Seni adalah ekspresi pemikiran terdalam dengan cara termudah. Konsep "seni"

PENGENALAN

Salah satu tugas utama masyarakat kita menghadapi sistem pendidikan moden adalah pembentukan budaya individu. Perkaitan tugas ini dikaitkan dengan penyemakan sistem kehidupan dan nilai seni dan estetika. Pembentukan budaya generasi muda adalah mustahil tanpa beralih kepada nilai-nilai seni yang terkumpul oleh masyarakat semasa kewujudannya. Oleh itu, keperluan untuk mengkaji asas sejarah seni menjadi jelas.

Untuk memahami sepenuhnya seni era tertentu, perlu menavigasi dalam terminologi sejarah seni. Mengetahui dan memahami intipati seni masing-masing. Hanya dalam kes pemilikan sistem konsep-kategorikal seseorang dapat memahami sepenuhnya nilai estetika monumen seni.

KLASIFIKASI SENI

Seni (refleksi kreatif, pembiakan realiti dalam gambar artistik.) Terdapat dan berkembang sebagai sistem jenis yang saling berkaitan, kepelbagaiannya disebabkan oleh fleksibiliti dunia nyata itu sendiri (dunia nyata yang dipaparkan dalam proses penciptaan artistik.

Jenis seni adalah bentuk aktiviti kreatif yang wujud secara historis yang mempunyai kemampuan untuk merealisasikan kandungan kehidupan secara artistik dan berbeza dengan cara perwujudan bahan mereka (kata dalam kesusasteraan, bunyi dalam muzik, bahan plastik dan warna dalam seni visual, dll.).

Dalam sastera sejarah seni moden, skema dan sistem klasifikasi seni tertentu telah berkembang, walaupun masih belum ada satu pun dan semuanya relatif. Skema yang paling biasa adalah membahagikannya kepada tiga kumpulan.

Yang pertama merangkumi seni ruang atau plastik. Untuk kumpulan seni ini, pembinaan ruang dalam penyataan imej artistik adalah penting - Seni Rupa, Seni Hiasan dan Gunaan, Seni Bina, Fotografi.

Kumpulan kedua merangkumi seni sementara atau dinamik. Di dalamnya, komposisi yang berkembang dalam masa - Muzik, Sastera - memperoleh kepentingan utama.
Kumpulan ketiga diwakili oleh jenis spatio-temporal, yang juga disebut seni sintetik atau spektakuler - Koreografi, Sastera, Seni Teater, Sinematografi.

Kewujudan pelbagai jenis seni disebabkan oleh kenyataan bahawa tidak satu pun dari mereka, dengan cara mereka sendiri, dapat memberikan gambaran seni yang komprehensif tentang dunia. Gambaran sedemikian hanya dapat dibuat oleh seluruh budaya seni manusia secara keseluruhan, yang terdiri daripada jenis seni individu.

KARAKTERISTIK SENI

ARKITEK

Senibina (bahasa Yunani "arsitekon" - "tuan, pembangun") adalah bentuk seni monumental, yang tujuannya adalah untuk membuat struktur dan bangunan yang diperlukan untuk kehidupan dan aktiviti manusia, memenuhi keperluan utilitarian dan kerohanian orang.

Bentuk struktur seni bina bergantung pada keadaan geografi dan iklim, pada sifat lanskap, intensitas cahaya matahari, keselamatan gempa, dll.

Senibina lebih berkait rapat dengan pengembangan kekuatan produktif daripada seni lain, dengan pengembangan teknologi. Senibina dapat digabungkan dengan lukisan monumental, patung, hiasan dan bentuk seni yang lain. Asas komposisi seni bina adalah struktur volumetrik-spatial, penghubung organik unsur-unsur bangunan atau ensemble bangunan. Skala bangunan sangat menentukan sifat gambar seni, monumen atau keintimannya.

Seni bina tidak mereproduksi secara langsung realiti, ia tidak bergambar, tetapi ekspresif.

SENI

Seni halus adalah sekumpulan jenis penciptaan artistik yang menghasilkan semula realiti yang dilihat secara visual. Karya seni mempunyai bentuk subjek yang tidak berubah mengikut masa dan ruang. Seni halus merangkumi lukisan, grafik, patung.

SENI GRAFIK

Grafik (diterjemahkan dari bahasa Yunani - "Saya menulis, melukis") adalah, pertama sekali, lukisan dan karya bercetak artistik (ukiran, litografi). Ini didasarkan pada kemungkinan membuat bentuk seni ekspresif dengan menggunakan garis, goresan dan bintik-bintik dari berbagai warna yang digunakan pada permukaan lembaran.

Grafik mendahului lukisan. Pada mulanya, seseorang belajar menangkap garis besar dan bentuk objek plastik, kemudian membezakan dan menghasilkan semula warna dan warna mereka. Menguasai warna adalah proses sejarah: tidak semua warna dikuasai sekaligus.

Kekhususan grafik adalah hubungan linear. Mereproduksi bentuk objek, ia menyampaikan pencahayaannya, nisbah cahaya dan bayangan, dan lain-lain. Lukisan menangkap hubungan sebenar warna dunia, dalam warna dan melalui warna ia menyatakan inti pati objek, nilai estetiknya, mengesahkannya tujuan sosial, korespondensi atau percanggahan mereka dengan persekitaran ...

Dalam proses pengembangan sejarah, warna mulai menembus gambar dan grafik yang dicetak, dan sekarang menggambar dengan krayon - pastel, dan ukiran warna, dan melukis dengan cat air - cat air dan gouache termasuk dalam grafik. Dalam pelbagai literatur mengenai sejarah seni, terdapat sudut pandangan yang berbeza mengenai grafik. Dalam beberapa sumber: grafik adalah sejenis lukisan, sementara yang lain adalah subspesies seni rupa yang terpisah.

LUKISAN

Lukisan adalah seni datar, kekhususannya terletak pada representasi, menggunakan cat yang dilekatkan pada permukaan, gambar dunia nyata, yang diubah oleh imaginasi kreatif artis.

Lukisan dibahagikan kepada:

Monumental - lukisan dinding (dari Itali. Fresco) - lukisan di atas plaster mentah dengan cat yang dicairkan di dalam air dan mozek (dari mosaiqe Perancis) gambar batu berwarna, smalt (kaca transparan berwarna Smalta.), Jubin seramik.

Easel (dari kata "mesin") - kanvas yang dibuat di atas kuda-kuda.

Lukisan dilambangkan oleh pelbagai genre (Genre (genre Perancis, dari genus Latin, genetik genus - genus, spesies) adalah subdivisi dalaman yang artistik dan dikembangkan dalam semua jenis seni.):

Potret adalah tugas utama untuk menyampaikan idea penampilan luaran seseorang, untuk mendedahkan dunia dalaman seseorang, untuk menekankan keperibadian, psikologi dan imej emosinya.

Landskap - menghasilkan semula dunia sekitar dalam semua kepelbagaian bentuknya. Imej pemandangan laut ditakrifkan oleh istilah pemandangan laut.

Masih hidup - gambar barangan rumah, perkakas, bunga, buah-buahan. Membantu memahami pandangan dunia dan gaya hidup era tertentu.

Genre sejarah - menceritakan tentang detik-detik penting dalam kehidupan masyarakat.

Genre rumah tangga - mencerminkan kehidupan sehari-hari orang, sikap, adat, tradisi kumpulan etnik tertentu.

Ikonografi (diterjemahkan dari bahasa Yunani "gambar doa") adalah tujuan utama untuk mengarahkan seseorang ke jalan transformasi.

Animalism adalah imej haiwan sebagai watak utama sebuah karya seni.

Pada abad XX. sifat lukisan berubah di bawah pengaruh cara kemajuan teknologi (kemunculan peralatan foto dan video), yang membawa kepada kemunculan bentuk seni baru - Seni multimedia.

SAUDARA

Arca adalah seni ruang - visual yang menguasai dunia dalam gambar plastik.

Bahan utama yang digunakan dalam arca adalah batu, gangsa, marmar, kayu. Pada tahap perkembangan masyarakat saat ini, kemajuan teknologi, jumlah bahan yang digunakan untuk membuat patung telah berkembang: keluli, plastik, konkrit dan lain-lain.

Terdapat dua jenis arca utama: tiga dimensi (bulat) dan relief:

Lega tinggi - lega tinggi,

Lega lega - lega rendah,

Pelepasan kaunter adalah lega.

Secara definisi, patung boleh menjadi monumental, hiasan, kuda-kuda.

Monumental - digunakan untuk menghias jalan-jalan dan dataran bandar, menetapkan tempat, peristiwa, dan sejarah penting Arca monumental merangkumi:

Tugu,

Tugu,

Peringatan.

Easel - direka untuk dilihat dari jarak dekat dan ditujukan untuk hiasan dalaman.

Hiasan - digunakan untuk menghias kehidupan seharian (barang plastik kecil).

SENI DEKORATIF DAN BERLAKU.

Seni hiasan dan terapan adalah sejenis aktiviti kreatif untuk membuat barang-barang rumah tangga yang direka untuk memenuhi keperluan utiliti dan artistik dan estetika orang.

Seni dan kraf merangkumi produk yang dibuat dari pelbagai bahan dan menggunakan teknologi yang berbeza. Bahan untuk objek kraf boleh berupa logam, kayu, tanah liat, batu, tulang. Kaedah teknikal dan artistik membuat produk sangat beragam: ukiran, sulaman, lukisan, mengejar, dan lain-lain. Ciri utama objek seni hiasan adalah hiasan, yang terdiri daripada citra dan keinginan untuk menghias, menjadikannya lebih baik, lebih cantik .

Seni hiasan dan seni lukis mempunyai watak kebangsaan. Oleh kerana ia berasal dari adat, kebiasaan, kepercayaan dari etnik tertentu, ia dekat dengan cara hidup.

Komponen penting seni hiasan dan seni terapan adalah seni rakyat dan kerajinan - satu bentuk penyusunan karya seni berdasarkan kreativiti kolektif, mengembangkan tradisi budaya tempatan dan fokus pada penjualan kraftangan.

Idea kreatif utama kraf tradisional adalah penegasan kesatuan dunia semula jadi dan manusia.

