ดนตรีคลาสสิกที่มีชื่อเสียงที่สุด ชิ้นดนตรีคลาสสิกที่มีชื่อเสียงที่สุดเครื่องสายคีย์บอร์ดประเภทต่างๆ

ดังนั้นในใจกลางความสนใจของเราในวันนี้จึงเป็นเพลงคลาสสิกที่โด่งดังที่สุด ดนตรีคลาสสิกสร้างความตื่นเต้นให้ผู้ฟังมาเป็นเวลาหลายศตวรรษ ทำให้เกิดพายุแห่งความรู้สึกและอารมณ์ มันได้กลายเป็นส่วนหนึ่งของประวัติศาสตร์มาช้านานและพันกับปัจจุบันด้วยด้ายเส้นเล็ก

แน่นอน ในอนาคตอันไกล ดนตรีคลาสสิกจะเป็นที่ต้องการไม่น้อย เนื่องจากปรากฏการณ์ดังกล่าวในโลกดนตรีไม่สามารถสูญเสียความเกี่ยวข้องและความสำคัญของดนตรีไปได้

ตั้งชื่องานคลาสสิกใด ๆ - มันจะคู่ควรกับสถานที่แรกในขบวนพาเหรดเพลงฮิต แต่เนื่องจากเป็นไปไม่ได้ที่จะเปรียบเทียบผลงานดนตรีคลาสสิกที่โด่งดังที่สุดระหว่างกัน เนื่องจากมีเอกลักษณ์ทางศิลปะ บทประพันธ์ที่มีชื่อที่นี่จึงถูกนำเสนอเป็นผลงานสำหรับคนรู้จักเท่านั้น

“โซนาต้าแสงจันทร์”

ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน

ในฤดูร้อนปี 1801 ผลงานอันยอดเยี่ยมของ L.B. เบโธเฟน ผู้ถูกกำหนดให้มีชื่อเสียงไปทั่วโลก ชื่อของงานนี้ "Moonlight Sonata" เป็นที่รู้จักของทุกคนตั้งแต่เด็กจนโต

แต่ในขั้นต้น งานนี้มีชื่อว่า "เกือบแฟนตาซี" ซึ่งผู้เขียนได้อุทิศให้กับจูเลียต กุยเซียร์ดี ลูกศิษย์ตัวน้อยของเขา และชื่อที่เป็นที่รู้จักมาจนถึงทุกวันนี้ถูกคิดค้นโดยนักวิจารณ์ดนตรีและกวี Ludwig Relshtab หลังจากการเสียชีวิตของ L.V. เบโธเฟน. งานนี้เป็นหนึ่งในผลงานดนตรีที่มีชื่อเสียงที่สุดของนักประพันธ์เพลง

ยังไงก็ตาม คอลเล็กชั่นดนตรีคลาสสิกที่ยอดเยี่ยมนำเสนอโดยหนังสือพิมพ์ Komsomolskaya Pravda รุ่นต่างๆ ซึ่งเป็นหนังสือขนาดกะทัดรัดพร้อมแผ่นดิสก์สำหรับฟังเพลง คุณสามารถอ่านและฟังเพลงของเขาได้ - สะดวกมาก! ที่แนะนำ สั่งซื้อแผ่นเพลงคลาสสิคจากเพจเราโดยตรง : กดปุ่ม “ซื้อ” แล้วไปที่ร้านทันที

"เดือนมีนาคมของตุรกี"

โวล์ฟกัง อมาเดอุส โมสาร์ท

ผลงานนี้เป็นการเคลื่อนไหวครั้งที่สามของ Sonata No. 11 ซึ่งเกิดในปี พ.ศ. 2326 ในขั้นต้น มันถูกเรียกว่า "Turkish Rondo" และเป็นที่นิยมอย่างมากในหมู่นักดนตรีชาวออสเตรีย ซึ่งภายหลังเปลี่ยนชื่อเป็น ชื่อ "Turkish March" ถูกกำหนดให้กับงานนี้เช่นกันเพราะมันสอดคล้องกับออร์เคสตรา Janissary ของตุรกีซึ่งเสียงของเพอร์คัชชันนั้นมีลักษณะเฉพาะมากซึ่งสามารถตรวจสอบได้ใน "Turkish March" โดย V.A. โมสาร์ท.

“อาเว มาเรีย”

ฟรานซ์ ชูเบิร์ต

นักแต่งเพลงเองเขียนงานนี้ในบทกวี "The Lady of the Lake" โดย W. Scott หรือมากกว่าตามเนื้อเรื่องและจะไม่เขียนองค์ประกอบทางศาสนาที่ลึกซึ้งสำหรับคริสตจักร ไม่นานหลังจากการปรากฏตัวของงานนักดนตรีที่ไม่รู้จักซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากคำอธิษฐาน "Ave Maria" ได้ตั้งค่าข้อความเป็นเพลงของ F. Schubert ที่ยอดเยี่ยม

"แฟนตาซีกะทันหัน"

เฟรเดริก โชแปง

เอฟ โชแปง อัจฉริยะแห่งยุคโรแมนติก อุทิศงานนี้ให้เพื่อนของเขา และคือจูเลียน ฟอนทาน่าที่ไม่เชื่อฟังคำแนะนำของผู้เขียนและตีพิมพ์ในปี พ.ศ. 2398 หกปีหลังจากการเสียชีวิตของนักแต่งเพลง เอฟ. โชแปงเชื่อว่างานของเขาคล้ายกับการแสดงทันควันของ I. Moscheles นักเรียนของ Beethoven นักแต่งเพลงและนักเปียโนชื่อดัง ซึ่งเป็นสาเหตุของการปฏิเสธที่จะปล่อย Fantasia-Impromptu อย่างไรก็ตาม ไม่มีใครเคยถือว่างานที่ยอดเยี่ยมนี้เป็นการลอกเลียนแบบ ยกเว้นตัวผู้เขียนเอง

"เที่ยวบินของภมร"

นิโคไล ริมสกี-คอร์ซาคอฟ

นักแต่งเพลงของงานนี้เป็นแฟนตัวยงของนิทานพื้นบ้านรัสเซีย - เขาสนใจนิทาน สิ่งนี้นำไปสู่การสร้างโอเปร่า "The Tale of Tsar Saltan" ตามเนื้อเรื่องของ A.S. พุชกิน. ส่วนหนึ่งของโอเปร่านี้คือบทละคร "Flight of the Bumblebee" เสียงการบินของแมลง N.A. เลียนแบบเสียงการบินของแมลงตัวนี้อย่างเชี่ยวชาญและสดใสอย่างไม่น่าเชื่อ ริมสกี้-คอร์ซาคอฟ

"คาปรีหมายเลข 24"

นิโคโล ปากานินี

ในขั้นต้น ผู้เขียนแต่ง caprices ทั้งหมดของเขาเพียงเพื่อจุดประสงค์ในการปรับปรุงและเพิ่มพูนทักษะการเล่นไวโอลิน ในที่สุดพวกเขาก็นำเพลงใหม่และไม่เคยรู้จักมาก่อนมาทำไวโอลิน และเพลง Caprice ครั้งที่ 24 ซึ่งเป็นเพลง Caprice ที่แต่งโดย N. Paganini ครั้งสุดท้าย ได้นำทารันเตลลาที่รวดเร็วพร้อมเสียงสูงต่ำของเพลงพื้นบ้าน และยังได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งในผลงานที่เคยสร้างมาสำหรับไวโอลิน ซึ่งไม่มีความซับซ้อนเท่ากัน

"โวคอล บทประพันธ์ 34 ลำดับที่ 14"

Sergei Vasilyevich Rahmaninov

งานนี้ทำให้งานประพันธ์ชิ้นที่ 34 ของนักแต่งเพลงเสร็จสมบูรณ์ ซึ่งรวมเพลงสิบสี่เพลงที่แต่งขึ้นเพื่อพากย์เสียงพร้อมกับเปียโนคลอ เปล่งเสียงตามที่คาดไว้ไม่มีคำ แต่ใช้เสียงสระหนึ่งเสียง เอส.วี. Rachmaninoff อุทิศให้กับ Antonina Nezhdanova นักร้องโอเปร่า บ่อยครั้งที่งานนี้ทำกับไวโอลินหรือเชลโลพร้อมกับเปียโนคลอ

"แสงจันทร์"

Claude Debussy

งานนี้เขียนขึ้นโดยนักแต่งเพลงภายใต้ความประทับใจของแนวบทกวีของกวีชาวฝรั่งเศส Paul Verlaine ชื่อนี้สื่อถึงความนุ่มนวลและน่าสัมผัสของท่วงทำนองได้อย่างชัดเจน ซึ่งส่งผลต่อจิตวิญญาณของผู้ฟัง ผลงานยอดนิยมของนักประพันธ์เพลงยอดเยี่ยม C. Debussy นี้ให้เสียงในภาพยนตร์ 120 เรื่องจากรุ่นต่างๆ

เหมือนเคย, เพลงที่ดีที่สุดอยู่ในกลุ่มของเราในการติดต่อ .

ฟังดนตรีคลาสสิก - อะไรจะดีไปกว่านี้! โดยเฉพาะวันหยุดสุดสัปดาห์ เมื่อคุณต้องการพักผ่อน ลืมความกังวลของวัน ความกังวลของสัปดาห์การทำงาน ฝันถึงคนสวย และเพียงแค่ให้กำลังใจตัวเอง ลองคิดดู คลาสสิกถูกสร้างขึ้นโดยนักเขียนที่เก่งกาจเมื่อนานมาแล้วจนยากที่จะเชื่อว่าบางสิ่งบางอย่างสามารถอยู่รอดได้หลายปี และงานเหล่านี้ยังคงเป็นที่รักและฟัง พวกเขาสร้างการจัดเตรียมและการตีความที่ทันสมัย แม้แต่ในการประมวลผลสมัยใหม่ ผลงานของนักประพันธ์เพลงที่เก่งกาจก็ยังคงเป็นดนตรีคลาสสิก ในขณะที่เขายอมรับว่างานคลาสสิกนั้นแยบยล และความเฉลียวฉลาดทั้งหมดก็ไม่น่าเบื่อ

อาจเป็นไปได้ว่านักประพันธ์เพลงที่ยอดเยี่ยมทุกคนมีหูที่พิเศษ มีความไวต่อโทนเสียงและเมโลดี้เป็นพิเศษ ซึ่งทำให้พวกเขาสร้างเพลงที่คนหลายสิบรุ่นชื่นชอบ ไม่เพียงแต่จากเพื่อนร่วมชาติเท่านั้น แต่ยังรวมถึงแฟนเพลงคลาสสิกทั่วโลกด้วย หากคุณยังสงสัยว่าคุณชอบดนตรีคลาสสิกหรือไม่ ก็ต้องพบกับและคุณจะเห็นว่าแท้จริงแล้วคุณเป็นแฟนเพลงที่ไพเราะมายาวนานแล้ว

และวันนี้เราจะพูดถึง 10 นักประพันธ์เพลงที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก

