Mga pintura ni Matisse. Pranses na pintor na si Henri Matisse

bahay / Sikolohiya

Binigyan ng France ang mundo ng isang malaking kalawakan ng mga namumukod-tanging artista, isa sa mga ito ang pinakamalaki at pinakamaliwanag na kinatawan ng artistikong kilusang Fauvism, si Henri Matisse. Nagsimula ang kanyang karera noong 1892, nang matagumpay na naipasa ng hinaharap na artista ang mga pagsusulit sa Paris Academy of Julian. Doon ay nakuha niya ang atensyon ni Gustave Moreau, na hinulaang si Matisse ay isang maliwanag na karera sa larangan ng sining.

Mula sa simula ng ika-20 siglo, nagsimulang hanapin ni Matisse ang kanyang sarili. Siya ay dumaan sa masipag na taon ng pagkopya at paghiram, pagpinta ng maraming kopya ng mga sikat na painting mula sa Louvre, sinusubukang mahanap ang kanyang sariling istilo. Ang nangingibabaw na hilig para sa impresyonismo sa oras na iyon ay nagbigay kay Matisse ng pagkakataon na gawin ang paraan ng paghahatid ng mga form at isang paleta ng kulay.

Nabanggit ng mga kritiko ng sining noong mga taong iyon na si Matisse ay may kakaibang pagtatanghal ng kulay sa kanyang mga canvases, na ginawa sa istilong impresyonistiko. Ang artist ay nailalarawan sa pamamagitan ng paggamit ng maliwanag, malakas, bahagyang arched stroke na may isang pamamayani ng iba pang maliwanag, puspos na mga kulay.

Tulad ng sikat na master ng impresyonismo na si Paul Signac, si Matisse ay mahilig sa pointillism - isang uri ng impresyonismo na gumagamit ng maraming nabubulok na punto upang maihatid ang isang imahe. Ang istilong ito ang tumulong sa artist na sa wakas ay piliin ang Fauvism bilang pinakaangkop na paraan para maipakita niya ang nakapaligid na katotohanan.

Sa katunayan, si Matisse ang aktwal na nagtatag ng Fauvism. Ang pagsasalin sa Pranses ng terminong ito ay "wild." Ang salitang ito ay tumutugma sa konsepto - "libre", iyon ay, hindi napapailalim sa pangkalahatang tinatanggap na mga patakaran.

Ang simula ng tagumpay ni Matisse ay maaaring ituring na kanyang pagpipinta na "Woman in a Green Hat", na ipinakita ng artist noong 1904. Sa canvas, nakita ng manonood ang halos patag na imahe ng isang babae na may mukha na hinati ng berdeng guhit. Kaya, pinasimple ni Matisse ang imahe hangga't maaari, na nagpapahintulot lamang sa isang kulay na mangibabaw.

Ito ay ang paglaganap ng kulay sa anyo at nilalaman na naging pangunahing prinsipyo ng Fauvism. Ang kakanyahan ng istilong ito ay malakas na naiimpluwensyahan ng pagkahumaling ni Matisse sa mga kakaibang anyo ng sining. Maraming naglakbay ang artista, kabilang ang kontinente ng Africa. Ang primitive ngunit kakaibang sining ng mga tribo ay humanga sa kanya at nagbigay ng lakas sa higit pang pagpapasimple ng imahe sa mga kuwadro na gawa.

Ang kayamanan ng mga kulay sa mga canvases ni Matisse ay hiniram mula sa maliwanag na oriental arabesques. Mula roon, ang sigasig para sa mga odalisque na artista - Arabian concubines-dancers, na ang mga imahe ay ipinakita niya sa kanyang mga pagpipinta hanggang sa mga huling taon ng kanyang buhay - ay lumawak. Ito ay kilala rin na pagkatapos makilala ang Russian pilantropo na si Sergei Shchukin, naging interesado si Matisse sa sinaunang pagpipinta ng icon ng Russia.

Sa imbitasyon ni Shchukin, dumating si Matisse sa Russia, at pagkatapos nito ay inatasan niya ang kanyang pinakatanyag na pagpipinta - "Sayaw". Isang uri ng "kambal" ng larawang ito ay "Musika". Ang parehong mga canvases ay sumasalamin sa kakanyahan ng Fauvism - ang pagiging natural ng damdamin ng tao, ang kadalisayan ng paghahatid ng mga damdamin, ang katapatan ng mga karakter, ang ningning ng kulay. Ang artist ay halos hindi gumagamit ng pananaw, mas pinipili ang maliliwanag na pula at orange.

Nakaligtas si Matisse sa dalawang digmaang pandaigdig, ngunit sa kabila ng mga paghihirap na kanyang naranasan, hindi nawala sa kanya ang sinseridad na sinikap niyang isama sa kanyang mga pintura. Ito ay para sa parang bata na spontaneity, prangka at masigasig na ningning ng kanyang mga canvases na ang artist ay minamahal pa rin ng mga connoisseurs ng pagpipinta.

Matisse Henri Emile Benoit (31.12.1869, Le Catot, Picardy, - 03.11.1954, Cimiez, malapit sa Nice), Pranses na pintor, graphic artist at sculptor.

Ang epekto ng kulay ng mga pintura ni Matisse ay napakalakas; ang reaksyon ay, gayunpaman, at negatibo, ngunit palaging napakatindi. Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay matunog, malakas na pag-awit, kung minsan ay nakakabingi. Hindi na sila nagiging sanhi ng mahinahon na paghanga, ngunit visual na paroxysms, hindi ito isang "pagdiriwang ng mata", ngunit isang walang pigil na kasiyahan.

Sa paanong paraan nakakamit ni Matisse ang napakalakas na epekto ng kulay? Una sa lahat, labis na naka-highlight na mga kaibahan ng kulay. Ibigay natin ang sahig sa artist mismo: "Sa aking pagpipinta" Musika ", ang kalangitan ay pininturahan ng magandang asul, ang pinaka-asul ng asul, ang eroplano ay pininturahan ng isang kulay na puspos na ang asul ay ganap na nahayag, ang ideya ng ganap na asul; para sa mga puno kinuha nila purong berde, para sa mga katawan - ringing cinnabar. Isang espesyal na tampok: ang form ay binago ayon sa impluwensya ng kalapit na mga eroplano ng kulay, dahil ang expression ay nakasalalay sa ibabaw ng kulay na sakop ng viewer sa kabuuan ".

Pagkatapos makatanggap ng degree sa batas, nagtrabaho siya bilang isang abogado (1889-1891) Nag-aral sa Paris - sa Julian Academy (mula 1891) sa ilalim ng AV Bouguereau, sa School of Decorative Arts (mula 1893) at sa School of Fine Arts (1895-99) sa ilalim ni G. . Moro; kinopya ang mga gawa ng mga lumang French at Dutch masters. Naranasan ang impluwensya ng neo-impressionism (pangunahin ang P. Signac), P. Gauguin, ang sining ng Arab East, sa isang tiyak na lawak - sinaunang Russian icon painting (siya ay isa sa mga unang sa Kanluran upang pahalagahan ang artistikong merito nito; noong 1911 bumisita siya sa Moscow). Matapos makilala ang gawain ng mga Impresyonista, Post-Impresyonista at pintor ng Ingles na si J. Turner, nagsimulang gumamit si A. Matisse ng higit pang mga puspos na kulay, na nagbibigay ng kagustuhan sa mga magagaan na kulay ("Bois de Boulogne", c. 1902, Pushkin Museum, Moscow; "Luxembourg Garden", c. 1902, Hermitage, Saint Petersburg). Siya ay lubos na naimpluwensyahan ng sining ni P. Cezanne ("Hubad. Lingkod", 1900, Museo ng Modernong Sining, New York; "Mga pinggan sa mesa", 1900, Hermitage, St. Petersburg).

Noong 1905-07 ang pinuno ng Fauvism. Sa sikat na Parisian Autumn Salon noong 1905, kasama ang kanyang mga bagong kaibigan, nagpakita siya ng ilang mga gawa, kabilang ang "The Woman in the Green Hat". Ang mga gawang ito, na gumawa ng isang nakakainis na sensasyon, ay naglatag ng pundasyon para sa Fauvism. Sa oras na ito, natuklasan ni Matisse ang iskultura ng mga tao ng Africa, nagsimulang kolektahin ito, interesado sa klasikal na Japanese woodcut at Arabic na pandekorasyon na sining. Noong 1906 natapos niya ang trabaho sa komposisyon na The Joy of Life, ang balangkas kung saan ay inspirasyon ng tula na "Afternoon of a Faun" ni S. Mallarmé: pinagsasama ng balangkas ang mga pastoral na motibo at bacchanalia. Lumitaw ang mga unang lithographs, woodcuts, at ceramics; Ang patuloy na pagpapabuti ng pagguhit, higit sa lahat ay ginawa gamit ang panulat, lapis at uling. Sa mga graphic ni Matisse, ang mga arabesque ay pinagsama sa isang banayad na paglipat ng sensual na alindog ng kalikasan.

Simula sa ikalawang kalahati ng 1900s, itinatag ni Matisse ang isang bagong uri ng artistikong pagpapahayag, gamit ang isang laconic, matalim at sa parehong oras nababaluktot na pattern, isang matalim na maindayog na komposisyon, isang magkakaibang kumbinasyon ng ilang mga zone ng kulay, ngunit matinding maliwanag at lokal ( panel para sa S. I. Shchukin sa Moscow "Sayaw" at "Musika", pareho - 1910, Hermitage, Leningrad), pagkatapos ay mayaman sa mga kakulay ng isang pangunahing tono, translucent at huwag itago ang texture ng canvas ("Artist's Workshop" , 1911, Museo ng Fine Arts na pinangalanang A. . Pushkin, Moscow).

