Lukisan lewat oleh sandro botticelli Persepsi perbandingan dua lukisan oleh Botticelli "The Coffin" Gambar Botticelli The Coffin

Sandro Botticelli adalah pelukis Eropah pertama yang tidak menjumpai dosa wanita telanjang. Dia bahkan melihat di dalamnya sebuah kiasan untuk suara Tuhan

1 VENUS... Menurut mitos kuno, penguasa pertama dunia - dewa langit Uranus dikebiri oleh anaknya sendiri, Kronos. Titisan darah Uranus jatuh ke laut dan membentuk busa, dari mana Venus berdiri di cangkang dilahirkan. Dalam lukisan Botticelli, dia dengan malu menutupi dada dan dadanya. Petrochuk menyebutnya "isyarat kesucian menggoda." Pengkritik seni percaya bahawa model untuk gambaran Venus adalah Simonetta Vespucci, kecantikan Florentine pertama, yang dikasihi oleh adik Lorenzo Medici, Giuliano. Dia meninggal dunia semasa hidupnya kerana pengambilan.
2 SINK - simbol rahim wanita, dari mana Venus muncul.
3 Marshmallow - dewa angin musim bunga barat. Neoplatonis mengenalinya dengan Eros - dewa cinta. Dalam mitos Venus, Zephyr, dengan nafasnya, mengarahkan cangkang itu dengan dewi ke pulau Siprus, di mana dia menginjakkan kaki ke bumi.
4 FLORA - isteri Zephyr, dewi bunga. Penyatuan Zephyr dan Flora sering dipandang sebagai alegori kesatuan cinta duniawi (Flora) dan rohani (Zephyr).
5 ROSE - simbol cinta dan cinta penderitaan yang disebabkan oleh duri.
6 KAMYSH - simbol kesopanan Venus, yang nampaknya malu dengan keindahannya.
7 OPA TALLO (BUNGA) - salah satu daripada empat op, anak perempuan Zeus dan Themis. Ores bertanggungjawab untuk ketertiban di alam dan melindungi musim yang berbeza. Tallo "mengikuti" musim bunga dan oleh itu dianggap sebagai pendamping Venus.
8 KERETA - simbol kesuburan, kerana ia tumbuh di antara roti yang masak.
9 Ivy - tanaman ini, "memeluk" batang pokok, melambangkan kasih sayang dan kesetiaan.
10 KELUARGA - tumbuhan yang dikhaskan untuk Venus (menurut kisah penyair Rom kuno Ovid, ketika dewi cinta menginjakkan kaki di tanah Siprus, dia menutup auratnya dengan myrtle) dan oleh itu dianggap sebagai simbol kesuburan lain.
11 MANTLE SCARLET - simbol kekuatan ilahi yang dimiliki keindahan di seluruh dunia.
12 MARGARITA - simbol tidak bersalah dan suci.
13 ANEMON - simbol cinta tragis, cawan yang harus diminum Venus di bumi. Menurut mitos, Venus jatuh cinta dengan gembala Adonis yang menggemaskan. Tetapi cinta itu tidak lama: Adonis mati ketika memburu taring babi hutan. Dari air mata yang ditumpahkan dewi ke atas badan kekasihnya, anemon dilahirkan.
14 PULAU ORANGE - melambangkan harapan untuk hidup kekal (oren adalah tanaman malar hijau).

Daya tarik Botticelli terhadap rancangan kafir, dan walaupun dengan bogel, mungkin, pada pandangan pertama, kelihatan aneh: pada awal tahun 1480-an, artis itu seolah-olah mengabdikan diri pada seni Kristian. Pada tahun 1481-1482, Sandro melukis Kapel Sistine di Rom, dan pada tahun 1485 dia membuat kitaran Theotokos: "Madonna and Child", "Madonna Magnificat" dan "Madonna with a Book". Tetapi ini adalah percanggahan luaran. Faktanya adalah, dari segi pandangan dunia, Botticelli dekat dengan Neoplatonis Florentine, lingkaran yang diketuai oleh ahli falsafah Marsilio Ficino, yang berusaha mensintesis kebijaksanaan kuno dengan doktrin Kristian.

Menurut idea-idea Neoplatonis, Tuhan yang tidak dapat dimengerti terus-menerus menjelma dirinya dalam keindahan duniawi, baik kecantikan jasmani atau rohani - satu tidak mungkin tanpa yang lain. Oleh itu, dewi kafir di kalangan Neoplatonis menjadi kiasan suara Tuhan, membawa kepada orang-orang penyataan yang indah, di mana jiwa itu diselamatkan. Marsilio Ficino menyebut Venus sebagai nim kemanusiaan, “dilahirkan dari syurga dan lebih dari yang lain yang dikasihi oleh Tuhan Yang Maha Tinggi. Jiwanya adalah inti pati Cinta dan Rahmat, matanya adalah Martabat dan Keagungan, tangannya adalah Kemurahan hati dan Kemuliaan, kakinya adalah Kebaikan dan Kesopanan. "

Sintesis agama Kristian dan paganisme seperti ini juga terdapat dalam karya Botticelli. "Komposisi 'Kelahiran Venus'," tulis sejarawan seni Olga Petrochuk, "dengan cara yang luar biasa ... menyimpulkan isi mitos kuno dalam skema" Pembaptisan "murni Kristian abad pertengahan. Penampilan dewi kafir dengan demikian disamakan dengan kelahiran semula jiwa - telanjang, seperti jiwa, dia muncul dari perairan pembaptisan yang menghidupkan ... Artis memerlukan banyak keberanian dan tidak ada penemuan kecil juga, untuk ganti sosok Kristus dengan ketelanjangan wanita muda yang berjaya - mengganti idea keselamatan dengan pertapa untuk idea kedaulatan Eros ... Bahkan alkitabiah "Roh Tuhan berlegar-legar di atas perairan" di sini disamakan tidak kurang dengan nafas Eros, yang diwujudkan oleh angin yang terbang di atas laut. "

"Venus" Botticelli - gambar pertama tubuh wanita yang telanjang, di mana kebogelan tidak melambangkan dosa asal (seperti, misalnya, dalam gambar Hawa). Dan siapa tahu, jika bukan kerana gambar seorang artis yang berani, Giorgione's Sleeping Venus (c. 1510) atau Titian's Venus of Urbino (1538) akan dilahirkan?

Sandro Botticelli Sandro Botticelli memegang tempat yang istimewa dalam seni Renaissance Itali. Seorang kontemporari Leonardo dan Michelangelo muda, seorang seniman yang bekerja berdampingan dengan tuan-tuan Great Renaissance, dia tidak tergolong dalam kegemilangan ini era seni Itali, era yang merangkum segalanya di atas apa yang diusahakan oleh seniman Itali selama dua ratus tahun sebelumnya. Pada masa yang sama, Botticelli hampir tidak dapat disebut sebagai seniman - seorang quattrocentist dalam arti yang biasanya dikaitkan dengan konsep ini.

Ia tidak mempunyai kesegaran yang baik dari para tuan Quattrocentist, rasa ingin tahu mereka yang rakus tentang kehidupan dalam segala hal, bahkan yang paling biasa setiap hari, manifestasi, kecenderungan mereka untuk menceritakan hiburan, kecenderungan yang kadang-kadang berubah menjadi percakapan naif, percubaan berterusan mereka - dengan kata lain, bahawa penemuan dunia dan seni yang menggembirakan sebagai alat untuk mengenal dunia ini, yang memberikan daya tarikan kepada karya-karya yang paling canggung dan paling canggung dan paling prosa pada abad ini. Seperti tuan-tuan besar Renaissance Tinggi, Botticelli adalah seniman akhir zaman; namun, seninya bukan hasil dari jalan yang dilalui; sebaliknya, ia adalah penolakannya dan sebahagiannya kembali ke bahasa artistik pra-Renaissance yang lama, tetapi pada tahap yang lebih besar lagi bersemangat, kuat, dan menjelang akhir hayat bahkan mencari pencarian yang menyakitkan untuk kemungkinan ekspresi artistik baru, baru , bahasa seni yang lebih beremosi. Sintesis hebat gambar Leonardo dan Raphael yang tenang dan mandiri tidak asing bagi Botticelli; pathosnya bukan pathos objektif.

Dalam semua lukisannya, seseorang dapat merasakan tahap individualisasi teknik artistik, keunikan cara, getaran garis yang gementar, dengan kata lain, tahap subjektiviti kreatif yang asing dengan seni Renaissance.

