Pemandangan bandar yang impresionis. Lukisan impresionis terbaik dengan nama dan foto
Konstantin Alekseevich Korovin adalah seniman, penghias Rusia yang luar biasa, salah satu seniman Rusia terbesar pada abad ini (19-20). Korovin adalah penguasa udara plein, pengarang landskap, lukisan genre, gambar hidup, potret. Artis itu dilahirkan di Moscow. Dia belajar di St Petersburg dan Moscow, dengan Savrasov dan Polenov. Konstantin Korovin adalah ahli persatuan: "Persatuan Pameran Seni Perjalanan", "Kesatuan Artis Rusia" dan "Dunia Seni". Ia dianggap sebagai salah satu wakil "impresionisme Rusia" yang paling terang.
Dalam karya Korovin, seseorang dapat melihat keinginan untuk mencapai penyelesaian bergambar sintetik melalui modulasi cahaya dan bayangan, keharmonian hubungan nada. Itulah "Idyll Utara" (1886), "Di balkoni. Sepanyol Leonora dan Ampara "(1888)," Hammerfest. Lampu Utara "(1895) dan lain-lain. Dan bersebelahan dengan orientasi "Korovin" yang berbeza - potret solois Opera Swasta Rusia TS Lyubatovich (separuh kedua tahun 1880-an), menarik dengan konsep warna yang indah, citra perayaan, atau kafe yang gembira sekali, di mana untuk buat pertama kalinya dalam karya Korovin, "aroma" yang indah dari udara ibu kota Perancis sangat menyakitkan.
Inti kaedah Korovin adalah kemampuan untuk mengubah motif yang paling biasa dan bahkan tidak menarik dengan cara yang dilihat dengan tepat dan, sebagaimana adanya, kandungan warna dengan serta-merta ditangkap menjadi tontonan estetik tinggi.
Paris dalam lukisan Korovin
Menginap di Paris semasa persiapan Pameran Dunia - penginapan ini adalah sekunder dan lebih bermakna - membuka mata artis untuk lukisan Perancis kontemporari. Dia mempelajari impresionis, begitu konsisten dengan aspirasinya, tetapi tetap asing dengan semua gerakan pasca-impresionis. Pada tahun 1900-an, Korovin mencipta siri terkenalnya "Paris". Tidak seperti kaum Impresionis, pandangannya mengenai Paris ditulis lebih langsung dan emosional. Mereka didominasi oleh keinginan tuan "untuk menghilangkan pesona yang kini terdapat di lanskap" (menurut B. Ioganson, seorang pelajar Korovin).
Artis mencari keadaan peralihan dan keadaan tidak dijangka yang paling halus dalam kehidupan kota - pagi Paris, Paris pada waktu senja, malam dan malam kota (Paris, Pagi, 1906; Paris pada waktu petang, 1907; Senja di Paris, 1911). Jerebu pagi dan cahaya matahari yang terbit, cahaya senja dengan pohon-pohon hijau yang belum dicemari dan lampu yang sudah dinyalakan, kepadatan langit biru gelap dan penyerakan cahaya terang malam Paris ... Korovin dalam perkara-perkara kecil ini mencapai hampir kebenaran dokumentari kesan visual, dan sementara itu, ini membawa kepada kerohanian yang menakjubkan, imej murni kota. Berkat kaedah penyelesaian warna-warna yang kompleks, dalam lakaran kecil, dia mencapai ekspresi paling tinggi pada tahap gambar selesai yang besar, dan kesan penglibatan emosi penonton yang menarik dengan apa yang dilihatnya.
"Saya mahu mata penonton menikmati secara estetik dan juga telinga jiwa - muzik," kata Korovin.
Gambar lukisan
Paris dalam lukisan Korovin
Perkembangan lanjutan lukisan Eropah dikaitkan dengan impresionisme. Istilah ini lahir secara kebetulan. Sebabnya ialah nama pemandangan oleh C. Monet “Tayangan. Matahari Terbit "(lihat Lampiran No. 1, Gambar. 3) (dari kesan Perancis - kesan), yang muncul di pameran Impresionis pada tahun 1874. Ini adalah penampilan pertama kumpulan artis, termasuk C. Monet, E. Degas, O. Renoir, A. Sisley, C. Pissarro dan lain-lain, disambut oleh kritikan borjuasi rasmi dengan ejekan dan pelecehan kasar. Benar, sejak akhir tahun 1880-an, kaedah formal lukisan mereka diambil oleh perwakilan seni akademik, yang memberi Degas alasan untuk diperhatikan dengan kepahitan: "Kami ditembak, tetapi pada masa yang sama mereka menggeledah kantung kami."
Sekarang, ketika perdebatan yang hangat mengenai Impresionisme adalah masa lalu, hampir tidak ada yang berani mempertikaikan bahawa gerakan Impresionis adalah langkah lebih jauh dalam pengembangan lukisan realistik Eropah. "Impresionisme adalah, pertama-tama, seni mengamati realiti, yang telah mencapai penyempurnaan yang belum pernah terjadi sebelumnya" (VN Prokofiev). Berusaha untuk mencapai ketepatan dan ketepatan maksimum dalam menyampaikan dunia yang dapat dilihat, mereka mula melukis terutamanya di udara terbuka dan mengangkat pentingnya lakaran dari alam semula jadi, yang hampir menggantikan jenis lukisan tradisional, yang dibuat dengan teliti dan perlahan di studio.
