Teknik bermain butang akordion, akordeon F. R

Dudina Alevtina Vladimirovna

Pelajar pascasiswazah Universiti Pedagogi Negeri Ural, guru pendidikan tambahan, MOU DOD "Sekolah Muzik Muzik Kanak-kanak", Verkhnyaya Salda, wilayah Sverdlovsk.

[dilindungi e-mel]

Peningkatan akordion butang dan, sebagai hasilnya, repertoar mengembang kerana susunan kepingan klasik dan komposisi kepingan asli, memerlukan pemain untuk menguasai pelbagai teknik bermain (tremolo dengan bulu, ricochet, kesan bunyi). Ini memerlukan usaha mental dan fizikal, pengembangan alat eksekutif. Produk akhir dari proses persembahan adalah penciptaan imej artistik.
Perkembangan kemahiran berprestasi adalah salah satu masalah utama pedagogi muzik. Selama berabad-abad, pemuzik tidak dapat bergantung pada pengetahuan tentang fisiologi. Akibatnya, terdapat banyak kontradiksi dalam upaya untuk menyelesaikan dengan berbagai cara masalah peningkatan kemampuan berprestasi berdasarkan pencapaian kesesuaian tindakan. Itu adalah pendekatan mekanistik, maka masalah hubungan antara teknologi dan kesenian diselesaikan. Dan hanya komunikasi pemuzik-guru dengan penyelidik dalam bidang psikofisiologi pergerakan yang menyebabkan penyelesaian pertikaian antara penyokong kaedah pendengaran dan motor.
Hanya pada akhir abad ke-19 dan awal abad ke-20 pedagogi muzik memulakan jalan yang lebih kompleks dalam memahami pengurusan proses pembelajaran memainkan alat muzik. Proses ini adalah cara untuk mencapai kesesuaian muzik permainan tindakan.
Sehingga kini, jalan menuju pergerakan bermain yang pantas melalui komponen pendengaran sangat popular di kalangan guru muzik. Hal ini disebabkan tempatnya yang menentukan dalam kreativiti muzik, walaupun bergantung pada pelaksanaan perwakilan pendengaran pada kualiti gerakan bermain dan keberkesanan pengendaliannya.
Teori analisis ciri-ciri aktiviti mental, hasil penyelidikan dalam bidang "teori umum pembentukan tindakan mental" (Galperin P. Ya. Psikologi pemikiran dan doktrin pembentukan tindakan mental secara beransur-ansur ) mendedahkan keunikan proses mengawal tindakan permainan semasa kawalan pendengaran.
Sumbangan besar untuk penjelasan aspek anatomi dan fisiologi proses motor dibuat oleh sebilangan ahli fisiologi terkemuka: I. M. Sechenov, I. P. Pavlov, N. A. Bernshtein, P. K. Anokhin, V. L. Zinchenko, A. V. Zaporozhets dan lain-lain.
Fungsi motor adalah fungsi utama seseorang. Selama bertahun-tahun, saintis telah berusaha untuk menentukan makna pergerakan dan secara saintifik membuktikan proses motor (I.M.Sechenov). I. M. Sechenov adalah orang pertama yang memerhatikan peranan faktor motor-musculo dalam persembahan pendengaran muzik. Dia menulis: "Saya tidak dapat menyanyi secara mental untuk diri saya sendiri dengan suara lagu, tetapi saya selalu bernyanyi dengan otot." Dalam karyanya "Reflexes of the Brain" I. Sechenov membuktikan sifat refleks pergerakan manusia secara sukarela dan mengungkapkan peranan kepekaan otot dalam mengawal pergerakan di ruang dan waktu, hubungannya dengan sensasi visual dan pendengaran. Dia percaya bahawa setiap tindakan refleks berakhir dengan pergerakan. Pergerakan sukarela selalu mempunyai motif, oleh itu, pertama pemikiran muncul, dan kemudian gerakan.
Aktiviti persembahan seorang pemuzik merangkumi kerja mental, fizikal dan mental,.
Ketepatan pergerakan bermain diperiksa oleh hasil bunyi. Pelajar mendengar suara timbangan, latihan, lakaran, kepingan, bermain dengan penuh makna dan ekspresi dengan penuh perhatian. Ketergantungan pada representasi pendengaran memupuk kemampuan pelajar untuk bergantung pada pendengaran dalam permainan, dan bukan hanya pada memori visual dan otot. Kesukaran pada tahap ini juga merupakan koordinasi antara pergerakan tangan dan jari, serta pengembangan koordinasi antara sfera pendengaran dan gerakan yang kompleks, kerana setiap gerakan merangkumi tugas musik tertentu. Oleh itu, anda tidak boleh mengajar pelbagai kemahiran motor tanpa menghubungkannya dengan muzik sebenar. Yang mengesahkan prinsip mengajar muzik, bukan pergerakan.
Walaupun pergerakan bermain muzik tidak bersyarat, wajar untuk alat, seseorang mesti berusaha untuk kebebasan, fleksibiliti, dan mengembangkan kemampuan motor. Segala-galanya bergantung pada ciri-ciri individu organisme pemuzik, interaksi proses motorik dan mental (muzik adalah bidang tindakan rohani), pada perangai, kelajuan reaksi, koordinasi semula jadi.
Tidak seperti pemain biola, vokalis, yang menghabiskan bertahun-tahun untuk mementaskan tangan dan alat vokal mereka, para akordionis terlibat dalam pementasan sangat sedikit. Tetapi pengaturan alat permainan yang betul pada tahap awal latihan sangat penting, kerana kemampuan untuk menyatakan niat artistik dalam prestasi bergantung padanya. Kedudukan pemain bayan terdiri daripada tiga komponen: kedudukan, kedudukan instrumen, dan kedudukan tangan. Semasa bekerja sesuai, seseorang harus mengambil kira sifat kepingan yang sedang dilakukan, dan ciri psikologi, serta data anatomi dan fisiologi pemuzik, terutama pelajar (tinggi, panjang dan struktur lengan, kaki , badan).
Kesesuaian yang betul sedemikian rupa sehingga badan stabil, tidak menyekat pergerakan tangan, menentukan ketenangan pemuzik, dan menimbulkan suasana emosi. Kesesuaian yang betul adalah yang selesa dan mewujudkan kebebasan bertindak maksimum untuk pemain, kestabilan instrumen. Sudah tentu, sikap rasional instrumen bukanlah segalanya, tetapi pemain akordion dan instrumen mestilah satu organisme seni. Oleh itu, seluruh badan mengambil bahagian dalam gerakan pemain akordion: kedua-dua pergerakan tangan dan pernafasan yang berbeza (semasa persembahan, anda perlu memantau irama pernafasan, kerana tekanan fizikal pasti menyebabkan pelanggaran irama pernafasan).
Oleh kerana ciri reka bentuk, dua pergerakan diperlukan untuk menghasilkan suara - menekan kekunci dan memandu belos. Setiap sekolah memainkan tombol akordeon, alat bantu mengajar membincangkan hubungan antara bulu dan suara, kelantangannya. Tetapi pengalaman menunjukkan bahawa pemain akordion pemula mempunyai kesalahan ketika mereka berusaha untuk mendapatkan suara yang lebih besar dengan menekan kekuatan utama tanpa gerakan bulu yang sesuai, yang membawa ke perbudakan mesin permainan dan mempengaruhi keadaan psikologi umum badan. Untuk organisasi mesin permainan yang betul, kita mesti ingat hubungan ini. Kelebihan tombol akordeon adalah bahawa kebebasan suara dari kekuatan menekan kekunci menjimatkan kekuatan pemuzik. Apa yang disebut "perasaan otot" sangat penting dalam pengembangan kemahiran melakukan. Ini adalah sensasi yang timbul dari kerengsaan otot dan ligamen yang mengambil bahagian dalam pelaksanaan gerakan menyanyi atau bermain. BM Teplov berbicara mengenai hubungan representasi muzik-auditori dengan yang bukan pendengaran, dengan menyatakan bahawa mereka (pendengaran) semestinya merangkumi visual, momen motorik dan perlu "apabila diperlukan oleh usaha sukarela untuk mendorong dan mengadakan persembahan muzik."
Sains fisiologi telah membuktikan bahawa, berdasarkan interaksi representasi pendengaran dan motorik, setiap jenis aktiviti muzik membolehkan anda menggariskan
unjuran mental persembahan bahan muzik. "Seseorang yang dapat menyanyi," tulis Sechenov, "tahu, seperti yang anda ketahui, sebelumnya, sebelum masa pembentukan suara, bagaimana meletakkan otot yang mengawal suara untuk membawa yang tertentu dan yang telah ditetapkan nada muzik. " Menurut psikologi, pada pemuzik, rangsangan saraf pendengaran diikuti oleh tindak balas dari pita suara dan otot digital. Bukan kebetulan bahawa F. Lips menasihati pemain akordeon (dan bukan hanya mereka) untuk mendengar penyanyi lebih kerap. Frasa yang dilakonkan oleh suara manusia terdengar semula jadi dan ekspresif. Ia juga sangat berguna untuk melantunkan tema-tema potongan muzik untuk menentukan frasa logik yang betul.
Penguasaan karya muzik berdasarkan dua kaedah: motor dan pendengaran. Dengan kaedah pendengaran, peranan dominan dalam pengendalian prestasi ditugaskan untuk pendengaran, dan dengan kaedah motor, ia (pendengaran) menjadi pemerhati tindakan kemahiran motor. Oleh itu, dalam kaedah pengajaran, kedua kaedah ini digabungkan menjadi satu - auditori-motor. Untuk kejayaan pembangunannya, syarat yang diperlukan adalah kualiti seni bahan pendidikan. Bagaimanapun, karya kiasan yang bergema dalam jiwa mempunyai kelebihan berbanding latihan teknikal. Ini disahkan oleh psikologi, yang mengajarkan bahawa apa yang dirasakan dan diingat adalah apa yang bergema dalam jiwa. Fisiologi membuktikan bahawa tindak balas jejak berpanjangan, dengan syarat diberikan rangsangan yang lebih cerah. Kaedah ini didasarkan pada hubungan refleks yang kuat antara imej auditori, kemahiran motor dan suara. Hasilnya, hasil bunyi yang diinginkan dan pergerakan yang diperlukan untuk mendapatkannya tercapai. Organisasi psikomotor bertujuan mewujudkan imej seni melalui pergerakan.
Setiap persembahan muzik baru membawa imej artistik baru, yang bermaksud. Melakukan aktiviti bersifat intonasional. Sebagai contoh, seorang komposer dapat mengasah muzik dalam dirinya. Dan pemain mesti memperbanyaknya dengan suara atau alat muzik. Pada saat ini, dia berhadapan dengan ketahanan bahan, karena instrumen dan suara, yang dapat dianggap sebagai instrumen, adalah komponen material dari proses intonasi.
Bahkan seseorang yang baru mula belajar memainkan alat muzik ingin menyampaikan kepada pendengar makna kandungan, suasana karya itu, iaitu. nyatakan pemahaman anda tentang muzik yang dimainkan. Pada tahap intonasi ini sebagai ujaran suara yang bermakna dan ekspresif, seseorang tidak dapat melakukan tanpa mengatur suara dalam hubungan melodi, metro-irama, ladofunctional, timbre, harmonic, dynamic, articulatory, dll. Keupayaan memahami muzikal
pemikiran, mentafsirkannya, menggabungkannya menjadi kesatuan seni yang holistik bergantung pada kemampuan dan kemahiran pelaku. Adalah mustahil untuk memahami struktur kiasan karya, "subteksnya", untuk menafsirkannya dengan meyakinkan tanpa pemahaman yang jelas tentang bentuknya. Dari sudut pandangan ini, di dalam kelas, guru dan pelajar mengetahui melalui apa yang sedang dilakukan, bagaimana melaksanakannya.
Pembelajaran tidak boleh berdasarkan penghafalan mekanik, pembentukan pemikiran stereotaip. Sebarang latihan harus berdasarkan teknologi pengembangan kreatif.
Dalam proses persembahan, aktiviti pemuzik bertujuan untuk mengungkap hasrat komposer, mencipta imej artistik dan menafsirkan karya yang berkaitan langsung dengan dunia dalaman pelaku, perasaan, ideanya. Tafsiran sesuatu karya selalu dikaitkan dengan imaginasi, dan oleh itu dengan pemikiran kreatif. Itulah sebabnya penting untuk mengembangkan pemikiran kreatif pemuzik pelajar. Memahami dan menyelesaikan masalah berdasarkan pengajaran intonasional B.V. Asafiev dan teori irama modal oleh B.L. Yavorsky. Oleh itu, pemuzik dan pendengar, dalam proses persepsi, mesti mempunyai idea intonasi, alat ekspresi muzik yang menimbulkan suasana hati, gambar, dll.
Pengembangan kemahiran berprestasi dilakukan baik dengan bantuan metode pedagogi umum (verbal, visual, praktikal) dan cara (cadangan, pujukan), dan kaedah dan teknik khusus, yang dibahas di bawah. Kaedah dan teknik ini untuk pengembangan kemahiran persembahan pemain akordion di sekolah muzik kanak-kanak, yang dapat digunakan oleh guru dalam karyanya.
Dalam proses menerapkan kaedah pemerhatian dan perbandingan, para siswa berpeluang mendengarkan sebuah karya yang dilakukan oleh pemuzik yang berbeza, untuk membandingkan teknik persembahan mereka.
Kaedah lain adalah kaedah analisis pengeluaran bunyi. Ini memungkinkan untuk mengembangkan gerakan rasional, mengkoordinasikannya, mengurangkan keletihan, dan memperoleh kemahiran mengawal diri.
Kaedah intonasi mengkoordinasikan proses mental (persepsi, pemikiran, ingatan, imaginasi), mengasingkan intonasi utama, menyumbang kepada persembahan holistik mengenai isi karya muzik, perwujudan citra artistik.
Kaedah "kesatuan seni dan teknikal". Perkembangan kemahiran berprestasi yang betul mesti digabungkan dengan definisi tujuan seni.
Penerimaan impak emosi dikaitkan dengan munculnya minat dalam karya melalui pelaksanaannya oleh guru dengan gerak isyarat, ekspresi wajah. Selepas itu, emosi terkandung dalam prestasi instrumen.
Seringkali, di kelas alat muzik, pekerjaan dikurangkan menjadi karya pembelajaran dengan memori jari, iaitu "palu". Oleh itu, perlu beralih pusat graviti ke arah pengembangan pemikiran kreatif. Kaedah yang paling berkesan adalah pembelajaran masalah (MI Makhmutov, AM Matyushkin, VI Zagvyazinsky), yang dicirikan oleh fakta bahawa pengetahuan dan kemahiran tidak disampaikan kepada pelajar dalam bentuk yang sudah siap. Dalam teknologi pembelajaran berasaskan masalah D. Dewey, rangsangan kepada kreativiti adalah situasi masalah yang mendorong pelajar untuk terlibat dalam aktiviti pencarian. Makna latihan didasarkan pada merangsang aktiviti pencarian, kebebasan. Dalam proses kerja, guru tidak menyatakan, tetapi akal, mencerminkan, sehingga mendorong pelajar untuk mencari. Juga dalam karya kami, kami menggunakan kaedah intensif TI Smirnova, intinya adalah prinsip "perendaman". Metodologi melibatkan pengaktifan semua kemampuan pelajar: dia mesti memainkan instrumen, merumuskan dan menyelesaikan masalah teknikal dan artistik. Pengetahuan tidak disampaikan dalam bentuk yang sudah selesai, tetapi "diperolehnya sendiri dari praktik kerja pada tugas, dari analisis kerja yang berterusan, dari jawapan guru hingga pertanyaan yang diajukan."
Dalam proses kerja, para pelajar diberi tugas secara berperingkat: untuk membandingkan muzik yang sama dalam penafsiran pelaku yang berbeza, memilih yang paling berjaya, berdasarkan pengetahuan tentang gaya, era, dan lain-lain; pilih pilihan yang paling logik untuk penjarian, frasa, dinamika, pukulan; tugasan kreatif untuk pemilihan melalui telinga, transposisi, improvisasi.
Selalunya, bekerja dengan pemula bukan berdasarkan karya seni, tetapi pada unsur notasi muzik, latihan, dan etika. Dan karya pada karya seni diturunkan ke latar belakang, yang sering kali mendorong pemuzik muda untuk belajar. Guru harus memperhatikan fakta bahawa kelas-kelas itu bersifat berkembang dan tidak secara eksklusif untuk satu teknik.
Latihan menunjukkan bahawa perlu untuk memulakan kerja di kelas tombol akordion dengan bentuk aktif bermain muzik, yang memerlukan inisiatif dan kebebasan dari pelajar. Dalam kes ini, semua kerja mekanikal tidak termasuk. Untuk melakukan ini, bukannya timbangan pada tahap awal, lebih baik memainkan potongan dengan pergerakan secara beransur-ansur ke atas dan ke bawah.
Sebagai kesimpulan, saya ingin mengingatkan anda bahawa keseluruhan organisasi pergerakan secara langsung berkaitan dengan penyampaian bahan muzik. Oleh itu, lebih cepat pelajar belajar
menganalisis pergerakannya yang boleh membawa kepada keindahan dan kebebasan, semakin baik hasil prestasinya. Dan satu lagi fakta penting: kebebasan berprestasi tidak dapat dipahami sebagai kelonggaran, kerana kebebasan adalah gabungan nada dengan melemahkan aktiviti, pembahagian usaha yang betul. Kemahiran motorik, digabungkan dengan musikalitas dan kecerdasan, menjadi asas kepada kemahiran berkinerja pemuzik, dengan bantuan yang mana ia menghasilkan citra artistik sebuah karya.
Sastera
1. Akimov Yu. T. Beberapa masalah teori prestasi bayan / Yu. T. Akimov. M .: "Penggubah Soviet", 1980. 112 p.
2. Bibir F. R. Seni bermain butang akordion: kaedah. Manual / F. R. Bibir. Moscow: Muzyka, 2004.144 p.
3. Maksimov V. A. Asas prestasi dan pedagogi. Teori psikomotor artikulasi pada akordion butang: Manual untuk pelajar dan guru sekolah muzik, kolej, universiti / V. A. Maksimov. Saint Petersburg: Komposer, 2003.256 p.
4. Pankov OS Mengenai pembentukan alat permainan pemain akordeon / OS Pankov // Soalan kaedah dan teori persembahan pada instrumen rakyat / komp. L.G. Bendersky. Sverdlovsk: Rumah Penerbitan Buku Ural Tengah, 1990. Isu 2. 12-27: sakit.
5. Sechenov I. M. Refleks otak / I. M. Sechenov. M., 1961.128 hlm.
6. Teplov BM Psikologi kebolehan muzik / BM Teplov. M .: Rumah penerbitan Acad. ped. Sains RSFSR, 1947.336 hlm.
7. Tsagarelli Yu A. Psikologi persembahan muzik [Teks]: buku teks. elaun / Yu A. Tsagarelli. Saint Petersburg: Komposer, 2008.368 p.
8. Shakhov GI Bermain dengan telinga, membaca penglihatan dan transposisi (butang akordeon, akordion): buku teks. manual untuk stud. lebih tinggi. belajar. institusi / G. I. Shakhov. M: Kemanusiaan. ed. pusat VLADOS, 2004.224 p.