Sekiranya tuan-tuan Renaissance berusaha mengekspresikan keindahan dan keteraturan dunia di sekitar karya mereka, maka Botticelli, dengan rela atau tidak rela, menyatakan pengalamannya sendiri, dan oleh itu seninya memperoleh watak lirik dan autobiografi pelik yang asing kepada Olimpik hebat - Leonardo dan Raphael.

Paradoks seperti yang kelihatannya, tetapi pada intinya intinya Botticelli lebih dekat dengan Michelangelo. Mereka disatukan oleh minat tamak dalam kehidupan politik zaman mereka, dan semangat untuk mencari agama, dan hubungan dalaman yang tidak dapat dipisahkan dengan nasib orang asli mereka bandar. Ini mesti mengapa kedua-duanya, seperti Hamlet, merasakan dengan perasaan yang menyakitkan di hati mereka, seperti gegaran bencana yang akan datang, yang lain adalah celah yang mengerikan yang memecah belah dunia. Michelangelo mengalami kejatuhan tragedi budaya Renaissance Itali dan mencerminkannya dalam ciptaannya.

Botticelli tidak berpeluang menyaksikan peristiwa yang mengejutkan Florentine yang hebat itu: dia berkembang sebagai seniman jauh lebih awal, pada tahun 70an dan 80an. Abad ke-15, pada waktu yang seakan-akan sezaman dengannya pada waktu subuh dan kemakmuran Florence, tetapi dia secara naluriah merasakan dan menyatakan tidak dapat dielakkan akhir bahkan sebelum akhir ini datang.

Botticelli menulis lukisannya "The Birth of Venus" hampir pada masa yang sama ketika Leonardo mengusahakan "Madonna of the Rocks" (1483), dan "Lamentation" ("Entombment" Munich) yang memilukan adalah sezaman dengan "Lamentation" awal ("Pieta" 1498) Michelangelo - salah satu ciptaan pengukir yang paling tenang dan harmoni. David Michelangelo yang hebat dan yakin pada diri sendiri - gambar ideal bagi pembela Republik Florentine - diciptakan pada tahun yang sama (1500) dan di Florence yang sama ketika dan di mana Botticelli menulis "Krismas" -nya, dipenuhi dengan kekacauan dalaman yang mendalam dan kenangan menyakitkan mengenai pelaksanaan Savonarola.

Dalam karya-karya Botticelli dua dekad terakhir abad ke-15, nota-nota itu terdengar kemudian, pada dekad kedua abad ke-16, mengakibatkan tragedi menyeluruh dan kesedihan sipil Michelangelo. Botticelli bukanlah titan, seperti Michelangelo, dan para pahlawan lukisannya tidak tragis, mereka hanya bertimbang rasa dan sedih; dan dunia Botticelli, arena aktivitinya jauh lebih sempit, serta jauh lebih kecil dan jangkauan bakatnya.

Selama bertahun-tahun produktiviti kreatifnya yang paling hebat, Botticelli mempunyai kaitan rapat dengan pengadilan Lorenzo Medici, dan banyak karya seniman terkenal 70-80-an. ditulis olehnya atas permintaan ahli keluarga ini; yang lain diilhamkan oleh puisi Poliziano atau dipengaruhi oleh kontroversi sastera di kalangan sarjana humanis dan rakan Lorenzo the Magnificent.

Akan tetapi, adalah salah untuk menganggap Botticelli hanya artis istana Duke of Florence yang tidak dinobatkan ini dan menganggap karyanya sebagai ungkapan pandangan dan selera kalangan bangsawannya, sebagai manifestasi reaksi feodal dalam seni. Karya Botticelli mempunyai watak yang jauh lebih mendalam dan lebih umum, dan hubungannya dengan lingkaran Medici jauh lebih kompleks dan bertentangan daripada yang kelihatannya pada pandangan pertama. Bukan kebetulan bahawa minatnya terhadap karya-karya Savonarola, di mana, bersama kegilaan beragama, sangat kuat patos anti-bangsawan, kebencian terhadap orang kaya dan simpati kepada orang miskin, keinginan untuk mengembalikan Florence ke zaman demokratik yang patriarki dan keras.

Hobi ini, yang dia kongsi dengan Botticelli dan Michelangelo muda, nampaknya disebabkan oleh keseluruhan struktur dalaman Botticelli, kepekaannya yang meningkat terhadap masalah moral, pencariannya yang mendalam untuk kesucian batin dan kerohanian, kesucian khas yang membezakan semua gambar dalam lukisannya, kesucian, yang sama sekali tidak menjadi ciri "lingkaran kafir Lorenzo", dengan toleransi yang sangat luas untuk masalah moral, umum dan peribadi.

Botticelli belajar dengan Filippo Lippi, awal "Madonnas" oleh Botticelli mengulangi penyelesaian komposisi dan jenis artis ini, salah satu master paling terang dan asli dari Florentine quattrocente. Dalam karya lain Botticelli pada masa pertama, anda dapat mengetahui pengaruhnya Antonio Pollaiolo dan Verrocchio.

Tetapi yang lebih menarik di sini adalah ciri-ciri baru, gaya individu yang dirasakan dalam karya-karya awal, semi-murid ini, bukan sahaja dan tidak begitu banyak sifat teknik bergambar, tetapi dalam bentuk yang sangat istimewa, hampir suasana kerohanian yang sukar difahami, semacam puitis "memancutkan" gambar. "Madonna" Botticelli untuk Rumah Anak Yatim di Florence hampir merupakan salinan "Madonna" terkenal oleh Lippi di Uffizi. Tetapi pada masa yang sama, seperti dalam karya Lippi, semua daya tarikan terletak pada kesederhanaan yang disampaikan oleh artis. dalam gambar ciri-ciri bibir kekasihnya - dia - membengkak kekanak-kanakan, dan hidungnya yang lebar dan sedikit terbalik, tangan yang dilipat dengan sopan dengan jari montok, badan kanak-kanak yang lebat dan senyuman malaikat yang agak pucat dengan wajah seorang budak lelaki jalanan dalam pengulangan Botticelli, semua ciri ini hilang: Madonna-nya lebih tinggi, langsing, dia mempunyai kepala kecil, bahu sempit, miring dan lengan panjang yang indah. Madonna Lippi mengenakan kostum Florentine, dan artis dengan berhati-hati menyampaikan semua butiran pakaiannya, hingga ke tali bahu; Madonna Botticelli mempunyai gaun dengan potongan yang tidak biasa dan jubah panjang, pinggirnya membentuk garis melengkung yang indah dan rumit.

Madonna Lippi rajin bertakwa, dia menundukkan matanya, tetapi bulu matanya bergetar, dia perlu berusaha sendiri agar tidak memandang ke arah penonton; Madonna Botticelli bijaksana, dia tidak menyedari persekitarannya.

Suasana hati-hati yang mendalam dan semacam perpecahan dalaman watak-watak dirasakan lebih kuat pada watak lain, agak kemudian "Madonna" oleh Botticelli, di mana seorang malaikat mempersembahkan Maria dengan sebuah vas berisi anggur dan telinga roti. Anggur dan telinga - wain dan roti adalah simbolik sakramen; menurut artis, mereka harus membentuk pusat semantik dan komposisi gambar, menyatukan ketiga-tiga tokoh tersebut.

Leonardo menetapkan tugas yang serupa pada masa "Madonna Benois". Di dalamnya, Mary menghulurkan bunga salib kepada anak itu - simbol salib. Tetapi Leonardo memerlukan bunga ini hanya untuk mewujudkan hubungan psikologi yang jelas antara ibu dan anak; dia memerlukan objek yang dapat sama-sama memusatkan perhatian keduanya dan memberikan tujuan pada gerak tubuh mereka.

Vas anggur Botticelli juga sepenuhnya menarik perhatian watak-wataknya. Walau bagaimanapun, ia tidak bersatu, tetapi secara dalaman memisahkan mereka; memandangnya dengan penuh pertimbangan, mereka saling melupakan.Gambar memerintah suasana meditasi dan kesunyian dalaman. Ini sebahagian besarnya difasilitasi oleh sifat pencahayaan, walaupun menyebar, hampir tidak ada bayangan.

