उन्नीसवीं सदी के सर्वश्रेष्ठ संगीतकार। उत्कृष्ट रूसी और विदेशी संगीतकारों की कृतियाँ

शब्द "संगीतकार" पहली बार 16 वीं शताब्दी में इटली में सामने आया था, और तब से इसका उपयोग उस व्यक्ति को दर्शाने के लिए किया जाता है जो संगीत रचना में शामिल है।

19वीं सदी के संगीतकार

19 वीं शताब्दी में, विनीज़ संगीत विद्यालय का प्रतिनिधित्व फ्रांज पीटर शुबर्ट जैसे उत्कृष्ट संगीतकार ने किया था। उन्होंने स्वच्छंदतावाद की परंपराओं को आगे बढ़ाया और संगीतकारों की एक पूरी पीढ़ी को प्रभावित किया। Schubert ने इस शैली को अगले स्तर तक ले जाते हुए 600 से अधिक जर्मन रोमांस बनाए हैं।

फ्रांज पीटर शुबर्टा

एक अन्य ऑस्ट्रियाई, जोहान स्ट्रॉस, अपने ओपेरेटा और नृत्य चरित्र के हल्के संगीत रूपों के लिए प्रसिद्ध हो गए। यह वह था जिसने वाल्ट्ज को वियना में सबसे लोकप्रिय नृत्य बनाया, जहां गेंदें अभी भी आयोजित की जाती हैं। इसके अलावा, उनकी विरासत में पोल्का, क्वाड्रिल, बैले और ओपेरेटा शामिल हैं।

जोहान स्ट्रॉस

19वीं सदी के उत्तरार्ध के संगीत में आधुनिकतावाद के एक प्रमुख प्रतिनिधि जर्मन रिचर्ड वैगनर थे। उनके ओपेरा ने आज तक अपनी प्रासंगिकता और लोकप्रियता नहीं खोई है।

ग्यूसेप वर्डी

वैगनर की तुलना इतालवी संगीतकार ग्यूसेप वर्डी के राजसी व्यक्ति से की जा सकती है, जो ऑपरेटिव परंपराओं के प्रति वफादार रहे और इतालवी ओपेरा को एक नई सांस दी।

पीटर इलिच त्चिकोवस्की

19वीं सदी के रूसी संगीतकारों में प्योत्र इलिच त्चिकोवस्की का नाम सबसे अलग है। उन्हें एक अनूठी शैली की विशेषता है जो ग्लिंका की रूसी विरासत के साथ यूरोपीय सिम्फोनिक परंपराओं को जोड़ती है।

20वीं सदी के संगीतकार

सर्गेई वासिलीविच रहमानिनोव

सर्गेई वासिलिविच राचमानिनोव को 19 वीं सदी के अंत - 20 वीं शताब्दी की शुरुआत के सबसे प्रतिभाशाली संगीतकारों में से एक माना जाता है। उनकी संगीत शैली रूमानियत की परंपराओं पर आधारित थी और अवंत-गार्डे आंदोलनों के समानांतर मौजूद थी। यह उनके व्यक्तित्व और अनुरूपताओं की कमी के लिए है कि उनके काम को दुनिया भर के आलोचकों द्वारा बहुत सराहा गया।

इगोर फेडोरोविच स्ट्राविंस्की

20 वीं शताब्दी के दूसरे सबसे प्रसिद्ध संगीतकार इगोर फेडोरोविच स्ट्राविंस्की हैं। मूल रूप से रूसी, वह फ्रांस और फिर संयुक्त राज्य अमेरिका चले गए, जहां उन्होंने अपनी प्रतिभा पूरी ताकत से दिखाई। स्ट्राविंस्की एक नवप्रवर्तनक है, लय और शैलियों के साथ प्रयोग करने से नहीं डरता। उनके काम में, रूसी परंपराओं के प्रभाव, विभिन्न अवंत-गार्डे आंदोलनों के तत्व और एक अनूठी व्यक्तिगत शैली का पता लगाया जाता है, जिसके लिए उन्हें "संगीत में पिकासो" कहा जाता है।

इस लेख में चर्चा किए गए किसी भी संगीतकार को आसानी से शास्त्रीय संगीत का सबसे महान संगीतकार कहा जा सकता है जो कभी अस्तित्व में था।

हालांकि कई शताब्दियों में बनाए गए संगीत की तुलना करना असंभव है, ये सभी संगीतकार अपने समकालीनों की पृष्ठभूमि के खिलाफ बहुत स्पष्ट रूप से खड़े हैं। अपने कार्यों में, उन्होंने शास्त्रीय संगीत की सीमाओं का विस्तार करने का प्रयास किया, इसमें नई ऊंचाइयों तक पहुंचने के लिए जो पहले नहीं पहुंचे थे।

सूची में नीचे शास्त्रीय संगीत के सभी महान संगीतकार प्रथम स्थान के योग्य हैं, इसलिए सूची संगीतकार के महत्व के अनुसार नहीं, बल्कि परिचित के लिए जानकारी के रूप में प्रस्तुत की गई है।

विश्व क्लासिक्स के लिए, बीथोवेन एक बहुत ही महत्वपूर्ण व्यक्ति है। दुनिया में सबसे अधिक प्रदर्शन करने वाले संगीतकारों में से एक। उन्होंने अपने समय की सभी मौजूदा शैलियों में अपनी रचनाओं की रचना की। यह संगीत में रूमानियत के दौर का अग्रदूत है। लुडविग वैन बीथोवेन द्वारा छोड़ी गई पूरी विरासत में वाद्य कार्यों को सबसे महत्वपूर्ण माना जाता है।

विश्व संगीत इतिहास में सबसे महान संगीतकार और अरगनिस्ट। बैरोक युग का प्रतिनिधि है। अपने पूरे जीवन में, उन्होंने एक हजार से अधिक रचनाएँ लिखीं, हालाँकि, उनके जीवनकाल में, लगभग एक दर्जन ही प्रकाशित हुए थे। उन्होंने ओपेरा के अपवाद के साथ अपने समय की सभी शैलियों में काम किया। वह संगीत में सबसे प्रसिद्ध बाख वंश के संस्थापक हैं।

संगीतकार और कंडक्टर, ऑस्ट्रिया के एक कलाप्रवीण व्यक्ति वायलिन वादक और संगठक, के पास एक अविश्वसनीय संगीत स्मृति और अद्भुत कान था। उन्होंने कम उम्र से ही निर्माण करना शुरू कर दिया था और संगीत की सभी विधाओं में उत्कृष्ट प्रदर्शन किया था, जिसके लिए उन्हें इतिहास में शास्त्रीय संगीत के महान संगीतकारों में से एक माना जाता है।

मोजार्ट का सबसे रहस्यमय और रहस्यमय काम - "रिक्विम", लेखक द्वारा कभी पूरा नहीं किया गया था। इसका कारण पैंतीस साल की उम्र में अचानक हुई मौत थी। अपने छात्र फ्रांज सुस्मेयर द्वारा "रिक्विम" पर काम पूरा किया।

महान जर्मन संगीतकार, नाटककार, कंडक्टर और दार्शनिक। उन्नीसवीं और बीसवीं शताब्दी के मोड़ पर आधुनिकतावाद और सामान्य रूप से संपूर्ण यूरोपीय संस्कृति पर उनका बहुत बड़ा प्रभाव था।

बवेरिया के लुडविग द्वितीय के आदेश से, वैगनर के विचारों के अनुसार बेयरुथ में एक ओपेरा हाउस बनाया गया था। यह विशेष रूप से संगीतकार के कार्यों के लिए अभिप्रेत था। वैगनर के संगीत नाटक आज तक इसमें चलते हैं।

रूसी संगीतकार, कंडक्टर और संगीत समीक्षक दुनिया के सर्वश्रेष्ठ रागों में से एक हैं। उनके काम ने विश्व क्लासिक्स के विकास में बहुत बड़ा योगदान दिया है। शास्त्रीय संगीत प्रेमियों के बीच वे बेहद लोकप्रिय संगीतकार हैं। अपने कार्यों में, प्योत्र इलिच त्चिकोवस्की ने रूसी परंपराओं के साथ पश्चिमी सिम्फनी की शैली को सफलतापूर्वक जोड़ा।

ऑस्ट्रिया के महान संगीतकार, और कंडक्टर, और वायलिन वादक, और "वाल्ट्ज के राजा" को दुनिया के सभी लोगों द्वारा मान्यता प्राप्त है। उनका काम प्रकाश नृत्य संगीत और आपरेटा को समर्पित था। उनकी विरासत में, पाँच सौ से अधिक वाल्ट्ज, क्वाड्रिल, पोल्का हैं, और कई ओपेरेटा और बैले भी हैं। उन्नीसवीं शताब्दी में, स्ट्रॉस के लिए धन्यवाद, वाल्ट्ज ने वियना में अत्यधिक लोकप्रियता हासिल की।

इतालवी संगीतकार, कलाप्रवीण व्यक्ति गिटारवादक और वायलिन वादक। संगीत के इतिहास में एक बहुत ही उज्ज्वल और असामान्य व्यक्तित्व, वह संगीत की विश्व कला में एक मान्यता प्राप्त प्रतिभा है। खुद पगनिनी की बदौलत इस महान व्यक्ति की सारी रचनात्मकता किसी न किसी तरह के रहस्य में डूबी हुई थी। उन्होंने अपने कार्यों में नई, पहले अज्ञात प्रकार की वायलिन तकनीक की खोज की। वह संगीत में रूमानियत के संस्थापकों में से एक हैं।

शास्त्रीय संगीत के इन सभी महान संगीतकारों का इसके विकास और प्रचार पर बहुत प्रभाव पड़ा है। उनका संगीत, समय और पूरी पीढ़ियों द्वारा परीक्षण किया गया, आज मांग में है, शायद उनके जीवनकाल की तुलना में बहुत अधिक हद तक। उन्होंने अमर कार्यों का निर्माण किया जो जीवित रहते हैं और अगली पीढ़ियों तक चलते रहते हैं, भावनाओं और भावनाओं को लेकर जो आपको शाश्वत के बारे में सोचने पर मजबूर करते हैं।

इसलिए, लुडविग वैन बीथोवेन को तीसरी शताब्दी के सबसे महान संगीतकारों में से एक के रूप में मान्यता दी गई है। उनकी रचनाएँ सबसे परिष्कृत श्रोताओं की आत्मा और दिमाग पर गहरी छाप छोड़ती हैं। एक समय में एक वास्तविक सफलता संगीतकार की 9वीं डी माइनर सिम्फनी का प्रीमियर थी, जिसके समापन में शिलर ध्वनियों के पाठ के लिए प्रसिद्ध कोरल "ओड टू जॉय" था। आधुनिक फिल्मों में से एक संपूर्ण सिम्फनी का एक अच्छा असेंबल प्रस्तुत करता है। यह सुनिश्चित करें कि आपने इसे देख किया!