Model lulusan institusi pendidikan tinggi dalam "butang akordeon" butang khas hari ini adalah konsep yang mantap dan berfungsi dengan baik, yang disertai dengan "penyahkodan" yang bermakna. Program latihan untuk pakar ini berjaya dilaksanakan di semua peringkat pendidikan muzik di Rusia. Pada masa yang sama, tujuan utamanya adalah untuk melatih pakar kelas tinggi, yang kualiti profesionalnya tidak kalah dengan pemuzik kepakaran akademik lain - pemain biola, pemain piano, dan lain-lain. Trend yang serupa mendominasi sepanjang perkembangan sejarah tombol akordeon dan akordeon, menentukan keinginan umum pemuzik untuk meningkatkan instrumen, repertoar, kaedah pengajaran mereka. Bayanis dan akordionis, dengan sengaja menguasai pencapaian seni instrumental moden, telah menciptakan budaya muzik dan persembahan baru yang khas, yang merangkumi sistem pendidikan profesional tiga peringkat penuh. Pada masa kini, sistem yang ditentukan nampaknya merupakan bentuk latihan pakar yang optimum dari profil yang sesuai.

Menurut model siswazah yang disebutkan di atas, proses latihan untuk pemain tombol dan pemain akordionis dilakukan berdasarkan kesetaraan yang lengkap. Ini berlaku untuk semua komponen pendidikan: penyediaan program dalam bidang khas, lulus ujian, peperiksaan, persembahan di konsert. Prinsip kesetaraan juga menentukan penyertaan dalam pelbagai festival dan pertandingan, di mana, sebagai peraturan, tidak ada pembahagian pemain, yang didorong oleh struktur papan kekunci yang berbeza. Pendekatan yang diguna pakai kelihatan cukup masuk akal dan masuk akal, kerana tombol akordeon dan akordeon, sebenarnya, dikurniakan dengan kompleks cara dan kaedah artistik dan ekspresif untuk mempengaruhi penonton. Hanya seorang pakar yang mahir pada masa ini yang dapat membezakan antara rakaman audio bayanis dan akordionis. Perbezaan struktur papan kekunci dirasakan ketika memainkan jenis persembahan bertekstur tertentu: ada yang lebih senang untuk pemain akordion, yang lain - untuk akordeon. Secara amnya, kesan seni yang dicapai oleh alat-alat ini kelihatan hampir sama. Keinginan untuk "tersinggung oleh pemain akordion" (saya perhatikan, sangat sedikit) pelaku akordion untuk menunjukkan "kepentingan" dan "keunikan" mereka sendiri dengan bantuan festival dan pertandingan "terpisah" yang dianjurkan, secara terus terang, nampaknya sia-sia dan disesalkan. Kami bercakap mengenai pemahaman yang mendalam tentang undang-undang semasa mengenai perkembangan prestasi bayan dan akordeon. Perpecahan, terutama dalam keadaan sejarah moden, hanya merosakkan proses evolusi semula jadi kedua instrumen ini.

Harus diingat bahawa di wilayah bekas Uni Soviet, secara historis, sebuah situasi telah berkembang di mana akordeon pasti diberikan peranan "ketinggalan". Harmonik tekan-tekan pada mulanya tersebar luas dan dikembangkan secara aktif di Rusia. Selama bertahun-tahun, tombol akordion menggantikan pengganti "talian" dan "hidup" primitif. Papan kekunci di negara kita mendapat kemasyhuran hanya pada tahun tiga puluhan, yang difasilitasi oleh penyebaran genre pop. Selepas penerbitan filem Funny Fellows, banyak pemain piano beralih ke akordeon. Selalunya, melodi yang disukai penonton dilakukan di papan kekunci yang betul, tanpa penyertaan bass, disertai dengan orkestra pop atau ensemble. Semasa Perang Patriotik Besar, dan juga pada masa pasca perang, akordeon dan tombol akordeon menjadi pusat perhatian penonton domestik. Transkripsi dan susunan lagu-lagu popular dan muzik tarian dilakukan pada instrumen piala yang dibawa dari Eropah, yang dilakukan oleh banyak amatur. Usaha telah dilakukan untuk menganjurkan kelas akordion di institusi akademik. Namun, setelah terbitnya Keputusan Jawatankuasa Pusat CPSU (b) "Tentang memerangi kosmopolitanisme" (1949), kelas-kelas ini dikeluarkan dari sekolah teknik dan kolej. Pengajaran dalam kepakaran ini hanya dilestarikan di sekolah muzik, dan program latihan yang sesuai difokuskan terutama pada pengembangan seni dan estetika kontinjen umum.

Pada pergantian tahun 1950-an dan 1960-an, akordeon itu kembali diterima dalam bidang pendidikan muzik akademik. Secara semula jadi, dalam situasi seperti itu selalu sukar untuk menebus waktu yang hilang, terutama kerana akordeon butang telah berkembang secara aktif selama 15 tahun: instrumentasi diubah, sebuah repertoar asli dibuat, banyak pengamal bersemangat, yang diilhami oleh idea-idea pengembangan seni instrumental rakyat, bergabung dalam proses pembentukan sistem tiga tahap melatih akordionis domestik. Guru peringkat sekolah rendah dan menengah secara aktif menyampaikan pengalaman profesional mereka yang saling terkumpul, memikat antara satu sama lain dengan pencapaian baru. Tidak diragukan lagi, semua ini nampaknya sangat berharga dan penting bagi pelajar mereka - generasi pemuzik muda.

Akordionis mendapati diri mereka berada dalam keadaan yang lebih sukar, harus menyesuaikan diri dengan "ketinggalan" yang sebenarnya. Sebenarnya, belum ada guru akordion yang disahkan di negara ini. Penampilan mereka bermula sekitar pertengahan 1960-an (sekolah muzik) dan awal tahun 1970-an (universiti). Akordionis pada awalnya sangat prasangka terhadap prospek kajian akademik akordeon. Harus diingat bahawa akordionis berbakat, Yuri Dranga, pemenang pertandingan All-Union Artis Variety yang sangat berprestij, belajar di Institut Muzik dan Pedagogi Rostov pada tahun 1971-1976 (kelas Profesor VA Semenov). Pendakian Yu yang pantas. Dranga ke tahap prestasi akademik yang tinggi merupakan contoh yang menunjukkan kepada semua orang yang meragui kesesuaian "eksperimen" tersebut. Sesungguhnya, selama tiga tahun, pemuzik pop, yang sebelumnya hanya terbatas pada repertoar hiburan, telah menjadi jurubahasa muzik klasik yang luar biasa. Setelah berjaya menunjukkan dirinya dalam pertandingan yang paling sukar - pusingan kelayakan All-Union, di mana pemain akordion domestik terkuat tampil, Yuri memenangi hadiah III pada Pertandingan Antarabangsa yang sangat berprestij pada masa itu (Klingenthal, 1975). Tidak dinafikan, persembahan yang sangat baik ini disokong oleh kualiti peribadi Y. Dranga sendiri yang luar biasa, serta metodologi progresif dari guru dan pemuzik yang sangat berbakat V. Semenov.

Dalam pendidikan universiti domestik tahun-tahun berikutnya, sebagai peraturan, kecenderungan penerimaan dan latihan selektif para akordionis mendominasi. Prasyarat untuk pendaftaran adalah pengembangan awal sistem pemilihan atau peralihan ke sistem yang ditentukan dalam beberapa bulan mendatang. Pemeriksaan sedemikian, di satu pihak, memungkinkan untuk mengecualikan kemungkinan kemasukan besar instrumentalis tersebut ke dalam prestasi akademik; di sisi lain, ia mendorong kemajuan prestasi pemuzik yang bertahan dalam persaingan, yang kemudian menjadi profesional kelas tinggi. Oleh itu, guru-guru jabatan butang akordion dan akordion Rostov State Conservatory diberi nama S. V. Rachmaninov hari ini mempunyai alasan untuk berbangga dengan graduan-akordionisnya, yang mempunyai prestasi, pengajaran, aktiviti organisasi yang bermanfaat di banyak wilayah di negara kita dan luar negeri yang kondusif untuk pengembangan seni instrumental rakyat akademik yang mantap. Penampilan pemuda berbakat menginspirasi optimisme - peminat yang sangat menjanjikan, sudah di sekolah muzik menguasai pilihan akordeon, memiliki kualiti yang diperlukan untuk pertumbuhan kreatif yang intensif. Pencapaian penting para akordionis terkemuka di negara kita dan luar negara memberi inspirasi dan berfungsi sebagai panduan sejati bagi anak muda.

Walau bagaimanapun, perlu diperhatikan bahawa tren positif yang jelas dalam pengembangan prestasi profesional domestik pada akordeon, setidaknya, dipertikaikan di halaman penerbitan N. Kravtsov baru-baru ini. Pertama sekali, kita bercakap mengenai artikel "Sistem papan kekunci jenis organ-piano dalam pembinaan akordeon yang siap digunakan", yang mendorong refleksi mengenai kepentingan sebenar dan prospek selanjutnya dari evolusi panjang seni akordion di negara kita dan luar negara. Menurut N. Kravtsov, "... dalam budaya dan seni muzik, kreativiti komposer dan keaslian penyampaian teks karya pada mulanya sangat dihargai, dan di sini, ketika melakukan genre muzik akademik berdasarkan akordeon, masalah serius masih wujud dalam pelaksanaan idea artistik-kiasan karya yang dilakukan. Kami tahu mengenai perkara ini dan diam. Mungkin kerana papan kekunci grand piano yang terkenal adalah penyebabnya? Atau mungkin kerana kurangnya akordionis muda, akordionis terlatih menutup jurang jumlah pekerjaan di kelas-kelas akordionis-guru? Di mana kita dapat dengan jujur ​​membincangkan keberkesanan dan tujuan latihan para akordionis? Oleh itu, dalam program pendidikan profesional dan pra-profesional untuk latihan para akordionis hari ini, standard dua "kompetensi profesional" diam-diam "berakar". Kedua-dua akordionis dan akordionis butang menerima diploma yang sama (!?) Setelah tamat pengajian di institusi pendidikan. Ini buruk bagi negara dan tidak adil secara manusiawi ”.

Kemudian N. Kravtsov beralih kepada cadangan praktikal: “Kami percaya bahawa skim latihan yang optimum untuk para akordionis, yang dapat dinyatakan dalam formula instrumental berikut. Tahap awal (latihan pendidikan umum), seperti sebelumnya, terdiri dari latihan instrumen dengan papan kekunci piano organ tradisional. Tahap kedua (latihan pra-profesional), sebagai kecenderungan untuk latihan vokasional terungkap, harus dilengkapi dengan akordeon dengan papan kekunci piano organ kanan, dan pengubahsuaian yang dicadangkan harus dilakukan pada pilihan kiri. Tahap ketiga (latihan profesional) ditentukan secara eksklusif oleh orientasi profesional pemuzik muda. Menyediakan proses pendidikan, misalnya, dengan akordion ZK-17 (dari kilang "ZONTA". - V. U.) ... akan memungkinkan di institusi pendidikan menengah dan tinggi untuk menghapuskan pendekatan berganda dalam latihan akordionis dan tombol akordeon. " "Panduan untuk bertindak" di atas, sebenarnya berdasarkan idea "promosi diri" dari papan kekunci kanan asli untuk akordeon (yang diciptakan oleh N. Kravtsov pada tahun 1980-an), mendorong kita untuk meneliti semula ciri reka bentuk terpenting yang terakhir.

Rangkuman isu ini, nampaknya, mesti didekati secara sejarah. Seperti yang anda ketahui, di dunia terdapat akordion dengan dua jenis papan kekunci - butang tekan dan papan kekunci. Di Rusia, tombol akordeon disebut akordion butang, papan kekunci disebut akordion. Papan kekunci akordion adalah replika papan kekunci piano yang tepat digunakan selama beberapa abad. Kembali pada era Baroque, sistem papan kekunci ini banyak digunakan oleh pengrajin organ dan harpsichord. Ia kemudian disesuaikan dengan pembuatan piano besar dan piano. Dan hari ini sistem ini diakui benar-benar universal, menunjukkan daya maju dalam pelbagai konteks sosio-budaya dan muzik-gaya. Sejarah seni piano mengandungi maklumat mengenai banyak percubaan untuk memperbaiki reka bentuk yang sesuai, tetapi setakat ini semua percubaan seperti itu tidak berjaya. Optimumnya model papan kekunci yang meluas ditentukan, pertama, oleh nisbah spasial suara-ideal (kenaikan suara disertai dengan jarak kekunci yang lebih besar, dan sebaliknya), dan kedua, oleh penyesuaian yang mudah dan pantas terhadap suara perwujudan tekstur yang paling pelbagai. Bukan kebetulan bahawa papan kekunci piano hari ini dianggap baik sebagai sejenis standard konstruktif, dan sebagai bagian penting dari warisan budaya yang sudah berabad-abad - muzik organ dunia, piano, harpsichord. Fakta bahawa akordeon mewarisi sistem papan kekunci yang luar biasa adalah kelebihan instrumen yang tidak diragukan lagi, terutama pada masa latihan awal, ketika kemahiran bermain asas yang berkaitan dengan orientasi spasial dan sistem kompleks bunyi-motor secara keseluruhan sedang dilakukan terbentuk.