Cahaya telus Botticelli tidak melekap pada kedekatan rohani, komunikasi intim, sementara Leonardo menimbulkan kesan senja: mereka menyelimuti pahlawan, membiarkan mereka bersendirian satu sama lain. "St. Sebastian" Botticelli meninggalkan kesan yang sama - yang paling Pollyolian dari semua gambarnya. Sesungguhnya, sosok Sebastian, posturnya, dan bahkan batang pohon yang diikatnya, hampir betul-betul mengulangi gambar Pollaiolo; tetapi di Pollaiolo Sebastian dikelilingi oleh tentera, mereka menembaknya - dan dia mengalami penderitaan: kakinya gemetar, punggungnya melengkung secara konvensional, wajahnya diangkat ke langit. sosok pahlawan Botticell menyatakan ketidakpedulian sepenuhnya terhadap alam sekitar, dan bahkan kedudukan tangannya yang terikat di belakang punggungnya dianggap sebagai isyarat yang menyatakan pemikiran yang mendalam; meditasi yang sama ditulis di wajahnya, dengan alisnya sedikit terangkat, seolah-olah terkejut. "Sebastian St." bermula pada tahun 1474.

Separuh masa kedua 70-an dan lapan puluhan harus dianggap sebagai tempoh kematangan kreatif dan berkembang pesat seniman.

Ia bermula dengan Pemujaan Magi yang terkenal (sekitar 1475), diikuti oleh semua karya Botticelli yang paling penting. Para saintis masih berbeza dalam penulisan lukisan individu, dan ini terutama berkaitan dengan dua lukisan paling terkenal: Musim Semi dan Kelahiran Venus ", sebilangan penyelidik mengaitkan yang pertama hingga akhir tahun 1470-an, yang lain lebih suka tarikh yang kemudian - 1480-an. Bagaimanapun, "Musim Semi" ditulis pada zaman kreativiti berbunga tertinggi dan mendahului lukisan "Kelahiran Venus" yang agak kemudian. Tidak diragukan lagi, lukisan-lukisan Pallas dan Centaur, Mars dan Venus, tondo terkenal yang menggambarkan Madonna dikelilingi oleh malaikat (Pembesaran Madonna) dan lukisan dinding Kapel Sistine (1481- 1482) dan lukisan dinding Villa Lemmy (1486) , dilukis pada majlis perkahwinan Lorenzo Tornabuoni (sepupu Lorenzo the Magnificent) dan Giovanna degli Albizzi.

Ilustrasi terkenal untuk Dante's Divine Comedy juga bermula dari zaman ini. Mengenai lukisan oleh Botticelli "Allegory of Slander", dalam hal ini, berbagai andaian dinyatakan.

Sebilangan penyelidik mengaitkan gambaran ini dengan masa "Musim Semi" dan "Venus", iaitu pada tahun-tahun semangat terbesar Botticelli untuk zaman kuno; sementara yang lain, sebaliknya, menekankan sifat moral yang bermoral dan ekspresinya yang tinggi dan melihatnya sebagai karya tahun 1490-an.

Dalam Pemujaan Magi (Uffizzi) masih ada banyak quattrocentism, di atas semua penentuan yang agak naif dengan mana Botticelli, seperti Gozzoli dan Lippi, mengubah pemandangan Injil menjadi pemandangan perayaan ramai. Mungkin, tidak ada lukisan lain oleh Botticelli, ada berbagai macam pose, gerak isyarat, kostum, perhiasan, tidak ada suara dan bicara seperti itu.

Namun, tanpa disangka, nota yang sangat istimewa terdengar: sosok Lorenzo Medici, bangga dan tenang, sombong diam di kerumunan rakan-rakannya yang meriah, atau Giuliano yang merenung, ditarik ke dalam jaket beludru hitam. Sosok lelaki itu, dengan anggun terbungkus jubah biru muda, secara tidak sengaja menarik perhatian. yang kelihatan ringan, hampir telus, dan membuat anda mengingati pakaian Grace yang lapang dalam lukisan "Spring"; dan julat warna umum dengan nada sejuk yang berlaku; dan pantulan kehijauan-keemasan dari cahaya itu entah dari mana, tanpa disangka menerangi di bahagian jubah bersulam, sekarang di tutup emas, sekarang di atas kasut.

Dan cahaya yang mengembara ini, jatuh dari atas, kemudian dari bawah, memberikan pemandangan yang luar biasa, hebat, abadi. Kekaburan pencahayaan juga dijawab oleh ketidakpastian pembinaan spasial komposisi: angka rancangan kedua dalam beberapa kes lebih besar daripada angka yang terdapat di tepi depan gambar; hubungan spatial mereka antara satu sama lain tidak jelas sehingga sukar untuk mengatakan di mana angka - dekat atau jauh dari penonton.

Adegan yang digambarkan di sini berubah menjadi semacam dongeng, kadang-kadang di luar ruang dan waktu. Botticelli adalah seorang kontemporari Leonardo, dengannya dia bekerja di bengkel Verrocchio. Tidak diragukan lagi, dia sudah biasa dengan semua kehalusan konstruksi perspektif dan pemodelan chiaroscuro, yang telah disempurnakan oleh seniman Itali selama kira-kira 50 tahun, yang mana perspektif ilmiah dan pemodelan volume berfungsi sebagai alat yang kuat untuk membina semula realiti objektif dalam seni.

Di antara para seniman ini adalah penyair perspektif sejati, dan pertama sekali Piero della Francesca, yang karya-karyanya perspektif pembinaan ruang dan pemindahan jumlah objek berubah menjadi alat ajaib untuk mencipta kecantikan. Kedua Leonardo dan Raphael adalah penyair hebat chiaroscuro dan perspektif, tetapi bagi banyak seniman Quattrocentist, perspektif berubah menjadi fetish yang mana mereka mengorbankan segalanya, dan di atas semua keindahan.

Mereka sering mengganti gambaran realiti kiasan dengan reproduksi yang masuk akal, muslihat ilusi, ilusi penglihatan dan gembira naif ketika mereka berjaya menggambarkan sosok dalam sudut yang tidak dijangka, sehingga lupa bahawa sosok seperti itu dalam banyak keadaan, memberikan kesan tidak semula jadi dan tidak estetik, yang akhirnya adalah kebohongan dalam seni. Dominic Ghirlandaio kontemporari Botticelli adalah penulis prosa yang membosankan.

Lukisan Ghirlandaio dan lukisan dindingnya banyak memberikan kesan kronik terperinci; mereka mempunyai kepentingan dokumentari yang besar, tetapi nilai seni mereka sangat kecil. Tetapi di kalangan seniman Quattrocentist ada tuan yang mencipta dongeng dari kanvas mereka; lukisan mereka, canggung, sedikit lucu, pada masa yang sama penuh dengan pesona naif. Artis seperti itu adalah Paolo Uchello; dalam karyanya adalah unsur kuat fantasi rakyat yang hidup, bertentangan dengan rasionalisme Renaissance yang melampau.

Lukisan Botticelli jauh dari kenaifan lukisan Uchello yang hampir popular. Ya, ini tidak dapat diharapkan dari seorang seniman, yang mengenal semua kehalusan humanisme Renaissance, seorang teman Poliziano dan Pico della Mirandola, yang terlibat dalam neo-Platonisme yang ditanam dalam lingkaran Medici. Lukisan-lukisannya "Spring" dan "The Birth of Venus "diilhamkan oleh puisi Poliziano yang indah; mungkin mereka terinspirasi oleh perayaan di istana Medici, dan, jelas, Botticelli memasukkan semacam makna falsafah dan kiasan yang kompleks; mungkin dia benar-benar berusaha dalam gambaran Aphrodite untuk menggabungkan ciri-ciri kecantikan pagan, tubuh, Kristian dan rohani.

Para saintis masih berdebat mengenai semua ini. Tetapi ada di dalam lukisan-lukisan ini dan keindahan mutlak, tidak dapat dipertikaikan, dapat difahami oleh semua orang, itulah sebabnya mengapa mereka masih belum kehilangan makna. Botticelli merujuk kepada motif abadi kisah rakyat, kepada gambar yang diciptakan oleh fantasi rakyat dan oleh itu umumnya penting. Bolehkah anda meragukan makna kiasan dari seorang wanita tinggi dalam gaun putih yang dianyam dengan bunga, dengan karangan bunga pada rambut keemasan, dengan karangan bunga di lehernya, memegang bunga dan dengan wajah seorang gadis muda, hampir remaja, sedikit malu, tersenyum malu-malu? Untuk semua orang, dalam semua bahasa, gambar ini selalu berfungsi sebagai imej musim bunga; dalam festival rakyat di Rusia yang didedikasikan untuk pertemuan musim bunga, ketika gadis-gadis muda keluar ke ladang untuk "menggulung karangan bunga", itu sama pantasnya seperti dalam lukisan oleh Botticelli.