Mencerahkan palet mereka secara konsisten, para Impresionis membebaskan lukisan dari pernis dan cat tanah dan coklat. Kegelapan "muzium" yang konvensional di kanvasnya memberi jalan kepada permainan refleks dan bayangan berwarna yang pelbagai. Mereka meluaskan kemungkinan seni rupa, menemui bukan sahaja dunia matahari, cahaya dan udara, tetapi juga keindahan kabut, suasana kehidupan kota yang gelisah, penyerakan lampu malam dan irama pergerakan berterusan.
Berdasarkan kaedah bekerja di udara terbuka, lanskap, termasuk pemandangan kota yang mereka temukan, mengambil tempat yang sangat penting dalam seni Impresionis. Hasil karya pelukis abad ke-19 Edouard Manet (1832-1883) yang luar biasa membuktikan bagaimana tradisi dan inovasi secara organik bergabung dalam seni Impresionis. Benar, dia sendiri tidak menganggap dirinya sebagai perwakilan impresionisme dan selalu dipamerkan secara berasingan, tetapi secara ideologi dan ideologi, dia tidak diragukan lagi merupakan pemimpin gerakan dan pendahulu ideologi ini.
Pada awal kariernya, E. Manet dikucilkan (ejekan masyarakat). Di mata masyarakat dan pengkritik borjuis, seninya menjadi sinonim dengan yang jelek, dan seniman itu sendiri disebut "orang gila yang melukis gambar, gemetar dengan getaran delirium" (M. de Montifo) (lihat Lampiran No. 1, Rajah 4). Hanya fikiran yang paling arif pada masa itu yang dapat menghargai bakat Manet. Di antara mereka adalah C. Baudelaire dan E. Zola muda, yang menyatakan bahawa "Monsieur Manet ditakdirkan untuk mendapat tempat di Louvre."
Ekspresi impresionisme yang paling konsisten, tetapi juga luas dijumpai dalam karya Claude Monet (1840-1926). Namanya sering dikaitkan dengan pencapaian kaedah bergambar ini seperti penyampaian keadaan peralihan yang sukar difahami, getaran cahaya dan udara, hubungan mereka dalam proses perubahan dan transformasi yang tidak henti-hentinya. "Ini, tidak diragukan lagi, adalah kemenangan besar untuk seni Zaman Baru," tulis VN Prokofiev dan menambahkan: "Tetapi juga kemenangan terakhirnya." Bukan kebetulan bahawa Cezanne, walaupun secara polemik mempertajam kedudukannya, kemudian berpendapat bahawa seni Monet adalah "hanya mata."
Karya awal Monet agak tradisional. Masih ada tokoh manusia di dalamnya, yang kemudiannya semakin berubah menjadi kakitangan dan secara beransur-ansur hilang dari lukisannya. Pada tahun 1870-an, cara impresionis seniman akhirnya terbentuk, mulai sekarang dia mengabdikan dirinya sepenuhnya untuk landskap. Sejak masa itu, dia bekerja hampir secara eksklusif di udara terbuka. Dalam karyanya itulah jenis gambaran besar - kajian - akhirnya dapat dibuat.
Salah satu Monet pertama mula membuat satu siri lukisan di mana motif yang sama diulang pada waktu yang berlainan dalam setahun dan hari, dalam keadaan pencahayaan dan cuaca yang berbeza (lihat Lampiran No. 1, Gambar 5, 6). Tidak semuanya sama, tetapi kanvas terbaik dari siri ini memukau dengan kesegaran warna, intensiti warna dan kesenian rendering kesan pencahayaan.
Pada akhir zaman kreativiti dalam lukisan Monet kecenderungan hiasan dan kerataan semakin meningkat. Kecerahan dan kesucian warna berubah menjadi bertentangan, beberapa keputihan muncul. Bercakap mengenai penyalahgunaan orang-orang Impresionis terhadap "nada ringan yang mengubah beberapa karya menjadi kanvas yang berubah warna", E. Zola menulis: "Dan hari ini tidak ada apa-apa kecuali udara lipatan ... hanya tempat yang tersisa: potret hanya tempat, angka hanya bintik, hanya bintik "...
Pelukis impresionis lain juga kebanyakannya pelukis landskap. Karya mereka sering tidak dapat dilupakan di sebelah figur Monet yang sungguh berwarna-warni dan mengagumkan, walaupun mereka tidak kalah dengan dia dalam berjaga-jaga melihat alam dan dalam kemahiran bergambar. Antaranya, nama Alfred Sisley (1839-1899) dan Camille Pissarro (1831-1903) harus disebut terlebih dahulu. Karya-karya Sisley, orang Inggeris sejak lahir, dicirikan oleh keanggunan bergambar khas. Seorang penguasa udara plein yang cemerlang, dia tahu bagaimana menyampaikan udara yang telus pada pagi musim sejuk yang cerah, kabut kabut ringan yang dihangatkan oleh matahari, awan melintasi langit pada hari yang berangin. Rentangnya dibezakan oleh kekayaan warna dan kesetiaan nada. Lanskap artis selalu dihiasi dengan suasana hati yang mendalam, yang mencerminkan persepsi lirisnya pada dasarnya (lihat Lampiran # 1, rajah 7, 8, 9).