Apakah parameter penting papan kekunci baru N. Kravtsov? Sejauh mana kaitannya dengan papan kekunci piano? Sekiranya pemain muda yang menguasai akordeon dengan papan kekunci tradisional harus "menyelesaikan pembelajaran" pada instrumen seperti itu untuk mengisi repertoarnya dengan komposisi asli terbaru? Dan adakah keperluan sebenar untuk memperkenalkan papan kekunci N. Kravtsov dan bukannya papan kekunci piano "usang"? Adakah benar-benar perlu untuk membangun kembali keseluruhan kompleks pertunjukan demi pertunjukan komposisi akordeon yang baru dibuat, atau adakah keperluan universiti pada dasarnya sesuai dengan orientasi terhadap sastra pedagogi konsert yang disetujui, yang cukup mudah untuk memainkan akordeon? Sekiranya penyusunan semula pada dasarnya diperlukan, maka bukankah lebih baik melatih diri sekaligus, menguasai instrumen yang paling menjanjikan - tombol akordeon?

Membandingkan dua papan kekunci akordion membolehkan pemuzik mengetahui perbezaan mereka yang nyata. Model baru itu menyerupai papan kekunci akordeon butang, hanya dengan bentuk kunci yang berbeza - lebih besar dan dipisahkan dengan selang waktu yang sesuai. Kunci tidak disusun dalam garis lurus, seperti pada akordeon, tetapi dalam urutan yang agak rumit. Seperti yang dicatatkan oleh penemu, "ketika memeriksa papan kekunci, keunikan grafik ketat susunan kekunci hitam dan putih sangat mencolok, yang pada dasarnya sangat mirip dengan papan kekunci organ-piano tradisional. Namun ... perbezaan ini hanya luaran. Dalam reka bentuknya, ia mewarisi semua sifat papan kekunci akordion tradisional. Anda akan mudah yakin akan perkara ini pada kali pertama anda memainkan alat baru. Oleh itu, pastikan bahawa sebagai akordionis anda tidak perlu melatih semula, tetapi hanya menamatkan pendidikan anda dengan akordion unik ini. " Analisis terperinci menunjukkan prinsip logik yang digunakan oleh N. Kravtsov - sejenis "pemampatan" papan kekunci piano.

Model ini secara semula jadi menimbulkan banyak persoalan, namun demikian, faktor utama dan penentu dalam daya tarikan para pemuzik yang pernah berjaya mempelajari akordion klasik dengan instrumen baru semestinya merupakan penyesuaian yang tidak menyakitkan dari kemahiran dan kebolehan bermain yang stabil dan maju dalam keadaan papan kekunci "diubah suai". Sejauh mana kemahiran ini akan menyumbang kepada pembentukan kompleks berprestasi stabil? Soalan ini, nampaknya, nampaknya tidak penting bagi penemu. Argumen utama yang memihak kepada reka bentuk baru untuk N. Kravtsov adalah kesamaan luaran dari jari, yang menunjukkan penafsiran masalah yang dipermudahkan. Melakukan proses pada mana-mana instrumen pastinya tidak terhad kepada hubungan kekeluargaan atau perbezaan. Sebagai contoh, pemain akordion dengan rela hati menggunakan jari piano, tetapi seseorang tidak dapat membuat kesimpulan dari ini bahawa setiap pemain akordion, setelah mempelajari sepotong piano, dapat dengan yakin dan tepat memainkan tombol akordeon. Dia terpaksa menyesuaikan kemampuan persembahannya dengan keadaan baru pergerakan papan kekunci. Untuk setiap papan kekunci, instrumentalis mengembangkan kemahiran prestasi tertentu.

Masalah bebas ralat, stabil dan bebas emosi memainkan tombol akordeon dan akordeon dikaitkan dengan susunan alat pemain yang betul, yang memperuntukkan pembentukan asas orientasi spasial, diselaraskan dengan representasi pendengaran nada, yang sudah ada di awal tempoh menguasai instrumen. “Orientasi akordion merujuk kepada proses mengubah representasi nada menjadi representasi papan kekunci spatial yang memfasilitasi tepat menekan tombol. Dalam konteks instrumen tertentu, proses di atas dicirikan oleh kemampuan untuk membangun dan menggabungkan hubungan yang stabil antara nada dan koordinat spasial dengan cepat. Kemahiran bermain akordion dengan lancar dikembangkan secara beransur-ansur. Semua tindakan yang dilakukan harus bermakna, dan bergantian jari, pergerakannya di papan kekunci harus diselaraskan berkat sistem hubungan pendengaran-motorik yang difikirkan dengan baik dan diuji. Semasa melakukan karya muzik, pergerakan jari sepanjang kekunci dapat dianggap sebagai selang pengambilan berurutan dan kombinasinya.

Salah satu prasyarat metodologi utama yang menyumbang kepada pembentukan kemahiran orientasi stabil adalah gambaran mental yang tepat mengenai struktur organisasi papan kekunci yang dikembangkan oleh pelajar. "Apabila mulai menguasai kemahiran asas orientasi, disarankan untuk melakukan kawalan prestasi segerak pada tiga tahap: nada (selang" dinyanyikan "oleh telinga dalam), struktur (representasi mental dari parameter yang sesuai pada papan kekunci), motor (koordinasi pergerakan di ruang angkasa). Setiap tahap yang disenaraikan sesuai dengan jenis memori tertentu: nada suara, struktur-logik dan motor-motor ”(; lihat juga :). Oleh itu, kemahiran melaksanakan adalah keseluruhan sistem interaksi dari pelbagai komponen, di mana peranan utamanya tergolong dalam koordinasi perwakilan nada dan spasial.

Apa maksud N. Kravtsov ketika memberitahu pembaca: "Dalam pembinaan ini, pemikiran dan teknik memainkan papan kekunci piano organ tradisional dipelihara sebanyak mungkin"? Pernyataan seperti itu, sebagai peraturan, memerlukan justifikasi metodologi yang serius. Sementara itu, penemu sebenarnya menawarkan pemain akordionis untuk "hanya mengambil" instrumen dan ... bermain. Antusiasme dan kepercayaan yang melulu - adakah “jumlah syarat” yang mencukupi ketika nasib seseorang pelakon diputuskan? Papan kekunci baru, menurut N. Kravtsov, yang kondusif untuk pembentukan penampilan moden pemain muda, memerlukan kemahiran asas yang berbeza; yang terakhir secara organik harus sesuai dengan sistem komunikasi motor pendengaran yang harmoni. Kemiripan jari hanya bahagian luar persembahan. Di bawah keadaan papan kekunci baru (di mana semua ciri spasial yang paling penting telah diubah), instrumentalis harus membina semula sambungan yang sesuai dengan cara yang baru. Kepastian N. Kravtsov mengenai mekanisme penyesuaian "sederhana" ("untuk menyelesaikan pembelajaran, tidak melatih semula") tidak mempunyai hujah yang betul dan tentunya menyesatkan penonton.

Kemudahan menari hanyalah salah satu komponen teknik persembahan, dan jauh dari yang paling penting. Untuk pergerakan papan kekunci yang tepat dan kawalan proses intonasi yang optimum, yang paling penting ialah orientasi dalam sistem papan kekunci yang dilengkapi dengan instrumen ini. Dengan hanya menggunakan jari yang selesa, di luar sistem orientasi skala penuh, kami tidak akan membuat prasyarat pembentukan kemahiran pendengaran dan motorik yang betul. Papan kekunci N. Kravtsov "selular", kerana ciri struktur tertentu, tidak mempunyai "pembatasan" spasial (terdapat dalam akordeon tradisional) dan prinsip baris (ciri akordion butang). Kekurangan pembezaan pesawat dan kekhususan taktil membolehkan pelaku merasakan hanya kunci yang berdekatan. Namun, perasaan ini, sebenarnya, tidak stabil kerana jarak antara kunci yang tidak tetap. Dalam keadaan seperti itu, nampaknya sangat sukar untuk menggunakan titik rujukan (pendengaran) dan spasial. Mempelajari karya baru, pelaku setiap kali dipaksa untuk menguasai kembali mekanisme pengenalpastian spasial, menyumbang kepada pergerakan jari tanpa kesalahan dan menekan kekunci yang diperlukan.

Ini adalah prospek permainan stabil dan berkualiti tinggi dalam keadaan papan kekunci N. Kravtsov yang kelihatan sangat meragukan. Akordionis, yang persembahannya dapat saya dengarkan pada instrumen ini, dibezakan oleh ketidakpastian pergerakan jarak-ruang, dengan "berpaut" kekunci bersebelahan secara berkala dan persembahan ekspresif rendah yang terkawal. Setelah menunjukkan minat terhadap kesulitan yang disebutkan di atas, saya secara bebas membiasakan diri dengan papan kekunci baru dan mendapati bahawa kekurangan baris yang mutlak menghalang perasaan yakin terhadap ciri spasial papan kekunci. Sementara itu, pemain akordion moden tidak digalakkan melihat papan kekunci semasa bermain. Memperbetulkan pergerakan papan kekunci secara visual, digabungkan dengan kedudukan menegak dan pemasangan instrumen yang rasional, sangat sukar, membosankan, dan saya cuba menyingkirkan pelajar saya dari kebiasaan ini. Walau bagaimanapun, pemain yang melakukan persembahan pada instrumen yang dirancang oleh N. Kravtsov secara praktikal terpaksa terus melihat papan kekunci! Pada amnya, susunan kunci yang "rata", menurut saya, adalah salah, dan bagi pemuzik bertubuh kecil, kawalan visual permainan tidak mungkin dilakukan. Para pemuzik yang disebutkan di atas, berusaha untuk mengawal pergerakan spasial yang diperlukan, terpaksa mengatur instrumen dalam posisi miring, yang memprovokasi kekakuan alat persembahan dan membuat beban yang besar pada tulang belakang yang melengkung.

Struktur papan kekunci piano dan bayan membolehkan pelaku bergantung pada prinsip selang, menggabungkan dan menyatukan representasi pendengaran dan spasial. Dalam aspek ini, papan kekunci N. Kravtsov menganggap kebolehubahan yang sangat besar, oleh itu, tahap penguasaan kemahiran yang berkaitan akan bergantung, pertama sekali, pada tahap awal latihan (sementara, seperti yang jelas dari alasan penemu di atas, penguasaan awal instrumen harus dilakukan berdasarkan akordion klasik). Ini menimbulkan persoalan seterusnya: apakah instrumen dengan papan kekunci baru adalah akordeon atau adakah sesuatu yang lain? Mungkin lebih baik menamakannya sebagai penghormatan kepada pencipta "Kravtsovofon"? Bagaimanapun, sebenarnya, kita berbicara tentang instrumen baru, dengan kemahiran dan sensasi yang berbeza, "topografi", teknik "koreo jari" yang berbeza, yang menunjukkan pembentukan pemikiran yang berbeza. Berapa lama masa yang diperlukan untuk menguasai set kemahiran dan kebolehan asas sukar ditentukan - proses ini semata-mata bersifat individu. Sama ada model yang disebutkan itu baik atau buruk, ia mempunyai prospek (setelah semakan reka bentuk tertentu) atau tidak, sama ada "kravtsovofon" mempunyai hak untuk wujud, seperti tombol akordeon dan akordeon, atau akhirnya akan lenyap - itu adalah mungkin untuk mewujudkan hanya secara eksperimen. Tetapi kemudian ternyata lebih dari keraguan kesinambungan yang dinyatakan oleh pengarang antara akordeon dan instrumen baru. Lagipun, kemahiran yang diperoleh harus diubah dan bahkan diubah! Penyesuaian kemahiran yang berkaitan dengan papan kekunci tradisional (yang dipelajari oleh kanak-kanak dalam tempoh pengajian pra-profesional) yang dicadangkan oleh N. Kravtsov kepada instrumen yang baru diciptakan sebenarnya kehilangan apa-apa makna, kerana bagi pelaku kebaruan ini, dengan semua kesamaan prinsip penjelasan, pastinya akan "mengatasi" kepentingan kemahiran ini ...

Ketika menguasai papan kekunci yang dijelaskan, sistem berorientasi spasial suara akan disusun kembali, berfungsi dalam keadaan papan kekunci akordeon tradisional (di mana pengembangan selang sesuai dengan peningkatan jarak yang diliputi) atau akordeon tombol (dengan kromatik sistem susunan kunci dan rasa baris yang stabil). Kesamaan penggunaan jari dalam situasi ini tidak menjamin keseragaman kemahiran. Seperti yang dijamin oleh N. Kravtsov (lihat :), penghibur tidak akan dapat "menyelesaikan pelajarannya" dengan cepat setelah menyesuaikan diri dengan papan kekunci baru. Sementara itu, latihan semula secara semula jadi menimbulkan pelbagai "kekurangan" dalam orientasi spasial pada papan kekunci, sehingga menjejaskan kestabilan permainan. Pada pendapat saya, adalah lebih baik untuk mengesyorkan tombol akordion untuk pemuzik akordion berbakat, yang pastinya ingin melakukan komposisi kesukaran "ekstrim" tanpa "penyesuaian" instrumental dari teks asalnya. Dalam kes ini, hasil seni dan kestabilan persembahan akan lebih dapat diramalkan.

Contoh penting dari pendekatan seimbang dan berpandangan ke depan untuk pengembangan tombol dan akordeon butang adalah karya pemuzik, guru dan ahli metodologi Poland yang luar biasa, Wlodzimierz Lech Pukhnovsky: “Pukhnovsky adalah pelopor dalam banyak usaha di Poland dan seterusnya. Dia sangat menentukan perkembangan seni akordeon di Poland dan secara praktikal memainkan peranan penting dalam hal ini. Berkat aktiviti yang gigih, kelas akordeon dibuka di banyak institusi pendidikan, termasuk Akademi Muzik. F. Chopin. Pukhnovsky yang, dengan keputusannya yang kuat, memindahkan semua keyboardis Poland ke akordeon butang (akordion butang). Pada masa yang sama, menganalisis kejayaan pemain akordion Soviet dalam pertandingan antarabangsa, dia sampai pada kesimpulan bahawa sistem Rusia, yang disebut B-griff, lebih sesuai untuk kedudukan tangan, terutama pada papan kekunci elektif kiri . Dia selalu menekankan bahawa dalam sistem ini, "Alberti bass", dan juga pada piano, lebih mudah dimainkan, yaitu, jari kelingking yang lemah memainkan bass rendah, sementara jari yang kuat tetap bebas untuk kiasan virtuoso. Sejak masa itu, semua akordionis Poland yang bermain keyboard secara beransur-ansur beralih ke sistem tekan butang. "

Instrumen mana yang lebih baik untuk dipraktikkan adalah persoalan yang telah lama diselesaikan di kalangan akordionis dan akordionis. Tombol akordeon nampaknya lebih menjanjikan untuk latihan mengajar dan konsert, yang disebabkan oleh luasnya repertoar yang sesuai. Kaedah menukar dari akordion ke akordeon butang telah diuji oleh pemuzik-guru terkenal: V. A. Semenov, O. M. Sharov, S. F. Naiko, dan lain-lain. Terdapat banyak contoh ketika akordionis berlatih dan berjaya tampil di pertandingan dengan hasil yang sangat baik. Saya juga terpaksa mengambil bahagian dalam "eksperimen" yang serupa dengan murid-murid saya. Walau bagaimanapun, dengan sebilangan di kelas saya latihan semula akordionis yang disebutkan tidak dilakukan. Sebab-sebab keputusan ini adalah pengalaman terkumpul bekerja dengan akordionis, pengayaan yang nyata dari repertoar seni yang dilakukan pada akordeon, tetapi, mungkin, yang paling penting adalah faktor kasih sayang individu, cinta pemuzik muda terhadap instrumennya. Pada masa kini, sangat penting untuk merawat dengan memahami usaha yang dilakukan oleh pelajar itu sendiri dan oleh gurunya sebelumnya semasa peringkat pendidikan khas "menengah khas". Di samping itu, guru menghadapi risiko mengganggu proses semula jadi pelajar, kerana ketelitian dan keindahan kemahiran awal yang diperoleh semasa latihan semula dapat dilanggar.

