jaksossa upota kohtaus pimeyteen tai kiristä sen taustaa mustalla). Toiminnan aikana maisemia muutetaan erityistekniikan avulla: päivästä tehdään yö, talvesta kesä, kadusta huone. Tämä tekniikka on kehittynyt yhdessä ihmiskunnan tieteellisen ajatuksen kanssa. Muinaisina aikoina manuaalisesti käytettyjä nostomekanismeja, suojuksia ja luukkuja nostetaan ja lasketaan nyt elektroniikan avulla. Kynttilät ja kaasulamput korvattiin lampuilla; myös lasereita käytetään usein.

Jopa muinaisina aikoina muodostettiin kahdentyyppiset näyttämöt ja auditorio: laatikko ja amfiteatteri. Box box -vaiheessa on tasot ja parterre, ja yleisö ympäröi amfiteatteria kolmelta puolelta. Molempia tyyppejä käytetään nykyään maailmassa. Moderni tekniikka mahdollistaa teatteritilan muuttamisen - alustan järjestämisen auditorion keskelle, katsojan asettamisen lavalle ja auditoriossa esitettävän esityksen.Teatterirakennukselle on aina annettu suuri merkitys . Teattereita rakennettiin yleensä kaupungin keskusaukiolle; arkkitehdit halusivat rakennusten olevan kauniita ja herättävän huomiota. Teatteriin tullessaan katsoja irtoaa jokapäiväisestä elämästä ikään kuin nousta todellisuuden yläpuolelle. Siksi ei ole sattumaa, että peilillä koristeltu portaikko johtaa usein saliin.

Musiikki auttaa lisäämään dramaattisen esityksen emotionaalista vaikutusta. Joskus se kuulostaa paitsi toiminnan aikana myös taukojen aikana - pitää yleisö kiinnostuneina. Näytelmän päähenkilö on näyttelijä. Katsoja näkee edessään henkilön, joka on salaperäisellä tavalla muuttunut taiteelliseksi kuvaksi - eräänlaiseksi taideteokseksi. Taideteos ei tietenkään ole itse esiintyjä, vaan hänen roolinsa. Hän on näyttelijän luomus, jonka luovat ääni, hermot ja jotain huomaamatonta - henki, sielu. Jotta toiminta lavalla voidaan havaita kokonaisuutena, se on järjestettävä harkitusti ja johdonmukaisesti. Nämä nykyteatterin tehtävät hoitaa ohjaaja. Tietysti paljon riippuu näytelmän näyttelijöiden lahjakkuudesta, mutta silti he ovat alisteisia johtajan - ohjaajan - tahdolle. Ihmiset, kuten monta vuosisataa sitten, tulevat teatteriin. Näyttämöltä näytelmien teksti soi esittäjien voiman ja tunteiden muuntamana. Taiteilijat käyvät omaa vuoropuheluaan - eikä vain sanallista. Tämä on keskustelu eleistä, asennoista, katseista ja ilmeistä. Taiteilija-sisustajan mielikuvitus sivuston värien, valon, arkkitehtonisten rakenteiden avulla saa näyttämötilan "puhumaan". Ja kaikki tämä on koottu tiukasti ohjaajan aikomuksen puitteissa, mikä antaa täydellisyyden ja eheyden heterogeenisille elementeille.

Katsoja arvioi tietoisesti (ja toisinaan tiedostamattomasti, ikään kuin tahtoaan vastaan) näyttelijöiden ja ohjattavan pelin, teatteritilan ratkaisun vastaavuuden yleiseen ajatukseen. Mutta tärkeintä on, että hän, katsoja, osallistuu taiteeseen, toisin kuin muut, luodut täällä ja nyt. Ymmärtää näytelmän merkityksen, hän ymmärtää elämän tarkoituksen. Teatterin historia jatkuu.

Teatteritaiteen tyypit ja tyylilajit

VODEVIL on eräänlainen komedia, jossa on jakeita ja tansseja. Alkuperä Ranskasta; XIX vuosisadan alusta. saanut yleiseurooppalaisen jakelun. Parhaat teokset ovat luontaisia ​​hauskalle, ajankohtaiselle todellisuuden heijastukselle.

DRAMA on yksi draaman johtavista genreistä valistuksen jälkeen, joka kuvaa todellisen ihmisen maailmaa hänen terävässä ristiriitaisessa, mutta ei toivottomassa suhteessaan yhteiskuntaan tai itseensä. 1900-luvulla. draama oli merkittävä vakavasta sisällöstään, heijasteli ihmisen elämän ja yhteiskunnan eri puolia ja tutki ihmisen psykologiaa.

KOMEDIA on eräänlainen draama, jossa toiminta ja hahmot tulkitaan sarjakuvana. Tragedian tavoin se syntyi muinaisessa Kreikassa rituaaleista, jotka seurasivat kulkueita jumalan Dionysoksen kunniaksi. Komedia, joka tutkii raittiisti ihmisluontoa, pilkasi ihmisten paheita ja harhaluuloja. Tämän tyylilajin parhaat esimerkit erotetaan tinkimättömällä analyysillä, terävyydellä ja rohkeudella pilkata yhteiskunnan paheita. Eri maissa on omat versiot komediasta. Tunnettuja ovat italialaisten humanistien "opittu" komedia ja Lope de Vegan ja Calderonin espanjalainen komedia, renessanssin englantilainen komedia, valaistumisen ranskalainen klassistinen komedia ja venäläinen realistinen komedia. Toiminnan järjestämisen periaatteen mukaan erotetaan hahmojen, kantojen, ideoiden komedia. Tonttien tyypin mukaan komediat voivat olla jokapäiväisiä ja lyyrisiä, sarjakuvan luonteeltaan - humoristisia, satiirisia.

MELODRAMA on näytelmä, jolla on terävä juonittelu, liioiteltu emotionaalisuus, terävä hyvän ja pahan vastakkainasettelu, moraalinen ja opettava taipumus. Se syntyi 1600-luvun lopulla. Ranskassa, Venäjällä - 20-luvulla. XIX vuosisata.

MIM on antiikin kansanteatterin komedialaji, lyhyt improvisointikohtaus, satiirinen ja viihdyttävä.

OPERA on musiikki- ja dramaattista taidetta, jossa sisältö esiintyy musiikkidraaman avulla, pääasiassa laulumusiikin välityksellä. Oopperan kirjallinen perusta on libreto. Tässä musiikkilajissa runous ja draama, laulu- ja instrumentaalimusiikki, ilmeet, tanssi, maalaus, maisemat ja puvut sulautuvat yhdeksi kokonaisuudeksi.

MYSTERY on keskiaikaisen Länsi-Euroopan uskonnollisen teatterin genre. Mysteereitä esiteltiin kaupungin aukioilla. Niissä olevat uskonnolliset kohtaukset vuorottelivat välikappaleiden kanssa.

MONODRAMA on dramaattinen teos, jonka suorittaa yksi näyttelijä.

MORALITE on Länsi-Euroopan teatterityyppi 1400- ja 1500-luvuilta, rakentava allegorinen draama, jonka hahmot personoivat erilaisia ​​hyveitä ja paheita.

MUSIIKKI on pääosin koomista luonteeltaan musikaali- ja näyttämöteos, jossa käytetään pop- ja jokapäiväisen musiikin, draaman, koreografian ja oopperataiteen keinoja. Genre muodostettiin Yhdysvalloissa 1800-luvun lopulla.

PARODIA - 1) teatterilaji lavalla, tietoinen jäljittely satiirisissa, ironisissa ja humoristisissa tarkoituksissa yksilöllisesti, tyyliltään, puheen ja käyttäytymisen stereotypioista; 2) vääristynyt näennäisyys jostakin.

PASTORAL on ooppera, pantomiimi tai baletti, jonka juoni liittyy idealisoituun kuvaukseen paimenen elämästä.

SOTI on 14-17-vuosisatojen ranskalaisen teatterin komedia-satiirinen genre, eräänlainen farssi.

TRAGEDIA (käännetty kreikaksi - "vuohien laulu") - eräänlainen draama, joka on täynnä traagisen paatosta. Muinaisina aikoina hän kuvasi traagisten tapahtumien hahmojen suoraa elämää, toiminta voitti tarinan. Renessanssin aikana näytelmät hylättiin välttämättömänä toiminnan yhtenäisyytenä, traaginen yhdistettiin usein sarjakuvaan. Tulevaisuudessa tragedia on tiukasti säännelty: toiminnan, paikan ja ajan yhtenäisyys vallitsee jälleen; sarjakuva ja traaginen on rajattu. Nykyaikaisessa teatterissa puhdas tragedia on harvinaista. Tragedian perustan muodostavat akuutit sosiaaliset konfliktit, elämän perusongelmat, henkilökohtaiset törmäykset kohtalon ja yhteiskunnan kanssa. Traaginen konflikti ratkaistaan ​​yleensä sankarin kuolemalla.

