Tiga tahap utama romantisme muzik Eropah abad ke-19 - awal, matang dan lewat - sesuai dengan tahap perkembangan muzik romantik Austria dan Jerman. Tetapi periodisasi ini mesti dirumuskan dan dalam beberapa cara ditentukan berkaitan dengan peristiwa terpenting dalam seni muzik setiap negara.
Tahap awal romantisme muzik Jerman-Austria bermula pada 10-an dan 20-an abad ke-19, yang bertepatan dengan puncak perjuangan menentang pemerintahan Napoleon dan permulaan reaksi politik yang gelap. Permulaan tahap ini ditandai dengan fenomena muzik seperti opera "Undine" oleh Hoffmann (1913), "Sylvanas (1810)," Abu Hasan "(1811) dan karya piano yang diprogramkan" Invitation to Dance "(1815) oleh Weber, lagu-lagu Schubert pertama yang benar-benar khas - "Margarita at the Spinning Wheel" (1814) dan "Forest Tsar" (1815). Pada tahun 1920-an, romantisme awal berkembang, ketika genius Schubert yang hampir pupus berkembang secara penuh, ketika The Magic Rifleman, Euryatus dan Oberon muncul - tiga opera paling terakhir terakhir oleh Beber, pada tahun kematiannya (1820) di cakerawala muzik, bersinar "luminary" baru - Mendelssohn - Bartholdi, yang tampil dengan persembahan konsert yang indah - Mimpi Musim Panas Musim Panas.
Tahap pertengahan jatuh terutamanya pada tahun 1930-an-1940-an, batas-batasnya ditentukan oleh Revolusi Juli di Perancis, yang memberi kesan yang besar pada lingkaran maju Austria dan terutama Jerman, dan revolusi 1848-1949, yang melanda kuat di seberang Tanah Jerman-Austria. Dalam tempoh ini, kreativiti Mendelssohn (meninggal pada tahun 1147) dan Schumann berkembang di Jerman, yang aktiviti komposernya hanya selama beberapa tahun melintasi batas yang ditunjukkan; Marschner menghilangkan tradisi Weber dalam operanya (opera terbaiknya, Thaps Geilsch: r, ditulis pada tahun 1833); dalam tempoh ini, Wagner pergi dari komposer bercita-cita menjadi pencipta karya-karya luar biasa seperti Tannhäuser (1815) dan Lohengrin (1848); namun, pencapaian kreatif utama Wagner masih belum dapat dicapai. Di Austria, pada masa ini, ada sedikit gangguan dalam bidang genre yang serius, tetapi pencipta muzik tarian sehari-hari, Joseph Liner dan Johann Strauss si ayah, semakin terkenal.
Zaman romantisisme yang lewat, pasca-revolusi, meliputi beberapa dekad (dari awal 50-an dan, kira-kira hingga pertengahan 90-an), dikaitkan dengan situasi sosio-politik yang tegang (persaingan Austria, Prusia dalam penyatuan Jerman tanah, kemunculan Jerman yang bersatu di bawah pemerintahan Prussia yang bersifat militeristik dan pemisahan politik terakhir Austria). Pada masa ini, masalah seni muzik Jerman tunggal dan umum adalah akut, percanggahan antara pelbagai kumpulan kreatif dan komposer individu lebih jelas terungkap, pergolakan tren muncul, yang kadang-kadang tercermin dalam polemik yang dipanaskan di halaman akhbar. . Liszt, yang pindah ke Jerman, berusaha untuk menyatukan kekuatan muzik progresif negara itu, tetapi prinsip kreatifnya yang berkaitan dengan idea-idea inovasi radikal berdasarkan programatik tidak dikongsi oleh semua pemuzik Jerman. Posisi istimewa diambil oleh Wagner, yang membebaskan peranan drama muzik sebagai "seni masa depan." Pada masa yang sama, Brahms, yang berjaya dalam karyanya membuktikan betapa pentingnya banyak tradisi muzik klasik dalam kombinasi mereka dengan pandangan romantis yang baru, menjadi Wina ketua aliran anti-Daftar dan anti-Wagner. Tahun 1876 sangat penting dalam hal ini: perdana Wagner's Ring of the Nibelung berlangsung di Bayreuth, dan Vienna berkenalan dengan simfoni pertama Brahms, yang membuka masa pembungaan tertinggi karyanya.

Kerumitan situasi muzik-sejarah tahun-tahun ini tidak terhad kepada kehadiran pelbagai arah dengan motifnya; - Leipzig, Weimar, Bayreuth. Vienna. Di Vienna sendiri, misalnya, para seniman sangat berbeda antara satu sama lain seperti Bruckner dan Wolff, disatukan oleh sikap bersemangat yang sama terhadap Wagner, tetapi pada masa yang sama tidak menerima prinsip drama musikalnya.
Di Vienna, Johann Strauss the Son, ketua muzik paling abad ini, sedang mencipta ”(Wagner). Waltzes yang indah dan operetanya kemudian menjadikan Vienna sebagai pusat muzik hiburan terbesar.
Dekad pasca revolusi masih ditandai dengan beberapa fenomena romantisisme muzik yang luar biasa, tanda-tanda krisis dalaman trend ini sudah membuat diri mereka terasa. Oleh itu, romantis dalam Brahms disintesis dengan prinsip-prinsip klasikisme, dan Hugo Wolff secara beransur-ansur menyedari dirinya sebagai komposer anti-romantis. Ringkasnya, prinsip romantis kehilangan makna eksklusif mereka, kadang-kadang digabungkan dengan beberapa kecenderungan klasik yang baru atau dihidupkan semula.
Walaupun begitu, walaupun setelah pertengahan 1980-an, ketika romantisme jelas mulai hidup lebih lama, kilauan kreativiti romantis individu masih muncul di Austria dan Jerman: karya piano terakhir dari Brahms dan simfoni Bruckner kemudiannya disatukan dengan romantisme; komposer terhebat dari pergantian abad XIX dan XX - Mahler Austria dan Jerman Richard Strauss - dalam karya-karya tahun 80-an dan 90-an kadang-kadang memperlihatkan diri mereka sebagai romantik khas. Secara amnya, komposer ini menjadi semacam penghubung antara abad ke-19 "romantis" dan dua puluhan "anti-romantis".)
"Kedekatan budaya muzik Austria dan Jerman, kerana tradisi budaya dan sejarah, tidak mengecualikan, tentu saja, perbezaan nasional tertentu. Kreativiti muzik, dan tugas yang dihadapi para pemuzik, kadang-kadang berbeza. Oleh itu, di Jerman yang mundur, Untuk mengatasi kebuntuan borjuasi, provinsi yang sempit adalah tugas yang sangat mendesak, yang memerlukan, pada gilirannya, suatu bentuk kegiatan pendidikan yang berbeza dari pihak perwakilan seni yang maju. keadaan, komposer Jerman yang cemerlang tidak dapat membatasi dirinya hanya untuk menyusun muzik, tetapi dia harus menjadi tokoh muzik dan awam. Dan memang, komposer romantis Jerman dengan bersungguh-sungguh menjalankan tugas budaya dan pendidikan, menyumbang kepada peningkatan umum dalam semua budaya muzik di negara asalnya. negara: Weber - sebagai konduktor opera dan pengkritik muzik, Mendelssohn - sebagai konduktor konsert dan guru terkemuka, pengasas konservatori pertama di Jerman; Schumann adalah pengkritik muzik yang inovatif dan pencipta majalah muzik jenis baru. Kemudian, aktiviti muzik dan sosial Wagner, jarang digunakan, dikembangkan sebagai konduktor teater dan simfoni, pengkritik, estetika, pembaharu operatik, dan pengasas teater baru di Bayreuth.
Di Austria, dengan pemusatan politik dan budaya (regimen hegemoni Vienna sebagai pusat politik dan budaya), dengan ilusi patriarki, kesejahteraan khayalan dan dengan dominasi reaksi yang paling kejam, aktiviti sosial yang luas tidak mungkin dilakukan1 . Percanggahan antara patah sivik karya Beethoven dan pasif sosial paksa komposer hebat tidak dapat menarik perhatiannya sendiri dalam hubungan ini. Apa yang boleh kita katakan mengenai Schubert, yang terbentuk sebagai seniman pada masa selepas Kongres Vienna pada tahun 1814-1815! Lingkaran Schubert yang terkenal adalah satu-satunya bentuk yang mungkin untuk menyatukan wakil-wakil terkemuka dari intelektual artistik, tetapi lingkaran seperti itu di Metternich's Vienna tidak dapat memiliki gema masyarakat yang tulen. Dengan kata lain, di Austria, komposer terhebat adalah pencipta karya muzik hampir secara eksklusif: mereka tidak dapat membuktikan diri mereka dalam bidang aktiviti muzik dan sosial. Ini berlaku untuk Schubert dan Bruckner, dan untuk Johann Strauss putra, dan untuk yang lain.
Namun, dalam budaya Austria, seseorang juga harus memperhatikan faktor-faktor ciri yang mempengaruhi seni muzik secara positif, memberikannya pada masa yang sama rasa khas "Wina" Austria. Berkonsentrasi di Wina, dalam gabungan beraneka ragam, unsur budaya Jerman, Hungaria, Itali dan Slavia mencipta landasan muzik yang kaya di mana karya Schubert, Johann Strauss dan banyak komposer lain, yang demokratik dalam orientasinya, berkembang. Gabungan sifat kebangsaan Jerman dengan orang Hungary dan Slavia kemudian menjadi ciri khas Brahms, yang berpindah ke Vienna.

