Maklumat mengenai seniman Renaissance. Pelukis Renaissance awal

Orang-orang Eropah berusaha untuk menghidupkan kembali harta dan tradisi yang hilang akibat perang kehancuran yang tidak berkesudahan. Perang membawa orang dari muka bumi, dan perkara hebat yang diciptakan orang. Idea untuk menghidupkan kembali peradaban tinggi dunia kuno menimbulkan falsafah, sastera, muzik, kebangkitan sains semula jadi dan, di atas semua, berkembangnya seni. Era memerlukan orang yang berpendidikan tinggi dan tidak takut dengan pekerjaan. Di tengah-tengah mereka muncullah beberapa genius yang disebut "titans of the Renaissance". Mereka yang kami panggil hanya dengan nama.

Zaman Renaissance terutamanya orang Itali. Oleh itu, tidak menghairankan bahawa di Itali seni dalam tempoh ini mencapai peningkatan dan berkembang. Di sinilah terdapat puluhan nama raksasa, genius, seniman hebat dan berbakat.

LEONARDO MUZIK.

Sungguh lelaki yang bertuah! - banyak yang akan mengatakan mengenai dia. Dia dikurniakan kesihatan yang jarang berlaku, tampan, tinggi, bermata biru. Pada masa mudanya dia memakai ikal berambut perang, artikel yang membanggakan yang mengingatkan pada St. George's Donatella. Dia memiliki kekuatan yang luar biasa dan berani, kehebatan maskulin. Dia bernyanyi dengan hebat, di hadapan penonton dia menyusun melodi dan puisi. Dia memainkan alat muzik apa pun, dia mencipta sendiri.

Untuk seni Leonardo da Vinci, sezaman dan keturunan tidak pernah menemui definisi lain selain "genius", "ilahi", "hebat". Kata-kata yang sama merujuk kepada wahyu ilmiahnya: dia mencipta tangki, penggali, helikopter, kapal selam, payung terjun, senjata automatik, topi keledar, lif, menyelesaikan masalah akustik, botani, perubatan, kosmografi yang paling kompleks , membuat sebuah projek teater bulat, diciptakan satu abad lebih awal daripada Galileo, bandul jam, menarik ski air semasa, mengembangkan teori mekanik.

Sungguh lelaki yang bertuah! - banyak yang akan mengatakan tentangnya dan akan mula mengingati para pangeran dan raja yang dikasihi, yang mencari kenalan dengannya, tontonan dan percutian, yang diciptakannya sebagai seorang seniman, penulis drama, pelakon, arkitek, dan bersenang-senang dengan mereka seperti seorang kanak-kanak .

Namun, apakah Leonardo hati panjang yang tidak tertindas itu bahagia, yang setiap hari memberi orang dan dunia pemeliharaan dan pencerahan? Dia meramalkan nasib mengerikan ciptaannya: kehancuran Perjamuan Terakhir, penembakan monumen ke Francesca Sforza, perdagangan rendah dan pencurian mengerikan dari buku harian dan buku kerjanya. Hanya enam belas lukisan yang bertahan hingga hari ini. Beberapa patung. Tetapi ada banyak gambar, gambar berkode: seperti pahlawan fantasi moden, dia mengubah perincian dalam reka bentuknya, seolah-olah yang lain tidak dapat menggunakannya.

Leonardo da Vinci bekerja dalam pelbagai jenis dan genre seni, tetapi melukis membuatnya terkenal.

Salah satu lukisan terawal oleh Leonardo adalah Madonna dengan Bunga atau Madonna Benoit. Sudah di sini artis bertindak sebagai inovator sejati. Ini mengatasi kerangka plot tradisional dan memberikan gambaran makna manusia yang lebih luas dan universal, yang merupakan kegembiraan dan cinta ibu. Dalam karya ini, banyak ciri seni pelukis ditunjukkan dengan jelas: komposisi tokoh dan bentuk tiga dimensi yang jelas, keinginan untuk laconicism dan generalisasi, ekspresi psikologi.

Kesinambungan dari tema yang dimulakan adalah lukisan "Madonna Litta", di mana ciri lain dari karya artis itu jelas diperlihatkan - drama bertentangan. Tema ini dilengkapkan dengan lukisan "Madonna in the grotto", di mana penyelesaian komposisi yang ideal dicatat, berkat tokoh-tokoh Madonna, Kristus dan malaikat yang digabungkan bergabung dengan lanskap menjadi satu keseluruhan, dikurniakan keseimbangan yang tenang dan keharmonian.

Salah satu ketinggian karya Leonardo adalah lukisan dinding "Perjamuan Terakhir" di ruang makan biara Santa Maria Della Grazie. Karya ini memukau bukan hanya dengan komposisi keseluruhannya, tetapi juga dengan ketepatannya. Leonardo tidak hanya menyampaikan keadaan psikologi para rasul, tetapi melakukannya pada saat ia mencapai titik kritikal, berubah menjadi ledakan dan konflik psikologi. Letupan ini disebabkan oleh kata-kata Kristus: "Salah seorang dari kamu akan mengkhianati saya." Dalam karya ini, Leonardo menggunakan teknik perbandingan angka secara konkrit, berkat setiap watak muncul sebagai keperibadian dan keperibadian yang unik.

Puncak kedua karya Leonard adalah potret terkenal Mona Lisa, atau "La Gioconda". Karya ini menandakan permulaan genre potret psikologi dalam seni Eropah. Semasa menciptanya, tuan yang hebat itu menggunakan seluruh sarana ekspresi artistik dengan cemerlang: kontras yang tajam dan halftone yang lembut, pergerakan yang tidak stabil dan kelancaran dan kebolehubahan umum, nuansa dan peralihan psikologi yang paling halus. Seluruh genius Leonardo terletak pada pandangan Mona Lisa yang luar biasa meriah, senyuman misteri dan misteriusnya, kabut mistik yang meliputi pemandangan. Karya ini adalah salah satu karya seni yang paling jarang.

Setiap orang yang melihat "La Gioconda" yang dibawa dari Louvre di Moscow akan mengingati saat-saat tuli mereka yang lengkap di dekat kanvas kecil ini, ketegangan yang terbaik dalam diri. La Gioconda kelihatan seperti "Martian", wakil yang tidak diketahui - ia mestilah masa depan, bukan masa lalu suku manusia, perwujudan keharmonian, yang dunia tidak bosan dan tidak akan pernah letih untuk bermimpi.

Banyak lagi yang dapat diperkatakan mengenai dirinya. Tertanya-tanya bahawa ini bukan fiksyen atau khayalan. Sebagai contoh, anda boleh ingat bagaimana dia mencadangkan untuk memindahkan Katedral San Giovanni - karya ini memukau kita, penduduk abad kedua puluh.

Leonardo berkata: "Seorang seniman yang baik mesti dapat melukis dua perkara utama: seseorang dan gambaran jiwanya. Atau dikatakan mengenai "Columbine" dari St Petersburg Hermitage? Sebilangan penyelidik menyebutnya "La Gioconda", bukan kanvas Louvre.

