Ang simula ng ika-20 siglo ay minarkahan ng isang nostalhik na "pagbabalik" sa Rococo aesthetics, sa mga larawan ng mga panahon ni Louis XIV, sa magiting na panahon na tuluyang nawala. Ito ay dahil sa likas na pagnanais ng isang tao (at, higit sa lahat, ng isang artista) na makahanap sa mga kaakit-akit na mga pintura ng nakaraang kapayapaan mula sa patuloy na pagbilis ng ritmo ng buhay.

Sa Russia, sa panahon ng Rococo, ang pagpipinta ng uri ng Europa ay lumitaw lamang sa unang pagkakataon, na pinapalitan ang sarili nitong tradisyon ng Russia, ang pagpipinta ng icon. Ang mga uso sa Rococo ay kumalat lalo na nang malakas sa kalagitnaan ng ika-18 siglo. Sa Russia, gayunpaman, ang direksyon na ito ay nakakuha ng higit sa isang makitid na nakatutok na karakter at nababahala lamang sa St. Petersburg. Matatanggap ni Rococo ang buong pagpapahayag nito sa ibang pagkakataon: sa mga unang gawa ng Rokotov, sa Smolnyanka ni Levitsky. Representativeness (ang pagsusulatan ng mga katangian ng sample sa mga katangian ng populasyon o ng pangkalahatang populasyon sa kabuuan.) Ay pinalitan ng pagpapalagayang-loob, katangi-tanging decorativeness, kakaibang paglalaro ng mga anyo.

Ang mga pangunahing tema ng pagpipinta ng Rococo ay ang pinong buhay ng aristokrasya ng korte, "magiting na kasiyahan", ang mundo ng mga kumplikadong intriga sa pag-ibig. Ang mga plot ng pagpipinta ay pag-ibig lamang, erotiko, ang kulto ng sensuality, light love (Walang seryosong hilig).

Ang Rococo art ay isang mundo ng fiction at intimate na mga karanasan, pandekorasyon na theatricality, sopistikado, sopistikadong sopistikado, walang lugar para sa kabayanihan at kalungkutan dito - pinalitan sila ng isang laro ng pag-ibig, pantasya, kaibig-ibig na mga trinket. Ang mabigat at kalunus-lunos na solemnidad ng Baroque ay pinapalitan ng marupok na dekorasyon ng silid. Ang slogan ng maikli, panandaliang "siglo" ng Rococo ay "sining bilang isang kasiyahan", ang layunin nito ay upang pukawin ang liwanag, kaaya-ayang mga damdamin, upang aliwin, haplos ang mata na may kakaibang pattern ng mga linya, katangi-tanging kumbinasyon. ng mga magaan na eleganteng kulay, na kung saan ay lalo na ipinahayag sa dekorasyon ng arkitektura ng mga interior, na may mga bagong kinakailangan kung saan nabuo din ang pagpipinta ng Rococo. Ang Rococo ay nailalarawan sa pamamagitan ng hedonistic moods, withdrawal sa mundo ng ilusyon at idyllic theatrical play, addiction sa idyllic - pastoral at sensually erotic plot. Ang mga artista ng Rococo ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang banayad na kultura ng kulay, ang kakayahang bumuo ng isang komposisyon na may mga solidong pandekorasyon na mga spot, ang pagkamit ng isang pangkalahatang liwanag, na binibigyang diin ng isang light palette, isang kagustuhan para sa kupas, kulay-pilak-asul na kulay, ginto at kulay-rosas na lilim. Kasabay ng pag-unlad ng Rococo painting, ang papel ng makatotohanang direksyon ay tumaas; Ang portrait, still life, genre, landscape ay umabot sa kanilang kalakasan.

Rococo aesthetics - ang aesthetics ng mga nuances at mga pahiwatig. Sa paglalarawan ng isang tao, mas mahirap kaysa dati na makuha ang paglipat mula sa sikolohikal na kahinahunan ng pagtingin sa modelo patungo sa kapaki-pakinabang na pagtatago ng ilang mga tampok, mula sa tunay na mukha hanggang sa sekular na maskara, mula sa buhay hanggang sa papel at vice versa. Ang isang tiyak na nakakaintriga na duality ng imahe ay isang pangunahing tampok ng maraming mga portrait ng panahon. At isa pang mahalagang punto, muling nauugnay sa pagsisimula ng laro. Ang mga bayani ng portrait gallery noong ika-18 siglo ay may hilig na makipag-usap sa manonood at hikayatin siyang tumugon. Likas sa larawan ayon sa likas na katangian ng genre, ang kalidad na ito ay nakakakuha na ngayon ng bago, banayad na mga detalye. Isang kalahating pagliko, isang magaan na kilos, isang bahagyang kapansin-pansin na paggalaw ng mukha, isang kalahating ngiti, isang uri ng malabong tingin o isang mamasa-masa na kinang sa mga mata - ang mga larawan ng mga kinatawan ng "gallant" na edad ay hinabi mula sa naturang mga gradasyon.

Ang gallant age - ito ang tawag sa panahon ng Rococo. Sa pangkalahatan, ang salitang "gallant", ayon sa lumang magalang na tradisyon, ay hinarap sa isang magalang, magalang, magiliw na tao, na nauugnay sa maharlika at disente; sa parehong oras, siya ay resorted sa pagdating sa mga bayani at pangunahing tauhang babae ng pag-ibig affairs (sa kolokyal na kasanayan - isang kasintahan, red tape). Sa pagtatapos ng ika-18 siglo, isang kakaibang konsepto ng katapangan ang binuo, na nagsasaad hindi lamang ng isang makitid na saklaw ng pinong pag-uugali, ngunit, sa mas malawak, isang istilo at paraan ng pamumuhay batay sa sining ng pagiging kaaya-aya.

Ang pangingibabaw ng "gallant" na siglo ay bumagsak sa mga 1715 hanggang 1750s, sa ilang mga mapagkukunan ang panahong ito ay pinalawig hanggang sa simula ng Great French Revolution. Ang pangunahing tampok ng magiting na edad ay ang paglilinang ng kasiyahan bilang pangunahing prinsipyo ng buhay. Ang katapangan ay ang batayan ng relasyon sa pagitan ng isang lalaki at isang babae mula sa isang aristokratikong kapaligiran. Gayundin sa oras na iyon, ang isang babae ay ipinahayag na isang "diyosa", "ang pinuno ng mga kaisipan", ang kanyang mga kapritso ay natupad, ang mga pista opisyal ay ibinigay sa kanyang karangalan at sa parehong oras siya ay ginamit bilang isang bagay para sa kasiyahan. Kaya tinatawag namin ang kulto ng Magandang Ginang nang hindi gumaganap ng anumang mga gawa sa kanyang karangalan. Ito ay itinuturing na magandang anyo upang panatilihin ang paborito, upang magbigay ng mga bola, konsiyerto at pagbabalatkayo sa kanyang karangalan. Ang batayan ng magiting na relasyon ay pinong pang-aakit, na kadalasang hindi lumalampas sa mga hangganan ng pagiging disente. Para sa mga layuning ito, nagkaroon ng isang espesyal na sistema ng komunikasyon: ang wika ng mga tagahanga, ang wika ng mga langaw, at ang wika ng mga bulaklak.

Sa Gallant Epoch, mayroon ding orihinal na kultura ng pagbabalatkayo na wala nang kinalaman sa ritwal na karnabal ng unang panahon at sa Middle Ages. Ang Gallant Age ay nailalarawan sa pamamagitan ng pag-ibig sa pagbibihis. Maraming mga dula at comic opera noong panahong iyon ang naglalaro ng sumusunod na sitwasyon: ang isang batang babae ay nagbabago sa isang kamisole, ang isang binata ay "naging" isang babae.

Sa batayan ng panahong ito, nabuo ang ganitong genre bilang isang galanteng eksena sa visual at decorative arts.