Khusus untuk budaya muzik di Austria adalah sebaran yang sangat luas dari pelbagai bentuk muzik hiburan - serenade, kasasi, pengalihan, yang menduduki tempat yang terkenal dalam karya klasik Vienna, Haydn dan Mozart. Pada era romantisme, pentingnya muzik hiburan setiap hari, bukan sahaja dipertahankan, malah diperkuat. Sukar untuk membayangkan, misalnya, penampilan kreatif Schubert tanpa aliran rakyat sehari-hari yang meresap muziknya dan yang kembali ke pesta Wina, berkelah, percutian di taman, hingga muzik jalanan yang santai. Tetapi sudah di zaman Schubert, stratifikasi mulai diperhatikan dalam muzik profesional Vienna. Dan jika Schubert sendiri masih menggabungkan simfoni dan sonata dengan waltz dan pendarat, yang muncul secara harfiah dalam ratusan1, serta perarakan, ecossise, polonaise dalam karyanya, maka sezamannya Liner dan Strauss ayahnya menjadikan muzik tarian sebagai asas aktiviti mereka. Kemudian, "polarisasi" ini menemukan ekspresi dalam hubungan antara kreativiti dua orang sezaman - klasik tarian dan muzik opera Johann Strauss putra (1825-1899) dan simfonis Bruckner (1824-1896).
Apabila membandingkan muzik Austria dan Jerman abad ke-19 yang tepat, persoalan teater muzikal pasti timbul. Di Jerman, era romantisme, opera, bermula dengan Hoffmann, sangat penting sebagai genre yang mampu mengekspresikan sepenuhnya masalah kebudayaan negara ketika ini. Dan bukan kebetulan bahawa drama muzik Wagnerad adalah penaklukan besar teater Jerman. Di Austria, percubaan berulang kali Schubert untuk mencapai kejayaan dalam bidang teater tidak dimahkotai dengan kejayaan. Rangsangan untuk kreativiti operatik yang serius, tidak menyumbang kepada penciptaan karya teater "gaya agung." Tetapi persembahan rakyat watak komedi berkembang - nyanyian Ferdinand Raimund dengan muzik Wenzel Müller dan Joseph Drexler, dan kemudian - lagu domestik I. N. Nestroy (1801- Hasilnya, bukan drama musikal, tetapi opera Wina yang muncul pada tahun 70-an, menentukan pencapaian teater muzikal Austria pada skala Eropah.
Walaupun semua ini dan perbezaan lain dalam perkembangan muzik Austria dan Jerman, ciri-ciri kesamaan dalam seni romantis kedua-dua negara lebih ketara. Apa ciri khas yang membezakan karya Schubert, Weber dan pengganti terdekat mereka - Mendelssohn dan Schumann - dari muzik romantis negara-negara Eropah yang lain?
Lirik yang intim dan penuh semangat, ditutupi dengan lamunan, khas untuk Schubert, Weber, Mendelssohn, Schumann. Muzik mereka didominasi oleh melodi yang merdu, murni dalam asalnya, yang biasanya dikaitkan dengan konsep "Lied" Jerman. Gaya ini sama ciri lagu dan banyak tema instrumental merdu Schubert, arias operatik lirik Weber, Lagu Mendelssohn tanpa Kata, gambar "Ebzebieff" Schumann. Melodi yang terdapat dalam gaya ini, bagaimanapun, berbeza dengan opera cantilena Itali Bellini, dan juga dari frasa deklamasi yang terpengaruh yang menjadi ciri romantik Perancis (Berlioz, Menerbeer).
Dibandingkan dengan romantisme Perancis yang progresif, yang dibezakan oleh peningkatan dan keberkesanannya, yang dipenuhi dengan sopan sopan, heroik-revolusi, romantisisme Austria dan Jerman secara keseluruhannya lebih bersifat kontemplatif, mendalam diri, subyektif. Tetapi kekuatan utamanya terletak pada pengungkapan dunia dalaman seseorang, dalam psikologi yang mendalam, yang secara khusus dinyatakan sepenuhnya dalam muzik Austria dan Jerman, menyebabkan kesan seni yang tidak tertahankan dari banyak karya muzik. Ia. namun, ia tidak mengecualikan beberapa manifestasi kepahlawanan dan patriotisme yang jelas dalam karya-karya romantik Austria dan Jerman. Itulah simfoni kepahlawanan-epik yang kuat di C major oleh Schubert dan beberapa lagunya (Kepada pemandu Kronos, Kumpulan dari Neraka dan lain-lain), kitaran paduan suara Lyre dan Pedang oleh Weber (kepada ayat-ayat penyair patriotik T. Kerner "Symphonic Etudes" Schumann, lagunya "Two Grenadiers", akhirnya, halaman kepahlawanan individu dalam karya seperti "Scottish Symphony" oleh Mendelssohn (apotheosis di akhir), "Carnival" oleh Schumann (akhir, simfoni ketiganya (gerakan pertama) Tetapi rancangan kepahlawanan Beethoven, titanisme perjuangan dihidupkan kembali pada asas baru kemudian - dalam drama muzik wira-epik Wagner. Pada peringkat pertama romantisme Jerman-Austria, prinsip aktif dan aktif lebih sering dinyatakan dalam gambar yang menyedihkan, gelisah, memberontak, tetapi tidak mencerminkan, seperti di Beethoven, seperti lagu-lagu Schubert "Shelter" dan "Atlant", gambar Schumann's Florentine, "Manfred", overture "Rune Blaz" oleh Mendelssohn.