डी माइनर में एल वैन बीथोवेन सिम्फनी नंबर 9 (वीडियो संपादन)

सर्गेई वासिलीविच रहमानिनोव

सर्गेई वासिलिविच राचमानिनॉफ एक रूसी संगीतकार, पियानोवादक और कंडक्टर हैं।

पियानो और ऑर्केस्ट्रा के लिए 4 संगीत कार्यक्रम, "पैगनिनी की एक थीम पर धुन" (1934), पियानो के लिए प्रस्तावना, एट्यूड्स-पेंटिंग, 3 सिम्फनी (1895-1936), फंतासी "क्लिफ" (1893), कविता "आइल ऑफ द डेड" (1909), ऑर्केस्ट्रा के लिए सिम्फोनिक डांस (1940), कैंटटा स्प्रिंग (1902), कोरस और ऑर्केस्ट्रा के लिए कविता बेल्स (1913), ओपेरा अलेको (1892), द कोवेटस नाइट, फ्रांसेस्का दा रिमिनी (दोनों 1904), रोमांस।

एक संगीतकार और कलाप्रवीण व्यक्ति पियानोवादक सर्गेई वासिलीविच राचमानिनॉफ के काम में, रूसी और यूरोपीय कला की परंपराएं सामंजस्यपूर्ण रूप से संयुक्त हैं। अधिकांश संगीतकारों और श्रोताओं के लिए, राचमानिनॉफ़ की रचनाएँ रूस का एक कलात्मक प्रतीक हैं। मातृभूमि का विषय सर्गेई राचमानिनॉफ के काम में विशेष बल के साथ सन्निहित है। रोमांटिक पाथोस उनके संगीत में गीत-चिंतनशील मूड, अटूट मधुर समृद्धि, चौड़ाई और सांस लेने की स्वतंत्रता के साथ - लयबद्ध ऊर्जा के साथ संयुक्त है। राचमानिनॉफ का संगीत यूरोप के दिवंगत रूमानियत का एक महत्वपूर्ण हिस्सा है। 1917 के बाद, Rachmaninoff को विदेश में रहने के लिए मजबूर किया गया - स्विट्जरलैंड और संयुक्त राज्य अमेरिका में। उनकी रचना और विशेष रूप से प्रदर्शन करने वाली गतिविधियाँ एक ऐसी घटना बन गईं जिसके बिना 20-40 के दशक में पश्चिम के सांस्कृतिक जीवन की कल्पना करना असंभव है। XX सदी।

राचमानिनॉफ की विरासत में ओपेरा और सिम्फनी, चैम्बर वोकल और कोरल संगीत शामिल हैं, लेकिन संगीतकार ने पियानो के लिए सबसे अधिक लिखा। उन्होंने शक्तिशाली, स्मारकीय गुणों की ओर रुख किया, पियानो को रंगों की समृद्धि में एक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा से तुलना करने का प्रयास किया।

राचमानिनॉफ का काम विभिन्न युगों और संस्कृतियों को जोड़ता है। यह रूसी संगीतकारों को यूरोपीय परंपराओं के साथ अपने गहरे संबंध को महसूस करने की अनुमति देता है, और पश्चिमी संगीतकारों के लिए, राचमानिनोव रूस को खोलता है - अपने सच्चे आध्यात्मिक धन को दिखाता है।

रिचर्ड स्ट्रॉस

रिचर्ड स्ट्रॉस देर से रोमांटिक युग के एक जर्मन संगीतकार हैं, जो विशेष रूप से उनकी सिम्फोनिक कविताओं और ओपेरा के लिए प्रसिद्ध हैं। वे एक उत्कृष्ट संवाहक भी थे।

रिचर्ड स्ट्रॉस की शैली चोपिन, शुमान, मेंडेलसोहन के कार्यों से गंभीर रूप से प्रभावित थी। रिचर्ड वैगनर के संगीत से प्रभावित होकर स्ट्रॉस ने ओपेरा की ओर रुख किया। इस तरह का पहला काम गुंटराम (1893) है। यह एक रोमांटिक टुकड़ा है; उनकी संगीत की भाषा सरल है, धुन सुंदर और मधुर हैं।

1900 के बाद से, ओपेरा रिचर्ड स्ट्रॉस के काम में अग्रणी शैली बन गया है। संगीतकार के कार्यों को संगीत की भाषा की सादगी और स्पष्टता से अलग किया जाता है, उनमें लेखक ने रोजमर्रा की नृत्य शैलियों का इस्तेमाल किया।

स्ट्रॉस की रचनात्मक गतिविधि सत्तर से अधिक वर्षों तक चली। संगीतकार देर से रोमांटिक के रूप में शुरू हुआ, फिर अभिव्यक्तिवाद में आया और अंत में नवशास्त्रीयवाद में बदल गया।

अलेक्जेंडर निकोलाइविच स्क्रिपबीन

बचपन से ही वह पियानो की आवाज़ के प्रति आकर्षित थे। और तीन साल की उम्र में वह पहले से ही घंटों तक यंत्र पर बैठे रहे, इसे एक जीवित प्राणी मानते थे। मॉस्को कंज़र्वेटरी से स्नातक होने के बाद, सिकंदर ने संगीत कार्यक्रम और शिक्षण देना शुरू किया, लेकिन रचना की इच्छा प्रबल थी। वह रचना करना शुरू कर देता है और उसके काम तुरंत अन्य पियानोवादकों के प्रदर्शनों की सूची में शामिल हो जाते हैं।

"कला उत्सवपूर्ण होनी चाहिए," उन्होंने कहा, "उन्नत करना चाहिए, मंत्रमुग्ध करना चाहिए।" वास्तव में, उनका संगीत इतना साहसी, नया और असामान्य निकला कि 21 मार्च, 1903 को मॉस्को में उनकी दूसरी सिम्फनी का प्रदर्शन एक प्राकृतिक घोटाले में बदल गया। किसी ने प्रशंसा की, किसी ने ठहाका लगाया और सीटी बजाई ... लेकिन स्क्रिपाइन शर्मिंदा नहीं थे: वह एक मसीहा की तरह महसूस करते थे, एक नए धर्म - कला के अग्रदूत। वह इसकी परिवर्तनकारी शक्ति में विश्वास करते थे। उन्होंने उस समय ग्रहों के पैमाने पर फैशनेबल सोचा था। स्क्रिपियन का रहस्यमय दर्शन उनकी संगीत भाषा में परिलक्षित होता है, विशेष रूप से नवीन सद्भाव में जो पारंपरिक रागिनी की सीमाओं से बहुत आगे जाता है।

स्क्रिपाइन ने एक नई सिंथेटिक शैली का सपना देखा था, जहां न केवल ध्वनियां और रंग विलीन हो जाएंगे, बल्कि नृत्य की गंध और प्लास्टिक भी मिलेंगे। लेकिन योजना अधूरी रह गई। 14 अप्रैल (27), 1915 को मॉस्को में स्क्रिपियन का निधन हो गया। उनका जीवन, एक प्रतिभाशाली व्यक्ति का जीवन छोटा और उज्ज्वल था।

सर्गेई प्रोकोफ़िएव

सर्गेई प्रोकोफिव एक रूसी और सोवियत संगीतकार हैं, जो 20 वीं शताब्दी के सबसे प्रसिद्ध संगीतकारों में से एक हैं।

"संगीतकार" की परिभाषा प्रोकोफिव के लिए "मनुष्य" के रूप में स्वाभाविक थी।

Prokofiev के संगीत में, कोई विशिष्ट Prokofiev की तीव्र असंगत सद्भाव, वसंत ताल, जानबूझकर शुष्क, साहसी मोटर गति सुन सकता है। आलोचना ने तुरंत प्रतिक्रिया व्यक्त की: "युवा लेखक, जिसने अभी तक अपनी कलात्मक शिक्षा पूरी नहीं की है, जो आधुनिकतावादियों की चरम दिशा से संबंधित है, अपने साहस में आधुनिक फ्रांसीसी से बहुत आगे निकल जाता है।"

युवा प्रोकोफिव के कई समकालीन और यहां तक ​​​​कि उनके काम के शोधकर्ताओं ने उनके संगीत में एक "गीतात्मक धारा" की अनदेखी की, जो तीक्ष्ण-व्यंग्य, विचित्र, व्यंग्यात्मक छवियों के माध्यम से जानबूझकर कठोर, कठिन लय के माध्यम से अपना रास्ता बनाते हैं। और उनमें से बहुत से हैं, पियानो चक्र "फ्लीटिंगनेस" और "सरकस्म" में ये गेय, शर्मीले स्वर, दूसरे सोनाटा के पहले आंदोलन के एक साइड थीम में, बालमोंट, अपुख्तिन, अखमतोवा के छंदों के रोमांस में।

प्रोकोफिव के बारे में कहा जा सकता है: महान संगीतकार ने जीवन के महान ट्रांसफार्मर के बीच अपना स्थान पाया।

मिली बालाकिरेव

मिलि बालाकिरेव - रूसी संगीतकार, पियानोवादक, कंडक्टर (1836 / 37-1910)

"माइटी हैंडफुल" का गठन किया गया था - समान विचारधारा वाले लोगों का एक समुदाय, जिसने रूसी संगीत को एक अद्भुत राशि दी।

सर्कल में बालाकिरेव के नेतृत्व को उनके त्रुटिहीन स्वाद, स्पष्ट विश्लेषणात्मक दिमाग और भारी मात्रा में संगीत सामग्री के ज्ञान से सुगम बनाया गया था। मूड ने सर्कल में शासन किया, जिसे उस समय के आलोचकों में से एक ने व्यक्त किया था: "संगीत पहाड़ों को हिला सकता है।" बालाकिरेव का स्वभाव बहुत ऊर्जावान और आकर्षक था। मंडली में, उन्होंने जल्दी से आयोजक की भूमिका निभाई।

उन्होंने सर्कल को एक तरह की रचनात्मकता के रूप में माना: उन्होंने युवा संगीतकारों को "प्रभावित" किया। उनसे उन्होंने रूस के भविष्य के संगीत पैलेट की रचना की।

धीरे-धीरे, बालाकिरेव को एक मुफ्त संगीत विद्यालय का विचार आया।

1862 में, फ्री म्यूजिक स्कूल खोला गया और अपना पहला संगीत कार्यक्रम दिया। बालाकिरेव ने सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के कंडक्टर के रूप में प्रदर्शन किया।

उन्होंने खुद बहुत कुछ लिखा था, लेकिन उन्होंने जो कुछ भी बनाया था उससे रचनात्मक संतुष्टि महसूस नहीं हुई। जैसा कि सीज़र कुई ने लिखा है, "अपनी मृत्यु तक उन्होंने कहा कि केवल हमने उनके पंख के नीचे जो लिखा वह अच्छा था।"

ग्लेज़ुनोव अलेक्जेंडर कोन्स्टेंटिनोविच

अलेक्जेंडर ग्लेज़ुनोव - रूसी और सोवियत संगीतकार (1865-1936)

ग्लेज़ुनोव 19वीं सदी के अंत और 20वीं सदी की शुरुआत के सबसे बड़े रूसी संगीतकारों में से एक हैं। ताकतवर मुट्ठी और त्चिकोवस्की की परंपराओं को जारी रखते हुए, उन्होंने अपने काम में रूसी संगीत की गीत-महाकाव्य और गीत-नाटकीय शाखाओं को जोड़ा। ग्लेज़ुनोव की रचनात्मक विरासत में, मुख्य स्थानों में से एक विभिन्न शैलियों के सिम्फोनिक संगीत से संबंधित है। यह रूसी महाकाव्य की वीर छवियों, देशी प्रकृति की तस्वीरें, रूसी वास्तविकता, स्लाव और पूर्वी लोगों के गीत को दर्शाता है। ग्लेज़ुनोव के कार्यों को संगीत विषयों की राहत, ऑर्केस्ट्रा की पूर्ण और स्पष्ट ध्वनि, पॉलीफोनिक तकनीक के व्यापक उपयोग (उन्होंने विभिन्न विषयों की एक साथ ध्वनि, नकल और भिन्नता विकास का संयोजन) का उपयोग किया। ग्लेज़ुनोव की सबसे अच्छी कृतियों में वायलिन और ऑर्केस्ट्रा (1904) के लिए कॉन्सर्टो भी है।