โยฮันน์ เซบาสเตียน บาค

ที่แรกสมควรเป็นเจ้าของ อัจฉริยะเกิดในประเทศเยอรมนี นักแต่งเพลงที่มีความสามารถมากที่สุดเขียนเพลงสำหรับฮาร์ปซิคอร์ดและออร์แกน นักแต่งเพลงไม่ได้สร้างรูปแบบใหม่ในดนตรี แต่เขาสามารถสร้างความสมบูรณ์แบบในทุกสไตล์ของเวลาของเขาได้ เขาเป็นผู้เขียนบทความมากกว่า 1,000 บทความ ในงานของเขา บาครวมสไตล์ดนตรีต่าง ๆ ที่เขาพบมาตลอดชีวิต บ่อยครั้งที่ความโรแมนติกทางดนตรีถูกรวมเข้ากับสไตล์บาร็อค ในชีวิต Johann Bachในฐานะนักแต่งเพลงที่ไม่ได้รับการยอมรับที่เขาสมควรได้รับ ความสนใจในดนตรีของเขาจึงเกิดขึ้นเกือบ 100 ปีหลังจากการตายของเขา วันนี้เขาได้รับเรียกเป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดที่เคยมีชีวิตอยู่บนโลก เอกลักษณ์ของเขาในฐานะบุคคล ครู และนักดนตรีสะท้อนอยู่ในดนตรีของเขา บาควางรากฐานของดนตรีสมัยใหม่และร่วมสมัย โดยแบ่งประวัติศาสตร์ของดนตรีออกเป็นช่วงก่อน Bach และหลัง Bach เชื่อกันว่าดนตรี บาคมืดมนและมืดมน ดนตรีของเขาค่อนข้างพื้นฐานและมั่นคง ถูกจำกัดและมีสมาธิ เหมือนภาพสะท้อนของผู้ใหญ่ที่ฉลาด การสร้าง บาคมีอิทธิพลต่อนักประพันธ์เพลงหลายคน บางคนยกตัวอย่างจากผลงานของเขาหรือใช้ธีมจากพวกเขา และนักดนตรีทั่วโลกเล่นดนตรี บาคชื่นชมความงามและความสมบูรณ์แบบของเธอ หนึ่งในผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุด "คอนเสิร์ตบรันเดนบูร์ก"เป็นข้อพิสูจน์ที่ดีเยี่ยมว่าดนตรี บาคไม่ถือว่ามืดมนเกินไป:

โวล์ฟกัง อมาเดอุส โมสาร์ท

ถือว่าเป็นอัจฉริยะอย่างถูกต้อง เมื่ออายุได้ 4 ขวบ เขาได้เล่นไวโอลินและฮาร์ปซิคอร์ดอย่างอิสระแล้ว เมื่ออายุได้ 6 ขวบ เขาก็เริ่มแต่งเพลง และเมื่ออายุได้ 7 ขวบ เขาได้ด้นสดอย่างชำนาญบนฮาร์ปซิคอร์ด ไวโอลิน และออร์แกน แข่งขันกับนักดนตรีที่มีชื่อเสียง แล้วตอนอายุ14 โมสาร์ท- นักแต่งเพลงที่ได้รับการยอมรับและเมื่ออายุ 15 ปี - เป็นสมาชิกของสถาบันดนตรีแห่งโบโลญญาและเวโรนา โดยธรรมชาติแล้ว เขามีหูที่มหัศจรรย์ในด้านดนตรี ความจำ และความสามารถในการด้นสด เขาสร้างผลงานที่น่าทึ่งมากมาย - โอเปร่า 23 ชิ้น, โซนาตา 18 ชิ้น, คอนแชร์โตเปียโน 23 ชิ้น, ซิมโฟนี 41 ชิ้นและอีกมากมาย นักแต่งเพลงไม่ต้องการเลียนแบบ เขาพยายามสร้างโมเดลใหม่ สะท้อนถึงบุคลิกใหม่ของดนตรี ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ดนตรีในเยอรมนี โมสาร์ทเรียกว่า "ดนตรีแห่งจิตวิญญาณ" ในผลงานของเขาผู้แต่งได้แสดงลักษณะของธรรมชาติที่จริงใจและรักใคร่ของเขา ทำนองที่ยิ่งใหญ่ที่สุดให้ความสำคัญเป็นพิเศษกับโอเปร่า โอเปร่า โมสาร์ท- ยุคแห่งการพัฒนาศิลปะดนตรีประเภทนี้ โมสาร์ทเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางว่าเป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุด: เอกลักษณ์ของเขาอยู่ที่ความจริงที่ว่าเขาทำงานในรูปแบบดนตรีทุกรูปแบบในสมัยของเขาและประสบความสำเร็จอย่างสูงสุด หนึ่งในผลงานที่เป็นที่รู้จักมากที่สุด "เดือนมีนาคมของตุรกี":

ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน

ชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่อีกคนหนึ่งเป็นบุคคลสำคัญของยุคโรแมนติก-คลาสสิก แม้แต่คนที่ไม่รู้อะไรเลยเกี่ยวกับดนตรีคลาสสิกก็รู้เกี่ยวกับเขา เบโธเฟนเป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่มีผลงานและเป็นที่นับถือมากที่สุดในโลก นักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่ได้เห็นความโกลาหลครั้งใหญ่ที่เกิดขึ้นในยุโรปและร่างแผนที่ใหม่ การรัฐประหาร การปฏิวัติ และการเผชิญหน้าทางทหารที่ยิ่งใหญ่เหล่านี้สะท้อนให้เห็นในงานของนักแต่งเพลง โดยเฉพาะอย่างยิ่งไพเราะ เขาเป็นตัวเป็นตนในภาพเพลงของการต่อสู้ที่กล้าหาญ ในงานอมตะ เบโธเฟนคุณจะได้ยินการต่อสู้เพื่ออิสรภาพและความเป็นพี่น้องของผู้คน ศรัทธาที่ไม่สั่นคลอนในชัยชนะของความสว่างเหนือความมืดตลอดจนความฝันถึงอิสรภาพและความสุขของมวลมนุษยชาติ ข้อเท็จจริงที่มีชื่อเสียงและน่าทึ่งที่สุดประการหนึ่งในชีวิตของเขาคือโรคหูพัฒนาเป็นหูหนวกอย่างสมบูรณ์ แต่ถึงแม้จะเป็นเช่นนี้ นักแต่งเพลงก็ยังคงเขียนเพลงต่อไป เขายังถือว่าเป็นหนึ่งในนักเปียโนที่ดีที่สุด ดนตรี เบโธเฟนเรียบง่ายอย่างน่าประหลาดใจและเข้าถึงได้เพื่อความเข้าใจของผู้ฟังที่หลากหลายที่สุด ยุคสมัยเปลี่ยนไป แม้กระทั่งยุคสมัย และดนตรี เบโธเฟนยังคงตื่นเต้นและถูกใจผู้คน หนึ่งในงานที่ดีที่สุดของเขา - “โซนาต้าแสงจันทร์”:

Richard Wagner

ด้วยนามผู้ยิ่งใหญ่ Richard Wagnerมักเกี่ยวข้องกับผลงานชิ้นเอกของเขา "คอรัสงานแต่งงาน"หรือ "การขี่วาลคิรี". แต่เขาเป็นที่รู้จักไม่เพียง แต่เป็นนักแต่งเพลงเท่านั้น แต่ยังเป็นที่รู้จักในฐานะนักปรัชญาด้วย Wagnerถือว่างานดนตรีของเขาเป็นวิธีการแสดงแนวความคิดทางปรัชญาบางอย่าง จาก Wagnerยุคดนตรีใหม่ของโอเปร่าเริ่มต้นขึ้น นักแต่งเพลงพยายามทำให้โอเปร่าเข้าใกล้ชีวิตมากขึ้นดนตรีสำหรับเขาเป็นเพียงวิธีการเท่านั้น Richard Wagner- ผู้สร้างละครเพลง, นักปฏิรูปโอเปร่าและศิลปะการแสดง, ผู้ริเริ่มภาษาฮาร์โมนิกและไพเราะของดนตรี, ผู้สร้างรูปแบบใหม่ของการแสดงออกทางดนตรี Wagner- ผู้แต่งเพลงเดี่ยวที่ยาวที่สุดในโลก (14 นาที 46 วินาที) และโอเปร่าคลาสสิกที่ยาวที่สุดในโลก (5 ชั่วโมง 15 นาที) ในชีวิต Richard Wagnerถูกมองว่าเป็นบุคคลที่ถกเถียงกันซึ่งได้รับความรักหรือเกลียดชัง และบ่อยครั้งทั้งสองอย่างในเวลาเดียวกัน สัญลักษณ์ลึกลับและการต่อต้านชาวยิวทำให้เขาเป็นนักแต่งเพลงคนโปรดของฮิตเลอร์ แต่ขวางทางดนตรีของเขาไปยังอิสราเอล อย่างไรก็ตาม ทั้งผู้สนับสนุนและฝ่ายตรงข้ามของนักแต่งเพลงไม่ได้ปฏิเสธความยิ่งใหญ่ของเขาในฐานะนักแต่งเพลง เพลงเพราะตั้งแต่แรกเริ่ม Richard Wagnerดูดซับคุณอย่างไร้ร่องรอย ไม่เหลือที่ว่างสำหรับข้อพิพาทและความขัดแย้ง:

ฟรานซ์ ชูเบิร์ต

นักแต่งเพลงชาวออสเตรียเป็นอัจฉริยะด้านดนตรี ซึ่งเป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่ดีที่สุด เขาอายุเพียง 17 ปีเมื่อเขาเขียนเพลงแรกของเขา ในหนึ่งวันเขาสามารถเขียนเพลงได้ 8 เพลง ในช่วงชีวิตที่สร้างสรรค์ของเขา เขาสร้างสรรค์ผลงานมากกว่า 600 ชิ้นจากบทกวีโดยกวีผู้ยิ่งใหญ่มากกว่า 100 คน รวมทั้งเกอเธ่ ชิลเลอร์ และเชคสเปียร์ นั่นเป็นเหตุผลที่ ฟรานซ์ ชูเบิร์ตใน 10 อันดับแรก แม้ว่าความคิดสร้างสรรค์ ชูเบิร์ตมีความหลากหลายมากในแง่ของการใช้แนวเพลง ความคิด และการกลับชาติมาเกิด เนื้อเพลงที่เป็นเสียงร้องมีชัยและเป็นตัวกำหนดในดนตรีของเขา ก่อน ชูเบิร์ตเพลงนี้ถือเป็นแนวเพลงที่ไม่มีนัยสำคัญ และเป็นผู้ที่ยกระดับให้เป็นระดับความสมบูรณ์แบบทางศิลปะ นอกจากนี้ เขายังผสมผสานเพลงที่ดูเหมือนไม่เกี่ยวข้องกันและดนตรีแชมเบอร์ซิมโฟนิก ซึ่งก่อให้เกิดทิศทางใหม่ของซิมโฟนีโรแมนติกและโคลงสั้น ๆ เนื้อเพลงเสียงร้องเป็นโลกแห่งประสบการณ์ของมนุษย์ที่เรียบง่ายและลึกซึ้ง ละเอียดอ่อนและลึกซึ้ง ไม่ได้แสดงออกด้วยคำพูด แต่แสดงออกด้วยเสียง ฟรานซ์ ชูเบิร์ตมีชีวิตที่สั้นมาก อายุเพียง 31 ปี ชะตากรรมของผลงานของนักแต่งเพลงนั้นไม่น่าเศร้าน้อยกว่าชีวิตของเขา หลังความตาย ชูเบิร์ตต้นฉบับที่ไม่ได้ตีพิมพ์จำนวนมากยังคงอยู่ เก็บไว้ในตู้หนังสือและลิ้นชักของญาติและเพื่อน แม้แต่ผู้ที่ใกล้ชิดกับเขาที่สุดก็ไม่รู้ทุกอย่างที่เขาเขียน และหลายปีที่ผ่านมาเขาได้รับการยอมรับว่าเป็นราชาแห่งเสียงเพลงเป็นหลักเท่านั้น ผลงานของนักแต่งเพลงบางชิ้นได้รับการตีพิมพ์เพียงครึ่งศตวรรษหลังจากที่เขาเสียชีวิต หนึ่งในผลงานอันเป็นที่รักและโด่งดังที่สุด ฟรานซ์ ชูเบิร์ต – "เซเรเนดตอนเย็น":