Kraftangan rakyat utama di Rusia adalah:

Ukiran kayu - Bogorodskaya, Abramtsevo-Kudrinskaya;

Lukisan kayu - Khokhloma, Gorodetskaya, Polkhov-Maidanskaya, Mezenskaya;

Produk hiasan dari kulit kayu birch - timbul pada kulit kayu birch, melukis;

Pemprosesan batu artistik - pemprosesan batu keras dan lembut;

Ukiran tulang - Kholmogorsk, Tobolsk. Khotkovskaya

Lukisan miniatur di papier-mache - Fedoskino miniature, Palekh miniature, Mster miniature, Kholuy miniature

Pemprosesan logam artistik - Veliky Ustyug niello silver, Rostov enamel, lukisan Zhostovskaya pada logam;

Seramik rakyat - Seramik Gzhel, seramik Skopin, mainan Dymkovo, mainan Kargopol;

Renda - Renda Vologda, renda Mikhailovskoe,

Lukisan pada kain - Selendang dan selendang Pavlovsk

Sulaman - Vladimirskaya, Jalinan warna, Sulaman emas.

LITERATUR

Sastera adalah bentuk seni di mana perkataan itu adalah bahan pembawa gambar.

Bidang sastera merangkumi fenomena alam dan sosial, pelbagai bencana sosial, kehidupan rohani seseorang, perasaannya. Dalam pelbagai genrenya, sastera merangkumi bahan ini sama ada melalui penggambaran suatu tindakan secara dramatik, atau melalui penceritaan peristiwa yang epik, atau melalui pengungkapan diri yang lirik tentang dunia dalaman seseorang.

Sastera dibahagikan kepada:

Artistik

Yang mendidik

Bersejarah

Ilmiah

Latar belakang

Genre sastera utama adalah:

- Lirik - salah satu daripada tiga jenis fiksyen utama, mencerminkan kehidupan dengan menggambarkan pelbagai pengalaman manusia, ciri liriknya adalah bentuk puisi.

- Drama - salah satu daripada tiga jenis fiksyen utama, karya cerita yang ditulis dalam bentuk bahasa sehari-hari dan tanpa ucapan pengarang.

- Epik - Sastera naratif, salah satu daripada tiga jenis fiksyen utama, termasuk:

- Epik - karya utama genre epik.

- Novella - genre sastera prosaic naratif (lebih jarang - puitis), yang mewakili bentuk naratif kecil.

- Cerita (cerita) - genre sastera yang berbeza dalam jumlah yang kurang ketara, angka yang lebih sedikit, kandungan hidup dan luasnya

- Cerita - Karya epik bersaiz kecil, yang berbeza dengan novel dengan kelaziman dan komposisi sewenang-wenangnya.

- Rom - karya naratif yang hebat dalam prosa, kadang-kadang dalam ayat.

- Balada - karya cerita puitis lirik-epik yang ditulis dalam stanzas.

- Puisi - plot karya sastera watak lirik dan epik dalam ayat.

Kekhususan sastera adalah fenomena sejarah, semua elemen dan bahagian penyusun dari sebuah karya sastera dan proses sastera, semua ciri sastera terus berubah. Sastera adalah sistem ideologi dan seni yang hidup dan bergerak yang sensitif terhadap perubahan dalam kehidupan. Pendahuluan sastera adalah cerita rakyat lisan.

SENI MUZIK

Muzik - (dari musik Yunani - secara harfiah - seni muses), sejenis seni di mana bunyi muzik disusun dengan cara tertentu berfungsi sebagai alat untuk mewujudkan gambar seni. Unsur-unsur utama dan alat ekspresif muzik adalah skala, irama, meter, tempo, dinamik kekuatan, timbre, melodi, harmoni, polifoni, instrumentasi. Muzik dirakam dalam notasi muzik dan direalisasikan semasa persembahan.

Pembahagian muzik menjadi sekular dan spiritual diterima. Kawasan utama muzik suci adalah kultus. Perkembangan teori muzik Eropah notasi muzik dan pedagogi muzik dikaitkan dengan muzik kultus Eropah (biasanya disebut muzik gereja). Menurut alat pertunjukan, muzik dibahagikan kepada vokal (nyanyian), instrumental dan vokal-instrumental. Muzik sering digabungkan dengan koreografi, seni teater, dan pawagam. Membezakan antara muzik monophonic (monody) dan polyphonic (homophony, polyphony). Muzik dibahagikan kepada:

Jenis dan jenis - teater (opera, dll.), Simfoni, ruang, dll.;

Untuk genre - lagu, paduan suara, tarian, perarakan, symphony, suite, sonata, dll.

Struktur khas yang agak stabil adalah ciri karya muzik. Muzik menggunakan gambar suara sebagai alat mewujudkan realiti dan perasaan manusia.

Muzik dalam gambar suara secara umum menyatakan proses penting dalam kehidupan. Pengalaman emosional dan idea yang diwarnai oleh perasaan, diungkapkan melalui suara-suara khas, yang berdasarkan intonasi ucapan manusia - inilah sifat gambar muzik.

CHOREOGRAFI

Choreography (gr. Choreia - dance + grapho - I wrote) adalah bentuk seni, yang materialnya adalah pergerakan dan postur tubuh manusia, bermakna secara puitis, disusun dalam ruang dan waktu, yang merupakan sistem seni.

Tarian berinteraksi dengan muzik, membentuk imej muzikal dan koreografi dengannya. Dalam kesatuan ini, setiap komponen bergantung pada yang lain: muzik menentukan undang-undangnya sendiri terhadap tarian dan pada masa yang sama dipengaruhi oleh tarian. Dalam beberapa kes, tarian dapat dilakukan tanpa muzik - disertai dengan tepukan, mengetuk tumit, dll.

Asal-usul tarian ini adalah: tiruan proses buruh; perayaan dan upacara ritual, bahagian plastiknya mempunyai peraturan dan semantik tertentu; menari, secara spontan mengekspresikan pergerakan dalam kemuncak keadaan emosi seseorang.

Tarian selalu, selalu, dikaitkan dengan kehidupan dan kehidupan orang. Oleh itu, setiap tarian memenuhi watak, semangat orang-orang dari mana asalnya.

SENI teater

Teater adalah bentuk seni yang mengasimilasikan dunia secara artistik melalui aksi dramatik yang dilakukan oleh pasukan kreatif.

Asas teater adalah drama. Sifat sintetik seni teater menentukan watak kolektifnya: drama ini menggabungkan usaha kreatif seorang penulis drama, pengarah, artis, komposer, koreografer, dan pelakon.

Persembahan teater terbahagi kepada genre:

- Drama;

- Tragedi;

- Komedi;

- Muzik, dll.

Seni teater berakar pada zaman kuno yang mendalam. Unsur-unsur terpentingnya sudah ada dalam ritual primitif, tarian totemik, dalam menyalin kebiasaan binatang, dll.

SENI FOTO.

Fotografi (gr. Phos (foto) cahaya + grafo yang saya tulis) adalah seni yang menghasilkan semula pada satah, melalui garis dan bayang-bayang, dengan cara yang paling sempurna dan tanpa kemungkinan kesalahan, kontur dan bentuk objek yang dipancarkan olehnya.

Ciri khas seni fotografi adalah interaksi organik proses kreatif dan teknologi di dalamnya. Seni fotografi berkembang pada pergantian abad ke-19 dan ke-20 sebagai hasil interaksi pemikiran artistik dan kemajuan sains dan teknologi fotografi. Kemunculannya secara historis disiapkan oleh pengembangan lukisan, yang memfokuskan pada gambar yang tepat seperti cermin dari dunia yang dapat dilihat dan menggunakan penemuan optik geometri (perspektif) dan alat optik (kamera - obscura) untuk mencapai tujuan ini.

Kekhususan fotografi adalah bahawa ia memberikan gambaran makna dokumentari.

Fotografi memberikan gambaran ekspresif artistik dan dengan pasti menangkap momen realiti penting dalam gambar yang dibekukan.

Fakta-fakta kehidupan dalam fotografi, hampir tanpa pemprosesan tambahan, dipindahkan dari bidang realiti ke bidang seni.

SENI FILM

Pawagam adalah seni memaparkan gambar bergerak yang ditangkap pada filem untuk mewujudkan kesan realiti hidup. Ciptaan pawagam abad XX. Penampilannya ditentukan oleh pencapaian sains dan teknologi dalam bidang optik, elektrik dan teknologi fotografi, kimia, dll.

Pawagam menyampaikan dinamika era; bekerja dengan masa sebagai alat ekspresi, pawagam mampu menyampaikan berturut-turut pelbagai peristiwa dalam logik dalaman mereka.

Cinema adalah seni sintetik, ia merangkumi unsur-unsur organik seperti sastera (skrip, lagu), lukisan (kartun, pemandangan dalam sebuah filem), seni teater (lakonan), muzik, yang berfungsi sebagai alat untuk melengkapkan gambar visual.

Pawagam boleh dibahagikan secara kondisional ke dalam dokumentari dan fiksyen ilmiah.

Genre pawagam juga ditakrifkan:

Tragedi,

Fantasi,

Komedi,

Sejarah, dll.

KESIMPULAN

Budaya memainkan peranan khusus dalam peningkatan keperibadian, dalam pembentukan gambaran individualnya tentang dunia, kerana ia mengumpulkan semua pengalaman emosi, moral dan penilaian Manusia.

Masalah pendidikan seni dan estetika dalam pembentukan orientasi nilai generasi muda telah menjadi objek perhatian ahli sosiologi, ahli falsafah, ahli teori budaya, ahli sejarah seni. Tutorial ini adalah tambahan kecil untuk lapisan besar bahan pendidikan yang berkaitan dengan bidang seni. Penulis menyatakan harapan bahawa ia akan berfungsi sebagai pertolongan yang baik untuk murid, murid dan semua orang yang tidak peduli dengan seni.

Dari Masterweb

Dalam erti kata paling sederhana, seni adalah kemampuan seseorang untuk mewujudkan sesuatu yang indah menjadi kenyataan dan mendapat kesenangan estetik dari objek tersebut. Ini juga boleh menjadi salah satu kaedah kognisi, yang disebut penguasaan, tetapi satu perkara yang pasti: tanpa seni, dunia kita akan menjadi tidak sopan, membosankan dan tidak sedikit pun menarik.

Perhentian terminologi

Dalam pengertian yang luas, seni adalah sejenis pertukangan yang produknya memberikan kesenangan estetik. Menurut entri dalam Encyclopedia Britannica, kriteria utama seni adalah kemampuan untuk bergema dengan orang lain. Sebaliknya, Ensiklopedia Besar Soviet mengatakan bahawa seni adalah salah satu bentuk kesedaran sosial, yang merupakan komponen utama budaya manusia.

Sesiapa yang mengatakan apa-apa, tetapi perdebatan mengenai istilah "seni" telah berlangsung sejak sekian lama. Sebagai contoh, dalam era romantisme, seni dianggap sebagai ciri pemikiran manusia. Maksudnya, mereka memahami istilah ini dengan cara yang sama seperti agama dan sains.