Noong 1908-1912, si Matisse, na gumagamit ng halos eksklusibong purong kulay (sa mga bihirang bagay ay gumagamit siya ng mga transition, halo-halong tono), ay nagtatayo ng kanyang mga pagpipinta sa tatlong pangunahing tono. "Satyr and Nymph" - ang pagkakatugma ng berde, rosas at asul, "Sayaw" - asul, berde at pula, ang mga buhay pa rin ay binuo sa pagkakatugma ng lila, dilaw at pula o asul, lila at rosas. Pagkatapos, sa paligid ng 1912, lumingon siya sa apat na tunog na mga kulay, at ang isa sa apat na tono sa larawan ay binibigyan ng isang napakaliit na lugar: "Tangier" - asul, orange, rosas, pula, "Sa terrace" - lila, berde, rosas, asul ... "Pasukan sa Kazba" - pulang-pula, asul, berde, maputlang rosas. Sa mga susunod na taon, gumamit siya ng mas kumplikadong mga kumbinasyon at makabuluhang pinalawak ang kanyang palette, na nagpapakilala ng mas maraming iba't ibang mga shade.

Dito mahalagang ihayag ang kahulugan ng mga salita ni Matisse tungkol sa pakikipag-ugnayan ng mga purong tono. Ang pagsasalita tungkol sa mga shade, ang Matisse, siyempre, ay hindi nangangahulugang ang mga gradations ng saturation ng tono - ang kaputian, na posible rin kapag gumagamit ng isang purong kulay (sa Italian at Russian primitives). Siya, tila, ay hindi rin nasa isip ang mga haka-haka na lilim na dapat makita ng manonood sa banggaan ng mga saturated color planes, isang uri ng echo ng neo-impressionist theory ng optical color mixing. Ang panginginig ng boses na ito ay masyadong bahagyang, at ang sensasyon ng mga intermediate shade ay lumilipas. Narito kami ay nagsasalita, malinaw naman, tungkol sa pangangailangan na ipakilala ang mga transitional tone, kung saan dumating si Matisse mamaya.

Nagtatrabaho sa purong kulay, nais ni Matisse, tulad ng sinumang pintor, na maiwasan ang monotony - ang antithesis ng pictoriality, ngunit hindi siya palaging magtatagumpay, at ang ilan sa kanyang mga bagay ay nailalarawan sa monotony (panel na "Music"). Sa kabilang banda, sa 10s nais niyang panatilihin ang kadalisayan ng kulay sa lahat ng paraan. Ang pag-iwas sa paghahalo ng mga kulay, siya ay gumagamit ng isang pamamaraan na katulad ng glazing ng mga lumang master, na naglalagay sa isang mas magaan na madilim na pintura, halimbawa, rosas - puti, asul - lilac, atbp. Pagkatapos, upang gawing vibrate ang pintura, masigla niyang ipinihis ito sa canvas, sa halip na gumamit ng puti, pinakinang ito.

Ang patuloy na trabaho sa pagguhit ay nagpapahintulot kay Matisse na maging isang birtuoso ng brush. Ang mga contour sa kanyang mga painting ay kumpiyansa na iginuhit sa isang stroke. Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay madalas na katulad (lalo na sa pagpaparami) sa mga guhit ng brush. Ang kanilang epekto ay kadalasang nakasalalay sa isang dalubhasa, matapang na pagpindot.

Minsan gumagamit siya ng mga layer ng iba't ibang density (halimbawa, sa "Girl with Tulips"), na itinutulak ang isang kulay sa kapinsalaan ng isa pa. Gayunpaman, maraming mga bagay mula noong 1912 ang isinulat na may makinis, monotonous na texture. Kung ang ibabaw ng iba pang mga pagpipinta ng Matisse ay maaaring mukhang tuyo at walang pagbabago, kung gayon ito ay nagpapahiwatig na hindi isang pagwawalang-bahala sa materyal ng pagpipinta, hindi maiisip sa isang mahusay na artista, ngunit isang kakaibang takot sa karahasan laban sa materyal. Para kay Matisse, bilang isang pandekorasyon na artista, ang pagsasanib ng larawan kasama ang base nito, ang canvas, ay lalong mahalaga, ang kaputian at istraktura na kung saan ay isinasaalang-alang niya hangga't isinasaalang-alang ng monumentalista ang ibabaw ng dingding. Ngunit, naaalala ang base, minsan nalilimutan ni Matisse ang tungkol sa pintura mismo, tungkol sa mga partikular na tampok at posibilidad ng pagpipinta ng langis.

Ang partikular na kahalagahan ay ang pamamaraan ng hindi kumpletong mga detalye, lalo na mahusay na kapansin-pansin sa "Moroccan", "Laro ng bola" at iba pang mga bagay; ang kulay sa mga lugar na iyon na gustong lunurin ng artist ay hindi kinukuha, ngunit isang blangko na canvas ang naiwan (na kung minsan ay ginagawa upang ipakita ang liwanag), o ang detalye ay nananatiling underpainted (karamihan ay mga braso, binti, atbp.). Kinulong ni Matisse ang kanyang sarili sa matte, likidong pagpipinta at hindi binibigyang pansin ang mga isyu sa texture. Ito ay isang walang alinlangan na puwang sa kanyang trabaho, lalo na kung ihahambing natin ang kanyang pangmatagalang pagsusumikap sa mga kaibahan ng kulay, isang uri ng gawaing pang-agham sa pag-aaral ng psychophysical na reaksyon sa ito o sa kaibahan ng kulay na iyon. Hindi nasisiyahan si Matisse sa sistema ng mga karagdagang tono, na natuklasan ni Delacroix, na dinala sa isang sistema ng mga Impresyonista. Siya ay naghahanap ng mga dissonances, magaralgal, malupit na kasunduan; Dito posible ang isang kahanay sa kontemporaryong musika nina Stravinsky, Strauss at iba pa. Gaya ng mga kompositor na ito, siya ay apektado ng pagkabalisa, sikolohikal na kawalang-tatag, at labis na pagtaas ng damdamin ng modernong burges.

Sa pigil at mahigpit na paraan ng mga gawa ni Matisse noong ikalawang kalahati ng dekada 10, kapansin-pansin ang impluwensya ng Kubismo (The Music Lesson, 1916-17, Museum of Modern Art, New York); ang mga gawa ng 1920s, sa kabilang banda, ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang mahalagang spontaneity ng mga motibo, kanilang coloristic variety, at ang lambot ng kanilang pagsulat (ang "Odalisque" series). Noong 30-40s, ang Matisse, tulad nito, ay nagbubuod sa mga pagtuklas ng mga nakaraang panahon, na pinagsasama ang paghahanap para sa libreng dekorasyon ng panahon ng Fauvism na may malinaw na analytically na pagtatayo ng komposisyon (frieze sa Barnes Museum "Dance", 1931- 32, Merion, Philadelphia, USA), na may banayad na nuanced color system ("Plum tree branch", 1948, pribadong koleksyon, New York).

Sa kabuuan, ang gawain ni Matisse ay may ilang karaniwang tampok. Sa pagsisikap na salungatin ang walang hanggang mga halaga ng buhay sa magulong tensyon ng ika-20 siglong buhay, muli niyang nilikha ang maligaya na bahagi nito - ang mundo ng walang katapusang sayaw, ang matahimik na katahimikan ng mga idyllic na eksena, may pattern na mga karpet at tela, kumikinang na prutas, mga plorera, mga tanso, sisidlan at mga pigurin. Ang layunin ni Matisse ay dalhin ang manonood sa globo na ito ng mga perpektong imahe at pangarap, upang maihatid sa kanya ang isang pakiramdam ng kapayapaan o malabo, ngunit nakakabighaning pagkabalisa. Ang emosyonal na epekto ng kanyang pagpipinta ay nakamit, una sa lahat, sa pamamagitan ng matinding saturation ng sukat ng kulay, ang musikal ng mga linear na ritmo na lumilikha ng epekto ng panloob na paggalaw ng mga form, at sa wakas, sa pamamagitan ng kumpletong subordination ng lahat ng mga bahagi ng ang larawan, kung saan ang bagay kung minsan ay nagiging isang uri ng arabesque, isang namuong purong kulay (Red Fish, 1911 ; "Still Life with a Shell", 1940; parehong mga gawa ay nasa Pushkin Museum of Fine Arts).

Nakamit ni Matisse ang integridad at, sa parehong oras, nakamamanghang pagkakaiba-iba, una sa lahat, sa pamamagitan ng pagsasakatuparan ng isang tunay at organikong koneksyon sa pagitan ng kulay at anyo - linear-planar. Ang kulay ay nangingibabaw sa anyo para sa kanya na maaari itong ituring na tunay na nilalaman ng kanyang mga kuwadro na gawa, at lahat ng iba pa ay isang function lamang ng nakasisilaw, makapangyarihang kulay. Ang pagguhit tulad nito sa Matisse ay palaging nasa ilalim ng kalidad ng kanyang kulay, ang pag-unlad ng linya ay kasabay ng pag-unlad ng mga katangian ng larawan. Sa panahon ng mga unang paghahanap, ito ay medyo tamad at tinatayang ("The Dinner Table"), ang kanyang pagguhit ay unti-unting nagiging talamak at nagpapahayag. Matisse ay nagpinta ng maraming at walang kapaguran mula sa kalikasan, ang kanyang mga guhit ay nasa daan-daan, siya ay isang tunay na birtuoso ng pagguhit. Ang kanyang husay ay malinaw na kitang-kita sa alinman sa kanyang masigla, mapusok na sketch mula sa mga modelo. Una sa lahat, kapansin-pansin ang katumpakan kung saan inilalagay niya ang figure sa sheet, na agad na nahanap ang pagkakatugma ng mga proporsyon nito sa eroplano ng papel. Maging ang kanyang mga sketch ay compositional; sila ay karaniwang magkasya sa isang nagpapahayag arabesque pagputol ng eroplano pahilis. Ang isang piraso ng kalikasan ng isang receptive artist ay tila agad na binago sa isang play ng mga pandekorasyon na mga spot at stroke; sa parehong oras, gayunpaman, ang sigla ay hindi nabawasan sa lahat, ngunit sa halip ay matalas na binibigyang diin. Nang walang pag-iisip tungkol sa mga detalye, naiintindihan ni Matisse ang mismong axis ng paggalaw, matalinong ginagawang pangkalahatan ang mga liko ng katawan, nagbibigay ng integridad at kaayusan sa artikulasyon ng mga anyo. Ang mga guhit ni Matisse ay napakatalim, pabago-bago, pinasimple at laconic, ang kanilang kaplastikan ay kakaiba na hindi sila maaaring ihalo sa anumang mga gawa ng iba pang mga sikat na draftsmen sa kanyang panahon. Sa kasiglahan at spontaneity, hindi sila mas mababa sa mga Japanese, sa decorativeness - sa Persian miniature, sa pagpapahayag ng mga linya - sa mga guhit ni Delacroix. Bukod dito, ang kanilang batayan ay hindi sa lahat ng "virtuosity", hindi isang addiction sa mga kamangha-manghang mga stroke - sila ay nakabubuo sa totoong kahulugan, dahil sila ay nagpapakita ng plastic form na may kumpletong convincingness.