चैम्बर वाद्य संगीत के साथ-साथ बैले शैली (रेमोंडा। 1897, आदि) में ग्लेज़ुनोव का योगदान महत्वपूर्ण है। त्चिकोवस्की की परंपराओं का पालन करते हुए, ग्लेज़ुनोव ने बैले में संगीत की भूमिका को गहरा किया, इसकी सामग्री को समृद्ध किया। ग्लेज़ुनोव रूसी, चेक, ग्रीक भजनों और गीतों की व्यवस्था के लिए जिम्मेदार है। रिमस्की-कोर्साकोव के साथ, उन्होंने ओपेरा "प्रिंस इगोर" को पूरा किया, और बोरोडिन की तीसरी सिम्फनी का पहला भाग स्मृति से रिकॉर्ड किया। एम.आई. ग्लिंका के कार्यों के प्रकाशन की तैयारी में भाग लिया। मार्सिले (1917) की आर्केस्ट्रा, रूसी और विदेशी संगीतकारों की कई रचनाएँ।

निकोले याकोवलेविच मायास्कोवस्की

निकोलाई मायसकोवस्की - रूसी और सोवियत संगीतकार (1881-1950)।

प्रोकोफ़िएव और स्ट्राविंस्की के साथ, निकोलाई याकोवलेविच मायसकोवस्की उन संगीतकारों में से थे, जिन्होंने पूर्व-क्रांतिकारी काल में रूस के रचनात्मक बुद्धिजीवियों के मूड को प्रतिबिंबित किया था। उन्होंने पुराने विशेषज्ञों के अधिकारों पर अक्टूबर के बाद रूस में प्रवेश किया, और अपने चारों ओर के आतंक को अपनी तरह के खिलाफ निर्देशित देखकर, वे परिसरों की भावना से छुटकारा नहीं पा सके। फिर भी, उन्होंने ईमानदारी से (या लगभग ईमानदारी से) अपने आसपास की वास्तविकता को दर्शाते हुए बनाया।

उस समय के प्रेस ने लिखा: “सत्ताईसवीं सिम्फनी एक सोवियत कलाकार का काम है। आप इसके बारे में एक मिनट के लिए भी नहीं भूलते।" उन्हें सोवियत सिम्फनी स्कूल का प्रमुख माना जाता है। मायसकोवस्की द्वारा संगीतमय काम उनके समय को दर्शाता है, कुल मिलाकर उन्होंने 27 सिम्फनी, 13 चौकड़ी, 9 पियानो सोनाटा और अन्य काम लिखे, जिनमें से कई सोवियत संगीत में मील का पत्थर बन गए। संगीतकार को बौद्धिक और भावनात्मक सिद्धांतों के संलयन की विशेषता थी। Myaskovsky का संगीत मौलिक है, विचार की एकाग्रता और साथ ही, जुनून की तीव्रता से चिह्नित है। हमारे समय में, कोई भी एन। मायसकोवस्की के काम से अलग तरह से संबंधित हो सकता है, लेकिन निस्संदेह, उनकी सत्ताईस सिम्फनी ने सोवियत युग के जीवन को पूरी तरह से प्रतिबिंबित किया।

निकोले रिम्स्की-कोर्साकोव

निकोलाई रिम्स्की-कोर्साकोव - रूसी संगीतकार (1844-1908)

महान संगीतकार एन. रिम्स्की-कोर्साकोव का काम, लगभग पूरी तरह से 19वीं सदी से संबंधित है, 20वीं सदी में सुई की नोक को भेदने जैसा है: वह इस सदी में आठ साल तक रहे और काम किया। संगीतकार, एक पुल की तरह, विश्व संगीत की दो शताब्दियों को जोड़ता है। रिम्स्की-कोर्साकोव का चित्र भी दिलचस्प है क्योंकि वह अनिवार्य रूप से स्व-सिखाया गया था।

जॉर्जी वासिलिविच स्विरिडोव

जॉर्जी वासिलीविच स्विरिडोव - सोवियत संगीतकार, पियानोवादक (1915-1998)।

जॉर्जी स्विरिडोव का संगीत, इसकी सादगी के कारण, अन्य संगीतकारों के कार्यों से अलग होना आसान है। लेकिन यह सादगी अधिक संक्षिप्तता के समान है। Sviridov के संगीत में स्पष्ट अभिव्यंजना है, लेकिन यह सार में अभिव्यंजक है, न कि रूप में, विभिन्न प्रसन्नता के साथ रंगा हुआ है। उसके पास एक समृद्ध आंतरिक दुनिया है, उसकी वास्तविक भावनाओं को संयमित किया गया है ... Sviridov का संगीत समझना आसान है, जिसका अर्थ है कि यह अंतर्राष्ट्रीय है, लेकिन साथ ही साथ गहरी देशभक्ति है, क्योंकि मातृभूमि का विषय लाल धागे की तरह इसके माध्यम से चलता है। जी। स्विरिडोव, उनके शिक्षक डी। शोस्ताकोविच के अनुसार, "एक नई संगीत भाषा का आविष्कार करने से कभी नहीं थकते", "नए दृश्य साधनों" की तलाश में। इसलिए, उन्हें 20 वीं शताब्दी के सबसे दिलचस्प लेखकों में से एक माना जाता है।

अक्सर जी। स्विरिडोव को एक संगीतकार के रूप में जाना जाता था, जिनके मुखर कार्यों का प्रदर्शन करना मुश्किल होता है। दशकों से, संगीत उनके रचनात्मक भंडार में जमा हो रहा है, अपने कलाकारों की प्रतीक्षा कर रहा है। Sviridov के संगीत के लिए पारंपरिक प्रदर्शन का तरीका अक्सर फिट नहीं बैठता था; संगीतकार ने खुद कहा कि उनके मुखर संगीत की नवीनता और जटिलता इस तथ्य के कारण है कि भाषण में लगातार सुधार किया जा रहा है। इस संबंध में उन्होंने पुराने, कभी अपने समय में प्रसिद्ध और फैशनेबल अभिनेताओं और कवियों को याद किया। "आज, - स्विरिडोव ने कहा, - वे हम पर इतना मजबूत प्रभाव नहीं डालेंगे। उनका भाषण हमें या तो शिष्ट लगेगा, कभी भद्दा, कभी बहुत सरल। कवि इगोर सेवेरिनिन कल्पना और शब्दावली दोनों में आधुनिक थे, और अब उन्हें एक संग्रहालय के रूप में माना जाता है। भाषण की नई विशेषताएं अक्सर गायकों के साथ हस्तक्षेप करती थीं, लेकिन स्विरिडोव के अनुसार, इस दिशा में काम करना चाहिए।

शायद स्विरिडोव से पहले किसी ने भी मुखर शैलियों को विकसित करने और समृद्ध करने के लिए इतना कुछ नहीं किया - ऑरेटोरियो, कैंटटा, कोरस, रोमांस ... यह जी। स्विरिडोव को न केवल रूसी बल्कि वैश्विक स्तर पर अग्रणी संगीतकारों में रखता है।

इगोर स्ट्राविंस्की

स्ट्राविंस्की इगोर फेडोरोविच - रूसी संगीतकार, कंडक्टर (1882-1971)।

स्ट्राविंस्की ने अपना अधिकांश जीवन रूस के बाहर बिताया, लेकिन उन्होंने रूसी संगीतकार बनना कभी बंद नहीं किया। उन्होंने रूसी संस्कृति और रूसी भाषा से प्रेरणा ली। और उन्होंने वास्तव में विश्व व्यापी ख्याति प्राप्त की। स्ट्राविंस्की का नाम उन लोगों के कानों में था और रहता है जिन्हें संगीत में कम दिलचस्पी है। उन्होंने आधुनिकता और पुरानी पुरातनता की संगीत परंपराओं के संयोजन के एक महान गुरु के रूप में 20 वीं शताब्दी की संगीत संस्कृति के विश्व इतिहास में प्रवेश किया।

स्ट्राविंस्की के कार्यों ने स्थापित ढांचे को तोड़ दिया, लोककथाओं के प्रति दृष्टिकोण बदल दिया। उन्होंने यह समझने में मदद की कि आधुनिकता के चश्मे से माना जाने वाला लोक गीत एक संगीतकार के हाथों में कैसे आता है। 20 वीं शताब्दी के अंत में स्ट्राविंस्की जैसे संगीतकारों के लिए धन्यवाद, लोककथाओं की प्रतिष्ठा बढ़ी और जातीय संगीत विकसित हुआ।

कुल मिलाकर, संगीतकार ने बैले थियेटर के लिए आठ आर्केस्ट्रा स्कोर लिखे: द फायरबर्ड, पेट्रुस्का, द राइट ऑफ स्प्रिंग, अपोलो मुसागेट, द फेयरी किस, प्लेइंग कार्ड्स, ऑर्फियस, एगॉन। उन्होंने गायन के साथ तीन बैले कृतियाँ भी बनाईं: "बाइका", "पुलसिनेला", "लेस नोसेस"।

तनीव सर्गेई इवानोविच

रूमानियत संगीत प्रभाववाद

तनीव सर्गेई इवानोविच - रूसी संगीतकार, पियानोवादक, शिक्षक (1856-1915)।

इस महान संगीतकार और शिक्षक के नाम का उल्लेख आज शायद ही कभी किया जाता है, लेकिन करीब से देखने पर यह वास्तविक सम्मान पैदा करता है। वह एक संगीतकार के रूप में प्रसिद्ध नहीं हुए, लेकिन मॉस्को कंज़र्वेटरी के लिए अपना पूरा जीवन समर्पित कर दिया, निस्संदेह उत्कृष्ट संगीतकारों को एस। राचमानिनोव, ए। स्क्रिबिन, एन। मेडटनर, आर। ग्लियर, के। इगुमनोव और अन्य के रूप में शिक्षित किया। पी। त्चिकोवस्की के एक छात्र, एस। तनयव ने एक पूरे स्कूल का निर्माण किया, जिसने रूसी और सोवियत संगीतकारों को दुनिया भर के संगीतकारों से अलग किया। उनके सभी छात्रों ने तनीव की सिम्फनी की परंपराओं को जारी रखा। 19वीं और 20वीं सदी के मोड़ पर लियो टॉल्स्टॉय जैसे कई प्रसिद्ध लोगों ने उन्हें अपना दोस्त कहा और उनके साथ संवाद करना सम्मान की बात मानी।

तन्यव की तुलना सुकरात से की जा सकती है, जिन्होंने गंभीर दार्शनिक रचनाएँ लिखे बिना, कई छात्रों को पीछे छोड़ दिया।

तनेयेव ने कई संगीत सिद्धांतों को विकसित किया, एक अनूठा काम "सख्त लेखन का मूविंग काउंटरपॉइंट" (1889-1906) और इसकी अगली कड़ी "टीचिंग अबाउट द कैनन" (90 के दशक के अंत-1915) का निर्माण किया। हर कलाकार, कला को अपना जीवन देने के बाद, सपना देखता है कि उसका नाम वंशजों द्वारा नहीं भुलाया जाएगा। अपने जीवन के अंतिम वर्षों में, तन्येव बहुत चिंतित थे कि उन्होंने कुछ रचनाएँ लिखीं जो प्रेरणा से पैदा हुई होंगी, हालाँकि उन्होंने बहुत कुछ और गहनता से लिखा था। 1905 से 1915 तक उन्होंने कई कोरल और वोकल साइकल, चैम्बर इंस्ट्रुमेंटल पीस लिखे।