Robert Schumann

ด้วยชะตากรรมอันน่าเศร้าไม่น้อย นักแต่งเพลงชาวเยอรมันจึงเป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่เก่งที่สุดในยุคโรแมนติก เขาสร้างเพลงที่สวยงามน่าอัศจรรย์ใจ หากต้องการทราบแนวคิดแนวโรแมนติกของเยอรมันในศตวรรษที่ 19 เพียงแค่ฟัง "คาร์นิวัล" Robert Schumann. เขาสามารถหลุดพ้นจากประเพณีดนตรีของยุคคลาสสิก โดยสร้างการตีความสไตล์โรแมนติกของเขาเอง Robert Schumannมีพรสวรรค์มากมายและเป็นเวลานานไม่สามารถตัดสินใจได้ระหว่างดนตรี กวีนิพนธ์ วารสารศาสตร์และภาษาศาสตร์ (เขาเป็นคนพูดได้หลายภาษาและแปลอย่างอิสระจากภาษาอังกฤษฝรั่งเศสและอิตาลี) เขายังเป็นนักเปียโนที่น่าทึ่งอีกด้วย และยังอาชีพหลักและความหลงใหล Schumanมีดนตรี ดนตรีเชิงกวีและจิตวิทยาเชิงลึกของเขาส่วนใหญ่สะท้อนถึงความเป็นคู่ของธรรมชาติของนักแต่งเพลง การระเบิดของความหลงใหล และการถอยเข้าสู่โลกแห่งความฝัน การตระหนักรู้ถึงความเป็นจริงที่หยาบคาย และการดิ้นรนเพื่ออุดมคติ หนึ่งในผลงานชิ้นเอก Robert Schumannที่ทุกคนต้องได้ยิน:

เฟรเดริก โชแปง

บางทีอาจเป็นขั้วโลกที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลกของดนตรี ทั้งก่อนและหลังนักแต่งเพลงเป็นอัจฉริยะทางดนตรีระดับนี้ที่เกิดในโปแลนด์ ชาวโปแลนด์รู้สึกภาคภูมิใจอย่างไม่น่าเชื่อกับเพื่อนร่วมชาติที่ยิ่งใหญ่ของพวกเขา และในงานของเขา นักแต่งเพลงมักจะร้องเพลงในบ้านเกิดของเขา ชื่นชมความงามของภูมิประเทศ คร่ำครวญถึงอดีตที่น่าเศร้า และความฝันถึงอนาคตที่ยิ่งใหญ่ เฟรเดริก โชแปง- หนึ่งในนักประพันธ์เพลงไม่กี่คนที่แต่งเพลงสำหรับเปียโนโดยเฉพาะ มรดกทางความคิดสร้างสรรค์ของเขาไม่มีโอเปร่าหรือซิมโฟนี แต่มีการนำเสนอเปียโนหลากหลายรูปแบบ ผลงานของเขาเป็นพื้นฐานของบทเพลงของนักเปียโนชื่อดังหลายคน เฟรเดริก โชแปงเป็นนักแต่งเพลงชาวโปแลนด์ที่รู้จักกันว่าเป็นนักเปียโนที่มีพรสวรรค์ เขามีอายุเพียง 39 ปี แต่สามารถสร้างผลงานชิ้นเอกได้มากมาย เช่น บัลลาด พรีลูด วอลซ์ มาซูร์กา น็อคเทิร์น โปโลเนซ อีทูเดส โซนาตา และอีกมากมาย หนึ่งในนั้น - "เพลงบัลลาดหมายเลข 1 ใน G minor".

Franz Liszt

เขาเป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในโลก เขามีชีวิตที่ค่อนข้างยาวนานและร่ำรวยอย่างน่าประหลาดใจ รู้จักความยากจนและความมั่งคั่ง พบความรักและเผชิญกับการดูถูก นอกจากพรสวรรค์ตั้งแต่แรกเกิดแล้ว เขายังมีความสามารถในการทำงานที่ยอดเยี่ยมอีกด้วย Franz Lisztไม่เพียงสมควรได้รับความชื่นชมจากผู้ชื่นชอบและแฟนเพลงเท่านั้น ทั้งในฐานะนักแต่งเพลงและนักเปียโน เขาได้รับการอนุมัติจากนักวิจารณ์ชาวยุโรปในศตวรรษที่ 19 ในระดับสากล เขาสร้างผลงานมากกว่า 1300 ชิ้นและชอบ เฟรเดริก โชแปงงานที่ต้องการสำหรับเปียโน นักเปียโนที่ยอดเยี่ยม, Franz Lisztเขารู้วิธีสร้างเสียงของวงออร์เคสตราทั้งหมดบนเปียโน ด้นสดอย่างเชี่ยวชาญ มีความทรงจำที่ยอดเยี่ยมในการแต่งเพลง เขาไม่มีความเท่าเทียมกันในการอ่านโน้ตจากแผ่นงาน เขามีสไตล์การแสดงที่น่าสมเพช ซึ่งสะท้อนอยู่ในดนตรีของเขา อารมณ์ที่เร่าร้อนและร่าเริงอย่างกล้าหาญ สร้างภาพดนตรีที่มีสีสันและสร้างความประทับใจไม่รู้ลืมแก่ผู้ฟัง จุดเด่นของนักแต่งเพลงคือคอนแชร์โตเปียโน หนึ่งในผลงานเหล่านี้ หนึ่งในผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุด Liszt – “ความฝันของความรัก”:

โยฮันเนส บราห์มส์

บุคคลสำคัญในยุคโรแมนติกทางดนตรีคือ โยฮันเนส บราห์มส์. ฟังแล้วชอบดนตรี บรามส์ถือว่าเป็นรสนิยมที่ดีและเป็นสัญลักษณ์ของธรรมชาติที่โรแมนติก บรามส์ไม่ได้เขียนโอเปร่าเพียงเรื่องเดียว แต่เขาสร้างผลงานในประเภทอื่นทั้งหมด ความรุ่งโรจน์พิเศษ บรามส์นำซิมโฟนีของเขา ในผลงานแรกความคิดริเริ่มของนักแต่งเพลงนั้นปรากฏออกมาซึ่งในที่สุดก็เปลี่ยนเป็นสไตล์ของเขาเอง พิจารณาผลงานทั้งหมด บรามส์ไม่สามารถพูดได้ว่านักแต่งเพลงได้รับอิทธิพลอย่างมากจากงานของบรรพบุรุษหรือผู้ร่วมสมัยของเขา และในแง่ของความคิดสร้างสรรค์ บรามส์มักจะเปรียบเทียบกับ บาคและ เบโธเฟน. บางทีการเปรียบเทียบนี้อาจสมเหตุสมผลในแง่ที่ว่างานของชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่สามคนแสดงถึงจุดสูงสุดของยุคทั้งหมดในประวัติศาสตร์ดนตรี ไม่เหมือน Franz Lisztชีวิต โยฮันเนส บราห์มส์ก็ปราศจากเหตุการณ์วุ่นวาย เขาชอบความคิดสร้างสรรค์แบบเงียบๆ ในช่วงชีวิตของเขา เขาได้รับการยอมรับในความสามารถและความเคารพในระดับสากล และได้รับรางวัลเกียรติยศมากมาย เพลงที่โดดเด่นที่สุดที่พลังสร้างสรรค์ บรามส์มีเอฟเฟกต์ที่สดใสและเป็นต้นฉบับเป็นพิเศษของเขา "บังสุกุลเยอรมัน"ผลงานที่ผู้เขียนสร้างขึ้นมาเป็นเวลา 10 ปี และอุทิศให้กับแม่ของเขา ในเพลงของคุณ บรามส์ร้องเพลงถึงคุณค่านิรันดร์ของชีวิตมนุษย์ซึ่งเป็นความงามของธรรมชาติศิลปะแห่งพรสวรรค์ที่ยิ่งใหญ่ในอดีตวัฒนธรรมของบ้านเกิดของพวกเขา

Giuseppe Verdi

นักแต่งเพลงสิบอันดับแรกที่ไม่มีอะไร! นักแต่งเพลงชาวอิตาลีเป็นที่รู้จักกันเป็นอย่างดีในผลงานอุปรากรของเขา เขากลายเป็นความรุ่งโรจน์ของชาติอิตาลีงานของเขาคือจุดสูงสุดของการพัฒนาโอเปร่าอิตาลี ความสำเร็จและข้อดีของเขาในฐานะนักแต่งเพลงไม่สามารถประเมินค่าสูงไปได้ จนถึงปัจจุบัน หนึ่งศตวรรษหลังจากการเสียชีวิตของผู้แต่ง ผลงานของเขายังคงเป็นที่นิยมมากที่สุด มีการแสดงอย่างกว้างขวาง ซึ่งเป็นที่รู้จักของทั้งผู้ชื่นชอบและผู้ชื่นชอบดนตรีคลาสสิก

สำหรับ แวร์ดีละครกลายเป็นสิ่งสำคัญที่สุดในโอเปร่า ภาพดนตรีของ Rigoletto, Aida, Violetta, Desdemona สร้างขึ้นโดยนักแต่งเพลงที่ผสมผสานท่วงทำนองที่สดใสและความลึกของตัวละคร ลักษณะทางดนตรีที่เป็นประชาธิปไตยและประณีต ความหลงใหลรุนแรง และความฝันอันสดใส แวร์ดีเป็นนักจิตวิทยาอย่างแท้จริงในการเข้าใจกิเลสตัณหาของมนุษย์ ดนตรีของเขามีความสูงส่งและทรงพลัง ความงามและความกลมกลืนที่น่าอัศจรรย์ ท่วงทำนองที่สวยงามอย่างอธิบายไม่ได้ เพลงไพเราะและคู่หูที่ยอดเยี่ยม กิเลสตัณหาเดือด ความขบขัน และโศกนาฏกรรมเกี่ยวพันและหลอมรวมเข้าด้วยกัน พล็อตของโอเปร่าตาม แวร์ดีควรจะเป็น "ดั้งเดิม น่าสนใจ และ ... หลงใหล ด้วยความหลงใหลเหนือสิ่งอื่นใด" และผลงานส่วนใหญ่ของเขานั้นจริงจังและน่าสลดใจ แสดงสถานการณ์ดราม่าทางอารมณ์ และดนตรีของผู้ยิ่งใหญ่ แวร์ดีให้ความหมายของสิ่งที่เกิดขึ้นและเน้นสำเนียงของสถานการณ์ หลังจากซึมซับสิ่งที่ดีที่สุดที่โรงเรียนโอเปร่าของอิตาลีทำได้ เขาไม่ได้ปฏิเสธประเพณีโอเปร่า แต่ปฏิรูปอุปรากรอิตาลี เติมด้วยความสมจริงและทำให้มันเป็นเอกภาพโดยรวม ในเวลาเดียวกันเขาไม่ได้ประกาศการปฏิรูปของเขาไม่ได้เขียนบทความเกี่ยวกับเรื่องนี้ แต่เพียงแค่เขียนโอเปร่าในรูปแบบใหม่ ขบวนชัยชนะของหนึ่งในผลงานชิ้นเอก แวร์ดี- โอเปร่า - กวาดล้างฉากต่างๆ ของอิตาลีและดำเนินต่อไปในยุโรป เช่นเดียวกับในรัสเซียและอเมริกา ซึ่งทำให้แม้แต่ผู้คลางแคลงใจรับรู้ถึงพรสวรรค์ของนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่