Bilang isang graphic artist, nagtatrabaho gamit ang isang panulat, lapis, uling, pag-ukit, linocuts at lithography, ang Matisse ay pangunahing gumagana sa isang linya, manipis, minsan pasulput-sulpot, minsan mahaba at bilog, pinuputol sa puti o itim na background [serye "Mga Tema at Pagkakaiba-iba ", uling, panulat , 1941; mga ilustrasyon: sa "Mga Tula" ni Mallarmé, sa "Pasiphae" ni de Montherlant, sa "Mga Tula ng Pag-ibig" ni Ronsard]. Noong 40s, madalas na ginagamit ni Matisse ang pamamaraan ng mga appliqués mula sa kulay na papel (serye ng Jazz, 1944-47). Si Matisse ay bumaling sa iskultura mula sa simula ng 1900s, ngunit lalo na madalas noong 20-30s (relief "Nude female figure from the back", bronze, 1930, Kunstmuseum, Zurich). Ang huling gawa ng Matisse - interior decoration (kabilang ang stained glass) "Chapel of the rosary" sa Vance, malapit sa Nice (1953). Namatay si Matisse sa Cimieux malapit sa Nice noong Nobyembre 3, 1954.

Isang mahusay na draftsman, si Matisse ay nakararami sa isang colorist, na nakakamit ng pare-parehong sound effect sa komposisyon ng maraming matitinding kulay. Kasama ng mga kuwadro na gawa, ang kanyang makikinang na mga guhit, mga ukit, mga eskultura, mga guhit para sa mga tela ay kilala. Ang isa sa mga pangunahing gawa ng pintor ay ang dekorasyon at mga stained-glass na bintana ng Dominican Chapel of the Rosary sa Vence (1951).

Ang mga artistang Pranses noong huling bahagi ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo ay napakapartikular sa pagsasayaw. Ang matikas na ballerina na si Degas at ang napakagandang prima ng Toulouse-Lautrec cabaret ay magkaibang pagkakatawang-tao lamang ng naka-istilong tema ng sayaw. Ang dakilang Henri Matisse ay walang pagbubukod. "Mahilig talaga ako sa sayaw. Isang kamangha-manghang bagay ang sayaw: buhay at ritmo. Madali para sa akin ang mamuhay sa sayaw," pagtatapat ng master. At kahit na ang mga imahe ng Matisse ay dayuhan sa pagiging totoo, at ang kanyang mga pandekorasyon na canvases ay may kaunting pagkakatulad sa mga tansong batang babae sa tutus, ang tema ng sayaw ay palaging lumilitaw sa lahat ng mga pagbabago sa kanyang karera.

Ang unang round dance ay lumitaw sa maagang pagpipinta ng artist na "The Joy of Life". Ang temang ito ay natagpuan ang pag-unlad nito 4 na taon mamaya, nang magsimulang magtrabaho si Matisse sa mga higanteng panel na "Sayaw" at "Musika", na kinomisyon ng sikat na kolektor ng Russia at pilantropo na si S. I. Shchukin. Ngunit bago pa man iyon, noong 1907, gumawa ang master ng isang kahoy na relief na may mga sumasayaw na nymph at ilang mga plorera ng may-akda para sa parehong motibo. Pagkatapos nito, nagsimulang lumikha si Matisse ng isang monumental na canvas para sa mansyon ng Shchukin sa Moscow.

"Kapag kailangan kong gumawa ng sayaw para sa Moscow, pumunta lang ako sa Moulin de la Galette noong Linggo. Nanood ako ng mga mananayaw. Nagustuhan ko lalo na ang farandola ... Pagbalik sa aking lugar, binubuo ko ang aking apat na metrong haba ng sayaw, kumakanta ng parehong himig." Ang maliwanag na pulang figure na umiikot sa isang mad round dance ay hindi lamang nalulugod sa customer, ngunit dinala din ang lumikha ng larawan na karapat-dapat na katanyagan. Ito ay hindi nagkataon na halos isang-kapat ng isang siglo mamaya, Matisse muli bumalik sa tema ng sayaw.

Ang order, na dumating noong 1930 mula sa sikat na Amerikanong kolektor na si Albert Barnes, ay talagang mahirap: ang pandekorasyon na canvas ay kailangang ilagay sa mga arched vault sa itaas ng mga bintana. Ang kilalang kliyente ay matalinong iniwan ang pagpili ng tema at pamamaraan sa pagpapasya ng artist. Ngunit, lumingon sa kanyang paboritong paksa, lumikha si Matisse ng isang gawain na hindi katulad ng pabago-bago at kamangha-manghang panel na "Shchukin".

Ang sayaw ng Paris "ay ipinaglihi ni Matisse sa kanyang ikapitong dekada. Gayunpaman, ito ay itinuturing na isa sa pinaka matapang at makabagong mga gawa ng artist. At lahat dahil lalo na para sa order na ito, ang may-akda ay nakabuo at nakabuo ng isang orihinal na pamamaraan ng decoupage (na sa Pranses ay nangangahulugang" gupitin "). Tulad ng isang higanteng palaisipan, ang larawan ay binuo mula sa magkahiwalay na mga fragment. Mula sa mga sheet na dating pininturahan ng gouache, personal na pinutol ng maestro ang mga figure o mga piraso ng background gamit ang gunting, na noon ay (ayon sa sa pagguhit na ipinahiwatig ng uling) na naka-attach sa base na may mga pin. ang huling yugto - pagguhit ng pintura sa canvas - naganap sa tulong ng isang pintor, na kumikilos sa mga tagubilin ng artist.

Ang mga gawa ng decoupage ay itinuturing na mga obra maestra ng huli at napakahuli na Matisse. Dahil isa na siyang maysakit na matanda, nakaratay, hindi niya binibitawan ang gunting at patuloy na humihingi ng kulay na papel.

Sa totoo lang, ang panel na "Parisian Dance" ay umiiral sa tatlong bersyon. Ang pinakamaagang ngunit hindi kumpletong bersyon ay mahalagang isang paghahanda sketch. Sa pangalawa, halos natapos na ang ganap na trabaho, isang nakakasakit na pagkakamali ang lumabas: Nagkamali si Matisse sa laki ng silid, at ang buong canvas ay kailangang muling isulat muli. Ang huling bersyon ay naaprubahan ng kliyente at matagumpay na naglayag sa ibang bansa. At ang nauna, "may depekto", naalala ng artista at noong 1936 ay pumayag siya para sa isang katamtamang bayad sa Museum of Modern Art sa lungsod ng Paris.

Ngayon, ang "Parisian Dance" ay wastong itinuturing na perlas ng koleksyon ng museo na ito - hindi walang dahilan na ang isang espesyal na bulwagan ay itinayo upang ipakita ang higanteng canvas. Ang pagpipinta ay matatag na naayos sa tatlong bintana sa mga arched vault at, bilang matapat na inamin ng direktor ng museo, "ay hindi nagpapahiwatig ng posibilidad ng transportasyon."

Ngunit narito ang mga residente ng St. Petersburg at Moscow ay hindi kapani-paniwalang masuwerte: ang Museo ng Kontemporaryong Sining sa Paris ay sarado para sa isang pangmatagalang muling pagtatayo. Ang natatanging panel ay ipinadala sa Russia na may malawak na kilos: sa una ay nakabitin ito ng tatlong buwan sa State Hermitage, at ngayon (mula Setyembre 6) ay nakarating ito sa Pushkin State Museum of Fine Arts. At isa pang kawili-wiling detalye: habang nagtatrabaho sa "Parisian Dance", nakilala ni Henri Matisse ang isang simpleng babaeng Ruso, si Lydia Nikolaevna Delectorskaya, na naging unang sekretarya, pagkatapos ay isang hindi maaaring palitan na katulong at nars, at pagkatapos - ang pinakamalapit na kaibigan ng artist at huling muse. . Noong Oktubre 1933, lumipat si Lydia Delektorskaya sa bahay ng Matisse at "nanatili" doon sa halos 22 taon, hanggang sa pagkamatay ng dakilang panginoon.

Ang mga panel ng Matisse na "Sayaw" at "Musika", na gumawa ng isang nakakainis na sensasyon sa eksibisyon ng Paris Autumn Salon noong 1910, ay inatasan ng noon ay kilalang Pranses na artista na Russian industrialist at kolektor na si S. Shchukin, na nag-imbita kay Matisse sa Moscow, ipinakilala siya sa V. Bryusov , V. Serov, N. Andreev, ay nagbigay ng pagkakataong makita ang mga lumang icon ng Russia, kung saan natuwa ang Pranses na artist.

Ganito ipinakita ni Matisse ang ideya ng dalawang canvases na ito: "Inaakala ko ang isang bisita na pumapasok. Ang unang palapag ay bumubukas sa harap niya. Kailangan niyang pumunta pa, gumawa ng pagsisikap, kailangan niyang pukawin ang isang pakiramdam ng kagalakan. Ang aking unang panel ay naglalarawan ng isang sayaw, isang pabilog na sayaw sa tuktok ng burol. Sa ikalawang palapag. nasa loob ka na ng bahay, ang diwa ng katahimikan ay naghahari dito, at nakita ko ang isang eksena sa musika na may matulunging nakikinig ... "Nakita rin ni Matisse ang ikatlong eksena, na naglalaman ng kumpletong kapayapaan.