Dan mengapa anda perlu belajar semula? Menurut N. Kravtsov, motif utama adalah keinginan para akordionis untuk menguasai repertoar moden yang baru, yang ditujukan kepada tombol akordeon, kerana "masalah utama membuat tekstur tombol akordeon di sebelah kanan - papan kekunci organ-piano" adalah "a. pemisahan suara yang luas ”. Keinginan untuk kerap berkenalan dengan muzik menarik pada masa kini adalah ciri setiap seniman berbakat dan ingin tahu, tanpa mengira instrumen apa yang dimilikinya. Secara semula jadi, ketika memainkan muzik akademik moden untuk tombol akordion pada akordion, kesulitan timbul berkaitan dengan penyesuaian beberapa elemen persembahan tekstur yang asli dengan spesifik papan kekunci akordeon. Dari semasa ke semasa, akordionis terpaksa memperkenalkan perubahan tertentu ke dalam kain muzik yang tidak mempengaruhi asas konsep artistik-kiasan dari karya yang sedang dilakukan. Dalam kes seperti itu, prasyarat adalah persembahan yang jelas (pra-pendengaran) "komponen" bertekstur yang paling penting dari niat pengarang, yang memungkinkan untuk mencapai hasil persembahan yang mencukupi (kerana sifat penyatuan bunyi yang bersatu dalam butang akordion dan akordion).

Perhatikan bahawa penyesuaian "automatik" muzik akordeon butang akademik moden ke akordeon sangat jarang berlaku - walaupun "automatisme" seperti itu ternyata sesuai secara teknikal dan mungkin. Dengan kata lain, tidak penting sama ada susunan tertentu dimainkan pada papan kekunci tradisional atau "baru". Ini terutama berlaku pada ciri "disesuaikan" sistem penjarian tiga baris (berdasarkan prinsip logik struktur papan kekunci akordeon: secara sederhana, setiap jari bergerak di sepanjang baris kekunci "sendiri"). Memang, butang "pegangan" akordion pada akordeon sepertinya semacam "penemuan", hanya sebahagiannya mudah dan organik. Aspirasi N. Kravtsov "untuk memelihara sebisa mungkin pemikiran dan teknik memainkan papan kekunci piano organ tradisional" menyiratkan prestasi elemen bertekstur akordion secara khusus dengan jari bergantian. Prinsip kedudukan yang disebutkan di atas (hasil semula jadi dari sistem tiga baris) tidak dapat direalisasikan dalam hal ini, kerana jarak antara kekunci papan kekunci baru melebihi yang terdapat pada akordion butang moden. Itulah sebabnya tekstur tombol akordeon harus dilakukan dengan penglibatan kombinasi jari lain.

Kesukaran seperti ini sangat ketara dalam proses mempelajari karya asli penggubah akordion (V. Zolotarev, V. Semenov, V. Zubitsky, A. Yashkevich, dan lain-lain), yang sangat jelas menunjukkan keistimewaan papan kekunci akordeon yang betul, dan kadang-kadang menulis secara langsung "Dengan instrumen (atau mereka melakukan" persetujuan "opus yang baru dibuat dalam prestasi mereka sendiri). Papan kekunci baru yang dicadangkan oleh N. Kravtsov memerlukan penyelesaian penjarian baru, yang terdengar berbeza dari konsep asalnya dan sesuai dengan susunannya. Semasa mempersembahkan muzik akordeon yang dibuat oleh komposer bukan akordion (mereka biasanya mengambil kira ciri papan kekunci instrumen, bukan memilikinya), seorang jurubahasa yang berpotensi lebih-lebih lagi harus "menyesuaikan" bahan bunyi sesuai dengan ciri-ciri sebenar butang akordion atau akordion.

Namun secara keseluruhan, masalah "defisit" repertoir sering kali berjaya diselesaikan oleh pengamal pedagog moden. Sebagai contoh, pelajar akordion telah belajar di kelas saya selama bertahun-tahun, dan di sini tidak ada kaitan dengan "jurang tertutup dalam jumlah muatan" yang kononnya di kelas universiti. Nampaknya, hari ini daya tarikan akordeon dalam tempoh latihan awal ternyata lebih tinggi daripada "daya tarikan" tombol akordeon (kita tidak akan menyelidiki sebab-sebab fenomena ini). Organisasi proses universiti melatih pemain akordionis dan pemain akordion butang secara praktikal tidak mempunyai perbezaan yang signifikan. Setelah 45 tahun bekerja di universiti dan kolej, saya telah membentuk repertoar penuh untuk akordeon, yang membolehkan pelajar mencapai tahap profesional yang diperlukan mengikut kriteria pendidikan khas yang lebih tinggi. Akordeon, tentu saja, bukan instrumen "omnivora", dan paling tidak melulu untuk mencabar kesahihan kelayakan universiti berdasarkan skala repertoar asli kontemporari yang dilakukan.

Hujah yang sama beratnya untuk transkripsi muzik akordeon butang akademik moden untuk akordion adalah sikap terhadap proses ini yang ditunjukkan oleh pengarang karya yang sesuai. Khususnya, komposer Don yang hebat A. Kusyakov, yang berulang kali bersetuju untuk mendengarkan pelajar akordeon saya untuk berkenalan dengan satu atau lain versi susunan, mengambil penyesuaian yang diperkenalkan dengan sangat tenang, percaya bahawa perkara utama dalam bidang ini adalah mengekalkan rasa perkadaran dan mengikuti konsep seni karya. Lebih-lebih lagi, dengan sokongan A. Kusyakov, sejumlah komposisinya dalam "versi" akordion diterbitkan oleh rumah penerbitan Konservatori Rostov.

Berkenaan dengan persembahan muzik organ pada akordeon, harus diperhatikan: bahkan oleh para pemain akordionis, tidak setiap karya untuk organ dapat dibuat ulang dalam versi aslinya. Selalunya jurubahasa harus "mengekspresikan kembali" teks pengarang, memilih versi perwujudan suaranya yang dapat diterima secara artistik. Butang akordeon, seperti akordeon, tidak dapat dianggap sebagai alat "universal", yang juga disahkan oleh praktik transkripsi orkestra, biola dan piano yang sesuai pada era Romantik.

Sambil memahami prospek penggunaan papan kekunci yang dicadangkan oleh N. Kravtsov di bahagian kiri, serta kesesuaian "cermin" penempatan suara (daftar rendah - bahagian atas papan kekunci, tinggi - bawah), penulis garis-garis ini mempunyai keraguan besar. Idea ini memerlukan kajian lebih lanjut dan semakan menyeluruh. Argumen penemu mengenai susunan suara yang lebih rendah dan sistem baris pendua yang tidak bermotivasi secara logik pada papan kekunci elektif kelihatan sangat bermasalah: "Kajian mengenai masalah ini menunjukkan bahawa proses permainan motor lebih baik disesuaikan dan lebih konsisten dengan fisiologi manusia secara am jika mereka berdasarkan "cermin" gerakan balas ". Dan selanjutnya: "Ternyata dengan pembinaan papan kekunci elektif cermin, semua corak penjarian untuk tangan kanan yang diketahui dalam sejarah piano, organ dan akordeon dapat digunakan dengan baik ketika bermain dengan kiri." Tidak jelas apa jenis proses gerakan dan permainan yang difikirkan oleh N. Kravtsov. Walau bagaimanapun, pengalaman praktikal bekerja dengan akordionis yang belajar di kelas pengarang artikel ini dan mengkaji papan kekunci kiri "cermin" dari alat elektif membolehkan kita menyimpulkan: masalah kemudahan melakukan pergerakan semasa petikan skala tetap tidak berubah untuk model "terbalik" yang ditunjukkan. Dalam kedua kes, nampaknya lebih senang untuk melakukan petikan dengan pergerakan ke atas pada papan kekunci, lebih sukar - dengan pergerakan ke bawah. Apabila tekstur bass-chord dimainkan pada papan kekunci elektif "cermin", timbul percanggahan watak motor pendengaran, apabila suara bawah diletakkan di bahagian atas papan kekunci, kord - di bahagian bawah (dengan penyimpangan yang jelas dari garis panduan padang). Ini juga menyebabkan penggunaan jari yang tidak berkesan, yang tidak mengambil kira ciri fisiologi tangan dan peranan utama jari yang lebih cekap dalam mengatur proses persembahan. Pada papan kekunci "cermin", bass diambil oleh jari ke-2 yang fleksibel dan fleksibel, sementara jari yang kurang maju, tidak begitu sesuai untuk mencari dan memilih nada yang serentak, dipercayakan dengan suara kord. Papan kekunci sistem tradisional harus diakui sebagai pilihan yang lebih jelas untuk persembahan tekstur sedemikian, yang memungkinkan untuk membuat semula prinsip logik yang asli dalam susunan muzik piano. Papan kekunci yang boleh dipilih adalah bahagian kiri (bawah) skala piano, di mana anda boleh mengetuk bass iringan dengan jari ke-5 atau ke-4 anda. Orientasi spatial ternyata lebih senang dalam keadaan papan kekunci tradisional - kita bercakap mengenai baris dan jarak yang terasa stabil (dengan jari ke-2) semasa lompatan atau pergerakan bertekstur, walaupun jarak bunyi kord yang agak besar dari bass.

Tesis N. Kravtsov yang sangat meragukan adalah pernyataan: “... jari untuk bahagian tangan kanan dan kiri tidak perlu dipelajari secara berasingan, tetapi hanya satu jari yang cukup, yang akan universal untuk kedua-dua belah tangan. Selain itu, proses membaca lembaran muzik, yang selalu menjadi masalah ketika bermain di tiga sistem instrumen, sangat dipermudah. ​​" Berkaitan dengan penjarian "seragam" yang dicadangkan, mari kita kembali kepada proses pembentukan kemahiran bermain. Pada tombol akordeon, bertentangan dengan kesamaan papan kekunci kanan dan kiri yang tidak diragukan, proses yang disebutkan sama sekali tidak ditentukan oleh "paralel" penjarian. Pembentukan kemahiran bermain yang kuat dan stabil dicapai melalui latihan yang dilakukan oleh setiap tangan secara berasingan. Ini menunjukkan, bersama dengan penguasaan jalur papan kekunci yang konsisten, penggunaan prinsip kawalan yang wajib pada tahap intonasi suara-spasial. Di masa depan, pada tahap berikutnya untuk menguasai karya yang sedang dipelajari, kemahiran baru - gabungan, penyatuan dikembangkan. Oleh itu, pertimbangan N. Kravtsov mengenai prospek pembelajaran membuat komposisi mengikut jadual "ringan" yang dipercepat dan maksimal kelihatan sengaja salah, serta dugaan "hubungan" antara pembacaan penglihatan yang yakin dan persamaan jari.

Kesalahpahaman yang serupa adalah ciri penerbitan G. Shakhov sebelumnya (lihat, sebagai contoh :), di mana kemahiran prestasi motorik-pendengaran digantikan dengan penjelasan "paralelisme". Kesalahan tafsiran masalah ini jelas dinyatakan semasa pembacaan penglihatan oleh pemain dan pemain akordionis yang tidak berpengalaman: pendahuluan nada yang terlalu tepat dari teks yang dimainkan diperburuk oleh penglihatan dalaman keyboard yang hampir tepat. Hasilnya adalah mencari kunci yang betul dengan mencucuk papan kekunci - "menemui" teks pada papan kekunci, dan bukan sebaliknya. Hasil kerja sedemikian tidak begitu memuaskan: prestasi yang dilakukan berjalan "secara bebas" dari hubungan sebenar dengan kawalan pendahuluan dan intonasi nada.

Kami merumuskan secara ringkas perkara di atas:
1. Pernyataan N. Kravtsov mengenai "rendah diri" profesional akordionis yang diperakui, yang diduga memerlukan peralihan wajib ke reka bentuk papan kekunci baru, kelihatan tidak masuk akal (dan, sebenarnya, berbahaya).
2. Akordeon adalah alat yang mandiri, pengembangannya terjadi dalam keadaan sistem latihan pakar yang berkelayakan dan cukup efektif.
3. Pernyataan pengarang mengenai kelebihan papan kekunci yang diciptakan olehnya tidak disokong oleh bukti metodologi mengenai keberkesanan latihan meluas mengenai "akordion Kravtsov".
4. Papan kekunci yang dimaksudkan bukanlah "versi yang lebih baik" dari yang tradisional, tetapi model baru, untuk menguasai mana yang harus dilatih - bukan "menyelesaikan pembelajaran".
5. Menggantikan susunan nada tradisional di papan kekunci elektif kiri dengan "cermin" yang baru diciptakan kelihatan seperti inisiatif yang tidak sesuai dan tidak menjanjikan.
6. Situasi semasa dalam bidang pendidikan muzik dicirikan oleh desakan masalah yang berkaitan dengan kandungan dan kualiti proses pendidikan. Adalah perlu untuk mengajar dan belajar agar profesion kita mengambil kedudukan yang layak dalam peringkat kebangsaan yang sesuai. Pemain Bayan dan akordionis harus mendapat tempat dalam masyarakat, menyatakan peranan penting dalam memainkan alat muzik rakyat dan membangkitkan sambutan hangat dari penonton hari ini.
7. Makna latihan bukan terletak pada berapa banyak diploma dan piala yang akan dimenangi oleh pemuzik muda di pertandingan antarabangsa, tetapi dalam semangatnya untuk memilih profesionnya. Kecintaan pemain terhadap instrumennya harus menjadi "benang merah" setiap biografi kreatif; lebih-lebih lagi, seorang profesional sejati berkewajiban untuk menyedarkan perasaan seperti itu pada pelajarnya sendiri.
8. "Perlengkapan semula" instrumental pemain akordionis dan pengenalan papan kekunci yang diubah suai ke dalam praktik persembahan hari ini adalah tugas yang sangat mendesak. Situasi dengan penemuan N. Kravtsov dapat diselesaikan dengan jayanya dan sudah dapat diselesaikan berkat pendekatan pengajaran individu. Dengan mengenakan resipi "wajib umum" di kawasan ini kepada pemuzik domestik, kami hanya menjauhkan rakan sekerja daripada memahami masalah yang membara dalam pendidikan profesional domestik dan konsert dan seni persembahan.

Sastera
1. Akordeon N. Kravtsov. URL: http://www.accordionkravtsov.com/method.shtml.
2. Kravtsov N. Sistem papan kekunci jenis organ dalam pembinaan akordeon yang siap digunakan // Penghormatan kepada Jabatan Instrumen Rakyat [SPbGUKI]: koleksi artikel. Seni. SPb., 2013.
3. Bibir F. Dalam ingatan V. L. Pukhnovsky. URL: http://www.goldaccordion.com/id1344.
4. Ushenin V. Meningkatkan kemahiran teknikal pemain akordion: buku teks. elaun. Rostov n / a, 2013.
5. Ushenin V. Sekolah bermain akordeon: panduan belajar. elaun. Rostov n / a, 2013.
6. Ushenin V. Sekolah kemahiran seni pemain akordeon: panduan belajar. elaun. 2009.
7. Shakhov G. Bermain dengan telinga, membaca penglihatan dan melakukan transposisi di kelas akordion butang: buku teks. elaun. M., 1987.

Artis Rusia yang dihormati,
Ph.D dalam Sejarah Seni,
Profesor Konservatori Negeri Rostov dinamakan S.V. Rachmaninov
V.V. Ushenin

Tradisi dan perspektif seni persembahan

pada akordion.

Ostrikov S.A.

Ostrikova M.M.

Di institusi pendidikan di mana jabatan instrumen rakyat berfungsi secara aktif, terdapat peningkatan keperluan untuk mempelajari sejarah perkembangan kreativiti instrumental akordion, untuk menentukan masa kini dan meramalkan masa depan.