Kraf khas

Dalam pengertian pertama dan paling luas, konsep seni diuraikan sebagai "kerajinan" atau "menyusun" (itu juga ciptaan). Ringkasnya, segala sesuatu yang diciptakan oleh manusia dalam proses mencipta dan memahami komposisi tertentu dapat disebut seni.

Sehingga abad ke-19, seni adalah kemampuan seorang seniman atau penyanyi untuk menyatakan bakat mereka, memikat penonton dan membuat mereka merasa.

Konsep "seni" boleh digunakan dalam pelbagai bidang aktiviti manusia:

• proses menyatakan bakat vokal, koreografi atau lakonan;
• karya, objek fizikal yang dibuat oleh tuan kapal mereka;
• proses penggunaan karya seni oleh penonton.

Sebagai kesimpulan, kita dapat mengatakan yang berikut: seni adalah sejenis subsistem dari bidang kehidupan rohani, yang merupakan pembiakan realiti kreatif dalam gambar seni. Ini adalah kemahiran unik yang dapat dikagumi oleh orang ramai.

Sedikit sejarah

Dalam budaya dunia, orang mula bercakap mengenai seni pada zaman dahulu. Seni primitif (iaitu seni rupa, itu juga merupakan lukisan batu) muncul bersama dengan manusia di era Paleolitik Tengah. Objek pertama yang dapat dikenali dengan seni seperti itu muncul di Paleolitik Atas. Karya seni tertua, seperti kalung kerang, bermula pada tahun 75.000 SM.

Pada Zaman Batu, ritual primitif, muzik, tarian, perhiasan disebut seni. Secara umum, seni kontemporari berasal dari ritual kuno, tradisi, permainan, yang dikondisikan oleh idea dan kepercayaan mitologi dan ajaib.

Dari lelaki primitif

Dalam seni dunia, adalah kebiasaan untuk membezakan beberapa era perkembangannya. Masing-masing dari mereka mengadopsi sesuatu dari nenek moyang mereka, menambahkan sesuatu yang tersendiri dan ditinggalkan kepada keturunan mereka. Dari abad ke abad, seni telah memperoleh bentuk yang semakin kompleks.

Seni masyarakat primitif terdiri dari muzik, lagu, ritual, tarian dan gambar yang diterapkan pada kulit binatang, bumi dan benda-benda semula jadi yang lain. Di dunia kuno, seni mengambil bentuk yang lebih kompleks. Ia berkembang di tamadun Mesir, Mesopotamia, Parsi, India, Cina dan lain-lain. Setiap pusat ini mempunyai gaya seni yang tersendiri, yang bertahan lebih dari satu milenium dan bahkan hari ini memberi kesan kepada budaya. By the way, seniman Yunani kuno dianggap yang terbaik (bahkan lebih baik daripada tuan moden) dalam menggambarkan tubuh manusia. Hanya mereka berjaya dengan cara yang luar biasa untuk menggambarkan otot, postur tubuh, memilih bahagian yang betul dan menyampaikan keindahan alam semula jadi.

Pertengahan umur

Pada Zaman Pertengahan, agama mempunyai pengaruh yang signifikan terhadap perkembangan seni. Perkara ini berlaku terutamanya di Eropah. Seni Gothik dan Bizantium didasarkan pada kebenaran rohani dan subjek alkitabiah. Pada masa ini, di timur dan di negara-negara Islam, diyakini bahawa menggambar seseorang tidak lebih dari penciptaan berhala, yang dilarang. Oleh itu, seni bina, hiasan terdapat dalam seni visual, tetapi tidak ada lelaki. Kaligrafi dan perhiasan berkembang. Di India dan Tibet, tarian keagamaan adalah seni utama, diikuti oleh patung.

Berbagai jenis seni berkembang di China, mereka tidak dipengaruhi atau didesak oleh agama apa pun. Setiap era memiliki tuannya sendiri, masing-masing memiliki gaya mereka sendiri, yang mereka sempurnakan. Oleh itu, setiap karya seni itu mempunyai nama era di mana ia diciptakan. Contohnya, pasu Ming atau lukisan Tang. Di Jepun, keadaannya sama seperti di China. Perkembangan budaya dan seni di negara-negara ini cukup berbeza.

Zaman Renaissance

Semasa zaman Renaissance, seni kembali ke nilai material dan humanisme. Tokoh-tokoh manusia memperoleh semula korporatinya yang hilang, perspektif muncul di ruang angkasa, dan para seniman berusaha untuk menggambarkan kepastian fizikal dan rasional.

Pada era Romantikisme, emosi muncul dalam seni. Tuan cuba menunjukkan keperibadian manusia dan kedalaman pengalaman. Pelbagai gaya seni mula muncul seperti akademik, simbolisme, fauvism, dll. Benar, usia mereka tidak lama, dan petunjuk sebelumnya, didorong oleh kengerian perang yang dialami, seseorang mungkin mengatakan, dihidupkan kembali dari abu.

Ke arah kemodenan

Pada abad ke-20, tuan mencari kemungkinan visual baru dan standard kecantikan. Kerana globalisasi yang terus berkembang, budaya mula saling mempengaruhi dan saling mempengaruhi. Contohnya, para Impresionis diilhamkan oleh ukiran Jepun, dan seni rupa India sangat mempengaruhi karya Picasso. Pada separuh kedua abad ke-20, pengembangan pelbagai bidang seni dipengaruhi oleh modernisme, dengan pencarian idealisme yang tegas untuk kebenaran dan norma-norma yang kaku. Masa seni kontemporari datang ketika diputuskan bahawa nilai adalah relatif.

Fungsi dan sifat

Pada setiap masa, ahli teori sejarah seni dan kajian budaya mengatakan bahawa seni, seperti fenomena sosial lain, dicirikan oleh fungsi dan sifat yang berbeza. Semua fungsi seni secara konvensional dibahagikan kepada bermotivasi dan tidak bermotivasi.

Fungsi tidak bermotivasi adalah sifat yang tidak dapat dipisahkan dengan sifat manusia. Secara sederhana, seni adalah sesuatu yang mendorong seseorang untuk naluri dan melampaui praktikal dan berguna. Fungsi-fungsi ini merangkumi:

• Naluri asas untuk harmoni, irama dan keseimbangan. Di sini seni dimanifestasikan bukan dalam bentuk material, tetapi dalam diri yang sensual, berusaha untuk keharmonian dan kecantikan.
• Rasa misteri. Dipercayai bahawa seni adalah salah satu cara untuk merasakan hubungan dengan alam semesta. Perasaan ini timbul tanpa diduga ketika memikirkan gambar, mendengar muzik, dll.
• Khayalan. Berkat seni, seseorang mempunyai kemampuan untuk menerapkan imaginasi tanpa sekatan.
• Menangani banyak. Seni membenarkan pencipta untuk menangani seluruh dunia.
• Ritual dan simbol. Beberapa budaya moden mempunyai ritual, tarian dan persembahan yang meriah. Mereka semacam simbol, dan kadang-kadang hanya cara untuk mempelbagaikan acara. Dengan sendirinya, mereka tidak mencapai tujuan apa pun, tetapi ahli antropologi melihat dalam setiap gerakan makna yang wujud dalam pengembangan budaya nasional.

Ciri-ciri bermotivasi

Fungsi seni yang termotivasi adalah matlamat yang ditetapkan oleh pencipta untuk dirinya sendiri ketika mula membuat karya seni.

Dalam kes ini, seni boleh:

• Kaedah komunikasi. Dalam bentuknya yang paling sederhana, seni adalah cara komunikasi antara orang di mana maklumat dapat dihantar.
• Hiburan. Seni mampu mewujudkan suasana yang sesuai, membantu berehat dan mengalihkan perhatian daripada masalah.
• Demi perubahan. Pada awal abad kedua puluh, banyak karya diciptakan yang memprovokasi perubahan politik.
• Untuk psikoterapi. Ahli psikologi sering menggunakan seni untuk tujuan perubatan. Teknik berdasarkan analisis corak memungkinkan untuk menjalankan diagnosis yang lebih tepat.
• Demi protes. Seni sering digunakan untuk memprotes sesuatu atau seseorang.
• Propaganda. Seni juga dapat menjadi cara menyebarkan propaganda, yang memungkinkan untuk secara halus mempengaruhi pembentukan selera dan suasana baru di khalayak ramai.

Seperti yang dapat dilihat dari fungsi, seni memainkan peranan penting dalam kehidupan masyarakat, mempengaruhi semua bidang kehidupan manusia.

Jenis dan bentuk

Pada mulanya, seni dianggap tidak terbahagi, iaitu, kompleks aktiviti kreatif umum. Bagi lelaki primitif, tidak ada contoh seni yang terpisah seperti teater, muzik atau sastera. Semuanya digabungkan menjadi satu. Hanya selepas beberapa ketika, pelbagai jenis seni mula muncul. Ini adalah nama bentuk-bentuk refleksi artistik dunia yang ditubuhkan secara historis, yang digunakan untuk mencipta cara yang berbeza.

Bergantung pada cara yang digunakan, bentuk seni semacam itu dibezakan:

• Sastera. Menggunakan tulisan secara lisan untuk mencipta seni. Tiga jenis utama dibezakan di sini - drama, epik dan puisi lirik.
• Muzik. Ia dibahagikan kepada vokal dan instrumental, untuk membuat contoh seni, alat suara digunakan.
• Tarian. Pergerakan plastik digunakan untuk membuat corak baru. Terdapat seni balet, ritual, ballroom, seni kontemporari dan tarian rakyat.
• Mengecat. Dengan bantuan warna, realiti dipaparkan pada satah.
• Senibina. Seni dimanifestasikan dalam transformasi persekitaran ruang dengan struktur dan bangunan.
• Arca. Merupakan karya seni yang mempunyai kelantangan dan bentuk tiga dimensi.
• Seni hiasan dan seni terapan. Bentuk ini berkaitan langsung dengan keperluan yang diaplikasikan, ini adalah objek seni yang dapat digunakan dalam kehidupan seharian. Contohnya, pinggan yang dicat, perabot, dll.
• Teater. Dengan bantuan lakonan, aksi pentas dengan tema dan watak tertentu dimainkan di atas pentas.
• Sarkas. Sejenis aksi spektakuler dan menghiburkan dengan angka lucu, tidak biasa dan berisiko.
• Pawagam. Kita dapat mengatakan bahawa ini adalah evolusi aksi teater, ketika moden, alat audiovisual masih digunakan.
• Gambar itu. Ini terdiri dalam memperbaiki gambar visual dengan kaedah teknikal.

Pada borang yang disenaraikan, anda juga boleh menambahkan genre seni seperti pop art, grafik, radio, dll.

Peranan seni dalam kehidupan manusia

Aneh, tetapi untuk beberapa alasan dipercayai bahawa seni hanya ditujukan untuk lapisan atas penduduk, yang disebut elit. Konsep seperti ini kononnya asing bagi orang lain.