TRAGICOMEDIA on dramaattinen teos, joka sisältää sekä komediaa että tragediaa. Se perustuu nykyisten elämänkriteerien suhteellisuuteen; näytelmäkirjailija näkee saman ilmiön 1900-luvulle tyypillisessä koomisessa ja traagisessa kattavuudessa.

FARS - 1) eräänlainen keskiaikainen Länsi-Euroopan kansanteatteri jokapäiväisistä satiirikomedioista, joka oli olemassa XIV-XVI-luvuilla. Lähellä saksalaista fastnachtspielia, italialaista commedia dell'artea jne. 2) teatterissa XIX-XX vuosisatoja. kevytkomedia-vaudeville puhtailla ulkoisilla sarjakuvalaitteilla.

KOKEMUS on teatteriesityksiä, joissa lavastettuja tehosteita käytetään upeissa kohtauksissa. Se on peräisin Italiasta 1600-luvulla.

FLIAKI - kansanteatteriesitykset muinaisessa Kreikassa, erityisen yleisiä III-IV vuosisatoilla. EKr. Kreikan siirtomaissa: lyhyet improvisaatiovitsit-kohtauksia jokapäiväisestä elämästä jumalien ja sankarien hauskoista seikkailuista.

2. Muinaisen Kreikan teatteri.

Teatterin syntyminen antiikin Kreikassa.

Teatteri on yksi vanhimmista taiteista. Sen alkuperä menetetään primitiivisessä yhteiskunnassa. Teatteri syntyi kansanmetsästyksestä ja maagisista luonnonpeleistä. Uskoen, että eläimen jäljitelmä, sen ulkonäkö ja tottumukset voivat vaikuttaa metsästyksen tulokseen, primitiiviset ihmiset järjestivät eläinten nahkoihin pukeutuneiden ihmisten tansseja.

Maatalouden tullessa juhlat juhlivat satoa. Viininvalmistusjumalan Dionysoksen kunniaksi järjestetyllä festivaalilla vuohennahkojen viininviljelijät kuvasivat erilaisia ​​jaksoja Dionysoksen elämästä, lauloivat iloa antavan viiniköynnöksen voiman.

Tästä vuohennahassa olevien ihmisten laulusta syntyi tragedia (tragos on kreikka "vuohelle").

Samoista Dionysokselle omistetuista juhlapäivistä syntyi komedia (sanasta komos - hillitön hauska). Komedia, toisin kuin vakavat ja surulliset tragediat, herätti naurua.

Ajan myötä kreikkalaiset teatteriesitykset menettivät yhteyden jumalan Dionysoksen palvontaan, he kertoivat muiden kreikkalaisten jumalien, sankarien ja tavallisten ihmisten elämästä.

Teatterin laite antiikin Kreikassa.

Muinaisen Kreikan teatterit rakennettiin ulkoilmaan, vuorten ja kukkuloiden rinteille. Ne on suunniteltu useille tuhansille tai jopa kymmenille tuhansille katsojille. Katsojat istuivat kivipenkkeillä, jotka nousivat reunojen varrella vasten laajaa pyöreää tai neliömäistä alustaa - orkesteria.

Kreikkalainen teatteri. Keskellä on orkesteri. Sen oikealla ja vasemmalla puolella on kuoro, keskellä Dionysoksen patsas. Orkesterin sulkee lumi - katettu huone näyttelijöiden vaatteiden vaihtamiseksi. Näkymän edessä on kolme näyttelijää. Nykytaiteilijan piirustus kreikkalaisen teatterin kaivausten perusteella. Keskellä on orkesteri. Sen oikealla ja vasemmalla puolella on kuoro, keskellä Dionysoksen patsas. Orkesterin sulkee lumi - katettu huone näyttelijöiden vaatteiden vaihtamiseksi. Näkymän edessä on kolme näyttelijää. Nykytaiteilijan piirustus kaivaustietojen perusteella

Orkesteri koostui näyttelijöistä ja kuorosta, joka oli pukeutunut näytelmän mukaisesti.

Orkesterin takana oli tilaa näyttelijöiden vaatteiden vaihtamiseen (tästä syystä moderni nimilava). Siinä näyttelijät käyttivät kylpytakkeja ja suuria, kirkkaanvärisiä naamioita. Aluksi naamiot tehtiin puusta ja sitten kipsillä kyllästetystä ja maalilla peitetystä kangasta. Naamiot antoivat kaikille katsojille, myös kaukana istuville, nähdä toiminnan vastaavan ”ilmeen” - surevan, kärsivän, ankaran, iloisen. Lisäksi naamion laajasti avattu suu loi eräänlaisen sarven, joka vahvisti näyttelijän ääntä.

Näyttelijän korkeutta lisättiin ns. Koturns-sandaaleilla, joilla oli erittäin paksu pohja. Naisten roolit kreikkalaisessa teatterissa olivat miehet.

Traagiset ja koomiset runoilijat muinaisessa Kreikassa.

Traagisten ja koomisten runoilijoiden kilpailut pidettiin Ateenassa. Jokaisen oli kirjoitettava ja näytettävä kolme näytelmää. Voittaja palkittiin ikivihreällä laakeriseppeleellä. Kreikan kuuluisat traagiset runoilijat 5. vuosisadalta EKr e. - Aeschylus, Sophocles ja Euripides. Kreikan ja Persian sotien osallistuja Aeschylus "Persialaiset" -tragediassa tuomitsi Persian despootti Xerxesin julmuudesta ja tahallisuudesta, kiitti kreikkalaisten rohkeutta taistelussa kotimaansa vapauden puolesta. Monien Aeschyluksen tragedioiden sankarit ovat jumalia ja puolijumalia. Tragediassa "Ketjutettu Prometheus" myytin sankari, titaani Prometheus, kuvataan ihmiskunnan kiinnostumattomana ystävänä ja hyväntekijänä, rohkeana mielivaltaisuuden ja väkivallan taistelijana, joka on Zeuksen kuva.

Sophoklesin tragedioissa eivät toimi niin jumalat kuin ihmiset. "Antigone" -tragedia kuvaa rohkeaa naista, joka puhui tsaarin epäoikeudenmukaista päätöstä vastaan ​​ja tuomittiin kuolemaan tästä syystä. Antigone tapasi tuomion rohkeasti. Kuolleenaan hän voitti voiton, koska kuningas itse myöhemmin teki parannuksen ja kumosi, vaikkakin myöhään, rangaistuksensa. Antigonen tragedia vetosi intohimoisesti ihmiskuntaan, uskollisuuteen velvollisuuteen, oikeudenmukaisuuteen.

Euripides toi tragedian lähemmäksi katsojaa, teki siitä ymmärrettävämmän ja merkityksellisemmän. Runoilija herättää rohkeasti naisten eriarvoisuuden epäoikeudenmukaisuutta koskevia kysymyksiä, jotka ovat huolestuttavia monille aikalaisille. Hän kuvaa ihmisiä kaikilla intohimoillaan, tunteillaan ja toiveillaan ja näyttää antiikin Kreikan näyttelijän. Hänen kasvonsa on traaginen naamio. Jaloilla-koturny. Norsunluu hahmo, maalattu maaleilla Hänen kasvonsa on traaginen naamio. Jaloilla-koturny. Norsunluu hahmo maalattu väreillä sellaisina kuin ne ovat elämässä.

Suurin koominen runoilija oli Aristophanes. Teoksissaan hän paljasti pahoin nykyisen ateenalaisen demokratian puutteet paljastaen naurettavalla tavalla monet sen johtajat. Aristofanit vastustivat jyrkästi kreikkalaisten välisiä sotia, jotka olivat hyödyllisiä vain harvoille orjien omistajille, ja kirkastivat rauhanomaisen työn ihmisiä. Monet Aristophanesin komediat pilkkaavat olympialaisten jumalien petosta, ahneutta ja epäoikeudenmukaisuutta. Joten komediassa "Linnut" hän kuvaa Zeusta varkaana ja pettäjänä, Poseidonia lahjuksenantajana, Herculesia ahmatti. Aristophanesin komediat saivat ansaitun menestyksen ihmisten keskuudessa.

Kreikkalaisen teatterin merkitys.

Teatteri oli Kreikan osavaltioiden suurin voima. Koko kansa kuunteli tragedioiden ja komedioiden tekijöitä. Kuoron kappale Antigone-tragediasta - "Maailmassa on monia ihmeitä, ihminen on ihmeellisempi kuin he kaikki" - tuli ateenalaisten suosikkikappale.

Teatteria kutsuttiin "aikuiskouluksi". Hän edisti rakkautta kotimaahan, kunnioitusta työstä, rohkeutta ja muita upeita ominaisuuksia, huomasi puutteita yhteiskunnan rakenteessa.