Tujuan artikel ini adalah untuk mempertimbangkan isu-isu yang berkaitan dengan peranan dan tempat tombol akordeon dalam kreativiti instrumental muzik.

Pada awal abad ke-20, instrumen rakyat Rusia, termasuk harmonika, dikembangkan secara intensif dan mengalami peningkatan yang ketara dalam reka bentuknya.

Imkhanitsky MI dalam buku teksnya menyatakan bahawa "istilah" harmonika "adalah konsep generalisasi untuk seluruh kelas instrumen angin berbunyi sendiri (aerofon yang membunyikan diri)." Bunyi instrumen ini dihasilkan oleh logam yang lidah melompat bebas (suara), bergetar di bawah tindakan aliran udara. Pada asalnya harmonik mempunyai papan kekunci kanan diatonik satu atau dua baris dengan iringan kord bass paling sederhana di papan kekunci kiri. Diperkenalkan ke Rusia pada sekitar suku kedua abad ke-19, setelah secara beransur-ansur berakar dalam kehidupan masyarakat Rusia, mereka menjadi alat muzik yang paling umum, yang difasilitasi oleh kesederhanaan perangkat, kemudahan menguasai permainan. Ini menjadikan harmonika sangat popular. Dan hanya pada awal abad kedua puluh, kata "tombol akordeon" mulai berarti jenis instrumen khas, "di mana papan kekunci kanan kromatik dengan sekurang-kurangnya tiga baris butang sesuai dengan satu set kromatik bass-chord iringan: triad utama, minor, dan juga kord ketujuh - yang disebut kromatik penuh satu set kord siap pakai ".

Pada tahun 1907, di St Petersburg, atas perintah pelakon akordion Ya.F. Orlansky-Titarenko, tuan P.E. Sterligov membuat instrumen konsert yang lebih baik dengan papan kekunci kanan empat baris, yang mempunyai skala penuh warna. Di papan kekunci kiri, selain skala bass penuh kromatik, terdapat kord siap pakai - kord utama, minor dan ketujuh. Tuan dan penghibur menamakan alat ini sebagai akordeon butang, setelah nama penyanyi-pencerita Rusia Boyan yang lama.

Penyatuan pengrajin dalam artil, dan kemudian organisasi kilang-kilang yang harmoni, menyumbang kepada peningkatan pengeluaran instrumen di negara ini. Butang akordion menjadi alat yang paling popular dalam kehidupan seharian dan dalam persembahan amatur muzik penduduk bandar.

Menjelang akhir tahun 1930-an, tombol akordeon dengan kord siap pakai di papan kekunci kiri semakin meluas. Karya-karya yang dilakukan pada instrumen ini terdengar lengkap dan meyakinkan dari sudut pandang artistik dan teknikal. Sebagai contoh, kita dapat memetik karya yang dilakukan dalam konsert, yang berlangsung pada bulan Mei 1935 di Leningrad oleh pemain bay P. Gvozdev, - Chaconne J.S. Bach, Passacalia G. F. Handel, Polonaise in A major oleh F. Chopin dan komposer lain - klasik. Tetapi karya-karya penting ini terutama transkripsi dari sastera organ dan piano, di mana teks muzik harus diubah atau diperbaiki dalam pengertian tertentu. Peningkatan prestasi pemain akordeon memerlukan repertoar asli dengan lebih teliti.

Pada masa yang sama, terdapat percubaan untuk menyusun muzik asli untuk akordion butang oleh komposer profesional. Walau bagaimanapun, komposisi berskala besar berikut - konsert untuk akordeon butang dengan orkestra rakyat Rusia komposer Leningrad F. Rubtsov dan konsert untuk akordeon butang dengan orkestra simfoni oleh komposer Rostov T. Sotnikov - dianggap standard dalam formasi dari repertoir akademik akordion. Nasib konsert dua bahagian F. Rubtsov ternyata lebih berjaya. Ia segera menjadi karya repertoar. Dalam karya ini, komposer berjaya mengungkap kemungkinan akordion butang dengan akord siap pakai secara multilateral.

Tempat istimewa dalam persembahan akordeon diduduki oleh genre pemprosesan melodi rakyat. Ini terus menjadi dasar dari repertoar asli pemain akordeon.

Pengolahan lagu rakyat telah mencapai kesempurnaan yang cukup besar dalam karya nugget akordionis I. Ya. Panitsky. Contoh yang mencolok adalah penarikan, menyampaikan kelambatan dan luas naratif "Oh ya kamu, Kalinushka" atau kontras lirik spiritual dengan pembakar semangat dan semangat dalam variasi pada tema lagu rakyat Rusia "Among the flat valley" dan "Bulan itu bersinar." Karya I. Ya. Panitsky dalam banyak cara berfungsi sebagai titik permulaan untuk pengembangan genre pemprosesan akordeon butang, menentukan kaedah utama transformasi teksturnya.

Langkah selanjutnya dalam pengembangan genre pemprosesan tombol akordeon dilakukan oleh pemain akordion profesional N. Rizol, V. Podgorny, A. Timoshenko.

Dalam penyesuaian terbaiknya, di antaranya, pertama-tama, seseorang dapat menamakan "Rain", "Oh you, blaids braids", N. Rizol berjaya mengatasi pengasingan lagu atau melodi tarian. Oleh kerana itu, bentuk variasi yang biasa ada pada genre ini akan kehilangan keahliannya, mematuhi dalam kebanyakan keadaan dinamika aksi perayaan yang berwarna-warni.

Kreativiti V. Podgorny mendorong batas genre, mendedahkan cadangan baru di dalamnya. Penggubah mencari peluang untuk ekspresi diri dalam bekerja dengan melodi rakyat, menganggapnya sebagai bahannya sendiri, sepenuhnya menundukkannya kepada ideanya sendiri, tugas seninya (fantasi "Malam", "Tiup Angin ke Ukraine".

A. Susunan Timoshenko terkenal dengan kualiti konsert mereka yang terang, tepu dengan warna intonasi. Thematicism mengalami perubahan ketara, mengubah penampilannya. Semua ini ditekankan oleh transformasi yang harmoni dan berirama ("Saya akan menaburkan angsa di pantai", "itik Meadow").

Dalam hal ini, jalan komposer yang disebutkan di atas diteruskan oleh komposer G. Shenderev, V. Chernikov, V. Vlasov, E. Derbenko, dan lain-lain, yang menonjol kerana kepintaran mereka, rasa halus mengenai kekhususan menterjemahkan cerita rakyat bahan pada akordion butang.

Telah diketahui bahawa kemampuan artistik dan teknikal alat muzik dinyatakan, pertama sekali, melalui repertoar yang dilakukan pada alat ini.

Kumpulan instrumen "klasik" yang telah wujud selama lebih dari satu abad telah mengumpulkan sejumlah besar karya konsert dan kurikulum yang paling pelbagai. Rangkai kata komposisi asli untuk tombol akordion masih terhad, sementara terdapat sedikit komposisi yang luar biasa.

Titik balik dapat dianggap situasi ketika dua komposisi, yang telah menjadi zaman pembuatan dalam kesusasteraan akordeon, muncul satu demi satu. Ini adalah Sonata untuk butang akordeon h-moll dan Konsert untuk akordeon butang dan orkestra simfoni B-dur oleh komposer N. Ya. Chaikin.

"Kita dapat berasumsi dengan alasan yang baik bahwa penampilan Sonaik Chaikin untuk tombol akordeon -moll mendorong tahap kualitatif baru dalam pengembangan literatur asli Soviet untuk tombol akordeon ..."

Dengan munculnya akordion butang multi-timbral siap untuk dipilih, keinginan penulis untuk mencari gambar yang sama sekali baru menjadi jelas, gaya muzik untuk tombol akordion berubah. Ini khas untuk kreativiti komposer dan pemuzik akordeon: V. Zolotarev "Partita" (1968), V. Zubitsky "Chamber Partita" (1977), V. Semenov "Sonata No. 1" (1984), V. Vlasov Suite "Lima Pandangan ke negara Gulag" (1991), A. Kusyakova Kitaran dalam 12 bahagian "Wajah masa berlalu" (1999), h. Konsert Gubaidulina untuk akordeon butang dan orkestra simfoni "Under the Sign of Scorpio" (2004) dan lain-lain.

Karya komposer ini dipenuhi dengan idea-idea inovatif, baik dalam sistem kiasan dan juga kaedah perwujudan bertekstur. Dalam komposisi mereka, mereka menggunakan unsur-unsur ekspresi seperti glessandi yang tidak sabar, sumber suara dari instrumen, bunyi saluran udara, pelbagai teknik bermain dengan bulu, dan lain-lain. Minat terhadap kaedah ekspresi muzik bukan tradisional - dodecaphonic , bersiri, aleatorik - sedang berkembang. Pencarian palet timbre baru dari tombol akordeon, khususnya, yang berkaitan dengan pelbagai jenis sonoristik, dan, terutama sekali, kluster, semakin meluas.

Sejak tahun 70-an-80-an abad XX, sekolah butang akordion nasional telah menjadi pemimpin yang diakui secara umum dalam pengembangan seni akordion butang. Ini adalah kelebihan hebat pemenang banyak pertandingan Y. Vostrelov, V. Petrov, F. Lips, A. Sklyarov, Y. Shishkin dan akordionis lain yang cemerlang, yang gaya persembahannya menggabungkan rasionaliti yang ketat dan perhatian terperinci dari semua komponen tafsiran, virtuoso penguasaan instrumen dan keikhlasan adab persembahan. Semua kualiti ini bergantung kepada tujuan utama - untuk mengungkapkan intipati seni muzik yang dipersembahkan.

Kegiatan institusi pendidikan profesional, di dalam dinding yang berkembang secara aktif pemikiran saintifik dan metodologi, menjadi penting dan mustahak untuk pengembangan prestasi akademik profesional berdasarkan tombol akordeon.

Penyelidikan serius muncul dalam bidang teknologi akordeon butang dan penerbitan perkembangan saintifik dan metodologi.

Sejumlah buku dan brosur diterbitkan, yang berkaitan dengan teori dan praktik persembahan akordeon butang, artikel yang ditujukan untuk latihan artistik dan teknikal pemain akordeon butang, masalah penciptaan suara, sistematisasi pukulan akordeon dan isu-isu penting lain dalam tombol akordeon prestasi.

Oleh itu, kita dapat menyimpulkan bahawa pembentukan, pengembangan tombol akordeon dan penampilan di atasnya berlangsung secara bertahap. Memperbaiki reka bentuk instrumen mempengaruhi pertumbuhan kemahiran melakukan pemain akordion. Penciptaan komposisi yang sangat artistik oleh komposer profesional telah memperluaskan senarai komposisi asal untuk kordion butang secara kualitatif. Ini membolehkan tombol akordeon, bersama dengan instrumen klasik lain, mengambil tempat yang tepat di kancah akademik. Kaedah moden tombol akordeon adalah cara instrumen yang mandiri dengan budaya dan perspektifnya yang kaya.

Sastera

1. Bychkov V. Nikolay Chaikin: Potret Komposer Kontemporari. - M .: Majlis. komposer, 1986.

2. Imkhanitskiy M.I. Pertanyaan seni akordeon dan akordeon butang moden: koleksi karya berfungsi / otv. ed. M. I. Imkhanitsky; komp. F.R. Bibir dan M.I. Imkhanitsky. - M .: Ros. akad. muzik kepada mereka. Gnesin, 2010. - Isu. 178.

3. Imkhanitskiy M.I. Sejarah seni akordeon dan akordeon butang: buku teks. elaun. - M .: Ros. akad. muzik kepada mereka. Gnesins, 2006.

pendidikan tambahan untuk kanak-kanak

Sekolah seni kanak-kanak Ogudnevskaya

Daerah perbandaran Shchelkovsky di wilayah Moscow

abstrak
mengenai topik:
« Teknik bermain butang akordion, akordion

F.R. Bibir»

Disusun oleh:

guru akordion

Pushkova Lyudmila Anatolyevna

Pengenalan

Seni memainkan tombol akordeon adalah genre yang agak muda yang dikembangkan secara meluas hanya pada zaman Soviet. Sistem pendidikan muzik untuk para pemain pada alat muzik rakyat mula terbentuk pada akhir 1920-an dan awal 1930-an. Perjanjian penting ini disokong oleh tokoh pendidikan dan seni awam yang terkenal (A.V. Lunacharsky, A.K. Glazunov, M.I. Ippolitov-Ivanov, V.E. Meyerhold, dan lain-lain). Pemuzik berbakat dari pelbagai kepakaran tidak berminat menyampaikan pengalaman profesional mereka kepada para pemain pada alat muzik rakyat dan dalam masa yang singkat membantu mereka memasuki dunia muzik yang hebat; pada masa ini, beribu-ribu pakar - pelaku, konduktor, guru, metodologi, seniman kumpulan muzik berjaya bekerja dalam bidang seni instrumental rakyat; oleh itu, kejayaan praktik persembahan dan pedagogi secara beransur-ansur mewujudkan asas untuk menggeneralisasi pengalaman terkumpul dalam bantuan pendidikan dan metodologi.

Perlu juga diperhatikan bahawa pengenalan praktik jenis instrumen yang paling progresif - akordeon butang siap pakai - secara signifikan mempengaruhi keseluruhan proses melatih pemain akordeon: dalam waktu yang singkat, repertoar telah berubah secara radikal, ekspresif dan teknikal kemampuan para pelaku telah berkembang secara meluas, tahap umum budaya persembahan telah meningkat dengan ketara. Perubahan ketara mula berlaku dalam kaedah pengajaran dan pendidikan generasi baru akordionis; kriteria juga telah berkembang, yang mulai dipersembahkan kepada perkembangan pedagogi dan metodologi: prinsip-prinsip pembuktian ilmiah dan kaitan rapat dengan aktiviti praktikal telah menjadi penyebab utama mereka (sebagai contoh, sejumlah disertasi telah dipertahankan sekarang oleh pelbagai masalah pedagogi muzik, psikologi, sejarah dan teori prestasi dalam bidang seni instrumental rakyat: oleh itu, pencapaian yang signifikan dari amalan muzik dan seni dan pedagogi menerima asas saintifik dan teori yang kukuh, yang seterusnya mendorong perkembangan mereka yang lebih lanjut).

Artis terhormat RSFSR, pemenang pertandingan antarabangsa, profesor bersekutu Institut Muzik dan Pedagogi Negeri yang diberi nama V.I. Gnesinykh Friedrich Robertovich Lips sendiri adalah contoh terbaik pemain akordeon moden - pemuzik yang berpengetahuan tinggi dan terpelajar yang mempunyai tradisi terbaik dalam budaya muzik dalam dan luar negara. Mengandalkan pencapaian terbaik dari sekolah kancing akordeon Soviet, yang telah memimpin di arena antarabangsa sejak tahun 70-an abad yang lalu, setelah dengan teliti merangkum pengalaman pertunjukan peribadi dan kolektifnya yang hebat, maestro dapat memeriksa secara terperinci masalah-masalah utamanya kemahiran pemain pemain bayan - penghasilan bunyi, teknik persembahan, pentafsiran karya muzik dan persembahan konsert spesifik - dalam "Seni memainkan akordeon butang", yang semestinya telah menjadi salah satu kaedah utama yang diakui untuk melatih pemain muda.

Teknik bibir dibezakan oleh kesinambungan, pemeliharaan yang teliti dari semua yang terbaik dan paling berharga, pengembangan kecenderungan progresif, pandangan, arah dan hubungan paling dekat dengan latihan persembahan dan pedagogi: misalnya, mempertimbangkan masalah pengeluaran bunyi, dia membiaskan pengalaman pemuzik kepakaran lain sesuai dengan spesifikasi akordion butang (terutama ketika melakukan transkripsi), memberi amaran terhadap tiruan buta terhadap bunyi instrumen lain - dengan sifat pembentukan suara yang berbeza. Teknik persembahan (kompleks alat persembahan yang harus dimiliki oleh setiap pemuzik - idealnya), menurut F. Lips, tidak berfungsi sebagai tujuan sendiri bagi seorang guru / pelajar, tetapi bertujuan untuk mewujudkan muzik tertentu gambar dengan mengeluarkan bunyi watak yang sesuai. Untuk melakukan ini, perlu memahami dengan baik semua komponen kompleks ini, untuk secara praktik merasakan dan menggabungkan kemahiran bermain terbaik, untuk mengembangkan, berdasarkan prinsip umum, teknik seni individu anda. Unsur-unsur kompleks ini merangkumi kemahiran pementasan (mendarat, mengatur instrumen, posisi tangan), elemen teknik akordeon butang, penjarian.