Ang lugar ng kapanganakan ng galanteng genre ay France, kung saan nagmula ito sa unang quarter ng ika-18 siglo (1710 - 1720). Ang dahilan ng paglitaw nito ay ang pagbabago sa buhay panlipunan pagkatapos ng kamatayan ni Louis XIV at ang pag-akyat ni Philip II ng Orleans, rehente ng Louis XV. Ang mga huling taon ng paghahari ni Louis XIV ay minarkahan ng pagtanggi sa lahat ng uri ng kasiyahan, pagkukunwari, kalubhaan at pagiging disente, pagpigil sa fashion. Sa pagdating ng Duke ng Orleans, ang buhay sa korte ay nagbago nang malaki, walang natitira sa mga panahon ng dating hari: ang aristokrasya ng Pransya ay bumagsak ng isang alon ng kawalang-galang, kabaliwan at karangyaan.

Isang radikal na pagbabago sa kamalayan ng maharlikang korte at nag-ambag sa pagbuo ng isang bagong genre - ang magiting na eksena, na nagpapakita ng kalokohan at walang layunin na libangan ng mga tao mula sa mataas na lipunan.

Mga tampok ng magagaling na istilo

Palaging inilalarawan ng isang magiting na eksena ang kaswal na komunikasyon ng dalawa o higit pang mga tao sa backdrop ng isang kaakit-akit at hindi kapani-paniwalang magandang tanawin. Pwedeng usapan, flirt, laro, lakad, sayaw. Ang mga bayani ng mga kuwadro na gawa, tulad ng kalikasan, laban sa background kung saan ang hindi nagmamadaling pagkilos, ay palaging maganda at magkakasuwato (mula sa punto ng view ng mga customer ng "gallant scenes" - ang mga aristokrata).

Para sa mga layuning ito, ang istilong Rococo na lumitaw nang eksakto sa panahon ng Regency - mannered, whimsical at mahangin na liwanag - ang pinakaangkop.

Ang mga bayani ng mga pagpipinta, bilang isang panuntunan, ay walang tunay na mga prototype: hindi ito mga larawan ng mga partikular na tao, ngunit kaakit-akit lamang na mga extra ng "gallant celebration". Ang galanteng eksena ay walang tiyak na balangkas, iyon ay, ang aksyon sa pag-unlad nito. Ang pangunahing prinsipyo ng mga masters ng magiting na eksena ay ang imahe ng perpektong magagandang tao sa isang kapaligiran ng matahimik at ganap na kaligayahan. Maging ang pagkabalisa o bahagyang displeasure sa mga magagaling na eksena ay nagmumukhang pakunwari at peke. Minsan ang tinatawag na mga pastoral ay tinutukoy din bilang magagaling na mga eksena - ang tema ng "pag-ibig ng pastol": ang matatalinong pastol ay kumukuha ng panliligaw mula sa parehong pinong pastol.

Ang walang pakana na ito, tulad ng pagpapaganda ng kalikasan, ay binatikos nang husto ng mga pilosopo ng Enlightenment.

Isinulat ni Denis Diderot na ang mga "gallant" na mga painting ni Francois Boucher ay matikas, gayunpaman, mapanlinlang at walang lasa, at naniniwala si Marmontel na "Hindi nakita ni Boucher ang tunay na biyaya."

Ang isa pang tampok ng magiting na eksena ay kawalang-galang, erotisismo, na likas hindi lamang sa sining, kundi pati na rin sa maharlikang pananaw ng Gallant Age.

Kabilang sa mga artistang nagtrabaho sa genre na ito sina Francois Boucher, Antoine Watteau, Jean Honore Fragonard, Maurice Quentin de Latour.

Kung tungkol sa mga artista ng Russia, kabilang dito ang "mga mundo ng mundo" - Konstantin Somov, Eugene Lansere at Alexander Benois, na lumikha ng isang kamangha-manghang at, sa parehong oras, isang malungkot na imahe ng Gallant Age. Sa kanilang mga pagpipinta, mararamdaman ang kalungkutan ng mga taong nakakaalam ng kapalaran ni Marie Antoinette at ng kanyang mga sopistikadong courtier. Ang serye ng Versailles ni Benoit, Somov's Book of the Marquise, ang retrospective stylization works ni Lanceray ay hindi itinuloy ang gawain ng muling pagtatayo ng nakaraan - ito ay isang ika-20 siglong pananaw ng tao sa maliwanag at walang pakialam na mundo ng mga bola at pag-ibig na mga pagpipinta ng "World of Artists" magbigay ng isang napaka-idealized na view ng panahon, ngunit mula dito hindi sila nagiging mas makabuluhan para sa sining.

Ang ideya ng mga makatwirang batas ng mundo, kagandahan ng kalikasan, mga mithiin sa moral

Layunin na pagmuni-muni ng nakapaligid na mundo

Nagsusumikap para sa makatwirang kalinawan ng pagkakaisa, mahigpit na pagiging simple

Ang pagbuo ng aesthetic na lasa

Pagpigil at kalmado sa pagpapahayag ng damdamin

Rasyonalismo at pagkakapare-pareho sa mga aksyon

Si Rococo ay..

estilo sa sining ng ika-18 siglo, isang katangian na katangian kung saan ay isang pagkahilig para sa mga sopistikado at kumplikadong mga anyo, mga kakaibang linya na kahawig ng silweta ng isang shell.

43. Si Rockyle ay …… ang pangunahing elemento ng dekorasyon ng estilo ng Rococo, na nakapagpapaalaala sa kulot na hugis ng isang shell at kakaibang mga halaman.

44. Ang Mascaron ay…. view ng sculptural decoration ng isang gusali sa anyo ng ulo ng tao o hayop buong mukha

45. Ang Sentimentalismo ay ... ang trend na ito sa panitikan at sining ng ikalawang kalahati ng ika-18 siglo, na nailalarawan sa pamamagitan ng pagtaas ng interes sa damdamin ng tao at emosyonal na saloobin sa mundo sa paligid natin, kung saan ang pag-ibig sa tao at kalikasan ay nasa unang lugar.

Alin sa mga natatanging istrukturang arkitektura ng klasisismo ang tinatawag na "Kamangha-manghang panaginip"

Ang tirahan ng mga haring Pranses sa labas ng Paris ay ang Palasyo ng Versailles.

47. Mga prinsipyo ng pagpaplanong panglunsod sa panahon ng klasisismo:

Paglikha ng isang perpektong lungsod na may mga gusali na ginawa ayon sa iisang plano. Ang urban ensemble ay idinisenyo sa anyo ng isang parisukat o parihaba sa plano. Ang isang mahigpit na regular na hugis-parihaba o radial na sistema ng singsing ng mga kalye na may isang plaza ng lungsod sa gitna ay pinlano sa loob ng mga ito.

48. Bakit tinawag na tugatog ng klasisismo sa pagpipinta ang akda ni N. Poussin?

N. Poussin - ang nagtatag ng istilong klasiko. Sa pagbabalik sa mga tema ng sinaunang mitolohiya, sinaunang kasaysayan, ang Bibliya, inihayag ni Poussin ang mga tema ng kanyang kontemporaryong panahon. Sa kanyang mga gawa, pinalaki niya ang isang perpektong personalidad, na nagpapakita at umawit ng mga halimbawa ng mataas na moralidad, civic valor.

N. Poussin

49. Ano ang nagbubuklod sa mga pinakadakilang panginoon "Gallant genre"- A. Watteau at F. Boucher

Isang mundo ng kumplikadong pag-iibigan at buhay laban sa backdrop ng malinis na kalikasan.

Pangalanan ang mga kompositor ng Vienna Classicism.

A - Joseph Haydn, B - Wolfgang Mozart, C - Ludwig van Beethoven

A B C

51. Ang symphony ay ...(consonance) gumagana para sa symphony orchestra, na binubuo ng 4 na bahagi, kung saan ang una at huling mga bahagi ay may parehong mga susi, at ang mga gitna ay nakasulat sa mga susi na nauugnay sa pangunahing, na tinutukoy ng

Marahil, sa bawat istilo at genre ng fine art, maaari mong pangalanan ang mga kinatawan nito na kanilang personipikasyon. Kaya, halimbawa, sa pagpipinta ng Renaissance, Michelangelo at Raphael na tagumpay, sa baroque - Peter Paul Rubens, sa modernong - Gustav Klimt at Alphonse Mucha. At kung pinag-uusapan natin ang tungkol sa pinong sining ng Rococo, kung gayon una sa lahat ang mga pangalan ng mga masters tulad ng Antoine VATTO at François Boucher ay naiisip.