Kreikkalaisella teatterilla oli valtava vaikutus modernin Euroopan kansojen teatteritaiteen kehitykseen. Aikamme teatteri ei lainannut pelkästään kreikkalaisen teatterin terminologiaa, vaan velkaa monia sen erityispiirteistä ja tekniikoista kreikkalaisille. Muinaisen kreikkalaisen näytelmäkirjailijan näytelmät, jotka luotiin yli kaksituhatta vuotta sitten, vaikuttivat monien nykyajan suurten dramaattisten kirjoittajien työhön. Maassamme ja joissakin muissa maissa Aeschyluksen, Sophoclesin ja Euripidesin näytelmät ovat edelleen lavalla. Maailman rauhanneuvoston erityisellä päätöksellä koko edistyksellinen ihmiskunta on viime aikoina juhlistanut Aristophanesin vuosipäivää. Kaukaisen aikakauden ihmisten ajatukset ja tunteet, jotka ilmaistaan ​​kreikkalaisten tragedioissa ja komedioissa, innostavat meitä.

3. Aeschyluksen, Sophoclesin, Euripidesin, Aristophanesin luovuus.

Aischylus

Aeschylus oli tragedian todellinen perustaja. Hän on kirjoittanut yli seitsemänkymmentä teosta, joista vain seitsemän on tullut meille: "persialaiset", "vetoomus", "seitsemän Thebaa vastaan", "ketjutettu Prometheus", "Agamemnon", "Hoephora", "Eumenides" . Kaikissa Aeschyluksen näytelmissä on voimakas uskonnollinen tunne, joka perustuu ristiriitaan ihmisten intohimojen ja hengellisyyden välillä.

Aeschylus oli ideologiselta pohjalta siviilitragedian perustaja, aikalainen ja osallistuja Kreikan ja Persian sodissa, runoilija Ateenan demokratian muodostumisajasta. Hänen työnsä päämotiivi on kansalaiskulttuurin ja isänmaallisuuden ylistäminen. Yksi Aeschyloksen tragedioiden merkittävimmistä sankareista on hellimätön jumalahävittäjä Prometheus, ateenalaisten luovien voimien persoonallisuus. Tämä on kuva sietämättömästä taistelijasta korkeiden ihanteiden, ihmisten onnen puolesta, luonnon voiman voittavan järjen ruumiillistuma, symboli taistelusta ihmiskunnan vapauttamiseksi tyranniasta, joka ilmentää julman ja julman kuvan. kostonhimoinen Zeus, jonka orjapalvelu Prometheus mieluummin kidutti.

Sophokles

Sophocles kirjoitti 125 draamaa, joista seitsemän tragediaa on säilynyt: Antigone, Ajax, tsaari Oidipus, Electra jne. Aristoteleen mukaan Sophocles kuvasi ihanteellisia ihmisiä, kun taas Euripides - sellaisina kuin he todella ovat. Euripides oli pikemminkin kommentaattori kuin osallistuja tapahtumiin, erittäin kiinnostunut naisten psykologiasta. Tunnetuimmat 19 elossa olevasta teoksesta ovat Medea ja Phaedra.

Kaikkien muinaisten draamojen piirre oli kuoro, joka seurasi koko toimintaa laulamalla ja tanssimalla. Aeschylus toi kaksi näyttelijää yhden sijasta, vähentäen kuoron osia ja keskittyen vuoropuheluun, mikä oli ratkaiseva askel muuttamalla tragedia puhtaasti jäljittelevistä kuorolauluista aidoksi draamaksi. Kahden näyttelijän leikki mahdollisti voimistaa toiminnan jännitystä. Kolmannen näyttelijän esiintyminen on Sophoclesin innovaatio, joka mahdollisti hahmotella erilaisia ​​käyttäytymisviivoja samassa konfliktissa.

Euripides

Tragedioissaan Euripides heijastaa perinteisen polis-ideologian kriisiä ja maailmankuvan uusien perustusten etsimistä. Hän oli herkkä poliittisen ja sosiaalisen elämän polttaville kysymyksille, ja hänen teatterinsa oli eräänlainen tietosanakirja Kreikan älyliikkeestä 5. vuosisadan toisella puoliskolla. EKr e. Euripides-teoksessa esitettiin erilaisia ​​sosiaalisia ongelmia, esiteltiin uusia ideoita ja keskusteltiin niistä.

Muinainen kritiikki kutsui Euripidestä "lavalla olevaksi filosofiksi". Runoilija ei kuitenkaan kannattanut tiettyä filosofista oppia, eikä hänen näkemyksensä olleet johdonmukaisia. Hänen asenteensa Ateenan demokratiaan oli epämääräinen. Hän ylisti sitä vapauden ja tasa-arvon järjestelmänä, mutta samalla pelotti kansalaisten köyhä "joukko", joka suosituissa kokouksissa päätti asioita demagogien vaikutuksen alaisena. Kestävä lanka, Euripidesin koko työn kautta, kiinnostaa persoonallisuutta subjektiivisilla pyrkimyksillään. Suuri näytelmäkirjailija kuvasi ihmisiä impulsseillaan, impulsseillaan, iloillaan ja kärsimyksillään. Kaikella teoksellaan Euripides pakotti yleisön pohtimaan asemaansa yhteiskunnassa, asemaansa elämään.

Aristofaanit

Komedian tunnetuin kirjailija oli Aristophanes, joka osasi ohjata satiiriset "nuolensa" nykypäivän poliitikkoja, kirjailijoita ja filosofeja vastaan. Hänen silmiinpistävimmät teoksensa ovat Ampiaiset, Sammakot, Pilvet, Lysistrata. Aristophanesin komedioiden sankarit eivät ole legendaarisia persoonallisuuksia, vaan Aristophanesin aikaiset Ateenan asukkaat: kauppiaat, käsityöläiset, orjat. Komedioissa ei ole sellaista kunnioitusta jumalia kohtaan kuin tragedioissa. Joskus jopa pilkattiin.

Aristophanes antaa rohkean satiirin Ateenan poliittisesta ja kulttuuritilasta aikana, jolloin demokratia alkaa kokea kriisiä. Hänen komedioissaan yhteiskunnan eri kerrokset ovat edustettuina: valtiomiehet ja armeijan johtajat, runoilijat ja filosofit, talonpojat ja soturit, kaupunkilaiset ja orjat. Aristophanes saa aikaan teräviä koomisia vaikutuksia yhdistämällä todellisen ja fantastisen ja tuomalla pilkatun idean absurdiin. Aristophanesilla on joustava ja eloisa kieli, joka nyt lähestyy tavallista, joskus hyvin karkeaa ja alkeellista, nyt parodiaa kohottavaa ja runsaasti odottamattomia koomisia sanamuotoja.

Muinaisen Kreikan tieteet ja kirjallisuus on luotu vapailta ihmisiltä, ​​joille on annettu runollinen ja mytologinen käsitys maailmasta. Kaikessa, mitä kreikkalainen ymmärsi, hän löysi harmonian, oli se sitten universumi tai ihminen. Mytologisessa käsityksessään kreikkalainen henkeni kaiken, mikä kosketti hänen tietoisuuttaan. Harmonia ja hengellisyys määräävät kreikkalaisen kulttuurin ja ennen kaikkea taiteen orgaanisen luonteen ja eheyden.

4. Muinaisen Rooman teatteri.

III - II vuosisadalla eKr. e. teatterilla on tärkeä rooli Roomassa, näytelmien juoni on lainattu kreikkalaisilta, mutta hahmot ovat roomalaista alkuperää.

Roomalainen teatteri syntyi, kun patriarkaalinen klaanijärjestelmä hajosi. Hän ei tiennyt kreikkalaisen teatterin sosiaalisia ja pyöreitä tanssimuotoja eikä luottanut kaupunkiväestön aloitteeseen. Roomalainen teatteri oli heti ammattimainen.

Roomalaisella teatterilla ei ollut yhteyttä jumalankulttiin, kuten Kreikassa, joten sillä ei ollut samaa sosiaalista merkitystä. Näyttelijöitä ei kunnioitettu, mutta he halveksivat ihmisiä. Heidät rekrytoitiin orjien ja vapautettujen joukosta, ja heitä voitiin lyödä heikon suorituskyvyn vuoksi. Esitykset järjestettiin julkisten juhlapäivien kunniaksi, samoin kuin milloin tahansa minkä tahansa aateliskansalaisen aloitteesta.

Roomassa ei pitkään aikaan ollut pysyviä teatterirakennuksia.

Esityksiä varten rakennettiin erityisiä väliaikaisia ​​puurakenteita, jotka hajosivat esityksen lopussa. Lava oli puinen taso, joka oli nostettu puolet miehen korkeudesta maanpinnan yläpuolelle. Kolme kapeaa portaikkoa johti siihen useassa vaiheessa - hahmot, jotka olivat saapuneet (juoni mukaan) toisesta kaupungista, kiipesivät niitä pitkin. Kopin takaseinä verholla toimi taustana. Yleisölle rakennettiin penkkejä, mutta toisinaan lupa oli katsella esityksiä vain seisomaan, jota soitettiin melko kauan, mukaan lukien Plautusin komediat.

Draaman kehittyessä kuitenkin myös tarve tehdä muutoksia esitykseen kasvoi. Senaatti keskusteli tarpeesta perustaa pysyvä erityisteatterirakennus Roomaan. Senaatti uskoi kuitenkin, että teatteri hemmotti nuoria ja korruptoituneita naisia ​​- ja lopetti vuonna 154 useita vuosia sitten aloitetun kiviteatterin rakentamisen.