Lebih sukar adalah jalan kreatif Pissarro, satu-satunya artis yang mengambil bahagian dalam semua lapan pameran Impresionis - J. Rewald memanggilnya "patriark" gerakan ini. Bermula dengan pemandangan yang dekat dengan lukisan kepada orang-orang Barbizon, dia, di bawah pengaruh Manet dan rakan-rakan mudanya, mula bekerja di udara terbuka, secara konsisten menonjolkan palet. Secara beransur-ansur dia mengembangkan kaedah impresionisnya sendiri. Dia adalah salah satu yang pertama meninggalkan penggunaan cat hitam. Pissarro selalu cenderung ke arah pendekatan analitik untuk melukis, oleh itu eksperimennya mengenai penguraian warna - "divisisme" dan "pointellism". Namun, ia segera kembali ke cara impresionis di mana karya-karya terbaiknya diciptakan - rangkaian pemandangan kota yang indah di Paris (lihat Lampiran # 1, rajah 10,11,12,13). Komposisi mereka selalu dipikirkan dan seimbang, lukisannya disempurnakan dengan warna dan virtuoso dalam teknik.
Di Rusia, pemandangan kota dalam impresionisme dicerahkan oleh Konstantin Korovin. "Paris mengejutkan saya ... para impresionis ... di dalamnya saya melihat apa yang saya dimarahi di Moscow." Korovin (1861-1939), bersama dengan rakannya Valentin Serov, adalah tokoh sentral Impresionisme Rusia. Di bawah pengaruh besar gerakan Perancis, dia menciptakan gayanya sendiri, yang menggabungkan unsur-unsur utama impresionisme Perancis dengan warna-warna seni Rusia yang kaya pada masa itu (lihat Lampiran # 1, rajah 15).
Salah satu trend seni terbesar dalam dekad terakhir abad kesembilan belas dan awal abad kedua puluh adalah impresionisme, yang menyebar ke seluruh dunia dari Perancis. Perwakilannya terlibat dalam pengembangan metode dan teknik lukisan seperti itu, yang memungkinkan refleksi dunia nyata dalam dinamika yang paling jelas dan nyata, untuk menyampaikan kesan sekilas tentangnya.
Banyak seniman membuat kanvas mereka dengan gaya impresionisme, tetapi pengasas gerakan itu adalah Claude Monet, Edouard Manet, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Edgar Degas, Frederic Bazille, Camille Pissarro. Mustahil untuk menamakan karya terbaik mereka, kerana semuanya cantik, tetapi ada yang paling terkenal, dan ini adalah mengenai karya mereka yang akan dibincangkan lebih lanjut.
Claude Monet: “Tayangan. Matahari terbit"
Kanvas untuk memulakan perbualan mengenai lukisan terbaik dari para impresionis. Claude Monet melukisnya pada tahun 1872 dari kehidupan di pelabuhan lama Le Havre, Perancis. Dua tahun kemudian, lukisan itu ditunjukkan kepada orang ramai buat pertama kalinya di bekas bengkel artis dan kartunis Perancis, Nadar. Pameran ini telah menjadi takdir bagi dunia seni. Terkesan (bukan dalam arti terbaik) oleh karya Monet, yang namanya dalam bahasa asalnya terdengar seperti "Impression, soleil levant", wartawan Louis Leroy pertama kali memperkenalkan istilah "impresionisme" ke dalam peredaran, menunjukkan arah baru dalam lukisan.
Lukisan itu dicuri pada tahun 1985 bersama dengan karya O. Renoir dan B. Morisot. Mereka menjumpainya lima tahun kemudian. Buat masa ini, "Tera. The Rising Sun ”milik Muzium Marmottan-Monet di Paris.
Edouard Monet: Olympia
Lukisan "Olympia", yang diciptakan oleh impresionis Perancis Edouard Manet pada tahun 1863, adalah salah satu karya lukisan moden. Ia pertama kali dipersembahkan di Paris Salon pada tahun 1865. Pelukis-pelukis impresionis dan lukisan mereka sering kali berada di pusat skandal berprofil tinggi. Walau bagaimanapun, "Olympia" adalah penyebab terbesar dalam sejarah seni.
Di atas kanvas, kita melihat seorang wanita, wajah dan badan telanjang menghadap penonton. Watak kedua adalah pembantu berkulit gelap yang memegang sejambak mewah yang dibungkus dengan kertas. Di kaki katil terdapat seekor anak kucing hitam dalam keadaan berpose dengan punggung melengkung. Tidak banyak yang diketahui mengenai sejarah lukisan itu, hanya dua lakaran yang datang kepada kami. Model itu, kemungkinan besar, adalah model kegemaran Manet - Quiz Mönard. Terdapat pendapat bahawa artis itu menggunakan gambar Marguerite Bellange - perempuan simpanan Napoleon.