Antoine VATTO

Francois Boucher

Ang post na ito ay nakatuon sa pagpipinta ng Rococo at ang pinakasikat na mga master ng istilong ito, na inirerekomenda ko sa lahat ng mga mahilig sa sining. Ang mga pangunahing tema ng pagpipinta ng Rococo ay ang pinong buhay ng aristokrasya ng korte, "magiting na kasiyahan", mga idyllic na larawan ng buhay ng "pastol" laban sa background ng malinis na kalikasan (ang tinatawag na pastoral na pagpipinta. nagkunwaring paggunita sa hindi malilimutang Ostap Bender noong siya nakilala ang archivist na si Korobeinikov?), ang mundo ng kumplikadong mga intriga sa pag-ibig at mapanlikhang mga alegorya.

Ang buhay ng tao ay maikli at panandalian, kaya kailangan mong abutin ang "masayang sandali", magmadali at pakiramdam, - napakaraming aristokrata ng Pransya noong ika-18 siglo ang naniwala, malayo sa mga ideya ng mga pilosopo ng Enlightenment, na nagpalapit sa nangyari sa 1789. Dahil sa hedonismo at epicureanism, hindi nila nagawang mag-alok ng halos anumang pagtutol sa rebolusyonaryong alon na tinangay pareho sila at ang mundo ng "pinong kasiyahan" na pamilyar sa kanila. At hindi nagkataon na pagkatapos ng Rebolusyong Pranses noong 1789 at ang takot sa Jacobin, muling umikot ang sining, bilang isang resulta kung saan lumitaw ang gayong istilo tulad ng istilo ng Imperyo.

Siyanga pala, hindi ba halata ang ilang mga pagkakatulad sa kasaysayan?

Sa nakaraang post tungkol sa istilong Rococo, isinulat ko na na higit sa isang siglo mamaya, ang Art Nouveau ay maaaring ituring na kahalili nito. Ang pambihirang katanyagan ng Art Nouveau sa Russia sa simula ng ika-20 siglo sa lahat: mula sa arkitektura at sining hanggang sa panitikan at fashion, ay higit na ipinaliwanag ng parehong hedonismo, sa oras na ito ng aristokrasya at intelihente ng Russia (pagkatapos ng lahat, ika-20 siglo, hindi ang ika-18). Bilang karagdagan dito, mayroon ding pagkabulok, na napaka-sunod sa mga kabataan ng Russia sa simula ng ikadalawampu siglo. Ang makata na si M. Kuzmin, na niluluwalhati sa Russia sa simula ng huling siglo "ang diwa ng mainam at maaliwalas na maliliit na bagay", ay tiyak na nasa parehong semantikong alon kasama ang paborito ni Louis XV, ang Marquise Pompadour, na nagpahayag: " Pagkatapos natin, kahit baha."

Tulad ng alam mo, ang "baha" na ito ay hindi naghintay para sa alinman sa pre-revolutionary France o pre-revolutionary Russia. At ang katotohanan na sa wakas sa USSR, pagkatapos ng mga eksperimento sa constructivism sa diwa ng Corbusier, ang isang mahalagang eclectic na estilo na tinatawag na "Stalinist Empire" ay nagtagumpay, ay nagsasabi rin ng marami (bagaman, siyempre, kung ano ang tinatawag na "Stalinist Empire", may arkitektura punto ng view, hindi masyadong Empire).

Gayunpaman, medyo dinala ako nito sa paralelismo sa kultura at kasaysayan. Bumalik tayo sa pagpipinta ng Rococo, iyon ay, noong ika-18 siglo.

Para sa karamihan ng mga pintor ng Rococo, Venus, Diana, nymphs at cupids outshine lahat ng iba pang mga diyos ng sinaunang mitolohiya, hindi sa banggitin ang mga paksang Kristiyano, na ganap na hindi pinapansin. Ang lahat ng uri ng "ligo", "mga banyo sa umaga" at mga instant na kasiyahan ay halos ang pangunahing paksa ng imahe.

Ang mga kakaibang pangalan ng mga bulaklak ay nauuso: "ang kulay ng hita ng isang takot na nimpa" (laman), "ang kulay ng rosas na lumulutang sa gatas" (maputlang rosas), "kulay ng nawawalang oras" (asul), atbp Ang pinag-isipang mabuti, matatag na mga komposisyon ng klasisismo ay nagbibigay daan sa isang elegante at sopistikadong pattern.

Antoine VATTO (1684 - 1721) tinawag siya ng mga kontemporaryo na "ang makata ng walang malasakit na paglilibang", "ang mang-aawit ng biyaya at kagandahan." Sa kanyang mga gawa, nakunan niya ang mga piknik sa mga evergreen na parke, musika at theatrical na konsiyerto sa dibdib ng kalikasan, madamdamin na pagtatapat at pag-aaway ng mga magkasintahan, idyllic date, bola at pagbabalatkayo. Kasabay nito, mayroong isang masakit na kalungkutan sa kanyang mga pintura, isang pakiramdam ng transience ng kagandahan at ang ephemerality ng kung ano ang nangyayari.

Ngunit ang pagpipinta na ito ni Antoine Watteau, na nilikha noong 1720 bilang tanda para sa mga pagtatanghal ng mga itinerant na komedyante, ay ang kanyang tunay na obra maestra. Ito ay tinatawag na "Gilles".

Si Gilles ay isa sa mga pangunahing tauhan sa French comedy of masks, kaayon ng Pierrot, ang bayani ng Italian commedia dell'arte. Isang clumsy, walang muwang na nilalang, na parang espesyal na nilikha para sa patuloy na pangungutya at panlilinlang ng magaling at tusong Harlequin. Sa nakakatawang pose ng komedyante, naliligaw at hindi kumikibo sa harap ng madla, mararamdaman ang walang kwentang paghahanap niya ng kausap na kayang makinig at umintindi sa kanya. Ngunit walang kabuluhan. Sa pagod at malungkot na hitsura ng payaso, ang pag-iisip ng kalungkutan ng isang lalaking pinilit na pasayahin at aliwin ang isang naiinip na madla. Sa larawang ito, tila sinubukan ni Antoine Watteau na lampasan ang hedonistikong moral na namamayani sa modernong lipunan, na siyang kadakilaan ng kanyang talento.

"Gilles" - ang pangunahing obra maestra ni Antoine Watteau, na namatay sa edad na 36, ​​ay isinulat niya sa ilang sandali bago siya namatay. Sa tingin ko hindi na kailangang magkomento tungkol dito.

Francois Boucher (1703 - 1770) itinuturing ang kanyang sarili na isang tapat na estudyante ni Antoine Watteau. Tinawag siya ng ilan na "pintor ng mga grasya", "Anacreon ng pagpipinta", "royal na pintor". Ang pangalawa ay nakita sa kanya "isang artista - isang mapagkunwari", "na may lahat maliban sa katotohanan." Ang iba naman ay nag-aalinlangan: "Ang kanyang kamay ay pumupulot ng mga rosas kung saan ang iba ay tinik lamang."

Ang mga brush ni Francois Boucher ay nabibilang sa ilang mga seremonyal na larawan ng sikat na maybahay ni Louis XV Marquise Pompadour na tumangkilik sa artista.

Ang pinakatanyag na imahe ng Marquise ni F. Boucher ay ang pagpipinta "Madame de Pompadour" 1756, kung saan ipinakita ang pangunahing tauhang babae na napapalibutan ng mga bagay na nakapagpapaalaala sa kanyang mga artistikong panlasa at libangan. Kasabay nito, ang libro sa kanyang mga kamay ay isang malinaw na pahiwatig ng kaliwanagan at pangako sa intelektwal na mga hangarin ("Pagkatapos namin, kahit isang baha!"