Imej alam semula jadi menempati tempat yang sangat penting dalam karya komposer romantik Austria dan Jerman. Terutama hebat adalah peranan "empati" terhadap gambar alam dalam kitaran vokal Schubert dan dalam kitaran "Cinta Penyair" oleh Schumann. Landskap muzik dikembangkan secara meluas dalam karya simfoni Mendelssohn; ia dikaitkan terutamanya dengan unsur laut ("Scottish Symphony", overtures "Hebrides", "Sea tenang and happy sailing"). Tetapi ciri khas citra landskap Jerman adalah "roman hutan" yang begitu puitis terkandung dalam pengenalan pendedahan Weber kepada "The Magic Archer" dan "Oberon", dalam "Nocturne" dari muzik Mendelssohn hingga komedi Shakespeare "A Midsummer Night's Impian. " Dari sini, utas merangkumi simfoni Bruckner seperti keempat (Romantik) dan ketujuh, ke lanskap simfoni The Rustle of the Forest dalam tetralogi Wagner, ke gambaran hutan dalam simfoni pertama Mahler.
Kerinduan romantis untuk cita-cita muzik Jerman-Austria menemui ungkapan khusus, khususnya, dalam tema pengembaraan, pencarian kebahagiaan di negeri lain yang tidak diketahui. Ini paling jelas terlihat dalam karya Schubert (The Wanderer, The Beautiful Miller Woman, The Winter Path), dan kemudian dalam gambar Wagner mengenai Flying Dutchman, Wotan the Traveller, Siegfried yang mengembara. Tradisi ini pada tahun 80-an membawa kepada kitaran Mahler "Lagu-lagu Orang yang Berkeliaran".
Penekanan besar yang diberikan pada gambar yang hebat juga merupakan ciri kebangsaan romantisisme Jerman-Austria (ia memberi kesan langsung kepada Berlioz romantis Perancis). Ini, pertama, khayalan kejahatan, Demonisme, yang menjumpai perwujudannya yang paling jelas di Siena di Lembah Wolf dari opera Weber The Magic Archer, di Marschner's Vampire, Mendelssohn's Walpurgis Night cantata dan sejumlah karya lain. Kedua, fiksyen ringan, puitis halus, bergabung dengan gambar alam yang indah penuh semangat: adegan dalam opera Weber Oberon, pendedahan Mendelssohn A Midsummer Night's Dream, dan kemudian gambar Wagner's Lohengrin, utusan Grail. Tempat perantaraan dimiliki oleh banyak gambar Schumann, di mana fiksyen merangkumi permulaan yang indah dan pelik, tanpa banyak menekankan masalah kejahatan dan kebaikan.
Dalam bidang bahasa muzik, romantisme Austria dan Jerman membentuk keseluruhan era, sangat penting dari sudut evolusi umum alat seni ekspresif. Tanpa memikirkan keaslian gaya setiap komposer utama secara individu, kita perhatikan ciri dan trend yang paling biasa.

Prinsip "lagu" yang dilaksanakan secara meluas - kecenderungan umum khas dalam karya komposer romantis - juga mencakup muzik instrumental mereka. Ia mencapai keperibadian melodi yang hebat dengan gabungan ciri khas lagu dan giliran deklamasi, nyanyian asas, kromatisasi, dan lain-lain. Bahasa harmonik diperkaya: formula harmonik khas dari klasik digantikan dengan harmoni yang lebih fleksibel dan bervariasi , peranan mod dan tahap sekunder meningkat. Bahagian keharmonian yang berwarna-warni sangat penting. Interpenetrasi utama dan minor secara beransur-ansur juga menjadi ciri. Oleh itu, dari Schubert, pada dasarnya, muncul tradisi dengan nama yang sama dalam perbandingan besar-kecil (lebih sering menjadi yang utama setelah anak di bawah umur), kerana dalam karyanya ini telah menjadi teknik kegemaran. Skop penerapan utama harmonik berkembang (subdomain kecil di kadenas karya utama sangat khas). Sehubungan dengan penekanan individu, pengenalpastian perincian gambar yang licin, ada juga penaklukan di bidang orkestrasi (makna pewarnaan timbre tertentu, peningkatan peranan instrumen solo, perhatian terhadap rentetan rentetan baru yang dilakukan , dan lain-lain.). Tetapi orkestra itu sendiri pada dasarnya belum mengubah komposisi klasiknya.
Romantik Jerman dan Austria pada tahap yang lebih besar adalah pengasas program romantis (Berlioz dapat bergantung pada pencapaian mereka dalam Fantastic Symphony). Dan walaupun programnya seperti itu, sepertinya, bukan ciri romantisis Austria Schubert, ketepuan bahagian piano lagu-lagunya dengan momen bergambar, adanya unsur-unsur program yang tersembunyi yang terdapat dalam drama karya instrumental utamanya, menentukan sumbangan signifikan komposer terhadap pengembangan prinsipprogram dalam muzik. Romantik Jerman sudah mempunyai keinginan yang jelas untuk programatik baik dalam muzik piano (Weber's Invitation to Dance, Concertstuck, Schumann's Suite Cycles, Songs without Words by Mendelssohn) dan dalam muzik simfoni (operasi operan Weber, persembahan konsert, overture Mendelssohn, overture "Manfred" oleh Schumann).
Peranan romantik Austria dan Jerman dalam penciptaan prinsip komposisi baru sangat hebat. Kitaran sonata-simfoni klasik digantikan oleh miniatur instrumental; siklisasi miniatur, dikembangkan dengan jelas dalam bidang lirik vokal di Schubert, dipindahkan ke muzik instrumental (Schumann) Komposisi satu gerakan besar juga muncul, menggabungkan prinsip sonata dan cyclicity (fantasi piano di C major oleh Schubert, "Concertstuck" oleh Weber, gerakan fantasi pertama di C major oleh Schumann). Kitaran sonata-simfoni, pada gilirannya, mengalami perubahan yang ketara di kalangan romantik, pelbagai jenis "sonata romantis" dan "simfoni romantis" muncul. Namun demikian, penaklukan utama adalah kualiti pemikiran muzik baru, yang membawa kepada penciptaan miniatur kandungan penuh dan kekuatan ekspresi - konsentrasi khas ekspresi muzik yang menjadikan satu lagu atau piano satu bahagian menjadi fokus mendalam idea dan pengalaman.