Ang pangunahing gawain para sa kanya ay upang makamit ang integridad ng mga kuwadro na ito ng easel, na walang gaanong kinalaman sa arkitektura at pandekorasyon na grupo. Sa parehong komposisyon, mararamdaman ng isa ang echo ng mga komposisyon ng Fauvist ni Matisse, na ginawa sa ilalim ng direktang impresyon ng mga French folk dances na nakita niya sa timog ng France.

Sinabi ng mga nakakakilala sa artist na kahit na hindi siya inutusan ni Shchukin ng pangalawang komposisyon, ito ay ipinanganak pa rin. Sa pabago-bago, galit na galit na "Sayaw" makikita ang mga kumplikadong foreshortenings, isang hindi pangkaraniwang pagkakaugnay ng mga kamay at katawan, at sa kabaligtaran ng ritmo ng "Musika" ang batayan ng komposisyonal na solusyon ay hindi dinamika, hindi paggalaw, ngunit ang ganap na kawalang-kilos ng hiwalay. , mga figure na nasa harapan. Dalawang canvases, ang isa ay may limang sumasayaw na figure, ang isa ay may limang nakaupo na nagniningas na figure, ay magkapareho sa sukat ng kulay, sa plane reading ng form, sa abstract na tema, ngunit kabaligtaran sa ritmo. Si Matisse, tulad ng isinulat niya mismo, ay pininturahan ang kanyang mga kuwadro na gawa "sa saturation, upang ... ang asul ay ganap na nahayag, tulad ng ideya ng ganap na asul."

Matapos ang "Sayaw" at "Musika" ay nagdulot ng isang iskandalo sa Autumn Salon, tumanggi si S. Shchukin na kunin sila at ipinaliwanag ito sa pamamagitan ng kawalang-hiningan sa pagpapaliwanag ng ilang mga figure. Ang mga batang babae ay nanirahan lamang sa kanyang bahay, at ayaw niyang mapahiya sila. Gayunpaman, pagkaraan ng ilang sandali, nagbago pa rin ang isip niya. Si Matisse, gayunpaman, ay kailangang maglagay ng pulang pintura sa pigura ng lalaking flutist upang maitago ang mga palatandaan ng kasarian. Ngayon ang mga panel ni Matisse na "Sayaw" at "Musika" ay naka-display sa State Hermitage Museum sa St. Petersburg.

Si Henri Matisse ay mahilig sa mga impresyonista at neo-impresyonista, Gauguin, ang sining ng Arab East, sa edad na 35 siya ay naging pinuno ng Fauves. Ang kanyang scheme ng kulay ay elegante at sopistikado, at napaka-musika linear rhythms lumikha ng epekto ng panloob na paggalaw. Wala sa mga tagasunod ng Matisse ang nakamit ang gayong kumpletong komposisyon at pandekorasyon na subordination ng lahat ng mga elemento ng larawan tulad ng ginawa niya, nananatili siyang isang hindi maunahang master ng pandekorasyon na pagpipinta. Siya mismo ang lumikha ng kanyang sarili, kakaibang mundo ng musika, mabilis na sayaw, isang mundo ng kumikinang na mga pigurin, mga plorera at prutas, isang mundo ng matahimik na kapayapaan at masayang limot.

Si Henri Matisse ay ipinanganak noong Disyembre 31, 1869 sa hilagang France, sa Cato Cambresi, at ginugol ang kanyang pagkabata sa Boen-en-Vermandois. Ang kanyang ama ay isang mangangalakal ng butil at nangarap na ang kanyang anak ay magiging isang abogado. Pagkatapos ng Lyceum Saint-Quentin, nag-aral ng abogasya si Matisse sa Paris, nagtrabaho para sa isang abogado sa Boen-en-Vermandois. Sa unang pagkakataon ay sinubukan niyang magpinta matapos siyang ma-ospital at maoperahan - inalis ang appendicitis. Sa edad na 20, nagsimula siyang magpinta sa School of Ventin de la Tour, at noong 1891 ay nagpunta sa Paris, kung saan inihanda siya nina Bouguereau at Ferrier para sa pagpasok sa School of Fine Arts. Sa mga kurso sa gabi sa School of Decorative Arts, nakilala niya si Albert Marquet, pumasok sa workshop ni Gustave Moreau sa School of Fine Arts. Marami siyang kinopya sa Louvre, naglakbay sa Brittany, at noong 1897 ay ipinakita sa Salon ng National Society of Fine Arts ang isa sa kanyang pinaka makabuluhang impresyonistikong mga gawa - ang pagpipinta na "Dessert".

Si Matisse ay madalas na tinatawag na anak at asawa ng milliner. Noong 1898 pinakasalan niya ang napakarilag na matangkad sa timog na si Amelia-Noe-mi-Alexandrine Prayer. At magkasama silang pumunta sa London, kung saan unang nakita ni Matisse ang mga gawa ng "tagapagbalita ng araw", ang romantikong iniidolo ng mga Impresyonista - Turner. Naalala ng isa sa mga kaibigan ni Matisse na sinabi ni Matisse na mahal niya ang London dahil "unang nakilala niya siya sa kanyang hanimun."

Pagkatapos ng London, nagpunta ang artista sa Corsica, sa Toulouse. Nang mamatay si Moreau, umalis si Matisse sa School of Fine Arts at sa parehong 1899 ay nagsimulang pumasok sa Carriere Academy, kumuha ng sculpture (sa mga kurso sa gabi). Kabilang sa kanyang mga kaibigan ay sina Pissarro, Derain, Puy, Marquet, kung saan nagpinta siya ng isang pandekorasyon na frieze, Mignac, Cross, Maillol at iba pang sikat na artista noong panahong iyon.

Noong 1901, nagsimulang ipakita ni Matisse ang kanyang trabaho sa Salon of the Independent, sa Berthe Weil Gallery, at sa Salon d'Automne. Nagtatrabaho noong 1904 kasama ang Signac at Cross, si Matisse ay nabighani sa dibisyonismo - isang painterly na sistema na nakabatay sa methodical decomposition ng isang kumplikadong tono ng kulay sa mga purong kulay, na naayos sa canvas na may hiwalay na mga stroke, na umaasa sa kanilang optical mixing sa visual na perception.

At noong 1905 si Matisse ay naging pinuno ng isang bagong kalakaran - Fauvism. Sa Salon d'Automne, ang Manguin, Puy, Marquet, Derain, Vlaminck, Valta ay ipinakita kasama niya, na nagbahagi ng kanyang mga pananaw sa pagpipinta, tulad niya, ay naghangad na tumuon sa scheme ng kulay ng kanilang mga komposisyon, batay sa mga ito sa ratio. ng mga maliliwanag na lokal na spot ng kulay.

Noong 1906, sa Salon of the Independent, ipinakita ni Matisse ang isa sa kanyang pinakamalaking komposisyon, "The Joy of Life", na kalaunan ay nagsilbing batayan para sa panel na "Sayaw". Sa panahong ito, gumawa siya ng mga woodcut at lithograph. Saglit akong pumunta sa Algeria, at pagkatapos ay sa Italya.

Noong 1907, naghiwalay ang grupong Fauvist, at binuksan ni Matisse ang kanyang sariling workshop. Ang kanyang mga pintura ay ipinakita sa New York, Moscow, Berlin. Inilathala niya ang Mga Tala ng isang Pintor at nanirahan sa mga suburb ng Paris, Issy-les-Moulineaux.

Noong 1910, isang iskandalo ang sumabog sa Salon d'Automne dahil sa kanyang mga panel na "Dance" at "Music". Noong 1911 binisita ni Matisse ang Moscow, noong 1912 - Morocco, nagsimulang magpakita ng iskultura. Mula noon, ang kanyang mga personal na eksibisyon ay ginanap sa maraming lungsod sa buong mundo, at ang Bernheim-Gen gallery ay regular na nag-organisa ng kanyang mga personal na eksibisyon.

Noong 1920, si Henri Matisse, sa kahilingan ni S. Diaghilev, ay gumawa ng mga modelo ng tanawin at sketch ng mga costume para sa mga ballet ng Russia.

Noong 1921 lumipat siya sa Nice, nagsimulang magtrabaho sa mga ilustrasyon ng libro at inatasan ng American Barnes na gumawa ng isang monumental na panel ng pagpipinta na "Dance", na na-install sa lungsod ng Merion noong 1933.

Ang anak ng artist na si Pierre ay nagbukas ng kanyang sariling gallery sa New York, kung saan ipinakita niya ang gawa ng kanyang ama. Ang pagkakaroon ng isang mahirap na operasyon noong 1941, sa mga nakaraang taon ay nagtrabaho si Matisse bilang isang artist ng libro, at naging interesado sa mga collage.

Higit sa lahat mahilig magpinta ng mga bulaklak, puno at babae si Matisse. Ganito siya mismo ang sumulat tungkol sa kanyang trabaho: "Lubos akong umaasa sa aking modelo, na pinag-aaralan ko kapag siya ay libre sa pag-pose, at pagkatapos lamang ako nagpasya na pumili ng isang pose para sa kanya na pinaka-angkop sa kanyang pagkatao. Kapag kumuha ako ng bago modelo, Nakikita ko ang isang angkop na posisyon para sa kanya kapag siya ay nasa isang estado ng pagpapahinga at kalmado, at ako ay nagiging alipin sa posisyon na ito. Katrabaho ko ang mga babaeng ito kung minsan sa loob ng maraming taon hanggang sa matuyo ang interes. Ang aking mga plastik na palatandaan, marahil , ipahayag ang kanilang estado ng pag-iisip .. . kung ano ang interes sa akin nang hindi masagot ... "

Kaya naman ang kanyang mga babae ay parang mga bulaklak, at ang mga bulaklak ay parang mga buhay na tao ...

Nagbigay si Matisse ng bagong pananaw sa mundo. Kung ang dakilang Leonardo da Vinci ay nagtalo na ang pangunahing himala ng pagpipinta ay ang kakayahang ihatid ang dami ng isang bagay, pagkatapos ay isinalin ni Matisse ang lahat sa isang eroplano. Ang mansanas ay naging bilog mula sa isang bola. Inalis ni Matisse ang lalim mula sa pagpipinta at nagsimulang baguhin ang kalikasan, ginawa itong naaayon sa kanyang mga iniisip. Maaari niyang isuko ang pigura ng tao sa linya ng palamuti, tulad ng nangyayari sa kanyang "Red Room", maaari niyang ilipat ang figure na may kaugnayan sa suporta - ginawa niya ito sa "Standing Dawn". Kahit na ang kanyang sahig ay biglang naging sloping, at ang mga kulay ay nagbigay ng pisikal na sensasyon ng dumadaloy na maalinsangan na hangin ("The Entrance to Kozba") o malamig na transparent na tubig sa aquarium ("Red Fish").