10 นักประพันธ์เพลงที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลกปรับปรุงเมื่อ: 13 เมษายน 2019 โดย: เอเลน่า

ฉันต้องสารภาพว่าฉันกำลังพูดถึงฮาร์ปซิคอร์ดเป็นเรื่องส่วนตัวอย่างลึกซึ้งสำหรับฉัน หลังจากที่ได้แสดงร่วมกับมันมาเกือบสี่สิบปีแล้ว ฉันได้พัฒนาความผูกพันอย่างลึกซึ้งกับผู้แต่งบางคนและเล่นคอนเสิร์ตจนครบวงจรของทุกสิ่งที่พวกเขาเขียนสำหรับเครื่องดนตรีชิ้นนี้ ก่อนอื่น เรื่องนี้เกี่ยวข้องกับ Francois Couperin และ Johann Sebastian Bach ฉันหวังว่าสิ่งนี้จะเป็นข้อแก้ตัวสำหรับการเสพติดของฉันซึ่งฉันกลัวว่าจะไม่สามารถหลีกเลี่ยงได้

อุปกรณ์

เป็นที่ทราบกันดีว่าเครื่องดนตรีประเภทเครื่องสายแบบใช้คีย์บอร์ดเป็นที่รู้จักกันดี พวกเขาแตกต่างกันในด้านขนาด รูปร่าง และเสียง (สีสัน) ทรัพยากร ช่างฝีมือเกือบทุกคนที่สร้างเครื่องมือดังกล่าวในสมัยก่อนพยายามเพิ่มสิ่งที่เป็นของตัวเองในการออกแบบของพวกเขา

มีความสับสนมากมายเกี่ยวกับสิ่งที่พวกเขาเรียกว่า โดยทั่วไปแล้ว เครื่องดนตรีจะถูกแบ่งตามรูปร่างเป็นแนวยาว (ชวนให้นึกถึงเปียโนตัวเล็ก แต่มีรูปร่างเป็นเหลี่ยม เปียโนมีรูปร่างโค้งมน) และสี่เหลี่ยม แน่นอน ความแตกต่างนี้ไม่ได้หมายถึงการตกแต่ง: ด้วยการจัดเรียงที่แตกต่างกันของสายที่สัมพันธ์กับแป้นพิมพ์ ตำแหน่งบนสายที่ทำการถอนซึ่งเป็นลักษณะของเครื่องมือเหล่านี้ทั้งหมด มีผลอย่างมากต่อเสียงต่ำของ เสียง.

I. เวอร์เมียร์แห่งเดลฟท์ ผู้หญิงนั่งอยู่ที่ฮาร์ปซิคอร์ด
ตกลง. 1673–1675 หอศิลป์แห่งชาติลอนดอน

ฮาร์ปซิคอร์ดเป็นเครื่องมือที่ใหญ่และซับซ้อนที่สุดในตระกูลนี้

ในรัสเซียตั้งแต่ศตวรรษที่ 18 ชื่อภาษาฝรั่งเศสที่ใช้กันอย่างแพร่หลายสำหรับเครื่องดนตรีนี้คือฮาร์ปซิคอร์ด ( คลาเวซิน) แต่ส่วนใหญ่พบในการปฏิบัติทางดนตรีและวิชาการ และภาษาอิตาลี - เซมบาโล ( เซมบาโล; ชื่อภาษาอิตาลียังเป็นที่รู้จัก คลาวิเซมบาโล กราวิเซมบาโล). ในวรรณคดีดนตรี โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อพูดถึงดนตรีบาโรกภาษาอังกฤษ ชื่อภาษาอังกฤษของเครื่องดนตรีนี้ไม่มีการแปล ฮาร์ปซิคอร์ด.

ในฮาร์ปซิคอร์ด คุณสมบัติหลักของการแยกเสียงคือมีการติดตั้งจัมเปอร์ที่เรียกว่า (มิฉะนั้น ตัวดัน) ที่ส่วนท้ายของคีย์ ซึ่งในส่วนบนซึ่งมีการตรึงขนนกไว้ เมื่อนักดนตรีกดปุ่ม ส่วนหลังจะยกขึ้น (เพราะกุญแจเป็นคันโยก) และจัมเปอร์จะสูงขึ้น และขนนกจะดึงสาย เมื่อปล่อยกุญแจ ขนนกจะหลุดออกมาอย่างไร้เสียงด้วยสปริงที่ช่วยให้มันเบี่ยงเล็กน้อย

เครื่องสายคีย์บอร์ดประเภทต่างๆ

เป็นที่น่าสังเกตว่าคำอธิบายของการกระทำของจัมเปอร์และแม่นยำผิดปกตินั้นได้รับจาก W. Shakespeare ในโคลงที่ 128 ของเขา จากตัวเลือกการแปลมากมาย สาระสำคัญของการเล่นฮาร์ปซิคอร์ดนั้นแม่นยำที่สุด นอกเหนือจากด้านศิลปะและบทกวีแล้ว การแปลของเจียคอฟสกีเจียมเนื้อเจียมตัว:

เมื่อคุณ เพลงของฉัน กำลังเล่น
ตั้งปุ่มเหล่านี้ในการเคลื่อนไหว
และด้วยนิ้วของคุณลูบไล้เบา ๆ
ความสอดคล้องของสตริงทำให้เกิดความชื่นชม
แล้วมองดูกุญแจด้วยความอิจฉา
พวกเขายึดติดกับฝ่ามือของคุณอย่างไร
ปากไหม้และโหยหาการจุมพิต
พวกเขาดูอิจฉาในความกล้าหาญของพวกเขา
อา ถ้าจู่ๆ โชคชะตาก็เปลี่ยนไป
ฉันอยู่ในแถวของนักเต้นแห้งเหล่านี้!
ฉันดีใจที่มือของคุณเลื่อนเหนือพวกเขา -
ความไร้วิญญาณของพวกเขาได้รับพรมากกว่าริมฝีปากที่มีชีวิต
แต่ถ้าพวกเขามีความสุขก็
ปล่อยให้พวกเขาจูบนิ้วของพวกเขา ให้ฉันจูบริมฝีปากของพวกเขา

ฮาร์ปซิคอร์ดมีขนาดใหญ่ที่สุดและซับซ้อนที่สุดในบรรดาเครื่องสายคีย์บอร์ดที่ดึงออกมาทุกประเภท ใช้เป็นทั้งเครื่องดนตรีเดี่ยวและดนตรีประกอบ เป็นวงดนตรีที่ขาดไม่ได้ในดนตรีบาโรก แต่ก่อนที่จะพูดถึงบทเพลงอันยิ่งใหญ่สำหรับเครื่องดนตรีชิ้นนี้ จะต้องมีการอธิบายอย่างอื่นในการออกแบบ

บนฮาร์ปซิคอร์ด ทุกสี (เสียงต่ำ) และไดนามิก (นั่นคือ พลังของเสียง) เดิมทีผู้สร้างสรรค์ฮาร์ปซิคอร์ดแต่ละคนวางลงในเครื่องดนตรี ในส่วนนี้จะคล้ายกับอวัยวะในระดับหนึ่ง บนฮาร์ปซิคอร์ด คุณไม่สามารถเปลี่ยนเสียงโดยเปลี่ยนความแรงของคีย์ได้ สำหรับการเปรียบเทียบ: บนเปียโน ศิลปะการตีความทั้งหมดอยู่ในความสมบูรณ์ของการสัมผัส ซึ่งก็คือการกดหรือกดคีย์ด้วยวิธีต่างๆ

แผนภาพของกลไกฮาร์ปซิคอร์ด

ข้าว. แต่: 1. ลำต้น; 2. แดมเปอร์; 3. จัมเปอร์ (ดัน); 4. แถบลงทะเบียน; 5. กวาง;
6. จัมเปอร์เฟรม (ตัวดัน); 7. คีย์

ข้าว. B. จัมเปอร์ (ดัน): 1. แดมเปอร์; 2. สตริง; 3. ขน; 4. ลิ้น; 5. เสื้อคลุม; 6. ฤดูใบไม้ผลิ

แน่นอน มันขึ้นอยู่กับความไวของนักฮาร์ปซิคอร์ดที่เล่นว่าเครื่องดนตรีนั้นฟังดูเป็นเสียงดนตรีหรือ "เหมือนกระทะ" (โวลแตร์พูดคร่าวๆ) แต่ความแรงและโทนเสียงไม่ได้ขึ้นอยู่กับนักฮาร์ปซิคอร์ด เนื่องจากระหว่างนิ้วของนักฮาร์ปซิคอร์ดกับสายมีกลไกการส่งสัญญาณที่ซับซ้อนในรูปแบบของจัมเปอร์และขนนก อีกครั้งสำหรับการเปรียบเทียบ: บนเปียโน การกดปุ่มมีผลโดยตรงต่อการกระทำของค้อนที่กระทบกับสาย ขณะที่บนฮาร์ปซิคอร์ด ผลกระทบต่อขนนกจะเป็นผลทางอ้อม

ประวัติศาสตร์

ประวัติศาสตร์ยุคแรกๆ ของฮาร์ปซิคอร์ดนั้นย้อนกลับไปได้ไกลในสายหมอกแห่งกาลเวลา มันถูกกล่าวถึงครั้งแรกในบทความเรื่อง The Mirror of Music (1323) ของ John de Muris หนึ่งในการแสดงภาพฮาร์ปซิคอร์ดที่เก่าแก่ที่สุดใน Weimar Book of Wonders (1440)

เชื่อกันมานานแล้วว่าเครื่องดนตรีที่เก่าแก่ที่สุดที่ลงมาให้เราทำโดย Hieronymus of Bologna และลงวันที่ 1521 มันถูกเก็บไว้ในลอนดอนในพิพิธภัณฑ์ Victoria and Albert แต่เมื่อเร็ว ๆ นี้ได้มีการพิสูจน์แล้วว่ามีเครื่องดนตรีที่มีอายุมากกว่าหลายปี ซึ่งสร้างโดยปรมาจารย์ชาวอิตาลี - Vincentius จาก Livigimeno มันถูกนำเสนอต่อ Pope Leo X การผลิตเริ่มขึ้นตามคำจารึกในคดีเมื่อวันที่ 18 กันยายน ค.ศ. 1515

ฮาร์ปซิคอร์ด ไวมาร์หนังสือสิ่งมหัศจรรย์ 1440

เพื่อหลีกเลี่ยงความซ้ำซากจำเจของเสียง ปรมาจารย์ฮาร์ปซิคอร์ดซึ่งอยู่ในช่วงเริ่มต้นของการพัฒนาเครื่องดนตรีได้เริ่มจัดหาคีย์แต่ละคีย์ไม่ใช่สายเดียว แต่แน่นอนว่ามีสองโทนเสียงต่างกัน แต่ในไม่ช้ามันก็ชัดเจนว่า ด้วยเหตุผลทางเทคนิค สตริงมากกว่าสองชุดสำหรับคีย์บอร์ดเดียวไม่สามารถใช้งานได้ จึงเกิดความคิดที่จะเพิ่มจำนวนคีย์บอร์ด ภายในศตวรรษที่ 17 ฮาร์ปซิคอร์ดที่ร่ำรวยทางดนตรีมากที่สุดคือเครื่องดนตรีที่มีสองคีย์บอร์ด (กล่าวอีกนัยหนึ่งคือ คู่มือ จาก lat. มนัส- "มือ").