Di kepala romantisisme Austria dan Jerman yang berkembang pesat pada separuh pertama abad ke-19, keperibadian tidak hanya berbakat genius, tetapi juga maju dalam pandangan dan aspirasi mereka. Ini menentukan kepentingan berkekalan kreativiti muzik mereka, kepentingannya sebagai "klasik baru", yang menjadi jelas pada akhir abad ini, ketika klasik muzik negara-negara bahasa Jerman diwakili, pada dasarnya, bukan hanya oleh komposer hebat abad ke-18 dan Beethoven, tetapi juga oleh romantik hebat - Schubert, Schumann, Weber, Mendelssohn. Perwakilan romantisisme muzik yang luar biasa ini, sangat menghormati pendahulunya dan mengembangkan banyak pencapaian mereka, berjaya pada masa yang sama untuk membuka dunia gambar muzik yang sama sekali baru dan bentuk komposisi yang sesuai. Nada peribadi yang ada dalam karya mereka selaras dengan suasana hati dan pemikiran massa demokratik. Mereka menegaskan dalam muzik watak ekspresif, yang BV Asafiev dengan tepat digambarkan sebagai "ucapan komunikatif yang meriah, dari hati ke hati" dan yang menjadikan Schubert dan Schumann berkaitan dengan Chopin, Grieg, Tchaikovsky dan Verdi. Asafiev menulis mengenai nilai humanistik dari arah muzik romantis: “Kesedaran peribadi menunjukkan dirinya bukan dalam pengasingan yang membanggakan, tetapi dalam semacam refleksi artistik dari segala sesuatu yang hidup orang dan apa yang menggembirakan mereka selalu dan tidak dapat dielakkan. Dalam kesederhanaan seperti itu, selalu ada pemikiran dan fikiran yang indah tentang suara hidup - tumpuan yang terbaik dalam diri seseorang. "

Zweig betul: Eropah tidak pernah melihat generasi yang begitu indah seperti romantik sejak zaman Renaissance. Imej indah dari dunia mimpi, perasaan telanjang dan berusaha untuk kerohanian yang luhur - inilah warna budaya muzik romantisisme.

Kemunculan romantisme dan estetika

Semasa revolusi industri sedang berlaku di Eropah, harapan Revolusi Perancis hancur di hati orang Eropah. Pemujaan akal, yang dicanangkan oleh era Pencerahan, digulingkan. Pemupukan perasaan dan prinsip semula jadi pada manusia telah naik ke landasan.

Ini adalah bagaimana romantisme muncul. Dalam budaya muzik, itu ada selama lebih dari satu abad (1800-1910), sementara di bidang yang berkaitan (lukisan dan sastera), istilahnya berakhir setengah abad sebelumnya. Mungkin, ini adalah "kesalahan" muzik - dialah yang berada di puncak seni antara romantik sebagai yang paling spiritual dan bebas dari seni.

Walau bagaimanapun, golongan romantik, tidak seperti perwakilan era kuno dan klasik, tidak membina hierarki seni dengan pembahagiannya yang jelas menjadi jenis dan. Sistem romantis bersifat universal, seni bebas saling berhubungan. Idea sintesis seni adalah salah satu kunci dalam budaya muzik romantisisme.

Hubungan ini juga berkaitan dengan kategori estetika: indah digabungkan dengan jelek, tinggi dengan pangkal, tragis dengan komik. Peralihan semacam itu dihubungkan dengan ironi romantis, itu juga mencerminkan gambaran universal tentang dunia.

Segala yang ada hubungannya dengan yang indah itu membawa makna baru di kalangan golongan romantik. Alam menjadi objek pemujaan, seniman itu diidolakan sebagai makhluk tertinggi, dan perasaan ditinggikan dengan alasan.

Realiti rohani menentang mimpi, indah tetapi tidak dapat dicapai. Seorang romantis dengan bantuan khayalan membina dunia barunya, tidak seperti realiti lain.

Tema apa yang dipilih oleh artis romantisisme?

Minat romantik jelas ditunjukkan dalam pemilihan tema yang mereka pilih dalam seni.

• Tema kesepian... Seorang genius yang diremehkan atau orang yang kesepian dalam masyarakat - tema-tema ini adalah tema utama bagi komposer era ini ("Cinta Seorang Penyair" oleh Schumann, "Tanpa Matahari" oleh Mussorgsky).
• Tema "pengakuan lirik"... Banyak pilihan oleh komposer romantis mempunyai sentuhan autobiografi (Karnival oleh Schumann, Fantastic Symphony oleh Berlioz).
• Tema cinta. Pada dasarnya, ini adalah tema cinta yang tidak berbalas atau tragis, tetapi tidak semestinya ("Cinta dan Kehidupan Wanita" oleh Schumann, "Romeo dan Juliet" oleh Tchaikovsky).
• Tema jalan. Dia juga dipanggil tema pengembaraan... Jiwa romantis, yang terkoyak oleh kontradiksi, mencari jalannya sendiri ("Harold in Italy" oleh Berlioz, "Years of Wanderings" oleh Liszt).
• Tema kematian. Pada dasarnya, itu adalah kematian rohani (Tchaikovsky's Sixth Symphony, Schubert's Winter Road).
• Tema alam. Alam di mata ibu yang romantis dan pelindung, dan teman yang empati, dan nasib yang menghukum ("Hebrides" oleh Mendelssohn, "Di Asia Tengah" oleh Borodin). Kultus tanah asli (polonais dan balada Chopin) juga berkaitan dengan tema ini.
• Tema fiksyen sains. Dunia khayalan untuk romantik jauh lebih kaya daripada yang sebenarnya (The Magic Shooter by Weber, Sadko oleh Rimsky-Korsakov).

Genre muzik era romantisme

Budaya muzik romantisisme memberi dorongan kepada pengembangan genre lirik vokal ruang: balada ("Raja Hutan" oleh Schubert), puisi ("The Lady of the Lake" oleh Schubert) dan lagu sering digabungkan menjadi kitaran ("Myrtles" oleh Schumann).

Opera romantik dibezakan bukan hanya oleh plot yang hebat, tetapi juga oleh hubungan yang kuat antara kata-kata, muzik dan aksi pentas. Simfonisasi opera berlaku. Cukuplah mengingat Wagner's Ring of the Nibelungs dengan rangkaian leitmotif yang dikembangkan.

Di antara genre instrumental, percintaan dibezakan miniatur piano. Untuk menyampaikan satu gambar atau mood sesaat, sekeping kecil sudah cukup untuk mereka. Walaupun berskala besar, permainan ini nampak dengan ekspresi. Dia boleh "lagu tanpa Perkataan" (seperti Mendelssohn) mazurka, waltz, nokturne atau karya dengan nama program ("Impulse" Schumann).