Ang Marquise Pompadour ay bukas-palad na nagpasalamat sa artist, na hinirang muna siya bilang direktor ng pabrika ng tapiserya (mabuti, kung hindi man, saan pa magmumula ang sikat na Shepherdess tapestry?), At pagkatapos ay bilang presidente ng Academy of Arts, na binigyan siya ng pamagat ng " unang pintor ng hari".

Bilang karagdagan sa pagtupad sa mga utos mula sa maharlikang korte ng Pransya, si François Boucher ay patuloy na bumaling sa paglalarawan ng lahat ng uri ng mga walang kabuluhang eksena, ang mga pangunahing karakter kung saan ay mga cutesy, mahiyaing pastol o mabilog na hubad na babae sa anyo ng mga mythological Venuses at Dianes.

Ang kanyang mga pintura ay puno ng hindi maliwanag na mga pahiwatig, nakakaakit na mga detalye (ang nakataas na laylayan ng palda ng pastol, ang malandi na nakataas na binti ng isang naliligo na si Diana, isang daliri na nakadikit sa kanyang mga labi, isang magaling magsalita, nag-aanyaya na sulyap, mga tupa na nagsisiksikan sa paanan ng mga magkasintahan, naghahalikan. kalapati, atbp.).

Well, alam na alam ni François Boucher ang fashion at panlasa ng kanyang panahon!

Sa kasaysayan ng pagpipinta ng mundo, nananatili pa rin si François Boucher na isang kahanga-hangang master ng kulay at katangi-tanging pagguhit, na ang mga pagpipinta ay tumatawag sa mundo ng kaligayahan, pag-ibig at magagandang pangarap.

"Gallant genre" - Rococo painting

Mga master ng "gallant genre" ROCOCO ("whimsical", "capricious"; French rococo from rocaille - fragment of stones, shells), isang style trend na nanaig sa European art noong unang tatlong quarter ng ika-18 siglo. Ito ay hindi gaanong isang independiyenteng artistikong kababalaghan bilang isang yugto, isang tiyak na yugto sa karaniwang istilong baroque ng Europa. Ang terminong "rococo" ay lumitaw sa France sa pagtatapos ng ika-18 siglo, sa panahon ng kasagsagan ng klasisismo, bilang isang mapanlait na palayaw para sa lahat ng magalang at mapagpanggap na sining noong ika-18 siglo: isang hubog, pabagu-bagong linya na kahawig ng balangkas ng isang shell ay pangunahing tampok nito. Ang Rococo art ay isang mundo ng fiction at intimate na mga karanasan, pandekorasyon na theatricality, sopistikado, sopistikadong sopistikado, walang lugar para sa kabayanihan at kalungkutan dito - pinalitan sila ng isang laro ng pag-ibig, pantasya, kaibig-ibig na mga trinket. Ang mga pangunahing tema ng pagpipinta ng Rococo ay ang pinong buhay ng aristokrasya ng korte, mga idyllic na larawan ng buhay ng "pastol" laban sa background ng malinis na kalikasan, ang mundo ng kumplikadong mga intriga sa pag-ibig at mapanlikha na mga alegorya. Ang buhay ng tao ay madalian at panandalian, at samakatuwid ito ay kinakailangan upang mahuli ang "masayang sandali", upang magmadali upang mabuhay at makaramdam. Ang "The spirit of lovely and airy little things" ay nagiging leitmotif ng pagkamalikhain ng maraming artist ng "royal style.

Antoine Watteau Antoine Watteau - ang mga kontemporaryo ay tinatawag na "ang makata ng walang malasakit na paglilibang" at "magiting na pagdiriwang", "ang mang-aawit ng biyaya at kagandahan." Sa kanyang mga gawa, nakunan niya ang mga piknik sa mga evergreen na parke, mga konsiyerto ng musika at teatro sa dibdib ng kalikasan, madamdamin na pag-amin at pag-aaway ng mga magkasintahan, idyllic date, bola at pagbabalatkayo. Kasabay nito, may matinding kalungkutan sa kanyang mga ipininta. Pakiramdam ang transience ng kagandahan at ang ephemerality ng mga nangyayari.

Antoine Watteau. Pilgrimage sa isla ng Kiferu. 1717-1718 Louvre. Paris. Isa sa mga sikat na painting ng artist ay "Pilgrimage to the island of Kiferu". Ang mga magagandang babae at magigiliw na mga ginoo ay nagtipon sa dalampasigan ng sea bay na nagkalat ng mga bulaklak. Naglayag sila sa isla ng Kiferu - ang isla ng diyosa ng pag-ibig at kagandahan na si Venus, kung saan, ayon sa alamat, lumabas siya mula sa bula ng dagat. Mainit, malambot na kulay, naka-mute na mga kulay, light brush stroke - lahat ng ito ay lumilikha ng isang espesyal na kapaligiran ng kagandahan at pagmamahal.

Kabilang sa mga tunay na obra maestra ay kabilang ang pagpipinta ni Watteau na "Gilles" ("Pierrot"), na nilikha bilang tanda para sa pagganap ng mga itinerant na komedyante. Si Gilles ang pangunahing at paboritong karakter sa French comedy of masks. Consonant with Pierrot - ang bayani ng Italian commedia dell'arte. Isang clumsy, walang muwang na nilalang, na parang espesyal na nilikha para sa patuloy na pangungutya at panlilinlang ng magaling at tusong Harlequin. Sa masining na mga termino, ang larawan ay ipininta nang napakatalino. Ang sukdulang pagiging simple ng motibo at komposisyon ay kasama dito sa mga tiyak na pattern at maingat na pinag-isipang mga kulay. Antoine Watteau. Gilles. 1721. Louvre. Paris. (Bayani ng makatarungang teatro na si Gilles ay nakadamit bilang Pierrot).

Antoine Watteau. Mga komedyante ng Italyano.

Antoine Watteau. Mga artista sa teatro ng Pransya.

Antoine Watteau. Gamma ng pag-ibig.

Antoine Watteau. Pabagu-bagong babae. Bandang 1718. Ermita. Petersburg.

Antoine Watteau. Mezzetin. 1717-1719 Museo ng Metropolitan. New York.

Antoine Watteau. Savoyard na may marmot.

François Boucher Itinuring ni François Boucher (1703-1770) ang kanyang sarili na isang tapat na estudyante ng Watteau. Tinawag siya ng ilan na "pintor ng mga grasya", "Anacreon ng pagpipinta", "royal na pintor". Nakita siya ng iba bilang isang "ipokrito" na artista, "na may lahat maliban sa katotohanan." Ang iba naman ay nag-aalinlangan: "Ang kanyang kamay ay pumupulot ng mga rosas kung saan ang iba ay tinik lamang."

Ang brush ng artist ay kabilang sa ilang mga larawan ng paborito ni King Louis XV, ang Marquise de Pompadour. Napag-alaman na tinangkilik niya si Boucher, higit sa isang beses ay nag-utos sa kanya ng mga pagpipinta sa mga relihiyosong paksa para sa mga tirahan sa bansa at mga mansyon sa Paris. Sa Madame de Pompadour, ang pangunahing tauhang babae ay napapaligiran ng mga nakakalat na bulaklak at mga mararangyang bagay, na nagpapaalala sa kanyang mga artistikong panlasa at libangan. Magalang siyang nakahiga sa backdrop ng malago at solemne na mga tela. Ang libro sa kanyang kamay ay isang malinaw na pahiwatig ng kaliwanagan at pangako sa intelektwal na mga hangarin. Ang marquise ay bukas-palad na nagpasalamat sa artista. Paghirang sa kanya ng direktor ng Tapestry Manufactory, at pagkatapos ay iginawad sa kanya ang pamagat ng "unang pintor ng hari." Francois Boucher. Madame de Pompadour. 1756 Lumang Pinoteca, Munich.

Si Francois Boucher nang higit sa isang beses ay bumaling sa paglalarawan ng mga walang kabuluhang eksena, ang mga pangunahing tauhan kung saan ay cutesy, mahiyaing pastol o mabilog na hubad na babae sa anyo ng mga mythological Venuses at Dianes. Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay puno ng hindi maliwanag na mga pahiwatig, nakakaakit na mga detalye (ang nakataas na laylayan ng satin na palda ng pastol, ang malandi na nakataas na binti ng isang naliligo na si Diana, ang kanyang daliri ay nakadikit sa kanyang mga labi, isang magaling magsalita, mapang-akit na tingin, simbolikong paghalik sa mga kalapati, atbp.) Ang Alam na alam ng artista ang fashion at panlasa ng kanyang panahon! Francois Boucher. Pinaliguan si Diana. ... 1742 taon. Louvre. Paris.