Ensimmäinen pysyvä kiviteatteri rakennettiin noin 55 eKr. komentaja Gnei Pompey Suuri ja majoitti 17 tuhatta katsojaa.

Roomalainen teatteri oli erilainen kuin kreikkalainen. Orkesterin koko pieneni puoleen, se muuttui puoliympyräksi. (hellenistisessä teatterissa orkesteri oli kolme neljäsosaa ympyrästä).

Etruskeilla ja roomalaisilla, kuten kaikilla kansoilla, oli rituaali- ja kulttilauluja ja pelejä, siellä oli myös kansankomediateatteri, etruskien histrion-teatteri, Athelanan (Atellan kaupungista) kansateatteri pysyvillä naamioilla oli lähellä kreikkalaiselle miimikolle: tyhmä Bukkon, tyhmä Mack, yksinkertainen Papp, kavalas Dossen. Koska teatteriesitys ei liittynyt jumalankulttiin, mutta se ajoitettiin samaan aikaan lomien, sirkusesitysten, gladiaattoritaisteluiden, valtiomiehien riemuvoitojen ja hautajaisten, temppelien vihkimisen kanssa, roomalaisella teatterilla oli toiminnallinen luonne. Rooman tasavalta ja vielä enemmän imperiumi oli oligarkkityyppinen valtio, joten myös kulttuurielämän kehitys sujui eri tavalla, mikä vaikutti myös teatteriin. Hän ei voinut saada syviä juuria sellaisissa olosuhteissa. Näyttelijän asema oli erilainen kuin Kreikassa. Toisin kuin kreikka, hän ei ollut täysivaltainen yhteiskunnan jäsen ja hänen ammattiaan halveksittiin.

Roomalaisen teatterin organisointi oli omat erityispiirteensä. Kuoro ei osallistunut esitykseen, näyttelijät eivät käyttäneet naamioita. Rooman dramaturgian ongelma ei noussut antiikin Kreikan moraalisiin korkeuksiin. Aikaansa asti vain kahden näytelmäkirjailijan teokset ovat säilyneet täysin: koomikot Plautus ja Terentius, joista toinen tuli yhteiskunnan alemmista kerroksista, ja toinen oli orja, jonka omistaja vapautti lahjakkuutensa vuoksi. Heidän komediaansa juonivat neoattisen komedian näytelmistä, heidän päähenkilönsä on taitava ovela orja. Traagista lajityyppiä edustavat vain stenoinen filosofi Seneca, joka kirjoitti näytelmiä mytologisista aiheista kapealle eliittiympäristölle, ja niillä ei tarkkaan ottaen ole mitään tekemistä teatterin kanssa.

Rooman valtakunnan perustamisen myötä pantomiimit yleistyivät. Roomalaisella draamalla oli kuitenkin suuri vaikutus klassismin ajan nykyaikaan: Corneille, Racine (antiikin jälkeisessä Euroopassa kreikan kieli oli vain harvoille tiedossa).

5. Teatteriesitysten järjestäminen muinaisessa Kreikassa ja muinaisessa Roomassa.

Roomassa, samoin kuin Kreikassa, teatteriesityksiä pidettiin epäsäännöllisesti ja samaan aikaan tiettyjen lomien kanssa. 1. vuosisadan puoliväliin saakka. EKr. Roomaan ei rakennettu kiviteatteria. Esitykset pidettiin puurakenteissa, jotka purettiin niiden valmistuttua. Alun perin Roomassa ei ollut erityisiä paikkoja katsojille, ja he katselivat "näyttämöpelejä" seisomassa tai istuen näyttämön vieressä olevan kukkulan rinteessä.

Rooman ensimmäisen kiviteatterin rakensi Pompey toisen konsulaatinsa aikana, vuonna 55 eaa. Hänen jälkeensä Roomaan rakennettiin muita kiviteattereita.

Roomalaisen teatterirakennuksen piirteet olivat seuraavat: katsojien istuimet olivat tarkka puoliympyrä; puolipyöreä orkesteri ei ollut tarkoitettu kuorolle (se ei ollut enää roomalaisessa teatterissa), mutta se oli etuoikeutettujen katsojien paikka; kohtaus oli matala ja syvä.

Roomalaisen teatterin esitykset olivat näyttäviä ja oli tarkoitettu pääasiassa plebenalaisille yleisöille. "Leipä ja sirkukset" tämä iskulause oli erittäin suosittu Rooman tavallisten ihmisten keskuudessa. Roomalaisen teatterin alkupuolella olivat heikkolaatuiset ja vapaat ihmiset.

Kansanlaulut olivat yksi Rooman teatteriesitysten lähteistä. Niiden joukossa on fesenejä - syövyttäviä, pahoja riimejä, jotka kyläläisten mummot heittivät sadonkorjuujuhlien aikana. Paljon tuli teatteriin Atellanasta, naamioiden kansankomediasta, joka syntyi Italiassa lähellä Atellan kaupunkia asuneiden Oscan-heimojen keskuudessa.

Atellana toi roomalaiselle teatterille vakiintuneita naamioita, jotka olivat peräisin antiikin etruskien Saturnus-peleistä, joita pidettiin antiikin italialaisen Saturnuksen jumalan kunniaksi. Atellanilla oli neljä naamiota: Mack - hölmö ja ahmatti, Bukk - tyhmä kerskaaja, tyhjäkäynnillä puhuva ja yksinkertainen, Papp - yksinkertainen, typerä vanha mies ja Dossen - ruma sarlatanitutkija. Tämä mukava yritys huvitti rehellisiä ihmisiä pitkään.

Vanhinta dramaattisen toiminnan tyyppiä tulisi myös kutsua - miimikko... Alun perin se oli karkea improvisaatio, joka esitettiin Italian lomilla, erityisesti kevätjuhlilla Floralius, ja myöhemmin miimistä tuli kirjallinen genre.

Roomassa tunnettiin useita draaman tyylilajeja. Runoilija Gnei Nevius loi myös ns. Tekosyyntragedian, jonka hahmoilla oli tekosyy - Rooman tuomareiden vaatteet.

Rooman komedia oli kahdenlaista; komedia togata ja komedia palliata. Ensimmäinen on hauska pala, joka perustuu paikalliseen italialaiseen materiaaliin. Sen hahmot olivat tavanomaisia ​​ihmisiä. Togata sai nimensä Rooman ylimmistä vaatteista - togasta. Tällaisten komedioiden kirjoittajat Titinius, Afranius ja Atta tunnetaan meille vain erillisistä elossa olevista fragmenteista. Komedia palliatin nimi liitettiin lyhyeen kreikkalaiseen viittaan - pallium. Tämän komedian kirjoittajat kääntyivät ensisijaisesti kreikkalaisten näytelmäkirjailijoiden, neoattisen komedian edustajien - Menanderin, Philemonin ja Diphiluksen - luovaan perintöön. Roomalaiset koomikot yhdistivät usein kohtauksia erilaisista kreikkalaisista näytelmistä yhdessä komediassa.

Tunnetuimmat palliatiivisen komedian edustajat ovat roomalaiset näytelmäkirjailijat Plautus ja Terentius.

Plautus, jolle maailman teatteri on velkaa monia taiteellisia löytöjä (musiikista tuli erottamaton osa toimintaa, se kuulosti sekä lyyrisissä että hauskoissa kohtauksissa), oli universaali henkilö: hän kirjoitti tekstin, soitti itse esittelemissään esityksissä (" Aasit "," Pot "," Boastful Warrior "," Amphitryon "jne.). Hän oli todella kansataiteilija, kuten hänen teatterinsa.

Terence on kiinnostunut eniten perhekonflikteista. Hän karkottaa komedioistaan ​​raakaa farssia, tekee niistä hienostuneita kielellä sellaisissa muodoissa, joissa ihmisen tunteet ilmaistaan ​​("Tyttö Andoksesta", "Veljet", "Anoppi"). Ei ole sattumaa, että renessanssin aikana Terencen kokemus oli niin hyödyllinen draaman ja teatterin uusille mestareille.

Kasvava kriisi johti siihen, että antiikin Rooman draama joko romahti tai toteutui muodoissa, jotka eivät liity itse teatteriin. Joten Rooman suurin traaginen runoilija Seneca kirjoittaa tragediansa esittelemättä, vaan "draamana lukemista varten". Mutta atellana kehittyy edelleen, hänen naamioidensa määrä lisääntyy. Hänen tuotantonsa koskivat usein poliittisia ja sosiaalisia ongelmia. Atellaanin ja miimian perinteet eivät todellakaan koskaan kuolleet ihmisten keskuudessa, niitä jatkui keskiajalla ja renessanssina.

Roomassa toimijoiden taito on saavuttanut erittäin korkean tason. Traaginen näyttelijä Aesop ja hänen nykyaikainen sarjakuvanäyttelijä Roscius (1. vuosisata eKr.) Nauttivat yleisön rakkaudesta ja kunnioituksesta.