Semasa tempoh kreativiti ketika Olympia diciptakan, Manet terpesona dengan seni Jepun, dan oleh itu dengan sengaja menolak untuk menguraikan nuansa gelap dan terang. Oleh kerana itu, sezamannya tidak melihat kelantangan gambar yang digambarkan, mereka menganggapnya rata dan kasar. Artis itu dituduh melakukan maksiat, kesat. Tidak pernah sebelum ini lukisan Impresionis menimbulkan kegembiraan dan ejekan dari orang ramai. Pentadbiran terpaksa menempatkan pengawal di sekelilingnya. Degas membandingkan kemasyhuran Manet, menang melalui Olympia, dan keberanian dengannya menerima kritikan, dengan kisah hidup Garibaldi.
Hampir seperempat abad setelah pameran itu, kanvas itu dijauhkan dari jangkauan mata oleh seniman utama. Kemudian dipamerkan lagi di Paris pada tahun 1889. Hampir dibeli, tetapi rakan-rakan artis mengumpulkan jumlah yang diperlukan dan membeli "Olympia" dari janda Manet, dan kemudian menyumbangkannya kepada negara. Hari ini lukisan itu milik Muzium Orsay di Paris.
Auguste Renoir: "Big Bathers"
Lukisan itu dilukis oleh seniman Perancis pada tahun 1884-1887. Dengan mengambil kira semua lukisan Impresionis yang terkenal antara tahun 1863 dan awal abad kedua puluh, "Big Bathers" disebut kanvas terbesar dengan tokoh wanita bogel. Renoir mengusahakannya selama lebih dari tiga tahun, dan dalam tempoh ini banyak lakaran dan sketsa dibuat. Tidak ada lukisan lain dalam karyanya yang dia luangkan begitu banyak masa.
Di latar depan, penonton melihat tiga wanita telanjang, dua daripadanya berada di pantai, dan yang ketiga berada di dalam air. Angka-angka dilukis dengan sangat realistik dan jelas, yang merupakan ciri khas gaya artis. Model Renoir adalah Alina Sharigo (bakal isterinya) dan Suzanne Valadon, yang pada masa depan dirinya menjadi artis terkenal.
Edgar Degas: Penari Biru
Tidak semua lukisan Impresionis terkenal yang disenaraikan dalam artikel itu dilukis dengan minyak di atas kanvas. Foto di atas membolehkan anda memahami apa itu lukisan "Blue Dancers". Ia dibuat dalam pastel pada lembaran kertas berukuran 65x65 cm dan tergolong dalam tempoh akhir karya seniman (1897). Dia melukisnya dengan penglihatan yang sudah cacat, oleh itu, organisasi hiasan sangat penting: gambar itu dianggap sebagai bintik-bintik berwarna besar, terutama jika dilihat dari dekat. Topik penari hampir dengan Degas. Dia berulang kali dalam kerjanya. Ramai pengkritik percaya bahawa keharmonian warna dan komposisi, "Penari Biru" boleh dianggap karya terbaik artis mengenai topik ini. Pada masa ini, lukisan itu disimpan di Muzium Kesenian. A.S. Pushkin di Moscow.
Frederic Bazille: "Pakaian Pink"
Salah seorang pengasas Impresionisme Perancis, Frederic Bazille dilahirkan dalam keluarga borjuasi pembuat anggur yang kaya. Selama bertahun-tahun belajar di Lyceum, dia mula terlibat dalam melukis. Setelah berpindah ke Paris, dia berkenalan dengan C. Monet dan O. Renoir. Malangnya, artis itu ditakdirkan mempunyai jalan hidup yang pendek. Dia meninggal pada usia 28 tahun di depan semasa Perang Franco-Prusia. Namun, kanvasnya, walaupun jumlahnya sedikit, termasuk dalam senarai "Lukisan Impresionis Terbaik". Salah satunya adalah "Pink Dress", yang ditulis pada tahun 1864. Dengan semua petunjuk, kanvas dapat dikaitkan dengan impresionisme awal: kontras warna, perhatian terhadap warna, cahaya matahari dan momen beku, perkara yang disebut "kesan". Model itu adalah salah seorang sepupu artis, Teresa de Horse. Lukisan itu kini dimiliki oleh Musée d'Orsay di Paris.
Camille Pissarro: Boulevard Montmartre. Petang, cerah "
Camille Pissarro menjadi terkenal dengan landskapnya, ciri khasnya adalah gambaran objek cahaya dan cahaya. Karyanya telah memberi kesan yang nyata pada genre impresionisme. Artis secara bebas mengembangkan banyak prinsip yang wujud, yang menjadi asas kreativiti pada masa akan datang.
Pissaro suka menulis tempat yang sama pada waktu yang berlainan dalam sehari. Dia mempunyai keseluruhan rangkaian lukisan dengan jalan raya Paris dan jalan-jalan. Yang paling terkenal di antaranya ialah Boulevard Montmartre (1897). Ini menggambarkan semua daya tarikan yang dilihat oleh artis dalam kehidupan yang tenang dan gelisah di sudut Paris ini. Melihat jalan raya dari tempat yang sama, dia menunjukkannya kepada penonton pada hari yang cerah dan mendung, pada waktu pagi, petang dan petang. Foto di bawah menunjukkan lukisan Boulevard Montmartre pada waktu malam.