จากมุมมองทางดนตรี เครื่องดนตรีดังกล่าวเป็นวิธีที่ดีที่สุดในการแสดงละครบาโรกที่หลากหลาย ผลงานของฮาร์ปซิคอร์ดคลาสสิกหลายชิ้นถูกเขียนขึ้นโดยเฉพาะสำหรับเอฟเฟกต์ของการเล่นบนคีย์บอร์ดสองคีย์บอร์ด ตัวอย่างเช่น โซนาตาจำนวนหนึ่งโดย Domenico Scarlatti เอฟ คูเพอริน กำหนดไว้โดยเฉพาะในคำนำของคอลเลกชั่นที่ 3 ของฮาร์ปซิคอร์ด ที่เขานำมาวางเป็นท่อนๆ ที่เขาเรียกว่า “ครัวซองค์ชิ้น”(เล่นด้วยการไขว้ [มือ]) “ชิ้นที่มีชื่อดังกล่าว” นักแต่งเพลงกล่าวต่อ “ควรเล่นบนคีย์บอร์ดสองคีย์บอร์ด ซึ่งหนึ่งในนั้นควรจะมีเสียงอู้อี้เมื่อเปลี่ยนรีจิสเตอร์” สำหรับผู้ที่ไม่มีฮาร์ปซิคอร์ดแบบสองมือ Couperin จะให้คำแนะนำในการเล่นเครื่องดนตรีด้วยคีย์บอร์ดเพียงแป้นเดียว แต่ในหลายกรณี ความต้องการของฮาร์ปซิคอร์ดแบบสองมือเป็นเงื่อนไขที่ขาดไม่ได้สำหรับการแสดงองค์ประกอบทางศิลปะที่เต็มเปี่ยม ดังนั้น ในหน้าชื่อของคอลเลกชันที่มี "French Overture" และ "Italian Concerto" ที่มีชื่อเสียง Bach ระบุว่า: "สำหรับ clavichembalo ที่มีคู่มือสองเล่ม"

จากมุมมองของวิวัฒนาการของฮาร์ปซิคอร์ด คู่มือสองเล่มไม่มีข้อจำกัด: เรารู้ตัวอย่างของฮาร์ปซิคอร์ดที่มีคีย์บอร์ดสามตัว แม้ว่าเราจะไม่ทราบว่างานใดที่ต้องใช้เครื่องมือดังกล่าวอย่างเป็นหมวดหมู่สำหรับการแสดง แต่นี่เป็นเทคนิคทางเทคนิคของผู้ผลิตฮาร์ปซิคอร์ดแต่ละคน

ฮาร์ปซิคอร์ดในช่วงรุ่งเรืองอันรุ่งโรจน์ (ศตวรรษที่ XVII-XVIII) เล่นโดยนักดนตรีที่เป็นเจ้าของเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดทั้งหมดที่มีอยู่ในเวลานั้น ได้แก่ ออร์แกนและคลาวิคอร์ด (ดังนั้นจึงถูกเรียกว่า claviers)

ฮาร์ปซิคอร์ดไม่เพียงแต่สร้างขึ้นโดยผู้ผลิตฮาร์ปซิคอร์ดเท่านั้น แต่ยังสร้างโดยผู้สร้างอวัยวะด้วย และเป็นเรื่องธรรมดาที่จะใช้ในการสร้างฮาร์ปซิคอร์ดที่มีแนวคิดพื้นฐานบางอย่างที่ใช้กันอย่างแพร่หลายในการออกแบบอวัยวะ กล่าวอีกนัยหนึ่ง ผู้ผลิตฮาร์ปซิคอร์ดเดินตามเส้นทางของผู้สร้างอวัยวะในการขยายทรัพยากรการลงทะเบียนของเครื่องดนตรีของตน ถ้าในออร์แกนมีชุดท่อกระจายไปตามคู่มือมากขึ้นเรื่อย ๆ จากนั้นบนฮาร์ปซิคอร์ดก็เริ่มใช้ชุดสตริงจำนวนมากขึ้นและแจกจ่ายให้กับคู่มือด้วย ในด้านปริมาณ การลงทะเบียนฮาร์ปซิคอร์ดเหล่านี้ไม่ได้แตกต่างกันมากนัก แต่ในแง่ของเสียงต่ำนั้นค่อนข้างสำคัญ

หน้าชื่อเพลงชุดแรก
สำหรับพรหมจารี "พาร์เธเนีย"ลอนดอน. 1611

ดังนั้น นอกเหนือจากสตริงสองชุด (หนึ่งชุดสำหรับคีย์บอร์ดแต่ละอัน) ซึ่งฟังพร้อมกันและสอดคล้องกับความสูงที่บันทึกในโน้ต อาจมีรีจิสเตอร์สี่ฟุตและสิบหกฟุต (แม้แต่การกำหนดการลงทะเบียนก็ถูกยืมโดยผู้ผลิตฮาร์ปซิคอร์ดจากผู้สร้างอวัยวะ: ท่ออวัยวะต่างๆ ระบุเป็นฟุต และรีจิสเตอร์หลักที่สอดคล้องกับโน้ตดนตรีเรียกว่าแปดฟุต ในขณะที่ไปป์ที่ส่งเสียงที่สูงกว่าระดับอ็อกเทฟจะเรียกว่าสี่ฟุต ซึ่งเป็นอ็อกเทฟด้านล่าง - สิบหกฟุตตามลำดับ บนฮาร์ปซิคอร์ด ในลักษณะเดียวกัน รีจิสเตอร์ที่เกิดจากเซต สตริง.)

ดังนั้นช่วงของเสียงฮาร์ปซิคอร์ดคอนเสิร์ตขนาดใหญ่ในช่วงกลางศตวรรษที่สิบแปด ไม่เพียงแต่แคบกว่าเปียโนฟอร์ทเท่านั้น แต่ยังกว้างกว่าอีกด้วย และแม้ว่าโน้ตดนตรีของดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดจะดูมีพิสัยที่แคบกว่าดนตรีเปียโนก็ตาม

ดนตรี

ภายในศตวรรษที่ 18 ฮาร์ปซิคอร์ดได้รวบรวมเพลงที่ร่ำรวยผิดปกติ ในฐานะเครื่องมือชั้นสูงของชนชั้นสูง มันแพร่กระจายไปทั่วยุโรป โดยมีผู้ขอโทษที่ฉลาดที่สุดอยู่ทุกหนทุกแห่ง แต่ถ้าเราพูดถึงโรงเรียนที่แข็งแกร่งที่สุดของศตวรรษที่ 16 - ต้นศตวรรษที่ 17 ก่อนอื่นเราต้องตั้งชื่อสาวพรหมจารีชาวอังกฤษ

เราจะไม่บอกเล่าเรื่องราวของสาวพรหมจารีที่นี่ เราจะทราบเพียงว่านี่เป็นเครื่องดนตรีประเภทสายที่ดึงคีย์บอร์ด คล้ายกับเสียงของฮาร์ปซิคอร์ด เป็นที่น่าสังเกตว่าในการศึกษาประวัติศาสตร์ของฮาร์ปซิคอร์ดครั้งสุดท้ายครั้งสุดท้าย ( ก๊อตติค อีประวัติของฮาร์ปซิคอร์ด. บลูมิงตัน. พ.ศ. 2546) พรหมจารีและพิณ (อีกพันธุ์หนึ่ง) ได้รับการพิจารณาให้สอดคล้องกับวิวัฒนาการของฮาร์ปซิคอร์ดเอง

เกี่ยวกับชื่อของหญิงพรหมจารีเป็นที่น่าสังเกตว่านิรุกติศาสตร์ที่เสนอเป็นภาษาอังกฤษ บริสุทธิ์และต่อด้วยภาษาละติน ราศีกันย์นั่นคือ "พรหมจารี" เพราะเอลิซาเบธที่ 1 ราชินีสาวพรหมจารี ชอบเล่นพรหมจารี อันที่จริง สาวพรหมจารีปรากฏตัวต่อหน้าเอลิซาเบธด้วยซ้ำ ที่มาของคำว่า "virginel" นั้นถูกต้องกว่าที่จะนำจากคำภาษาละตินอื่น - virga("ไม้กายสิทธิ์") ซึ่งระบุถึงจัมเปอร์ตัวเดียวกัน

เป็นที่น่าสนใจว่าในการแกะสลักที่ประดับประดาเพลงฉบับพิมพ์ครั้งแรกสำหรับพรหมจารี ("พาร์เธเนีย") นักดนตรีถูกพรรณนาโดยสวมหน้ากากของสาวพรหมจารีคริสเตียน - เซนต์. คาซิเลีย. อย่างไรก็ตาม ชื่อของคอลเลกชันนี้มาจากภาษากรีก parthenosซึ่งหมายถึง "พรหมจารี"

การตกแต่งฉบับนี้เป็นการแกะสลักจากภาพวาดของศิลปินชาวดัตช์ Hendrik Goltzius “St. เซซิเลีย". อย่างไรก็ตามช่างแกะสลักไม่ได้สร้างภาพสะท้อนของภาพบนกระดานดังนั้นทั้งการแกะสลักและนักแสดงจึงกลับหัวกลับหาง - มือซ้ายของเธอพัฒนามากกว่ามือขวาซึ่งแน่นอนว่าไม่สามารถทำได้ เป็นสาวพรหมจารีในสมัยนั้น มีข้อผิดพลาดมากมายในการแกะสลักดังกล่าว สายตาของผู้ที่ไม่ใช่นักดนตรีไม่ได้สังเกตสิ่งนี้ แต่นักดนตรีเห็นความผิดพลาดของช่างแกะสลักทันที

หน้าที่ยอดเยี่ยมหลายหน้าเต็มไปด้วยความรู้สึกกระตือรือร้นทุ่มเทให้กับดนตรีของ Virginalists ชาวอังกฤษโดยผู้ก่อตั้งการฟื้นฟูฮาร์ปซิคอร์ดในศตวรรษที่ 20 นักเปียโนชาวโปแลนด์ที่ยอดเยี่ยม Wanda Landowska: “การหลั่งจากหัวใจมีค่ามากกว่าของเรา และหล่อเลี้ยงด้วยเพลงพื้นบ้าน ดนตรีอังกฤษแบบเก่า - ร้อนแรงหรือเงียบสงบ ไร้เดียงสาหรือน่าสมเพช - ร้องเพลงของธรรมชาติและความรัก เธอเชิดชูชีวิต หากเธอหันไปใช้เวทย์มนต์ เธอก็ถวายเกียรติแด่พระเจ้า เชี่ยวชาญอย่างไม่มีที่ติ ในเวลาเดียวกันก็เป็นธรรมชาติและกล้าหาญ มักจะดูทันสมัยกว่ารุ่นใหม่ล่าสุดและยิ่งใหญ่ที่สุด เปิดใจของคุณสู่เสน่ห์ของเพลงนี้โดยที่ไม่มีใครรู้จัก ลืมไปว่าเธอแก่แล้วและอย่าคิดว่าด้วยเหตุนี้เธอจึงขาดความรู้สึกของมนุษย์

บรรทัดเหล่านี้เขียนขึ้นเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 ตลอดศตวรรษที่ผ่านมา มีการดำเนินการหลายอย่างเพื่อเปิดเผยและชื่นชมมรดกทางดนตรีอันล้ำค่าของเหล่าสาวพรหมจารีอย่างครบถ้วน และชื่อเหล่านี้คืออะไร! นักแต่งเพลง William Bird และ John Bull, Martin Pearson และ Gil Farnaby, John Munday และ Thomas Morley...