Sa kasaysayan ng pagpipinta, nananatili pa rin si François Boucher na isang kahanga-hangang master ng kulay at katangi-tanging pagguhit. Mapanlikhang nalutas na mga komposisyon, hindi pangkaraniwang mga pananaw ng mga karakter, kakaibang silhouette ng halos teatro na tanawin, mayaman na kulay na mga accent, maliwanag na pagmuni-muni ng mga transparent na pintura na inilapat na may maliliit, magaan na mga stroke, makinis na dumadaloy na mga ritmo - lahat ng ito ay ginagawang Boucher ang isang hindi maunahang master ng pagpipinta. Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay nagiging pandekorasyon na mga panel, pinalamutian ang luntiang interior ng mga bulwagan at sala, tumatawag sila sa mundo ng kaligayahan, pag-ibig at magagandang pangarap. Francois Boucher. Naputol ang pagtulog.

Francois Boucher. Pan at Siringa.

Si FRAGONARD Jean Honore ay isang Pranses na pintor at printmaker, ang pinakadakilang master ng panahon ni Louis XVI. naging tanyag sa kanyang mahusay na gumanap na magagaling at pang-araw-araw na mga eksena, kung saan ang biyaya ng Rococo ay pinagsama sa katapatan sa kalikasan, ang kahusayan ng mga epekto ng liwanag at hangin, at marilag na sinaunang mga guho. Kasama ng mga akda na nilikha batay sa mga tunay na obserbasyon, lumilikha din siya ng mga pastoral - sa pamamagitan ng improvising, muling ginawa niya ang eksena nang may katingkad-tingkad na tila isinulat mula sa buhay. FRAGONARD Jean Honore

Fragonard. Koronahang magkasintahan.

Fragonard. Palihim na halik

Fragonard. Ipinakita ni Psyche sa magkapatid ang mga regalo ni Cupid.

Honore Fragonard. "Swing" 1766.

Fragonard. Aralin sa musika

ENGRI Jean Auguste Dominique (1780-1867), Pranses na pintor at draftsman. Isang napakatalino na master ng komposisyon, mahigpit at maselan na pagguhit, makatotohanan, maaanghang na mga larawan (LF Bertin, 1832). Sa mga pagpipinta ay kumilos siya bilang pangunahing kinatawan ng akademikong klasisismo ("The Apotheosis of Homer", 1827). Noong 1806 sa wakas ay nagpunta si Ingres sa Italya, kung saan siya ay nanatili sa loob ng maraming taon (1806-20 - Roma, 1820-24 - Florence), masigasig na nag-aaral ng sining ng Italyano ng Renaissance, lalo na si Raphael. Lumilikha ng isang bilang ng mga obra maestra: mga larawan ng "Granet" (1807, Aix-en-Provence); Madame Devose (1807, Museo ng Condé, Chantilly); "Marcotte d" Argenteuil "(1810, National Gallery, Washington);" Cardier "(1811, Louvre, Paris);" Madame Zenon "(1816, Museo sa Nantes);" Gurieva "(1821, Hermitage, St. Petersburg) Louis David Portrait ng artist Ingres circa 1800 Pushkin Museum Moscow

Ingres. Malaking odalisque. 1814 taon. Langis sa canvas. Louvre, Paris.

Ingres. Isang source

Ingres. Larawan ng Count Guriev. 1821 Langis sa canvas. Hermitage, Petersburg

Rococo arts and crafts Mga pigurin ng Meissen.

Rococo furniture

Rococo furniture. Palasyo ng Taglamig. Saint Petersburg.

Mga tanong at gawain: A. Si Watteau ay isang pintor ng saya at kalungkutan. "Artista ng Graces" - F. Boucher. Rococo pampalamuti at inilapat na sining. Sumulat ng isang sanaysay sa paksang “Ano ang napanaginipan at pinag-uusapan ng mga bayani ng mga pintura ni Antoine Watteau.

4. Pagpinta ng Gallant Age

Ang "Gallant" na pagpipinta sa France ay umiral na kahanay ng kilusang Romano-Hellenistic at maaga, na nagmula sa paaralang Scottish, romantikismo at nangibabaw hanggang sa Great French Revolution.

Ang masining na buhay noon ay nagsimulang magkaroon ng hugis sa larangan ng pagpipinta sa mga anyo kung saan ito ay nagpapakita mismo kahit ngayon. Ang mga akademya, eksibisyon, pagpuna sa sining ay nagsimulang magkaroon ng malaking impluwensya sa libreng pag-unlad ng sining. Kasama ang Royal Academy, na umakit ng pinakamahusay na pwersa, ang Academy of St. Si Luke sa Paris, na nagbago mula sa lumang pagawaan ng mga pintor, sa mga bihirang pagkakataon lamang ay maaaring magyabang ng isang napakatalino na pangalan; at kasama ng Parisian academy, ang mga provincial higher art schools, kung saan ang mga akademya sa Toulouse, Montpellier at Lyon ang unang nakakuha, bilang pangkalahatang tuntunin, ay makakatugon lamang sa mga lokal na pangangailangang artistikong. Tanging ang mga "ipinangalawa" sa Royal Academy sa Paris ang may karapatang mag-exhibit sa Louvre Salon; makalipas ang ilang taon, sa pagsusumite ng "pagpinta para sa pagpasok," natanggap nila ang pamagat ng ordinaryong akademiko. Gayunpaman, ang akademyang ito ay hindi karapat-dapat sa akusasyon ng one-sidedness. Tinanggap niya sa kanyang mga miyembro si Claude Gillot, ang guro ni Watteau, bilang isang "pintor ng mga naka-istilong paksa", si Watteau mismo bilang isang "pintor ng kasiyahan", Dreams bilang isang "pintor ng genre"; ang iba pang mga artista ay itinalaga sa kanyang mga listahan bilang mga pintor ng landscape, mga pintor ng mga hayop, mga bulaklak, atbp. Kasama ang mga akademikong eksibisyon sa "square salon" at sa "malaking gallery" ng Louvre, na regular na inuulit mula 1737 at naabot ang kanilang pinakamataas na limitasyon noong 1789, gayundin at ang akademya ng St. Si Luke at ang Youth Union ay nag-organisa ng kanilang sariling mga eksibisyon.

Sa lahat ng mga pintor na sumunod sa mga "gallant canon", ayon sa kaugalian, ilan sa mga pinakamahalagang pigura ang nakikilala.

5. Jean-Marc Nuttier (1685-1766)

Si Nattier ay isa sa mga pinakalumang "gallant" na pintor, at sa kanyang trabaho ang inilarawan na direksyon ay nagpakita ng sarili sa isang mas mababang lawak.

Ipinanganak sa isang pamilya ng mga artista: ang kanyang ama, si Mark, ay isang pintor ng larawan, ang kanyang ina, si Marie Courtyut, ay nagpinta ng mga miniature, at ang kanyang kapatid na si Jean-Baptiste ay nakikibahagi sa paglikha ng mga pagpipinta batay sa makasaysayang mga motibo.

Natanggap ni Jean-Marc Nattier ang kanyang unang mga aralin sa pagpipinta mula sa kanyang ama, pagkatapos ay dumalo sa mga kurso sa pagpipinta sa Royal Academy. Sa edad na labinlimang (!) si Nattier ay ginawaran ng unang artistikong premyo ng Paris Academy.

Noong 1717, naglakbay si Nattier sa Holland, nakilala sa Amsterdam si Peter I at nagpinta ng mga larawan ng Tsar at ng Russian Empress Catherine. Inanyayahan ni Peter si Nattier na umalis sa France at sumama sa kanya sa Russia, ngunit, tinutukoy ang kanyang pagmamahal sa kanyang tinubuang-bayan, tinanggihan ng artist ang kanyang alok. Ginugol ni Jean-Marc Nattier ang halos buong buhay niya sa Paris.