Sa sobrang kasiyahang ipininta ni Matisse ang mga pattern ng mga oriental na karpet, gaano siya kaingat na nakamit ang tumpak, magkatugma na mga ratio ng kulay! Napakarilag, puno ng misteryosong inner light at ang kanyang still lifes, portraits, hubo't hubad.

Sinasabi ng mga kritiko ng sining na kung si Matisse ay hindi isang pintor, siya ay nakapasok sa nangungunang sampung Pranses na iskultor. Siya ang unang gumamit ng pagpapapangit para sa pagpapahayag, at, tulad ng inamin niya mismo, kung si Mayol, bilang isang master ng antiquity, ay nagtrabaho sa dami, siya, tulad ng mga masters ng Renaissance, ay nabighani ng mga arabesque, nakamit ang isang katangi-tanging linya ng silweta. Isa sa pinakasikat na bronze statues ng Matisse, "Large Seated Nude" ay nilikha noong 1920s - kasabay ng kanyang mga canvases na "Odalisque" at "Nude Seated on a Blue Cushion".

Sinabi ng mga kontemporaryo na kapag nag-sculpting si Matisse, madalas niyang binabasa ang luad, at mula dito, kapag pinaikot ang makina, ang mga figure ay madalas na nahulog at gumuho. Pagkatapos ay kinuha ni Matisse ang isang brush sa kanyang mga kamay at inilipat ang kanyang plastik na paningin sa canvas.

Isa sa mga huling dakilang gawa ni Henri Matisse ay ang disenyo ng Rosary Chapel sa Vence malapit sa Nice, kung saan mula 1948 hanggang 1951 ay nagtrabaho siya bilang isang arkitekto, pintor, iskultor at dekorador.

Ang pagguhit, hindi pangkaraniwang, magaan, plastik, ay palaging sinasakop ang isa sa mga pangunahing lugar sa trabaho ni Matisse. Noong 1920s, ang kanyang mga guhit ay mahusay na binuo at tiyak, nang maglaon ay naging interesado siya sa mga guhit ng brush, na naging nakakagulat na makulay para sa kanya. Noong 1919, sa kanyang mga guhit ay lumitaw ang "tema ng isang sumbrero na may mga balahibo ng ostrich", noong 1935 - "ang tema ng mga salamin", noong 1940 - "ang tema ng isang babae sa isang silyon", at noong 1944 - isang "tema ng mga milokoton". Sa pamamaraan ng pagguhit - monumental, figurative-plastic - ang kanyang huling pagpipinta sa "Chapel of the Rosary" ay ginawa din.

Si Louis Aragon sa kanyang hindi pangkaraniwang nobela na "Henri Matisse" ay sumulat:

Buong buhay

Gumuhit sa kanya ng isang salita na tunog sa kanya ...

Noong 1952, binuksan ang Henri Matisse Museum sa Cato Cambresi. Binuksan sa panahon ng buhay ng artist.

Sa isang artikulong pinamagatang "Dapat nating tingnan ang mundo sa pamamagitan ng mga mata ng isang bata", inihayag ni Henri Matisse ang lihim ng pagiging bago at kagandahan ng kanyang mga gawa: "Naniniwala ako na para sa isang pintor ay walang mas mahirap kaysa sa pagpinta ng isang rosas; ngunit siya ay makakagawa ng sarili niyang rosas sa pamamagitan lamang ng paglimot sa mga rosas na nakasulat sa harapan niya... Ang unang hakbang sa pagkamalikhain ay ang makita ang tunay na anyo ng bawat bagay... Ang lumikha ay upang ipahayag kung ano ang nasa iyo."

Liwanag ng mga kulay, pagiging simple ng pamamaraan, pagpapahayag - ang mga kuwadro na gawa ng Pranses na artist na si Henri Matisse ay humanga sa kanilang pagka-orihinal. Sinubukan ng pinuno ng Fauvism ang isang grupo ng mga direksyon sa visual arts, bago mahanap ang kanyang sariling istilo, na nailalarawan sa pamamagitan ng isang "ligaw" na karakter.

Pagkabata at kabataan

Ang lugar ng kapanganakan ng mahusay na pintor ay ang hilagang bayan ng Le Cato Cambresi sa France. Dito noong 1869 sa pamilya ng isang matagumpay na mangangalakal ng butil ay ipinanganak ang panganay, na pinangalanang Henri Emile Benoit Matisse. Ang kapalaran ng bata ay isang foregone na konklusyon - sa oras na iyon ang unang tagapagmana sa pamilya ay obligadong kunin ang negosyo ng ama sa hinaharap. Ngunit, tila, minana ng batang lalaki ang mga gene ng kanyang ina, na gustong iwanan ang kanyang libreng oras sa pagpipinta ng mga ceramic crafts.

Si Anri ay inihanda nang detalyado para sa hinaharap, nag-aral siya sa paaralan, pagkatapos ay sa Lyceum. Dagdag pa, ang matigas na anak na lalaki, laban sa kalooban ng ulo ng pamilya, ay pumunta sa Paris upang maunawaan ang mga legal na agham. Sa isang diploma na malayo sa sining, umuwi siya, kung saan nagtrabaho siya ng ilang buwan bilang isang klerk.

Ang kapalaran ay napagpasyahan ng sakit. Ang malikhaing talambuhay ng magaling na artista ay nagsimula noong 1889, nang si Henri Matisse ay nahulog sa ilalim ng kutsilyo ng siruhano na may apendisitis.

Nagpapagaling siya pagkatapos ng operasyon sa loob ng dalawang buwan. Upang ang anak ay hindi nababato, ang kanyang ina ay nagdala ng mga gamit sa pagguhit sa ospital, at si Matisse ay nagsimulang walang pag-iimbot na kopyahin ang mga color card. Sa oras na ito, sa wakas ay naunawaan na ng binata kung ano ang gusto niyang pag-ukulan ng kanyang buhay.

Pagpipinta

Ang pangarap na maging isang mag-aaral ng Moscow School of Fine Arts ay hindi natupad. Nabigo si Henri sa kanyang debut admission, kaya kailangan muna niyang umupo sa mga mesa ng iba pang mga institusyong pang-edukasyon, kung saan siya ay ipinakilala sa mga pangunahing kaalaman sa pagpipinta. Gayunpaman, noong 1895, ang "kuta" ay sumuko - kasama ang hinaharap na sikat na artista na si Albert Marquet Matisse, pumasok siya sa coveted School of Arts, sa workshop ng Gustave Moreau.

Ang bilog ng mga interes sa simula ng pagkamalikhain ay kasama ang kontemporaryong sining, si Henri Matisse ay mausisa din tungkol sa direksyon ng Hapon. Ang simbolista sa ubod ng Moreau ay nagpadala ng kanyang mga mag-aaral upang matutong "maglaro ng may kulay" sa Louvre, kung saan sinubukan ni Henri na gayahin ang mga klasiko ng pagpipinta sa pamamagitan ng pagkopya ng mga pintura. Itinuro ng master na "managinip ng kulay", kung saan ang artist na si Matisse ay bumuo ng isang simbuyo ng damdamin para sa paghahanap ng mga angkop na lilim upang maihatid ang mga emosyon.

Sa unang bahagi ng trabaho, naipakita na ang pinaghalong mga turo ni Moro sa mga elementong hiram sa mga kinikilalang brush master. Halimbawa, ang buhay na buhay na "Isang bote ng schidam" ay kapansin-pansin para sa kalabuan nito: sa isang banda, ang mga madilim na kulay ay nagtataksil ng imitasyon ni Chardin, at malawak na mga stroke at isang halo ng itim at pilak -. Kalaunan ay inamin ni Henri:

"Nakikita ko ang nagpapahayag na bahagi ng kulay na intuitively. Ang pag-render ng landscape ng taglagas, hindi ko maaalala kung aling mga kulay ng kulay ang angkop para sa oras na ito ng taon, ako ay magiging inspirasyon lamang ng mga sensasyon ng taglagas ... Pinipili ko ang mga kulay hindi ayon sa anumang teoryang pang-agham, ngunit ayon sa pakiramdam, pagmamasid. at karanasan."

Ang pag-aaral ng mga klasiko ay mabilis na naiinip sa artista, at bumaling siya sa mga impresyonista, lalo na, sambahin ang mga canvases. Ang kulay sa mga unang gawa ay mapurol pa rin, ngunit unti-unting nakakuha ng kayamanan, ang grabitasyon patungo sa impresyonismo ay nagsimulang magbago sa sarili nitong natatanging istilo. Noong 1896, ang mga unang likha ng isang naghahangad na pintor ay nagsimulang lumitaw sa mga salon ng sining.

Ang unang solong eksibisyon ay hindi gumawa ng splash sa mga bilog ng art connoisseurs. Nagpasya si Henri Matisse na umalis sa kabisera ng Pransya sa mas malayong hilaga, kung saan sinubukan niya ang kanyang kamay sa pamamaraan ng mga point stroke. Sa oras na ito, ang unang obra maestra, "Luxury, Peace and Pleasure", ay lumabas mula sa ilalim ng kanyang panulat. Ngunit hindi rin nahanap ng lalaki ang ganitong paraan ng pagsulat ng "katutubo".

Ang rebolusyon sa trabaho ng artista ay dumating noong 1905. Si Matisse, kasama ang isang grupo ng mga taong katulad ng pag-iisip, ay lumikha ng isang bagong istilo sa pagpipinta na tinatawag na Fauvism. Ang enerhiya ng mga kulay na ipinakita sa eksibisyon sa taglagas ay namangha sa madla. Iniharap ni Henri ang dalawang gawa - ang larawang "Babae sa Sumbrero" at ang pagpipinta na "Open Window".