มีการติดต่ออย่างใกล้ชิดระหว่างอังกฤษและเนเธอร์แลนด์ (ซึ่งสลักว่า "พาร์เธเนีย" เป็นพยานถึงเรื่องนี้แล้ว) ฮาร์ปซิคอร์ดและเวอร์จินเนลของปรมาจารย์ชาวดัตช์ โดยเฉพาะในราชวงศ์ Ruckers เป็นที่รู้จักกันดีในอังกฤษ ในเวลาเดียวกัน ในทางที่แปลก เนเธอร์แลนด์เองก็ไม่สามารถอวดถึงโรงเรียนการแต่งที่สดใสเช่นนี้ได้

ในทวีปนี้ โรงเรียนฮาร์ปซิคอร์ดดั้งเดิมเป็นภาษาอิตาลี ฝรั่งเศส และเยอรมัน เราจะพูดถึงตัวแทนหลักเพียงสามคนเท่านั้น - Francois Couperin, Domenico Scarlatti และ Johann Sebastian Bach

หนึ่งในสัญญาณที่ชัดเจนและชัดเจนของของขวัญจากนักประพันธ์เพลงที่โดดเด่น (ซึ่งเป็นความจริงสำหรับนักแต่งเพลงทุกยุคทุกสมัย) คือการพัฒนารูปแบบการแสดงออกเฉพาะตัวของเขาเองอย่างหมดจดและเป็นเอกลักษณ์ และจากมวลรวมของนักเขียนจำนวนนับไม่ถ้วน จะมีผู้สร้างที่แท้จริงไม่มากนัก ทั้งสามชื่อนี้เป็นของผู้สร้างอย่างแน่นอน แต่ละคนมีสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ของตัวเอง

Francois Couperin

Francois Couperin(1668–1733) - กวีฮาร์ปซิคอร์ดตัวจริง เขาอาจจะคิดว่าตัวเองเป็นคนที่มีความสุข: งานฮาร์ปซิคอร์ดทั้งหมด (หรือเกือบทั้งหมด) ของเขา นั่นคือสิ่งที่สร้างชื่อเสียงและความสำคัญระดับโลกของเขา ตีพิมพ์ด้วยตัวเองและจัดพิมพ์เป็นสี่เล่ม ดังนั้นเราจึงมีแนวคิดที่ละเอียดถี่ถ้วนเกี่ยวกับมรดกฮาร์ปซิคอร์ดของเขา ผู้เขียนบทเหล่านี้โชคดีที่ได้แสดงดนตรีบรรเลงฮาร์ปซิคอร์ดของคูเปอริงอย่างครบถ้วนในรายการคอนเสิร์ต 8 รายการ ซึ่งนำเสนอในงานเทศกาลดนตรีของเขาที่จัดขึ้นในกรุงมอสโก ภายใต้การดูแลของนายปิแอร์ โมเรล เอกอัครราชทูตฝรั่งเศสประจำรัสเซีย

ฉันขอโทษที่ไม่สามารถจูงมือผู้อ่านได้ พาเขาไปที่ฮาร์ปซิคอร์ดและเล่น เช่น French Masquerade ของ Couperin หรือ Domino Masks เสน่ห์และความสวยงามในตัวมันขนาดไหน! แต่จะมีความลึกทางจิตใจมากน้อยเพียงใดอีกด้วย ในที่นี้ หน้ากากแต่ละอันมีสีเฉพาะและ - ซึ่งสำคัญมาก - อักขระ คำพูดของผู้เขียนอธิบายภาพและสี มีมาสก์ทั้งหมด 12 แบบ (และสี) และมาสก์ปรากฏขึ้นตามลำดับ

ครั้งหนึ่งฉันเคยมีเหตุผลที่จะนึกถึงละครเรื่องนี้ของคูเปอริงเกี่ยวกับเรื่องราวเกี่ยวกับ “แบล็กสแควร์” โดยเค. มาเลวิช (ดูศิลปะ ฉบับที่ 18/2007) ความจริงก็คือโทนสีของ Couperin ที่เริ่มต้นด้วยสีขาว (รูปแบบแรกซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของความบริสุทธิ์) จบลงด้วยหน้ากากสีดำ (Fury หรือ Despair) ดังนั้น ผู้สร้างสองคนจากยุคต่าง ๆ และศิลปะที่แตกต่างกันจึงสร้างผลงานที่มีความหมายเชิงสัญลักษณ์อย่างลึกซึ้ง: สำหรับ Couperin วัฏจักรนี้เป็นสัญลักษณ์ของช่วงเวลาของชีวิตมนุษย์ - อายุของบุคคล (สิบสองสำหรับจำนวนเดือนแต่ละหกปี - นี่คือ อุปมานิทัศน์ที่รู้จักกันในสมัยบาโรก) เป็นผลให้ Couperin มีหน้ากากสีดำ Malevich มีสี่เหลี่ยมสีดำ ในทั้งสองลักษณะที่ปรากฏของสีดำเป็นผลมาจากการกระทำของกองกำลังมากมาย Malevich กล่าวอย่างตรงไปตรงมา: "ฉันคิดว่าสีขาวและดำมาจากสีและโทนสี" Couperin แนะนำเราให้รู้จักกับกลุ่มผลิตภัณฑ์ที่มีสีสันนี้

เป็นที่ชัดเจนว่า Couperin มีฮาร์ปซิคอร์ดที่น่าอัศจรรย์อยู่ในมือ ไม่น่าแปลกใจเลย เพราะเขาเป็นเปียโนฮาร์ปซิคอร์ดของหลุยส์ที่ 14 เครื่องดนตรีพร้อมเสียงสามารถถ่ายทอดความคิดของผู้แต่งได้อย่างลึกซึ้ง

โดเมนิโก สการ์ลัตติ(1685–1757). นักแต่งเพลงคนนี้มีสไตล์ที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง แต่เช่นเดียวกับ Couperin การเขียนด้วยลายมือที่แน่ชัดถือเป็นสัญญาณแรกและชัดเจนของอัจฉริยะ ชื่อนี้เชื่อมโยงกับฮาร์ปซิคอร์ดอย่างแยกไม่ออก แม้ว่า Domenico อายุยังน้อยของเขาจะเขียนเพลงที่แตกต่างกัน แต่ต่อมาเขาก็กลายเป็นที่รู้จักในฐานะผู้ประพันธ์โซนาตาฮาร์ปซิคอร์ดจำนวนมาก (555) จำนวนมาก สการ์ลัทติขยายความเป็นไปได้ในการแสดงของฮาร์ปซิคอร์ดเป็นพิเศษ นำเสนอขอบเขตอัจฉริยะที่ไม่เคยมีมาก่อนในเทคนิคในการเล่น

ความคล้ายคลึงกันของ Scarlatti ในประวัติศาสตร์ดนตรีเปียโนในภายหลังคืองานของ Franz Liszt ผู้ซึ่งศึกษาเทคนิคการแสดงของ Domenico Scarlatti โดยเฉพาะอย่างที่คุณทราบ (อย่างไรก็ตาม เนื่องจากเรากำลังพูดถึงความคล้ายคลึงกันของศิลปะเปียโน ดังนั้น Couperin จึงมีทายาทฝ่ายวิญญาณในแง่หนึ่ง - แน่นอนว่านี่คือ F. Chopin)

ในช่วงครึ่งหลังของชีวิต โดเมนีโก สการ์ลัตติ (เพื่อไม่ให้สับสนกับบิดาของเขา อเลสซานโดร สการ์ลัตติ นักแต่งเพลงโอเปร่าชื่อดังของอิตาลี) เป็นนักเปียโนในราชสำนักของราชินีมาเรีย บาร์บาราแห่งสเปน และโซนาตาส่วนใหญ่ของเขาเขียนขึ้นเพื่อเธอโดยเฉพาะ . เราสามารถสรุปได้อย่างปลอดภัยว่าเธอเป็นนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดที่ยอดเยี่ยม ถ้าเธอเล่นโซนาต้าทางเทคนิคที่สุดยอดเหล่านี้ในบางครั้ง

I. เวอร์เมียร์แห่งเดลฟท์ หญิงสาวที่สปิเน็ทตกลง. 1670. ของสะสมส่วนตัว

ในเรื่องนี้ ฉันจำจดหมายฉบับหนึ่ง (1977) ที่ฉันได้รับจากนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดชาวเช็กผู้โดดเด่น Zuzanna Ruzickova: “เรียน คุณไมคาปาร์! ฉันมีหนึ่งคำขอสำหรับคุณ อย่างที่คุณทราบ ตอนนี้มีความสนใจในฮาร์ปซิคอร์ดของแท้เป็นจำนวนมาก และมีการอภิปรายกันมากมายเกี่ยวกับเรื่องนี้ หนึ่งในเอกสารสำคัญในการอภิปรายเกี่ยวกับเครื่องมือเหล่านี้ที่เกี่ยวข้องกับ D. Scarlatti คือภาพวาด Vanloo ซึ่งแสดงให้เห็น Maria Barbara ของโปรตุเกสภรรยาของ Philip V. (Z. Ruzickova เข้าใจผิด - Maria Barbara เป็นภรรยาของ Ferdinand VI , ลูกชายของ Philip V. - เช้า.). Rafael Pouyana (นักเปียโนชาวฝรั่งเศสร่วมสมัยที่สำคัญ - เช้า.) เชื่อว่าภาพวาดนั้นถูกวาดขึ้นหลังจากการเสียชีวิตของ Maria Barbara ดังนั้นจึงไม่สามารถเป็นแหล่งประวัติศาสตร์ได้ ภาพวาดอยู่ในอาศรม มันจะสำคัญมากถ้าคุณส่งเอกสารเกี่ยวกับภาพวาดนี้มาให้ฉัน”

เศษส่วน 1768. อาศรม, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

ภาพวาดที่อ้างถึงในจดหมายคือ "Sextet" โดย L.M. แวนลู (1768)

อยู่ในอาศรมในห้องเก็บของของแผนกจิตรกรรมฝรั่งเศสแห่งศตวรรษที่สิบแปด ผู้ดูแลแผนก I.S. เมื่อ Nemilova ได้เรียนรู้เกี่ยวกับจุดประสงค์ของการเยี่ยมชมของฉันแล้ว ก็พาฉันไปที่ห้องขนาดใหญ่หรือค่อนข้างเป็นห้องโถงซึ่งมีภาพวาดที่ไม่ได้รวมอยู่ในนิทรรศการหลัก มีกี่งานที่น่าสนใจมากในแง่ของการยึดถือดนตรีซึ่งถูกเก็บไว้ที่นี่! เราส่งต่อเฟรมขนาดใหญ่ทีละภาพซึ่งมีการติดตั้งภาพวาด 10–15 ภาพและพิจารณาหัวข้อที่เราสนใจ และสุดท้าย "เซ็กเท็ต" แอล.เอ็ม. แวนลู.