Boy Nardo, itulah namanya di Vinci: anak haram dari notaris sastera, yang menganggap burung dan kuda adalah makhluk terbaik di Bumi. Dicintai oleh semua orang dan kesepian, membengkokkan pedang keluli dan menarik yang digantung. Menciptakan jambatan di atas Bosphorus dan sebuah bandar yang ideal, lebih indah daripada Corbusier dan Niemeyer. Bernyanyi di baritone lembut dan membuat Mona Lisa tersenyum. Dalam salah satu buku catatan terakhirnya, lelaki bertuah ini menulis: "Sepertinya saya belajar hidup, tetapi saya belajar mati." Namun, dia kemudian menyimpulkan: "Kehidupan yang hidup dengan baik adalah umur yang panjang."

Bolehkah anda tidak bersetuju dengan Leonardo?

SANDRO BOTTICELLI.

Sandro Botticelli dilahirkan di Florence pada tahun 1445 dalam keluarga penyamakan kulit.

Karya asli pertama kali Botticelli dianggap "Pemujaan Orang Majus" (sekitar tahun 1740), di mana harta utama dari cara asalnya - mimpi dan puisi halus - telah sepenuhnya terserlah. Dia berbakat dengan rasa puisi yang semula jadi, tetapi sentuhan kesedihan kontemplatif yang jelas menyinari dirinya secara harfiah dalam segala hal. Bahkan Saint Sebastian, yang terseksa oleh anak panah penyeksanya, memandangnya dengan penuh pertimbangan dan terpisah.

Pada akhir 1470-an, Botticelli menjadi dekat dengan lingkaran penguasa Florence yang sebenarnya, Lorenzo Medici, yang dijuluki Magnificent. Di kebun-kebun Lorenzo yang mewah, masyarakat berkumpul, mungkin yang paling tercerahkan dan berbakat di Florence. Terdapat ahli falsafah, penyair, pemuzik. Suasana kekaguman terhadap kecantikan memerintah, dan bukan hanya keindahan seni, tetapi juga keindahan hidup dihargai. Zaman purba dianggap sebagai prototaip seni ideal dan kehidupan ideal, yang dirasakan, bagaimanapun, melalui prisma lapisan falsafah kemudian. Tanpa keraguan, di bawah pengaruh suasana ini diciptakan lukisan besar pertama oleh Botticelli "Primavera (Spring)". Ini adalah mimpi indah, indah, indah dari kitaran abadi, pembaharuan semula jadi yang berterusan. Ia diserap oleh irama muzik yang paling rumit dan aneh. Sosok Flora, dihiasi dengan bunga-bunga, dari bunga-bunga menari di Taman Eden mewakili gambar-gambar keindahan yang belum pernah dilihat pada masa itu dan dengan itu memberikan kesan yang sangat menawan. Young Botticelli segera mendapat tempat yang luar biasa di kalangan tuan-tuan pada zamannya.

Ini adalah reputasi tinggi pelukis muda yang memberikannya pesanan untuk lukisan dinding alkitabiah untuk Kapel Sistina Vatikan, yang diciptakannya pada awal tahun 1480-an di Roma. Dia menulis Scenes from the Life of Moses, The Punishment of Korea, Dathan dan Aviron, menunjukkan keterampilan komposisi yang luar biasa. Ketenangan klasik dari bangunan antik, yang menentang tindakan Botticelli, berbeza dengan irama dramatik watak dan hasrat yang digambarkan; pergerakan badan manusia rumit, keliru, tepu dengan kekuatan letupan; ada kesan keharmonian yang terguncang, pertahanan dunia yang dapat dilihat di hadapan tekanan masa dan kehendak manusia yang tidak teratur. Lukisan dinding Kapel Sistine untuk pertama kalinya menyatakan kegelisahan mendalam yang hidup di jiwa Botticelli, yang bertambah kuat dari masa ke masa. Lukisan dinding yang sama menggambarkan bakat luar biasa Botticelli sebagai pelukis potret: masing-masing dari banyak wajah yang dicat benar-benar asli, unik dan tidak dapat dilupakan ...

Pada tahun 1480-an, kembali ke Florence, Botticelli terus bekerja tanpa lelah, tetapi kejelasan mengenai "Contoh" sudah tenang. Pada pertengahan dekad, dia menulis "Kelahiran Venus" yang terkenal. Para penyelidik mencatat dalam karya-karya tuan yang kemudiannya mengenai moralisme, keagamaan yang sebelumnya tidak khas.

Mungkin lebih penting daripada lukisan kemudian, lukisan Botticelli pada tahun 90-an - ilustrasi untuk Dante's Divine Comedy. Dia melukis dengan kegembiraan yang jelas dan tidak tersembunyi; visi penyair agung disampaikan dengan penuh kasih dan hati-hati oleh kesempurnaan perkadaran banyak tokoh, organisasi ruang yang bijaksana, akal yang tidak habis-habisnya dalam mencari kesamaan visual dari kata puitis ...

Walaupun ada ribut dan krisis mental, hingga akhir (dia meninggal pada tahun 1510), Botticelli tetap menjadi seniman yang hebat, penguasa seninya. Ini dibuktikan dengan jelas oleh pemahat wajah yang mulia dalam "Potret Seorang Pemuda", ciri ekspresif model yang tidak ragu-ragu mengenai martabat manusia yang tinggi, lukisan padat tuannya dan penampilannya yang baik hati.

Sandro Botticelli(1 Mac 1445 - 17 Mei 1510) - orang yang sangat beragama, bekerja di semua gereja besar di Florence dan di Kapel Sistina Vatikan, bagaimanapun, dalam sejarah seni dia tetap utamanya sebagai pengarang lukisan puisi berformat besar mengenai subjek yang diilhamkan oleh zaman kuno klasik, - "Spring" dan "The Birth of Venus". ...

Untuk masa yang lama, Botticelli berada dalam bayangan raksasa Renaissance yang mengusahakannya sehingga dia ditemui semula oleh Pra-Raphaelites Inggeris pada pertengahan abad ke-19, yang menghormati garis lurus dan kesegaran musim bunga lukisannya yang matang sebagai titik tertinggi dalam perkembangan seni dunia.

Dilahirkan dalam keluarga penghuni kota kaya Mariano di Vanni Filipepi. Mendapat pendidikan yang baik. Dia belajar melukis dengan biksu Filippo Lippi dan mengadopsi dari dia minat untuk menggambarkan motif menyentuh yang membezakan lukisan sejarah Lippi. Kemudian dia bekerja untuk pengukir terkenal Verrocchio. Pada tahun 1470 dia menganjurkan bengkelnya sendiri ..

Dia mengadopsi kehalusan dan ketepatan garis dari saudara keduanya, yang merupakan tukang emas. Untuk beberapa lama dia belajar dengan Leonardo da Vinci di bengkel Verrocchio. Ciri asli bakat Botticelli sendiri adalah kegemarannya yang hebat. Dia adalah salah satu yang pertama memperkenalkan mitos kuno dan alegori ke dalam seni zamannya, dan dia bekerja dengan cinta khusus pada subjek mitologi. Terutama yang menakjubkan adalah Venus-nya, yang berenang telanjang di laut dengan cangkang, dan para dewa angin menghujani dia dengan hujan mawar, dan mendorong cangkang ke pantai.