Muinaisen maailman teatterista on tullut olennainen osa koko ihmiskunnan hengellistä kokemusta, joka on laatinut suuren osan perustasta sille, mitä kutsumme nykypäivän moderniksi kulttuuriksi.

6. Keskiajan teatteri. Uskonnollinen ja kansallisteatteri

Keskiaikaisen teatterin historia on kulttuurinen poikkileikkaus koko aikakaudelta (keskiaika - feodaalijärjestelmän aikakausi, V-XVII vuosisadat), jota voidaan käyttää keskiaikaisen ihmisen tajunnan tutkimiseen. Tässä tietoisuudessa kansalaisten terve järki ja kaikkein oudimmat taikauskot, uskon innostus ja kirkkodogmojen pilkkaaminen, spontaani elämänrakkaus, halu kirkon istuttaman maallisen ja karun asketismin suhteen olivat ristiriitaisia. Usein kansan realistiset periaatteet ovat ristiriidassa idealististen uskonnollisten ajatusten kanssa, ja "maallinen" voitti "taivaallisen". Ja keskiaikainen teatteri itse syntyi kansankulttuurin syvissä kerroksissa.

Jopa varhaisen keskiajan lopulla kaupunkien torilla ja kaduilla sekä meluisissa tavernoissa ilmestyi vaeltavia huvituksia - histrioita. Ranskassa heitä kutsuttiin jonglööreiksi, Englannissa - minstreleiksi, Venäjällä - puskureiksi. Taitava histrion oli yhden miehen teatteri. Hän oli taikuri ja akrobaatti, tanssija ja muusikko, hän osasi näyttää numeron apinan tai karhun kanssa, pelata koomista kohtausta, kävellä pyörällä tai kertoa upean tarinan. Näissä tarinoissa ja esityksissä asui messujen iloinen henki, ilmainen vitsi.

Vielä röyhkempi oli vagantin taide. Parodia ja satiiri hallitsivat täällä. Vagantit eli “vaeltavat papit” ovat seminaareja, jotka eivät ole vielä suorittaneet koulutusta, ja pappeja, jotka on niitetty. Kirkkolaulujen motiiveista he lauloivat kiitosta "Juomalaiselle Bacchukselle", parodioivat rukouksia ja kirkon palveluja. Kirkon vainoamat histriat ja vagantit, jotka yhdistyvät veljeskunnissa, houkuttelevat kaikenlaisia ​​ihmisiä itselleen. Tällainen oli esimerkiksi Ranskassa "Huolettomien kaverien veljeskunta", jota johti hulluiden prinssi. "Kaverit" pelasivat hauskoja "typeriä" tekoja (sotí), joissa kaikkia ja kaikkea pilkattiin, ja kirkko ilmestyi äiti Durehan varjolla.

Kirkko vainosi histrioita ja harrastajia, mutta oli voimaton tuhota ihmisten rakkautta teatteriesityksiin. Pappeus pyrkiessään tehostamaan kirkon palvelusta, liturgiaa, papisto alkoi itse käyttää teatterimuotoja. Pyhien kirjoitusten kohtauksiin perustuva liturginen draama syntyy. Sitä soitettiin temppelissä ja myöhemmin kuistilla tai kirkon pihalla. XIII-XIV-luvuilla. ilmestyy uusi keskiaikaisen teatteriesityksen genre - miracl ("ihme"). Ihmeiden juoni on lainattu pyhiä ja Neitsyt Mariaa koskevista legendoista. Yksi tunnetuimmista on 1200-luvun ranskalaisen runoilijan "Teofiilin ihme". Ryutbef.

Keskiajan teatterin huippu - mysteeri.

Tämä tyylilaji kukoisti 1400-luvulla. Lähes koko kaupungin väestö osallistui mysteereihin: jotkut näyttelijöinä (enintään 300 ihmistä), toiset katsojina. Esitys ajoitettiin juhlalliseksi tapahtumaksi samaan aikaan messujen kanssa, ja se avattiin värikkäällä kulkueella kaiken ikäisiä ja luokan kaupunkilaisia. Juoni otettiin Raamatusta ja evankeliumista. Esitykset menivät aamusta iltaan useita päiviä. Huvimajat rakennettiin puiselle alustalle, joista jokaisella oli omat tapahtumansa. Päivänkakkaran toisessa päässä oli runsaasti koristeltu paratiisi, vastakkaisella puolella - helvetissä lohikäärmeen suu auki, kidutusvälineet ja valtava pata syntisille. Koristeet keskellä olivat erittäin lakonisia: merkintä portin "Nazareth" tai kullatun valtaistuimen yli riitti merkitsemään kaupungin tai palatsin. Profeettoja, kerjäläisiä, paholaita, Luciferin johdolla, esiintyi lavalla ... Prologissa he kuvasivat taivaallisia alueita, joissa Isä Jumala istui enkelien ja allegoristen hahmojen ympäröimänä - viisaus, armo, oikeudenmukaisuus jne. maan päälle ja edelleen - helvettiin, jossa Saatana paisti syntisiä sieluja. Vanhurskaat menivät valkoisiksi, syntiset - mustana, paholainen - punaisissa sukkahousuissa, maalattu kauheilla "kasvoilla".

Esitysten säälittävimmät hetket liittyivät surevaan Jumalan Äitiin ja Jeesuksen kärsimyksiin. Salaisuuksilla oli myös omat sarjakuvahahmonsa: nisäkkäät, kerjäläiset, paholaiset, joita he pelkäsivät, mutta usein pettivät. Säälittävä ja koominen esiintyivät rinnakkain sekoittamatta toisiaan. Tapahtumat kehitettiin korkeamman ja alemman voiman tarkimmalla huomiolla ja puuttumisella. Taivas, maa ja helvetti muodostivat yhden valtavan maailman, ja ihminen tässä maailmassa oli sekä hiekanjyvä että keskus - loppujen lopuksi itseään paljon voimakkaammat voimat taistelivat sielunsa puolesta. Suosituimpia olivat Arnul Grebanin mysteerit sekä yksi harvoista maallisen teoksen teoksista - "Orleansin piirityksen mysteeri", joka toi esiin satavuotisen sodan (1337-1453) tapahtumia Englannin ja Ranska ja Orleansin palvelijan piika - Jeanne d "Arc, joka johti ranskalaisten taistelua englantilaisten hyökkääjien kanssa ja jonka sitten petti Ranskan kuningas, jolle hän palautti valtaistuimen. Suurelle yleisölle mysteeri ilmaisi sekä kansanperäiset, maalliset periaatteet että uskonnollisten ja kirkollisten ideoiden järjestelmän.Tämä genren sisäinen ristiriita johti sen taantumiseen ja toimi myöhemmin syynä kirkon kieltoon.

Moraali oli toinen suosittu genre. He tavallaan haarautuivat mysteeristä ja niistä tuli itsenäisiä, luonteeltaan rakentavia näytelmiä. Vertaukset "Järkevistä ja järjettömistä", "Vanhurskaista ja ilmoituksensaajista" toistettiin, joista ensimmäinen ottaa järjen ja uskon toverinaan, toinen - Tottelemattomuus ja hajaantuminen. Näissä vertauksissa kärsimys ja sävyisyys palkitaan taivaassa, kun taas kovasydämisyys ja ahneus johtavat helvettiin.

Soitimme moraalia lavalla. Siellä oli jotain parveketta, jossa he esittivät eläviä kuvia taivaallisista sfääreistä - enkeleistä ja isäntäjumalasta. Allegoriset hahmot, jotka on jaettu kahteen leiriin, ilmestyivät vastakkaisilta puolilta ja muodostivat symmetrisiä ryhmiä: Vera - ristillä käsissään, Hope - ankkurilla, Avarice - kultaisella kukkarolla, Pleasure - oranssilla ja Blarneyilla oli ketun häntä, jolla hän silitti tyhmyyttä.

Moraliitti on kiista lavalla pelatuissa kasvoissa, konflikti, joka ei ilmaistu toiminnalla, vaan hahmojen välisellä kiistalla. Joskus synneistä ja paheista puhuvissa kohtauksissa ilmestyi farssi, sosiaalinen satiiri, väkijoukon henkäys ja "neliön vapaa henki" (A. Pushkin) tunkeutui niihin.

Ulkoilmateatteri, olkoon se mysteeri, moraali, sotí tai histrioiden esitys, heijastivat keskiaikaisen ihmisen elämän rakkautta, hänen iloista siveettömyyttä ja ihmeitä - uskoa hyvän ja oikeuden voittoon.