Dan tidak kira berapa banyak saintis berpendapat mengenai siapa yang diwakili oleh sosok wanita setengah telanjang dengan pakaian telus, dengan rambut yang tersebar panjang dan dahan hijau di giginya - Flora, Spring dan Zephyr, makna kiasannya benar-benar jelas: antara Yunani kuno dia disebut dryad atau nimfa, dalam cerita rakyat Eropah sebagai peri hutan, dalam kisah Rusia duyung.

Dan tentu saja, tokoh terbang ke kanan dikaitkan dengan beberapa kekuatan alam gelap yang gelap, dari kepak yang sayapnya pohon mengerang dan tunduk. Dan pohon-pohon tinggi, langsing ini, selalu hijau dan sentiasa mekar, digantung dengan buah-buahan emas, mereka dapat mewakili taman antik Hesperides, dan tanah dongeng yang ajaib, di mana musim panas selalu berkuasa. Daya tarik Botticelli terhadap gambar fantasi rakyat bukanlah sesuatu yang tidak sengaja.

Penyair dari lingkaran Medici, dan Lorenzo sendiri, banyak menggunakan karya mereka motif dan bentuk puisi rakyat Itali, menggabungkannya dengan puisi kuno "anggun", Latin dan Yunani. Tetapi apa pun motif politik minat ini terhadap seni rakyat, terutama pada Lorenzo sendiri, yang mengejar tujuan demagogik, kepentingannya untuk pengembangan kesusasteraan Itali tidak dapat dinafikan.

Botticelli tidak hanya merujuk kepada watak tradisional legenda rakyat dan dongeng; dalam lukisannya "Spring" dan "The Birth of Venus" objek individu memperoleh watak simbol puitis umum. Tidak seperti Leonardo, seorang penyelidik yang bersemangat, dengan ketepatan yang hebat, berusaha untuk memperbanyak semua struktur struktur tumbuhan, Botticelli menggambarkan "pokok secara umum", gambar lagu dari sebuah pohon, memberikannya seperti dalam dongeng, dengan kualiti yang paling indah lebih langsing, dengan batang halus, dengan dedaunan yang rimbun, berserakan dengan bunga dan buah pada masa yang sama.

Dan apa yang akan dilakukan oleh ahli botani untuk menentukan pelbagai bunga yang tersebar di padang rumput di bawah kaki Spring, atau bunga yang dia simpan di lipatan gaunnya: mereka subur, segar dan harum, mereka kelihatan seperti mawar, dan anyelir, dan peonies; ia adalah "bunga secara umum", bunga yang paling indah. Dan di lanskap itu sendiri, Botticelli tidak berusaha mencipta semula pemandangan ini atau yang; ia hanya melambangkan alam semula jadi, menamakan unsur-unsur dasarnya dan selalu berulang: pokok, langit, bumi di "Spring"; langit, laut, pokok, bumi di "The Birth of Venus". Ini adalah "alam secara umum", indah dan tidak berubah.

Menggambarkan surgawi dunia ini, "zaman keemasan" ini, Botticelli mengecualikan kategori ruang dan masa dari lukisannya. Langit dilihat di belakang batang pokok yang ramping, tetapi tidak ada jarak, tidak ada garis perspektif yang menuju ke kedalaman, melebihi digambarkan.

Malah padang rumput di mana angka melangkah tidak memberikan kesan kedalaman; kelihatan seperti permaidani yang digantung di dinding, mustahil untuk berjalan di atasnya. Inilah sebabnya mengapa semua pergerakan tokoh mempunyai watak khas dan abadi: orang-orang di Botticelli lebih menggambarkan pergerakan daripada bergerak. Musim bunga meluru ke depan, kakinya hampir menyentuh tepi depan gambar, tetapi dia tidak pernah melintasinya, tidak pernah melakukan langkah seterusnya; dia tidak punya tempat untuk melangkah, tidak ada satah mendatar dalam gambar, dan tidak ada panggung di mana tokoh-tokoh itu dapat bergerak bebas.

Tokoh Venus yang sedang berjalan juga tidak bergerak: terlalu terukir tertulis di lengkungan pohon-pohon yang bengkok dan dikelilingi oleh lingkaran hijau. Pose, pergerakan tokoh-tokoh itu memperoleh watak yang aneh, mereka tidak mempunyai makna tertentu, tanpa tujuan tertentu: Zephyr mengulurkan tangannya, tetapi tidak menyentuh Flora; Musim bunga hanya menyentuh, tetapi tidak mengambil bunga; Tangan kanan Venus diregangkan ke depan, seolah-olah dia ingin menyentuh sesuatu, tetapi masih membeku di udara; isyarat tangan Yang Terikat yang saling terkait adalah isyarat tarian; tidak ada peniruan yang meniru di dalamnya, mereka bahkan tidak menggambarkan keadaan jiwa mereka. Terdapat beberapa jurang antara kehidupan dalaman orang dan corak luar postur dan gerak tubuh mereka.

Dan walaupun adegan tertentu digambarkan dalam gambar, wataknya tidak saling berkomunikasi, mereka tenggelam dalam diri mereka, diam, termenung, sendirian. Mereka tidak saling memerhatikan Satu-satunya perkara yang menyatukan mereka adalah irama biasa yang meresap gambar, seperti tiupan angin yang keluar dari luar.

Dan semua tokoh mematuhi irama ini; lemah semangat dan ringan, mereka kelihatan seperti daun kering yang didorong oleh angin. Ungkapan yang paling mencolok adalah figur Venus yang terapung di laut. Dia berdiri di pinggir cangkang cahaya, hampir tidak menyentuh kakinya, dan angin membawanya ke tanah.Dalam lukisan Renaissance, manusia selalu menjadi pusat komposisi; seluruh dunia dibina di sekitarnya dan untuknya, dan dialah yang menjadi watak utama naratif dramatik, eksponen aktif kandungan yang terdapat dalam gambar.

Namun, dalam lukisan Botticelli, seseorang kehilangan peranan aktif ini, dia menjadi elemen pasif, dia tunduk pada kekuatan yang bertindak dari luar, dia menyerah kepada dorongan perasaan atau dorongan irama. Era ketika antroposentrisme Renaissance digantikan oleh kesedaran tentang ketidakberdayaan peribadi, idea bahawa ada kekuatan di dunia yang bebas dari manusia, tidak tunduk pada kehendaknya. Gejala pertama perubahan ini dalam masyarakat, petir pertama ribut petir yang melanda Itali beberapa dekad kemudian dan mengakhiri Zaman Renaissance, adalah penurunan Florence pada akhir abad ke-15 dan fanatisme agama yang melanda kota di bawah pengaruh dari khotbah Savonarola, fanatisme, yang sampai batas tertentu menyerah dan Botticelli sendiri, dan yang memaksa orang Florentine, bertentangan dengan akal sehat dan menghormati yang indah, yang telah ditanam selama berabad-abad, untuk membuang karya seni ke dalam api.

Rasa pentingkan diri yang sangat berkembang, penegasan diri yang tenang dan yakin yang menaklukkan kita di La Gioconda Leonardo tidak asing dengan watak-watak dalam lukisan Botticelli.

Untuk merasakannya, sudah cukup untuk melihat wajah watak-watak di lukisan dinding Sistine dan terutama lukisan dinding vila Lemmy. Mereka merasakan ketidakamanan dalaman, kemampuan untuk menyerah pada dorongan dan harapan dorongan ini, bersedia untuk terbang.

Semua ini dinyatakan dengan kekuatan tertentu dalam ilustrasi Botticelli dalam Dante's Divine Comedy. Di sini, walaupun sifat lukisan - dalam satu garis tipis, tanpa bayang-bayang dan tanpa tekanan - menimbulkan rasa tanpa berat angka yang lengkap; Gambar Dante dan rakannya, diulang beberapa kali pada setiap helaian, muncul di satu atau lain bahagian gambar; mengabaikan undang-undang fizikal graviti atau kaedah membina gambar yang diguna pakai pada zamannya, artis meletakkannya sekarang dari bawah, sekarang dari atas, kadang-kadang ke sisi dan bahkan terbalik. Kadang-kadang perasaan diciptakan bahawa artis itu sendiri telah melarikan diri dari bidang graviti, telah kehilangan perasaan atas dan bawah. Ilustrasi untuk "Paradise" memberikan kesan yang sangat kuat. Sukar untuk menamakan artis lain yang, dengan keyakinan dan cara mudah seperti itu, dapat menyampaikan perasaan ruang tanpa batas dan cahaya tanpa batas.