Seperti lagu, lakonan kadang-kadang digabungkan menjadi kitaran (Schumann's Butterflies). Pada masa yang sama, bahagian-bahagian kitaran, sangat berbeza, selalu membentuk satu komposisi kerana hubungan muzik.

Romantik menyukai muzik terprogram yang menggabungkannya dengan sastera, lukisan, atau seni lain. Oleh itu, plot dalam penulisan mereka sering diperintah. Sonata satu bahagian (sonata Liszt dalam B minor), konsert satu bahagian (Konsert Piano Pertama Liszt) dan puisi simfoni (Liszt's Preludes), sebuah simfoni lima bahagian (Berlioz's Fantastic Symphony) muncul.

Bahasa muzik komposer romantik

Sintesis seni, yang disambut oleh golongan romantik, mempengaruhi kaedah ekspresi muzik. Melodi menjadi lebih individu, responsif terhadap puisi kata, dan iringan tidak lagi bersikap netral dan khas.

Keharmonian itu diperkaya dengan warna yang belum pernah terjadi sebelumnya untuk menceritakan pengalaman pahlawan romantis itu. Oleh itu, intonasi romantis kerinduan dengan sempurna menyampaikan harmoni yang berubah yang meningkatkan ketegangan. Romantik menyukai kesan chiaroscuro, ketika yang utama digantikan oleh yang kecil dengan nama yang sama, dan akord dari tangga sisi, dan perbandingan nada yang indah. Kesan baru juga dijumpai, terutama ketika diperlukan untuk menyampaikan semangat rakyat atau gambar hebat dalam muzik.

Secara umum, melodi romantis berusaha untuk kesinambungan pengembangan, menolak pengulangan automatik, menghindari keteraturan aksen dan menghirup ekspresi dalam setiap motifnya. Dan tekstur telah menjadi penghubung penting sehingga perannya sebanding dengan melodi.

Dengarkan apa yang dimiliki mazurka Chopin yang luar biasa!

Bukannya kesimpulan

Budaya muzik romantisisme pada pergantian abad ke-19 dan ke-20 mengalami tanda-tanda pertama krisis. Bentuk muzik "bebas" mulai hancur, keharmonian berlaku melodi, perasaan tinggi jiwa romantis itu memberi jalan kepada ketakutan dan nafsu asas yang menyakitkan.

Kecenderungan merosakkan ini mengakhiri romantisme dan membuka jalan untuk modenisme. Tetapi, setelah berakhir sebagai arah, romantisme terus hidup dalam muzik abad ke-20, dan dalam muzik abad ini dalam berbagai komponennya. Blok benar ketika dia mengatakan bahawa romantisme muncul "di semua zaman kehidupan manusia."

Sejarah muzik terpendek. Rujukan paling lengkap dan terpendek oleh Henley Daren

Romantik lewat

Romantik lewat

Sebilangan besar komposer pada masa ini terus menulis muzik hingga abad ke-20. Namun, kita membincangkannya di sini, dan bukan di bab berikutnya, kerana semangat romantisisme yang kuat dalam muzik mereka.

Harus diingat bahawa sebilangan dari mereka menjalin hubungan erat dan bahkan berteman dengan komposer yang disebutkan dalam bahagian "Romantika Awal" dan "Nasionalis".

Di samping itu, harus diingat bahawa dalam tempoh ini di negara-negara Eropah yang berlainan terdapat begitu banyak komposer yang hebat sehingga setiap pembahagiannya mengikut prinsip apa pun akan sepenuhnya bersyarat. Sekiranya dalam kesusasteraan yang berbeza mengenai zaman klasik dan zaman Barok kira-kira jangka masa yang sama disebutkan, maka tempoh romantis ditentukan secara berbeza di mana-mana. Nampaknya garis antara akhir zaman romantis dan awal abad ke-20 sangat kabur dalam muzik.

Komposer terkemuka Itali pada abad ke-19 sudah pasti Giuseppe Verdi. Lelaki ini menatap kami dengan mata bersinar dengan misai tebal dan kening berdiri seluruh kepala di atas semua komposer opera yang lain.

Semua komposisi Verdi secara harfiah dipenuhi dengan melodi yang cerah dan menarik. Secara keseluruhan, dia menulis dua puluh enam opera, yang kebanyakannya kerap dilakukan hari ini. Antaranya ialah karya seni opera yang paling terkenal dan paling hebat sepanjang masa.

Muzik Verdi sangat dihargai sepanjang hidup komposer. Pada tayangan perdana Hades penonton memberikan tepuk tangan yang begitu lama sehingga para seniman harus keluar tunduk tiga puluh dua kali.

Verdi adalah orang kaya, tetapi wang tidak dapat menyelamatkan kedua-dua isteri komposer dan dua anak dari kematian awal, jadi ada saat-saat tragis dalam hidupnya. Dia mewariskan kekayaannya ke rumah anak yatim pemuzik lama, yang dibangun di bawah kepemimpinannya di Milan. Verdi sendiri menganggap penciptaan tempat perlindungan, dan bukan muzik, adalah pencapaian terbesarnya.

Walaupun nama Verdi terutama dikaitkan dengan opera, berbicara tentangnya, mustahil untuk disebutkan Requiem, yang dianggap sebagai salah satu contoh muzik koral terbaik. Ini penuh dengan drama, dan beberapa ciri opera melaluinya.

Komposer kami yang seterusnya bukanlah orang yang paling menawan. Sebenarnya, ini adalah tokoh paling skandal dan kontroversi dari semua yang disebut dalam buku kami. Sekiranya kita membuat senarai hanya berdasarkan ciri-ciri peribadi, maka Richard Wagner tidak akan pernah memukulnya. Namun, kami dipandu secara eksklusif oleh kriteria muzik, dan sejarah muzik klasik tidak dapat difikirkan tanpa lelaki ini.

Bakat Wagner tidak dapat disangkal lagi. Dari bawah penanya keluar beberapa komposisi muzik yang paling ketara dan mengesankan untuk sepanjang masa romantisme - terutamanya opera. Pada masa yang sama, dia digambarkan sebagai anti-Semit, rasis, karenah, penipu terakhir dan bahkan pencuri yang tidak teragak-agak untuk mengambil semua yang dia perlukan, dan bersikap kasar tanpa penyesalan. Wagner mempunyai harga diri yang hipertrofi, dan dia percaya bahawa kejeniusannya mengangkatnya melebihi semua orang lain.

Wagner dikenang kerana operasinya. Komposer ini membawa opera Jerman ke tahap yang baru, dan walaupun dia dilahirkan pada masa yang sama dengan Verdi, muziknya sangat berbeza dengan komposisi Itali pada masa itu.

Salah satu inovasi Wagner adalah bahawa setiap watak utama mempunyai tema muzik tersendiri, yang diulang setiap kali, begitu dia mulai memainkan peranan penting di atas panggung.

Hari ini nampaknya jelas, tetapi pada masa itu idea ini menjadikan revolusi yang nyata.