Penciptaan terbaik Botticelli dianggap sebagai lukisan dinding yang dimulakannya pada tahun 1474 di Kapel Sistina Vatikan. Selesai banyak lukisan yang ditugaskan oleh Medici. Secara khusus, dia melukis sepanduk Giuliano Medici, saudara Lorenzo the Magnificent. Pada tahun 1470-an dan 1480-an, potret menjadi genre bebas dalam karya Botticelli (Man with a Medal, c. 1474; Young Man, 1480s). Botticelli terkenal dengan rasa estetiknya yang halus dan karya seperti "Annunciation" (1489-1490), "Abandoned" (1495-1500), dll. Pada tahun-tahun terakhir hidupnya, Botticelli, nampaknya, lukisan kiri ..

Sandro Botticelli dikebumikan di makam keluarga di gereja Onisanti di Florence. Menurut wasiat itu, dia dikebumikan di dekat kubur Simonetta Vespucci, yang mengilhami gambar tuan yang paling indah.

Leonardo di ser Piero da Vinci(15 April 1452, kampung Anchiano, berhampiran bandar Vinci, berhampiran Florence - 2 Mei 1519, - seniman Itali yang hebat (pelukis, pemahat, arkitek) dan saintis (ahli anatomi, naturalis), penemu, penulis, satu wakil terbesar seni Renaissance Tinggi, contoh yang jelas dari "manusia sejagat."

Bagi sezaman kita, Leonardo terutama dikenali sebagai seniman. Di samping itu, ada kemungkinan da Vinci boleh menjadi pemahat: penyelidik dari Universiti Perugia - Giancarlo Gentilini dan Carlo Sisi - mendakwa bahawa kepala terakota yang mereka dapati pada tahun 1990 adalah satu-satunya karya patung Leonardo da Vinci yang telah jatuh kepada kita. Namun, da Vinci sendiri pada masa yang berbeza dalam hidupnya menganggap dirinya sebagai jurutera atau saintis. Dia tidak meluangkan banyak masa untuk seni rupa dan bekerja agak perlahan. Oleh itu, warisan seni Leonardo secara kuantitatif tidak hebat, dan sejumlah karyanya telah hilang atau rusak parah. Walau bagaimanapun, sumbangannya kepada budaya seni dunia sangat penting walaupun dengan latar belakang kumpulan genius yang diberikan oleh Renaissance Itali. Berkat karya-karyanya, seni melukis bergerak ke tahap baru yang kualitatif dalam pengembangannya. Para seniman Renaissance yang mendahului Leonardo dengan tegas meninggalkan banyak konvensi seni abad pertengahan. Ini adalah gerakan menuju realisme dan banyak yang telah dicapai dalam studi perspektif, anatomi, kebebasan yang lebih besar dalam keputusan komposisi. Tetapi dari segi keramahan, bekerja dengan cat, para seniman masih cukup konvensional dan terkekang. Garis dalam gambar menggariskan subjek dengan jelas, dan gambar itu kelihatan seperti lukisan yang dilukis. Yang paling bersyarat adalah pemandangan, yang memainkan peranan sekunder. ...

Leonardo menyedari dan mewujudkan teknik melukis baru. Garisnya berhak kabur, kerana inilah cara kita melihatnya. Dia menyedari fenomena penyerakan cahaya di udara dan kemunculan sfumato - jerebu antara penonton dan objek yang digambarkan, yang melembutkan perbezaan warna dan garis. Akibatnya, realisme dalam lukisan bergerak ke tahap baru secara kualitatif. ... Renaissance painting botticelli renaissance

Raphael Santi(28 Mac 1483 - 6 April 1520) - pelukis Itali yang hebat, artis grafik dan arkitek, wakil sekolah Umbria ..

Anak pelukis Giovanni Santi menjalani latihan seni awalnya di Urbino bersama ayahnya Giovanni Santi, tetapi pada usia muda dia mendapati dirinya berada di studio artis terkenal Pietro Perugino. Ini adalah bahasa artistik dan citra lukisan Perugino dengan tarikan mereka terhadap komposisi seimbang simetris, kejelasan penyelesaian ruang dan kelembutan dalam penyelesaian warna dan pencahayaan yang mempunyai pengaruh utama pada gaya Raphael muda.

Perlu juga dinyatakan bahawa tulisan tangan kreatif Raphael termasuk sintesis teknik dan penemuan tuan lain. Pada mulanya, Raphael bergantung pada pengalaman Perugino, kemudian bergantian - pada penemuan Leonardo da Vinci, Fra Bartolomeo, Michelangelo. ...

Karya awal (Madonna Conestabile 1502-1503) dijiwai dengan anugerah, lirik yang lembut. Dia memuliakan kewujudan duniawi manusia, keharmonian kekuatan rohani dan jasmani dalam lukisan ruangan Vatikan (1509-1517), setelah mencapai rasa proporsi, irama, perkadaran, warna yang indah, kesatuan tokoh dan latar belakang seni bina yang megah ..

Di Florence, setelah berhubungan dengan ciptaan Michelangelo dan Leonardo, Raphael belajar dari mereka penggambaran tubuh manusia yang betul secara anatomi. Pada usia 25 tahun, seniman itu mendapati dirinya berada di Rom, dan sejak saat itu bermulanya perbungaan tertinggi karyanya: dia membuat mural monumental di Istana Vatikan (1509-1511), termasuk karya agung - yang fresco "School of Athens", menulis komposisi mezbah dan lukisan easel, yang dibezakan oleh keharmonian reka bentuk dan pelaksanaan, berfungsi sebagai arkitek (untuk beberapa waktu Raphael bahkan mengawasi pembinaan Katedral St Peter). Dalam penat lelah mencari cita-citanya, yang diwujudkan untuk seniman dalam gambar Madonna, dia mencipta ciptaannya yang paling sempurna - "The Sistine Madonna" (1513), simbol keibuan dan penyangkalan diri. Lukisan dan lukisan Raphael diakui oleh orang-orang sezamannya, dan tidak lama kemudian Santi menjadi tokoh utama dalam kehidupan seni Rom. Ramai orang bangsawan Itali ingin berhubungan dengan artis, termasuk rakan karib Raphael, Kardinal Bibbien. Artis itu meninggal pada usia tiga puluh tujuh tahun akibat sakit jantung. Lukisan Villa Farnesina, Vatican Loggias dan karya-karya lain yang belum selesai disiapkan oleh pelajar Raphael sesuai dengan lakaran dan gambarnya.

Salah satu wakil terbesar seni Renaissance Tinggi, yang lukisannya dicirikan oleh keseimbangan dan keharmonian yang ditekankan secara keseluruhan, ketenangan komposisi, irama yang diukur dan penggunaan warna yang halus. Penguasaan garis yang sempurna dan kemampuan untuk meringkaskan dan menyoroti perkara utama, menjadikan Raphael sebagai salah satu master lukisan yang paling hebat sepanjang masa. Warisan Raphael berfungsi sebagai salah satu tonggak dalam pembentukan akademik Eropah. Penganut klasikisme - saudara Carracci, Poussin, Mengs, David, Ingres, Bryullov dan banyak artis lain - memuji warisan Raphael sebagai fenomena paling sempurna dalam seni dunia ..