Dalam lukisan ini, tokoh Dante dan Beatrice diulang tanpa henti.

Desakan hampir manik dengan mana Botticelli mengembalikan 20 helai ke komposisi yang sama - Beatrice dan Dante, yang dilingkari dalam lingkaran, sangat menarik; hanya postur dan gerak badan mereka yang sedikit berbeza. Terdapat perasaan tema lirik, seolah-olah menganiaya artis, dari mana dia tidak dapat dan tidak mahu membebaskan dirinya sendiri. Dan satu lagi ciri muncul dalam gambar terakhir siri ini: Beatrice, perwujudan keindahan ini, jelek dan hampir dua kepala lebih tinggi daripada Dante! Tidak ada keraguan bahawa dengan perbezaan skala besar ini, Botticelli berusaha untuk menyampaikan betapa pentingnya gambaran Beatrice dan, mungkin, perasaan keunggulannya dan tidak pentingnya sendiri yang dialami Dante di hadapannya. Masalah hubungan antara kecantikan fizikal dan rohani selalu muncul sebelum Botticelli, dan dia berusaha menyelesaikannya dengan memberikan tubuh Venus yang cantik dengan wajah pagan sebagai wajah Madonna yang termenung.

Wajah Beatrice tidak cantik, tetapi dia memiliki tangan yang sangat cantik, besar dan berinspirasi dengan gemetar dan semacam gerakan yang memikat.

Siapa tahu, mungkin penilaian semula kategori kecantikan fizikal dan rohani ini memainkan peranan khutbah Savonarola, yang membenci semua kecantikan tubuh sebagai perwujudan orang kafir, berdosa. Akhir tahun lapan puluhan dapat dianggap sebagai masa dari mana titik perubahan dalam kerja Botticelli bermula.Rupa-rupanya, secara dalaman, dia memutuskan hubungan dengan lingkaran Medici semasa hidup Lorenzo the Magnificent, yang meninggal pada tahun 1492. Subjek mitologi kuno hilang dari karyanya.

Tempoh terakhir ini merangkumi lukisan "Annunciation" (Uffizi), "The Wedding of Our Lady" (Uffizi, 1490), "Christmas" - karya terakhir yang bertarikh oleh Botticelli (1500), yang dikhaskan untuk mengenang Savonarola. Mengenai "Entombment" Munich, sebilangan penyelidik mengaitkannya dengan akhir tahun 90an; menurut orang lain, lukisan ini muncul kemudian, pada tahun-tahun pertama abad ke-16, serta lukisan dari kehidupan St. Zinovia. Sekiranya dalam lukisan tahun 1480-an, seseorang merasakan suasana hati yang sensitif, kesediaan untuk menyerah pada dorongan, maka dalam karya-karya Botticelli kemudian, watak-watak itu sudah kehilangan semua kuasa terhadap diri mereka sendiri.

Perasaan yang kuat dan hampir gembira menangkap mereka, mata mereka separuh tertutup, dalam pergerakan mereka - ekspresi yang berlebihan, ketidaksabaran, seolah-olah mereka tidak lagi mengawal tubuh mereka dan bertindak dalam keadaan tidur hipnosis yang pelik. Sudah ada dalam lukisan "Annunciation" artis memperkenalkan ke dalam adegan, biasanya seperti kebingungan yang sangat indah.

Malaikat menerobos masuk ke bilik dan dengan cepat jatuh ke lutut, dan di belakangnya, seperti jet udara, dibedah semasa penerbangan, telusnya, seperti kaca, tudung yang hampir tidak kelihatan. keluar kepada Maria, dan Maria seperti seorang wanita buta, seolah-olah terlupa, menghulurkan tangannya untuk bertemu dengannya. Dan seolah-olah arus dalaman, yang tidak kelihatan tetapi jelas dapat dilihat, mengalir dari tangannya ke tangan Mary dan menjadikan seluruh tubuhnya gemetar dan membengkok. Dalam lukisan "Perkahwinan Ibu Tuhan" di wajah para malaikat, seseorang dapat melihat obsesi yang tegas dan tegang, dan dengan pantasnya sikap dan gerak tubuh mereka - sebuah sikap mementingkan diri yang hampir Bacchic.

Dalam gambar ini, seseorang dapat dengan jelas merasakan tidak hanya pengabaian sepenuhnya terhadap undang-undang pembinaan perspektif, tetapi juga pelanggaran tegas terhadap prinsip kesatuan sudut pandang pada gambar. Kesatuan sudut pandang ini, orientasi gambar, mengenai penglihatan yang dirasakan - salah satu pencapaian lukisan Renaissance, salah satu manifestasi dari antroposentrisme era: gambar dilukis untuk seseorang, untuk penonton, dan semua objek digambarkan dengan mengambil kira persepsi - baik dari atas, atau bawah, atau pada tahap mata, bergantung pada tempat penonton khayalan yang ideal. Prinsip ini mencapai perkembangan tertinggi dalam "Perjamuan Terakhir" oleh Leonardo dan di lukisan dinding stesen della Senyatura Raphael.

Lukisan Botticelli "The Wedding of Our Lady", seperti ilustrasinya untuk "The Divine Comedy", dibuat tanpa mengambil kira sudut pandang subjek yang dirasakan, dan ada sesuatu yang tidak rasional dalam sewenang-wenangnya pembinaannya. Hal ini dinyatakan dengan lebih tegas dalam "Krismas" tahun 1500 yang terkenal, angka depan di sini adalah separuh ukuran gambar kedua, dan untuk setiap tali pinggang angka disusun secara bertingkat, dan sering juga untuk setiap angka individu, itu adalah cakrawala persepsi sendiri diciptakan.

Lebih-lebih lagi, sudut pandang tokoh-tokoh tersebut tidak menunjukkan lokasi objektif mereka, melainkan kepentingan hakiki mereka; jadi, Maria, membongkokkan anak, digambarkan di bawah, dan Joseph yang duduk di sebelahnya berada di atas.

Teknik serupa digunakan 40 tahun kemudian oleh Michelangelo dalam lukisan terakhir Judgment. Di Tempat Munich Botticelli di Keranda, sudut dan beberapa kekokohan tokoh, yang membuat seseorang mengingatkan lukisan serupa oleh seniman Belanda Rogier van der Weyden, digabungkan dengan trauma Baroque yang tragis. Tubuh Kristus yang mati dengan tangannya yang jatuh jatuh menanti beberapa gambar Caravaggio, dan kepala Maria yang tidak sedarkan diri mengenang gambar Bernini.

Botticelli adalah saksi langsung kepada gejala pertama reaksi feudal yang semakin hampir. Dia tinggal di Florence, sebuah kota yang selama beberapa abad menjadi pemimpin kehidupan ekonomi, politik dan budaya Itali, di sebuah kota dengan tradisi republik berusia berabad-abad, yang dianggap sebagai penempaan budaya Renaissance Itali. Ini adalah mungkin mengapa krisis Renaissance diturunkan.pertama sekali, di sini dan di sini ia membawa watak yang sangat ribut dan tragis.

25 tahun terakhir abad ke-15 bagi Florence adalah tahun-tahun penderitaan dan kematian republik secara bertahap dan usaha berani dan tidak berjaya menyelamatkannya. Dalam perjuangan ini untuk Florence yang demokratik, menentang kekuatan Medici yang semakin meningkat, kedudukan para pembela yang paling bersemangat dengan cara yang aneh bertepatan dengan kedudukan para penyokong Savonarola, yang berusaha mengembalikan Itali ke zaman Abad Pertengahan , untuk memaksanya untuk meninggalkan semua pencapaian humanisme Renaissance, seni Renaissance.

Sebaliknya, orang Medici, yang memegang posisi reaksioner dalam politik, yang mempertahankan humanisme dan melindungi penulis, saintis, dan seniman dengan segala cara yang mungkin. Dalam keadaan seperti itu, kedudukan artis sangat sukar. Bukan kebetulan bahawa Leonardo da Vinci, yang sama asing dengan hobi politik dan agama, meninggalkan Florence dan, mencari kebebasan kreativiti, berpindah ke Milan. Botticelli adalah orang yang berlainan jenis; tidak dapat dipisahkan dengan nasibnya dengan nasib Florence, dia menyakitkan antara humanisme lingkaran Medici dan jalur agama dan moral Savonarola.