दिमित्री दिमित्रिच शोस्ताकोविच

दिमित्री दिमित्रिच शोस्ताकोविच - सोवियत संगीतकार, पियानोवादक (1906-1975)।

शोस्ताकोविच, बिना किसी संदेह के, 20 वीं शताब्दी के सबसे महान संगीतकार थे और बने रहे। समकालीन जो उन्हें करीब से जानते थे, उन्होंने तर्क दिया कि उन्होंने कुछ इस तरह से तर्क दिया: अगर वंशज अभी भी संगीत कार्यों से आपके बारे में जानेंगे तो परेशान क्यों होंगे? शोस्ताकोविच ने अधिकारियों के साथ संबंधों को नहीं बढ़ाया। लेकिन संगीत में उन्होंने व्यक्तिगत हिंसा का विरोध किया।

उन्होंने सिम्फनी नंबर 7 (लेनिनग्राद की घेराबंदी को समर्पित) लिखा।

शोस्ताकोविच ने अपनी आँखों से देखा: लोग कैसे मरते हैं, कैसे विमान और बम उड़ते हैं, उन्होंने अपने काम "सिम्फनी नंबर 7" में उन सभी घटनाओं को प्रतिबिंबित करने की कोशिश की जो लोगों ने अनुभव की थीं।

लेनिनग्राद रेडियो समिति के बोल्शोई सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा की सिम्फनी का प्रदर्शन किया। घेराबंदी के दिनों में, कई संगीतकार भूखे मर गए। दिसंबर में रिहर्सल रद्द कर दी गई थी। जब वे मार्च में फिर से शुरू हुए, तो केवल 15 कमजोर संगीतकार ही खेल सके। इसके बावजूद संगीत कार्यक्रम अप्रैल में ही शुरू हो गए थे। मई में, एक विमान ने घिरे शहर को सिम्फनी का स्कोर दिया। ऑर्केस्ट्रा को फिर से भरने के लिए, लापता संगीतकारों को सामने से भेजा गया था।

शोस्ताकोविच ने लेनिनग्राद शहर को समर्पित सिम्फनी नंबर 7 (1941) के साथ फासीवादी आक्रमण का जवाब दिया और जिसे फासीवाद के खिलाफ संघर्ष के प्रतीक के रूप में दुनिया भर में मान्यता मिली।

प्रभाववाद

19 वीं शताब्दी के अंतिम तीसरे में, एक नई दिशा दिखाई दी - प्रभाववाद (फ्रांसीसी प्रभाववाद, छाप से - "छाप"), शुरू में यह फ्रांसीसी चित्रकला में दिखाई दिया। प्रभाववादी संगीतकारों ने सूक्ष्म और जटिल संवेदनाओं को व्यक्त करने का प्रयास किया, ध्वनि के परिष्कार और शोधन की मांग की। यही कारण है कि वे साहित्यिक प्रतीकवाद (XIX सदी के 70 के दशक - XX सदी के 10 साल) के करीब थे, जिसकी उत्पत्ति फ्रांस में भी हुई थी।

प्रतीकवादियों ने अज्ञात और रहस्यमय क्षेत्रों की खोज की, वास्तविकता की आड़ में छिपी "आदर्श दुनिया" को जानने की कोशिश की। प्रभाववादी संगीतकार अक्सर प्रतीकात्मकता की कविता और नाटक की ओर रुख करते थे।

संगीत प्रभाववाद के संस्थापक फ्रांसीसी संगीतकार, पियानोवादक और कंडक्टर क्लाउड डेब्यू (1862-1918) हैं। उनके काम में सद्भाव (और माधुर्य नहीं) सामने आया, ऑर्केस्ट्रा की ध्वनि की चमक को एक महत्वपूर्ण भूमिका दी गई। मुख्य ध्वनि की बारीकियां थीं, जो पेंटिंग की तरह मूड, भावनाओं और छापों के रंगों को दर्शाती हैं।

संगीतकारों ने सामंजस्य की स्पष्टता, धुनों और रूपों की सादगी, संगीत की भाषा की सुंदरता और पहुंच की ओर लौटने का प्रयास किया। उन्होंने पॉलीफोनी की ओर रुख किया, हार्पसीकोर्ड संगीत को पुनर्जीवित किया।

मैक्स रेगर

देर से रोमांटिकवाद और नवशास्त्रवाद की विशेषताओं को जर्मन संगीतकार और कंडक्टर मैक्स रेगर के कार्यों में जोड़ा गया था। उन्होंने अंग, ऑर्केस्ट्रा, पियानो, वायलिन, वायोला, चैम्बर पहनावा के लिए लिखा। रेगर ने 18वीं शताब्दी की विरासत को समझने का प्रयास किया, विशेष रूप से जोहान सेबेस्टियन बाख के अनुभव को, और अपने कार्यों में उन्होंने बीते युग की संगीतमय छवियों की ओर रुख किया। हालांकि, XIX-XX सदियों के मोड़ पर एक आदमी होने के नाते, रेगर ने संगीत को मूल सामंजस्य और असामान्य समय के साथ संतृप्त किया।

नियोक्लासिज्म

नवशास्त्रवाद 19वीं शताब्दी की रोमांटिक परंपरा के साथ-साथ इससे जुड़ी धाराओं (प्रभाववाद, अभिव्यक्तिवाद, सत्यवाद, आदि) के विरोध में से एक बन गया। इसके अलावा, लोककथाओं में रुचि बढ़ी, जिससे एक संपूर्ण अनुशासन का निर्माण हुआ - नृवंशविज्ञान, जो संगीत लोककथाओं के विकास का अध्ययन करता है और दुनिया के विभिन्न लोगों में संगीत और सांस्कृतिक प्रक्रियाओं की तुलना करता है। कुछ प्राचीन संस्कृतियों (कार्ल ऑर्फ़) की उत्पत्ति की ओर मुड़ते हैं या पूरी तरह से लोक कला (लियोस जनसेक, बेला बार्टोक, ज़ोल्टन कोडाई) पर भरोसा करते हैं। साथ ही, संगीतकार सक्रिय रूप से अपनी रचनाओं में प्रयोग करना जारी रखते हैं और हार्मोनिक भाषा, छवियों और संरचनाओं के नए पहलुओं और संभावनाओं की खोज करते हैं।

19वीं सदी के सौंदर्य सिद्धांतों का पतन, नई सदी की शुरुआत का राजनीतिक और आर्थिक संकट, अजीब तरह से पर्याप्त, ने एक नए संश्लेषण के निर्माण में योगदान दिया, जिसके कारण संगीत में अन्य प्रकार की कलाओं का प्रवेश हुआ: पेंटिंग , ग्राफिक्स, वास्तुकला, साहित्य और यहां तक ​​कि छायांकन। हालांकि, सामान्य कानून जो आई.एस. के समय से संगीतकार अभ्यास पर हावी रहे हैं। बाख, टूट गए और रूपांतरित हो गए।

19वीं-20वीं शताब्दी के मोड़ पर, रूसी संगीतकारों द्वारा यूरोपीय संस्कृति की परंपराओं, शैलियों और शैलियों में महारत हासिल करने की एक लंबी और कठिन प्रक्रिया समाप्त हो गई। XIX सदी के अंत तक। सेंट पीटर्सबर्ग और मॉस्को कंज़र्वेटरी ठोस शैक्षणिक संस्थान बन गए हैं। उस दौर के तमाम बेहतरीन संगीतकार और कई बेहतरीन कलाकार उनकी दीवारों से निकले। वादकों, गायकों और नर्तकियों के स्कूल विकसित हुए हैं। रूसी ओपेरा और बैले कला ने यूरोपीय जनता को जीत लिया। संगीत थिएटर के विकास में एक महत्वपूर्ण भूमिका सेंट पीटर्सबर्ग में इंपीरियल मरिंस्की थिएटर और रूसी उद्योगपति और परोपकारी सव्वा इवानोविच ममोंटोव (1841-1918) द्वारा बनाई गई मॉस्को प्राइवेट रूसी ओपेरा द्वारा निभाई गई थी।

सदी के अंत में रूसी संगीत में, देर से रोमांटिकतावाद और प्रभाववाद की विशेषताएं आपस में जुड़ी हुई थीं। साहित्यिक और कलात्मक प्रवृत्तियों और सबसे बढ़कर प्रतीकात्मकता का प्रभाव महान था। हालांकि, महान आचार्यों ने अपनी शैली विकसित की। उनके काम को शायद ही किसी विशेष प्रवृत्ति के लिए जिम्मेदार ठहराया जा सकता है, और यह रूसी संगीत संस्कृति की परिपक्वता का प्रमाण है।

20वीं शताब्दी के संगीत से परिचित होने पर पहली धारणा यह है कि आधुनिक समय की संगीत कला और पिछली सभी शताब्दियों के बीच एक खाई है - कार्यों की ध्वनि उपस्थिति में इतने महत्वपूर्ण अंतर हैं।

यहां तक ​​कि 10-30 साल के काम भी। XX सदियों ध्वनि में बहुत तनावपूर्ण और कठोर लगती हैं। वास्तव में, 20वीं शताब्दी का संगीत, पिछली शताब्दियों की तरह, लोगों की आध्यात्मिक और भावनात्मक दुनिया को प्रतिबिंबित करता था, क्योंकि एक व्यक्ति के जीवन की गति तेज हो गई, और अधिक कठोर और तनावपूर्ण हो गई।

दुखद घटनाओं और अंतर्विरोधों - युद्धों, क्रांतियों, वैज्ञानिक और तकनीकी प्रगति, अधिनायकवाद और लोकतंत्र ने न केवल लोगों में निहित भावनात्मक अनुभवों को बढ़ाया, बल्कि मानवता को विनाश के कगार पर ला दिया। यही कारण है कि 20वीं सदी के संगीत में जीवन और मृत्यु के विरोध का विषय प्रमुख हो गया है। व्यक्ति के आत्म-ज्ञान का विषय कला के लिए कम महत्वपूर्ण नहीं निकला।

बीसवीं शताब्दी को कला और साहित्य में कई नवाचारों द्वारा चिह्नित किया गया था जो क्रांतियों और विश्व युद्धों की अवधि के दौरान सार्वजनिक चेतना में विनाशकारी परिवर्तनों से जुड़े थे। 19वीं सदी के अंत और 20वीं सदी की शुरुआत में, और विशेष रूप से पूर्व-अक्टूबर दशक में, पुराने, अन्यायपूर्ण सामाजिक व्यवस्था को दूर करने वाले महान परिवर्तनों की अपेक्षा का विषय सभी रूसी कलाओं और विशेष रूप से संगीत से गुजरता है। . सभी संगीतकारों ने क्रांति की अनिवार्यता और आवश्यकता को महसूस नहीं किया और इसके साथ सहानुभूति व्यक्त की, लेकिन सभी या लगभग सभी ने पूर्व-तूफान तनाव महसूस किया।