Titian Vecellio(1476/1477 atau 1480-an - 1576) - pelukis Renaissance Itali. Nama Titian setara dengan seniman Renaissance seperti Michelangelo, Leonardo da Vinci dan Raphael. Titian melukis gambar mengenai subjek alkitabiah dan mitologi, dia menjadi terkenal sebagai pelukis potret. Dia menerima perintah dari raja dan paus, kardinal, duk dan pangeran. Titian bahkan tidak berusia tiga puluh tahun ketika dia diakui sebagai pelukis terbaik di Venice ..

Selepas tempat kelahirannya (Pieve di Cadore di wilayah Belluno), dia kadang-kadang dipanggil da Cadore; juga dikenali sebagai Titian the Divine ..

Titian dilahirkan dalam keluarga Gregorio Vecellio, seorang negarawan dan pemimpin tentera. Pada usia sepuluh tahun, dia dihantar bersama saudaranya ke Venice untuk belajar dengan ahli mosaik terkenal Sebastian Zuccato. Beberapa tahun kemudian dia memasuki bengkel Giovanni Bellini sebagai magang. Dia belajar dengan Lorenzo Lotto, Giorgio da Castelfranco (Giorgione) dan sebilangan artis lain yang kemudian menjadi terkenal.

Pada tahun 1518 Titian melukis lukisan "The Ascension of Our Lady", pada tahun 1515 - Salome dengan kepala John the Baptist. Dari tahun 1519 hingga 1526 dia melukis sejumlah mezbah, termasuk mezbah keluarga Pesaro ..

Titian menjalani kehidupan yang panjang. Sehingga hari-hari terakhir, dia tidak berhenti bekerja. Titian melukis lukisan terakhirnya, Lamentation of Christ, untuk batu nisannya sendiri. Artis itu meninggal akibat wabak di Venice pada 27 Ogos 1576, kerana dijangkiti jangkitan dari anaknya, merawatnya ..

Maharaja Charles V memanggil Titian kepadanya dan mengepungnya dengan hormat dan hormat dan berkata lebih dari sekali: "Saya dapat membuat duke, tetapi di mana saya akan mendapatkan Titian kedua." Ketika suatu hari artis menjatuhkan kuasnya, Charles V mengangkatnya dan berkata: "Melayani Titian adalah suatu kehormatan bahkan bagi maharaja." Kedua-dua raja Sepanyol dan Perancis mengundang Titian ke tempat mereka, untuk menetap di istana, tetapi seniman itu, setelah menyelesaikan perintah itu, selalu kembali ke tempat asalnya di Venice, sebuah kawah di Mercury dinamai Titian. ...

Bagi orang Eropah, tempoh Zaman Pertengahan yang suram berakhir, diikuti oleh Renaissance. Ia membolehkan kebangkitan semula warisan kuno yang hampir pupus dan penciptaan karya seni yang hebat. Saintis Renaissance juga memainkan peranan penting dalam pembangunan umat manusia.

Paradigma

Krisis dan kehancuran Byzantium menyebabkan kemunculan di Eropah ribuan pendatang Kristian yang membawa buku bersama mereka. Dalam naskah ini, pengetahuan mengenai zaman kuno dikumpulkan, setengah dilupakan di barat benua. Mereka menjadi asas humanisme, yang meletakkan seseorang, ideanya dan keinginan untuk kebebasan berada di barisan hadapan. Seiring waktu, di kota-kota di mana peranan bankir, perajin, pedagang dan pengrajin meningkat, pusat sains dan pendidikan sekular mulai muncul, yang bukan hanya tidak berada di bawah kekuasaan Gereja Katolik, tetapi sering melawan perintahnya.

Lukisan oleh Giotto (Renaissance)

Artis pada Abad Pertengahan mencipta karya yang mengandungi kandungan agama. Khususnya, lukisan ikon merupakan genre utama lukisan sejak sekian lama. Yang pertama memutuskan untuk menampilkan orang biasa di kanvasnya, serta meninggalkan cara penulisan kanonik yang wujud di sekolah Byzantine, adalah Giotto di Bondone, yang dianggap sebagai pelopor Proto-Renaissance. Di lukisan dinding Gereja San Francesco, yang terletak di kota Assisi, dia menggunakan permainan chiaroscuro dan berangkat dari struktur komposisi yang diterima umum. Namun, karya utama Giotto adalah lukisan kapel del Arena di Padua. Menariknya, segera setelah pesanan ini, artis itu dijemput untuk menghiasi balai kota. Semasa mengerjakan salah satu lukisan, untuk mencapai kebolehpercayaan terbesar dalam penggambaran "tanda surgawi", Giotto berunding dengan ahli astronomi Pietro d'Abano. Oleh itu, terima kasih kepada artis ini, lukisan berhenti menggambarkan manusia, objek dan fenomena semula jadi mengikut kanon tertentu dan menjadi lebih realistik.

Leonardo da Vinci

Banyak tokoh Renaissance mempunyai bakat serba boleh. Namun, tidak ada yang dapat membandingkan dalam fleksibilitasnya dengan Leonardo da Vinci. Dia membuktikan dirinya sebagai pelukis, arkitek, pemahat, anatomi, naturalis dan jurutera yang luar biasa.

Pada tahun 1466, Leonardo da Vinci pergi belajar di Florence, di mana, selain melukis, dia belajar kimia dan melukis, dan juga memperoleh kemahiran bekerja dengan logam, kulit dan plaster.

Sudah kanvas pertama artis memilih dia di antara rakan-rakannya di kedai. Selama hidupnya yang panjang, pada masa itu, 68 tahun, Leonardo da Vinci mencipta karya seperti "Mona Lisa", "John the Baptist", "Lady with a Ermine", "Last Supper", dll.

Seperti tokoh-tokoh terkenal Renaissance yang lain, artis ini berminat dengan sains dan kejuruteraan. Secara khusus, diketahui bahawa kunci pistol roda yang diciptakan olehnya digunakan sehingga abad ke-19. Di samping itu, Leonardo da Vinci membuat gambar parasut, mesin terbang, lampu pencarian, teleskop dengan dua lensa, dll.

Michelangelo

Apabila persoalan mengenai apa yang diberikan oleh tokoh-tokoh Renaissance kepada dunia, senarai pencapaian mereka semestinya mengandungi karya arkitek, seniman dan pemahat yang luar biasa ini.

Antara ciptaan Michelangelo Buonarroti yang paling terkenal adalah lukisan dinding siling Kapel Sistine, patung Daud, patung Bacchus, patung marmar Madonna of Bruges, lukisan "The Torment of St. Anthony" dan banyak lagi karya seni dunia yang lain.

Raphael Santi

Artis itu dilahirkan pada tahun 1483 dan hidup hanya selama 37 tahun. Namun, warisan besar Raphael Santi meletakkannya di barisan pertama dari sebarang peringkat simbolik "Tokoh-tokoh Luar Biasa yang Renaissance".

Antara karya seni artis adalah "Mahkota Maria" untuk mezbah Oddi, "Potret Pietro Bembo", "Lady with the Unicorn", banyak lukisan dinding yang ditugaskan untuk Stanza della Senyatura, dll.