Seni biasanya disamakan dengan kekayaan, pengaruh dan kekuatan. Bagaimanapun, hanya orang-orang seperti itu yang mampu membeli barang-barang yang cantik, mahal dan tidak berguna. Ambil contohnya, Pertapaan atau Istana Versailles, yang telah menyimpan koleksi raja-raja yang kaya pada masa lalu. Pada masa ini, kerajaan, beberapa organisasi swasta dan orang-orang kaya dapat koleksi seperti itu.

Kadang-kadang seseorang mendapat gambaran bahawa peranan utama seni dalam kehidupan seseorang adalah untuk menunjukkan status sosialnya kepada orang lain. Dalam banyak budaya, barang-barang yang mahal dan elegan menunjukkan kedudukan seseorang dalam masyarakat. Sebaliknya, dua abad yang lalu, usaha dilakukan untuk menjadikan seni tinggi lebih mudah diakses oleh masyarakat umum. Sebagai contoh, pada tahun 1793 Louvre dibuka untuk semua orang (sehingga waktu itu adalah hak milik raja-raja Perancis). Lama kelamaan, idea ini diambil di Rusia (Galeri Tretyakov), Amerika Syarikat (Muzium Metropolitan) dan negara-negara Eropah yang lain. Namun, orang yang mempunyai koleksi seni mereka sendiri akan selalu dianggap lebih berpengaruh.

Sintetik atau nyata

Terdapat pelbagai jenis karya seni di dunia moden. Mereka mengambil pelbagai jenis, bentuk, cara penciptaan. Satu-satunya perkara yang tidak berubah adalah seni rakyat dalam bentuk primitif.

Hari ini, walaupun idea sederhana dianggap seni. Berkat idea, pendapat umum dan ulasan kritikal, karya seperti "Black Square", set teh yang ditutup dengan bulu semula jadi, atau foto Sungai Rhine, yang terjual dengan harga 4 juta dolar, berjaya. Sukar untuk menyebut benda ini dan benda serupa sebagai seni.

Jadi apa itu seni sebenar? Pada umumnya, ini adalah karya yang membuat anda berfikir, bertanya, mencari jawapan. Seni sebenar menarik, saya mahu mendapatkan barang ini dengan apa jua kos. Walaupun dalam kesusasteraan, klasik Rusia menulis mengenai kekuatan menarik ini. Oleh itu, dalam kisah Gogol "Potret", protagonis menghabiskan simpanan terakhirnya untuk memperoleh potret.

Seni sebenar selalu menjadikan seseorang lebih baik, kuat dan bijak. Memiliki pengetahuan dan pengalaman yang tidak ternilai yang telah dikumpulkan selama beberapa generasi, dan kini tersedia dalam bentuk yang dapat diterima untuk persepsi, seseorang berpeluang untuk berkembang dan bertambah baik.

Seni sebenar selalu dilakukan dari hati. Tidak kira apa jadinya - buku, gambar, muzik, drama. Penonton akan merasa. Dia pasti akan merasakan apa yang ingin disampaikan oleh pencipta. Rasakan emosinya, fahami fikirannya, pergi bersamanya untuk mencari jawapan. Seni sebenar adalah perbualan yang tidak dapat didengar antara pengarang dan orang, selepas itu pendengar / pembaca / penonton tidak lagi sama. Inilah seni sebenar. Sekumpulan perasaan yang pekat. Seperti yang ditulis Pushkin, ia harus membakar hati orang, tidak kira apa - kata kerja, sikat atau alat muzik. Seni seperti itu harus melayani orang dan memberi inspirasi kepada mereka untuk berubah, menghibur ketika sedih, dan memberi inspirasi kepada harapan, terutama ketika nampaknya tidak ada jalan keluar. Hanya dengan cara ini, tidak boleh sebaliknya.

Hari ini terdapat banyak benda aneh, kadang kala tidak masuk akal yang disebut karya seni. Tetapi jika mereka tidak dapat "mengaitkan hidup", maka mereka tidak dapat apriori berhubungan dengan seni.

Jalan Kievyan, 16 0016 Armenia, Yerevan +374 11 233 255

1. Dinamik masalah, atau peluang.

Namun, seseorang tidak perlu terbawa-bawa dengan hanya satu menjadi dan hanya satu tindakan, yang membezakan objek seni dengan objek sains. Harus diingat sepanjang masa bahawa dalam bidang seni kita tidak hanya berurusan dengan tindakan sebagai struktur organik menjadi, tetapi pembentukan yang timbul di sini di Aristoteles akibat penentangan penalaran kategoris (dan juga logik keperluan) kepada kemungkinan kemungkinan masalah. Hanya dengan mengambil kesempatan ini dalam bidang alasan murni dalam aspek kemungkinan organik dan kemungkinan yang tidak terpisahkan, untuk pertama kalinya kita mendapat idea yang lebih kurang lengkap mengenai objek seni.

Aristotle menulis: "... Tugas penyair bukan untuk membicarakan apa yang terjadi (ta genomena), tetapi tentang apa yang mungkin terjadi, tentang kemungkinan yang mungkin atau kemungkinan" (Penyair. 9, 1451 a 36 - b 1 ). Jadi Aristotle sekali-sekala terputus dengan objek seni, seperti kenyataan sebenarnya. Fakta kosong, yang diambil oleh mereka sendiri, tidak menarik perhatian penyair. Dia tertarik pada apa yang digambarkan dalam apa yang dirasakan bukan dengan sendirinya, tetapi sebagai sumber objek dan perwakilan lain yang mungkin, atau, seperti yang akan kita katakan, subjek gambar seni selalu simbolik, ataupun ekspresif dan simbolik, selalu menunjukkan sesuatu yang lain dan meminta sesuatu yang lain.

Pemikiran Aristoteles dalam hal ini terdengar sangat kategoris:

"Sejarawan 158 dan penyair tidak berbeza dengan apa yang dikatakan oleh seseorang dalam ayat, tetapi dalam prosa. Bagaimanapun, karya-karya Herodotus dapat dimasukkan ke dalam ayat, namun akan menjadi kisah yang sama dalam meter seperti tanpa meter. Perbezaannya adalah , yang satu membicarakan tentang apa yang berlaku (ta genomena), yang lain tentang apa yang mungkin berlaku "(b 1-6).

2. Sifat umum kemungkinan ini.

Akhirnya, menurut Aristoteles, tidak mungkin suatu benda artistik, yang dinyatakannya sebagai satu kemungkinan, dapat dikurangkan - baik dari segi keaslian dan dari segi keyakinan gambar. Seseorang akan berfikir bahawa jika artis diperintahkan untuk tidak menggambarkan apa yang ada, tetapi apa yang mungkin berlaku, artis itu akan terikat dalam kaitannya dengan penggambaran sesuatu. Tidak, ini tidak mungkin, kerana kita tidak akan lupa bahawa keseluruhan kemungkinan diambil dari alasan teori yang sama, yang selalu berlaku hanya dalam kategori umum.

"Puisi mengandungi unsur yang lebih falsafah dan serius daripada sejarah: ia mewakili lebih umum, dan sejarah - peribadi. Umum terdiri dalam menggambarkan apa yang dikatakan atau dilakukan seseorang mengikut kebarangkalian atau keperluan seseorang yang memiliki kualiti tertentu. Inilah yang diperjuangkan puisi, memberikan nama watak. Dan yang khusus, seperti apa yang dilakukan oleh Alcibiades atau apa yang terjadi padanya "(b 6-12).

3. Sifat figuratif seni.

Penting untuk diperhatikan di sini bahawa kemungkinan, tentang seni yang ditafsirkan, selalu dicirikan oleh beberapa orang nama-nama. Sekarang kita akan mengatakan berbeza. Bagaimanapun, hingga kini, pada asasnya, ini hanya mengenai alasan murni, atau teoritis, yang beroperasi dengan bantuan kategori umum. Tetapi karya seni bukan sekadar sistem kategori logik. Itu selalu menjadi gambaran yang pasti orang dengan nama mereka dan yang pasti tindakan, yang berlaku pada orang-orang ini. Aristotle telah mengatakan mengenai aksi, tetapi dia belum lagi mengatakan mengenai pahlawan sebuah karya seni. Dan hanya sekarang dia mengatakan bahawa karya seni selalu beroperasi dengan satu atau yang lain nama, iaitu dengan pahlawan tertentu yang mempunyai nama tertentu. Sekiranya plot itu sendiri sangat penting dalam komedi, dan namanya boleh jadi apa-apa, dan jika ada nama-nama dalam iambografi, tetapi tindakan tidak digambarkan (b 12-15), maka keadaannya sama sekali berbeza dalam tragedi, di mana tertentu plot diberikan. mitos, iaitu, sekumpulan tindakan tertentu, dan "nama" diberikan, iaitu, pahlawan yang mempunyai nama tertentu milik mereka, dan kerana mitologi merujuk pada masa lalu, persoalan mengenai realitinya yang sebenarnya tidak lagi dibesarkan. Oleh kerana ada sesuatu, maka itu mungkin; dan oleh itu tragedi sepenuhnya memenuhi prinsip artistik kemungkinan, apatah lagi keinsafannya yang timbul dari ini, dan, akibatnya, realisme peliknya, tidak hanya tidak bertentangan dengan prinsip kemungkinan, tetapi tepatnya menyadarinya dengan jelas.

Inilah yang kami baca dari Aristoteles mengenai perkara ini:

"Tragedi itu sesuai dengan nama-nama yang diambil dari masa lalu. Sebabnya adalah bahawa kemungkinan [iaitu, dalam kes ini, insiden] menginspirasi keyakinan. Kemungkinan sesuatu yang belum berlaku, kita tidak percaya; tetapi apa yang berlaku adalah jelas, mungkin, kerana itu tidak akan berlaku jika tidak mungkin. Walau bagaimanapun, dalam beberapa tragedi hanya terdapat satu atau dua nama terkenal, sementara yang lain adalah rekaan, seperti, misalnya, dalam peristiwa "Bunga" Agathon. dan nama, tetapi tetap menyeronokkan "(b 15-23).

Bukan hanya luas cakrawala seni Aristoteles yang penting di sini, tetapi juga penting di sini bahawa di antara hujah-hujah ini mengenai integriti, komuniti, realisme pelik citra mitologi, dia tidak lupa juga mengatakan tentang kesenangan yang dibawa oleh tragedi (eyphraifiein, atau, lebih tepatnya, ia akan diterjemahkan, "kegembiraan").