Pencapaian terbesar Wagner adalah kitaran Cincin Nibelung, terdiri daripada empat opera: Rhine Gold, Valkyrie, Siegfried dan Kematian para dewa. Mereka biasanya dimainkan empat malam berturut-turut, dan keseluruhannya berlangsung sekitar lima belas jam. Opera ini sahaja sudah cukup untuk memuliakan komposer mereka. Walaupun semua kekaburan Wagner sebagai orang, harus diakui bahawa dia adalah komposer yang luar biasa.

Keistimewaan opera Wagner dapat disebut sebagai durasinya. Opera terakhirnya Parsifal berlangsung lebih dari empat jam.

Konduktor David Randolph pernah mengatakan kepadanya:

"Ini adalah opera dari kategori yang bermula pada pukul enam, dan apabila tiga jam kemudian anda melihat jam tangan anda, ternyata menunjukkan jam 6:20."

Kehidupan Anton Bruckner sebagai komposer adalah pelajaran bagaimana tidak berputus asa dan bersikeras pada diri sendiri. Dia berlatih dua belas jam sehari, menumpukan seluruh waktunya untuk bekerja (dia adalah seorang organis) dan belajar banyak dalam muzik sendiri, menyelesaikan penguasaan kemahiran menulis melalui surat-menyurat pada usia yang cukup dewasa - pada tiga puluh tujuh tahun.

Hari ini, simfoni Bruckner paling sering dikenang, di antaranya dia menulis sebanyak sembilan buah. Kadang-kadang dia terperangkap dengan keraguan tentang kesolvenannya sebagai pemuzik, tetapi dia tetap mendapat pengiktirafan, walaupun pada akhir hayatnya. Setelah melaksanakannya Simfoni No. 1 pengkritik akhirnya memuji komposer itu, yang pada masa itu sudah berusia empat puluh empat tahun.

Johannes Brahms bukan salah seorang komposer yang dilahirkan, begitu juga dengan tongkat perak di tangan. Pada masa kelahirannya, keluarga itu telah kehilangan kekayaan mereka dan hampir tidak dapat memenuhi kebutuhan mereka. Sebagai remaja, dia mencari nafkah dengan bermain di rumah pelacuran di kampung halamannya di Hamburg. Pada masa Brahms menjadi dewasa, dia pasti sudah mengenal jauh dari aspek kehidupan yang paling menarik.

Muzik Brahms dipromosikan oleh rakannya, Robert Schumann. Selepas kematian Schumann, Brahms menjadi dekat dengan Clara Schumann dan akhirnya jatuh cinta padanya. Tidak diketahui persis hubungan apa yang mereka hubungkan, walaupun perasaan terhadapnya mungkin memainkan peranan dalam hubungannya dengan wanita lain - dia tidak memberikan hati kepada mereka.

Sebagai orang, Brahms cukup tidak terkawal dan mudah marah, tetapi rakan-rakannya mendakwa bahawa ada kelembutan dalam dirinya, walaupun dia tidak selalu menunjukkannya kepada orang lain. Suatu hari, pulang dari pesta, dia berkata:

"Sekiranya saya tidak menyinggung perasaan orang di sana, maka saya meminta pengampunan mereka."

Brahms tidak akan memenangi pertandingan untuk komposer yang paling bergaya dan berpakaian elegan. Dia sangat tidak suka membeli pakaian baru dan sering memakai seluar baggy yang sama dengan tampalan, yang hampir selalu terlalu pendek untuknya. Semasa satu persembahan, seluarnya hampir jatuh. Pada kesempatan lain, dia harus menanggalkan tali lehernya dan mengenakan tali leher daripada tali pinggang.

Gaya muzik Brahms sangat dipengaruhi oleh Haydn, Mozart dan Beethoven, dan beberapa sejarawan muzik bahkan mendakwa bahawa dia menulis dengan semangat klasikisme, pada masa itu sudah ketinggalan zaman. Pada masa yang sama, dia juga memiliki beberapa idea baru. Khususnya, dia dapat mengembangkan karya kecil dan mengulanginya sepanjang karya - apa yang digelar oleh komposer sebagai "motif berulang."

Opera Brahms tidak menulis, tetapi dia mencuba dirinya dalam hampir semua genre muzik klasik. Oleh itu, dia boleh disebut sebagai salah satu komposer terhebat yang disebut dalam buku kami, gergasi muzik klasik yang sebenar. Dia sendiri bercakap mengenai kerjanya:

"Menulis tidak sukar, tetapi sangat sukar untuk membuang catatan tambahan di bawah meja."

Max Bruch dilahirkan hanya lima tahun selepas Brahms, dan yang terakhir pasti akan membayangi dia, jika tidak untuk satu karya, Konsert Biola No. 1.

Bruch sendiri mengakui kenyataan ini, dengan kesopanan yang tidak biasa bagi banyak komposer, dengan menyatakan:

"Lima puluh tahun dari sekarang, Brahms akan disebut sebagai komposer terhebat sepanjang masa, dan saya akan dikenang kerana menulis Konsert Biola di G minor."

Dan dia betul. Benar, Brujah sendiri mempunyai sesuatu yang perlu diingat! Dia menyusun banyak karya lain - kira-kira dua ratus keseluruhan - terutama untuk koir dan opera, yang jarang dipentaskan hari ini. Muziknya melodi, tetapi dia tidak membawa sesuatu yang baru dalam perkembangannya. Dengan latar belakangnya, banyak komposer lain pada masa itu nampaknya menjadi inovator sebenar.

Pada tahun 1880, Bruch dilantik sebagai konduktor Liverpool Royal Philharmonic Society, tetapi setelah tiga tahun dia kembali ke Berlin. Pemuzik orkestra tidak senang dengannya.

Di halaman buku kami, kami telah menemui banyak karya muzik, dan Camille Saint - Saens tidak menduduki tempat terakhir di antara mereka. Pada usia dua tahun, Saint - Saens sudah memilih melodi di piano, dan dia belajar membaca dan menulis muzik pada masa yang sama. Pada usia tiga tahun, dia memainkan kepingan komposisi sendiri. Pada usia sepuluh tahun, dia menyanyi dengan cantik Mozart dan Beethoven. Pada masa yang sama, dia menjadi sangat tertarik pada entomologi (rama-rama dan serangga), dan kemudian dalam sains lain, termasuk geologi, astronomi dan falsafah. Nampaknya anak yang berbakat seperti itu tidak boleh dibatasi pada satu perkara.

Setelah menamatkan pengajiannya di Konservatori Paris, Saint - Saens bekerja selama bertahun-tahun sebagai organis. Dengan bertambahnya usia, dia mula mempengaruhi kehidupan muzik Perancis, dan berkat dia muzik muzik komposer seperti J.S. Bach, Mozart, Handel dan Gluck mulai dipersembahkan lebih kerap.