Ja ei ole sattumaa, että XX-luvulla. kiinnostus keskiaikaiseen teatteriin kasvaa. Näytelmäkirjailijoita ja ohjaajia houkuttelevat vetoaminen massoihin, kansantajunnalle ominainen selkeä ero hyvän ja pahan välillä, tapahtumien "universaali" kattavuus, taipumus vertaukseen, kirkas "julistemetafora". VE Meyerhold käyttää tämän folk-esityksen poetiikkaa lavastettaessa VV Mayakovskyn näytelmän Mystery-Buff. Saksassa näytelmän vertauksen hyväksyy B. Brecht. 60- ja 70-lukujen vaihteessa, opiskelijoiden protestiliikkeen aikana, L. Ronconi Italiassa järjesti L. Arioston Raivoissaan Rolandin torilla ja Ranskassa A. Mnushkin lavastti Suuren Ranskan vallankumouksen (1789, 1791 "). Muinainen teatteriperinne, ikään kuin, saa uuden elämän, joka liittyy nykyajan teatterityöntekijöiden tehtäviin.

Keskiajan uskonnollisen teatterin tyylilajit

IX vuosisadalla. syntyi ensimmäinen keskiaikaisen uskonnollisen teatterin genre - liturginen draama... Tämä teatteriesitys oli osa jumalallista palvelusta (liturgiaa).

Syyt tämän tyylilajin syntymiseen liittyvät todennäköisesti pappien haluun houkutella mahdollisimman monta ihmistä uskontoon, tehdä palvonnasta (keskiajalla kristillinen palvelu suoritettiin latinaksi) ymmärrettävämmäksi lukutaidottomia tavallisia ihmisiä.

Liturginen draama syntyi kirkolliselta polulta - evankeliumin tekstin dialogisoidusta saattamisesta osaksi kansallista laulua. Hänen jälkeensä liturgia jatkui normaalisti.

Ensimmäinen liturginen draama on kolmen Marin kohtaus, jotka tulevat Pyhälle haudalle. Tämä draama esitettiin pääsiäisenä. Sen juoni koostui siitä, että Mary (papit, jotka pukeutuivat olkapäähän päänsä ja merkitsivät naisten vaatteita) tuli haudalle, jossa piti olla ristiinnaulitun Kristuksen ruumiin, voidakseen sitä mirhalla. Haudassa he tapasivat kuitenkin enkelin (nuoren papin, jolla oli valkoinen viitta). Tässä kohtauksessa vuoropuhelu ja yksilölliset vastaukset (enkelin ja Marian välillä) ovat jo ilmaantuneet, mikä antaa meille mahdollisuuden sanoa, että tämä toiminta oli ensimmäinen liturginen draama.

Papit itse olivat mukana liturgisen draaman tuotannon järjestämisessä. Esitykset pidettiin temppelissä.

Sen olemassaolon alkuvaiheessa liturginen draama liittyi läheisesti messuun, sen teksti yhtyi täysin palvelun tekstiin sekä sisällöltään että tyyliltään. Liturginen draama esitettiin latinaksi, ja se oli täynnä juhlallista tunnelmaa, kuten messu. "Näyttelijät" lausuivat humoristisesti sanansa.

Vähitellen draama eristyy yhä enemmän palvelusta. Liturgisen draaman kaksi erillistä sykliä ilmestyy - joulu (se sisälsi jaksoja: paimenien kulkue ennakoi Kristuksen syntymää, magien palvonta, kuningas Herodeksen vihan kohtaus, joka käski tappaa kaikki vauvat Betlehemissä) ja pääsiäisenä (se sisälsi jaksoja, jotka liittyivät Kristuksen ylösnousemukseen).

Ajan myötä liturginen draama kehittyy myös staattisesta ja symbolisesta tehokkuuteen. Kotitalouselementit ovat alkaneet sisällyttää siihen.

Alun perin luotu palvonnan ymmärtämisen lisäämiseksi seurakunnan jäsenten kannalta, liturginen draama yksinkertaisti uskonnollisia ideoita, mikä kuitenkin oli täynnä suurta vaaraa uskonnolle, koska se johti sen rienaamiseen.

Vuonna 1210 paavi Innocentius III: n asetuksella liturgisen draaman esittäminen kirkoissa kiellettiin. Tässä vaiheessa liturginen draama tyylilajina lakkaa olemasta.

Uskonnollinen teatteri ei kuitenkaan häviä. Liturginen draama jättää kirkon kuistille ja siitä tulee osittain liturginen draama.

Tässä esityksessä on vielä maallisempia motiiveja. Hän menettää vahvan yhteyden palvelukseen ja kirkkokalenteriin, joten esityksen päivän valinta tulee vapaammaksi. Puoliliturginen draama näytetään myös messupäivinä. Latinan sijaan esitykset alkavat käydä kansankielillä.

Papit soittivat edelleen "jumalallisia" rooleja. Esityksessä käytettiin kirkon kylpytakkeja ja astioita. Esityksen ohella kuoro lauloi uskonnollisia lauluja latinaksi.

Papisto osallistui valtavaan osaan puol liturgisen draaman esitysten järjestämisessä (tarjottiin alue esitykselle (kuisti), suoritettiin pääroolit, valittiin ohjelmisto, valmisteltiin "pukuja" ja "rekvisiittaa").

Uskonnolliset aiheet ovat kuitenkin alkaneet olla aktiivisesti kietoutuneet maallisiin aiheisiin. Teatterikulttuuri pyrkii irtautumaan uskonnosta, mikä ei kuitenkaan tapahtunut täysin koko keskiajan ajan.

Mysteeri

Toinen uskonnolliseen teatteriin liittyvä genre. Mysteeri sai alkunsa kirkon pyhien kunniaksi järjestetyistä kulkueista.

Nimi tulee latista. ministerium - kirkon palvelu

Salaperäisen teatterin kukoistus putoaa XV-XVI vuosisadalle.

Esitykset järjestivät kaupungintalot ja kunnat, ei kirkko. Kaikki kaupungin asukkaat osallistuivat mysteereihin.

Mysteeri-esityksiä järjestettiin usein messupäivinä.

Messujen avauspäivän aamuna pidettiin kirkon rukouspalvelus ja sitten järjestettiin juhlallinen kulkue, johon koko kaupunki osallistui. Hänen jälkeensä mysteeri soitettiin suoraan.

Salaisuudet jaettiin kolmeen jaksoon - Vanha testamentti (Vanha testamentti, maailman luomisesta Kristuksen syntymään), Uusi testamentti (Uusi testamentti, syntymä, elämä, kuolema, ylösnousemus ja ylösnousemus) ja Apostolinen ( pyhät).

Eri kaupunkikiltojen edustajat osallistuivat mysteerin järjestämiseen ja esittelyyn. Jokainen työpaja sai oman itsenäisen jakson toiminnassa.

Esitys kesti koko päivän ja joskus useita päiviä.

Siellä oli kolmen tyyppinen näyttämön avaruusorganisaatio ja vastaavasti kolmen tyyppinen salaisuuksien esittely.

Matkapuhelin (tyypillisesti ensisijaisesti Englannille). Erilliset mysteerijaksot näytettiin pakettiautoissa, joissa oli korkea taso kaikilta puolilta. Näitä pakettiautoja kutsuttiin pedanteiksi. Näytettyään tietyn jakson pakettiauto muutti naapurialueelle, ja uusi ajoi paikalleen seuraavan jakson soittaneiden näyttelijöiden kanssa. Ja niin edelleen mysteerin loppuun saakka.

Rengasmainen. Torilla oli yksi taso. Sen paalut järjestettiin renkaan muotoisella tavalla. Korilla oli useita erillisiä osioita, jotka kuvaavat eri paikkoja. Katsoja sijoitettiin korin ympärille.

Huvimaja. Torilla kuvattiin samanaikaisesti useita toimintakohteita. Se oli sarja huvimajoja, jotka sijaitsivat yhdellä alustalla suoralla linjalla ja edessä yleisöön. Jokaisessa huvimajossa soitettiin erilliset jaksot sen mukaan, mitä kohtausta tämä huvimaja kuvasi. Yleisö muutti huvimajasta toiseen.

Tällainen näyttämötilan organisointi liittyy keskiaikaisen teatterin tärkeimpään periaatteeseen - samanaikaisuuteen (samanaikaisuuteen). Tämä periaate merkitsi neliön useiden sijaintien löytämisen samanaikaisuutta ja vastaavasti niissä tapahtuvien toimintojen samanaikaisuutta. Samanaikaisuus palaa keskiaikaisiin käsityksiin ajasta.

Esitysten järjestämisessä käytettiin aktiivisesti koneistoa, koristeille, etenkin taivaalle tai helvetille, kiinnitettiin suurta huomiota. Upea puoli oli erittäin tärkeä.

Salaisuuksissa naturalismi (erityisesti ilmenee erilaisten veristen kohtausten esittämisessä) ja perinteisyys olivat rinnakkain.

Huolimatta siitä, että arvoituksen järjestivät maalliset ihmiset, se oli eräänlainen uskonnollinen palvelu, jonka koko kaupunki loi.

Osallistumista mysteeriin pidettiin hurskaana tekona. Niin monet roolit olivat niin suosittuja työnhakijoiden keskuudessa, että järjestäjät järjestivät huutokaupan, josta nämä roolit myytiin.