Si Jean-Marc Nattier ang lumikha ng isang bagong istilo ng pagpipinta - ang portrait history, pangunahin na naglalarawan ng mga sikat na pigura ng nakaraan ng Pransya.

Para sa St. Petersburg ay gumanap ang "Prince AB Kurakin", "Tsar Peter I", "Catherine I". Sa kanila, pati na rin sa sikat na "Madame de Pompadour sa imahe ni Diana the huntress", tulad ng mga tampok tulad ng idealization ng imahe ng mga inilalarawan, portraiture sa imahe ng isang sinaunang bayani o diyos (costume portrait), lambot. ng kulay ay lilitaw. Ang mga sikolohikal na katangian ng mga karakter, na ipinahayag nang direkta o sa simbolismo, ay nawawala. "The Face of the Epoch" - isang lalaki na may tahimik na ekspresyon ng mukha na hindi sumasalamin sa kanyang panloob na mundo (na, gayunpaman, ang artista ay hindi nagtagumpay o hindi nais na makamit sa "Princess ED Golitsyna", na nagpapahayag ng halata ng batang babae. narcissism); sa aspetong ito makikita ang negatibong bahagi ng bagong istilo: ang mahangin na "Rocaille" ay hindi nangangailangan ng anumang maalalahang pag-iisip.

6. Jean Antoine Watteau (1684-1721)

Si Watteau ay isa sa mga pinakatanyag na artista sa kasaysayan ng sining ng mundo at ang pinakadakilang master ng "gallant genre". Ang sari-saring mood at karakter na inihahatid ng kanyang mga ipininta (at hindi ito nakapipinsala sa napakagaan na "gallantry" na pinahahalagahan ng kanyang mga kontemporaryo!) Ay madalas na sumasalungat sa iba pang, "walang pag-iisip" na mga gawa ni Rococo (lalo na ang gawa ng F. Boucher, ayon sa mga pilosopo ng edukasyon, "isang malayo sa buhay").

Dumating si Watteau sa Paris noong 1702 mula sa hilagang France, mula sa Valenciennes, kung saan siya ay dating ipinanganak sa pamilya ng isang roofer. Mula 1703 hanggang 1708 nagtrabaho si Watteau sa workshop ni Claude Gillot, kinopya at inilalarawan ang mga plot ng komedya ng Italyano. Mula sa mahalagang yugtong ito ng malikhaing pormasyon ng artista, isang larawang ebidensya lamang ang nakaligtas - ang pagpipinta ng Moscow na "Satire on Doctors".

Sa mga sumunod na taon, si Watteau ay nakipagsiksikan sa iba't ibang genre, ang kontrobersyal na kronolohiya ng ilang nabubuhay na mga gawa sa panahong ito ay hindi nagpapahintulot sa paggawa ng mga tiyak na konklusyon tungkol sa ebolusyon ng kanyang mga interes, ngunit ang kanyang estilo ay nagiging mas malaya, ang stroke ay mas sariwa at mas madali.

Mula 1710, pagkatapos ng maikling paglalakbay sa Valenciennes, muling nanirahan si Watteau sa Paris, sa kapaligiran ng pagpipinta, musika at teatro na labis niyang minahal. Kabilang sa kanyang malalapit na kaibigan ay ang manunulat at editor ng French Mercury, Antoine de la Roque, ang mga mangangalakal ng mga kuwadro na gawa, mga frame at salamin na sina Gersen at Cyroix, mga aktor ng komedya ng Italyano, mga makata at musikero.

Nabuo sa labas ng mahigpit na kinokontrol na sistemang pang-akademiko, mahinahong pinag-isipan at pinili ni Watteau ang mga plot na nakakabighani sa kanya, nang walang pakialam sa hierarchy ng mga genre, malayang sumuko sa kalooban ng damdamin at pantasya. Hindi niya nais na magtrabaho sa pagkakasunud-sunod, mas pinipili ang kalayaan sa disenyo at paglalaro ng imahinasyon. Nagpinta siya ng mga landscape, nagbabalatkayo sa diwa ni Gillot, mga larawan ng mga artistang Italyano, mga pista opisyal sa mga parke, higit na nagmamalasakit sa mood, emosyonal at nakalarawang kayamanan ng eksena kaysa sa maingat na pagkakahawig ng larawan o solemne na kadakilaan. Ang impluwensya ng "gallant art" sa kanya ay medyo huli kaysa sa Nuttier, at samakatuwid ay ibinigay siya sa gawaing ito nang huli kaysa sa huli.

Ang banayad ngunit malinaw na sikolohikal na mga katangian ay makikita sa kanyang mga larawan, tulad ng "The Portrait of Mr. Pater." Kaya, dito napapansin natin ang isang lubos na puro, kahit na hindi tumitingin sa manonood, isang Englishman - isang katamtamang prim na kinatawan ng kanyang bansa. Ang babaeng sculptural portrait na inilalarawan sa kanang ibabang bahagi ng larawan, tila, ay nagpapahiwatig ng trabaho ng lalaki - siya ay isang iskultor.

Ang parehong, ngunit sa laki ng mga unibersal na mood na sumasaklaw sa maraming tao nang sabay-sabay, nakikita natin sa sikat na "magiting na kasiyahan": "Pilgrimage sa isla ng Kieferu" at "The Feast of Love".

Dapat kong sabihin na inilalarawan ni Watteau ang lahat ng mga estate ng Pransya, at hindi gaanong nakakumbinsi kaysa sa mga larawan ng maharlika, parehong hitsura ng "Savoyard na may marmot" at "Gilles" (isang libot na musikero), at maraming manlalakbay, manggagawa, magsasaka - mga karakter ng travel sketches - ang mga taong iyon kung saan lumabas si Watteau.

Mas gusto ni Watteau ang pagpipinta ng easel, ngunit siya rin ay isang master ng pandekorasyon na sining, siya mismo ay gumawa ng mga pandekorasyon na panel para sa mga interior ng mga mansyon, pininturahan ang mga pintuan ng karwahe, mga harpsichord at mga tagahanga, na nakaimpluwensya sa dekorasyon ng arkitektura ng Rococo.

Ang parehong mga pandekorasyon na gawa at malalaking canvases ay nakikilala sa pamamagitan ng mga tampok na tipikal ng Watteau: kamangha-manghang pagpipinta, nanginginig at malambot, ang pinakamagandang hanay ng mga panandaliang mood, ang paggamit ng mga diskarte sa pagguhit sa pagpipinta (tingnan ang elaborasyon ng mga korona ng puno sa "Capricious"), virtuoso compositional kasanayan.

7. Francois Boucher (1703-1770)

"Ang kanyang kahalayan ay dapat makaakit ng mga dandies, walang kabuluhang kababaihan, kabataan, mga tao sa mundo, iyon ay, lahat ng mga dayuhan sa tunay na panlasa, katapatan"

Si François Boucher ay ipinanganak sa Paris sa pamilya ng artistang si Nicolas Boucher, na nagpadala sa kanya upang mag-aral kasama ang kanyang kaibigan na si François Lemoine.

Sa edad na labimpito, pumasok si Boucher sa workshop ng engraver na si Jean-François Kars, na nagpapahintulot sa kanya na kumita nang mag-isa, pati na rin gumawa ng mga kapaki-pakinabang na contact - kasama ang mga kliyente na may mataas na ranggo ng kanyang tagapagturo.

Nakatanggap ng unang pagkilala - ang Academic Prize - para sa kanyang thesis. Dito at sa ibaba, si Boucher ay isang sumusunod sa napakakinis, medyo "makinis" na paraan ng pagsulat, na humahanga sa kanyang mga kontemporaryo at malinaw na nakikilala siya sa Watteau. Ang pakikilahok sa mga taong 1722-1723 sa paglikha ng mga ukit para sa "Collection of Julien", kung saan ang lahat ng mga gawa ng sikat na hinalinhan ay muling ginawa sa ukit, pinapayagan siyang makilala ang mga gawa ng artist na ito, upang makabisado ang kanyang komposisyonal. mga pamamaraan.