Kesimpulannya, Aristotle sekali lagi menekankan bukan fakta sebuah karya seni, iaitu pembuatannya, pembuatan, pembinaan kreatif, citra virtuosonya, yang, menurut Aristoteles, selalu direalisasikan melalui penciptaannya yang berkesan:

"Anda tidak semestinya ditetapkan sebagai tugas anda untuk mematuhi mitos-mitos yang dipelihara oleh tradisi, di kawasan yang tragedi itu berputar. Dan tidak masuk akal untuk mencapai ini, kerana walaupun yang diketahui diketahui oleh sedikit orang, namun semua orang Daripada ini, jelas bahawa penyair seharusnya lebih menjadi pencipta plot, daripada meter, kerana dia adalah pencipta sejauh dia mereproduksi, dan dia menghasilkan semula tindakan. Walaupun dia harus menggambarkan peristiwa sebenar, dia masih pencipta, kerana tidak ada yang menghalang beberapa peristiwa nyata mempunyai sifat kebarangkalian dan kemungkinan. dia adalah pencipta mereka "(b 23-33).

4. Ekspresi sebagai ketajaman estetika objek seni.

Sekarang, akhirnya, kita sampai pada pemahaman Aristotelian mengenai seni sebagai bidang ekspresi. Bagaimanapun, di sini menjadi jelas dengan sendirinya bahawa teori objek seni semacam ini, yang dihitung bukan hanya untuk kandungan, tetapi untuk perumusan virtuoso dari mana-mana kandungan, yang, lebih-lebih lagi, memberikan kesenangan khusus, justru merupakan estetika yang konsisten. ungkapan, apabila yang penting bukanlah apa yang ada secara objektif, dan bukan yang dicerminkan dalam urutan sewenang-wenangnya subjektif, tetapi kebajikan ekspresi itu sendiri dan kesenangan khusus yang berkaitan dengannya.

dan) Dalam petikan terakhir dari sebelumnya, kami yakin bahawa walaupun Aristoteles sangat menyukai plot mitologi yang terkenal dan dapat difahami, dia tetap percaya bahawa kesenian karya tidak bergantung sama sekali pada plot terkenal dan difahami ini. Plot mungkin sama sekali tidak diketahui oleh orang ramai dan sama sekali tidak dapat difahami dalam kebaruannya, namun demikian orang ramai dapat menikmati keseronokan estetik dari plot ini. Dan mengapa? Kerana bagi Aristoteles dalam karya fiksyen, bukan "apa" tetapi "bagaimana" yang penting, atau lebih tepatnya, penyatuan lengkap keduanya menjadi satu gambaran struktur-ekspresif dan meyakinkan. Di bawah ini kita akan melihat bagaimana Aristoteles dan asal-usul seni menentukan kecenderungan manusia semula jadi untuk "meniru", iaitu mencipta semula segala sesuatu di sekelilingnya secara kreatif, dan menikmati tiruan seperti ini.

b) Sekarang kita akan memetik hujah Aristoteles dalam Politik yang sangat menarik:

"Kanak-kanak harus diajar mata pelajaran yang berguna umum bukan hanya untuk kepentingan faedah yang mereka terima daripadanya - seperti belajar membaca dan menulis, tetapi juga kerana, berkat pengajaran ini, adalah mungkin untuk memberi mereka pelbagai maklumat lain Ini berlaku dengan melukis: dan tidak dipelajari agar tidak tersilap dalam tindakan mereka sendiri atau tertipu dalam membeli atau menjual peralatan rumah tangga, tetapi melukis dipelajari kerana mengembangkan mata dalam menentukan kecantikan fizikal. yang berkualiti tinggi dan dilahirkan bebas "(VIII 3, 1388 a 37 - 1388 b 4).

Dengan kata lain, objek seni, menurut Aristoteles, sama pentingnya dan berkecuali dan penting. Seni adalah bidang yang sangat spesifik, di mana tidak disebut "ya" atau "tidak", dan bagaimanapun itu selalu merupakan bidang kemungkinan penegasan dan penolakan. Ini adalah ruang lingkup ekspresif dan tindakan. Hal ini berlaku terutama untuk muzik (Politik VIII 4-5), seperti yang akan kita lihat nanti ketika mempertimbangkan inti pati muzik dan pendidikan muzik.

dalam) Bahawa cantik umumnya lebih tinggi daripada fizikal yang terbukti dari alasan Aristoteles (Etika. Nic. III 12) bahawa menyenangkan pejuang tinju menerima karangan bunga dan penghormatan, tetapi menyakitkan untuk menerima pukulan semasa perjuangan, dan tindakan berani dilakukan demi tujuan yang indah dan demi menghindari rasa malu, walaupun luka dan kematian sama sekali tidak indah atau menyenangkan. Aristotle ingin mengatakan di sini bahawa cantik itu berkesan, tetapi tidak dari segi fizikal semata-mata.

"Dalam karya seni, kesempurnaan terletak pada diri mereka sendiri, dan sudah cukup untuk karya-karya ini muncul sesuai dengan peraturan yang ada dalam seni itu sendiri" (II 3, 1105 a 27-28).

"Oleh itu, seni tidak boleh dikritik kerana fakta bahawa ia menggambarkan objek yang tidak betul, mustahil atau luar biasa. Sudah tentu, akan lebih baik jika semua yang digambarkan dalam seni itu betul-betul objektif, dan mungkin secara objektif, dan mungkin secara objektif, tetapi jika, misalnya , digambarkan seekor kuda dengan dua kaki kanan yang dikemukakan, maka pengkritik pelukis kerana ini tidak mengkritik seni lukis sama sekali, tetapi hanya ketidakkonsistenan realitinya. Subjek gambar seni bahkan mungkin secara objektif mustahil sepenuhnya .Namun, untuk puisi, yang mustahil, tetapi mungkin, lebih disukai, tetapi luar biasa "(Penyair. 25, 1460 b 6 - 1461 a 9; 11-12).

Aristoteles menganggap struktur virtuoso dari sebuah karya seni ketika dia menilai kaitan peristiwa dalam tragedi, iaitu apa yang disebutnya sebagai "mitos", dan bukan peristiwa itu sendiri. Jadi, sebagai contoh, tragedi, menurut Aristoteles, mungkin berlaku walaupun tanpa menggambarkan watak, tetapi tidak mungkin berlaku tanpa hubungan peristiwa yang dipangkas dan dinyatakan dengan jelas. Ini juga berlaku untuk semua seni yang lain.

"Tanpa tindakan, tragedi tidak mungkin, tetapi tanpa watak itu mustahil" (6, 1450 a 24-25). "Hal yang sama diperhatikan di kalangan seniman, misalnya, jika kita membandingkan Zeuxides dengan Polygnot: Polygnot adalah pelukis ciri yang baik, dan surat Zeuxides tidak mempunyai ciri khas" (27-29). "Jika seseorang menggabungkan harmoni ucapan dan kata-kata dan fikiran yang indah, dia tidak akan memenuhi tugas tragedi itu, tetapi tragedi itu akan mencapai lebih banyak lagi, walaupun ia menggunakan semua ini pada tahap yang lebih rendah, tetapi mempunyai plot dan komposisi yang tepat peristiwa "(29-33).

Akibatnya, makna artistik dari tragedi itu hanya terletak pada komposisi insiden, yaitu, dalam strukturnya, dan bukan dalam kejadian seperti itu. Perkara yang sama berlaku dalam lukisan.

"Jika seseorang mengecat cat terbaik dalam kekacauan, dia tidak dapat memberikan kesenangan seperti membuat gambar dengan kapur" (33-36).

5. Falsafah membuktikan kecukupan struktur seni.

Sayangnya, pada masa ini, kerana kekurangan ruang, kita tidak dapat sepenuhnya memberikan bukti filosofis mengenai sifat struktur kesenian, yang sebenarnya dimiliki oleh Aristoteles. Risalah pertama, yang mengikuti Kategori dalam Organon, berjudul On Interpretation. Kenyataannya adalah bahawa selain diambil dengan sendirinya, bagi seseorang selalu ada tafsiran ini atau tafsirannya, ini atau tafsirannya. Penafsiran ini, tentu saja, juga berkaitan dengan keseluruhan kosmos, diambil secara keseluruhan. Tetapi tafsiran kosmos seperti itu, seperti yang kita ketahui, adalah Minda kosmik untuk Aristoteles. Dalam risalah Aristoteles yang disebutkan di atas melindungi hak pentafsiran manusia dalam menghadapi dirinya sendiri. Tafsiran mempunyai sifat yang spesifik: tidak semua yang benar dalam dirinya sendiri adalah benar dalam berfikir; dan percanggahan yang sangat dilarang oleh Aristoteles untuk menjadi dirinya sendiri adalah mustahil dalam berfikir. Oleh itu, "menjadi" dan "tidak menjadi" adalah percanggahan yang tidak dapat diterima. Namun, dalam pemikiran, selain modaliti yang nyata dan kategoris, ada juga cara lain yang tidak masuk akal untuk membicarakan kebenaran atau kepalsuan. Inilah keseluruhan kemungkinan wujudnya. Adalah mustahil untuk mengatakannya sama ada ia benar, kerana itu belum ada, atau bahawa itu salah, kerana itu belum dikategorikan secara pasti pada tahap kemungkinan. Dan di dalam risalah ini sangat mengejutkan bahawa Aristoteles merujuk kita tepat pada puisi dan retorik untuk mempertimbangkan jenis ini, yang tidak ada yang ditegaskan atau ditolak.

Aristotle menulis:

"Tidak semua ucapan mengandungi [penghakiman], tetapi hanya yang mengandungi kebenaran atau kepalsuan sesuatu, jadi, sebagai contoh," keinginan "(mata) adalah ucapan, tetapi tidak benar atau salah. Selebihnya jenis ucapan dihilangkan di sini, kerana kajian mereka lebih sesuai dengan retorik atau puisi; hanya pertimbangan (logo apophanticos) yang berkaitan dengan pertimbangan sekarang "(De interpret. 4, 17 a 2-7).

Oleh itu, kemustahilan menerapkan pertimbangan positif atau negatif terhadap seni dibuktikan oleh Aristoteles dalam salah satu risalah terpenting dari falsafah teorinya. Makhluk artistik adalah dan tidak. Ini hanya kemungkinan, hanya bermasalah, hanya diberikan dan dikenakan biaya, tetapi sama sekali tidak ada sistem penilaian mengenai positif, atau negatif. Itu hanya ekspresi itu sendiri, dan tidak lain.