Puncak kreativiti Raphael dianggap sebagai "Sistine Madonna", yang diciptakan untuk mezbah gereja biara St. Sixtus di Piacenza. Gambar ini memberikan kesan yang tidak dapat dilupakan kepada siapa pun yang melihatnya, kerana Maria menggambarkannya dengan cara yang tidak dapat difahami menggabungkan inti bumi dan surgawi dari Ibu Tuhan.

Albrecht Durer

Tokoh-tokoh terkenal Renaissance bukan sahaja orang Itali. Antaranya ialah pelukis Jerman dan ahli ukiran Albrecht Durer, yang dilahirkan di Nuremberg pada tahun 1471. Karya-karyanya yang paling penting adalah Landauer's Altar, potret diri (1500), lukisan The Feast of Rose Wreaths, dan tiga Bengkel Ukiran. Yang terakhir ini dianggap karya seni grafik sepanjang masa dan masyarakat.

Titian

Tokoh-tokoh hebat Renaissance dalam bidang melukis telah meninggalkan kita dengan gambar-gambar sezaman mereka yang paling terkenal. Salah satu pelukis potret yang luar biasa pada zaman seni Eropah ini adalah Titian, yang berasal dari keluarga Vecellio yang terkenal. Dia mengabadikan pada kanvas Federico Gonzaga, Charles V, Clarissa Strozzi, Pietro Aretino, arkitek Giulio Romano dan banyak lagi. Di samping itu, kuasnya termasuk kanvas pada subjek mitologi kuno. Sejauh mana seniman itu dihargai oleh orang-orang sezamannya dibuktikan oleh fakta bahawa apabila sikat yang jatuh dari tangan Titian tergesa-gesa untuk dijemput oleh Maharaja Charles V. Raja menjelaskan tindakannya dengan mengatakan bahawa melayani tuan seperti itu adalah suatu kehormatan sesiapa.

Sandro Botticelli

Artis itu dilahirkan pada tahun 1445. Pada mulanya, dia akan menjadi tukang emas, tetapi kemudian dia berakhir di bengkel Andrea Verrocchio, dengan siapa Leonardo da Vinci belajar pada satu masa. Bersama dengan karya-karya tema keagamaan, artis tersebut membuat beberapa lukisan dengan kandungan sekular. Karya-karya Botticelli merangkumi lukisan The Birth of Venus, Spring, Pallas and the Centaur dan banyak lagi.

Dante Alighieri

Tokoh-tokoh hebat Renaissance telah meninggalkan tanda kekal mereka dalam kesusasteraan dunia. Salah satu penyair yang paling terkenal pada zaman ini adalah Dante Alighieri, lahir pada tahun 1265 di Florence. Pada usia 37 tahun, dia diusir dari kampung halamannya kerana pandangan politiknya dan mengembara hingga tahun-tahun terakhir hidupnya.

Semasa kecil, Dante jatuh cinta dengan rakan sebaya Beatrice Portinari. Membesar, gadis itu berkahwin lain dan meninggal pada usia 24 tahun. Beatrice menjadi muse penyair, dan baginya dia mendedikasikan karya-karyanya, termasuk kisah "Hidup Baru". Pada tahun 1306 Dante mula membuat "Komedi Ilahi", di mana dia telah bekerja selama hampir 15 tahun. Di dalamnya, dia memperlihatkan keburukan masyarakat Itali, kejahatan paus dan kardinal, dan di "firdaus" dia menempatkan Beatrice-nya.

William Shakespeare

Walaupun idea-idea Renaissance sampai di Kepulauan British dengan sedikit kelewatan, karya seni yang luar biasa juga diciptakan di sana.

Khususnya, salah satu penulis drama paling terkenal dalam sejarah umat manusia, William Shakespeare, bekerja di England. Selama lebih dari 500 tahun, lakonannya tidak meninggalkan pentas teater di seluruh pelosok dunia. Dia menulis tragedi "Othello", "Romeo dan Juliet", "Hamlet", "Macbeth", serta komedi "Twelfth Night", "Banyak Ado About Nothing" dan banyak lagi. Selain itu, Shakespeare terkenal dengan anak buahnya yang didedikasikan untuk Swarthy Lady yang misterius.

Leon Battista Alberti

Renaissance juga menyumbang kepada perubahan penampilan bandar-bandar Eropah. Dalam tempoh ini, karya seni bina yang hebat diciptakan, termasuk Katedral Rom St. Peter, tangga Laurenziana, Katedral Florence, dll. Bersama dengan Michelangelo, saintis terkenal Leon Battista Alberti adalah antara arkitek terkenal Renaissance. Dia memberikan sumbangan besar terhadap seni bina, teori seni dan sastera. Bidang minatnya juga merangkumi masalah pedagogi dan etika, matematik dan kartografi. Dia mengarang salah satu karya ilmiah pertama mengenai seni bina, yang berjudul "Sepuluh Buku mengenai Seni Bina." Karya ini memberi kesan besar kepada generasi rakan sekerjanya yang seterusnya.

Sekarang anda sudah mengetahui tokoh-tokoh budaya Renaissance yang paling terkenal, yang berkat peradaban manusia memasuki tahap baru perkembangannya.

7 Ogos 2014

Pelajar seni dan orang-orang yang berminat dalam sejarah seni tahu bahawa pada pergantian abad ke-14 hingga ke-15 berlaku perubahan mendadak dalam lukisan - Zaman Renaissance. Sekitar tahun 1420-an, semua orang tiba-tiba menjadi lebih baik dalam melukis. Mengapa gambar tiba-tiba menjadi begitu realistik dan terperinci, dan cahaya dan kelantangan muncul dalam lukisan? Tidak ada yang memikirkan perkara ini untuk masa yang lama. Sehingga David Hockney mengambil kaca pembesar.

Mari cari apa yang dijumpainya ...

Dia pernah melihat gambar Jean Auguste Dominique Ingres, pemimpin sekolah akademik Perancis abad ke-19. Hockney menjadi tertarik untuk melihat gambar-gambar kecilnya pada skala yang lebih besar, dan dia memperbesarnya dengan mesin fotokopi. Ini adalah bagaimana dia menemui sisi rahsia dalam sejarah lukisan sejak zaman Renaissance.

Setelah membuat salinan gambar kecil Ingres (sekitar 30 sentimeter), Hockney kagum melihat betapa realistiknya gambar itu. Dan sepertinya baginya garis-garis Ingres adalah sesuatu untuknya
ingatkan. Ternyata mereka mengingatkannya akan karya Warhol. Dan Warhol melakukan ini - dia memproyeksikan foto ke kanvas dan menggariskannya.

Kiri: Perincian lukisan oleh Ingres. Kanan: Gambar oleh Mao Zedong Warhol

Kes menarik, kata Hockney. Rupa-rupanya Ingres menggunakan Kamera Lucida - peranti yang merupakan struktur dengan prisma yang terpasang, misalnya, pada dudukan tablet. Oleh itu, seniman, melihat gambarnya dengan satu mata, melihat gambar sebenar, dan yang lain - gambar itu sendiri dan tangannya. Ternyata ilusi optik yang membolehkan anda memindahkan perkadaran kehidupan sebenar ke kertas dengan tepat. Dan inilah tepatnya "jaminan" realisme citra.