Mysteeri sisälsi täysin erilaisia ​​elementtejä. Huolimatta siitä, että sen pääsisältö oli jokin jakso Raamatusta, arkielementit tunkeutuivat hyvin aktiivisesti mysteeriin. Lisäksi joskus mysteeriesitys laimennettiin kokonaisilla farsisilla kohtauksilla, jotka olivat käytännössä erillinen esitys, joka ei millään tavalla liittynyt juonen mysteeriin. Lisäksi jaksot, joihin paholainen osallistui, olivat erittäin suosittuja. Ja myös salaisuuksissa tällainen hahmo esiintyi usein huumorina.

Aluksi amatöörit osallistuivat mysteerien järjestämiseen, myöhemmin alettiin luoda kokonaisia ​​liittoja, joiden vastuulla oli mysteerin järjestäminen. Yleensä heitä kutsuttiin veljeyksiksi analogisesti muiden keskiaikaisten veljeskuntien kanssa.

Tunnetuin tällainen järjestö oli Herran Passionin veljeskunta Ranskassa, joka vuodesta 1402 jopa sai Pariisin järjestön monopolin paitsi salaisuuksien, myös ihmeiden ja "muiden uskonnollisten moraalisten näytelmien" suhteen (kuten kuninkaan veljeskunnan jäsenille myöntämä patentti).

Ihme

Tämän tyylilajin nimi tulee latinankielisestä sanasta miraculum (ihme).

Nousee Ranskassa XIII vuosisadalla.

Ihme tulee pyhien kunniaksi laulamista ja heidän elämänsä lukemista kirkossa. Siksi tarinat Neitsyt Marian ja pyhien tekemistä ihmeistä olivat pohjana juonille.

Ihmisesitysten järjestämisen Ranskassa toteuttivat erityisyhteisöt - puys. Heidän nimensä tulee sanasta podium.

Moraali

Toinen genre liittyy keskiajan uskonnolliseen teatteriin.

Näkyy XV-XVI-luvuilla.

Tämä on allegorinen näytelmä, jossa allegoriset hahmot näyttelevät. Jokainen niistä on jonkin abstraktin käsitteen (synti, hyve, laatu jne.) Persoonallisuus. Juonteen ydin johtui tarinasta siitä, kuinka ihminen on edessään valinnasta hyvän ja pahan välillä.

Ihmiset, jotka valitsivat hyveen, palkittiin lopulta, ja ne, jotka antoivat vääryyttä, rangaistiin. Joten jokainen moraali oli täynnä didaktisuutta.

Moraalilla ei ole suoraa yhteyttä raamatullisiin tontteihin, mutta sen moraalisointi antaa meille mahdollisuuden luokitella tämä genre keskiajan uskonnolliseksi teatteriksi.

Moraalin vaihe oli aukiolle pystytetty vaihe.

Allegoriset hahmot käyttivät rinnassaan merkintöjä, jotka selittivät heidän edessä olevalle yleisölle. Lisäksi jokaisella heistä oli oma luontainen ominaisuutensa, jolla hän aina esiintyi lavalla ja joka myös symbolisesti selitti minkälaisen allegorian se oli.

Venäläisen teatterin historia on jaettu useisiin päävaiheisiin. Alkuperäinen, leikkisä vaihe syntyy heimoyhteiskunnassa ja päättyy 1700-luvulle, jolloin yhdessä uuden Venäjän historian jakson kanssa alkaa uusi, kypsempi vaihe teatterin kehityksessä, joka päättyy pysyvän valtion perustamiseen. ammattiteatteri vuonna 1756.

Termit "teatteri" ja "draama" tulivat venäläiseen sanakirjaan vasta 1700-luvulla. 1600-luvun lopulla käytettiin termiä "komedia" ja koko vuosisadan ajan "hauskaa" (huvikeskus, huvikammio). Suosituissa massoissa termiä "teatteri" edelsi termi "häpeä", termi "draama" - "pelit", "leikki". Venäjän keskiajalla synomiset määritelmät olivat levinneet - "demoniset" tai "saatanalliset" puskuripelit. Kaikenlaisia ​​ulkomaalaisten 1500- ja 1700-luvuilla tuomia uteliaisuuksia, ja ilotulitteita kutsuttiin myös hauskoiksi. Nuoren tsaarin Pietari I: n sotilaallista toimintaa kutsuttiin myös hauskaksi. Termi "leikki" on lähellä termiä "peli" ("buffoonish games", "juhlapelit"). Tässä mielessä sekä häitä että pukeutumista kutsuttiin "peleiksi", "peleiksi". "Pelillä" on täysin erilainen merkitys suhteessa soittimiin: tamburiinien soittaminen, nuuskaaminen jne. Suulliseen draamaan käytetyt termit "leikki" ja "leikki" säilyivät kansan keskuudessa 1800-luvulle asti.

Kansantaide

Venäläinen teatteri on syntynyt muinaisina aikoina. Sen alkuperä on peräisin kansantaiteesta - seremonioista, työhön liittyvistä juhlapäivistä. Ajan myötä seremoniat menettivät maagisen merkityksensä ja muuttuivat peleiksi. Niissä syntyi teatterin elementtejä - dramaattinen toiminta, pukeutuminen, vuoropuhelu. Tulevaisuudessa yksinkertaisimmista peleistä tuli kansandraamat; ne luotiin kollektiivisen luovuuden prosessissa ja pidettiin ihmisten muistissa siirtymällä sukupolvesta toiseen.

Kehitystyönsä aikana pelit erotettiin toisistaan, hajotettiin toisiinsa liittyviin ja samalla yhä kauemmas toisistaan ​​- draamoihin, rituaaleihin, peleihin. Heidät toi yhteen vain se, että he kaikki heijastivat todellisuutta ja käyttivät samanlaisia ​​ilmaisukeinoja - vuoropuhelu, laulu, tanssi, musiikki, naamiointi, pukeutuminen, näytteleminen.

Pelit juurruttivat maun dramaattiseen luovuuteen.

Pelit heijastivat alun perin heimojen yhteisöorganisaatiota: heillä oli pyöreä tanssi, kuoro. Pyöreissä tanssipeleissä kuoro- ja dramaattinen luovuus yhdistettiin orgaanisesti. Hauskanpitoon runsaasti sisällytetyt kappaleet ja vuoropuhelut auttoivat luonnehtimaan leikkisiä kuvia. Joukkojuhlat olivat myös leikkisiä; ne ajoitettiin samaan aikaan kevään kanssa ja niitä kutsuttiin "merenneitoiksi". 1400-luvulla käsitteen "Rusalia" sisältö määriteltiin seuraavasti: ihmisen muodossa olevat demonit. Ja Moskovan “Azbukovnik” vuodelta 1694 määrittelee jo Rusalian ”buffoonish-peleiksi”.

Isänmaamme kansojen teatteritaide on peräisin rituaaleista ja peleistä, rituaalisista toimista. Feodalismin vallitessa teatteritaidetta viljelivät toisaalta "suositut massat" ja toisaalta feodaalinen aatelisto, ja myös puskurit erottautuivat vastaavasti.

Vuonna 957 suurherttuatar Olga tutustui Konstantinopolin teatteriin. 1100-luvun viimeisen kolmanneksen Kiova-Sofia-katedraalin freskot kuvaavat hippodromiesityksiä. Vuonna 1068 puhvelit mainittiin ensimmäisen kerran vuosikirjoissa.

Kiovan Venäjällä tunnettiin kolmenlaisia ​​teattereita: hovi-, kirkko- ja kansallisteatterit.

Ilveily

Vanhimmat "teatterit" olivat kansanäyttelijöiden - puskurien - pelejä. Buffonery on monimutkainen ilmiö. Pupuja pidettiin eräänlaisena taikureina, mutta tämä on väärin, koska rituaaleihin osallistuvat puskut paitsi eivät parantaneet uskonnollista ja maagista luonnettaan, vaan päinvastoin toivat maallisen, maallisen sisällön.

Kuka tahansa voisi huijata, toisin sanoen, laulaa, tanssia, vitsi, näytellä kohtauksia, soittaa soittimia ja toimia, eli kuvata jonkinlaista henkilöä tai olentoa. Mutta vain siitä, jonka taide erottui taiteellisuudesta korkeammalla kuin massojen taiteellinen taso, tuli ja sitä kutsuttiin pekka-käsityöläiseksi.

Kansanteatterin rinnalla kehitettiin ammattitaitoista teatteritaidetta, jonka kantajat muinaisessa Venäjässä olivat puskureita. Nukketeatterin syntyminen Venäjälle liittyy puhveliin. Ensimmäiset kruunutiedot puskureista ovat ajallisesti samankaltaisia, kun Kiova-Sofia-katedraalin seinille ilmestyy puskuja kuvaavia freskoja. Munkikroonikko kutsuu puskurit paholaisen palvelijoiksi, ja katedraalin seinät maalannut taiteilija piti mahdollisena sisällyttää heidän kuvansa kirkon koristeisiin kuvakkeiden ohella. Puput liittyivät massoihin, ja yksi heidän taiteensa muodoista oli "pilkka" eli satiiri. Skomorokeja kutsutaan pilkkaajiksi, eli pilkkaajiksi. Hölynpöly, pilkka, satiiri liittyy edelleen vahvasti puskureihin.