Ang isang alon ng galit ay bumagsak sa mga artista, ang mga bisita ng eksibisyon ay hindi naiintindihan kung paano posible na pabayaan ang lahat ng mga tradisyon ng pinong sining. Ang mga nagtatag ng istilo ay tinawag na mga Fauves, iyon ay, ang mga ganid.

Gayunpaman, ang gayong pansin, kahit na negatibo, ay nagdala ng katanyagan at magagandang dibidendo sa Matisse: ang mga kuwadro na gawa ay may mga tagahanga na nasisiyahang bilhin ang mga ito. Halimbawa, agad na kinuha ng Amerikanong manunulat na si Gertrude Stein ang Woman in the Hat sa eksibisyon, at ang pagpipinta na The Joy of Life, na lumitaw noong 1906, ay binili ng sikat na kolektor na si Leo Stein.

Maya-maya, isang makabuluhang kaganapan ang nangyari - ang artista ay nakilala sa isang hindi pa rin kilala, ang komunikasyon ay nagresulta sa mga dekada ng pagkakaibigan, kung saan ang mga master ng brush ay nakikipagkumpitensya sa bawat isa. Sinabi ni Picasso na ang pagkamatay ng sinuman sa kanila ay isang hindi na mababawi na pagkawala para sa lahat, dahil walang ibang tatalakayin ang ilang malikhaing isyu nang napakarahas.

Dalawa sa pinakasikat na canvases - "Sayaw" at "Musika" - Sumulat si Matisse para sa patron na si Sergei Shchukin. Ang Russian ay nag-order ng mga kuwadro na gawa para sa isang bahay sa Moscow. Ang artista, na gumagawa ng mga sketch, ay nagtakda ng layunin na lumikha ng isang bagay upang ang taong papasok sa mansyon ay makadama ng kaginhawahan at kapayapaan. Kapansin-pansin na personal na pinangasiwaan ni Henri ang pag-install ng mga kuwadro na gawa - dumating ang Pranses sa kabisera ng Russia, kung saan siya ay tinanggap nang may sigasig. Ang artist mismo ay humanga sa koleksyon ng mga sinaunang icon ng may-ari ng bahay at ang pagiging simple ng mga Ruso.

Tila, ang artist ay nakatanggap ng isang mahusay na bayad, dahil siya ay agad na naglakbay. Bumisita sa silangang fairy tale ng Algeria, at pagbalik sa bahay, agad siyang umupo sa trabaho - nakita ng liwanag ang larawang "Blue Nude". Ang paglalakbay na ito ay gumawa ng isang hindi matanggal na impresyon kay Matisse, ang mga bagong elemento ay lumilitaw sa kanyang trabaho, ang tao ay lumilikha ng mga lithograph, mga ukit sa mga keramika at kahoy.

Ang kagandahan ng Silangan ay hindi pinakawalan, ang Pranses ay patuloy na nakilala sa Africa, na naglakbay sa Morocco. At pagkatapos ay naglakbay siya sa Europa at Amerika. Sa oras na ito, ang kanyang trabaho ay unti-unting nagsimulang mawala ang mga palatandaan ng Fauvism, na pinupuno ng kapitaganan at espesyal na lalim, lumitaw ang isang koneksyon sa kalikasan.

Noong Ikalawang Digmaang Pandaigdig, ang artista ay nasuri na may oncology; pagkatapos ng operasyon, ang lalaki ay hindi makagalaw. Sa panahong iyon, naimbento ni Matisse ang isang bagong direksyon sa larangan ng decoupage, na batay sa pagsasama-sama ng mga kuwadro na gawa mula sa mga piraso ng kulay na papel.

Tinapos ni Henri Matisse ang kanyang trabaho sa isang malakihang proyekto para sa disenyo ng isang madre sa Vence. Sinasabing ang artista ay pina-edit lamang ang mga stained glass sketch, ngunit masigasig niyang ibinulong ang kanyang manggas at gumawa ng isang kumpletong proyekto. Sa pamamagitan ng paraan, itinuturing ng lalaki ang gawaing ito bilang isang tiyak na tanda ng kapalaran sa pagtatapos ng kanyang buhay at ang pinakamahusay sa kanyang alkansya ng mga artistikong gawa.

Personal na buhay

Ang personal na buhay ni Henri Matisse ay biniyayaan ng tatlong babae. Noong 1984, ang artista ay naging ama sa unang pagkakataon - ang modelo na si Carolina Zhobleau ay nagbigay sa talentadong pintor ng isang anak na babae, si Margarita. Gayunpaman, hindi pinakasalan ni Henri ang babaeng ito.

Ang opisyal na asawa ay si Amelie Pareyre, na nakilala ng kinatawan ng mundo ng pagpipinta sa kasal ng isang kaibigan. Nagsilbing abay ang dalaga, at aksidenteng napaupo si Anri sa tabi ng mesa. Na-love at first sight si Amelie, nagsimula na ring magpakita ng atensyon ang binata. Ang batang babae ay naging unang malapit na tao na naniniwala sa kanyang talento nang walang kondisyon.

Bago ang kasal, binalaan ng lalaking ikakasal ang nobya na ang trabaho ay palaging magiging pangunahing lugar sa buhay. Kahit sa kanilang honeymoon, ang bagong-gawa na pamilya ay nagpunta sa London upang makilala ang trabaho ni William Turner.

Ang mga anak nina Jean-Gerard at Pierre ay ipinanganak sa kasal. Dinala rin ng mag-asawa si Margarita sa kanilang pamilya para sa edukasyon. Sa loob ng maraming taon, pinalitan ng anak na babae at asawa ang mga pangunahing modelo at muse ng artista. Isa sa mga sikat na painting na nakatuon sa kanyang asawa ay ang The Green Stripe, na ipininta noong 1905.

Ang larawang ito ng minamahal na babae ay namangha sa mga connoisseurs ng sining noong panahong iyon sa "kapangitan" nito. Naniniwala ang madla na ang kinatawan ng Fauvism ay lumampas sa liwanag ng mga kulay at tapat na katotohanan.

Sa tuktok ng katanyagan, na nahulog sa 30s, kailangan ng artist ng isang katulong. Lumipat si Matisse sa Nice kasama ang kanyang pamilya noong panahong iyon. Minsan ay lumitaw sa bahay ang isang batang Russian emigré na si Lydia Delektorskaya at naging sekretarya ng pintor. Sa una, ang asawa ay hindi nakakita ng panganib sa batang babae - hindi gusto ng kanyang asawa ang mga blonde. Ngunit agad na nagbago ang sitwasyon: nang hindi sinasadyang makita niya si Lydia sa kwarto ng kanyang asawa, sumugod si Henri upang iguhit siya.

Kasunod nito, hiniwalayan ni Amelie ang kanyang sikat na asawa, at si Dilektorskaya ay naging huling muse ng Matisse. Anong uri ng relasyon ang naghari sa unyon na ito, ito ba ay pag-ibig, o ang mag-asawa ay limitado sa magkasanib na trabaho, ay hindi pa rin alam. Kabilang sa mga pagkakalat ng mga guhit at pagpipinta na naglalarawan kay Lydia, ang canvas na "Odalisque. Asul na pagkakaisa ".

Kamatayan

Noong Nobyembre 1, 1954, si Henri Matisse ay nagkaroon ng microstroke. Namatay ang dakilang artista pagkaraan ng dalawang araw. Sinasabi ng alamat na bago siya namatay, binisita ni Dilektorskaya ang pintor sa silid-tulugan, kung saan sinabi niya:

"Sa ibang araw sasabihin mo, mag lapis at papel tayo."

Nakangiting sumagot si Henri:

"Kumuha tayo ng lapis at papel."

Mga likhang sining

1896 - "Isang bote ng schidam"
1905 - Ang Kagalakan ng Buhay
1905 - "Babae na may Sombrero"
1905 - Green Stripe
1905 - "Buksan ang Bintana sa Collioure"
1907 - "Asul na Hubad"
1908 - Ang Red Room
1910 - "Musika"
1916 - "Bather by the River"
1935 - "Pink Nude"
1937 - "Ang Babae na Naka-Purple Coat"
1940 - Blusa ng Romanian
1952 - Ang Kalungkutan ng Hari

Kategorya ng Mga Detalye: Fine arts and architecture of the XX century Na-publish noong 17.09.2017 14:21 Hits: 1748

Ano ang pinakamahusay na paraan upang maihatid ang mga damdamin?

Siyempre, sa pamamagitan ng kulay at hugis. Akala ni Henri Matisse. Pagkatapos ng lahat, siya ang pinuno ng mga Fauves, na tinawag ng kritikong Pranses na si Louis Voxel na "mga ligaw na hayop" (French les fauves). Ang mga kontemporaryo ay tinamaan ng kanilang pagtataas ng kulay, "ligaw" na pagpapahayag ng mga kulay. Ang hindi sinasadyang pahayag na ito ay naayos bilang ang pangalan ng buong kilusan - Fauvism, bagaman ang mga artista mismo ay hindi nakilala ang pangalang ito.

A. Morer. Fauvist na tanawin
Artistic na direksyon sa French painting fauvism nabuo mula sa katapusan ng ika-19 hanggang sa simula ng ika-20 siglo.
Mga pinuno ng direksyon - sina Henri Matisse at André Derain. Kabilang sa mga tagasuporta ng trend na ito ay sina Albert Marquet, Charles Camouan, Louis Valt, Henri Evenépoul, Maurice Marino, Georges Rouault, Georges Braque, Georgette Agutte at iba pa.