Komposisi Saint - Saens yang paling terkenal - Karnival haiwan, yang dilarang oleh komposer untuk dilakukan sepanjang hayatnya. Dia bimbang pengkritik muzik, apabila mendengar karya ini, menganggapnya terlalu sembrono. Lagipun, sangat lucu apabila orkestra di atas pentas menggambarkan seekor singa, seekor ayam dengan ayam jantan, penyu, gajah, kanggaru, akuarium dengan ikan, burung, keldai dan angsa.

Beberapa komposisi lain yang ditulis oleh Saint - Saens kerana gabungan instrumen yang tidak biasa, termasuk yang terkenal Simfoni "Organ" No. 3, terdengar dalam filem "Babe".

Muzik Saint Saens mempengaruhi karya komposer Perancis lain, termasuk Gabriel Fore. Pemuda ini mewarisi kedudukan organis di gereja Saint Magdalene di Paris, yang sebelumnya diduduki oleh Saint - Saens.

Dan walaupun bakat Foret tidak dapat dibandingkan dengan bakat gurunya, dia adalah pemain piano yang sangat baik.

Fauré adalah orang miskin dan oleh itu bekerja keras, bermain organ, memimpin koir dan memberi pelajaran. Dia sibuk menulis dalam waktu luangnya, yang sedikit sekali, tetapi, walaupun demikian, dia berjaya menerbitkan lebih dari dua ratus lima puluh karya-karyanya. Sebahagian daripadanya disusun untuk waktu yang sangat lama: sebagai contoh, terus berusaha Requiem berlangsung selama dua puluh tahun.

Pada tahun 1905, Fauré menjadi pengarah Konservatori Paris, iaitu orang yang bergantung pada perkembangan muzik Perancis pada masa itu. Fauré bersara lima belas tahun kemudian. Pada akhir hayatnya dia mengalami pendengaran.

Hari ini Foret dihormati di luar Perancis, walaupun di sana dia sangat dihargai.

Bagi peminat muzik Inggeris, penampilan tokoh seperti Edward Elgar, pasti kelihatan seperti keajaiban sebenar. Banyak sejarawan muzik memanggilnya komposer Inggeris pertama yang penting selepas Henry Purcell, yang menulis semasa zaman Baroque, walaupun kita juga menyebut Arthur Sullivan sedikit lebih awal.

Elgar sangat menyukai England, terutama Worcestershire asalnya, di mana dia menghabiskan sebahagian besar hidupnya mencari inspirasi di ladang Molvern Hills.

Sebagai seorang kanak-kanak, dia dikelilingi oleh muzik di mana-mana: bapanya memiliki sebuah kedai muzik tempatan dan mengajar Elgar kecil untuk memainkan pelbagai alat muzik. Pada usia dua belas tahun, anak lelaki itu sudah menggantikan organis itu dalam upacara gereja.

Setelah bekerja di pejabat peguam, Elgar memutuskan untuk mengabdikan diri untuk pekerjaan yang jauh lebih dipercayai dari sudut kewangan. Untuk beberapa waktu dia bekerja sambilan, memberikan pelajaran biola dan piano, bermain di orkestra tempatan dan bahkan melakukan sedikit.

Secara beransur-ansur, kemasyhuran Elgar sebagai komposer bertambah, walaupun dia harus berjuang untuk keluar dari daerah asalnya. Mereka memberinya kemasyhuran Variasi pada tema asal, yang kini lebih dikenali sebagai Variasi Enigma.

Kini muzik Elgar dianggap sebagai bahasa Inggeris dan terdengar semasa acara terbesar pada skala nasional. Pada bunyi pertama Konsert untuk cello kawasan pedalaman Inggeris segera dipersembahkan. Nimrod daripada Variasi sering dimainkan pada upacara rasmi, dan Perarakan Solat dan Istiadat No. 1, dikenali sebagai Tanah harapan dan kemuliaan dilakukan pada malam prom di seluruh UK.

Elgar adalah lelaki keluarga dan menyukai kehidupan yang tenang dan teratur. Walaupun begitu, dia meninggalkan sejarah. Komposer ini dengan kumis tebal dan lebat dapat dilihat pada nota dua puluh paun. Jelas, pereka wang kertas berpendapat bahawa rambut muka akan sangat sukar untuk dipalsukan.

Di Itali, pengganti Giuseppe Verdi dalam seni opera menjadi Giacomo Puccini, dianggap sebagai salah satu penguasaan dunia bentuk seni ini.

Keluarga Puccini telah lama dikaitkan dengan muzik gereja, tetapi ketika Giacomo pertama kali mendengar opera Aida Verdi, dia menyedari bahawa ini adalah panggilannya.

Setelah belajar di Milan, Puccini mengarang sebuah opera Manon Lescaut, yang membawanya kejayaan besar pertama pada tahun 1893. Selepas itu, satu produksi berjaya diikuti yang lain: Bohemia pada tahun 1896, Kerinduan pada tahun 1900 dan Rama-rama Puan pada tahun 1904.

Secara keseluruhan, Puccini menyusun dua belas opera, yang terakhir adalah Turandot. Dia mati tanpa menyiapkan karya ini, dan komposer lain menyiapkan karya itu. Pada tayangan perdana, konduktor Arturo Toscanini menghentikan orkestra tepat di mana Puccini berhenti. Dia berpaling kepada penonton dan berkata:

Dengan kematian Puccini, kejayaan seni opera Itali berakhir. Komposer opera Itali tidak lagi disebut dalam buku kami. Tetapi siapa yang tahu apa masa depan bagi kita?

Dalam kehidupan Gustav Mahler lebih dikenali sebagai konduktor daripada sebagai komposer. Dia melakukan pada musim sejuk, dan pada musim panas, sebagai peraturan, lebih suka terlibat dalam penulisan.

Semasa kecil, Mahler dikatakan telah menjumpai piano di loteng rumah neneknya. Empat tahun kemudian, pada usia sepuluh tahun, dia sudah memberikan persembahan pertamanya.

Mahler belajar di Vienna Conservatory, di mana dia mula menyusun muzik. Pada tahun 1897 dia menjadi pengarah Opera Negara Vienna dan selama sepuluh tahun berikutnya mendapat kemasyhuran dalam bidang ini.

Dia sendiri mula menulis tiga opera, tetapi tidak pernah menyelesaikannya. Pada zaman kita, dia terkenal terutamanya sebagai penggubah simfoni. Dalam genre ini dia memiliki salah satu "hits" yang sebenar - Simfoni No. 8, semasa persembahan di mana lebih dari seribu pemuzik dan penyanyi terlibat.

Setelah kematian Mahler, muziknya tidak lagi bergaya selama lima puluh tahun, tetapi pada separuh kedua abad ke-20 ia kembali popular, terutama di UK dan AS.

Richard Strauss dilahirkan di Jerman dan tidak tergolong dalam dinasti Strauss Vienna. Walaupun komposer ini hidup hampir sepanjang separuh pertama abad ke-20, dia masih dianggap sebagai wakil romantisme muzik Jerman.

Populariti Richard Strauss di seluruh dunia sedikit menderita kerana dia memutuskan untuk tinggal di Jerman selepas 1939, dan setelah Perang Dunia II dia bahkan dituduh berkolaborasi dengan Nazi.