Dan ketika, pada tahun-tahun terakhir abad ke-15, Botticelli menyelesaikan perselisihan ini demi agama, dia menjadi pendiam sebagai seorang seniman. Oleh itu, dapat difahami bahawa sejak dekad terakhir hidupnya hampir tidak ada satu pun karya yang dapat bertahan untuk kita.Rujukan: I. Danilov "Sandro Botticelli", "ART" ed. "Pencerahan" (c) 1969 E. Rothenberg "Seni Itali abad ke-15" ed. "Art" Moscow (c) 1967 Jose Antonio de Urbina "The Prado", penerbitan Scala ltd, London 1988-93.

Apa yang akan kita lakukan dengan bahan yang diterima:

Sekiranya bahan ini ternyata berguna untuk anda, anda boleh menyimpannya ke halaman anda di rangkaian sosial:

Caravaggio. Kedudukan di keranda. 1602-1604 Pinakothek Vatikan

Di hadapan kita adalah tubuh Kristus dan 5 tokoh. Saint John memegang badannya dari sisi kepalanya. Murid termuda Kristus. Dari sisi kakinya, Nicodemus sedang memegangnya. Seorang penduduk Yudea, murid rahsia Kristus.

Dengan jubah biru gelap - Saint Mary. Dia menghulurkan tangannya ke wajah anaknya. Mengucapkan selamat tinggal kepadanya selama-lamanya. Mary Magdalene mengesat wajahnya dari air matanya. Dan tokoh yang paling jauh adalah Maria Kleopova. Kemungkinan besar, dia adalah saudara dari Kristus.

Angka-angka itu sangat ramai. Mereka seperti monolit tunggal. Menonjol dari kegelapan.

Sudah tentu, ini adalah karya agung. Tetapi apa yang menjadikan lukisan ini begitu hebat?

Seperti yang kita lihat, komposisi itu menarik. Tetapi tidak asli. Ahli sihir menggunakan formula yang sudah ada. Dalam kedudukan yang hampir sama, Kristus digambarkan pada awal abad ke-16. Dan peragawati * setengah abad sebelum Caravaggio (1571-1610)

3. Realisme orang

Caravaggio menggambarkan Saint Mary pada usia 55 tahun. Nampaknya dia kelihatan lebih tua dari tahunnya kerana kesedihan yang menimpanya. Perhatikan wajahnya dengan lebih dekat. Ini bukan wanita tua, kerana dia sering disebut dalam gambar ini. Ini adalah wanita berusia 50-an, patah hati.

Umurnya realistik. Seperti inilah rupa wanita, yang anaknya berusia 33 tahun.

Faktanya ialah sebelum Caravaggio, Saint Mary digambarkan sebagai muda. Dengan itu mengoptimumkan imejnya sebanyak mungkin.

Sebagai contoh, Carracci, sedikit, banyak pengasas akademi seni pertama, mengikuti aliran yang sama. Orang Suci Maria dan Kristus dalam lukisan "Pieta" berumur hampir sama.

4. Perasaan dinamik

Caravaggio menggambarkan saat ketika lelaki dalam keadaan tertekan. Sukar bagi Saint John untuk memegang badannya. Bukan senang baginya. Dia dengan canggung menyentuh jarinya ke luka di dada Kristus.

Nikodemus juga berada dalam had kekuatannya. Urat di kakinya bengkak. Ini dapat dilihat bahawa dia menahan bebannya dengan kekuatan terakhir.

Kita nampaknya melihat bagaimana mereka perlahan-lahan menurunkan tubuh Kristus. Dinamika yang tidak biasa menjadikan gambar lebih realistik.

5. Tenebroso terkenal Caravaggio

Caravaggio menggunakan teknik tenebroso. Di latar belakang - kegelapan padang. Dan angka-angka itu sepertinya digariskan oleh cahaya redup yang ditujukan kepada mereka.

Banyak orang sezaman mengkritik Caravaggio dengan cara ini. Mereka menyebutnya "ruang bawah tanah". Tetapi justru teknik ini merupakan salah satu ciri khas karya Caravaggio. Dia dapat memaksimumkan semua kelebihannya.

Angka-angka memperoleh kelegaan yang luar biasa. Emosi pahlawan menjadi sangat ketara. Susunannya lebih lengkap.

Gaya ini menjadi sangat popular terima kasih kepada Caravaggio. Di antara pengikutnya, seseorang dapat membezakan artis Sepanyol Zurbaran.

Lihatlah lukisan terkenalnya Anak Domba Tuhan. Tenebroso inilah yang mencipta ilusi realiti. Anak domba itu terletak di hadapan kita seolah-olah masih hidup. Diterangi oleh cahaya yang malap.

Caravaggio adalah pembaharu lukisan. Dia adalah pengasas realisme. Dan "The Entombment" adalah salah satu ciptaannya yang paling hebat.

Itu disalin oleh tuan terbesar. Ini juga mengesahkan nilainya untuk seni dunia. Salah satu salinan yang paling terkenal adalah milik Rubens.

"Penggabungan" adalah plot yang sangat menyedihkan. Tetapi tepat untuk plot seperti itu yang paling sering dilakukan Caravaggio.

Saya fikir ini disebabkan oleh trauma psikologi kanak-kanak. Pada usia 6 tahun, dia menyaksikan ayah dan datuknya mati dalam kesakitan akibat wabak bubonic. Selepas itu ibunya marah kerana sedih. Sejak kecil dia belajar bahawa hidup penuh penderitaan.

Tetapi ini tidak menghalangnya untuk menjadi artis terhebat. Benar, dia hidup hanya 39 tahun. Dia telah mati. Badannya hilang tanpa jejak. Agaknya, mayatnya ditemui hanya 400 tahun kemudian! Pada tahun 2010. Baca mengenai perkara ini dalam artikel

* behavioris - seniman yang bekerja dalam gaya gayaisme (era 100 tahun antara Renaissance dan Baroque, abad ke-16). Ciri-ciri ciri: keterlaluan komposisi dengan perincian, badan memanjang, sering berpusing, plot alegori, peningkatan erotisme. Wakil yang cemerlang:

Kisah karya seniman Florentine terkenal Quattrocento (seni Renaissance abad ke-15) Sandro Botticelli boleh berakhir tanpa henti. Namun, anda perlu mengakhiri cerita anda suatu ketika nanti. Dan saya akan cuba melakukannya dalam catatan terakhir ini.

Akhir abad ini ditandai untuk Florence oleh khutbah revolusi Fra Girolamo Savonarola yang berapi-api ... Dan sementara "kesombongan" (perkakas berharga, pakaian mewah dan karya seni berdasarkan plot mitologi pagan) dibakar di dataran kota, hati orang-orang Florentine dinyalakan dan revolusi menyala, lebih rohani daripada sosial, yang menyerang pertama dari semua fikiran sensitif dan canggih yang merupakan pencipta intelektualisme elit pada zaman Lorenzo

Penilaian semula nilai-nilai, penurunan minat terhadap konstruksi ilusi spekulatif, keperluan pembaharuan yang tulus, keinginan untuk mencari asas-asas moral dan rohani yang kuat, adalah tanda-tanda perselisihan dalam yang dialami oleh banyak orang Florentine (termasuk Botticelli) yang sudah ada di tahun-tahun terakhir kehidupan Orang-orang Hebat dan mencapai puncaknya pada 9 November 1494 - pada hari raya Juruselamat dan hari pengusiran orang Medici .

Botticelli, yang tinggal di bawah bumbung yang sama dengan saudaranya Simone, seorang "mabuk" yang yakin (dinamakan "crybaby" - ini adalah nama pengikut Savonarola), sangat dipengaruhi oleh Fra Girolamo , yang tidak dapat tetapi meninggalkan kesan mendalam dalam lukisannya. Ini terbukti dengan jelas oleh dua gambar mezbah "Ratapan Kristus" dari Pinakothek Tua Munich dan Muzium Milan Poldi Pezzoli. Lukisan itu berasal dari sekitar tahun 1495 dan masing-masing terletak di gereja-gereja San Paolino dan Santa Maria Maggiore.

Ratapan Kristus, 1495, Milan, Muzium Poldi Pezzoli

Drama Kristian Botticelli mengalami pertama-tama sebagai kesedihan manusia, sebagai kesedihan yang tidak berkesudahan terhadap mangsa yang tidak bersalah yang telah melalui jalan salib penderitaan dan pelaksanaan yang memalukan.Kekuatan pengalaman menangkap setiap watak dan menyatukannya menjadi keseluruhan yang menyedihkan. Isi disampaikan dalam bahasa garis dan warna, yang pada masa ini telah mengalami perubahan dramatik dalam karya tuan.