Melukis potret dengan kamera lucida, 1807

Kemudian Hockney menjadi tertarik dengan lukisan dan lukisan jenis "optik" ini. Di studionya, dia dan pasukannya telah menggantung ratusan reproduksi lukisan yang dibuat selama berabad-abad di dinding. Karya yang kelihatan "nyata" dan yang tidak. Diatur pada waktu penciptaan, dan wilayah - utara di atas, selatan di bahagian bawah, Hockney dan pasukannya melihat perubahan tajam dalam lukisan pada pergantian abad 14-15. Secara umum, setiap orang yang tahu sekurang-kurangnya sedikit mengenai sejarah seni tahu - Renaissance.

Mungkin mereka menggunakan kamera jernih yang sama? Ia dipatenkan pada tahun 1807 oleh William Hyde Wollaston. Walaupun, pada kenyataannya, alat seperti itu digambarkan oleh Johannes Kepler pada tahun 1611 dalam karyanya Dioptrice. Kemudian mungkin mereka menggunakan peranti optik lain - kamera obscura? Bagaimanapun, ia telah diketahui sejak zaman Aristoteles dan merupakan ruangan gelap di mana cahaya masuk melalui lubang kecil dan dengan demikian unjuran apa yang ada di depan lubang, tetapi terbalik, diperoleh di ruangan gelap. Semuanya akan baik-baik saja, tetapi gambar yang diperoleh ketika diproyeksikan oleh kamera lubang jarum tanpa lensa, untuk membuatnya lebih ringan, tidak berkualiti tinggi, tidak jelas, ia memerlukan banyak cahaya terang, belum lagi ukurannya unjuran. Tetapi lensa berkualiti hampir mustahil dibuat hingga abad ke-16, kerana pada masa itu tidak ada cara untuk mendapatkan kaca berkualiti seperti itu. Perkara yang perlu dilakukan, fikir Hockney, pada masa itu sudah bergelut dengan masalah dengan ahli fizik Charles Falco.

Namun, ada lukisan oleh Jan Van Eyck, pelukis Bruges dan pelukis Flemish pada zaman Renaissance awal, di mana petunjuknya disembunyikan. Lukisan tersebut disebut "Potret Pasangan Arnolfini".

Jan Van Eyck "Potret Pasangan Arnolfini" 1434

Gambar itu hanya bersinar dengan banyak perincian, yang cukup menarik, kerana hanya dilukis pada tahun 1434. Dan cermin berfungsi sebagai petunjuk bagaimana pengarang berjaya membuat langkah besar dalam realisme gambar. Dan juga candlesticknya sangat rumit dan realistik.

Hockney penuh dengan rasa ingin tahu. Dia mendapat salinan candelier seperti itu dan cuba melukisnya. Artis berhadapan dengan kenyataan bahawa perkara yang rumit itu sukar digambarkan dalam perspektif. Titik penting lain adalah materialiti gambar objek logam ini. Semasa menggambarkan objek keluli, sangat penting untuk meletakkan sorotan se realistik mungkin, kerana ini memberikan sejumlah besar realisme. Tetapi masalah dengan sorotan ini ialah mereka bergerak ketika pandangan penonton atau artis bergerak, yang bermaksud sama sekali tidak mudah untuk menangkapnya. Dan imej logam dan silau yang realistik juga merupakan ciri khas lukisan Renaissance, sebelum itu para seniman tidak pernah berusaha melakukan ini.

Dengan membuat model candelier tiga dimensi yang tepat, pasukan Hockney memastikan bahawa candelier dalam Potret Pasangan Arnolfini digambar dengan tepat dalam perspektif dengan satu titik hilang. Tetapi masalahnya ialah instrumen optik yang tepat seperti obscura kamera dengan lensa tidak ada selama kira-kira satu abad setelah lukisan itu dibuat.

Fragmen lukisan karya Jan Van Eyck "Potret Pasangan Arnolfini" 1434

Fragmen yang diperbesar menunjukkan bahawa cermin dalam lukisan "Potret Pasangan Arnolfini" adalah cembung. Jadi ada cermin sebaliknya - cekung. Lebih-lebih lagi, pada masa itu, cermin seperti itu dibuat dengan cara ini - bola kaca diambil, dan bahagian bawahnya ditutup dengan perak, maka semuanya kecuali bahagian bawahnya dipotong. Bahagian belakang cermin tidak gelap. Ini bermaksud bahawa cermin cekung Jan Van Eyck boleh menjadi cermin yang sama yang digambarkan dalam gambar, hanya dari sisi belakang. Dan mana-mana ahli fizik tahu apa cermin, ketika dipantulkan, memproyeksikan gambar cermin yang dipantulkan. Di sinilah ahli fizik rakannya Charles Falco membantu David Hockney dengan pengiraan dan penyelidikan.

Cermin cekung memproyeksikan gambar menara di luar tingkap ke kanvas.

Bahagian unjuran yang jelas dan fokus adalah kira-kira 30 sentimeter persegi, yang sama dengan ukuran kepala di banyak potret Renaissance.

Hockney menggariskan unjuran seseorang di atas kanvas

Ini adalah ukuran, misalnya, potret "Doge Leonardo Loredana" karya Giovanni Bellini (1501), potret seorang lelaki oleh Robert Campen (1430), potret Jan Van Eyck sendiri "seorang lelaki dengan serban merah" dan banyak potret Belanda yang lebih awal.

Potret Renaissance

Mengecat adalah pekerjaan yang sangat berbaloi, dan secara semula jadi, semua rahsia perniagaan disimpan dengan penuh keyakinan. Sangat bermanfaat bagi seniman bahawa semua orang yang belum tahu percaya bahawa rahsia itu ada di tangan tuan dan tidak dapat dicuri. Perniagaan ini ditutup untuk orang luar - para seniman berada di persatuan, dan pengrajin yang paling bervariasi ada di dalamnya - dari mereka yang membuat pelana hingga mereka yang membuat cermin. Dan di Guild of Saint Luke, yang didirikan di Antwerp dan pertama kali disebut pada tahun 1382 (kemudian guild serupa dibuka di banyak bandar utara, dan salah satu yang terbesar adalah guild di Bruges - kota di mana Van Eyck tinggal) juga mempunyai master. cermin.

Oleh itu, Hockney mencipta semula bagaimana anda dapat melukis candelier kompleks dari lukisan karya Van Eyck. Tidak menghairankan bahawa ukuran candelier yang diproyeksikan oleh Hockney sama persis dengan ukuran candelier dalam lukisan "Potret Pasangan Arnolfini". Dan, tentu saja, silau pada logam - pada unjuran, mereka tidak bergerak dan tidak berubah apabila artis berubah kedudukan.

Tetapi masalahnya masih belum dapat diselesaikan sepenuhnya, kerana sebelum munculnya optik berkualiti tinggi, yang diperlukan untuk menggunakan kamera lubang jarum, masih ada 100 tahun lagi, dan ukuran unjuran yang diperoleh dengan bantuan cermin sangat kecil . Bagaimana melukis gambar yang lebih besar dari 30 sentimeter persegi? Mereka diciptakan sebagai kolaj - dari berbagai sudut pandang, ternyata semacam penglihatan sfera dengan banyak titik hilang. Hockney menyedari ini kerana dia sendiri terlibat dalam gambar seperti itu - dia membuat banyak kolaj foto di mana kesan yang sama dicapai.