Pupujen maallinen taide oli vihamielinen kirkolle ja papiston ideologialle. Aikakirjoittajien muistiinpanot ("The Tale of Bygone Years") todistavat papiston vihamielisyydestä puhvelien taiteeseen. Kirkon opetukset 11.-12. Vuosisadalla julistavat synniksi pukeutua, johon puskurit turvautuvat. Pupuja vainottiin erityisen ankarasti tataarin ikeen vuosina, jolloin kirkko alkoi saarnata askeettista elämäntapaa. Mikään vaino ei ole hävinnyt kansanpelastusta. Päinvastoin, se kehittyi menestyksekkäästi, ja sen satiirinen pisto tuli yhä terävämmäksi.

Muinaisessa Venäjässä tunnettiin taiteeseen liittyviä käsitöitä: kuvamaalarit, jalokivikauppiaat, puu- ja luunveistäjät, kirjanoppineet. Puput kuuluivat heihin, jotka olivat "ovelita", laulun, musiikin, tanssin, runouden, draaman mestareita. Mutta heitä pidettiin vain huvittajina, huvittajina. Heidän taiteensa liittyi ideologisesti massoihin, käsityöläisiin, jotka yleensä vastustivat hallitsevia joukkoja. Tämä teki heidän taidoistaan ​​paitsi hyödyttömiä, myös feodaalisten ja papiston näkökulmasta ideologisesti haitallisia ja vaarallisia. Kristillisen kirkon edustajat asettivat puhvelia viisaiden miesten ja velhojen viereen. Rituaaleissa ja peleissä ei vieläkään ole jakoa esiintyjiin ja katsojiin; heiltä puuttuu kehittyneet juonet, reinkarnaatio kuvaksi. Ne esiintyvät kansan draamassa, joka on täynnä sosiaalisia motiiveja. Suullisen perinteen ulkoilmateatterien syntyminen liittyy kansan draamaan. Näiden kansanteatterien näyttelijät pilkkasivat vallassa olevia, papit, rikkaat, osoittivat myötätuntoisesti tavallisia ihmisiä. Kansanteatteriesitykset perustuivat improvisaatioon ja sisälsivät pantomiimia, musiikkia, laulamista, tanssia, kirkkoesityksiä; esiintyjät käyttivät naamioita, meikkiä, pukuja, rekvisiittaa.

Pupujen esityksen luonne ei alun perin edellyttänyt niiden yhdistämistä suuriksi ryhmiksi. Satujen, eeposten, kappaleiden esittämiseen, soittamiseen riitti vain yksi esiintyjä. Skomorokit jättävät kotinsa ja vaeltavat Venäjän maata etsimään työtä, muuttavat kylistä kaupunkeihin, joissa palvelevat paitsi maaseudun, myös kaupunkilaiset ja joskus ruhtinaalliset tuomioistuimet.

Puput houkuttelivat myös kansan tuomioistuinten esityksiä, jotka lisääntyivät Bysantin ja sen hovielämän tuntemuksensa vaikutuksesta. Kun huvikeskus (1571) ja huvikammio (1613) järjestettiin Moskovan tuomioistuimessa, puskurit löysivät itsensä siellä oikeushenkilöiden asemassa.

Pupujen esityksissä yhdistettiin erilaisia ​​taiteentyyppejä: sekä draamaa että kirkkoa ja "vaihtelua".

Kristillinen kirkko vastusti kansanpelejä ja taistelua, jossa rituaali oli täynnä uskonnollisia ja mystisiä elementtejä.

Buffonien esityksistä ei kehittynyt ammattiteatteria. Teatteriryhmien syntymälle ei ollut ehtoja - loppujen lopuksi viranomaiset vainosivat puskureita. Kirkko vainosi myös puskureita ja pyysi apua maallisilta viranomaisilta. Buffoneja vastaan ​​lähetettiin 1400-luvun Kolminaisuus-Sergiuksen luostarille annettu rakkauden peruskirja, 1500-luvun alun peruskirja. Kirkko asetti puskurit sinnikkäästi pakanallisen maailmankuvan kantajien (velhot, velhot) kanssa. Ja silti klovni-esitykset jatkoivat elämistä, kansallisteatteri kehittyi.

Samaan aikaan kirkko toteutti kaikki toimenpiteet vahvistaakseen vaikutusvaltaansa. Tämä löysi ilmaisun liturgisen draaman kehityksessä. Jotkut liturgiset draamat tulivat meille kristinuskon mukana, toiset - 1400-luvulla yhdessä äskettäin hyväksytyn juhlallisen "suuren kirkon" peruskirjan kanssa ("Osmetin kulkue", "Jalkojen pesu").

Teatterimuotojen ja näyttävien muotojen käytöstä huolimatta Venäjän kirkko ei luonut omaa teatteria.

1600-luvulla Simeon Polotskista (1629-1680) yritti luoda liturgisen draaman perusteella taiteellisen kirjallisen draaman, tämä yritys osoittautui eristetyksi ja hedelmättömäksi.

1600-luvun teatterit

1700-luvulla muodostettiin ensimmäiset suulliset draamat, jotka olivat yksinkertaisia, heijastavat suosittuja tunnelmia. Nupukomedia Petrushkasta (hänen nimensä oli alun perin Vanka-Ratatouille) kertoi fiksun iloisen kaverin seikkailuista, joka ei pelkää mitään maailmassa. 1600-luvulla ilmestyi todella teatteri - tuomioistuin- ja kouluteatteri.

Teatteriteatteri

Oikeusteatterin syntyminen johtui tuomioistuinten aateliston kiinnostuksesta länsimaiseen kulttuuriin. Tämä teatteri ilmestyi Moskovassa tsaari Aleksei Mihailovitšin johdolla. Näytelmän "Artaxerxes Action" (raamatullisen Esterin tarina) ensiesitys tapahtui 17. lokakuuta 1672. Aluksi tuomioistuinteatterilla ei ollut omia tiloja, maisemia ja pukuja siirrettiin paikasta toiseen. Ensimmäiset esitykset järjesti Paster Gregory Saksan esikaupungista, näyttelijät olivat myös ulkomaalaisia. Myöhemmin he alkoivat väkisin houkutella ja kouluttaa venäläisiä "nuoria". Heidän palkkansa maksettiin epäsäännöllisesti, mutta he eivät säästäneet sarjaa ja pukuja. Esitykset erotettiin suurella pompilla, joskus mukana soittamalla soittimia ja tanssia. Tsaari Aleksei Mihailovitšin kuoleman jälkeen tuomioistuinteatteri suljettiin, ja esityksiä jatkettiin vain Pietari I: n johdolla.

Kouluteatteri

Miesmiehen lisäksi 1700-luvulla Venäjällä oli myös kouluteatteri slaavilais-kreikkalais-latinalaisessa akatemiassa, teologisissa seminaareissa ja kouluissa Lvovissa, Tiflisissä ja Kiovassa. Opettajat kirjoittivat näytelmiä, ja opiskelijat tekivät historiallisia tragedioita, allegorisia draamoja, jotka olivat lähellä eurooppalaisia ​​ihmeitä, väliintuloja - satiirisia jokapäiväisiä kohtauksia, joissa kuultiin protestia sosiaalista järjestelmää vastaan. Kouluteatterin välikappaleet loivat perustan kansallisen draaman komedialajille. Tunnettu poliittinen hahmo, näytelmäkirjailija Simeon Polotsky seisoi kouluteatterin juurella.

Kouluteatterien syntyminen hoviin laajensi venäläisen yhteiskunnan henkistä elämää.

1700-luvun alun teatteri

Pietari I: n käskystä vuonna 1702 perustettiin yleinen teatteri, joka on suunniteltu suurelle yleisölle. Erityisesti hänelle Moskovan Punaisella torilla rakennettiin rakennus - "Comedy Temple". Saksalainen I. Kh. Kunst -ryhmä antoi siellä esityksiä. Ohjelmistoon sisältyi ulkomaisia ​​näytelmiä, jotka eivät menestyneet yleisön keskuudessa, ja teatteri lakkasi olemasta vuonna 1706, kun Pietari I: n tuet lopetettiin.

Johtopäätös

Maa- ja harrasteteatterit avasivat uuden sivun kotimaamme kansojen esittävän taiteen historiassa. 1700-luvun lopusta lähtien olleet orjaryhmät järjestivät vaudeville-sarjaa, koomisia oopperoita ja baletteja. Yksityiset yritykset syntyivät useiden kaupunkien orjateatterien perusteella. Venäläisellä teatteritaiteella oli myönteinen vaikutus kotimaamme kansojen ammattiteatterin muodostumiseen. Ensimmäisten ammattiteatterien ryhmiin kuului lahjakkaita harrastajia - demokraattisen älymystön edustajia.

Teatteri Venäjällä 1700-luvulla sai valtavan suosion, siitä tuli laajan massan omaisuutta, toinen yleisesti saatavilla oleva ihmisten henkisen toiminnan alue.