Semua pertimbangan di atas dari Aristoteles dan mengenai Aristoteles yang diberikan di atas dapat, di mata orang lain, mengurangkan keseluruhan pengajaran Aristoteles tentang seni menjadi formalisme yang kosong dan tidak bermakna. Ini sama sekali tidak bermaksud memahami estetika Aristoteles. Faktanya adalah bahawa semua "kemungkinan" artistik ini, "berkecuali" dan, secara umum, modaliti tertentu (dan kita telah membicarakannya berkali-kali) bukan bentuk, berbeza dengan kandungan, kerana, memang benar, tidak kandungan tanpa bentuk, tetapi itu, dalam bentuk apa dan isi yang dikenal pasti, dalam apa yang mereka tidak berbeza antara satu sama lain, dan dalam apa yang mereka wujud dan yang tidak bergabung sehingga mereka sama sekali tidak dapat dibezakan. Lalu bagaimana seseorang dapat mengatakan bahawa Aristoteles hanya meminati seni dalam salah satu bentuknya dan hanya dalam salah satu strukturnya?

Keseluruhan bab ke-17 "Puisi" dikhaskan khusus untuk persoalan reka bentuk seni yang khusus.

"Tragedi," kata Aristoteles, "harus ditulis agar paling jelas, meyakinkan dan adegan penyusunnya paling mudah difahami. Yang paling menarik dari semua adalah penyair yang mengalami perasaan yang sama. Kemarahan adalah orang yang benar-benar marah. Akibatnya, puisi adalah baik dari seseorang yang kaya dengan sifat semula jadi, atau orang yang mudah marah. Yang pertama dapat bereinkarnasi, yang terakhir - untuk masuk ke dalam ekstasi "(17, 1455 30- 34).

Jadi, di manakah formalisme Aristoteles ketika ia menggambarkan inti pati karya seni?

Di atas, sudah cukup banyak yang diperkatakan mengenai kategori estetik Aristotelian "formal" seperti "permulaan", "tengah" dan "akhir". Kami sudah berusaha membuktikan di sini bahawa di sini Aristoteles tidak mempunyai formalisme, tetapi hanya cara persepsi plastik tentang ukiran dunia. Mari kita lihat apa yang dikatakan oleh Aristoteles mengenai konsep zaman dan tentang kesenangan estetik yang kita dapat dengan tepat kerana susunan strukturnya:

"Saya menyebut titik sebagai ungkapan yang dengan sendirinya mempunyai awal, tengah dan akhir dan dimensi yang mudah diperhatikan. Gaya ini menyenangkan dan dapat difahami; itu menyenangkan kerana ia adalah kebalikan dari ucapan yang belum selesai, dan pendengar selalu nampaknya memahami sesuatu. dan sesuatu itu sudah berakhir baginya, dan tidak menjangka apa-apa dan tidak sampai pada sesuatu tidak menyenangkan. "Ucapan seperti itu dapat difahami kerana senang diingat, dan ini disebabkan oleh kenyataan bahawa ucapan berkala mempunyai angka, tetapi jumlahnya lebih mudah diingat. Itulah sebabnya setiap orang mengingat puisi lebih baik daripada prosa, kerana puisi mempunyai angka yang diukurnya "(Rhet. III 9, 1409 a 35 - 1409 b 8).

Mari kita tanyakan di sini, di manakah formalisme estetik Aristoteles dalam menilai karya seni?

Aristoteles, sebagai seorang moralis, menentang semua ekstrem dan di mana-mana sahaja mengajarkan pertengahan, kesederhanaan. Tetapi mengenai objek seni, dia tidak tahu jalan tengah dan tidak ada kesederhanaan.

"Kesederhanaan harus diperhatikan dalam keseronokan tubuh yang lebih rendah, tetapi tidak dalam keseronokan dari warna gambar, dari mendengarkan komposisi muzik dan dari bau yang lembut." "Kami tidak memanggil orang-orang sederhana atau tidak berpengalaman yang menikmati pemandangan, seperti bunga, atau bentuk, atau gambar, walaupun, mungkin, bagi orang-orang seperti itu, ada kesenangan yang normal, berlebihan dan tidak mencukupi. Perkara yang sama harus dikatakan mengenai kesenangan pendengaran: tidak ada yang akan memanggil mereka yang terlalu banyak menikmati melodi dan pertunjukan teater, atau mereka yang menikmatinya secara sederhana adalah sederhana. Begitu juga dengan pencinta aroma, menikmati aroma buah-buahan, mawar, atau ramuan merokok "(Etika. III III, 1118 a 1-9).

Sikap seni seperti itu tidak boleh disebut formalistik apabila kemungkinan "tidak ada orang yang mengetahui ukuran perendaman dalam warna dan bentuk, dalam lukisan, muzik, dan bahkan kemenyan diberitakan. dalam risalah lain, dan bahkan dalam bentuk yang lebih terperinci (Etika. Eud. III 2, 1230 b 31).

7. Bahaya memodenkan ajaran Aristoteles mengenai seni.

Mengkaji semua bahan seni Aristoteles sebelumnya dan berusaha menganalisanya dari sudut kekhususan seni, kami benar-benar menemui sejumlah kejutan yang biasanya tidak ada dalam pameran estetika Aristoteles. Perbezaan antara makhluk dinamik dan makhluk murni boleh menyebabkan kebingungan di antara banyak orang. Lagipun, ternyata tidak lebih dan tidak kurang dari kenyataan bahawa makhluk artistik tidak positif atau negatif, bahawa ia tidak mengatakan "ya" atau "tidak", bahawa ia adalah neutral, dan bahawa ia akhirnya mempunyai akarnya dalam bidang subjektif artis kreatif. Pada masa yang sama, sangat mudah untuk keliru dan meletakkan estetika Aristoteles pada bidang yang sama dengan bentuk pemikiran idealistik nihilistik moden yang menemukan ungkapan yang jelas bagi diri mereka dalam epistemologi Mach dan Avenarius. Nampaknya, pengarang yang melakukan begitu banyak untuk menerangkan estetika Aristotelian dan menganggapnya dalam bidang teori Eropah dan Amerika moden cenderung kepada kedudukan yang salah ini - V. Tatarkevich 159. Dia banyak memerhatikan Aristoteles yang jauh melebihi pemahaman tradisional dan persembahan Aristoteles; dia mengutip banyak teks seperti itu dari Aristoteles, yang memainkan peranan penting di negara kita juga (tetapi hanya kita mempunyai banyak kali teks ini). Tesis utama V. Tatarkevich muncul tepat pada kenyataan bahawa Aristoteles didakwa mengajar tentang bidang seni yang netral, bagaimana dia, menurut pengarang ini, dan sangat berbeza dengan semua falsafah kuno (tidak termasuk Cicero) dan bagaimana dia pasti dekat dengan kemodenan kita. Kami juga memberikan pengajaran yang dikembangkan di atas mengenai sifat minda yang dinamis dan bertenaga dalam falsafah Aristoteles dan juga memetik teks mengenai keutamaan subjektiviti berbanding objektif yang ada dalam teori seni Aristoteles. Walau bagaimanapun, keseluruhan aspek estetika Aristoteles ini tidak semestinya mengaburkan kita dan semua perkara lain yang kita dapati di dalamnya.

Sekiranya Aristoteles benar-benar memberitakan teori semacam ini, maka V. Tatarkevich akan benar bahawa Aristoteles sama sekali tidak kuno, tetapi kontemporari bagi kita sebagai teori seni. Tetapi kajian dekat Aristoteles menunjukkan bahawa elemen "Machian" ini mesti digabungkan secara tepat dan tanpa syarat dengan ontologisme antik umum Aristoteles, dan kekhususannya terhadap karya seni harus digabungkan dengan ajaran kuno umum mengenai seni, alam dan makhluk. Fikiran, yang diajarkan oleh Aristoteles, bukan hanya tidak bertentangan dengan konsep dinamik-energetik ini, tetapi, seperti yang telah kita buktikan berkali-kali, di sini Aristoteles memiliki kesatuan tanpa syarat dan ontologismenya sama sekali tidak menderita dari ini. Untuk gambaran fakta keadaan, kita sekarang tidak akan masuk ke dalam penalaran teoritis, yang mana kita telah mempunyai banyak halaman yang diperuntukkan, tetapi kita hanya akan menyentuh dua soalan yang lebih sempit, di mana paling mudah untuk memerhatikan zaman kuno Aristoteles kepada pemahaman pasif mengenai subjek manusia, walaupun, menurut Aristoteles, dalam subjek manusia itulah yang mesti disebut seni itu berakar.

dan) Sekiranya kita bertanya bagaimana ahli falsafah kuno seperti itu, dan ensiklopedis yang luar biasa, dapat merasakan keseluruhan elemen seni dalam diri kita, kita akan kagum dengan kelesuan dan pasif sikap yang sesuai. Di Aristoteles, di sini, seperti di tempat lain pada zaman kuno, istilah entoysiasmos muncul, "semangat", yang, bagaimanapun, bukan semangat dalam pengertian kita, melainkan beberapa kegembiraan yang penuh semangat, inspirasi afektif Aristoteles mendefinisikannya dengan cara ini: "Antusiasme adalah pengaruh dari susunan etika dalam jiwa kita" (Polit. VIII 5, 1340 a 11-12), dan etos, "etos" di sini mesti difahami bukan dalam arti etika, tetapi dengan cara yang sama seperti bahasa Perancis dan Inggeris pada zaman moden dan moden memahami istilah "moral", iaitu, dalam erti kata psikologi yang luas. Keghairahan ini, yang sebenarnya banyak difikirkan oleh ahli falsafah mengenai muzik, dianggap olehnya sangat sederhana dan tenang. Semangat, kegembiraan tentu saja bagus. Dari seorang penyair kecil, Marak dari Syracuse, Aristotle mengatakan (Probl. XXX 1, 954 a 38-39) bahawa dia "akan menjadi penyair yang lebih baik jika dia berada dalam ekstasi." Tetapi Aristoteles menolak semua bentuk semangat yang melampau, menganggapnya sebagai penyakit. Gembira seperti Hercules, yang membunuh anak-anaknya, atau Ajax, yang membunuh domba dan bukannya Atrides, mempunyai semua tanda penyakit bagi Aristoteles. Risalah yang sama (36-38) memberi semata-mata fisiologi penjelasan mengenai keadaan gembira. Sebagai contoh, Sibyls dan Bakids bertindak berdasarkan pelupusan morbid semula jadi. Hempedu hitam, diet tidak sihat dan sebagainya adalah sebab "semangat" ini. Di antara "melankolik" Aristoteles itu merangkumi banyak ahli falsafah, termasuk Empedocles, Socrates dan Plato (953 a 27-32). Daripada keadaan yang tidak wajar ini, Aristoteles memberikan nasihat yang sangat baik kepada penulis, seperti yang kita dapati, sebagai contoh, dalam bab Puisi ke-17:

"Semasa menyusun mitos dan memproses bahasa mereka, adalah perlu untuk menghadirkan acara sedekat mungkin di depan mata anda. Dalam keadaan ini, penyair, melihatnya dengan jelas dan seolah-olah hadir semasa perkembangannya, dapat menemukan yang sesuai dan terbaik dari semua perhatikan percanggahannya "(1455 a 22-26).