Hampir satu abad kemudian, pada tahun 1500-an, akhirnya dapat memperoleh dan memproses kaca dengan baik - lensa besar muncul. Dan mereka akhirnya dapat dimasukkan ke dalam kamera obscura, yang prinsipnya telah diketahui sejak zaman kuno. Obscura kamera lensa adalah revolusi luar biasa dalam seni visual kerana unjurannya sekarang boleh menjadi ukuran apa pun. Dan satu perkara lagi, sekarang gambarnya bukan "sudut lebar", tetapi kira-kira aspek normal - iaitu, hampir sama dengan hari ini ketika mengambil gambar dengan lensa dengan panjang fokus 35-50mm.

Namun, masalah penggunaan kamera lubang jarum dengan lensa adalah bahawa unjuran ke depan dari lensa dicerminkan. Ini menyebabkan sebilangan besar orang kidal melukis pada peringkat awal penggunaan optik. Seperti dalam lukisan ini dari tahun 1600-an dari muzium Frans Hals, di mana sepasang tangan kiri menari, seorang lelaki tua dengan tangan kiri mengancam mereka dengan jari, dan monyet kidal mengintip di bawah gaun wanita itu.

Dalam gambar ini, semua orang kidal.

Masalahnya diselesaikan dengan memasang cermin ke mana lensa diarahkan, sehingga memperoleh unjuran yang betul. Tetapi nampaknya, cermin yang baik, rata dan besar memerlukan banyak wang, jadi tidak semua orang memilikinya.

Fokus adalah masalah lain. Faktanya adalah bahawa beberapa bahagian gambar pada satu posisi kanvas di bawah sinar unjuran tidak fokus, tidak jelas. Dalam karya Jan Vermeer, di mana penggunaan optik dapat dilihat dengan jelas, karyanya umumnya seperti gambar, anda juga dapat melihat tempat-tempat yang tidak fokus. Anda juga dapat melihat gambar yang diberikan oleh lensa - "bokeh" yang terkenal. Seperti contohnya di sini, dalam lukisan "The Milkwoman" (1658), bakul, roti di dalamnya dan pasu biru tidak fokus. Tetapi mata manusia tidak dapat melihat "tidak fokus".

Beberapa perincian lukisan tidak fokus

Mengingat semua ini, sama sekali tidak mengejutkan bahawa rakan baik Jan Vermeer adalah Anthony Phillips van Leeuwenhoek, seorang saintis dan ahli mikrobiologi, dan juga seorang master unik yang membuat mikroskop dan lensa sendiri. Saintis itu menjadi pengurus anumerta artis. Dan ini memungkinkan kita untuk menganggap bahawa Vermeer menggambarkan rakannya tepat di dua kanvas - "Geographer" dan "Astronomer".

Untuk melihat bahagian mana pun dalam fokus, anda perlu mengubah kedudukan kanvas di bawah sinar unjuran. Tetapi dalam kes ini, kesilapan perkadaran muncul. Seperti yang dapat dilihat di sini: bahu besar "Anthea" Parmigianino (sekitar tahun 1537), kepala kecil "Lady Genovese" Anthony Van Dyck (1626), kaki besar seorang petani dalam lukisan karya Georges de La Tour.

Kesalahan nisbah aspek

Sudah tentu, semua artis menggunakan lensa secara berbeza. Seseorang untuk lakaran, seseorang terdiri dari bahagian yang berbeza - bagaimanapun, sekarang mungkin untuk membuat potret, dan menyelesaikan selebihnya dengan model lain atau dengan boneka secara umum.

Velazquez juga hampir tidak mempunyai gambar. Namun, karya agungnya kekal - potret Pope Innocent yang ke-10 (1650). Jubah paus - jelas sutera - mempunyai cahaya yang indah. Blikov. Dan untuk menulis semua ini dari satu sudut pandang, perlu berusaha dengan bersungguh-sungguh. Tetapi jika anda membuat unjuran, maka semua keindahan ini tidak akan hilang - silau tidak lagi bergerak, anda boleh menulis dengan sebatan tepat dan lebar seperti Velazquez's.

Hockney menghasilkan semula lukisan karya Velazquez

Selepas itu, banyak artis dapat membeli kamera obscura, dan ini tidak lagi menjadi rahsia besar. Canaletto secara aktif menggunakan kamera untuk membuat pandangannya mengenai Venice dan tidak menyembunyikannya. Gambar-gambar ini, kerana ketepatannya, memungkinkan untuk membicarakan Canaletto sebagai pembuat filem dokumentari. Terima kasih kepada Canaletto, anda dapat melihat bukan sahaja gambar yang indah, tetapi juga sejarahnya sendiri. Anda dapat melihat apa jambatan Westminster pertama di London pada tahun 1746.

Canaletto "Jambatan Westminster" 1746

Artis Britain, Sir Joshua Reynolds memiliki kamera obscura dan nampaknya tidak memberitahu siapa pun tentangnya, kerana kameranya dilipat dan kelihatan seperti buku. Hari ini ia ditempatkan di London Science Museum.

Kamera obscura menyamar sebagai buku

Akhirnya, pada awal abad ke-19, William Henry Fox Talbot, menggunakan kamera-lucida - kamera yang anda perlu lihat dengan satu mata dan lukis dengan tangan anda, terkutuk, memutuskan bahawa ketidaknyamanan itu harus dihapuskan dengan sekali dan untuk semua, dan menjadi salah satu penemu fotografi kimia, dan kemudian menjadi popular yang menjadikannya besar.

Dengan penemuan fotografi, monopoli lukisan mengenai realisme gambar itu hilang, kini foto tersebut menjadi monopoli. Dan di sini, akhirnya, lukisan membebaskan diri dari lensa, meneruskan jalan dari mana ia berubah pada tahun 1400-an, dan Van Gogh menjadi cikal bakal semua seni abad ke-20.

Kiri: Mozek Bizantium abad ke-12. Kanan: Vincent Van Gogh, Potret Monsieur Trabuch, 1889

Penemuan fotografi adalah perkara terbaik yang berlaku dalam melukis sepanjang sejarahnya. Tidak perlu lagi membuat gambar nyata secara eksklusif, artis itu bebas. Sudah tentu, orang awam mengambil masa satu abad untuk memahami seniman dalam memahami muzik visual dan berhenti menganggap orang seperti Van Gogh sebagai "gila." Pada masa yang sama, para seniman mulai menggunakan foto secara aktif sebagai "bahan rujukan". Kemudian muncul orang-orang seperti Wassily Kandinsky, avant-garde Rusia, Mark Rothko, Jackson Pollock. Setelah lukisan, seni bina, patung dan muzik juga dibebaskan. Benar, sekolah lukisan akademik Rusia tersekat pada waktunya, dan hari ini masih memalukan di akademi dan sekolah untuk menggunakan fotografi untuk menolong, dan prestasi tertinggi dianggap sebagai kemampuan teknikal semata-mata untuk menarik se realistik mungkin dengan tangan kosong.