नई सामग्री, हमेशा की तरह, नए रूपों की आवश्यकता थी, और कई संगीतकार संगीत की भाषा के एक कट्टरपंथी नवीनीकरण के विचार के साथ आए। सबसे पहले, उन्होंने मोड और चाबियों की पारंपरिक यूरोपीय प्रणाली को त्याग दिया। आटोनल संगीत की अवधारणा दिखाई दी। यह संगीत है जिसमें स्वरों की एक स्पष्ट प्रणाली कान से निर्धारित नहीं होती है, और कठोर नियमों का पालन किए बिना, तार समझौते (सद्भाव) एक दूसरे के साथ स्वतंत्र रूप से जुड़े होते हैं। 20वीं सदी की संगीतमय भाषा की एक और महत्वपूर्ण विशेषता असामान्य ध्वनियाँ बन गईं। आधुनिक जीवन की छवियों को व्यक्त करने के लिए, उन्होंने असामान्य शोर प्रभाव (धातु की क्लैंकिंग और पीस, मशीन टूल्स और अन्य "औद्योगिक" ध्वनियां) का उपयोग किया, और नए उपकरणों का आविष्कार किया। हालांकि, एक और तरीके ने और अधिक दिलचस्प परिणाम दिए। संगीतकारों ने पारंपरिक वाद्ययंत्रों के साथ प्रयोग किया: टिम्बर्स को मिलाना, असामान्य रजिस्टरों में बजाना, तकनीक बदलना। और यह पता चला कि एक शास्त्रीय सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा या ऑपरेटिव रूप पूरी तरह से एक शहर के जीवन को ध्वनियों और शोर की जटिल प्रणाली के साथ दिखा सकते हैं, और सबसे महत्वपूर्ण बात - विचारों के अप्रत्याशित मोड़ और मानव मानस के "किंक" के अंत में 2 सहस्राब्दी।

हालांकि, एक अभिनव खोज ने परंपरा को त्यागने की ओर अग्रसर नहीं किया। यह 20वीं सदी थी जिसने बीते युगों की संगीत विरासत को पुनर्जीवित किया। दो सौ तीन सौ वर्षों के विस्मरण के बाद, 17 वीं शताब्दी के मोंटेवेर्डी, कोरेली और विवाल्डी, जर्मन और फ्रांसीसी आचार्यों की कृतियाँ फिर से बजने लगीं।

लोककथाओं के प्रति दृष्टिकोण मौलिक रूप से बदल गया है। XX सदी में, एक नई प्रवृत्ति दिखाई देती है - नवलोकवाद (ग्रीक "नियोस" से - "नया" और "लोकगीत")। उनके समर्थकों ने दूरस्थ ग्रामीण क्षेत्रों में रिकॉर्ड की गई लोक धुनों के उपयोग का आह्वान किया, न कि शहरी तरीके से "सुचारू"। एक सिम्फनी, सोनाटा या ओपेरा के जटिल ताने-बाने में प्रवेश करते हुए, इस तरह के एक गीत ने संगीत को एक अभूतपूर्व जुनून, रंगों और स्वरों की समृद्धि के लिए लाया।

19वीं-20वीं शताब्दी के मोड़ पर, यूरोपीय संस्कृति में एक नई कलात्मक प्रवृत्ति ने आकार लिया - अभिव्यक्तिवाद (लैटिन अभिव्यक्ति से - "अभिव्यक्ति")। इसके प्रतिनिधियों ने अपने कार्यों में प्रथम विश्व युद्ध के युग के एक व्यक्ति के दुखद दृष्टिकोण को दर्शाया - निराशा, दर्द, अकेलेपन का डर। संगीत में अभिव्यक्तिवाद के संस्थापक अर्नोल्ड स्कोनबर्ग (1874-1951) ने लिखा, "कला उन लोगों से मदद की गुहार है जो अपने आप में मानवता के भाग्य का अनुभव कर रहे हैं।"

अर्नोल्ड स्कोनबर्ग

संगीत अभिव्यक्तिवाद ऑस्ट्रिया में विकसित हुआ, अधिक सटीक रूप से, इसकी राजधानी वियना में। इसके निर्माता अर्नोल्ड स्कोनबर्ग, एल्बन बर्ग और एंटोन वेबर्न हैं। संगीतकारों के रचनात्मक समुदाय ने न्यू वियना (नोवोवेन्स्क) स्कूल के नाम से संगीत के इतिहास में प्रवेश किया। प्रत्येक स्वामी कला में अपने तरीके से चला गया है, लेकिन उनके कार्यों में बहुत कुछ समान है। सबसे पहले - संगीत की दुखद भावना, तीव्र अनुभवों की इच्छा और गहरे झटके। इसके बाद एक गहन आध्यात्मिक खोज होती है, धार्मिक और नैतिक आदर्शों को खोजने की हर तरह से इच्छा जो आधुनिक लोगों के बहुमत से खो गई है। अंत में, तीनों संगीतकारों ने संगीत रचना की एक एकीकृत विधि विकसित की - डोडेकैफोन प्रणाली, जिसने एक टुकड़े के मोडल और हार्मोनिक संरचना के बारे में पारंपरिक विचारों को नाटकीय रूप से बदल दिया।

स्कोनबर्ग का काम एक मुख्य समस्या को हल करता है - यह संगीत के माध्यम से मानवीय पीड़ा को व्यक्त करता है। भारी, पीड़ादायक पूर्वाभास, नीरस डरावनी भावना को पहले से ही शुरुआती काम में शानदार ढंग से व्यक्त किया गया है - ऑर्केस्ट्रा के लिए पांच टुकड़े (1909)। मनोदशा और रूप में, ये कक्ष प्रस्तावनाएं हैं, लेकिन वे एक बड़े सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के लिए लिखे गए थे, और पतली, पारदर्शी ध्वनि लेखन हवाओं और टिमपनी हमलों के शक्तिशाली "रोता है" के साथ उनमें वैकल्पिक है।

द्वितीय विश्व युद्ध की घटनाओं पर शॉनबर्ग के प्रतिबिंबों का परिणाम एक पाठक, कोरस और ऑर्केस्ट्रा के लिए कैंटाना "द सर्वाइवर ऑफ वारसॉ" (1947) था। वारसॉ में यहूदी यहूदी बस्ती के निवासियों पर नाजियों के नरसंहार के प्रामाणिक प्रत्यक्षदर्शी खातों को पाठ के रूप में इस्तेमाल किया गया था। एक श्रृंखला पर निर्मित इस बड़े पैमाने के काम का संगीत अभिव्यक्तिवाद की सर्वोत्तम परंपराओं में कायम है - यह जटिल, दुखद और तीव्र भावनात्मक है। ऐसा लगता है कि संगीतकार अपने नायकों को भगवान और अनंत काल के सामने पेश करने की कोशिश कर रहा है और इस तरह दिखाता है कि उनकी पीड़ा व्यर्थ नहीं थी। कैंटटा एक प्रार्थना के जप के साथ समाप्त होता है, और उसका संगीत, उसी श्रृंखला की ध्वनियों के आधार पर, पिछले भागों के दुखद अंधेरे से व्यवस्थित रूप से विकसित होता है।

हरावल

सामाजिक वास्तविकता की नई स्थितियों ने एक ओर संपूर्ण कलात्मक संस्कृति पर प्रभाव डाला, एक ओर शास्त्रीय परंपरा की एक नई सांस दी, और दूसरी ओर, एक नई कला को जन्म दिया - अवंत-गार्डे (फ्रांसीसी से) "अवंत-गार्डे" - आगे बढ़ना), या आधुनिकतावाद (अक्षांश से। "मॉडर्नस" - नया, आधुनिक), जो उस समय के चेहरे को पूरी तरह से दर्शाता है। अनिवार्य रूप से, शब्द "आधुनिकतावाद" बीसवीं शताब्दी के व्यक्तिगत स्वामी की कलात्मक प्रवृत्तियों, आंदोलनों, स्कूलों और गतिविधियों को दर्शाता है, जिन्होंने अपनी रचनात्मक पद्धति के आधार के रूप में अभिव्यक्ति की स्वतंत्रता की घोषणा की।

संगीतमय अवंत-गार्डे के आंदोलन में 50-90 के दशक शामिल हैं। XX सदी। यह द्वितीय विश्व युद्ध के बाद किसी भी तरह से आकस्मिक रूप से उत्पन्न नहीं हुआ: युद्ध के झटके, और फिर जीवन के तरीके में तेज बदलाव, पिछले युगों के नैतिक और सांस्कृतिक मूल्यों में निराशा का कारण बना। 50-60 की पीढ़ी के प्रतिनिधि। मैं परंपराओं से मुक्त महसूस करना चाहता था, अपनी कलात्मक भाषा बनाना चाहता था।

संगीत अवंत-गार्डे आमतौर पर तथाकथित ठोस संगीत को संदर्भित करता है, जो तानवाला व्यंजन की स्वतंत्रता पर आधारित होता है, न कि हार्मोनिक श्रृंखला पर: सोनोरिज्म आधुनिक संगीतकार की तकनीक के प्रकारों में से एक है, जिसमें मुख्य रूप से रंगीन ध्वनियों (लैटिन "सोनोरस" - सोनोरस, शोर) और व्यावहारिक रूप से सटीक पिच कनेक्शन, इलेक्ट्रॉनिक संगीत की अनदेखी करना। अवंत-गार्डिज्म की दिशा में पहली खोज बीसवीं शताब्दी की शुरुआत में रूसी संगीतकार ए.एन. स्क्रिबिन। उनके संगीत ने कुछ श्रोताओं को प्रेरक शक्ति से जीत लिया, दूसरों ने अपनी असामान्यता से नाराज हो गए।

एक। स्क्रिपाइन

रचनात्मकता के नए तरीकों की खोज ने कई असामान्य शैलियों को जन्म दिया है। संगीतकार इलेक्ट्रॉनिक रिकॉर्डिंग और ध्वनि-पुनरुत्पादन तकनीकों का उपयोग करते हैं - एक टेप रिकॉर्डर, एक सिंथेसाइज़र, और, हाल के वर्षों में, एक कंप्यूटर - "शास्त्रीय" उपकरणों के रूप में। इलेक्ट्रॉनिक संगीत का उद्भव लाखों पॉप और रॉक प्रेमियों (जहां इलेक्ट्रॉनिक उपकरण एक प्रमुख भूमिका निभाते हैं) के "क्लासिक्स" की ओर ध्यान आकर्षित करने की इच्छा के कारण हुआ था। हालांकि, इस क्षेत्र में काम करने वाले संगीतकारों का एक अलग लक्ष्य भी होता है। वे प्रौद्योगिकी की दुनिया के साथ मनुष्य के जटिल संबंधों का पता लगाने की कोशिश कर रहे हैं, जो तेजी से लोगों की चेतना को अपने अधीन करता है। सबसे प्रतिभाशाली कार्यों में अपने इलेक्ट्रॉनिक "डबल" के साथ संगीतकार का "लाइव" संवाद एक गहरा प्रतीकात्मक अर्थ लेता है।

हेपेनिंग

50 के दशक से। संगीत में, जैसा कि कला के अन्य रूपों में होता है (उदाहरण के लिए, थिएटर में), ऐसी दिशा होती है (अंग्रेजी से, हो रहा है - "हो रहा है", "हो रहा है")। इसके स्रोत को अमेरिकी संगीतकार जॉन केज (जन्म 1912) द्वारा "4" 33 "(1954) का काम माना जा सकता है। एक पियानोवादक मंच में प्रवेश करता है, जो चार मिनट तैंतीस सेकंड के लिए ... चुपचाप पियानो पर बैठता है, फिर उठता है और छोड़ देता है प्रीमियर एक घोटाले के साथ हुआ: प्रबुद्ध जनता ने फैसला किया कि वे बस उसका मज़ाक उड़ा रहे थे, और आम आदमी को कृपालु टिप्पणी करने का अवसर मिला: "तो मैं कर सकता हूँ।" जनता को झटका देने का इरादा, ज़ाहिर है, था लेखक की योजनाओं का हिस्सा था, लेकिन यह अपने आप में एक अंत नहीं था। , केज ने आसपास की वास्तविकता की घटना को संगीत के एक टुकड़े में बदल दिया: खेल की शुरुआत की प्रत्याशा में मौन, श्रोताओं द्वारा की गई आवाजें (खांसी, फुसफुसाते हुए, कुर्सियों की चरमराहट, आदि। दर्शकों और संगीतकार ने इस प्रकार कलाकारों और लेखकों के रूप में दोनों के रूप में अभिनय किया। वास्तव में, एक ध्वनिहीन पैंटोमाइम बन जाता है। जॉन केज