Henri Matisse: mula sa isang talambuhay (1869-1954)

Henri Matisse. Ang Litrato
Ang natitirang artistang Pranses na si Henri Matisse ay ipinanganak noong Disyembre 31, 1869 sa Le Cateau sa hilaga ng France sa pamilya ng isang matagumpay na mangangalakal ng butil. Ipinapalagay na ipagpapatuloy ng anak ang trabaho ng kanyang ama, ngunit umalis si Henri patungong Paris upang mag-aral ng abogasya sa School of Law. Bumalik siya sa Saint-Quentin (kung saan siya nagtapos sa Lyceum) pagkatapos ng graduation, nakakuha ng trabaho bilang isang klerk (empleyado) sa isang sinumpaang abogado.
Ang interes ng hinaharap na artist sa pagguhit ay lumitaw nang hindi sinasadya: sumailalim siya sa isang operasyon upang alisin ang apendisitis, at ang kanyang ina, upang hindi mabagot si Henri sa loob ng dalawang buwang panahon ng pagbawi, ay binili siya ng mga kagamitan sa pagpipinta. Dapat kong sabihin na ang kanyang ina ay nakikibahagi sa pagpipinta ng mga keramika, kaya maaari niyang ipalagay na ang kanyang anak ay hindi mananatiling walang malasakit sa sining ng pagguhit. At nangyari nga. Sa una, nagsimulang kopyahin ni Henri ang mga color card, ito ay nabighani sa kanya nang labis na nagpasya siyang maging isang artista at nagpatala sa paaralan ng pagguhit ng Quentin de la Tour, kung saan sinanay ang mga draftsmen para sa industriya ng tela.
Noong 1892 dumating siya sa Paris, kung saan nag-aral siya sa Académie Julian at kalaunan ay kasama si Gustave Moreau.
Sa isang eksibisyon ng sining ng Muslim sa Munich noong 1903, unang nakilala ni Matisse ang ganitong uri ng pagpipinta, na gumawa ng malakas na impresyon sa kanya at nagbigay ng direksyon para sa karagdagang pag-unlad ng kanyang talento. Ang mga tampok na katangian ng pagpipinta na ito ay matinding kulay, pinasimple na pagguhit, flat na imahe. Ang lahat ng ito ay makikita sa mga gawa na ipinakita sa kanya sa eksibisyon ng "wild" (Fauves) sa Autumn Salon ng 1905.
Ginugol niya ang dalawang taglamig (1912 at 1913) sa Morocco, pinayaman ang kanyang sarili sa kaalaman sa mga motibo sa silangan.
Sa pangkalahatan, masigasig na tinanggap ni Matisse ang lahat ng bagay na may kaugnayan sa pinong sining: kinopya niya ang mga gawa ng mga matandang Pranses at Dutch masters sa Louvre, lalo na ang kanyang gawa ni Jean-Baptiste Simeon Chardin ay nakaakit sa kanya. Nakilala niya ang mga artista mula sa iba't ibang bansa. Sa London pinag-aralan niya ang mga gawa ni William Turner.
Minsan nakilala niya ang isang artista mula sa Australia - si John Peter Russell, isang kaibigan ni Auguste Rodin. Nakolekta ni Russell ang mga kuwadro na gawa, ipinakilala din niya si Henri sa impresyonismo at ang gawain ni Vincent Van Gogh, kung saan siya ay naging kaibigan sa loob ng 10 taon. Kalaunan ay tinukoy ni Matisse si John Peter Russell bilang kanyang guro, na ipinaliwanag sa kanya ang teorya ng kulay.
Lubos na hinangaan ng impresyonismo si Matisse. Mula 1890 hanggang 1902 ay lumikha si Matisse ng mga kuwadro na katulad sa diwa ng Impresyonismo: "Isang bote ng schidam" (1896), "Dessert" (1897), "Prutas at isang kaldero ng kape" (1899), "Mga pinggan at prutas" (1901).

A. Matisse "Prutas at Kape" (1899). Canvas, langis. Hermitage (Petersburg)
Ngunit sa parehong oras ay hinahanap ni Matisse ang kanyang sariling landas sa sining, bilang ebidensya ng kanyang dalawang maagang tanawin: "Bois de Boulogne" (1902) at "Luxembourg Gardens" (1902). Lalo na ang masinsinang malikhaing paghahanap ay nagsimula noong 1901-1904. Ang istraktura ng pagpipinta at gawa na may kulay ni Paul Cézanne ay may espesyal na impluwensya sa gawain ni Matisse, na kalaunan ay tinawag siyang kanyang pangunahing inspirasyon.
Ang unang solong eksibisyon ng Matisse ay naganap noong Hunyo 1904 sa Ambroise Vollard gallery. Ngunit wala siyang gaanong tagumpay.
Naimpluwensyahan ng gawain ni Paul Signac na "Eugene Delacroix at Neo-Impresyonismo", nagsimulang magtrabaho si Matisse sa pamamaraan ng dibisyonismo (pointillism), gamit ang magkahiwalay na mga stroke ng punto. Ang kanyang pagpipinta na "Luxury, Peace and Pleasure" ay ipininta sa ganitong istilo. Ngunit ang pagkahumaling ni Matisse sa pamamaraan ng pointillism ay panandalian.

A. Matisse "Luxury, Peace and Pleasure" (1904-1905)
Noong 1907 naglakbay si Matisse sa Italya, kung saan binisita niya ang Venice, Padua, Florence at Siena, nag-aaral ng sining ng Italyano.
Sa payo ng mga kaibigan, itinatag ni Matisse ang isang pribadong paaralan ng pagpipinta, na tinawag na Matisse Academy. Nagturo siya doon noong 1908-1911. Sa panahong ito, 100 mag-aaral mula sa mga kababayan at dayuhan ng artista ang pinag-aral sa akademya.
Ang pagsasanay sa akademya ay hindi pangkomersyal. Malaki ang kahalagahan ni Matisse sa klasikal na pangunahing pagsasanay ng mga batang artista. Minsan sa isang linggo, sabay silang bumisita sa museo, ayon sa kurikulum. Ang trabaho sa modelo ay nagsimula lamang pagkatapos na mastering ang pamamaraan ng pagkopya. Sa panahon ng pagkakaroon ng akademya, ang proporsyon ng mga babaeng estudyante dito ay palaging nakakagulat na mataas.
Noong 1908 ginawa ni Matisse ang kanyang unang paglalakbay sa Alemanya, kung saan nakilala niya ang mga artista mula sa Most group (nagtatag ng German Expressionism).
Noong 1941 sumailalim si Matisse sa isang malaking operasyon sa bituka. Kaugnay nito, pinasimple niya ang kanyang istilo - nakabuo siya ng isang pamamaraan para sa pagbuo ng isang imahe mula sa mga scrap ng papel. Noong 1943 nagsimula siya ng isang serye ng mga guhit para sa aklat na "Jazz" mula sa mga scrap na pininturahan ng gouache. Noong 1944, ang kanyang asawa at anak na babae ay inaresto ng Gestapo dahil sa kanilang pagkakasangkot sa mga aktibidad ng Paglaban.
Noong Nobyembre 3, 1954, namatay ang artista sa Cimiese malapit sa Nice sa edad na 84.

Ang gawa ni Henri Matisse

Ang gawain ni Matisse ay batay sa pag-aaral ng kalikasan at mga batas ng pagpipinta. Ang kanyang mga canvases, na naglalarawan ng mga pigura ng babae, mga buhay pa rin at mga landscape, ay maaaring mukhang hindi gaanong mahalaga sa paksa, ngunit ang mga ito ay resulta ng isang mahabang pag-aaral ng mga natural na anyo at ang kanilang matapang na pagpapasimple. Nagawa ni Matisse na maayos na ipahayag ang isang direktang emosyonal na pakiramdam ng katotohanan sa pinakamahigpit na artistikong anyo. Ang artist ay nakararami sa isang colorist na nakamit ang epekto ng isang pare-parehong tunog sa komposisyon ng maraming matinding kulay.

Fauvism

Kasama ni André Derain, lumikha si Matisse ng bagong istilo na bumaba sa kasaysayan ng sining na tinatawag na Fauvism. Ang kanyang mga pintura mula sa panahong iyon ay nakikilala sa pamamagitan ng mga patag na hugis, malinaw na mga linya at maliliwanag na kulay. Sa kanyang Notes of a Painter (1908), bumalangkas siya ng mga masining na prinsipyo, na nagsasalita tungkol sa pangangailangang direktang ihatid ang mga emosyon sa pamamagitan ng simpleng paraan.
Parehong ang katanyagan ng Matisse at ang paalam sa neo-impressionism (pointillism) at ang simula ng Fauvism ay nauugnay sa pagpipinta na "Woman in a Hat". Ang pangunahing bagay sa kanyang trabaho, ipinahayag ni Matisse ang sining ng maliliwanag na kulay, matapang na desisyon at dekorasyon.

A. Matisse "Babae na may Sombrero" (1905). Canvas, langis. 24 × 31 cm

Ipinakita ni Matisse ang pagpipinta na ito sa Autumn Salon noong 1905. Sa larawan, inilalarawan ng artist ang kanyang asawang si Amelie. Ang naka-bold na kumbinasyon ng mga kulay ay nagpapaliwanag sa pangalan ng bagong trend - fauvism (wild). Nagtataka ang mga manonood: paano magiging ganoon ang isang babae? Ngunit sinabi ni Matisse: "Hindi ako lumilikha ng isang babae, lumilikha ako ng isang larawan." Ang kanyang kulay ay ang kulay ng pagpipinta, hindi ng pang-araw-araw na buhay.
Ang Fauvism, bilang isang direksyon sa sining, ay lumitaw noong 1900 sa antas ng mga eksperimento at may kaugnayan hanggang 1910. Ang kilusan ay may 3 eksibisyon lamang. Kinilala si Matisse bilang pinuno ng mga Fauves (kasama si André Derain). Bawat isa sa kanila ay may kanya-kanyang tagasunod.
Ang pagbaba sa kahalagahan ng Fauvism pagkatapos ng 1906 at ang pagbagsak ng grupo noong 1907 ay hindi nakaapekto sa malikhaing paglago ng Matisse mismo. Marami sa kanyang pinakamahusay na mga gawa ay nilikha niya sa pagitan ng 1906-1907.
Noong 1905 nakilala ni Matisse ang batang artista na si Pablo Picasso. Nagsimula ang kanilang pagkakaibigan, puno ng espiritu ng tunggalian, ngunit din ng paggalang sa isa't isa.
Noong 1920, sa kahilingan ni Sergei Diaghilev, lumikha siya ng mga sketch ng mga costume at tanawin para sa ballet na The Nightingale sa musika ni Igor Stravinsky at choreography ni Leonid Massine. Noong 1937 gumawa siya ng mga sketch ng tanawin para sa ballet na Pula at Itim sa musika ni Dmitry Shostakovich at choreography ni Leonid Massine.
Sa panahon ng 1946-1948. Ang mga kulay ng mga interior na ipininta ni Matisse ay muling naging sobrang puspos: tulad ng kanyang mga gawa bilang "Red Interior, Still Life on a Blue Table" (1947) at "Egyptian Curtain" (1948) ay binuo sa kaibahan sa pagitan ng liwanag at madilim, bilang pati na rin sa pagitan ng panloob at panlabas na mga puwang.