ตามรายงานบางฉบับ ภาพวาดนี้แสดงให้เห็นพระราชินีมาเรีย บาร์บาราแห่งสเปน หากสมมติฐานนี้ได้รับการพิสูจน์แล้ว เราก็สามารถมีฮาร์ปซิคอร์ดที่เล่นโดยสการ์ลัตติเองได้! อะไรคือเหตุผลที่ควรจดจำในนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดที่ปรากฎในภาพเขียนของแวนลู มาเรีย บาร์บารา? อย่างแรก สำหรับฉัน ดูเหมือนว่าภายนอกมีความคล้ายคลึงกันระหว่างผู้หญิงที่ปรากฎที่นี่กับรูปคนที่มีชื่อเสียงของมาเรีย บาร์บารา ประการที่สอง Vanloo อาศัยอยู่ที่ราชสำนักของสเปนมาเป็นเวลานาน ดังนั้นจึงสามารถวาดภาพในหัวข้อจากชีวิตของราชินีได้เป็นอย่างดี ประการที่สามชื่ออื่นสำหรับภาพวาดยังเป็นที่รู้จัก - "Spanish Concerto" และประการที่สี่นักดนตรีต่างประเทศ (เช่น K. Zaks) เชื่อว่า Maria Barbara อยู่ในภาพวาด

แต่เนมิโลวาก็เหมือนกับราฟาเอล ปูยานา ที่สงสัยในสมมติฐานนี้ ภาพวาดถูกวาดในปี 1768 นั่นคือสิบสองปีหลังจากที่ศิลปินออกจากสเปนและสิบปีหลังจากการตายของมาเรียบาร์บาร่า ประวัติของคำสั่งของเธอเป็นที่รู้จัก: Catherine II ถ่ายทอดให้ Vanloo ผ่าน Prince Golitsyn ความปรารถนาที่จะมีภาพวาดโดยเขา งานนี้มาถึงเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กทันทีและถูกเก็บไว้ที่นี่ตลอดเวลา Golitsyn มอบให้ Catherine เป็น "คอนเสิร์ต" สำหรับชื่อ "Spanish Concerto" เครื่องแต่งกายของสเปนที่มีการแสดงตัวละครมีบทบาทในลักษณะที่ปรากฏและตามที่ Nemilova อธิบายไว้เหล่านี้เป็นเครื่องแต่งกายสำหรับการแสดงละครและไม่ใช่เครื่องแต่งกายที่เป็นแฟชั่น

W. Landowska

ในภาพ ฮาร์ปซิคอร์ดดึงดูดความสนใจ - เครื่องดนตรีสองมือที่มีลักษณะเฉพาะสำหรับครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 สีของคีย์ ส่วนด้านหลังของคีย์สมัยใหม่ (เปียโนที่เป็นสีดำจะเป็นสีขาวบนฮาร์ปซิคอร์ดนี้ และในทางกลับกัน) นอกจากนี้ ยังขาดแป้นเหยียบสำหรับเปลี่ยนเกียร์ แม้จะรู้อยู่แล้วในขณะนั้น การปรับปรุงนี้มีอยู่ในฮาร์ปซิคอร์ดแบบใช้มือคู่ที่ทันสมัยที่สุด ความจำเป็นในการเปลี่ยนรีจิสเตอร์ด้วยมือเป็นตัวกำหนดวิธีการเลือกการลงทะเบียนบนฮาร์ปซิคอร์ด

ในปัจจุบันมีการกำหนดทิศทางไว้อย่างชัดเจนในการฝึกปฏิบัติสองประการ: ผู้สนับสนุนคนแรกเชื่อว่าควรใช้ความเป็นไปได้ที่ทันสมัยทั้งหมดของเครื่องดนตรี (เช่นความคิดเห็นดังกล่าวได้รับการแบ่งปันโดย V. Landowska และ Zuzanna Ruzickova ) คนอื่นๆ เชื่อว่าเมื่อแสดงดนตรีโบราณด้วยฮาร์ปซิคอร์ดสมัยใหม่ เราไม่ควรไปไกลกว่าวิธีการแสดงเหล่านั้น โดยอิงจากสิ่งที่อาจารย์เก่าเขียนไว้ (ตามที่เออร์วิน บอดกิ, กุสตาฟ เลออนฮาร์ด, ราฟาเอล ปูยานาคนเดียวกันและคนอื่นๆ คิด)

เนื่องจากเราให้ความสำคัญกับภาพวาดของ Vanloo เป็นอย่างมาก เราจึงสังเกตเห็นว่าตัวศิลปินเองกลายเป็นตัวละครในภาพเหมือนดนตรี: ชิ้นส่วนฮาร์ปซิคอร์ดของนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสชื่อ Jacques Dufly ซึ่งเรียกว่า "Vanloo" .

โยฮันน์ เซบาสเตียน บาค

โยฮันน์ เซบาสเตียน บาค(1685–1750). มรดกฮาร์ปซิคอร์ดของเขามีค่ามาก ประสบการณ์ของฉันในการแสดงคอนเสิร์ต ทุกอย่างที่เขียนโดย Bach สำหรับเครื่องดนตรีชิ้นนี้เป็นเครื่องพิสูจน์ว่ามรดกของเขาเข้าได้กับโปรแกรมคอนเสิร์ตสิบห้า (!) ในเวลาเดียวกัน คอนแชร์โตสำหรับฮาร์ปซิคอร์ดและสายต้องถูกนับแยกกัน เช่นเดียวกับมวลของผลงานทั้งมวล ซึ่งคิดไม่ถึงหากไม่มีฮาร์ปซิคอร์ด

ควรตระหนักว่าสำหรับความเป็นเอกลักษณ์ของ Couperin และ Scarlatti แต่ละคนได้รับการปลูกฝังสไตล์เฉพาะตัว บาคเป็นสากล "คอนแชร์โต้อิตาลี" และ "French Overture" ที่กล่าวถึงแล้วเป็นตัวอย่างของการศึกษาดนตรีของโรงเรียนระดับชาติเหล่านี้ของบาค และนี่เป็นเพียงสองตัวอย่าง ในชื่อของพวกเขา สะท้อนให้เห็นถึงการรับรู้ของ Bach ที่นี่คุณสามารถเพิ่มวงจรของเขาของ "ห้องชุดฝรั่งเศส" อาจมีคนคาดเดาเกี่ยวกับอิทธิพลของอังกฤษในห้องสวีทภาษาอังกฤษของเขา และมีตัวอย่างดนตรีในสไตล์ที่แตกต่างกันกี่ตัวอย่างในผลงานของเขาที่ไม่ได้สะท้อนถึงสิ่งนี้ในชื่อของพวกเขา แต่รวมไว้ในเพลงด้วย! ไม่จำเป็นต้องพูดว่าประเพณีนักเล่นแร่แปรธาตุชาวเยอรมันของเขาแพร่หลายเพียงใดในงานของเขา

เราไม่รู้แน่ชัดว่าฮาร์ปซิคอร์ดตัวไหนที่บาคเล่น แต่เรารู้ว่าเขาสนใจนวัตกรรมทางเทคนิคทั้งหมด (รวมถึงออร์แกนด้วย) ความสนใจของเขาในการขยายความเป็นไปได้ในการแสดงของฮาร์ปซิคอร์ดและคีย์บอร์ดอื่นๆ แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนที่สุดโดยวงจรโหมโรงและฟิวก์ที่มีชื่อเสียงในทุกปุ่ม "The Well-Tempered Clavier"

บาคเป็นปรมาจารย์ที่แท้จริงของฮาร์ปซิคอร์ด I. Forkel ผู้เขียนชีวประวัติคนแรกของ Bach รายงาน: “ไม่มีใครสามารถแทนที่ขนนกที่ชำรุดบนฮาร์ปซิคอร์ดของเขาด้วยอันใหม่ได้ เพื่อให้เขาพอใจ - เขาทำเอง เขาปรับฮาร์ปซิคอร์ดด้วยตัวเขาเองเสมอ และมีทักษะในด้านนี้มากจนการจูนนั้นใช้เวลาไม่เกินหนึ่งในสี่ของชั่วโมง ด้วยวิธีการปรับจูน คีย์ทั้ง 24 ดอกอยู่ในมือของเขา และด้วยการแสดงด้นสด เขาได้ทำทุกอย่างที่เขาพอใจ

ในช่วงชีวิตของผู้สร้างสรรค์ดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดที่เก่งกาจ ฮาร์ปซิคอร์ดเริ่มเสื่อมถอย ในปี ค.ศ. 1747 เมื่อบาคไปเยี่ยมราชาแห่งปรัสเซียเฟรเดอริกมหาราชในพอทสดัมเขาได้ให้หัวข้อแก่เขาในการด้นสดและเห็นได้ชัดว่าบาคได้ด้นสดใน "เปียโน" แล้ว (นั่นคือชื่อของเครื่องดนตรีใหม่ในนั้น เวลา) - หนึ่งในสิบสี่หรือสิบห้าซึ่งเพื่อนของ Bach ออร์แกนชื่อดัง Gottfried Zilberman สร้างขึ้นเพื่อกษัตริย์ บาคยอมรับเสียงของมัน แม้ว่าก่อนหน้านั้นเขาจะไม่ชอบเปียโนก็ตาม

โมสาร์ทยังคงเขียนฮาร์ปซิคอร์ดให้กับฮาร์ปซิคอร์ดในวัยเด็กของเขา แต่แน่นอนว่างานเปียโนของเขาทั้งหมดมุ่งไปที่เปียโนฟอร์เต ผู้จัดพิมพ์งานแรกของเบโธเฟนระบุไว้ในหน้าชื่อเรื่องว่าโซนาตาของเขา (ลองคิดดูว่า แม้แต่เพลงพาเททีกซึ่งตีพิมพ์ในปี ค.ศ. 1799) มีไว้สำหรับ "ฮาร์ปซิคอร์ดหรือเปียโนฟอร์เต" ผู้จัดพิมพ์ใช้กลอุบาย: พวกเขาไม่ต้องการเสียลูกค้าที่มีฮาร์ปซิคอร์ดเก่า ๆ ในบ้านของพวกเขา แต่บ่อยครั้งที่ร่างกายยังคงอยู่จากฮาร์ปซิคอร์ดเท่านั้น: ฮาร์ปซิคอร์ด "การบรรจุ" ถูกเอาออกโดยไม่จำเป็น และแทนที่ด้วยฮาร์ปซิคอร์ดแบบใหม่ นั่นคือ เปียโน กลไก

คำถามเกิดขึ้น: เหตุใดเครื่องมือนี้ซึ่งมีประวัติศาสตร์อันยาวนานและมรดกทางศิลปะอันยาวนานเช่นนี้จึงอยู่ในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 ถูกขับออกจากการซ้อมดนตรีและแทนที่ด้วยเปียโน? และไม่ใช่แค่ถูกบังคับ แต่ถูกลืมไปโดยสิ้นเชิงในศตวรรษที่ 19? และท้ายที่สุด ก็ไม่สามารถพูดได้ว่าเมื่อกระบวนการเปลี่ยนฮาร์ปซิคอร์ดเริ่มต้นขึ้น เปียโนเป็นเครื่องดนตรีที่ดีที่สุดในแง่ของคุณภาพ ตรงกันข้ามเลย! คาร์ล ฟิลิปป์ เอมานูเอล บาค หนึ่งในบุตรชายคนโตของโยฮันน์ เซบาสเตียน เขียนคอนแชร์โตคู่ของเขาสำหรับฮาร์ปซิคอร์ดและเปียโนฟอร์เตร่วมกับวงออเคสตรา ซึ่งหมายถึงการแสดงข้อดีของฮาร์ปซิคอร์ดที่อยู่เหนือเปียโนโดยตรง