Gaya ini kemudian diadopsi oleh banyak artis. Kami hanya akan menyebutkan lukisan-lukisan Impresionis yang dilukis di bawah pengaruh Pissarro. Trend ini dapat dilihat dengan jelas dalam karya Monet (siri lukisan "Stoga").
Alfred Sisley: "Rumput di Musim Semi"
"Lawns in Spring" adalah salah satu lukisan terbaru karya pelukis landskap Alfred Sisley, yang ditulis pada tahun 1880-1881. Di atasnya, penonton melihat jalan hutan di sepanjang tebing Seine dengan sebuah kampung di tebing yang bertentangan. Di latar depan adalah seorang gadis - anak perempuan artis Jeanne Sisley.
Lanskap artis menyampaikan suasana sebenarnya dari wilayah bersejarah Ile-de-France dan mengekalkan kelembutan dan ketelusan khas fenomena alam yang khas pada musim tertentu. Artis tidak pernah menjadi penyokong kesan yang luar biasa dan mematuhi komposisi sederhana dan warna yang terhad. Lukisan itu kini disimpan di Galeri Nasional di London.
Kami telah menyenaraikan lukisan Impresionis yang paling terkenal (dengan tajuk dan keterangan). Ini adalah karya seni lukis dunia. Gaya lukisan yang unik, yang berasal dari Perancis, pada awalnya dirasakan dengan ejekan dan ironi, pengkritik menekankan kelalaian para seniman dalam menulis kanvas. Sekarang, hampir tidak ada yang berani mencabar genius mereka. Lukisan impresionis dipamerkan di muzium paling berprestij di dunia dan merupakan pameran selamat datang untuk koleksi peribadi mana pun.
Gayanya tidak terlupa dan mempunyai banyak pengikut. Rakan senegara kita Andrei Koch, pelukis Perancis Laurent Parsellier, wanita Amerika Diana Leonard dan Karen Tarlton adalah impresionis moden yang terkenal. Lukisan mereka dibuat mengikut tradisi genre terbaik, dipenuhi dengan warna-warna cerah, corak berani dan kehidupan. Foto di atas adalah karya Laurent Parsellier "In the Rays of the Sun".
18-19 abad ditandai dengan kejayaan seni Eropah. Di Perancis, Maharaja Napoleon III memerintahkan pembinaan semula Paris untuk dimulakan selepas permusuhan semasa Perang Franco-Prusia. Paris dengan cepat menjadi "kota bersinar" yang sama seperti di bawah Empayar Kedua dan sekali lagi menyatakan dirinya sebagai pusat seni Eropah. Oleh itu, banyak pelukis impresionis beralih kepada tema kota moden dalam karya mereka. Dalam karya mereka, kota moden bukanlah raksasa, tetapi tempat ibu negara tempat orang tinggal. Banyak karya dijiwai dengan semangat patriotisme yang kuat.
Ini dapat dilihat terutamanya dalam lukisan Claude Monet. Dia membuat lebih dari 30 lukisan dengan pemandangan Katedral Rouen dalam pelbagai pencahayaan dan keadaan atmosfera. Contohnya, pada tahun 1894 Monet melukis dua lukisan - "Katedral Rouen pada waktu tengah hari" dan "Katedral Rouen pada waktu petang". Kedua-dua lukisan menggambarkan serpihan katedral yang sama, tetapi dalam nada yang berbeza - dalam nada kuning-merah jambu yang hangat pada waktu tengah hari dan dalam cahaya kebiruan yang sejuk dari cahaya senja yang sekarat. Dalam lukisan, tempat berwarna-warni benar-benar larut garis, artis tidak menyampaikan berat material batu, tetapi, seperti itu, tirai berwarna terang.
The Impressionists berusaha untuk menjadikan gambar itu kelihatan seperti tingkap terbuka di mana dunia nyata dapat dilihat. Selalunya mereka memilih sudut pandang dari tingkap ke jalan. Boulevard des Capucines yang terkenal oleh C. Monet, yang dilukis pada tahun 1873 dan ditunjukkan pada pameran Impresionis pertama pada tahun 1874, adalah contoh teknik ini yang sangat baik. Terdapat banyak inovasi di sini - pemandangan jalan kota yang besar dipilih sebagai motif lanskap, tetapi artis berminat dengan penampilannya secara keseluruhan, dan bukan pemandangannya. Keseluruhan massa manusia digambarkan dengan pukulan gelongsor, secara umum, di mana sukar untuk membuat angka individu.
Monet menyampaikan dalam karya ini kesan penonton yang murni tentang udara bergetar yang hampir tidak dapat dilihat, dari orang yang pergi jauh ke jalan, orang dan meninggalkan kereta. Dia menghancurkan idea bidang kanvas, mencipta ilusi ruang dan mengisinya dengan cahaya, udara dan pergerakan. Mata manusia meluru ke tak terhingga, dan tidak ada titik had di mana ia dapat berhenti.