Ucapan tuduhan Fra Girolamo Savonarola tidak membuat Botticelli tidak peduli; tema keagamaan menjadi dominan dalam seninya ... Pada tahun 1489-1490 dia menulis " Pengumuman"untuk para bhikkhu Cistercian (sekarang di galeri Uffizi).

Pada tahun 1495, artis itu menyelesaikan karya terakhir untuk orang Medici, melukis di sebuah vila di Trebbio beberapa karya untuk cabang sampingan keluarga ini, yang kemudian disebut "dei Popolani".

Pada tahun 1501, artis mencipta "Krismas mistik". Buat pertama kalinya, dia menandatangani lukisannya dan meletakkan tarikh di atasnya.

Drama Botticell, sangat peribadi dan dicetak pada semua seninya, didasarkan pada kekutuban dua dunia. Di satu pihak, inilah budaya humanistik yang telah berkembang di lingkungan orang Medici, dengan motif kivalen dan pagan; di sisi lain, semangat reformasi dan pertapa Savonarola, untuk siapa Kristiani menentukan bukan hanya etika peribadinya, tetapi juga prinsip-prinsip kehidupan sipil dan politik, sehingga kegiatan "Kristus, raja Florence" ini (prasasti bahawa pengikut Savonarola yang ingin membuat jalan masuk ke Palazzo della Signoria) adalah kebalikan dari pemerintahan Medici yang megah dan zalim.

Keinginan untuk kedalaman dan drama yang lebih besar jelas ditunjukkan dalam karya-karya dewasa Botticelli pada zaman ini. Salah satunya ialah "Ditinggalkan". Kadang-kadang ada nama lain untuk lukisan ini - "Allegory of Virtue".

"Abandoned", 1490, Rome, Rospigliosi Collection

Plot gambarnya pasti diambil dari Alkitab: Tamar Diasingkan oleh Amnon (http://www.bottichelli.infoall.info/txt/3pokinut.shtml). Tetapi fakta sejarah tunggal ini dalam perwujudan seninya memperoleh suara abadi dan universal: ada perasaan kelemahan seorang wanita, dan belas kasihan terhadap kesepian dan keputusasaannya yang tertindas, dan penghalang pekak dalam bentuk gerbang tertutup dan dinding tebal yang mengingatkan pada dinding istana abad pertengahan. Seorang lelaki yang dihancurkan oleh keputusasaan dalam lingkungan tanpa jiwa ini, tidak diragukan lagi adalah potret diri rohani dari Botticelli sendiri.

« Fitnah"- Lukisan terakhir Botticelli dengan tema sekular. Seseorang mungkin terkejut kerana gambar kecil (62x91) itu mengandungi banyak makna dan bakat. Lukisan itu tidak dimaksudkan untuk dinding, tetapi untuk penyimpanan dan pemeriksaan dekat, seperti permata.

Libel, sekitar tahun 1490, Galeri Uffizi, Florence

Gambar itu mengingatkan tentang lukisan yang hilang oleh Apelles, pelukis terkenal pada zaman dahulu, yang digambarkan oleh penyair Lucian. Lucian melaporkan bahawa pelukis Antiphilos, kerana iri kepada rakannya yang lebih berbakat, Apelles, menuduhnya terlibat dalam konspirasi terhadap raja Mesir Ptolemy IV, di istana di mana kedua-dua seniman itu hadir.

Apelles yang tidak bersalah dilemparkan ke dalam penjara, tetapi salah seorang konspirator yang sebenarnya menyatakan tidak bersalah. Raja Ptolemy memulihkan pelukis dan memberinya Antiphilos sebagai hamba. Apelles, masih dipenuhi dengan rasa ngeri atas ketidakadilan, melukis gambar di atas. Botticelli melakukan plot mengikut keterangan.

Raja duduk di atas takhta di sebuah ruangan yang dihiasi dengan patung (di sebelah kanan dalam gambar). Berdekatan - tokoh kiasan Kejahilan, Kecurigaan dan Kebodohanyang tidak sabar membisikkan khabar angin ke telinga keldai raja (simbol kebodohan). Matanya tertunduk, dia tidak melihat apa-apa di sekitarnya, tangannya dihulurkan ke arah Kemarahan yang berdiri di hadapannya.

Kemarahan dengan warna hitam, memandang raja dengan penuh perhatian, menghulurkan tangan kirinya kepadanya. Dengan tangan kanan, Kemarahan menarik Slander ke hadapan. Fitnah dengan tangan kirinya dia memegang obor, api tidak benar, membakar kebenaran. Dengan tangan kanannya dia menarik rambut mangsa, belia bogel - Tidak bersalah... Innocence dengan keadaan telanjang menunjukkan bahawa ia tidak menyembunyikan apa-apa, tetapi sia-sia, Innocence memohon untuk diselesaikan.

Cemburu dan Penipuan berdiri di belakang Slander, menenun pita putih ke rambutnya dan mandi dengan bunga mawar. Secara cantik, wanita dengan licik menggunakan simbol kesucian untuk menghiasi Slander.

Taubat, seorang wanita tua dengan warna hitam, berdiri di sebelah. Dengan kepahitan dia memandang Kebenaranke kiri, mahu menolong Innocence.

Kebenaran, mirip dengan patung dewi klasik kecantikan yang sempurna, menunjuk ke atas, kepada Yang bergantung pada penilaian akhir kebenaran dan kepalsuan. Kebenaran dan Penyesalan "Telanjang" jauh dari raja dan yang lain yang tidak memberi perhatian kepada mereka. Kebenaran tidak ada yang perlu disembunyikan, sementara yang lain menyembunyikan niatnya dengan pakaian berwarna hitam atau berwarna terang.

James Hall, pengarang Kamus Plot dan Simbol dalam Seni klasik, menunjukkan bahawa dalam lukisan Botticelli “ Dua tokoh terakhir Penyesalan dan Kebenaran, nampaknya sudah terlambat untuk menyelamatkan Innocence».

Gambaran emosional yang paling memilukan dari zaman akhir karya Botticelli adalah "Entombment". Ia dicirikan oleh sudut dan sebilangan kekemasan pada angka. Tubuh Kristus yang mati dengan tangannya yang jatuh jatuh menanti beberapa gambar Caravaggio, dan kepala Maria yang tidak sedarkan diri mengenang gambar Bernini.

Entombment, 1495-1500, Munich, Alte Piñicothek

Dalam karya ini, Botticelli meningkat ke tahap tragis, mencapai keupayaan emosi dan laconicism yang luar biasa.

Harus diingat bahawa karya Sandro Botticelli menonjol dalam seni Renaissance Itali. Botticelli adalah usia yang sama dengan Leonardo da Vinci, yang dengan kasih sayang memanggilnya "Botticelli kami."

Tetapi sukar untuk menempatkannya di antara tuan-tuan khas dari Zaman Renaissance Awal dan Tinggi. Dalam dunia seni, dia bukan penakluk yang sombong, seperti yang sebelumnya, atau Master kehidupan yang berdaulat, seperti yang terakhir.

Jiwa Botticelli, yang sudah terkoyak oleh kontradiksi, yang merasakan keindahan dunia yang dibuka oleh Renaissance, tetapi takut akan dosa, tidak tahan dengan cobaan.Khutbah-khutbah berapi Savonarola melakukan tugas mereka. Pada tahun-tahun terakhir hidupnya (dia meninggal enam puluh empat tahun pada tahun 1510) Botticelli tidak menulis apa-apa.

Tokoh anggun anggun, badan plastik beku, wajah melankolis yang sedih, mata cantik yang tidak melihat apa-apa ... Tidak ada seorang pun tuan Florentine yang dapat dibandingkan dengan Sandro Botticelli dengan kekayaan fantasi puitis yang membuatnya terkenal selama hidupnya. Tetapi melupakan kewujudannya selama tiga abad yang panjang... Minat terhadap bakat langka Itali muncul hanya pada pertengahan abad ke-19, menarik pelukis Pra-Raphaelite dengan keunikan adab dan keperibadian teknik artistik, subjektiviti kreatif dan lirik lagu pelukis ini. Botticelli mendapat tempat yang istimewa dalam seni Renaissance Awal bukan rasa ingin tahu yang rakus tentang kehidupan dan percubaan, tetapi pencarian yang mendalam untuk kesucian dan kerohanian dalaman, kesucian khas yang membezakan semua gambar dalam lukisannya. Botticelli selamat dari "perang raksasa," ketika orang-orang Florentia menyebut persaingan antara Leonardo da Vinci dan Michelangelo, dan munculnya Raphael Santi yang menjanjikan.