Terima kasih kepada artikel wartawan Lawrence Weschler, yang hadir dalam penyelidikan David Hockney dan Falco, satu lagi fakta menarik terungkap: potret pasangan Arnolfini oleh Van Eyck adalah potret seorang pedagang Itali di Bruges. Arnolfini adalah Florentine dan lebih-lebih lagi, dia adalah wakil bank Medici (hampir pemilik Florence semasa Renaissance, dianggap pelindung seni pada masa itu di Itali). Dan ini mengatakan apa? Fakta bahawa dia dapat dengan mudah mengambil rahsia persatuan St. Luke - cermin - bersamanya, ke Florence, di mana, menurut sejarah tradisional, Renaissance bermula, dan seniman dari Bruges (dan, oleh itu, tuan lain) adalah dianggap "primitivis".

Terdapat banyak kontroversi mengenai teori Hockney-Falco. Tetapi pasti ada sebutir kebenaran di dalamnya. Bagi sejarawan seni, pengkritik dan sejarawan, bahkan sukar untuk membayangkan berapa banyak karya ilmiah mengenai sejarah dan seni yang sebenarnya menjadi omong kosong, ini juga mengubah keseluruhan sejarah seni, semua teori dan teks mereka.

Penggunaan optik tidak mengurangkan bakat artis - bagaimanapun, teknik adalah kaedah untuk menyampaikan apa yang dikehendaki oleh artis. Dan sebaliknya, kenyataan bahawa ada kenyataan nyata dalam lukisan ini hanya menambah berat badan mereka - bagaimanapun, begitulah rupa orang-orang pada masa itu, perkara, premis, bandar. Ini adalah dokumen sebenar.

The Renaissance, atau Renaissance, adalah tonggak bersejarah dalam budaya Eropah. Ini adalah tahap takdir dalam pengembangan peradaban dunia, yang menggantikan ketumpatan dan kekaburan abad pertengahan dan mendahului munculnya nilai-nilai budaya pada Zaman Baru. Anthropocentrism wujud dalam warisan Renaissance - dengan kata lain, orientasi terhadap Manusia, kehidupan dan pekerjaannya. Menjauhkan diri dari dogma dan plot gereja, seni memperoleh watak sekular, dan nama zaman itu merujuk kepada kebangkitan semula motif antik dalam seni.

Renaissance, yang berasal dari Itali, biasanya terbahagi kepada tiga tahap: awal ("quattrocento"), tinggi dan kemudian. Pertimbangkan ciri-ciri karya para tuan besar yang bekerja pada zaman kuno, tetapi penting.

Pertama sekali, perlu diperhatikan bahawa pencipta Renaissance bukan hanya terlibat dalam seni rupa "murni", tetapi juga memperlihatkan diri mereka sebagai penyelidik dan penemu berbakat. Sebagai contoh, satu set peraturan untuk membina perspektif linear dijelaskan oleh seorang arkitek dari Florence bernama Filippo Brunelleschi. Undang-undang yang dirumuskan olehnya memungkinkan untuk menggambarkan dunia tiga dimensi pada kanvas dengan tepat. Seiring dengan penjelmaan idea progresif dalam lukisan, kandungan ideologinya juga telah berubah - para pahlawan lukisan menjadi lebih "duniawi", dengan kualiti dan watak peribadi yang jelas. Ini bahkan berlaku untuk karya mengenai topik yang berkaitan dengan agama.

Nama-nama yang luar biasa dalam tempoh Quattrocento (separuh kedua abad ke-15) - Botticelli, Masaccio, Masolino, Gozzoli dan lain-lain - telah mendapat tempat yang terhormat dalam perbendaharaan budaya dunia.

Semasa Renaissance Tinggi (separuh pertama abad ke-16), seluruh potensi ideologi dan kreatif para seniman terungkap sepenuhnya. Ciri khas pada masa ini adalah rujukan seni ke era kuno. Artis, bagaimanapun, sama sekali tidak menyalin subjek kuno, tetapi menggunakannya untuk membuat dan mengembangkan gaya unik mereka sendiri. Berkat ini, seni visual memperoleh konsistensi dan keparahan, menghasilkan kerahsiaan tertentu dari tempoh sebelumnya. Seni bina, patung dan lukisan pada masa ini saling melengkapi antara satu sama lain. Bangunan, lukisan dinding, lukisan yang dibuat pada zaman Renaissance Tinggi adalah karya agung. Nama-nama genius yang diakui bersinar: Leonardo da Vinci, Raphael Santi, Michelangelo Buonarotti.

Keperibadian Leonardo da Vinci memerlukan perhatian khusus. Mereka mengatakan tentang dia bahawa ini adalah lelaki yang jauh lebih awal dari zamannya. Seorang seniman, arkitek, jurutera, pencipta - ini bukan senarai lengkap hipostasis keperibadian pelbagai aspek ini.

Leonardo da Vinci dikenali oleh orang moden di jalanan terutama sebagai pelukis. Karya yang paling terkenal adalah "Mona Lisa". Dengan menggunakan teladannya, penonton dapat menghargai inovasi teknik pengarang: berkat keberanian yang unik dan pemikiran yang santai, Leonardo secara asasnya mengembangkan cara baru untuk "menghidupkan kembali" gambar.

Dengan menggunakan fenomena penyebaran cahaya, ia mencapai penurunan kontras perincian sekunder, yang meningkatkan realisme gambar ke tahap yang baru. Tuan memberi perhatian khusus kepada ketepatan anatomi perwujudan badan dalam lukisan dan grafik - bahagian angka "ideal" ditetapkan dalam "Manusia Vitruvian".

Separuh kedua abad ke-16 dan separuh pertama abad ke-17 biasanya disebut sebagai Zaman Akhir Zaman. Periode ini dicirikan oleh kecenderungan budaya dan kreatif yang sangat pelbagai, sehingga sukar untuk menilai secara jelas. Kecenderungan keagamaan di Eropah selatan, yang termaktub dalam Counter-Reformation, menyebabkan pengabaian dari pemuliaan kecantikan manusia dan cita-cita kuno. Percanggahan sentimen seperti itu dengan ideologi Renaissance yang mapan menyebabkan munculnya gaya Florentine. Lukisan dalam gaya ini dicirikan oleh palet warna yang dibuat-buat dan garis yang patah. Tuan Venetian pada masa itu - Titian dan Palladio - membentuk arah pengembangan mereka sendiri, yang mempunyai beberapa titik hubungan dengan manifestasi krisis seni.

Selain Renaissance Itali, perhatian harus diberikan pada Renaissance Utara. Artis yang tinggal di utara Pegunungan Alpen kurang dipengaruhi oleh seni kuno. Dalam karya mereka, pengaruh Gothic ditelusuri, yang bertahan hingga bermulanya era Baroque. Tokoh-tokoh hebat Renaissance Utara adalah Albrecht Durer, Lucas Cranach the Elder, Pieter Bruegel the Elder.

Warisan budaya seniman hebat Renaissance tidak ternilai harganya. Nama masing-masing disimpan dengan cemas dan hati-hati dalam ingatan umat manusia, kerana yang memakainya adalah berlian yang unik dengan banyak aspek.