Noong 1723 - ang Roman Prize. Sa isang paglalakbay sa Italya, ang batang artista ay nag-assimilates sa estilo ng malambot na liwanag at lilim ng Cortona, ang malakas na larawang simula ng Lanfranco at Tiepoli, gayunpaman, hindi sa panimula na isinasaalang-alang ang malalim na kaibahan at komposisyonal na dinamismo ng huling dalawang gawa - lahat ng ito sumalungat sa panlasa ng korte ng Pransya. Sa lahat ng kanyang mga gawa, ipinakita ni Boucher ang isang ugali na hindi kulayan ang pagkakaiba-iba, ngunit sa paggamit ng malalaking lokal na mga spot, ngunit may katangi-tanging mga paglipat sa pagitan nila. Ang mga landscape na "View of Tivoli" (Museum of Arts and Architecture, Boulogne-sur-Mer) at "View of the Farnese Gardens" (Metropolitan Museum, New York) ay batay sa mga Italian impression.

Kasama ng pagkilala at katanyagan, nakatanggap si Bush ng maraming mga order para sa mga gawa ng pandekorasyon na sining, na hindi iniwan sa kanya hanggang sa katapusan ng kanyang buhay.

Sa hinaharap na gawain ng Boucher, dalawang bagay ang dapat tandaan. Ang una ay ang karagdagang pagpapabuti ng mga diskarte sa pagpipinta, mastering ang mga diskarte ng stylization sa ilalim ng nagpapahayag na estilo ng baroque ni G. Tiepolo ("The Teaching of Cupid", "Leda and the Swan" at maraming iba pang mga gawa sa mythological theme), sa ilalim ng porselana ( "Venus Consoling Cupid", "Jupiter in the guise of Diana, seducing Callisto "). At ang pangalawa ay ang invariability ng ideological component ng kanyang mga akda, ang napakasobrang "gallantry" kung saan pinagalitan nina Voltaire at Diderot ang kanyang istilo. Ang sikolohikal at emosyonal na katangian ni Boucher ay ganap na wala, ang lugar nito ay kinuha ng kanyang sariling saloobin sa inilalarawan sa pamamagitan ng ilang simpleng katangian. Kaya, sa "Venus's Visit to Vulcan" ang artista ay hindi gaanong nabighani sa pangunahing tauhang babae, at ito ay naihatid sa pamamagitan ng biyaya ng kanyang lakad at ang malandi na pagliko ng kanyang kulot na ulo (at si Venus ba ay isang modernong Bush fashionista). Ang isang tiyak na kawalan ng kakayahan ni Boucher (at marahil isang pag-aatubili, na naaayon sa mga panlasa ng korte) sa panloob na sikolohiya ng kanyang mga gawa ay nag-aalis sa kanya ng drama ng mga eksena tulad ng "Pan at Siringa" at "Jupiter sa pagkukunwari ni Diana. , seducing Callisto", na nauugnay sa mga kwentong may trahedya na balangkas. Gayunpaman, sa karamihan ng mga kaso, ang kanyang mga gawa ay itinuturing na hindi bilang magagandang larawan, ngunit bilang mga nakakarelaks na canvases, bilang mga halimbawa ng biyaya.

Maraming puntos ang dapat tandaan sa pagkakaiba-iba ng genre ng mundo ni Boucher.

Una, na kung saan ay isang kailangang-kailangan na tampok ng kanyang trabaho, ang idealization ng imahe ng portrayed, higit sa lahat kababaihan (isang serye ng mga portrait ng Madame de Pompadour, "Portrait of Madame Bergeret"). Pangalawa, ang modernisasyon ng mga mukha ng mga sinaunang diyosa sa mga gawang mitolohiya (ang pinaka-nagpapahiwatig sa bagay na ito ay ang pagpipinta na "The Toilet of Venus" noong 1751: madilim na mga kulot ng abo, sunod sa moda sa panahon ng artista, hugis almond, bahagyang duling. mata, puso-bibig, maliit na katawan - at hindi na ako makapaniwala na mayroon tayong karakter mula sa sinaunang mitolohiya bago tayo). Ang lahat ng ito ay nagsasalita tungkol sa impluwensya sa may-akda ng genre ng portrait-state na laganap sa oras na iyon, isa sa mga pangunahing figure kung saan siya mismo, sa katunayan, ay. Kasama ang isang serye ng mga "odalisques" (mga larawan ng mga batang babae na nakahubad), kung saan ang "Dark-haired Odalisque" ng 1745 at ang "Fair-haired Odalisque" ng 1752 ay namumukod-tangi, ang lahat ng ito ay nagpapahiwatig ng kahalagahan ng babaeng kagandahan at sekswalidad sa gawain ni Boucher (gayunpaman, kahit kailan ay hindi lumapit sa kahalayan).

At ang pangatlong punto ay binubuo sa isang medyo patag at "theatrical", sa opinyon ng maraming kasunod na mga pintor, ang diskarte ni Boucher sa landscape (na, bukod sa iba pang mga bagay, ay karaniwan para sa karamihan ng mga artista noong panahong iyon). Ang "yugto" at ang "kurtina" ay namumukod-tangi nang malinaw; sa isang maliit na lawak, ito ay ipinapakita lamang sa kanyang unang bahagi ng "Italyano" na mga tanawin. Sa kabila ng antas ng elaborasyon ng mga halaman at arkitektura (tingnan ang "Landscape sa paligid ng Beauvais", "Mill", "Crossing the bridge"), ang mga landscape ng Boucher ay pinaninirahan ng ganap na hindi tunay na mga tauhan, "kanyang" mga magsasaka "- mga maharlika, kanyang mga toro - na si Zeus bago ang pagdukot sa Europa ", at ang panahon ay isang matahimik, bahagyang maulap na araw, at anuman ang itinatanghal na lugar. Sa kabila ng katotohanan na ang pangunahing gawain sa landscape kasama si Boucher, tulad ng lahat ng iba pang mga pintor sa kanyang panahon, ay isinasagawa sa studio, ang parehong "gallant-theatrical approach" ay hindi kailanman nagpapahintulot sa master na makamit ang isang pakiramdam ng katotohanan ng lugar. (aling gawain ang mayroon siya sa harap ng kanyang sarili, sa buong kakayahang makita, at hindi itinakda). "Ang kanyang France ay" maliit na Arcadia ", walang katapusan na malayo sa katotohanan at maganda pa."

Halos walang sinasabi tungkol sa mga eksena sa genre ng artista.

Kaya, pumasok si François Boucher sa kasaysayan ng sining ng mundo bilang isang artista ng "gallant", corny painting, ganap na makatotohanan sa paraan ng paglalarawan at tulad ng hindi makatotohanan sa pagpili ng itinatanghal; bilang isang mahusay na estilista at master ng sining at sining.

Ang kanyang pinaka-talentadong mag-aaral, si J. O. Fragonard, ay nagmana mula sa kanya ng panlabas na biyaya, kalayaan ng komposisyon at katapangan ng kulay, ngunit susubukan niyang pagsamahin ang mga ito sa isang mas malaking emosyonal na panloob na lalim sa paglipat ng mga imahe at mga plot; mas madalas, ginagamit ang mga paraan ng tahasang kaibahan ng kulay, na halos wala sa Boucher, mas binibigyang pansin ang itim-at-puting kaibahan. Ang smear ay mas malaki kaysa sa Boucher, ngunit ito ay nararamdaman lamang sa mas malapit na pagsusuri, ang epekto ng comparative smoothness ay minana mula sa guro. Ngunit hindi kami magtutuon ng pansin sa kanyang trabaho, dahil para sa mga pagbubukod sa itaas, pati na rin ang paglaganap ng eksena sa genre sa mitolohiko, ang kanyang sining ay sumunod sa "landas" na inilatag ni Boucher para sa pagpapahinga at sigasig ng manonood.

Ang kontemporaryong French art criticism ay nagre-rate ng mababa sa sining ni Boucher. Kinikilala ang mahusay na pamamaraan ng artist, ang mga kritiko ay napapansin ang "katamisan" ng kanyang mga gawa, ang kanyang madalas na hindi perpektong artistikong panlasa (mga gawa ng huling panahon, halos hindi kilala, ay naglalaman ng magkatulad na mga kulay ng labis na kaibahan), pati na rin ang pangkalahatang "burges" estilo ng kanyang istilo.