Titik pandang tinggi membolehkan artis meninggalkan latar depan, dan dia menyampaikan cahaya matahari yang bersinar berbeza dengan bayangan ungu kebiruan rumah-rumah yang terletak di trotoar jalan. Bahagian Monet yang cerah memberikan warna oren, keemasan-hangat, teduh - ungu, tetapi jerebu udara cahaya tunggal memberikan harmoni nada ke seluruh lanskap, dan garis besar rumah dan pokok muncul di udara, ditembusi oleh cahaya matahari.
Pada tahun 1872 di Le Havre Monet menulis "Kesan. Sunrise ”- pemandangan pelabuhan Le Havre, yang dibentangkan kemudian di pameran pertama Impressionis. Di sini, seniman, seperti yang anda lihat, akhirnya membebaskan dirinya dari idea umum objek gambar sebagai kelantangan tertentu dan mengabdikan dirinya sepenuhnya untuk menyampaikan keadaan suasana sesaat dalam nada biru dan merah jambu-oren. Sememangnya, segala sesuatu menjadi tidak penting: dermaga dan kapal bergabung dengan garis-garis di langit dan pantulan di dalam air, dan siluet nelayan dan kapal di latar depan hanyalah bintik-bintik gelap yang dibuat dengan beberapa pukulan kuat. Penolakan teknik akademik, lukisan di udara terbuka dan pilihan mata pelajaran yang tidak biasa diterima dengan permusuhan oleh pengkritik pada masa itu. Louis Leroy, pengarang artikel marah yang muncul di majalah "Sharivari", untuk pertama kalinya, sehubungan dengan gambar ini, menggunakan istilah "impresionisme" sebagai definisi tren baru dalam lukisan.
Satu lagi karya luar biasa yang dikhaskan untuk bandar ini ialah lukisan karya Claude Monet "Gare de Saint-Lazare". Berdasarkan motif stesen Saint-Lazare, Monet melaksanakan lebih dari sepuluh lukisan, tujuh daripadanya dipamerkan pada pameran Impresionis ke-3 pada tahun 1877.
Monet menyewa sebuah pangsapuri kecil di Rue Moncy, tidak jauh dari stesen kereta api. Artis diberi kebebasan bertindak sepenuhnya. Pergerakan kereta api ditangguhkan buat sementara waktu, dan dia dapat dengan jelas melihat platform, tungku lokomotif wap merokok, yang dipenuhi dengan arang batu - sehingga wap akan keluar dari paip. Monet dengan tegas "menetap" di stesen, penumpang memerhatikannya dengan penuh hormat dan kagum.
Oleh kerana penampilan stesen sentiasa berubah, Monet hanya membuat lakaran mengenai "sifat", dan pada mereka di bengkel dia menulis sendiri gambar tersebut. Di trek kami melihat stesen kereta api besar ditutup dengan kanopi, terpaku pada tiang besi. Terdapat platform di kiri dan kanan, satu landasan untuk kereta api komuter, yang lain untuk kereta api jarak jauh. Suasana istimewa disampaikan melalui kontras antara pencahayaan yang redup di dalam stesen dan lampu jalan yang terang dan menyilaukan. Kepulan asap dan wap yang tersebar di seluruh kanvas mengimbangi corak pencahayaan yang berbeza. Asap meresap ke mana-mana, awan bersinar berputar di siluet bangunan yang halus. Wap yang tebal nampaknya memberikan bentuk pada menara besar, menutupnya dengan tudung ringan, seperti jaring labah-labah terbaik. Gambar dilukis dengan nada lembut yang disenyapkan dengan gradasi warna yang halus. Pukulan cepat dan tepat dalam bentuk koma, ciri masa itu, dianggap sebagai mosaik, penonton mempunyai kesan bahawa wap tersebar dan kemudian mengembun.
Seorang lagi wakil Impresionis, C. Pissarro, seperti semua kaum Impresionis, gemar melukis kota itu, yang memikatnya dengan pergerakannya yang tidak berkesudahan, aliran arus udara dan permainan cahaya. Dia menganggapnya sebagai organisme yang hidup dan gelisah, mampu berubah bergantung pada musim, tahap pencahayaan.
Pada musim sejuk dan musim bunga tahun 1897, Pissarro mengerjakan lukisan lukisan Boulevards of Paris. Karya-karya ini membawa kemasyhuran artis dan menarik perhatian pengkritik yang menghubungkan namanya dengan gerakan pembahagi. Artis membuat sketsa untuk siri dari tingkap sebuah bilik di sebuah hotel di Paris, dan menyelesaikan karya lukisan di studionya di Eragny pada akhir April. Siri ini adalah satu-satunya karya Pissarro di mana artis berusaha untuk menangkap dengan ketepatan maksimum pelbagai keadaan cuaca dan cahaya matahari. Sebagai contoh, artis itu melukis 30 lukisan yang menggambarkan Boulevard Montmartre, memandangnya dari tingkap yang sama.