Ini adalah nasihat yang sangat tenang dan bernas, meletakkan soalan mengenai inspirasi berdasarkan realistik dan psikologi.

b) Soalan mengenai fantasi. Kami mendapati sifat pasif dalam pengertian ini juga di Plato. Inilah semua ciri Aristoteles, yang cuba memberikan analisis psikologi yang serius di sini. Di bawah pengaruh ekstasi, orang sering salah mengira gambar representasi mereka sendiri untuk kenyataan: "Mereka mengatakan bahawa gambaran representasi (phantasmata) adalah nyata dan bahawa mereka mengingatnya" (De memor. 1, 450 b 10-11). Secara amnya, fantasi jauh lebih lemah daripada sensasi deria sebenar. Di Rhet. I 11, 1370 a 28-29 Aristotle secara langsung menyatakan: "Perwakilan (phantasia) adalah sejenis sensasi yang lemah." Walau bagaimanapun, sikap pasif ini tidak boleh membayangi sisi lain yang sangat penting.

dalam) Kenyataannya adalah bahawa Aristoteles, menentang Plato mengenai persoalan idea, seperti yang kita sudah tahu, sebenarnya tidak menafikan adanya idea, tetapi hanya menempatkannya secara tidak langsung dalam sesuatu perkara, dalam kenyataan. Immanentisme ini tidak dapat difahami secara kasar. Ini hanya membawa kepada fakta bahawa idea, yang disatukan dengan perkara itu, mendapat lebih banyak lukisan semantik kompleks, menjadi bentuk ekspresif, tanpa berhenti menjadi makna murni. Inilah kunci untuk "chtoiness" Aristotelian, atau "bentuk", "eidos". Kita melihat simbolisme yang sama di Aristoteles dan psikologinya. Jiwanya dianggap sebagai bentuk tubuh yang suci, tetapi wujud "bukan tanpa badan" (De an. II 2, 414 a 5-22), oleh karena itu, adalah ekspresi semantik tubuh (415 b 7-27). Persepsi deria mempunyai eidos tulen, tetapi bukan tanpa perkara (417 b 28 - 418 a 6). Akhirnya, pengajaran yang sama adalah relatif berfikir. Menurut Aristoteles, pemikiran berada dalam keadaan yang sama dengan persepsi deria, yaitu, keadaan pasif di bawah pengaruh orang yang dapat difikirkan (III 4, 429 a 13-15). Tetapi pemikiran itu sendiri tepat sehingga tidak menimbulkan kasih sayang, dan oleh itu akal itu sendiri, secara tegas, berada di luar penderitaan. Ini mengandungi eidos, dan merupakan potensi segala sesuatu yang dapat dibayangkan. Sebagai pemikir semua, dia tidak mengandung kekotoran dalam dirinya. Dia hanya kekuatan pemikiran yang lengkap. Dan dia sama sekali tidak mempunyai bahagian dalam badan, kerana jika tidak, dia akan menjadi panas atau sejuk dan akan mempunyai sejenis organ. Dia - tempat eidos, dan di atas semua potensi. Pemikiran yang dikembangkan telah mewujudkan daya fikir; di sini - entelechy eidos (429 a 15 - b 10). Tetapi akal tidak hanya suci dan aktif. Dia juga menderita kerana tidak selalu berfikir. Oleh kerana akal itu sendiri, ia berfikir sendiri, bebas dari apa-apa yang masuk akal - ia adalah pemikiran tentang pemikiran, dan, oleh itu, ia sendiri ungkapan menjumpai di kesedaran diri (dalam kes ini, pemikiran dan pemikiran sama, 430 a 3-5). Sejauh yang dia fikirkan sebaliknya, kerana dipengaruhi oleh yang lain, dia mendapati ekspresinya masuk pemikiran kiasan, atau, lebih baik, secara intuitif yang direalisasikan melalui perwakilan mental pemikiran khusus.

Di sini antinomi sukarela yang sama diulang di Aristoteles, yang dapat kita nyatakan dalam masalah lain: jiwa bukan jasad, tetapi tidak tanpa jasad; sensasi bukan pergerakan, tetapi tidak tanpa pergerakan. Berkaitan dengan fikiran, Aristoteles secara langsung mengatakan: "Jiwa tidak pernah berfikir tanpa gambar" (aney phantasmatos) (III 7, 431 a 16-17), dan gambar membawa "perubahan" yang sama ke dalam pemikiran, atau, menurut kami tafsiran, "ekspresi" apa persekitaran cahaya yang sesuai menyumbang kepada warna secara umum.

"Prinsip berfikir berfikir eidos dalam gambar" (413 b 2).

"Oleh kerana, memang, tidak ada satu pun yang akan ada secara terpisah dari (kuantitinya) yang dapat dilihat secara sensual, yang dapat difikirkan diberikan dalam eidos terasa, sementara benda yang disebut abstrak dan yang berkaitan dengan keadaan dan Oleh itu - tidak ada yang merasakan secara sensual tidak dapat mengenali atau memahami apa-apa, dan ketika dia merenung secara mental, dia harus secara serentak merenung gambaran imajinasi tertentu (phantasma), kerana imej ini wujud seperti gambar persepsi (hösper aithёmata), kecuali untuk perkara [yang wujud dalam perkara terakhir] ini. Oleh kerana khayalan berbeza dengan penegasan dan penolakan, maka kebenaran atau kepalsuan adalah ini atau gabungan pemikiran. Tetapi bagaimana pemikiran utama berbeza dengan gambaran deria? Sudah tentu, ia bukan [sekadar] gambar lain, tetapi mereka - bukan tanpa gambar " (III 8, 432 a 3-14).

Minda "suci" (III 5, 430 a 18, dll.), "Eidos of eidos" (III 8, 432 a 1), bukanlah sesuatu yang bergerak (III 9, 432 b 26-27) dan bahkan tidak jiwa sama sekali (II 2, 414 a 4-14), dan sebaliknya, bertenaga tidak mungkin tanpa rasa sensasi. Berikut adalah pengulangan lengkap mengenai masalah yang kita nyatakan secara umum dalam Metafizik: eidosis bukan fakta, tetapi mereka mempunyai makna yang nyata hanya dalam perkara-perkara di mana mereka mendapat ungkapan terakhir mereka. Dan sama ada tenaga adalah ekspresif yang bermakna yang diberikan secara simbolik dalam sesuatu perkara, maka di sini pemikiran diberikan secara simbolik dalam gambar sensual, semua ekspresif yang sama makna.

d) Tidak sukar untuk melihat betapa tipisnya cetakannya pasif terletak pada semua estetika deskriptif simbolik Aristoteles ini. Baginya, fantasi adalah hubungan yang sangat seimbang dan tenang antara pemikiran murni dan citra sensual, yang mengubah pemikiran murni menjadi gambaran dan ekspresi bergambar, dan menjadikan gambaran sensual dari orang buta dan pekak secara telus simbolik dan artistik. Hubungan ini, tentu saja, adalah asas: ia disokong oleh semua estetika pada halaman pertama kajian mereka mengenai psikologi seni. Socrates menuntut hal yang sama, seperti yang kita tahu, dari para seniman; Plato sengaja menggunakan "sensuality" dalam membina "mitos yang mungkin" di Timaeus; Plotinus juga akan mengingat Fikirannya yang murni dengan tanda-tanda badan, dan sebagainya. dan lain-lain. Tetapi semua estetika kuno memahami hubungan asas ini. secara pasif dalaman, kontemplatif, "klasik"; Aristoteles, berbeza dengan konstruksi dialektik Platonisme dalam bidang kesedaran diri (bentuk matang - dalam Plot. V 3) dan berbeza dengan naturalisme Stoic-Epicurean ("aliran keluar", "atom jiwa", dll.) , memberi ekspresif-semantik perihalan fantasi, memberikan fenomenologi ekspresif kesedaran pasif-plastik antik umum artis ini.

Konsep seni

Perkataan itu " seni " dalam bahasa Rusia dan dalam banyak bahasa lain, ia digunakan dalam dua deria:

• dalam sempit akal, ia adalah bentuk khusus penguasaan praktikal-spiritual dunia;
• dalam luas - tahap keterampilan, keterampilan tertinggi, tanpa mengira bagaimana mereka dimanifestasikan (seni pembuat kompor, doktor, tukang roti, dll.).

- subsistem khas bidang spiritual kehidupan sosial, yang merupakan penghasilan semula realiti kreatif dalam gambar seni.

Pada mulanya, seni dipanggil kemahiran tinggi dalam perniagaan apa pun. Makna perkataan ini masih ada dalam bahasa ketika kita membicarakan seni doktor atau guru, mengenai seni mempertahankan diri atau pidato. Kemudian, konsep "seni" mula digunakan untuk menggambarkan aktiviti khas yang bertujuan untuk mencerminkan dan mengubah dunia sesuai dengan norma estetik, iaitu mengikut undang-undang kecantikan. Pada masa yang sama, makna asal perkataan telah terpelihara, kerana kemahiran tertinggi diperlukan untuk membuat sesuatu yang indah.

Subjek seni adalah dunia dan manusia dalam keseluruhan hubungan mereka antara satu sama lain.

Bentuk kewujudan seni - karya seni (puisi, lukisan, bermain, filem, dll.).

Seni juga menggunakan khas bermaksud untuk pengeluaran semula realiti: untuk sastera itu adalah kata, untuk muzik - suara, untuk seni rupa - warna, untuk arca - kelantangan.

tujuan seni dua kali ganda: bagi pencipta itu adalah ekspresi diri artistik, untuk penonton - kenikmatan keindahan. Secara amnya, kecantikan berkait rapat dengan seni seperti kebenaran dengan sains dan kebaikan adalah dengan moral.

Seni adalah komponen penting dalam budaya kerohanian manusia, suatu bentuk kognisi dan refleksi dari realiti seseorang. Dari segi potensi untuk memahami dan mengubah realiti, seni tidak kalah dengan sains. Walau bagaimanapun, cara memahami dunia oleh sains dan seni adalah berbeza: jika sains menggunakan konsep yang ketat dan jelas untuk ini, maka seni -.

Kesenian sebagai seni yang bebas dan sebagai cabang pengeluaran rohani tumbuh dari pengeluaran bahan, pada awalnya ditenun ke dalamnya sebagai momen estetik, tetapi semata-mata bermanfaat. seorang seniman secara semula jadi, dan di mana sahaja dia berusaha untuk membawa keindahan dalam satu atau lain cara. Kegiatan manusia estetik selalu ditunjukkan dalam kehidupan seharian, kehidupan sosial, dan bukan hanya dalam seni. Sedang berlaku penerokaan estetik dunia orang awam.