बीसवीं सदी की संगीत कला नवीन विचारों से भरी हुई है। यह संगीत भाषा के सभी पहलुओं में एक मौलिक परिवर्तन का प्रतीक है। बीसवीं शताब्दी में, संगीत अक्सर भयानक युगांतरकारी ऐतिहासिक घटनाओं के प्रतिबिंब के स्रोत के रूप में कार्य करता था, जिसके साक्षी और समकालीन इस युग के अधिकांश महान संगीतकार थे, जो नवप्रवर्तक और सुधारक बने।

निष्कर्ष

दुखद घटनाओं और अंतर्विरोधों - युद्धों, क्रांतियों, वैज्ञानिक और तकनीकी प्रगति, अधिनायकवाद और लोकतंत्र ने न केवल लोगों में निहित भावनात्मक अनुभवों को बढ़ाया, बल्कि मानवता को विनाश के कगार पर ला दिया। यही कारण है कि 20वीं सदी के संगीत में जीवन और मृत्यु के बीच टकराव का विषय प्रमुख बन गया है।

व्यक्ति के आत्म-ज्ञान का विषय कला के लिए कम महत्वपूर्ण नहीं निकला। अधिक से अधिक पीढ़ियों के प्रतिनिधि परंपराओं से मुक्त महसूस करना चाहते थे, अपनी कलात्मक भाषा बनाना चाहते थे।

20वीं सदी की संगीत कला असामान्य रूप से विशाल है। शायद एक भी ऐतिहासिक संगीत शैली नहीं है जो किसी तरह 20 वीं शताब्दी के रंगीन संगीतमय बहुरूपदर्शक में परिलक्षित न हो। इस लिहाज से यह सदी मील का पत्थर बन गई है। संगीत के विकास की पिछली शताब्दियों में जो कुछ भी जमा हुआ था, और राष्ट्रीय संगीत संस्कृतियों की सभी मौलिकता अचानक सामान्य संपत्ति बन गई।

हर बार युग ने हमें अपनी प्रतिभाओं के साथ प्रस्तुत किया है। 19वीं या 20वीं सदी के रचनाकार हों, उनकी कृतियों ने पहले ही मानव जाति के इतिहास में मील का पत्थर ले लिया है और न केवल संगीत में सभी पीढ़ियों के लिए एक आदर्श बन गए हैं, और उनकी रचना के नुस्खे के बावजूद, उन्हें सेवा के लिए बुलाया जाता है लोगों की खुशी के लिए।

ग्रंथ सूची

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यहां 10 संगीतकारों की सूची दी गई है जिन्हें आपको जानना चाहिए। उनमें से प्रत्येक के बारे में यह कहना सुरक्षित है कि वह अब तक का सबसे महान संगीतकार है, हालांकि वास्तव में कई शताब्दियों में लिखे गए संगीत की तुलना करना असंभव है, और वास्तव में असंभव है। हालाँकि, ये सभी संगीतकार अपने समकालीनों से ऐसे संगीतकार के रूप में अलग हैं, जिन्होंने उच्चतम स्तर के संगीत की रचना की और शास्त्रीय संगीत की सीमाओं को नई सीमाओं तक धकेलने की कोशिश की। सूची में कोई आदेश नहीं है, जैसे महत्व या व्यक्तिगत वरीयता। सिर्फ 10 महान संगीतकार जिन्हें आपको जानना चाहिए।

प्रत्येक संगीतकार के साथ उसके जीवन का एक उद्धरण के योग्य तथ्य होता है, जिसे याद करके आप एक विशेषज्ञ की तरह दिखेंगे। और नामों के लिंक पर क्लिक करके आपको उनकी पूरी जीवनी पता चल जाएगी। और निश्चित रूप से, आप प्रत्येक गुरु के महत्वपूर्ण कार्यों में से एक को सुन सकते हैं।

विश्व शास्त्रीय संगीत में सबसे महत्वपूर्ण व्यक्ति। दुनिया में सबसे अधिक प्रदर्शन करने वाले और सम्मानित संगीतकारों में से एक। उन्होंने अपने समय में मौजूद सभी शैलियों में काम किया, जिसमें ओपेरा, बैले, नाटकीय प्रदर्शन के लिए संगीत, कोरल रचनाएं शामिल हैं। उनकी विरासत में सबसे महत्वपूर्ण वाद्य कार्य हैं: पियानो, वायलिन और सेलो सोनाटास, पियानो के लिए संगीत कार्यक्रम, वायलिन, चौकड़ी, ओवरचर, सिम्फनी। शास्त्रीय संगीत में रोमांटिक काल के संस्थापक।

रोचक तथ्य।

सबसे पहले, बीथोवेन नेपोलियन को अपनी तीसरी सिम्फनी (1804) समर्पित करना चाहते थे, संगीतकार इस व्यक्ति के व्यक्तित्व से मोहित हो गए थे, जो अपने शासनकाल की शुरुआत में कई लोगों को असली नायक लगते थे। लेकिन जब नेपोलियन ने खुद को सम्राट घोषित किया, तो बीथोवेन ने शीर्षक पृष्ठ पर अपने समर्पण को पार किया और केवल एक शब्द लिखा - "वीर"।

एल बीथोवेन द्वारा "मूनलाइट सोनाटा",ध्यान दो:

2. (1685-1750)

जर्मन संगीतकार और अरगनिस्ट, बैरोक युग के प्रतिनिधि। संगीत के इतिहास में सबसे महान संगीतकारों में से एक। अपने जीवन के दौरान, बाख ने 1000 से अधिक रचनाएँ लिखीं। ओपेरा को छोड़कर, उस समय की सभी महत्वपूर्ण शैलियों को उनके काम में दर्शाया गया है; उन्होंने बारोक काल की संगीत कला की उपलब्धियों का सारांश दिया। सबसे प्रसिद्ध संगीत राजवंश के संस्थापक।

रोचक तथ्य।

अपने जीवनकाल के दौरान, बाख को इतना कम आंका गया कि उनकी एक दर्जन से भी कम रचनाएँ प्रकाशित हुईं।

Toccata और Fugue डी माइनर में जे.एस.बाख द्वारा,ध्यान दो:

3. (1756-1791)

महान ऑस्ट्रियाई संगीतकार, वादक और कंडक्टर, वियना शास्त्रीय स्कूल के एक प्रतिनिधि, एक कलाप्रवीण व्यक्ति वायलिन वादक, हार्पसीकोर्डिस्ट, ऑर्गेनिस्ट, कंडक्टर, उनके पास संगीत, स्मृति और सुधार करने की क्षमता के लिए एक अभूतपूर्व कान था। एक संगीतकार के रूप में, जिन्होंने किसी भी शैली में उत्कृष्ट प्रदर्शन किया, उन्हें व्यापक रूप से शास्त्रीय संगीत के इतिहास में सबसे महान संगीतकारों में से एक माना जाता है।

रोचक तथ्य।

एक बच्चे के रूप में, मोजार्ट ने इटालियन ग्रिगोरियो एलेग्री द्वारा मिसरेरे (एक बिल्ली। डेविड के 50 वें स्तोत्र के पाठ के लिए जप) को याद किया और रिकॉर्ड किया, इसे केवल एक बार सुना।

W.A. Mozart . द्वारा "लिटिल नाइट सेरेनेड", सुनना:

4. (1813-1883)

जर्मन संगीतकार, कंडक्टर, नाटककार, दार्शनिक। XIX-XX सदियों के मोड़ पर यूरोपीय संस्कृति पर उनका महत्वपूर्ण प्रभाव था, विशेष रूप से आधुनिकतावाद। वैगनर के ओपेरा अपने भव्य पैमाने और शाश्वत मानवीय मूल्यों से विस्मित करते हैं।

रोचक तथ्य।

वैगनर ने जर्मनी में 1848-1849 की असफल क्रांति में भाग लिया और फ्रांज लिस्ट्ट के साथ गिरफ्तारी से छिपने के लिए मजबूर हुए।

आर. वैगनर के ओपेरा "वाल्किरी" से "फ्लाइट ऑफ़ द वाल्किरीज़",ध्यान दो

5. (1840-1893)

इतालवी संगीतकार, इतालवी ओपेरा स्कूल के केंद्रीय व्यक्ति। वर्डी में मंच, स्वभाव और त्रुटिहीन शिल्प कौशल की भावना थी। उन्होंने ओपेरा परंपराओं (वैग्नर के विपरीत) से इनकार नहीं किया, लेकिन इसके विपरीत उन्हें विकसित किया (इतालवी ओपेरा की परंपराएं), उन्होंने इतालवी ओपेरा को बदल दिया, इसे यथार्थवाद से भर दिया, और इसे संपूर्ण की एकता दी।

रोचक तथ्य।

वर्डी एक इतालवी राष्ट्रवादी थे और ऑस्ट्रिया से इटली की स्वतंत्रता के बाद 1860 में पहली इतालवी संसद के लिए चुने गए थे।

डी. वर्डी द्वारा ओपेरा "ला ट्रैविटा" के लिए ओवरचर,ध्यान दो:

7. इगोर फेडोरोविच स्ट्राविंस्की (1882-1971)

रूसी (अमेरिकी - उत्प्रवास के बाद) संगीतकार, कंडक्टर, पियानोवादक। बीसवीं सदी के सबसे महत्वपूर्ण रचनाकारों में से एक। स्ट्राविंस्की का काम उनके पूरे करियर में समान है, हालांकि उनके कार्यों की शैली अलग-अलग अवधियों में अलग थी, लेकिन मूल और रूसी जड़ें बनी रहीं, जो उनके सभी कार्यों में प्रकट हुईं, उन्हें बीसवीं शताब्दी के अग्रणी नवप्रवर्तकों में से एक माना जाता है। . ताल और सामंजस्य के उनके अभिनव उपयोग ने न केवल शास्त्रीय संगीत में बल्कि कई संगीतकारों को प्रेरित और प्रेरित किया है।

रोचक तथ्य।

प्रथम विश्व युद्ध के दौरान, रोमन सीमा शुल्क अधिकारियों ने पाब्लो पिकासो के स्ट्राविंस्की के चित्र को जब्त कर लिया जब संगीतकार इटली छोड़ रहा था। चित्र को भविष्य के तरीके से चित्रित किया गया था और सीमा शुल्क अधिकारियों ने इन मंडलियों और रेखाओं को किसी प्रकार की एन्क्रिप्टेड वर्गीकृत सामग्री के लिए गलत समझा।

I.F. Stravinsky "द फायरबर्ड" द्वारा बैले से सुइट,ध्यान दो:

8. जोहान स्ट्रॉस (1825-1899)

ऑस्ट्रियाई प्रकाश संगीतकार, कंडक्टर और वायलिन वादक। "वाल्ट्ज के राजा", उन्होंने नृत्य संगीत और आपरेटा की शैली में काम किया। उनकी संगीत विरासत में 500 से अधिक वाल्ट्ज, पोलेकस, क्वाड्रिल और अन्य प्रकार के नृत्य संगीत के साथ-साथ कई ओपेरेटा और बैले शामिल हैं। उनके लिए धन्यवाद, 19 वीं शताब्दी में वियना में वाल्ट्ज बेहद लोकप्रिय हो गया।

रोचक तथ्य।

जोहान स्ट्रॉस के पिता भी जोहान हैं और एक प्रसिद्ध संगीतकार भी हैं, इसलिए "वाल्ट्ज के राजा" को छोटा या बेटा कहा जाता है, उनके भाई जोसेफ और एडवर्ड भी प्रसिद्ध संगीतकार थे।

जे. स्ट्रॉस द्वारा वाल्ट्ज "ऑन द ब्यूटीफुल ब्लू डेन्यूब", सुनना:

9. सर्गेई वासिलीविच रहमानिनोव (1873-1943)

ऑस्ट्रियाई संगीतकार, विनीज़ शास्त्रीय संगीत विद्यालय के उत्कृष्ट प्रतिनिधियों में से एक और संगीत में रूमानियत के संस्थापकों में से एक। अपने छोटे से जीवन के दौरान, शूबर्ट ने आर्केस्ट्रा, चैम्बर और पियानो संगीत में महत्वपूर्ण योगदान दिया, जिसने संगीतकारों की एक पूरी पीढ़ी को प्रभावित किया। हालाँकि, उनका सबसे महत्वपूर्ण योगदान जर्मन रोमांस के विकास में था, जिसमें से उन्होंने 600 से अधिक की रचना की।

रोचक तथ्य।

शुबर्ट के दोस्त और साथी संगीतकार एक साथ आए और शूबर्ट के संगीत का प्रदर्शन किया। इन बैठकों को "शूबर्टियाड्स" (शूबर्टियाड्स) कहा जाता है। किसी तरह का पहला फैन क्लब!