Dalam lukisan "Boulevard Montmartre in Paris" master C. Pissarro dengan mahir menyampaikan kekayaan kesan atmosfera, kerumitan warna-warni dan kehalusan hari yang mendung. Dinamika kehidupan kota, yang begitu meyakinkan yang terkandung dalam kuas pelukis, mencipta imej bandar moden - bukan upacara, tidak rasmi, tetapi bersemangat dan meriah. Landskap bandar menjadi genre utama dalam karya impresionis yang luar biasa ini - "penyanyi Paris".
Ibu negara Perancis menempati tempat yang istimewa dalam karya Pissarro. Artis itu selalu tinggal di luar bandar, tetapi Paris terus menariknya. Paris memikatnya dengan pergerakannya yang tidak henti-hentinya dan universal - berjalan kaki pejalan kaki dan berjalannya gerabak, aliran arus udara dan permainan cahaya. Bandar Pissarro bukanlah senarai rumah terkenal di bidang penglihatan artis, tetapi organisma yang hidup dan gelisah. Terpikat dengan kehidupan ini, kita tidak menyedari kekaburan bangunan yang membentuk Boulevard Montmartre. Artis menemui daya tarikannya yang unik dalam kegelisahan Bolshoi Boulevards. Pagi dan siang, malam dan malam, cerah dan kelabu, Pissarro menangkap Boulevard Montmartre, memandangnya dari tingkap yang sama. Motif jalan yang jelas dan sederhana surut ke kejauhan mewujudkan asas komposisi yang jelas yang tidak berubah dari kanvas ke kanvas. Kitaran kanvas yang dicat pada tahun berikutnya dari tingkap hotel Louvre dibina dengan cara yang sama sekali berbeza. Dalam sepucuk surat kepada anaknya ketika mengerjakan kitaran, Pissarro menekankan watak tempat ini, yang berbeza dengan Boulevards, iaitu, alun-alun Teater Perancis dan kawasan sekitarnya. Memang, semua yang ada di sana meluru di sepanjang paksi jalan. Di sini - alun-alun, yang berfungsi sebagai perhentian terakhir dari beberapa laluan omnibus, bersilang di pelbagai arah, dan bukannya panorama luas dengan banyak udara, ruang depan yang tertutup muncul di mata kita.
string (5796) "Landskap seni bina menyumbang kepada pemilihan CITY LANDSCAPE sebagai genre yang terpisah. Sarjana aliran ini, yang dipengaruhi oleh teori perspektif linear, melihat tugas utama mereka dalam membina komposisi yang kompleks dan dirancang dengan teliti, dengan mengambil kira satu sudut pandang utama.Sumbangan besar untuk pembangunan Genre ini diperkenalkan oleh seniman Renaissance Itali - Raphael, Piero della Francesca, Andrea Mantegna. Hampir bersamaan dengan landskap seni bina, arah lain dikembangkan - penggambaran landskap bandar. Pelukis Jerman, Belanda dan Perancis pada abad ke-16 hingga ke 17 membawa banyak album dengan lakaran alam dari perjalanan mereka. Menjelang pertengahan abad ke-17, URBAN LANDSCAPE telah mantap sebagai genre bebas, menjadi subjek kegemaran seniman Belanda. Ketika menggambarkan di sudut Amsterdam, Delft, Haarlem, para seniman berusaha untuk menggabungkan kejelasan geometri bangunan bandar dengan pemandangan dan pemandangan harian. Pemandangan bandar dapat dijumpai di kalangan seniman Belanda utama abad ke-17 seperti J. Goyen, J. Reisdael, Vermeer Delft. Salah satu contoh paling terang dan paling berjaya dari LANDSKAP URBAN pada zaman ini adalah "Pandangan Kota Delft" oleh Vermeer of Delft, yang secara puitis memuliakan imej kampung halamannya. Pada abad ke-18, sejenis genre lanskap khas dibentuk, berkait rapat dengan CITY LANDSCAPE - Veduta. Veduta, bergantung pada sifat pembiakan kawasan bandar, dibahagikan kepada nyata, ideal atau hebat. Dalam veduta sebenar, seniman dengan tekun dan teliti menggambarkan bangunan sebenar di lanskap sebenar, di tempat yang ideal - bangunan nyata digambarkan dikelilingi oleh landskap fiksyen, veduta yang hebat itu sepenuhnya fantasi pengarang. Pembungaan lukisan jenis ini adalah Veduta Venesia, dan ketua sekolah Vedutis Venesia adalah seniman Antonio Canaletto. Pada era romantisme, seniman tetap berminat untuk menggambarkan monumen arkeologi, kuno, dan kuil kuno. Pada pertengahan abad ke-19, pelukis landskap beralih ke pemandangan genre. CITY LANDSCAPES, yang menawan pemandangan London, terdapat dalam ukiran oleh artis Perancis, Gustave Dore. Tertarik dengan pemandangan bandar, walaupun Paris, dan artis Perancis yang lain, penguasa CITY LANDSCAPES, Honore Daumier. Halaman baru dalam sejarah CITY LANDSCAPE dibuka oleh pelukis impresionis. Perhatian mereka tertuju pada motif jalanan pada waktu yang berlainan sepanjang hari, stesen kereta api, siluet dan garis besar bangunan. Keinginan untuk menyampaikan irama kehidupan kota, untuk menangkap keadaan suasana dan pencahayaan yang terus berubah menyebabkan para Impresionis menemui penemuan cara ekspresi artistik yang baru.