Peruntukan penting metodologi merangkumi yang berikut:

• 
  pementasan sebagai proses yang berlangsung dalam masa;
• 
  pendekatan kreatif dalam mengusahakan elemen teknik akordion butang;
• 
  prinsip sokongan berat ketika memainkan tombol akordion (akordion);
• 
  prinsip bersyarat artistik menggunakan jari.

Pengalaman peribadi yang hebat dari seorang pemuzik-pelakon dan guru dilihat pada perhatian yang diberikan oleh F. Lips untuk pengembangan rasa artistik pemain akordion, kerana perwujudan niat komposer dalam suara sebenar instrumen adalah masalah yang paling penting, bertanggungjawab dan sukar bagi mana-mana pemuzik: hampir semua orang tertumpu di sini. tugas seni persembahan - dari kajian mendalam mengenai teks, kandungan, bentuk dan gaya karya, pemilihan yang teliti dari ekspresif suara dan teknikal yang diperlukan bermaksud, melalui pelaksanaan tafsiran yang sukar dilakukan dalam pengisaran seharian untuk persembahan konsert di hadapan penonton. Pergantungan berterusan pada prinsip seni, dedikasi dan pencarian sesuatu yang baru, bernilai artistik, memperluas kaedah ekspresi dan memahami kehalusan gaya, kandungan dan bentuk, meningkatkan kemahiran dan memperdalam profesionalisme - ini adalah tugas utama yang dimiliki oleh setiap pemuzik mesti menghadap.

Teknik itu sendiri dibezakan oleh kejelasan organisasi proses pembelajaran, lakonisme, yang, bagaimanapun, merangkumi banyak teknik untuk merangsang pencarian kreatif pelajar, meninggalkan ruang dalam bidang kreatif: pelajar, di luar keinginan atau kesediaannya, menemukan dirinya dalam keadaan kegembiraan yang tidak disangka-sangka dari tugas guru yang bijaksana tetapi berterusan: "Fikirkan", "cuba", "ambil risiko", "buat", dll. (dengan demikian mewujudkan "provokasi" untuk improvisasi); pelajar sentiasa merasakan tenaga kreatif pelajaran, di mana dia diminta untuk dapat memberikan keaslian, keunggulan permainannya. Aksen semantik diletakkan pada pukulan, teknik, nuansa, sementara kekurangan kecil pelajar tidak dihiraukan. Seni mencipta dinamika kreatif dan menyimpan idea utama (matlamat) dengan jelas membolehkan pelajar mempercayai diri mereka sendiri, merasakan sekurang-kurangnya sejenak keadaan seorang pemuzik "tanpa tumit Achilles", tanpa itu keajaiban pengetahuan diri dan manifestasi diri tidak mungkin - matlamat sebenar proses pendidikan.

Pembentukan ekspresi suara

Setiap pemuzik untuk aktiviti persembahan dan pengajaran yang berjaya mesti mengetahui ciri khas instrumennya. Akordeon dan akordeon butang moden mempunyai banyak kualiti semula jadi yang mencirikan penampilan seni alat muzik. Bercakap mengenai kualiti positif butang akordeon / akordeon, tentu saja, kita akan terlebih dahulu membicarakan kelebihan suaranya - mengenai nada yang indah dan merdu, yang mana penghibur mampu menyampaikan corak muzik dan warna yang paling pelbagai ekspresi seni. Inilah kesedihan, dan kesedihan, dan kegembiraan, kesenangan yang tidak terkendali, dan sihir, dan kesedihan.

Artikulasi bermaksud

Anda boleh memberikan ringkasan ringkas mengenai tiga cara utama interaksi tersebut (menurut V.L. Pukhnovsky):

1. 
   Tekan kekunci yang dikehendaki dengan jari anda, kemudian pimpin bulu dengan usaha yang diperlukan (apa yang disebut "artikulasi bulu" - dalam terminologi Pukhnovsky). Penghentian bunyi dicapai dengan menghentikan pergerakan bulu, setelah itu jari melepaskan kuncinya. Dalam kes ini, serangan suara dan ujungnya memperoleh watak lembut, lembut, yang tentu saja akan berubah bergantung pada aktiviti bulu.
2. 
   Gerakkan bulu dengan usaha yang diperlukan, kemudian tekan kekunci. Suara dihentikan dengan mengeluarkan jari anda dari kunci dan kemudian menghentikan bulu (artikulasi jari). Dengan menggunakan teknik penghasilan suara ini, kita mencapai serangan tajam dan akhir suara. Tahap ketajaman di sini akan ditentukan, bersama dengan aktiviti bulu, oleh kelajuan menekan kekunci, dengan kata lain, oleh keanehan sentuhan.
3. 
   Dalam artikulasi bulu-jari, serangan dan penghujung suara dicapai dengan operasi serentak bulu dan jari. Di sini sekali lagi, perlu ditekankan bahawa sifat bangkai dan intensiti pelacakan bulu secara langsung akan mempengaruhi kedua-dua permulaan suara dan penghujungnya.

Sangat penting bagi pemain akordeon untuk memastikan bahawa semasa bermain jari secara koheren, kekuatan digunakan, yang hanya diperlukan untuk menekan kekunci dan memperbaikinya di titik berhenti. Anda tidak boleh menekan kekunci setelah merasakan "bawah". Ini hanya akan menyebabkan tekanan pada sikat yang tidak perlu. Adalah sangat penting bahawa peruntukan ini diambil kira oleh semua guru pada peringkat awal latihan - bagaimanapun, tangan yang digenggam tidak muncul secara tiba-tiba di sekolah dan konservatori.

Tolak, serta tekanan, tidak memerlukan ayunan jari, namun, tidak seperti tekanan, "jari dengan cepat menjunam kunci sepanjang jalan dan dengan gerakan pergelangan tangan yang cepat mendorongnya (pergerakan ini disertai dengan sentakan pendek bulu). " Dengan kaedah penghasilan bunyi ini, pukulan jenis staccato dicapai.

Pukul didahului oleh ayunan jari, tangan, atau kedua-duanya. Dakwat jenis ini digunakan dalam pukulan berasingan (dari non legato hingga staccatissimo). Setelah mengeluarkan bunyi yang diinginkan, mesin permainan dengan cepat kembali ke kedudukan asalnya di atas papan kekunci. Pengembalian pantas ini tidak lebih dari swing untuk hit seterusnya.

Tergelincir(glissando) adalah jenis dakwat lain. Glissando dimainkan dari atas ke bawah dengan ibu jari. Oleh kerana kunci butang akordion pada baris mana pun terletak pada pertiga kecil, satu baris glissando terdengar pada kord ketujuh yang berkurang. Dengan menggeser tiga baris sekaligus, kita dapat mencapai glissando berwarna yang mempunyai daya tarikan tersendiri. papan kekunci glissando ke atas dijalankan dengan jari ke-2, ke-3 dan ke-4. Jari pertama, menyentuh pad jari telunjuk, memberikan sokongan yang selesa (seperti meluncur dengan sekumpulan jari). Untuk mencapai gelongsor tidak sengaja, tetapi gelongsor kromatik, disarankan untuk meletakkan jari anda tidak selari dengan baris papan serong pada papan kekunci, tetapi agak pada sudut dan kedudukan utama jari telunjuk.

Teknik bermain dengan bulu

Teknik utama bermain dengan bulu adalah membuka dan menutup. Semua yang lain berdasarkan pada pelbagai kombinasi pembukaan dan penutup.

Salah satu petunjuk kualiti terpenting dari budaya persembahan pemain bayan adalah perubahan arah pergerakan yang mahir, atau, seperti yang mereka katakan sekarang, perubahan bulu... Harus diingat bahawa pemikiran muzik semasa perubahan bulu tidak boleh terganggu... Yang terbaik adalah menukar bulu pada masa caesura sintaksis. Walau bagaimanapun, dalam praktiknya, adalah mustahil untuk menukar bulu pada saat-saat yang paling mudah: sebagai contoh, dalam potongan polifonik kadang-kadang perlu menukar bulu walaupun dengan nada regangan. Dalam kes sedemikian, perlu:

a) dengar tempoh nota sebelum menukar bulu hingga akhir;

b) menukar bulu dengan cepat, mencegah penampilan caesura;

c) pastikan bahawa dinamika setelah menukar bulu tidak berubah menjadi kurang atau, yang berlaku lebih kerap, lebih banyak daripada yang diperlukan mengikut logik perkembangan muzik.

Nampaknya pergerakan kecil badan pelakon ke kiri (ketika tidak menyekat) dan ke kanan (ketika memerah) juga dapat menyumbang kepada perubahan bulu yang lebih jelas, membantu kerja tangan kiri.

Dalam pembuatan muzik akademik, mekanik harus tegas; ketika tidak menutup, bulu dibiakkan ke kiri dan sedikit ke bawah. Beberapa akordionis "membiakkan bulu", menggambarkan garis bergelombang dengan separuh badan kiri dan memimpinnya ke kiri dan ke atas. Selain kenyataan bahawa ia kelihatan tidak menarik secara estetik, masih belum ada gunanya mengangkat separuh badan yang berat. Lebih baik menukar bulu sebelum rentak kuat, maka perubahan itu tidak akan begitu ketara. Dalam susunan lagu-lagu rakyat, sering kali terdapat variasi yang dinyatakan dalam durasi keenam belas, di mana kadang-kadang perlu mendengar perubahan bulu bukan sebelum rentak kuat, tetapi sesudahnya. Jelas, para akordionis dalam kes-kes ini ingin membawa jalan masuk ke puncak logik, tetapi mereka lupa bahawa rentak yang kuat dapat diekstraksi dengan menyentak bulu ke arah yang bertentangan, sambil menghindari jurang yang tidak wajar antara enam belas.

Telah diketahui bahawa bermain akordeon memerlukan usaha fizikal yang besar. Dan, jika G. Neuhaus selalu mengingatkan murid-muridnya bahawa "mudah bermain piano!" Sukar bagi pemain akordeon untuk bermain dengan kuat dan untuk waktu yang lama, kerana memerlukan banyak tenaga untuk menggiring bola, terutama ketika bermain berdiri. Pada saat yang sama, ketika mendekati kata-kata pepatah Neuhaus secara kreatif, kami sampai pada kesimpulan bahawa ketika memainkan instrumen apa pun, anda memerlukan perasaan selesa, jika anda mahukan keselesaan, lebih-lebih lagi, kesenangan. Seseorang mesti sentiasa merasakan kebebasan, dan kebebasan, untuk berbicara, yang bertujuan untuk melaksanakan tujuan seni tertentu. Usaha yang diperlukan ketika bekerja dengan bulu kadang-kadang, sayangnya, menyebabkan mencubit tangan, otot leher atau seluruh badan. Guru konsert perlu belajar cara berehat sambil bermain; ketika bekerja dengan beberapa otot, misalnya, untuk melepaskan diri, perlu meregangkan otot yang berfungsi dalam keadaan mampatan, dan sebaliknya, dan regangan statik peranti permainan harus dielakkan semasa persembahan, walaupun ketika anda harus bermain sambil berdiri .

Ahli akordionis telah lama terkenal di Rusia kerana virtuoso mereka bermain dengan bulu. Beberapa jenis harmonik, apabila kekunci yang sama ditekan, menghasilkan bunyi yang berbeza untuk membuka dan menutup; bermain instrumen seperti itu memerlukan kemahiran yang hebat dari para pemain. Terdapat juga ungkapan seperti itu: "goncang bulu". Dengan menggelengkan bulu mereka, para akordionis mencapai semacam kesan bunyi yang menjangkakan munculnya tremolo moden dengan bulu. Adalah pelik bahawa dalam literatur asli asing, bulu tremolo dilambangkan dengan kata-kata bahasa Inggeris - Bellows Shake, yang secara harfiah bermaksud: "goncangkan bulu." Pada masa kini, di kalangan akordionis, menjadi bergaya untuk membandingkan peranan bulu dengan peranan busur dalam pemain biola, kerana fungsinya sangat serupa, dan seni biola sepanjang masa memiliki banyak corak khas yang dilakukan oleh tunduk.

Pukulan dan kaedah pelaksanaannya

Persembahan muzik merangkumi keseluruhan sebatan dan pelbagai teknik penghasilan bunyi. Hingga kini, di antara akordionis, definisi terpadu mengenai pukulan dan teknik bermain belum terbentuk, terdapat kekeliruan mengenai apakah ada perbezaan antara cara bermain dan teknik, antara teknik dan pukulan. Kadang kala mereka meletakkan tanda yang sama antara konsep-konsep ini. Tanpa berpura-pura menjadi kategoris, mari cuba menentukan konsep strok, teknik dan kaedah. Pukulan - sifat suara, dikondisikan oleh isi kiasan tertentu, yang diperoleh sebagai hasil artikulasi tertentu.

Mari kita pertimbangkan ciri khas pukulan utama dan cara pelaksanaannya.

Legatissimo- tahap koheren tertinggi. Kekunci ditekan dan diturunkan semulus mungkin, sementara bunyi yang bertindih harus dielakkan - ini adalah tanda rasa tidak menuntut.

Legato- permainan bersambung. Jari terletak di papan kekunci, tidak perlu menaikkannya tinggi. Semasa bermain legato (dan bukan hanya legato), jangan menekan kekunci dengan kekuatan yang berlebihan. Pemain akordion mesti ingat dari langkah pertama belajar bahawa kekuatan suara tidak bergantung pada kekuatan penekanan tombol. Kekuatan yang cukup untuk mengatasi rintangan pegas dan menyimpan kunci dalam keadaan berpadu. Semasa bermain cantilena, sangat penting untuk peka dengan permukaan kunci dengan hujung jari anda. "Anda perlu membelai kuncinya! Kuncinya suka kasih sayang! Dia hanya menjawab dengan keindahan suara! " - kata N. Mettner. "... Hujung jari harus, seperti dulu, bergabung dengan kunci. Kerana ini adalah satu-satunya cara untuk mendapatkan perasaan bahawa kuncinya adalah perpanjangan tangan kita ”(Y. Gat). Anda tidak perlu berdebar dengan jari yang keras dan kuat.

Portato- permainan koheren di mana bunyi seolah-olah dipisahkan antara satu sama lain dengan menekan jari ringan. Pukulan ini digunakan dalam melodi yang bersifat deklamasi, ia sering dilakukan dengan pukulan jari ringan.

Tenuto- mengekalkan bunyi tepat mengikut jangka masa dan kekuatan dinamika yang ditentukan; tergolong dalam kategori pukulan berasingan. Permulaan bunyi dan hujungnya mempunyai bentuk yang sama. Dilakukan dengan pukulan atau tolakan dengan pergerakan bulu yang sekata.

Detache- pukulan yang digunakan dalam permainan yang bersambung dan yang terputus. Ini adalah pengekstrakan setiap suara dengan pergerakan bulu yang terpisah untuk dibuka atau ditutup. Dalam kes ini, jari boleh berada di atas kunci atau melepaskannya.

Marcato- menekankan, menonjolkan. Ia dilakukan dengan pukulan jari yang aktif dan sedikit bulu.

Bukan legato- tidak bersambung. Dilakukan dalam salah satu daripada tiga jenis bangkai utama dengan pergerakan bulu yang lancar. Bahagian nada yang berbunyi boleh mempunyai jangka masa yang berbeza, tetapi tidak kurang dari separuh daripada jangka masa yang ditentukan (iaitu, waktu berbunyi hendaklah sekurang-kurangnya sama dengan waktu yang tidak berbunyi). Pukulan ini memperoleh keseimbangan tepat dalam keadaan ketika bahagian nada yang berbunyi sama dengan jeda buatan (bahagian yang tidak berbunyi) yang berlaku di antara bunyi-bunyi garis melodi.