Strauss adalah konduktor yang sangat baik, berkat yang dia sangat memahami bagaimana alat tertentu harus terdengar di orkestra. Dia sering menggunakan pengetahuan ini dalam praktik. Dia juga memberi pelbagai nasihat kepada komposer lain, seperti:

"Jangan pernah melihat trombon, anda hanya mendorongnya."

"Jangan berpeluh semasa membuat persembahan; hanya pendengar yang akan menjadi panas ”.

Hari ini, Strauss dikenang terutama berkaitan dengan komposisinya Oleh itu, bercakap Zarathustra, pengenalan yang digunakan oleh Stanley Kubrick dalam 2001 A Space Odyssey. Tetapi dia juga menulis beberapa opera Jerman terbaik, antaranya - Knight of the Rose, Salome dan Ariadne di Naxos. Setahun sebelum kematiannya, dia juga sangat cantik Empat lagu terakhir untuk suara dan orkestra. Secara umum, ini bukan lagu-lagu terakhir Strauss, tetapi mereka menjadi semacam akhir aktiviti kreatifnya.

Sehingga kini, di antara komposer yang disebut dalam buku ini, hanya ada satu wakil Scandinavia - Edvard Grieg. Tetapi sekarang kita sekali lagi diangkut ke tanah yang keras dan sejuk ini - kali ini ke Finland, tempat kita dilahirkan Jan Sibelius, genius muzik yang hebat.

Muzik Sibelius menyerap mitos dan legenda tanah airnya. Karya terhebatnya Finland, dianggap sebagai perwujudan semangat kebangsaan orang Finland, sama seperti karya Elgar yang diakui sebagai harta negara di Great Britain. Lebih-lebih lagi, Sibelius, seperti Mahler, adalah penguasa simfoni sejati.

Mengenai ketagihan komposer lain, dia terlalu ketagihan minum dan merokok dalam kehidupan seharian, sehingga pada usia empat puluh dia jatuh sakit dengan barah tekak. Dia juga sering tidak mempunyai cukup wang, dan negara memberikannya wang pencen sehingga dia dapat terus menulis muzik tanpa perlu risau tentang kesejahteraan kewangannya. Tetapi lebih dari dua puluh tahun sebelum kematiannya, Sibelius berhenti menyusun apa-apa. Dia menjalani sepanjang hidupnya dalam kesendirian. Dia bercakap sangat kasar mengenai mereka yang menerima wang untuk ulasan muziknya:

"Jangan perhatikan apa yang dikatakan pengkritik. Hingga kini, tidak seorang pun pengkritik diberi patung. "

Yang terakhir dalam senarai komposer kami dari zaman Romantik juga bertahan hingga hampir pertengahan abad ke-20, walaupun dia menulis sebahagian besar karya paling terkenal pada tahun 1900-an. Namun dia tergolong dalam kalangan romantik, dan nampaknya ini adalah komposer paling romantis dari keseluruhan kumpulan.

Sergei Vasilyevich Rahmaninov dilahirkan dalam keluarga bangsawan, yang pada masa itu telah menghabiskan banyak wang. Minatnya terhadap muzik terserlah pada awal kanak-kanak, dan ibu bapanya menyuruhnya belajar, pertama ke St Petersburg, dan kemudian ke Moscow.

Rachmaninov adalah pemain piano berbakat yang mengejutkan, dan dia juga membuat komposer yang hebat.

Milik Konsert Piano No. 1 dia menulis pada usia sembilan belas tahun. Dia juga mendapat masa untuk opera pertamanya, Aleko.

Tetapi pemuzik hebat ini, secara umum, tidak begitu senang dengan kehidupan. Dalam banyak gambar, kita melihat seorang lelaki yang marah dan cemberut. Seorang lagi komposer Rusia, Igor Stravinsky, pernah menyatakan:

"Inti abadi Rachmaninoff adalah kerengsaannya. Dia berkerut enam setengah kaki ... dia lelaki yang menakutkan. "

Ketika muda Rachmaninoff bermain untuk Tchaikovsky, dia sangat gembira sehingga dia meletakkan A dengan empat nilai tambah pada lembaran skornya - tanda tertinggi dalam sejarah Konservatori Moscow. Tidak lama kemudian, seluruh bandar mula bercakap mengenai bakat muda.

Walaupun begitu, nasib tetap tidak menyenangkan bagi pemuzik untuk masa yang lama.

Pengkritik sangat kasar terhadapnya Simfoni No. 1, yang tayangan perdana berakhir dengan kegagalan. Ini memberi tekanan emosi kepada Rachmaninov, dia kehilangan kepercayaan pada kekuatannya dan sama sekali tidak dapat menyusun apa-apa.

Pada akhirnya, hanya bantuan psikiatri berpengalaman Nikolai Dahl yang membolehkannya keluar dari krisis. Menjelang tahun 1901, Rachmaninoff telah menyelesaikan konsert piano, yang telah dia kerjakan selama bertahun-tahun, dan yang dia dedikasikan untuk Dr. Dahl. Kali ini penonton menyambut karya komposer dengan gembira. Sejak Konsert untuk Piano dan Orkestra No. 2 menjadi karya klasik kegemaran yang dipersembahkan oleh pelbagai kumpulan muzik di seluruh dunia.

Rachmaninoff mula mengadakan lawatan ke Eropah dan Amerika Syarikat. Sekembalinya ke Rusia, dia melakukan dan mengasah.

Selepas revolusi 1917, Rachmaninov dan keluarganya pergi ke konsert di Scandinavia. Dia tidak pernah pulang ke rumah. Sebaliknya, dia berpindah ke Switzerland, di mana dia membeli sebuah rumah di tepi Tasik Lucerne. Dia selalu menyukai takungan dan sekarang, ketika dia menjadi orang yang agak kaya, dia mampu bersantai di pantai dan mengagumi pemandangan pembukaan.

Rachmaninoff adalah konduktor yang sangat baik dan selalu memberi nasihat berikut kepada mereka yang ingin cemerlang dalam bidang ini:

"Konduktor yang baik mesti menjadi sopir yang baik. Kedua-duanya memerlukan kualiti yang sama: tumpuan, perhatian berterusan dan kehadiran fikiran. Konduktor hanya perlu mengetahui muziknya sedikit ... "

Pada tahun 1935, Rachmaninoff memutuskan untuk menetap di Amerika Syarikat. Dia pertama kali tinggal di New York, dan kemudian pindah ke Los Angeles. Di sana, dia mulai membangun rumah baru untuk dirinya sendiri, sama dengan rumah yang dia tinggalkan di Moscow.

Turchin, VS

Tiga Bahagian Romantik Semasa anda menelusuri buku kami, anda akan melihat bahawa ini adalah yang terbesar dari semua babnya, di mana tidak kurang dari tiga puluh tujuh komposer disebutkan. Sebilangan besar dari mereka tinggal dan bekerja secara serentak di pelbagai negara. Oleh itu, kami telah membahagikan bab ini kepada tiga bahagian: “Awal