มีเพียงคำตอบเดียวเท่านั้น: ชัยชนะของเปียโนเหนือฮาร์ปซิคอร์ดเป็นไปได้ภายใต้เงื่อนไขของการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ในความชอบด้านสุนทรียศาสตร์ สุนทรียศาสตร์แบบบาโรกซึ่งมีพื้นฐานมาจากแนวคิดของทฤษฎีผลกระทบที่มีการกำหนดไว้อย่างชัดเจนหรือรู้สึกได้อย่างชัดเจน (โดยสังเขปสาระสำคัญ: อารมณ์เดียว ส่งผลกระทบ, - หนึ่งสีเสียง) ซึ่งฮาร์ปซิคอร์ดเป็นวิธีการแสดงออกในอุดมคติ หลีกทางให้กับโลกทัศน์ของอารมณ์อ่อนไหวก่อน จากนั้นไปสู่ทิศทางที่แข็งแกร่งกว่า - คลาสสิกและสุดท้ายคือแนวโรแมนติก ในรูปแบบเหล่านี้ทั้งหมดที่น่าสนใจและได้รับการฝึกฝนมากที่สุดคือความคิด ความเปลี่ยนแปลงได้- ความรู้สึก ภาพ อารมณ์ และเปียโนก็สามารถแสดงออกได้

เครื่องมือนี้ได้รับคันเหยียบที่มีความสามารถอันยอดเยี่ยมและสามารถสร้างการเพิ่มขึ้นและการตกต่ำได้อย่างน่าทึ่ง ( เครสเซนโดและ ดิมินูเอนโด). โดยหลักการแล้วฮาร์ปซิคอร์ดไม่สามารถทำทั้งหมดนี้ได้ เนื่องจากลักษณะเฉพาะของการออกแบบ

หยุดและจดจำช่วงเวลานี้เพื่อเริ่มต้นการสนทนาครั้งต่อไป - เกี่ยวกับเปียโนและโดยเฉพาะเกี่ยวกับคอนเสิร์ตใหญ่ แกรนด์เปียโนนั่นคือ "เครื่องดนตรีหลวง" ปรมาจารย์ที่แท้จริงของดนตรีโรแมนติกทั้งหมด

ในเรื่องราวของเรา ประวัติศาสตร์และความทันสมัยผสมกัน เนื่องจากวันนี้ฮาร์ปซิคอร์ดและเครื่องดนตรีอื่น ๆ ของตระกูลนี้กลายเป็นสิ่งที่พบเห็นได้ทั่วไปและเป็นที่ต้องการอย่างผิดปกติเนื่องจากความสนใจอย่างมากในดนตรีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและบาโรกนั่นคือเวลาที่พวกเขา ได้เกิดขึ้นและรอดพ้นจากวัยทอง

นักแต่งเพลงและศิลปะการแสดงเป็นแหล่งที่มาที่ไม่รู้จักเหนื่อยสองแหล่งที่หล่อเลี้ยงกันและกัน: มือของนักแสดงเติมเต็มความคิดของนักแต่งเพลงด้วยลมหายใจแห่งชีวิต และผู้สร้างเพลงได้รับแรงบันดาลใจจากทักษะของนักแสดง เช่นเดียวกับนักประพันธ์เพลงอื่น ๆ อีกหลายคน Sofia Asgatovna Gubaidulina ได้สร้างการประพันธ์ขึ้นมากมายโดยเน้นที่นักแสดงที่เฉพาะเจาะจง และหนึ่งในนักดนตรีเหล่านี้คือ Mark Ilyich Pekarsky ผู้ซึ่งอุทิศชีวิตให้กับเครื่องเคาะจังหวะ เขาไม่เพียง แต่เป็นนักแสดงที่โดดเด่นและเป็นผู้สร้างชุดเครื่องเคาะจังหวะ - Mark Ilyich เขียนบทความและหนังสือมากมายเกี่ยวกับเครื่องดนตรีประเภทนี้ซึ่งก่อตั้งชั้นเรียนเครื่องเคาะจังหวะที่ Moscow Conservatory

“ในกลอง คุณสามารถทำทุกอย่างที่ทำได้บนไวโอลิน บนเปียโน บนออร์แกน เพียงเล็กน้อยด้วยวิธีการอื่น แต่โดยหลักการแล้ว กลองสามารถสื่อได้ทั้งความสนุก ความทุกข์ และความเศร้า และ ความสุขและสิ่งที่คุณต้องการ” นักดนตรีกล่าว หนึ่งในคำยืนยันที่ดีที่สุดของแนวคิดนี้ถือได้ว่าเป็นเครื่องเพอร์คัชชันที่หลากหลายซึ่งสร้างขึ้นโดยชนชาติต่างๆ ในยุคต่างๆ เครื่องมือเหล่านี้จำนวนมากมีอยู่ในคอลเล็กชันพิเศษที่ประกอบโดย Pekarsky ความสง่างามนี้ช่วยไม่ได้ แต่สนใจ Gubaidulina - ท้ายที่สุด Sofia Asgatovna พยายามค้นหาเสียงใหม่เสมอแม้กระทั่งสำหรับเครื่องดนตรีสาธารณะของยุโรปที่เป็นที่รู้จักทั่วไปและเป็นที่รู้จักมากที่สุดและในกรณีนี้นักแต่งเพลงก็มีการกระจัดกระจายของเสียงต่ำที่ผิดปกติอย่างแท้จริง: crotali (ฉาบปอมเปี้ยน), ฉาบจีน, กลองเกาหลี the chang, ระฆัง bian-zhong Chinese ... แต่นักแต่งเพลงทำบางสิ่งที่แปลกกว่านั้น - เขารวม timbres เหล่านี้ซึ่งมาจากโลกลึกลับของตะวันออกกับยุโรปตะวันตก เครื่องมือ – ​​ฮาร์ปซิคอร์ด… ความขัดแย้งที่ไม่ละลายน้ำเกิดขึ้นกับการรวมกันของตะวันออกและตะวันตกเช่นนี้หรือไม่? โซเฟีย กูไบดูลินาไม่คิดอย่างนั้น - เธอเชื่อมั่นว่าเครื่องดนตรีตะวันออก "เมื่อรวมกับฮาร์ปซิคอร์ดจะสูญเสียความแตกต่างทางภูมิศาสตร์ในท้องถิ่นและรวมอยู่ในประเภทการทำดนตรีทั่วไปมากขึ้น ซึ่งคุณสมบัติของเสียงต่ำทั้งหมดมักจะมาบรรจบกัน"

"การสร้างสายสัมพันธ์" ดังกล่าวทำให้เกิดวงดนตรีที่กลมกลืนกันอย่างน่าประหลาดใจในงานของ Gubaidulina ซึ่งฟังยากจะเชื่อว่าเครื่องมือที่ประกอบขึ้นมาจากส่วนต่าง ๆ ของโลกและยุค - พวกเขา "พูด" ภาษาเดียวกันอย่างแท้จริง . .. ใช่! ในงานมีหัวข้อง่ายๆ ว่า - "ดนตรีสำหรับฮาร์ปซิคอร์ดและเครื่องเพอร์คัชชันจากคอลเล็กชันของ Mark Pekarsky" - "สุนทรพจน์ทางดนตรี" ปรากฏขึ้นพร้อมกับ "หน่วยเสียง" (เสียงพูด) ที่ประกอบเป็น "คำ" ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่เดิมที Sofia Asgatovna วางแผนที่จะให้งานนี้ชื่ออื่น - "Logogryph" นี่คือชื่อของเกมคำศัพท์ที่ตัวอักษรทีละตัวอักษรค่อยๆ ลบออกจากคำที่กำหนดและคำใหม่ปรากฏขึ้น (เช่น “ต้นทาง - อ่าง - ปัจจุบัน”) นักแต่งเพลงทำสิ่งที่คล้ายกันด้วยคอมเพล็กซ์เสียง ตัวอย่างเช่น ในช่วงเริ่มต้นของงาน มีฉาบจีนคล้ายคลื่น เข้าที่ความสูงต่างกัน แล้วจึงค่อย "ปิด" - "การทำให้หนาแน่น" ของผ้าดนตรีตามด้วย " หายาก”. ใน "เกม" เสียงอันน่าทึ่งนี้ ระดับเสียงไม่ได้มาจากด้านหน้ามากนัก แต่เป็นลักษณะของเสียงต่ำ (เทคนิคทางดนตรีนี้เรียกว่าโซโนริก) ดนตรี "logryphs" กลายเป็นพื้นฐานสำหรับการสร้างแบบฟอร์ม ในส่วนแรก ชุดของ "คำ" ทางดนตรีแปดชุดถูกสร้างขึ้นด้วยจำนวนเสียงที่เพิ่มขึ้นทีละน้อย และในส่วนการบรรเลง คอมเพล็กซ์เสียงเดียวกันจะถูกสร้างขึ้นในลำดับที่แตกต่างกัน: ไม่มี "การสะท้อนของกระจก" ที่แน่นอนใน กรณีนี้ แต่มีแนวโน้มทั่วไปที่จะลดลงอย่างค่อยเป็นค่อยไป เราสามารถสังเกตการรวมกันของทิศทางการพัฒนาที่ตรงกันข้ามไม่เพียง แต่ในรูปแบบของส่วนที่แยกจากกัน แต่ยังอยู่ในอัตราส่วนของส่วนต่าง ๆ ของงาน: ส่วนแรกมุ่งไปที่การลงทะเบียนสูงเป็นหลัก ส่วนที่สอง - ไปที่ต่ำ

ความประทับใจของ "เกมทางปัญญา" ไม่ได้สร้างขึ้นโดย "อัตราส่วนทางคณิตศาสตร์" ที่กลมกลืนกันเท่านั้น แต่ยังเกิดจากการใช้คำพูดทางดนตรีด้วย ในการเคลื่อนไหวครั้งแรก โน้ตสั้น ๆ สามโน้ต แต่จำได้จากเพลง C minor waltz ปรากฏขึ้น เช่นเดียวกับเศษเล็กเศษน้อยจาก G minor fugue จากเล่มแรกของ Johann Sebastian Bach ลักษณะของคำพูดทั้งสองเปลี่ยนไปอย่างน่าประหลาด: ลวดลายจากเพลงวอลทซ์ของโชแปงปรากฏอยู่ในกุญแจที่ห่างไกลจากต้นฉบับ (B-flat minor) ที่อธิบายโดย bian-zhun และฉาบปอมเปอี ต้นแบบจากความทรงจำของ Bach ดำเนินการโดย chang (แม้ว่าภายหลังจะฟังดูเป็นการนำเสนอแบบ "ดั้งเดิม" มากกว่า - ที่ฮาร์ปซิคอร์ด แต่โครงร่างของมันเปลี่ยนไปในลักษณะที่เสียงเท็จเกิดขึ้น)

“ดนตรีสำหรับฮาร์ปซิคอร์ดและเครื่องเพอร์คัชชัน” โดย Sofia Gubaidulina เป็นเกมที่มีความซับซ้อนทางจิตใจ แต่คงจะเป็นการผิดพลาดหากจะเรียกสิ่งนี้ว่าผลิตภัณฑ์ของ “เหตุผลที่เยือกเย็น” ในการเล่นเสียงต่ำ แรงจูงใจสั้นๆ และความซับซ้อนของเสียง เรารู้สึกถึง "การหายใจ" ของอารมณ์ที่มีชีวิตชีวา

สงวนลิขสิทธิ์. ห้ามคัดลอก