Staccato- suara tajam dan tiba-tiba. Ini diambil, sebagai peraturan, dengan ayunan jari atau tangan dengan bulu genap. Bergantung pada kandungan muziknya, rentak ini mungkin lebih tajam, tetapi dalam keadaan apa pun, durasi suara yang sebenarnya tidak boleh melebihi separuh nota yang ditunjukkan dalam teks. Jari-jari ringan dan rapat.

Martele- staccato beraksen. Kaedah mengeluarkan strok ini mirip dengan mengekstrak marcato, tetapi watak suaranya lebih tajam.

Pukulan marcato dan martele harus diberi perhatian lebih dalam karya, kerana ini adalah cara ekspresif penting untuk pemain akordion. Malangnya, seseorang sering mendengar mekanik ekspresif rendah, dan tidak ada pergerakan ketika bermain dengan bulu dengan pelbagai corak dan teknik.

Staccatissimo- tahap ketajaman suara tertinggi. Ini dicapai dengan pukulan jari atau tangan yang ringan, sementara perlu untuk memantau ketenangan mesin permainan.

Daftar

Perlu selalu diingat bahawa daftar bukanlah suatu kemewahan, tetapi kaedah untuk mencapai hasil seni yang lebih mengagumkan. Anda perlu menggunakannya dengan bijak. Beberapa akordionis mengubahnya secara harfiah setiap satu atau dua bar, sementara frasa, pemikiran dihancurkan, pendaftaran berubah menjadi tujuannya sendiri. Semua orang tahu betapa mahirnya orang Jepun mengambil sejambak bunga yang menggemaskan, yang kelihatan lebih menarik daripada gabungan banyak bunga menjadi satu sejambak. Saya fikir sehingga tahap tertentu anda dapat membandingkan seni membuat karangan bunga dengan seni mendaftar.

Beberapa akordionis sepanjang masa menggunakan register dengan oktaf ganda (paling kerap - "butang akordion dengan piccolo"). Walau bagaimanapun, apabila melodi rakyat melodi atau tema penghafalan dimainkan, adalah wajar untuk menggunakan register monofonik, dan juga serentak.

Daftar "tutti" harus disediakan untuk episod klimaks, untuk bahagian yang menyedihkan, khusyuk dan berani. Adalah lebih baik untuk menukar daftar pada saat-saat nod yang penting atau relatif penting: di pinggir bahagian borang, apabila jumlah suara meningkat atau menurun, teksturnya berubah, dll. kekakuan khas harus ada dalam pemilihan daftar dalam polifoni. Tema fugue dalam pameran, sebagai peraturan, tidak dimainkan di daftar tutti. Lebih baik menggunakan timbres berikut: "tombol akordion", "tombol akordeon dengan piccolo", "organ".

Dinamika

Hampir setiap alat muzik mempunyai jangkauan dinamik yang agak besar, yang secara konvensional meluas di dalamnya ppp – F F F... Beberapa instrumen (organ, harpsichord) tidak mampu memberikan nuansa dinamik yang fleksibel. Sejumlah instrumen angin dalam keadaan tertentu kekok secara dinamis, kerana hanya dapat menghasilkan bunyi, misalnya, dengan nuansa f atau hanya p. Bayan bernasib baik dalam hal ini. Ia menggabungkan amplitud dinamik yang agak besar dengan penipisan sonik terbaik di seluruh julat.

Seperti yang anda ketahui, dalam proses pengeluaran suara pada akordeon, peranan yang paling penting adalah bulu. Sekiranya kita membuat analogi antara sekeping muzik dan organisme hidup, maka bulu akordeon berfungsi, sebagaimana mestinya, fungsi paru-paru, menghirup kehidupan persembahan. Bulu, tanpa berlebihan, adalah kaedah utama untuk mencapai ekspresi seni. Dan adakah semua akordionis tahu kepada kehalusan kemampuan dinamik instrumen mereka, apakah semuanya cukup fleksibel dan cukup mudah alih untuk menguasai mekanik? Tidak mungkin kita dapat menjawab soalan ini secara afirmatif. Sikap peka dan berhati-hati terhadap suara mesti ditanamkan pada pelajar dari langkah pertama pembelajaran. Setiap pemain akordion mesti mengetahui semua kehalusan instrumennya dan dapat menggunakan dinamika dalam nuansa apa pun, dari pp hingga ff. Sekiranya kita, dengan menekan tombol, menggerakkan bulu dengan sedikit usaha, kita dapat mencapai cara mekanik seperti itu di mana bulu menyimpang (atau menyatu) dengan sangat perlahan, dan tidak ada suara. Sesuai dengan terminologi label G. Neuhaus, dalam kes ini kita mendapat "sedikit sifar", "belum kedengaran." Dengan sedikit meningkatkan ketegangan bulu, kita akan merasakan, mendengar asal-usul suara pada akordeon. Rasa canggih ini, selepas itu muncul suara sebenar, sangat berharga untuk pemain akordeon. Banyak dalam kes ini bergantung pada ketepatan kawalan pendengaran, pada kemampuan pemuzik untuk mendengarkan senyap. Sekiranya latar belakang artis untuk lukisan itu adalah sehelai kertas kosong, kanvas, maka latar belakang artis untuk muzik itu adalah kesunyian. Seorang pemuzik dengan telinga sensitif dapat membuat runut bunyi terbaik dalam diam. Keupayaan untuk mendengar jeda juga penting di sini. Mengisi jeda dengan kandungan adalah seni tertinggi: "Keheningan yang tegang antara dua frasa, yang menjadi muzik di kejiranan seperti itu, memberi kita gambaran tentang sesuatu yang lebih daripada yang lebih pasti, tetapi oleh itu suara yang kurang tegang dapat memberikan" 1. Keupayaan untuk bermain pianissimo dan membuat penonton sentiasa dalam ketegangan selalu menjadi ciri khas pemuzik sejati. Adalah perlu untuk mencapai suara yang mudah dengan suara yang minimum sehingga suara itu dapat hidup dan bergegas masuk ke dewan. Suara piano yang berdiri dan mati hampir tidak akan menyentuh siapa pun.

Dalam tekstur akord, perlu memastikan bahawa semua suara bertindak balas dengan suara yang minimum. Ini terutama berlaku untuk kord terakhir dalam bahagian perlahan, yang seharusnya terdengar morendo. Pemain akordion harus mendengar hujung kord secara keseluruhan, dan tidak menariknya sehingga bunyi dibunyikan satu persatu. Kita sering mendengar bunyi kord terakhir yang tidak seimbang secara berkeping-keping, baik pada f dan p. Kord terakhir harus "ditarik oleh telinga", dan tidak bergantung pada jumlah bulu.

Dengan meningkatkan ketegangan bulu, kita mendapat peningkatan sonority secara beransur-ansur. Nuansa fff juga sampai pada titik di mana suaranya kehilangan daya tarikan estetiknya. Di bawah pengaruh tekanan udara jet yang berlebihan di lubang resonator, suara logam memperoleh suara yang sangat tajam dan berderak, beberapa di antaranya bahkan mulai meletup. Neuhaus menggambarkan zon ini sebagai "tidak lagi berbunyi". Pemain akordion mesti belajar merasakan batasan alat muziknya dan mencapai suara yang penuh, kaya dan mulia dalam fortissimo. Sekiranya anda menuntut lebih banyak suara dari instrumen daripada yang dapat diberikannya, sifat akordeon butang, seperti yang telah disebutkan, akan "membalas dendam". Ia berguna untuk mengikuti suara dari awal hingga ke fortissimo. Dalam proses meningkatkan suara, kita akan dapat mendengar banyak gradasi dinamik (sebutan yang diterima umum: ppr, pp, p, mf, f, ff, fff - jangan memberikan gambaran lengkap mengenai kepelbagaian skala dinamik).

Adalah perlu untuk belajar bagaimana menggunakan keseluruhan amplitud dinamik akordion butang, dan pelajar sering menggunakan dinamika hanya dalam mp - mf, sehingga menghabiskan palet suara mereka. Kegagalan untuk membezakan perbezaan antara p dan pp, f dan ff juga biasa. Lebih-lebih lagi, bagi sebilangan pelajar bunyi f dan p di suatu tempat dalam satah yang sama, di zon dinamik rata-rata - oleh itu kekaburan, penyamaran prestasi. Dalam kes yang serupa, K.S. Stanislavsky berkata: “Sekiranya anda ingin bermain jahat, carilah. Di mana dia baik! " Dengan kata lain: jika anda mahu bermain forte, tunjukkan piano sebenar untuk kontras.

Pada kesempatan ini, G. Neuhaus berkata: "Anda tidak boleh membingungkan Maria Pavlovna (mp) dengan Maria Fedorovna (mf), Petya (p) dengan Peter Petrovich (pp), Fedya (f) dengan Fedor Fedorovich (ff)".

Titik yang sangat penting juga ialah kemampuan menyebarkan crescendo dan diminuendo ke bahagian bahan muzik yang diperlukan. Kelemahan yang paling tipikal dalam hal ini adalah seperti berikut:

1. 
   Crescendo yang diperlukan (diminuendo) dilakukan dengan perlahan, lemas, sehingga hampir tidak terasa.
2. 
   Penguatan (pelemahan) dinamika dilakukan bukan poco a poco (tidak secara beransur-ansur), tetapi dalam lompatan, bergantian dengan dinamik genap.
3. 
   Crescendo dimainkan dengan lancar, meyakinkan, tetapi tidak ada kemuncak, bukannya puncak gunung, kami ditawarkan untuk merenungkan dataran tinggi tertentu.

Seseorang mesti selalu ingat tentang tujuan (dalam kes ini, mengenai kemuncaknya), kerana berusaha untuk itu memerlukan pergerakan, suatu proses, yang merupakan faktor terpenting dalam seni persembahan.

Keadaan utama dalam mengerjakan suara adalah representasi pendengaran yang dikembangkan - "pra-pendengaran", yang selalu diperbaiki oleh kawalan pendengaran. Terdapat hubungan erat antara penghasilan bunyi dan pendengaran. Pendengaran mengawal bunyi yang diekstrak dan memberi isyarat untuk mengeluarkan suara yang seterusnya. Adalah sangat penting untuk terus mendengarkan diri sendiri, jangan melepaskan perhatian anda walaupun sesaat. Perhatian yang longgar, kawalan pendengaran - kehilangan kuasa terhadap orang ramai. Pendengaran seorang pemuzik dibentuk dengan mengerjakan suara, telinga menjadi lebih menuntut. Terdapat juga maklum balas di sini: telinga yang lebih nipis, telinga yang semakin menuntut, semakin tinggi penampilannya sebagai pemuzik.

Mengenai frasa

Motif, frasa - ini hanya sebahagian kecil dari keseluruhan perkembangan dalam karya. Pelaku yang bermain dengan rasa perspektif dan tujuan yang jelas membuat diri mereka mendengar. Tanpa melihat (pendengaran) perspektif, prestasi tetap diam dan menimbulkan kebosanan yang tidak dapat diungkapkan. Kita tidak boleh melupakan kebenaran yang terkenal: muzik sebagai bentuk seni adalah proses bunyi, muziknya berkembang dalam masa... Namun, dengan usaha yang berterusan untuk menyatukan pertuturan muzik, seseorang juga harus berusaha untuk pembahagian logik semula jadi dengan bantuan caesura. Caesuras yang sedar akan pemikiran muzik secara teratur.

Ia berguna bagi pemuzik instrumental untuk mendengarkan penyanyi yang baik, kerana ungkapan yang dilantunkan oleh suara manusia selalu semula jadi dan ekspresif. Dalam hal ini, berguna bagi para akordionis (dan bukan hanya untuk mereka) untuk menyanyikan dengan suara beberapa tema dalam karya. Ini akan membantu mengenal pasti frasa logik.

Teknik

Manifestasi tertinggi kecemerlangan teknikal dalam seni muzik dan persembahan, dan juga dalam bidang aktiviti manusia, disebut kemahiran.

Pementasan

Instrumen harus stabil, selari dengan badan pemain akordeon; bulu berada di paha kiri.

Amalan menunjukkan bahawa tali pengikat bahu yang paling boleh diterima harus dipakai di mana tapak tangan dapat dipegang secara bebas di antara badan tombol akordeon dan pelaku. Dalam beberapa tahun kebelakangan, semakin banyak tali pinggang yang menghubungkan tali bahu di paras lumbar. Inovasi ini hanya dapat disambut baik, kerana tali kini memperoleh kestabilan yang diperlukan dan tidak jatuh dari bahu. Tali tangan kiri juga disesuaikan supaya tangan dapat bergerak bebas di sepanjang papan kekunci. Pada masa yang sama, ketika membuka sempadan dan ketika memerah, pergelangan tangan kiri harus merasakan tali pinggang dengan baik, dan telapak tangan harus merasakan badan alat.

Kriteria utama untuk kedudukan tangan yang betul adalah keindahan semula jadi dan kemudahan pergerakan. Sekiranya kita menjatuhkan tangan kita di sepanjang badan ketika jatuh, maka jari akan memperoleh penampilan separuh bengkok semula jadi. Kedudukan ini tidak menyebabkan ketegangan sedikit pun di kawasan alat tangan. Membengkokkan tangan ke siku, kita dapati posisi awal untuk memainkan tombol akordeon dan akordeon. Tangan kiri, tentu saja, mempunyai beberapa perbezaan dalam kedudukan, tetapi perasaan kebebasan menekuk jari, tangan, lengan bawah dan bahu harus sama untuk kedua tangan. Lengan atas dan lengan bawah memberikan keadaan hubungan yang baik agar jari-jari menyentuh papan kekunci, jari-jari tangan dan tangan dapat berfungsi dengan sedikit usaha.

Penting untuk memperhatikan fakta bahawa tangan kanan tidak tergantung lemas, tetapi merupakan kelanjutan semula jadi lengan bawah. Bahagian belakang tangan dan lengan bawah membentuk garis hampir lurus. Sama berbahayanya adalah kedudukan statik tangan dengan pergelangan tangan melengkung atau cekung.

Penjarian

Untuk memilih penjarian, disarankan untuk memainkan beberapa serpihan pada tempo, jika mungkin, kerana koordinasi tangan dan jari pada tempo yang berlainan mungkin berbeza. Sekiranya urutan jari diperbaiki, tetapi setelah beberapa saat kelemahannya menjadi jelas, maka penjarian jari mesti diubah, walaupun ini tidak selalu mudah dilakukan.

Pemilihan sistem penjarian empat atau lima jari tidak hanya bergantung pada pilihan peribadi pemain akordion sendiri, tetapi juga terutama pada keperluan seni. Hari-hari ini, taufan kontroversi mengenai sistem penjarian tertentu sepertinya telah berlalu. Walaupun begitu, kadang-kadang semasa pertemuan kreatif, soalan yang sama diajukan: apakah cara terbaik untuk bermain - dengan empat jari atau lima jari? Sebenarnya, masalah itu sudah lama diselesaikan. Pemain hari ini umumnya bermain dengan kelima-lima jari, dengan ibu jari atau kurang menggunakan jari pertama. Menggunakan sistem lima jari secara membuta tuli adalah penghormatan kepada fesyen. Sudah tentu, kadang-kadang lebih mudah meletakkan kelima-lima jari berturut-turut, tetapi adakah penjarian ini akan menjadi pembantu pemain akordion dalam niat seninya? Adalah perlu untuk mempertimbangkan fakta bahawa, secara semula jadi, kekuatan setiap jari adalah berbeza, oleh itu, perlu untuk mencapai keseimbangan irama dan garis dalam serangan dengan jari mana pun. Dalam petikan yang pantas yang seharusnya terdengar seperti glissando, anda dapat menggunakan semua jari berturut-turut, sehingga memperluas batas kedudukan.

Struktur tangan berhubung dengan papan kekunci akordion kanan sedemikian rupa sehingga lebih wajar menggunakan ibu jari pada baris pertama dan kedua. Jari-jari yang selebihnya berfungsi dengan bebas di seluruh papan kekunci.