A. Matisse "Red interior, still life on a blue table" (1947). Canvas, langis. 116 x 89 cm

A. Matisse "Egyptian Curtain" (1948)
Ang huling gawa ng Matisse (1954) ay ang stained glass window ng Simbahan, na itinayo ng Rockefeller noong 1921 sa estado ng New York.
Ang natitirang 9 na stained-glass na bintana ay pininturahan ni Marc Chagall.

Kasama ng kanyang mga kuwadro na gawa, ang kanyang mga kahanga-hangang graphic na mga guhit, mga ukit, mga eskultura, mga guhit para sa mga tela ay kilala. Ang isa sa mga pangunahing gawa ng pintor ay ang dekorasyon at mga stained-glass na bintana ng Dominican Chapel of the Rosary sa Vence (1951).
Noong 1947 nakilala ni Matisse ang Dominican priest na si Pierre Couturier, sa mga pakikipag-usap sa kanya ay lumitaw ang ideya ng pagtatayo ng isang maliit na kapilya para sa isang maliit na madre sa Vence. Si Matisse mismo ang nakahanap ng solusyon sa dekorasyon nito. Sa simula ng Disyembre 1947, tinukoy ni Matisse ang isang plano ng trabaho, bilang kasunduan sa mga monghe ng Dominican, Brother Reissinier at Padre Couturier.

Chapel interior - altar, stained glass, wall painting "St. Dominic"

Panloob ng kapilya - pagpipinta sa dingding na "Daan ng Krus"

Ilang sikat na gawa ni Henri Matisse

A. Matisse "Green Stripe" (Madame Matisse) (1905). Canvas, langis. 40.5 x 32.5 cm State Museum of Art (Copenhagen)
Ang pagpipinta na ito ay larawan ng asawa ng artista. Ang larawan ay tumama sa kanyang mga kontemporaryo sa "kapangitan", iyon ay, hindi karaniwan. Kahit para sa Fauvism, ang intensity ng kulay ay labis. Tatlong kulay na eroplano ang bumubuo sa komposisyon ng larawan.

A. Matisse "Sayaw" (1910). Canvas, langis. 260 x 391 cm.State Hermitage (Petersburg)
Marahil, ang "Sayaw" ay isinulat sa ilalim ng impresyon ng pagpipinta ng plorera ng Griyego at ang mga panahon ng Russia ng Sergei Diaghilev.
Ang larawan ay nakakagulat sa isang kumbinasyon ng laconicism ng pictorial na paraan at ang napakalaking sukat nito. Ang "sayaw" ay nakasulat lamang sa tatlong kulay: ang asul ay kumakatawan sa kalangitan, rosas - ang katawan ng mga mananayaw, berde - ang imahe ng burol. Isang pabilog na sayaw sa tuktok ng burol ang pinamumunuan ng 5 hubad na tao.

A. Matisse "Musika" (1910). Canvas, langis. 260 x 389 cm.State Hermitage (Petersburg)
Kapag nagpinta ng isang larawan, sinubukan ni Matisse na bawasan ang mga ito sa elementarya. Sinadya niyang ipagkait ang mga karakter ng kanilang sariling katangian, na pinagkalooban sila ng halos magkatulad na mga tampok ng mukha at pangangatawan, upang ang inilalarawan ay mapapansin ng manonood sa kabuuan. Itinuring ng artist na ang pangunahing gawain ay ang pagkamit ng pagkakatugma ng kulay ng canvas gamit ang kaibahan: ang mga figure ng mga character ay pininturahan sa isang maliwanag na pulang-pula na lilim, ang matinding kulay ng asul na kalangitan at berdeng damo ay kaibahan sa kanila. May kabuuang 5 character ang inilalarawan sa canvas, dalawa sa kanila ang tumutugtog ng mga instrumentong pangmusika (violin at double-barreled pipe), at ang iba ay kumakanta. Lahat ng tao sa larawan ay hindi gumagalaw. Sinadya ni Matisse na pininturahan ang kanilang mga silhouette gamit ang nababanat, nababaluktot na mga linya upang bigyan ang canvas ng musikal na ritmo.
Ang artist mismo ay hindi nagbanggit ng anumang interpretasyon ng larawang ito. Mayroon lamang mga pagpapalagay ng mga kritiko ng sining. Samakatuwid, ang bawat isa sa mga manonood ay maaaring magbigay ng kanilang sariling interpretasyon ng "Musicians".
Ang mga pintura na "Sayaw" at "Mga Musikero" ay magkatulad sa kulay at ang bilang ng mga figure na inilalarawan. Ngunit maraming pagkakaiba sa pagitan nila: sa "Sayaw" ang mga babaeng karakter ay inilalarawan, sa "Musika" - mga karakter ng lalaki. Ang mga character sa "Sayaw" ay dynamic, habang ang mga figure sa "Music" ay static at kalmado.

A. Matisse "The Parisian Dance" (1831-1933). Museo ng Makabagong Sining (Paris)
Sa gawaing ito, si Matisse ang unang gumamit ng decoupage technique. Ang mga figure at piraso ng background ay pinutol mula sa mga sheet, pininturahan ng gouache, at pagkatapos ay naka-pin sa base ayon sa pattern. Pagkatapos ang pintor, sa direksyon ng pintor, ay naglagay ng pintura sa canvas.

A. Matisse "Blue Nude" (1952). Teknik ng decoupage. 115.5 x 76.5 cm

Henri Emile Benoit Matisse. Ipinanganak noong 1869 Disyembre 31 sa Le Catot - namatay noong 1954 Nobyembre 3 malapit sa Nice sa Cimieux. Bilang isang napaka sikat na artista, gumawa siya ng isang tunay na rebolusyon sa kasaysayan, ang pinagmulan at pag-unlad nito bilang isang mahalagang istilo ng visual arts. Inilarawan ng Pranses na artista ang mundo sa napakalinaw, nagpapahayag at malinis na mga komposisyon. Walang kalabisan sa mga larawang ito, tanging ang nais iparating ni Henri Matisse sa kanyang manonood. Ito ang kabuuan ng Fauvism at ang buong Matisse.

Noong 1892, pumasok si Matisse sa Paris Academy of Julian, kung saan nag-aral siya sa A.V. Bouguereau mismo. Pagkatapos ng pagsasanay, mula 1893 hanggang 98 taon siya ay nakikibahagi sa pagpipinta sa pagawaan ng School of Fine Arts G. Moro. Naunawaan ni Moreau ang tunay na talento sa gawain ng artist na ito at hinulaan ang isang magandang hinaharap para sa kanya, kung saan siya ay tama. Sa oras na ito, kinokopya ni Henri ang mga pagpipinta ng mga master ng world painting sa Louvre, na interesado sa gawain ni Delacroix, at iba pa. Mula noong 1896, nagsimula siyang magpakita ng kanyang mga gawa sa mga salon.

Ang 1901 ay maaaring tawaging taon ng pagbuo ng artista. Unti-unti siyang huminto sa pagkopya sa iba pang mga artista at nahanap ang kanyang pananaw sa mundo sa pamamagitan ng mga pagpipinta. Sa partikular, ang kanyang palette ay lumiliwanag nang husto, lumilitaw ang isang uri ng impresyonistang pamamaraan ng brushstroke. Noong 1904, sinubukan ni Henri Matisse ang kanyang kamay sa dibisyonismo at pointillism. Lumilikha ng ilang mahusay na mga pagpipinta, kung saan ang Art Nouveau, impresyonismo ay pinagsama sa isang tuldok-tuldok na paraan ng pagpipinta. Kaya, sa huli, nakarating siya sa Fauvism. Ang unang larawan sa istilong ito na nakita ng madla ay "Ang Babae sa Berdeng Sombrero". Lumikha ito ng isang tunay na sensasyon sa buong kapaligiran ng mga pintor, connoisseurs at kritiko at nagsilbing isang pambihirang tagumpay para sa pagbuo ng isang bagong genre. Sa sining ng Fauvism, tinulungan siya hindi lamang ng mga anyo ng pagpipinta ng Europa, kundi pati na rin ng eskultura ng Africa (na, sa pamamagitan ng paraan, ay nagsilbing simula ng pagbuo ng Cubism), Japanese woodcut, Arab decorative art.

Marahil isa sa kanyang pinakasikat na mga painting ay Sayaw... Ito ay kasalukuyang umiiral sa dalawang bersyon. Isang painting ang nakasabit sa Hermitage sa St. Petersburg (ang pinakasikat) ang pangalawa sa New York sa Museum of Modern Art. Ang sayaw ay nilikha noong 1910. Ang pagpipinta na ito ay nilikha ni Henri Matisse para sa Moscow mansion ng S.I.Shchukin. Bago ipadala ang pagpipinta sa kostumer, ipinakita niya ito sa Salon d'Automne sa Paris. Ang larawan ay hindi naiintindihan at kinutya, tinawag nila ang artist na gumagawa ng dekadenteng basura, atbp. Limang hubad na tao sa tuktok ng burol ang pininturahan ng tatlong kulay lamang - berde, asul at pula. Sa paglipas ng panahon, ang monumental na pagpipinta na Sayaw ay naging isa sa pinakamaliwanag at pinakamahalaga sa lahat ng gawain ni Matisse.

Kailangan mo ba ng mataas na kalidad na transportasyon ng mga antique o relics? Ang transportasyon ng kultural na ari-arian mula sa kumpanya ng Uleks ay makakatulong sa iyo dito. Ang gawain ng mga espesyalista, ang paggamit ng mga espesyal na materyales sa packaging, tumpak na transportasyon nang walang panganib na makapinsala sa mga mahahalagang bagay.