Pelanggan membelakangkan pelukis yang pernah terkenal. Jiwanya dipadamkan. Botticelli menghabiskan hari-harinya di rumah saudara-saudara, dipenuhi dengan suara banyak keturunan mereka. Sebagai seorang seniman, dia meninggal dunia. "Bintangnya,menurut Machiavelli , - keluar sebelum matanya ditutup. "

Menurut catatan gereja orang mati, Botticelli meninggal pada tahun 1510, dan pada 17 Mei dia dikebumikan di tanah perkuburan gereja Onisanti di Florence, di kota di mana keseniannya yang tulus berkembang, yang mengekalkan daya tarikan dan daya tarikannya kepada hari ini.

Dalam menyediakan bahan untuk mesej ini, sumber berikut digunakan:

HIDUP. Berdyaev "Makna kreativiti", perpustakaan "Vekhi",

http://www.bottichelli.infoall.info/txt/3pozdn.shtml , http://smallbay.ru/bottichelli.html dan sumber lain yang disebut dalam catatan sebelumnya.

Ini menyimpulkan kisah kami mengenai karya Sandro Botticelli. Saya tidak dapat menggambarkan semua karyanya, dan ini bukan tujuan posting ini. Tujuan utama mereka adalah untuk mengenali pembaca dengan karyanya dan menimbulkan minat dalam melukis Zaman Renaissance Awal. Mereka yang terpengaruh dengan ini akan menemukan kekuatan dan keinginan untuk menyelidiki lebih mendalam kajian karyanya.

Saya harap saya mungkin tidak dapat mencapai matlamat saya sepenuhnya, namun saya berjaya mencapainya. Pembaca harus menilai ini

| Itali | Michelangelo Merisi da Caravaggio | 1573-1610 | "Penjajahan" | 1602-1604 | minyak di atas kanvas | 300x203 | Pinakothek Vatican |

“Lima berdiri di pinggir lubang kubur dalam kegelapan seperti itu, di mana malam yang paling pekak kelihatan seperti senja yang telus. Mereka dikelilingi oleh keheningan hitam dari waktu berhenti.
Yesus berkata, "Sudah selesai." Dan sambil menundukkan kepalanya, dia melepaskan semangat. Dari jam keenam, kegelapan telah melanda seluruh bumi. Dan matahari menjadi gelap. Kegelapan abadi menyelimuti lima orang ini, dan mereka menurunkan yang keenam menjadi kegelapan. Mereka tidak hanya tenggelam ke tanah perkuburan yang lembap dari tanah yang baru digali - mereka juga melepaskan diri selama-lamanya dan tidak tahu bahawa dia akan bangkit semula pada hari ketiga, mereka mengucapkan selamat tinggal kepadanya selama-lamanya. Wanita muda itu, seperti dua yang lain, juga Maria, merentangkan tangannya ke sisi. Itu adalah isyarat yang terkoyak oleh jeritan. Jeritan keluar dari mulutnya - mengapa, dia hampir pingsan - tepat ketika matanya terbalik. Dan rambut itu terkelupas: orang yang berkabung baru saja menyeksanya. Kesedihan Maria yang muda itu tulus, namun, lebih mudah baginya daripada yang lain: kesedihannya mencari jalan keluar dalam pergerakan dan suara. Di sebelahnya, sedikit lebih dekat dengan penonton - Magdalene. Air matanya tidak kelihatan, wajahnya separuh ditutupi dengan sapu tangan, yang dia, kusut di tangannya, menekan ke matanya. Magdalene menyembunyikan dari yang lain tidak menangis, tetapi cintanya, putus asa, cinta yang tidak berdaya, yang tidak dinyatakan dalam satu kata ketika dia masih hidup, dan yang tidak dapat menangis atau berteriak sekarang. Dia mempunyai ciri-ciri seorang penduduk kota yang miskin, dia tidak kelihatan seperti pendosa yang baru bertobat, dia masih muda dan sihat, tetapi kecantikan dan mudanya tidak perlu. Takdir memberinya hadiah yang tidak berguna, dan sekarang dia akan mengembalikannya ke alam semula jadi, mengeringkan doa pertobatan dan pengawasan. Dan satu lagi wajah wanita adalah ibu Juruselamat. Anda tidak boleh memanggilnya Madonna - dia sudah tua. Menurut kitab suci, dia tidak lebih dari lima puluh tahun, tetapi di sini adalah seorang wanita berusia tujuh puluh tahun. Stabat mater dolorosa ... - Ibu yang berduka berdiri ... Peliknya: pada mulanya dia kelihatan lebih tenang daripada yang lain, tetapi betapa sedihnya kesedihan dalam ketenangan ini. Dia tidak menyembunyikan wajahnya, tidak memalingkan muka, tidak dapat kehilangan kesadaran. Dengan pandangan terakhir yang tidak berkesudahan, ibu menyerap anaknya - tubuhnya, ketelanjangannya yang fana, saat-saat terakhir dari tubuh ini di bumi. Kalaulah pandangannya benar-benar dapat membawa kembali daging itu ke dalam rahim ibu! Bibirnya sedikit bergerak, tetapi Maria tidak mendengar suaranya sendiri. Dia menjadi gelisah tiba-tiba, tiba-tiba, dalam satu hari, dan orang yang melihat kanvas segera menyedari ini. Baju jubah biru sejuk yang dilemparkan di atas kepalanya di atas saputangan putih lebih gelap dan lebih keras daripada duka yang paling dalam. Dua lelaki sedang memegang badan Yesus. John muda, seperti Ibu Tuhan, menatap wajahnya. Dia tegang, kerutan berkumpul di dahinya. Pada saat-saat seperti itu, lelaki muda berubah menjadi suami. Tangan John tergelincir di bawah bahu Kristus, dia menopang daging mati dengan hati-hati, tetapi tidak pantas: jarinya menyentuh luka di tulang rusuk, luka mengerikan dari tombak Rom yang mengakhiri penderitaan Yesus di kayu salib. Jubah merah John terseret di tanah, kusut di bawah kaki, bayang-bayang hitam terbaring di lipatannya. Nicodemus, dengan jubah coklat tepat di atas lutut, menonjolkan kehebatan sosoknya yang gemuk. Dia menarik kaki Kristus dan menutup cincin tangannya di bawah lutut. Sama sekali, Nicodemus melihat ke dalam lubang. Otot-otot botak ini, belum tua membengkak, urat-urat pada kakinya yang kecokelatan bengkak; ketika anda melihat usahanya, anda dapat merasakan berapa banyak daging mati lebih berat daripada daging hidup. Tubuh Kristus tidak berdarah, namun, dalam pucatnya tidak ada kesan mayat. Warna-warna kehidupan meninggalkannya, dan tetap bentuk-bentuk terpahat yang jelas, lega. Dada tinggi, bahu lebar, pinggul dan kaki yang kuat ini bukan milik pendakwah perkataan, tetapi untuk seorang pejuang, atlet berotot. Tidak ada kedamaian di wajah belakang yang terlempar, tetapi juga tidak ada kesedihan fana. Orang berdiri di atas batu nisan, bersudut ke depan, kelihatan seperti kaki kumpulan patung, tetapi ini adalah batu nisan yang nyata, ada celah di bawahnya, ia menarik lembap dari bawahnya, dan bunga tanah perkuburan berdaging tumbuh di bahagian bawah gambar. Angka-angka itu dicat dengan pertumbuhan penuh, dekat dengan tepi paling hadapan; nampaknya siku Nicodemus dan tepi batu yang tajam hendak menembusi kanvas. Cahaya bertarung dengan kegelapan, dan dalam perjuangan mereka menciptakan kekentalan khas, kontras mereka memberi kehidupan.
"Ia berjaya," pikir Caravaggio, berdiri di depan lukisannya. Garis yang menggariskan lereng kumpulan berkabung ke bawah. Pandangan, mengikuti garis putus ini, turun ke wajah Kristus, tetap di atasnya, inilah fokus dari apa yang sedang berlaku. Dan sekarang lengkung ini akan terus berlanjut dan ditutup oleh tangan Yesus yang putih dan jatuh tanpa daya. "

Petikan dari novel V. Klevayev “Pada Malam Hari yang Indah. Novel yang belum selesai mengenai pelukis Itali Michelangelo Merisi da Caravaggio "(Fact Publishing House, Kiev, 2005)