Fungsi seni

Seni membuat siri fungsi awam.

Fungsi seni dapat dibezakan, merangkum apa yang telah diperkatakan:

• fungsi estetik membolehkan anda menghasilkan semula kenyataan mengikut undang-undang keindahan, membentuk rasa estetik;
• fungsi sosial menampakkan dirinya dalam kenyataan bahawa seni mempunyai kesan ideologi kepada masyarakat, sehingga mengubah realiti sosial;
• fungsi pampasan membolehkan anda mengembalikan keseimbangan mental, menyelesaikan masalah psikologi, "melepaskan diri" sebentar dari kehidupan seharian yang kelabu, mengimbangi kekurangan kecantikan dan keharmonian dalam kehidupan seharian;
• fungsi hedonik mencerminkan kemampuan seni untuk memberikan kesenangan kepada seseorang;
• fungsi kognitif membolehkan anda menyedari realiti dan menganalisanya dengan bantuan gambar seni;
• fungsi ramalan mencerminkan kemampuan seni membuat ramalan dan meramal masa depan;
• fungsi pendidikan memanifestasikan dirinya dalam kemampuan karya seni untuk membentuk keperibadian seseorang.

Fungsi kognitif

Pertama sekali adalah kognitif fungsi. Karya seni adalah sumber maklumat yang berharga mengenai proses sosial yang kompleks.

Sudah tentu, tidak semua perkara di dunia di sekitar kita berminat dengan seni, dan jika ada, maka pada tahap yang berbeza-beza, dan pendekatan seni terhadap objek kognitifnya, perspektif penglihatannya, sangat spesifik dibandingkan dengan bentuk kesedaran sosial yang lain. Objektif utama pengetahuan dalam seni sentiasa ada dan kekal. Itulah sebabnya seni pada umumnya dan, khususnya, fiksyen disebut kajian manusia.

Fungsi pendidikan

Pendidikan fungsi - keupayaan untuk memberi kesan penting pada pembentukan ideologi dan moral seseorang, peningkatan diri atau kejatuhannya.

Namun, fungsi kognitif dan pendidikan tidak khusus untuk seni: bentuk kesedaran sosial yang lain juga melaksanakan fungsi-fungsi ini.

Fungsi estetik

Fungsi khas seni, yang menjadikannya seni dalam arti sebenarnya dari kata itu, adalah fungsi estetik fungsi.

Memahami dan memahami karya seni, kita tidak hanya mengasimilasikan kandungannya (seperti kandungan fizik, biologi, matematik), tetapi kita menyampaikan isi ini melalui hati, emosi, memberikan gambaran konkrit sensual yang dibuat oleh artis penilaian estetika yang indah atau jelek, luhur atau dasar, tragis atau komik. Seni membentuk dalam diri kita kemampuan untuk memberikan penilaian estetik seperti itu, untuk membezakan yang benar-benar indah dan indah dari semua jenis ersatz.

Fungsi Hedonik

Kognitif, pendidikan dan estetika disatukan dalam seni. Berkat momen estetik, kami menikmati kandungan karya seni, dan dalam proses kesenangan itulah kami dapat diberi pencerahan dan didikan. Dalam hal ini, mereka membincangkan hedonistik (diterjemahkan dari bahasa Yunani - kesenangan) fungsi seni.

Selama berabad-abad dalam sastera sosio-falsafah dan estetika terdapat perselisihan mengenai hubungan antara keindahan dalam seni dan realiti. Dalam kes ini, terdapat dua kedudukan utama. Menurut salah seorang dari mereka (di Rusia ia disokong oleh N.G. Chernyshevsky) keindahan dalam kehidupan selalu dan dalam semua aspek lebih tinggi daripada keindahan dalam seni. Dalam kes ini, seni muncul sebagai salinan watak khas dan objek realiti itu sendiri dan pengganti untuk realiti. Jelas sekali, konsep alternatif lebih disukai (G.V.F. Hegel, A.I. Herzen, dll.): Keindahan dalam seni lebih tinggi daripada keindahan dalam kehidupan, kerana artis melihat dengan lebih tepat dan lebih dalam, merasa lebih kuat dan lebih cerah, dan itulah sebabnya dia dapat memberi inspirasi kepada seni orang lain. Jika tidak (sebagai pengganti atau bahkan pendua), seni tidak akan diperlukan oleh masyarakat.

Karya seni, menjadi perwujudan subjek genius manusia, menjadi spiritual dan nilai terpenting yang diturunkan dari generasi ke generasi, milik masyarakat estetik. Menguasai budaya dan pendidikan estetika adalah mustahil tanpa terlibat dalam seni. Dalam karya seni berabad-abad yang lalu, dunia kerohanian ribuan generasi ditangkap, tanpa menguasai mana seseorang tidak dapat menjadi orang dalam arti sebenarnya dari perkataan itu. Setiap orang adalah sejenis jambatan antara masa lalu dan masa depan. Dia harus menguasai apa yang ditinggalkan oleh generasi lalu, memahami secara kreatif pengalaman spiritualnya, memahami pemikiran, perasaan, kegembiraan dan penderitaan, naik turun, dan menyampaikan semua ini kepada keturunan. Inilah satu-satunya cara sejarah bergerak, dan dalam gerakan ini pasukan besar milik seni, yang menyatakan kerumitan dan kekayaan dunia rohani seseorang.

Jenis seni

Bentuk seni utama adalah istimewa sinkretik (aktiviti tidak kreatif) kompleks aktiviti kreatif. Bagi lelaki primitif, tidak ada muzik, sastera, atau teater yang terpisah. Semuanya disatukan dalam satu tindakan ritual. Kemudian, jenis seni tertentu mula menonjol dari tindakan sinkretik ini.

Jenis seni - ini adalah bentuk-bentuk refleksi artistik dunia yang dibuat secara historis, menggunakan kaedah khas untuk membina gambar - suara, warna, pergerakan badan, perkataan, dll. Setiap jenis seni mempunyai varietas tersendiri - genre dan genre, yang bersama-sama memberikan pelbagai sikap artistik terhadap realiti. Mari kita pertimbangkan secara ringkas jenis seni utama dan beberapa jenisnya.

Sastera menggunakan kaedah lisan dan bertulis untuk membina gambar. Terdapat tiga jenis sastera utama - drama, puisi epik dan lirik, dan banyak genre - tragedi, komedi, novel, cerita, puisi, elegy, cerita, esei, feuilleton, dll.

Muzik menggunakan alat bantu suara. Muzik dibahagikan kepada vokal (bertujuan untuk menyanyi) dan instrumental. Genre muzik - opera, symphony, overture, suite, romance, sonata, dll.

Tarian menggunakan kaedah pergerakan plastik untuk membina gambar. Memperuntukkan ritual, rakyat, ballroom,

tarian moden, balet. Arahan dan gaya tarian - waltz, tango, foxtrot, samba, polonaise, dll.

Mengecat memaparkan realiti pada satah dengan warna. Genre lukisan - potret, kehidupan diam, lanskap, dan juga setiap hari, haiwan (gambar haiwan), genre sejarah.

Senibina membentuk persekitaran ruang dalam bentuk struktur dan bangunan untuk kehidupan manusia. Ia dibahagikan kepada kediaman, awam, taman dan taman, perindustrian, dll. Terdapat juga gaya seni bina - Gothic, Baroque, Rococo, Art Nouveau, Classicism, dll.

Arca mencipta karya seni yang mempunyai isipadu dan bentuk tiga dimensi. Arca berbentuk bulat (patung, patung) dan relief (gambar cembung). Dari segi ukuran, ia dibahagikan kepada easel, hiasan dan monumental.

seni dan kraf berkaitan dengan keperluan aplikasi. Ini termasuk benda seni yang dapat digunakan dalam kehidupan seharian - pinggan, kain, alat, perabot, pakaian, perhiasan, dll.

Teater menganjurkan persembahan pentas khas menerusi lakonan pelakon. Teater boleh menjadi drama, operatik, boneka, dll.

Sarkas menyajikan aksi yang luar biasa dan menghiburkan dengan angka yang tidak biasa, berisiko dan lucu dalam arena khas. Ini adalah akrobatik, aksi penyeimbang, gimnastik, menunggang kuda, juggling, trik sulap, pantomim, badut, latihan haiwan, dll.

Pawagam adalah pengembangan persembahan teater berdasarkan kaedah audiovisual teknikal moden. Jenis-jenis sinematografi merangkumi fiksyen, dokumentari, animasi. Filem komedi, drama, melodramas, filem pengembaraan, kisah detektif, thriller, dan lain-lain dibezakan mengikut genre.

Gambar itu menangkap gambar visual dokumentari menggunakan kaedah teknikal - optik dan kimia atau digital. Genre fotografi sesuai dengan genre lukisan.

Pentas merangkumi bentuk seni persembahan kecil - drama, muzik, koreografi, ilusi, aksi sarkas, persembahan asli, dll.

Untuk jenis seni yang disenaraikan, anda boleh menambahkan grafik, seni radio, dll.

Untuk menunjukkan ciri umum pelbagai jenis seni dan perbezaannya, dicadangkan pelbagai alasan untuk klasifikasinya. Jadi, ada jenis seni:

• dengan jumlah kaedah yang digunakan - sederhana (lukisan, patung, puisi, muzik) dan kompleks, atau sintetik (balet, teater, pawagam);
• sesuai dengan hubungan antara karya seni dan realiti - bergambar, menggambarkan realiti, menyalinnya, (lukisan realistik, patung, fotografi), dan ekspresif, di mana fantasi dan imaginasi artis mencipta realiti baru (hiasan, muzik);
• berkaitan dengan ruang dan masa - spasial (seni visual, patung, seni bina), temporal (sastera, muzik) dan ruang-waktu (teater, pawagam);
• menjelang masa kejadian - tradisional (puisi, tarian, muzik) dan baru (fotografi, pawagam, televisyen, video), biasanya menggunakan cara teknikal yang agak kompleks untuk membina gambar;
• sesuai dengan tahap penerapan dalam kehidupan seharian - diterapkan (seni dan kerajinan) dan anggun (muzik, tarian).

Setiap spesies, genre atau genre mencerminkan sisi atau aspek kehidupan manusia yang khas, tetapi secara bersama-sama, komponen seni ini memberikan gambaran seni yang menyeluruh tentang dunia.

Keperluan untuk penciptaan artistik atau keseronokan karya seni meningkat dengan pertumbuhan tahap budaya seseorang. Seni menjadi lebih diperlukan apabila seseorang dari keadaan binatang.