8. Maurice Quentin de Latour (1704-1788)

De Latour - "Ang Hari ng mga Pastel"

Sa "Portrait of the Royal Secretary Duval de lépine"

Si De Latour ay ipinanganak sa isang ordinaryong pamilya. Sa edad na labinsiyam, iniwan niya ang kanyang bayan, ang Saint-Quentin, at pumunta sa Paris, kung saan nag-aral siya sa pangkaraniwang pintor na si Dupush at ilang iba pang mga artista.

Ang unang dalawang ipinakita sa publiko na mga gawa ng Latour (mga larawan ng kanyang sarili at ang asawa ng pintor na si Boucher), na ipinakita sa salon ng Paris noong 1737, ay nakakuha sa kanya ng pamagat ng isang miyembro ng Academy of Arts; noong 1746 siya ay nahalal sa buong pagiging miyembro nito, at noong 1750 ay natanggap niya ang pamagat ng maharlikang pintor, na pinanatili niya sa loob ng 23 taon. Noong 1780 siya ay nagretiro sa kanyang bayan.

Nang maranasan ang impluwensya ng ideolohiya ng Enlightenment, na ginawa ni JBC Chardin at ng mga artistang Ingles, na pinag-aralan ni de Latour ng ilang taon mula noong 1725, hindi kailanman tinanggap ni de Latour ang tamis at tamis ng karamihan sa "gallant" na sining, gayunpaman, bilang siya mismo ay nakaranas ng ilan sa kanyang impluwensya, at hindi bababa sa kanya.

Si MC de Latour ay isang lalaking pumalit sa baton mula sa Venetian artist na si Rosalba Carriera sa isang bagay na mahalaga para sa fine arts - sa pagpapalawak ng mga visual na posibilidad ng mga pastel na lapis, pagpapalaganap ng pagguhit sa parehong oras gamit ang mga pastel na may iba't ibang antas ng lambot, pagpapasikat pastel painting bilang isang uri ng pinong sining na nagbibigay-daan sa iyo upang ipahayag ang mahirap na mga pintura ng langis. Ano ang napakahirap ipahayag sa pamamaraan ng langis? Halimbawa, ang ganap na makinis na pagpipinta sa pagpipinta ng langis ay madalas na humahantong sa "pinakintab", isang tiyak na "pagkamatay" ng itinatanghal, na hindi palaging naiwasan ng mga Dutch na "makinis na pintor" noong ika-17 siglo. Ang buong makinis na pagpipinta sa pastel, sa kabaligtaran, ay nagbibigay-daan sa iyo upang makamit ang maximum na naturalismo kung kinakailangan, habang (!) Ang kawalan ng barnis sa komposisyon nito ay hindi naghahambing, halimbawa, ang mga prutas sa naturang trabaho sa mga dummies, at nakaharap sa mga manika. "Ang pagkakaroon ng pansin sa pagpapabuti ng kanyang sarili sa pagguhit sa loob ng dalawang taon, sa pamamagitan niyon [de Latour] ay nakamit sa pastel na uri ng pagpipinta ng isang karunungan na wala sa mga pastel na nauna sa kanya at, marahil, ang mga sumunod sa kanya, ay nagkaroon ng kapantay. .

Ang kanyang katanyagan ay lalo pang lumago, na pinadali din ng fashion para sa mga pastel, na lumaganap sa lipunan noon ng Pransya."Ito (at hindi lamang) ang kanyang makabuluhang kontribusyon sa visual arts, ang kanyang impluwensya sa pagpipinta ng" magagaling na pintor. ". Simula sa de Latour, ang pastel ay napansin ng Pranses, lalo na, ang mga artista sa korte hindi lamang bilang isang pantulong, kundi pati na rin bilang isang independiyenteng pamamaraan.

Kaugnay nito, naranasan din ni de Latour ang direktang impluwensya ni Rococo: ang lambot ng pangkulay ng kanyang mga kuwadro na gawa, ang imahe ng inilalarawan, kahit na hindi perpekto, ngunit sa isang mataas na mood, nagustuhan ang maharlikang Pranses na hindi bababa sa diwa ng Enlightenment. at sikolohiya sa kanyang mga gawa - mga pigurang pampanitikan at pilosopo sa kanyang panahon ...

"Ayon sa patotoo ng mga kontemporaryo ni Latour, siya, tulad ng bihirang iba, ay nahahawakan ang pagkakatulad; pinagsama ng kalidad na ito ang lakas, pagkakaisa at kaaya-aya ng mga kulay na nakaligtas hanggang sa panahong ito sa kanyang mga larawan, sa kabila ng kanilang reseta. Museo, sila ay nakolekta din sa Louvre Museum, Paris. Marami sa mga gawa ni Latour ang inukit ng mga kilalang master noong panahon niya." At kahit na si de Latour ay hindi tradisyunal na nailalarawan bilang isang pintor ng "gallant" na istilo, ang kanyang "mutual intersection" kay Rococo ay nagpapahintulot sa amin na banggitin ang kahanga-hangang artist na ito.

Mga uri at pamamaraan ng sining

Ang pagpipinta ay isang patag na visual na sining, ang pagiging tiyak nito ay nasa representasyon, gamit ang mga pintura na inilapat sa ibabaw, isang imahe ng totoong mundo, na binago ng malikhaing imahinasyon ng artist ...

Mga kontribusyon ng kultura at sining ng ika-20 siglo sa sibilisasyon ng daigdig

Sa kasaysayan ng kulturang Ruso, ang simula ng XX siglo. natanggap ang pangalan ng "Silver Age" ng kulturang Ruso, na nagsisimula sa "World of Art" at nagtatapos sa simbolismo. Ang World of Art ay isang organisasyon na itinatag noong 1898 ...

Gothic. Isang nagyelo na panahon ng mga nakalipas na panahon

Ang kilusang Gothic sa pagpipinta ay nabuo ilang dekada pagkatapos ng paglitaw ng mga elemento ng istilo sa arkitektura at iskultura. Ang stained glass ay naging isa sa mga pangunahing direksyon ng pagpipinta ng Gothic ...

Ang impluwensya ng mga kahilingan ng Hukuman ng Versailles ay nadama pangunahin sa larangan ng visual, pandekorasyon at inilapat na sining at arkitektura. Bilang karagdagan sa pagpipinta ng easel, porselana, mga tagahanga at fashion, ang istilong "gallant" ay tumagos sa mga interior ng mga mansyon ...

K.A. Somov. Paglinang ng magiting na genre

2.1 Ang paglitaw ng genre ng "gallant" sa panahon ng Rococo Ang simula ng XX century ay minarkahan ng isang nostalgic na "pagbabalik" sa aesthetics ng Rococo, sa mga larawan ng mga panahon ni Louis XIV, sa galanteng panahon na tuluyang nawala. ...

Rebolusyong Pangkultura sa USSR (1922-1941)

“Ang programa ng partido sa larangan ng sining ay humarap sa paglaban ng mga artistang malapit na nauugnay sa burgesya, laban sa kapangyarihang Sobyet. Ang mga reaksyunaryong artista at mga teorista ng sining ay gumawa ng paninirang-puri sa mga Bolshevik, na inaakusahan sila ng ...

Ang hindi pangkaraniwang pagtaas ng kulturang Ruso sa unang kalahati ng ika-19 na siglo. pinahihintulutang tawagin ang panahong ito na "the golden age". Kung sa pag-unlad ng ekonomiya at sosyo-politikal, ang Russia ay nahuli sa mga advanced na estado ng Europa ...

Russian portrait painting at graphics ng unang kalahati ng ika-19 na siglo

Ang Banal na Inkisisyon sa Middle Ages at ang Reflection nito sa Art

Sa Middle Ages, ang pagpipinta ay naging isa sa pinakamahalagang anyo ng sining. Ang isang bilang ng mga makabagong relihiyon ay nag-ambag din sa bagong saloobin sa pagpipinta ...