Soalan tafsiran karya muzik

Tempoh awal kerja pada karya muzik harus dikaitkan, pertama sekali, dengan definisi tugas seni dan pengenalpastian kesulitan utama dalam perjalanan untuk mencapai hasil seni akhir. Dalam proses kerja, rancangan penafsiran umum dibentuk. Adalah wajar jika kemudian, semasa persembahan konsert di bawah pengaruh inspirasi, banyak yang terdengar dengan cara baru, lebih penuh semangat, puitis, berwarna-warni, walaupun penafsiran secara keseluruhan akan tetap tidak berubah.

Dalam karyanya, pelaku menganalisis kandungan, bentuk, dan ciri-ciri lain dari karya itu, dan memanfaatkan pengetahuan ini menjadi tafsiran dengan bantuan teknologi, emosi dan kehendak, iaitu. mencipta imej seni.

Pertama sekali, pelakon menghadapi masalah gaya. Semasa mengenal pasti ciri gaya karya muzik, perlu menentukan era penciptaannya. Nampaknya tidak perlu membuktikan bahawa kesedaran pelajar tentang perbezaan, katakanlah, antara muzik harpsichordists Perancis dan muzik masa kini akan memberinya kunci terpenting untuk memahami karya yang sedang dikaji. Pertolongan penting haruslah mengenal identiti nasional pengarang ini (ingat, misalnya, betapa berbezanya gaya dua orang sezaman - S. Prokofiev dan A. Khachaturian), dengan keunikan jalan kreatifnya dan imej serta cara khasnya akhirnya, perhatian terhadap sejarah penciptaan karya itu sendiri.

Setelah menentukan ciri-ciri gaya muzik, kami terus menyelidiki struktur ideologi dan kiasannya, ke dalam hubungan informatifnya. Pengaturcaraan memainkan peranan penting dalam memahami imej seni. Kadang-kadang program ini termasuk dalam tajuk drama: misalnya, "The Cuckoo" oleh L. K. Daken, "The Musical Snuffbox" oleh A. Lyadov, dll.

Sekiranya program tidak diumumkan oleh komposer, maka pelaku, juga pendengar, berhak mengembangkan konsep karya sendiri, yang seharusnya sesuai dengan idea pengarang.

Pengalihan ekspresif dan emosional kandungan imaginatif harus disemai pada pelajar pada pelajaran pertama di sekolah muzik. Bukan rahsia lagi bahawa sering bekerja dengan pemula untuk menekan butang kanan tepat pada waktunya, kadang-kadang walaupun dengan buta huruf buta huruf: "kita akan mengusahakan muziknya nanti!" Pemasangan pada asasnya salah.

Menjelang akhir abad ke-20, sekolah akordion butang Soviet mencapai kejayaan besar. Pada masa kini, bermain butang akordeon dan akordion telah menjadi bahagian penting dalam budaya muzik. Ini disahkan oleh kejayaan para akordionis dan akordionis terbaik di pentas muzik paling berprestij di dunia, kemunculan repertoar yang signifikan dan serius, peningkatan yang ketara dalam reka bentuk instrumen itu sendiri, perkembangan aktif pemikiran saintifik dan metodologi .

Dalam karya ini, menjadi penting untuk menelusuri sejarah pembentukan dan peningkatan tombol akordeon sebagai alat muzik dan untuk mengkaji perubahan kemungkinan repertoar pemain akordeon butang semasa peningkatan instrumen tombol akordeon untuk memahami prinsip mentranskripsikan karya tombol akordion ke orkestra alat muzik rakyat Rusia.

70-an abad XIX ditandai dengan kemunculan harmonika dua baris kromatik pertama di Rusia, yang dicipta oleh N.I. Beloborodov. Penemuan ini merupakan tonggak terpenting dalam perjalanan kemunculan alat muzik baru yang kualitatif - tombol akordeon. Pada akhir XIX - awal abad XX. Tuan Rusia Tula, St Petersburg dan Moscow sedang mengembangkan skema harmonik kromatik tiga dan empat baris yang lebih sempurna. Instrumen tersebut kemudiannya dikenali sebagai akordion butang sistem Hegstrom.

Momen mendasar dalam kelahiran reka bentuk asas tombol akordeon adalah inisiatif Paolo Soprani, yang mempatenkan pembinaan pada tahun 1897, yang menjadi momen penting dalam penciptaan instrumen yang kita sebut tombol akordeon. Pada tahun 1907, master Petersburg P.E. Sterligov membuat instrumen konsert yang lebih baik dengan papan kekunci kanan empat baris. Dan pada tahun 1929 dia akhirnya merancang papan kekunci kiri dengan menukar kord siap pakai ke skala yang dipilih.

Oleh itu, hanya dalam seperempat abad pengembangannya, tombol akordeon telah beralih dari harmonika rumah tangga dengan susun atur papan kekunci yang tidak sempurna dan pengiring siap pakai yang terhad ke instrumen siap pakai konsert, yang telah menerima penyelesaian reka bentuk yang sangat menjanjikan.

Sekiranya pada mulanya tombol akordion dibuat dengan tangan, semata-mata atas panggilan jiwa, maka pada awal abad ke-20, terutama setelah revolusi, tombol akordeon mulai dihasilkan secara besar-besaran di kilang-kilang khas.

Pada tahun 1960 pereka terkemuka Kilang Eksperimental Alat Muzik Moscow V. Kolchin mencipta butang akordion "Rusia". Pada tahun 1962, Y. Volkovich mengembangkan instrumen timbre pertama di negara ini dengan papan suara terbitan produksi bersiri "Solist". Pada tahun 1970, dia juga membuat akordion butang siap-pilih empat bahagian jenama Jupiter. Pada tahun 1971, pereka A. Sizov membuat instrumen konsert dengan 7 daftar pada papan kekunci kiri yang siap digunakan.

Sebagai tambahan kepada pengembangan dan peningkatan akordeon butang siap pakai multi-timbral konsert, pelbagai berkembang dan reka bentuk instrumen siri baru sedang dibuat. Pada tahun 1965, akordeon butang siap untuk dua bahagian "Rubin" muncul di Kirov Musical Instrument Factory, yang dirancang oleh N. Samodelkin. Pada tahun 1974, pakar Tula membuat tombol akordeon "Levsha". Pada tahun 1982 pereka V. Proskurdin bersama dengan master L. Kozlov mencipta instrumen lima bahagian "Rus" dan akordeon empat bahagian "Mir".

Akordeon butang menjadi meluas. Harmonik secara beransur-ansur merosot ke masa lalu, dan tombol akordeon dapat dilihat di mana-mana: di majlis perkahwinan, tempat tarian dan konsert, di kelab dan perayaan lain. Memiliki kemampuan harmonik dan timbre yang hebat, tombol akordeon menjadi alat pendamping yang sangat diperlukan, seperti piano besar. Ringan dan mudah dibawa, ia seperti orkestra kecil yang menggabungkan kemampuan instrumen yang berbeza.

Kebajikan akordion butang juga diakui oleh pemuzik profesional. Mereka mula menulis karya untuknya, menyusun semula klasik, membuat susunan yang rumit (I. Panitsky, V. Zarnov, F. Klimentov, V. Rozhkova, F.A. Rubtsov). Kedai-kedai sekarang mempunyai muzik lembaran untuk komposisi khas untuk pemain akordion, baik pemula dan berpengalaman. Di sekolah-sekolah dan kolej muzik kelas-kelas akordionis dibuka, tetapi orang-orang memanggil mereka akordionis dengan cara kuno.

Semasa perang, tombol akordeon terbukti menjadi alat yang sangat diperlukan di depan dan di belakang. Untuk pengiringnya, para seniman tampil yang datang ke pasukan tentera di tembak, ke yang cedera - ke hospital, ke pekerja - ke kilang dan kilang. Malah detasemen partisan mempunyai akordionis mereka sendiri. Selepas perang, bersama dengan akordion butang piala produksi Jerman, akordeon mulai dibawa dari luar negara, yang mempunyai butang pada bass, dan kunci yang selesa untuk melodi, seperti piano. Salah satu akordion pertama produksi dalam negeri diberi nama "Red Partizan", kemudian jenama lain muncul.

Dengan penembusan dalam organologi dan teknologi akordeon butang, yang berlaku dengan perubahan pada barisan papan kekunci dan prinsip-prinsip penjarian, dan dengan penstrukturan bertekstur timbre dalam bidang suara tombol akordeon, persoalan mengenai prestasi polifoni, kerja tidak konvensional mengenai pendidikan pendengaran pemuzik muda, pembelajaran masalah, analisis komposisi instrumental dan organisasi struktur orkestra akordeon dan banyak lagi.

Kekuatan kilauan tombol akordion telah memperoleh fungsi yang sangat ketara dan baru. Harta orkestraliti yang paling penting dijumpai dengan jelas. Bahagian timbre muzik akordeon butang telah menjadi bahagian organik dalam komposisi dan persembahan.

Peningkatan minat terhadap genre polifonik, tarikan terhadap polifoni abad ke-17 - ke-18 membuktikan penemuan akordeon butang bukan hanya sebagai instrumen polifonik, tetapi sebagai unsur budaya organ. Hubungan bertekstur dan timbre organ dan tombol akordeon dapat dilihat.

Seiring dengan populariti instrumen, pengembangan repertoar, keterampilan para pemain juga meningkat. Para profesional kelas tinggi muncul, dan komposer tidak lagi menganggap memalukan untuk menulis komposisi khas untuk akordion butang: sonatas, karya muzik, dan juga konsert untuk akordeon butang dengan orkestra simfoni. Mungkin mereka tidak dapat dibandingkan dengan komposisi simfoni utama, tetapi secara keseluruhan ia merupakan langkah maju yang besar.

Pada pergantian tahun 1970-an - 1980-an, watak penyampaian baru dirasakan di setiap potongan baru bentuk akordeon besar. Kebebasan memilih kaedah dan sifat kualitatif baru instrumen akordeon menyebabkan karya komposer menghasilkan hasil yang agak radikal. Asas bentuk _ gudang muzik _ mendapat ungkapan yang lebih bebas. Suara dan suara yang terdengar kehilangan sifat vokalnya, aliran dari suara ke suara mematuhi logik instrumental, di mana sudut tajam lompatan, kerapuhan kerapuhan dan kelajuan aliran nada adalah khas. Dalam kehidupan seharian kreativiti komposer bayan merangkumi semua jenis gudang muzik, khas untuk muzik abad XX.

Tahap tinggi pengembangan tombol akordeon dan kemampuan muziknya disahkan oleh pembukaan konservatori khas, institusi pendidikan tinggi di kelas tombol akordion. Pada waktu itu, tidak ada pihak berkuasa yang tidak dapat dipertikaikan di daerah ini yang menguasai pemuda, dan peluang kreatif yang besar dibuka untuk para pemain akordionis pemula.

Menjelang akhir abad ke-20, sekolah butang akordeon kebangsaan telah mencapai kejayaan besar. Nama-nama pelakon berbakat yang membuat persembahan di dewan konsert terbesar di dunia menjadi terkenal. Walaupun sejarah butang akordion berulang satu setengah abad, pemain tombol akordeon mula menerima pendidikan muzik profesional hanya pada akhir tahun 1920-an abad kita. Sepanjang tempoh yang lalu, seni akordeon telah mencapai tahap tinggi.

Berikutan peningkatan seni bermain tombol akordeon, pemikiran metodologi juga terbentuk. Akordionis Soviet yang terkenal - pelaku dan guru - memberikan sumbangan yang besar terhadap perkembangan teori. Sejumlah sekolah, manual instruksi diri, manual, dan juga artikel mengenai berbagai aspek pedagogi dan prestasi pada tombol akordeon telah muncul. Budaya muzik pemain akordeon yang terus berkembang secara aktif mempengaruhi peningkatan reka bentuk alat itu sendiri.

Semua faktor penting ini tidak dapat mempengaruhi pembentukan repertoar akordeon butang dan, khususnya, karya asli yang dibuat dalam tempoh ini. Dan setiap tahap dalam pengembangan tombol akordeon membawa sesuatu yang segar dan asli pada citra, terutama tekstur, dengan penggunaan teknik baru untuk mencapai kesan ekspresif baru, ke struktur bahasa muzik karya. Selama beberapa dekad yang lalu, sebuah repertoar besar telah dikumpulkan, termasuk karya-karya yang berjasa seni tinggi, ditulis dengan mahir dan beragam dalam bentuk dan genre.

Percubaan pertama untuk membuat repertoar asli untuk butang akordion bermula dari 30-an. Namun, lakonan V. Zarnov, F. Klimentov, V. Rozhkov yang muncul pada masa itu, dan lebih-lebih lagi dibuat secara tidak profesional oleh akordionis amatur, yang merupakan amatur memproses lagu rakyat, tidak dapat memenuhi semua tuntutan seni yang semakin meningkat dari pemuzik. Dibutuhkan komposisi serius dalam bentuk besar dan miniatur pada tema rakyat, yang secara luas dapat memperlihatkan kemungkinan ekspresif tombol akordeon.

Sejak pertengahan 30-an, pemain Saratov akordion-nugget I. Panitsky yang terkenal telah menjadi salah satu pengarang susunan lagu rakyat Rusia yang paling terang. Setelah menyedari dan menyanyikan lagu rakyat, dia dapat menerjemahkan ciri-cirinya dengan sangat berhati-hati dan halus.

Tonggak utama dalam pengembangan muzik untuk tombol akordeon adalah karya yang dibuat pada pertengahan 40-an - awal 50-an oleh N. Chaikin, A. Kholminov, Yu, Shishakov. Karakteristik kualiti terbaik komposer ini ditunjukkan dalam diri mereka dengan kelengkapan dan kepuasan artistik yang hebat: "keramahan" struktur intonasional muzik, pelbagai perasaan yang dinyatakan di dalamnya, ketulusan ekspresi emosi. Lebih-lebih lagi, jika N. Chaikin lebih cenderung ke arah pelaksanaan tradisi romantis, maka dalam karya Yu.N. Shishakov dan A.N. Pergantungan langsung Kholminov pada tradisi Kuchkist dapat dilihat. Pada masa yang sama, dalam karya penulis ini, ada keinginan yang nyata untuk memaksimumkan kemungkinan akordeon butang dengan kord siap pakai di papan kekunci kiri, untuk memperkaya tekstur muzik dengan cara ekspresif baru (seperti, dua konsert - untuk akordeon butang dengan orkestra rakyat Rusia oleh Yu.N. Shishakov (1949), Suite untuk bayan solo oleh A.N. Kholminov (1950)).

Generasi komposer generasi berikutnya mencipta karya terutamanya untuk jenis instrumen moden - akordion butang multi-timbral siap-pilih (A. Repnikov, V. Zolotarev, V. Vlasov, dll.).

Seperti dalam genre seni muzik yang lain, komposer yang bekerja di bidang muzik akordeon semakin berusaha untuk mengatasi kelambatan akademik yang terkenal, inersia pemikiran kreatif, yang terdapat dalam beberapa komposisi pada masa sebelumnya, untuk lebih aktif mencari imej dan cara baru penjelmaan intonasional mereka.

Salah satu manifestasi akordion butang yang berfungsi pada pergantian abad hingga sekarang? ini adalah penglibatannya dalam ansambel instrumental jazz_ dan pop_ dan ensembel muzik pop khas, misalnya: "Pesnyary", "Brigada SS", "VV", "Strelchenko_bend", "Bryats_Band", "Romantic trio", dll. konteks estetika moden, perhatian khusus memerlukan kekhususan persembahan akordeon butang seperti teater, yang dinyatakan dalam pengembangan para seniman "kepada penonton", iaitu. menghadap ke pendengar (penonton), yang memberikan atribut mimik_plastik seni persembahan.

Oleh itu, pada tahap sekarang, masalah repertoir dalam konteks persembahan akordeon butang sebagai fenomena integral budaya dan seni muzik memerlukan, tentu saja, penyelidikan dari sudut pandang yang berbeza: dari bukti genetik dari prasyarat estetika dan sejarah seni untuk kemunculan kajian mengenai kemungkinan dan prospek pembangunan dalam konteks trend dan aliran seni terkini.