एफपी शुबर्टो द्वारा "एवे मारिया", सुनना:

महान संगीतकारों के विषय को जारी रखते हुए आपको पता होना चाहिए, नई सामग्री।

रूसी कंपोज़िंग स्कूल, जिसकी परंपराओं का उत्तराधिकारी सोवियत और आज के रूसी स्कूल थे, 19 वीं शताब्दी में संगीतकारों के साथ शुरू हुआ, जिन्होंने यूरोपीय संगीत कला को रूसी लोक धुनों के साथ जोड़ा, यूरोपीय रूप और रूसी भावना को एक साथ जोड़ा।

आप इन प्रसिद्ध लोगों में से प्रत्येक के बारे में बहुत कुछ बता सकते हैं, उन सभी में सरल और कभी-कभी दुखद भाग्य नहीं होते हैं, लेकिन इस समीक्षा में हमने संगीतकारों के जीवन और कार्यों का केवल एक संक्षिप्त विवरण देने की कोशिश की है।

1. मिखाइल इवानोविच ग्लिंका

(1804-1857)

ओपेरा रुस्लान और ल्यूडमिला की रचना करते हुए मिखाइल इवानोविच ग्लिंका। 1887, कलाकार इल्या एफिमोविच रेपिन

"सुंदरता पैदा करने के लिए, एक शुद्ध आत्मा होना चाहिए।"

मिखाइल इवानोविच ग्लिंका रूसी शास्त्रीय संगीत के संस्थापक और विश्व प्रसिद्धि प्राप्त करने वाले पहले रूसी शास्त्रीय संगीतकार हैं। रूसी लोक संगीत की सदियों पुरानी परंपराओं पर आधारित उनकी रचनाएँ हमारे देश की संगीत कला में एक नया शब्द थीं।

स्मोलेंस्क प्रांत में जन्मे, उन्होंने सेंट पीटर्सबर्ग में अपनी शिक्षा प्राप्त की। विश्वदृष्टि के गठन और मिखाइल ग्लिंका के काम के मुख्य विचार को ए.एस. पुश्किन, वी.ए. ज़ुकोवस्की, ए.एस. ग्रिबॉयडोव, ए.ए. डेलविग जैसे व्यक्तित्वों के साथ सीधे संचार द्वारा सुगम बनाया गया था। 1830 के दशक की शुरुआत में यूरोप की लंबी अवधि की यात्रा और उस समय के प्रमुख संगीतकारों - वी. बेलिनी, जी. डोनिज़ेट्टी, एफ. मेंडेलसोहन और बाद में जी. बर्लियोज़, जे. मेयरबीर।

1836 में ओपेरा "इवान सुसैनिन" ("लाइफ फॉर द ज़ार") के मंचन के बाद एमआई ग्लिंका को सफलता मिली, जिसे विश्व संगीत, रूसी कोरल कला और यूरोपीय सिम्फोनिक और ऑपरेटिव में पहली बार सभी ने उत्साहपूर्वक प्राप्त किया। अभ्यास व्यवस्थित रूप से संयुक्त थे, और एक नायक भी दिखाई दिया, जैसे सुसैनिन, जिसकी छवि राष्ट्रीय चरित्र की सर्वोत्तम विशेषताओं को सारांशित करती है।

VF Odoevsky ने ओपेरा को "कला में एक नया तत्व, और इसके इतिहास में एक नई अवधि शुरू होती है - रूसी संगीत की अवधि" के रूप में वर्णित किया।

दूसरा ओपेरा - महाकाव्य रुस्लान और ल्यूडमिला (1842), जो पुश्किन की मृत्यु की पृष्ठभूमि के खिलाफ काम किया गया था और संगीतकार की कठिन जीवन स्थितियों में, काम के गहन नवीन सार के कारण, अस्पष्ट रूप से प्राप्त किया गया था दर्शकों और अधिकारियों, और एमआई ग्लिंका के अनुभव लाए। उसके बाद, उन्होंने बहुत सारी यात्राएँ कीं, बारी-बारी से रूस और विदेशों में रहकर, रचना करने के लिए रुके बिना। उनकी विरासत में रोमांस, सिम्फोनिक और चैम्बर काम शामिल हैं। 1990 के दशक में, मिखाइल ग्लिंका का देशभक्ति गीत रूसी संघ का आधिकारिक गान था।

एमआई ग्लिंका के बारे में उद्धरण:"पूरे रूसी सिम्फोनिक स्कूल, एकोर्न में पूरे ओक की तरह, कमरिंस्काया सिम्फोनिक फंतासी में निहित है। पी.आई. त्चिकोवस्की

रोचक तथ्य:मिखाइल इवानोविच ग्लिंका अच्छे स्वास्थ्य से प्रतिष्ठित नहीं थे, इसके बावजूद वे बहुत सहज थे और भूगोल को अच्छी तरह से जानते थे, शायद, अगर वे संगीतकार नहीं बनते, तो वे एक यात्री बन जाते। वह फारसी सहित छह विदेशी भाषाओं को जानता था।

2.अलेक्जेंडर पोरफिरेविच बोरोडिन

(1833-1887)

अलेक्जेंडर पोर्फिरेविच बोरोडिन, 19वीं सदी के उत्तरार्ध के प्रमुख रूसी संगीतकारों में से एक, संगीतकार के रूप में अपनी प्रतिभा के अलावा, एक वैज्ञानिक-रसायनज्ञ, डॉक्टर, शिक्षक, आलोचक और साहित्यिक प्रतिभा थी।

सेंट पीटर्सबर्ग में जन्मे, बचपन से ही उनके आस-पास के सभी लोगों ने उनकी असामान्य गतिविधि, उत्साह और विभिन्न दिशाओं में क्षमता का उल्लेख किया, मुख्य रूप से संगीत और रसायन विज्ञान में।

एपी बोरोडिन एक रूसी संगीतकार-नगेट हैं, उनके पास पेशेवर संगीत शिक्षक नहीं थे, संगीत में उनकी सभी उपलब्धियां रचना की तकनीक में महारत हासिल करने के लिए स्वतंत्र कार्य के लिए धन्यवाद।

एपी बोरोडिन का गठन एम.आई. के काम से प्रभावित था। ग्लिंका (जैसा कि, 19 वीं शताब्दी के सभी रूसी संगीतकारों के लिए), और 1860 के दशक की शुरुआत में रचना के साथ एक घने व्यवसाय के लिए आवेग दो घटनाओं द्वारा दिया गया था - सबसे पहले, प्रतिभाशाली पियानोवादक ईएस प्रोटोपोपोवा के साथ परिचित और विवाह, और दूसरी बात, एमए बालाकिरेव के साथ बैठक और रूसी संगीतकारों के रचनात्मक समुदाय में शामिल होना, जिसे "माइटी हैंडफुल" के रूप में जाना जाता है।

1870 के दशक के अंत में और 1880 के दशक में, एपी बोरोडिन यूरोप और अमेरिका में बहुत यात्रा और भ्रमण करते हैं, अपने समय के प्रमुख संगीतकारों से मिलते हैं, उनकी प्रसिद्धि बढ़ रही है, वह यूरोप में सबसे प्रसिद्ध और लोकप्रिय रूसी संगीतकारों में से एक बन गए हैं। 19वीं सदी के अंत में।

एपी बोरोडिन के काम में केंद्रीय स्थान पर ओपेरा "प्रिंस इगोर" (1869-1890) का कब्जा है, जो संगीत में राष्ट्रीय वीर महाकाव्य का एक उदाहरण है और जिसे उन्होंने खुद खत्म करने का प्रबंधन नहीं किया (यह उनके द्वारा पूरा किया गया था) मित्र एए ग्लेज़ुनोव और एनए रिम्स्की-कोर्साकोव)। "प्रिंस इगोर" में, ऐतिहासिक घटनाओं के राजसी चित्रों की पृष्ठभूमि के खिलाफ, संगीतकार के पूरे काम का मुख्य विचार परिलक्षित होता है - साहस, शांत महानता, सर्वश्रेष्ठ रूसी लोगों की आध्यात्मिक बड़प्पन और पूरे रूसी लोगों की शक्तिशाली ताकत , मातृभूमि की रक्षा में प्रकट हुआ।

इस तथ्य के बावजूद कि एपी बोरोडिन ने अपेक्षाकृत कम संख्या में काम छोड़ दिया, उनका काम बहुत विविध है और उन्हें रूसी सिम्फोनिक संगीत के पिता में से एक माना जाता है, जिन्होंने रूसी और विदेशी संगीतकारों की कई पीढ़ियों को प्रभावित किया।

एपी बोरोडिन के बारे में उद्धरण:"बोरोडिन की प्रतिभा सिम्फनी और ओपेरा और रोमांस दोनों में समान रूप से शक्तिशाली और हड़ताली है। इसके मुख्य गुण विशाल शक्ति और चौड़ाई, विशाल दायरा, उत्साह और उत्साह, अद्भुत जुनून, कोमलता और सुंदरता के साथ संयुक्त हैं।" वी.वी. स्टासोव

रोचक तथ्य:बोरोडिन का नाम हैलोजन के साथ कार्बोक्जिलिक एसिड के चांदी के लवण की रासायनिक प्रतिक्रिया को दिया गया था, जिसके परिणामस्वरूप हैलोजनयुक्त हाइड्रोकार्बन थे, जिसकी उन्होंने पहली बार 1861 में जांच की थी।

3. मामूली पेट्रोविच मुसॉर्स्की

(1839-1881)

"मानव भाषण की आवाज़, विचार और भावना की बाहरी अभिव्यक्तियों के रूप में, अतिशयोक्ति और हिंसा के बिना, संगीत को सच्चा, सटीक, लेकिन कलात्मक, अत्यधिक कलात्मक बनना चाहिए।"

मॉडेस्ट पेट्रोविच मुसॉर्स्की 19वीं सदी के सबसे शानदार रूसी संगीतकारों में से एक हैं, जो माइटी हैंडफुल के सदस्य हैं। मुसॉर्स्की का अभिनव कार्य अपने समय से बहुत आगे था।