Di bahagian lukisan yang didedikasikan untuk LANDSKAP URBAN, ada objek yang menggambarkan pelbagai kota, monumen seni bina, jalan dan mercu tanda. Di bahagian ini, anda akan melihat pemandangan Moscow, St Petersburg, serta Rom dan banyak bandar lain. Kami mencadangkan anda membeli barang dari bahagian CITY LANDSCAPE di Kedai Antik Komisen kami. Bahagian CITY LANDSCAPE sentiasa dikemas kini, nantikan kedatangan baru. "
URBAN LANDSCAPE adalah genre seni rupa di mana plot utama adalah imej bandar, jalan-jalan dan bangunannya. Pada mulanya, URBAN LANDSCAPE bukanlah genre bebas; seniman abad pertengahan menggunakan pemandangan bandar hanya sebagai bingkai untuk pemandangan alkitabiah. URBAN LANDSCAPE ditafsirkan semula dengan cara baru oleh tuan Belanda yang lama, yang menangkap dunia di sekitar mereka dengan perhatian dan kasih sayang khas.
Landskap seni bina menyumbang kepada pemisahan CITY LANDSCAPE sebagai genre yang terpisah. Tuan-tuan arah ini, yang dibentuk di bawah pengaruh teori perspektif linier, melihat tugas utama mereka dalam membina komposisi yang kompleks dan dirancang dengan teliti, dengan mengambil kira satu sudut pandang utama. Sumbangan besar untuk pengembangan genre ini dibuat oleh seniman Renaissance Itali - Raphael, Piero della Francesca, Andrea Mantegna. Hampir serentak dengan landskap seni bina, arah lain dikembangkan - penggambaran landskap bandar. Pelukis Jerman, Belanda dan Perancis pada abad ke-16 hingga ke-17 membawa banyak album dengan lakaran alam. Menjelang pertengahan abad ke-17, URBAN LANDSCAPE telah mantap sebagai genre bebas, menjadi subjek kegemaran para seniman Belanda. Ketika menggambarkan sudut Amsterdam, Delft, Haarlem, para seniman berusaha untuk menggabungkan kejelasan geometri bangunan bandar dengan pemandangan dan pemandangan setiap hari. Pemandangan bandar yang nyata dapat dijumpai di kalangan seniman Belanda utama abad ke-17 seperti J. Goyen, J. Reisdael, Vermeer Delft. Salah satu contoh paling terang dan berjaya di LANDSKAP URBAN pada zaman ini adalah "Pemandangan Kota Delft" oleh Vermeer of Delft, yang secara puitis memuliakan imej kampung halamannya. Pada abad ke-18, sejenis genre lanskap khas dibentuk, berkait rapat dengan CITY LANDSCAPE - Veduta. Veduta, bergantung pada sifat pembiakan kawasan bandar, dibahagikan kepada nyata, ideal atau hebat. Dalam veduta sebenar, seniman dengan tekun dan teliti menggambarkan bangunan sebenar di lanskap sebenar, di tempat yang ideal - bangunan nyata digambarkan dikelilingi oleh landskap fiksyen, veduta yang hebat itu sepenuhnya fantasi pengarang. Pembungaan lukisan jenis ini adalah Veduta Venesia, dan ketua sekolah Vedutis Venesia adalah seniman Antonio Canaletto. Pada era romantisme, seniman tetap berminat untuk menggambarkan monumen arkeologi, zaman kuno, dan kuil kuno. Pada pertengahan abad ke-19, pelukis landskap beralih ke pemandangan genre. CITY LANDSCAPES, yang menawan pemandangan London, terdapat dalam ukiran oleh artis Perancis, Gustave Dore. Pemandangan bandar yang menarik, walaupun Paris, dan artis Perancis lain, penguasa CITY LANDSCAPES, Honore Daumier. Halaman baru dalam sejarah CITY LANDSCAPE dibuka oleh pelukis impresionis. Perhatian mereka tertuju pada motif jalanan pada waktu yang berlainan dalam sehari, stesen kereta api, siluet dan garis besar bangunan. Keinginan untuk menyampaikan irama kehidupan kota, untuk menangkap keadaan suasana dan pencahayaan yang terus berubah menyebabkan para Impresionis menemui penemuan cara ekspresi artistik yang baru.
Di bahagian lukisan yang didedikasikan untuk LANDSKAP URBAN, ada objek yang menggambarkan pelbagai kota, monumen seni bina, jalan dan mercu tanda. Di bahagian ini, anda akan melihat pemandangan Moscow, St. Petersburg, serta Rom dan banyak bandar lain. Kami mencadangkan anda membeli barang dari bahagian CITY LANDSCAPE di Kedai Antik Komisen kami. Bahagian CITY LANDSCAPE sentiasa dikemas kini, nantikan kedatangan baru.