पस्कोव प्रांत में पैदा हुआ था। कई प्रतिभाशाली लोगों की तरह, उन्होंने बचपन से ही संगीत में योग्यता दिखाई, सेंट पीटर्सबर्ग में अध्ययन किया, पारिवारिक परंपरा के अनुसार, एक सैन्य व्यक्ति था। निर्णायक घटना जिसने यह निर्धारित किया कि मुसॉर्स्की का जन्म सैन्य सेवा के लिए नहीं, बल्कि संगीत के लिए हुआ था, वह एमए बालाकिरेव के साथ उनकी मुलाकात और "माइटी हैंडफुल" में शामिल होना था।

मुसॉर्स्की अपने भव्य कार्यों में महान हैं - ओपेरा बोरिस गोडुनोव और खोवांशीना, उन्होंने रूसी इतिहास में संगीत नाटकीय मील के पत्थर में एक कट्टरपंथी नवीनता के साथ कब्जा कर लिया, जिसे रूसी संगीत उनके सामने नहीं जानता था, उनमें लोकप्रिय लोक दृश्यों का संयोजन दिखा रहा था और एक विविध प्रकार की संपत्ति, रूसी लोगों का अद्वितीय चरित्र। ये ओपेरा, कई संस्करणों में, लेखक और अन्य संगीतकारों द्वारा, दुनिया में सबसे लोकप्रिय रूसी ओपेरा में से हैं।

मुसॉर्स्की का एक और उत्कृष्ट काम पियानो के टुकड़ों का चक्र है "एक प्रदर्शनी में चित्र", रंगीन और आविष्कारशील लघुचित्रों को रूसी विषय-बहिष्कार और रूढ़िवादी विश्वास के साथ अनुमति दी जाती है।

मुसॉर्स्की के जीवन में सब कुछ था - महानता और त्रासदी दोनों, लेकिन वह हमेशा वास्तविक आध्यात्मिक पवित्रता और अरुचि से प्रतिष्ठित थे।

उनके अंतिम वर्ष कठिन थे - जीवन में अव्यवस्था, रचनात्मकता की पहचान की कमी, अकेलापन, शराब की लत, यह सब 42 में उनकी प्रारंभिक मृत्यु को निर्धारित करता है, उन्होंने अपेक्षाकृत कुछ काम छोड़े, जिनमें से कुछ अन्य संगीतकारों द्वारा पूरे किए गए थे।

मुसॉर्स्की की विशिष्ट माधुर्य और नवीन सद्भाव ने 20 वीं शताब्दी के संगीत विकास की कुछ विशेषताओं का अनुमान लगाया और कई विश्व संगीतकारों की शैलियों के निर्माण में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई।

एमपी मुसॉर्स्की के बारे में उद्धरण:"मुख्य रूप से रूसी हर चीज में लगता है जो मुसॉर्स्की ने किया था" एन रोएरिच

रोचक तथ्य:अपने जीवन के अंत में, स्टासोव और रिमस्की-कोर्साकोव के "दोस्तों" के दबाव में, मुसॉर्स्की ने अपने कार्यों के कॉपीराइट को त्याग दिया और उन्हें टर्टी फिलिप्पोव को प्रस्तुत किया।

4. प्योत्र इलिच त्चिकोवस्की

(1840-1893)

"मैं एक कलाकार हूं जो मेरी मातृभूमि को सम्मान दे सकता है और करना चाहिए। मैं अपने अंदर एक महान कलात्मक शक्ति का अनुभव करता हूं, जो मैं कर सकता हूं उसका दसवां हिस्सा भी अभी तक नहीं किया है। और मैं इसे अपनी आत्मा की पूरी ताकत से करना चाहता हूं।"

प्योत्र इलिच त्चिकोवस्की, शायद 19 वीं शताब्दी के सबसे महान रूसी संगीतकार, ने रूसी संगीत कला को अभूतपूर्व ऊंचाइयों तक पहुंचाया। वह विश्व शास्त्रीय संगीत के सबसे महत्वपूर्ण संगीतकारों में से एक हैं।

व्याटका प्रांत के मूल निवासी, हालांकि यूक्रेन में पैतृक जड़ें, त्चिकोवस्की ने बचपन से ही संगीत प्रतिभा दिखाई, लेकिन उनकी पहली शिक्षा और काम न्यायशास्त्र के क्षेत्र में था।

त्चिकोवस्की पहले रूसी "पेशेवर" संगीतकारों में से एक थे - उन्होंने नए सेंट पीटर्सबर्ग कंज़र्वेटरी में संगीत सिद्धांत और रचना का अध्ययन किया।

त्चिकोवस्की को "माइटी हैंडफुल" के लोक आंकड़ों के विपरीत "पश्चिमी" संगीतकार माना जाता था, जिनके साथ उनके अच्छे रचनात्मक और मैत्रीपूर्ण संबंध थे, लेकिन उनका काम रूसी भावना से कम नहीं है, वह विशिष्ट रूप से गठबंधन करने में कामयाब रहे मिखाइल ग्लिंका से विरासत में मिली रूसी परंपराओं के साथ मोजार्ट, बीथोवेन और शुमान की पश्चिमी सिम्फोनिक विरासत।

संगीतकार ने एक सक्रिय जीवन व्यतीत किया - वह एक शिक्षक, कंडक्टर, आलोचक, सार्वजनिक व्यक्ति था, दो राजधानियों में काम किया, यूरोप और अमेरिका का दौरा किया।

त्चिकोवस्की एक भावनात्मक रूप से अस्थिर व्यक्ति थे, उत्साह, निराशा, उदासीनता, गर्म स्वभाव, हिंसक क्रोध - ये सभी मनोदशाएं उनमें अक्सर बदल जाती थीं, एक बहुत ही मिलनसार व्यक्ति होने के नाते, उन्होंने हमेशा अकेलेपन के लिए प्रयास किया।

त्चिकोवस्की के काम से कुछ सर्वश्रेष्ठ को बाहर करना एक मुश्किल काम है, उनके पास लगभग सभी संगीत शैलियों - ओपेरा, बैले, सिम्फनी, चैम्बर संगीत में समान आकार के कई काम हैं। और त्चिकोवस्की के संगीत की सामग्री सार्वभौमिक है: यह जीवन और मृत्यु, प्रेम, प्रकृति, बचपन, रूसी और विश्व साहित्य के कार्यों को एक नए तरीके से प्रकट करता है, आध्यात्मिक जीवन की गहरी प्रक्रियाएं इसमें परिलक्षित होती हैं।

संगीतकार से उद्धरण:"जीवन में तभी आकर्षण होता है जब इसमें सुख और दुख का विकल्प हो, अच्छाई और बुराई के बीच संघर्ष से, प्रकाश और छाया से, एक शब्द में - एकता में विविधता से।"

"महान प्रतिभा बहुत मेहनत करती है।"

संगीतकार के बारे में उद्धरण: "मैं प्योत्र इलिच के घर के बरामदे में गार्ड ऑफ ऑनर खड़े होने के लिए दिन-रात तैयार हूं - इस हद तक मैं उनका सम्मान करता हूं" ए.पी. चेखव

रोचक तथ्य:कैम्ब्रिज विश्वविद्यालय ने त्चिकोवस्की को अनुपस्थिति में और उनकी थीसिस का बचाव किए बिना डॉक्टर ऑफ म्यूजिक की उपाधि से सम्मानित किया, और पेरिस एकेडमी ऑफ फाइन आर्ट्स ने भी उन्हें एक संबंधित सदस्य चुना।

5. निकोले एंड्रीविच रिम्स्की-कोर्साकोव

(1844-1908)

निकोलाई एंड्रीविच रिम्स्की-कोर्साकोव एक प्रतिभाशाली रूसी संगीतकार हैं, जो एक अमूल्य रूसी संगीत विरासत बनाने में सबसे महत्वपूर्ण आंकड़ों में से एक है। उनकी अजीबोगरीब दुनिया और ब्रह्मांड के शाश्वत सौंदर्य की पूजा, जीवन के चमत्कार की प्रशंसा, प्रकृति के साथ एकता का संगीत के इतिहास में कोई एनालॉग नहीं है।

नोवगोरोड प्रांत में जन्मे, पारिवारिक परंपरा के अनुसार वह एक नौसेना अधिकारी बन गया, एक युद्धपोत पर वह यूरोप और अमेरिका के कई देशों में गया। उन्होंने अपनी संगीत शिक्षा पहले अपनी मां से प्राप्त की, फिर पियानोवादक एफ. कैनील से निजी शिक्षा ली। और फिर, द माइटी हैंडफुल के आयोजक MABalakirev के लिए धन्यवाद, जिन्होंने रिमस्की-कोर्साकोव को संगीत समुदाय से परिचित कराया और उनके काम को प्रभावित किया, दुनिया ने एक प्रतिभाशाली संगीतकार को नहीं खोया है।

रिमस्की-कोर्साकोव की विरासत में केंद्रीय स्थान ओपेरा से बना है - 15 कार्य, संगीतकार की शैली, शैलीगत, नाटकीय, रचनात्मक निर्णयों की विविधता का प्रदर्शन करते हैं, फिर भी एक विशेष शैली रखते हैं - आर्केस्ट्रा घटक की सभी समृद्धि के साथ, मधुर स्वर वाली पंक्तियाँ प्रमुख हैं।

दो मुख्य दिशाएं संगीतकार के काम को अलग करती हैं: पहला रूसी इतिहास है, दूसरा परियों की कहानियों और महाकाव्यों की दुनिया है, जिसके लिए उन्हें "कथाकार" उपनाम मिला।

प्रत्यक्ष स्वतंत्र रचनात्मक गतिविधि के अलावा, एन.ए. रिमस्की-कोर्साकोव को एक प्रचारक, लोक गीतों के संग्रह के संकलक के रूप में जाना जाता है, जिसमें उन्होंने बहुत रुचि दिखाई, साथ ही साथ अपने दोस्तों - डार्गोमीज़्स्की, मुसॉर्स्की और बोरोडिन के कार्यों को अंतिम रूप दिया। रिमस्की-कोर्साकोव रचना के स्कूल के निर्माता थे, एक शिक्षक और सेंट पीटर्सबर्ग कंज़र्वेटरी के प्रमुख के रूप में, उन्होंने प्रोकोफ़िएव और स्ट्राविंस्की के बीच लगभग दो सौ संगीतकारों, कंडक्टरों, संगीतविदों को स्नातक किया।

संगीतकार के बारे में उद्धरण:"रिम्स्की-कोर्साकोव एक बहुत ही रूसी व्यक्ति और एक बहुत ही रूसी संगीतकार थे। मेरा मानना ​​​​है कि इसका मुख्य रूप से रूसी सार, इसकी गहरी लोकगीत-रूसी आधार आज विशेष रूप से सराहना की जानी चाहिए।" मस्टीस्लाव रोस्ट्रोपोविच

संगीतकार तथ्य:निकोलाई एंड्रीविच ने अपना पहला काउंटरपॉइंट पाठ इस तरह शुरू किया:

- अब मैं बहुत बात करूंगा, और तुम बहुत ध्यान से सुनोगे। तब मैं कम बोलूंगा, और तुम सुनोगे और सोचोगे, और अंत में, मैं बिल्कुल नहीं बोलूंगा, और तुम अपने दिमाग से सोचोगे और अपने दम पर काम करोगे, क्योंकि एक शिक्षक के रूप में मेरा काम आपके लिए अनावश्यक हो जाना है। ..