Problemet med at forstå nutidig kreativitet. "Et banalt spørgsmål": hvordan påvirker en misforståelse af samtidskunsten seeren? Menneskets forhold til den naturlige verden

Efter at have læst en bog, kigget på et billede, lyttet til musik, forbliver en person tabt. "Intet er klart!" - udråber læseren, seeren eller lytteren skuffet. Forsøgte han imidlertid at forstå forfatterens intention, eller forventede han, at alt i et kunstværk skulle være klart og tydeligt? Her står vi over for problemet med kunstforståelse, som teksten er afsat til ...

Du skal også være opmærksom på sprog betyder, som kan bruges i den indledende del af essayet.

1. Spørgsmål-svar enhed.Retorikeksperter anbefaler at tilføje elementer af dialog til offentlige taler. Dialog vil ikke skade i kompositionen, det vil gøre forestillingen mere energisk. For eksempel:

Hvad er skønhed? Dette er sandsynligvis et af de mest mystiske begreber i kulturhistorien. Mange generationer af mennesker kæmpede om dette mysterium. Malere, billedhuggere, digtere stræbte efter at forstå hemmeligheden bag skønhed og harmoni. Teksten til V. Sukhomlinsky får en til at tænke over, hvad skønhed er, og hvad er dens rolle i menneskelivet.

2. En kæde af forhørssætninger.Flere forhørssætninger i starten af \u200b\u200bessayet er designet til at rette opmærksomheden mod kildetekstens nøglebegreber for at fremhæve det vigtigste i den.

Hvad er talent? Hvordan skal en person leve for ikke at spilde sin gave? Sådanne spørgsmål opstår ufrivilligt efter at have læst teksten til Yu. Bashmet.

3. Nominativ sætning (nominativt emne).

Substantivsætningen i starten skal også indeholde nøglebegrebet eller navnet på den person, der er beskrevet i kildeteksten.

Marina Tsvetaeva. Dette navn er kært for alle, der værdsætter ægte poesi. Det forekommer mig, at det er svært at finde en person, som Tsvetaevas poesi ville have efterladt ligegyldig. Litteraturkritikeren Evgeny Borisovich Tager er en af \u200b\u200bdem, der var heldige nok til at kende Marina Ivanovna personligt. I sine erindringer søger han at afsløre den fantastiske verden af \u200b\u200bdenne fantastiske digter.

4. Et retorisk spørgsmål.Ikke alle forhørssætninger er et retorisk spørgsmål. Et retorisk spørgsmål er en sætning, der er spørgende i form og bekræftende i betydningen.

Hvem af os har ikke hørt, at sandheden er født i en tvist? Du er sandsynligvis stødt på ubevidste debattere, der er klar til at argumentere til det punkt af hæshed over enhver lille ting. Selvfølgelig er der forskellige måder at føre en tvist på, som L. Pavlova betragter i sin tekst.

5. Retorisk udråb udtrykker forfatterens følelser: glæde, overraskelse, beundring ... gør opmærksom på emnet for tale.

Hvor vidunderligt det russiske sprog er! Der er så mange ord i det, der kan udtrykke den dybeste tanke eller enhver følelse af skygge! Hvorfor nogle gange, når en person tager et ark papir eller sætter sig ned på en computer, vises der kun kedelige, stereotype sætninger i hans hoved? Hvad er grunden til, at klichéer optræder i vores tale? Dette problem bekymrer alle, der virkelig kræver af sig selv, af hans talekultur.

HUSKat der ikke er nogen "universelle" introduktioner, der passer til nogen tekst. Som regel ser en formel åbning dårligt ud på baggrund af hoveddelen, der følger den.

Hvordan afslutter man?

Konklusionen skrives som regel på et tidspunkt, hvor der er lidt tid tilbage til slutningen af \u200b\u200beksamen. Ofte begynder forfatteren at blive nervøs og frygter, at han ikke har tid til at omskrive teksten fuldstændigt og afbryder essayet midt i sætningen. Naturligvis er sådant arbejde mangelfuldt fra kompositionens integritet, hvilket betyder, at det ikke får den maksimale score på dette kriterium.

Hovedkravet til den sidste del af essayet kan formuleres som følger: konklusionen skal være sådan, at læseren forstår, at det vigtigste allerede er blevet sagt, og at der ikke er mere at tale om.

Så hvad kunne det være den sidste del af essayet?

1. Sammenfatning, gentagelse i en generaliseret form af tekstens hovedidee, forfatterens position. Dette er den mest almindelige form for konklusion: Gå tilbage til forfatterens hovedidee, udtryk det med dine egne ord, så der ikke er noget indtryk af en simpel gentagelse af det samme.

... A. Likhanov rejser således et problem, der er vigtigt for hver af os, opfordrer til at bevare barndommen i sjælen og ikke efterlade en glædelig, barnlig direkte opfattelse af livet. Men verden omkring os er virkelig smuk. Det er bare det, når man vokser op, glemmer folk ofte det.

Ifølge A.P. Tjekhov. På den hellige uge var lapteverne på maleriskolen på en kunstudstilling ... Problemet med kunstopfattelse

Oprindelig tekst

(1) På Holy Week var lapteverne på maleriskolen for en kunstudstilling.

(2) Laptev kendte navnene på alle berømte kunstnere og savnede ikke en eneste udstilling. (3) Nogle gange om sommeren ved dacha malede han selv landskaber med maling, og det syntes ham, at han havde en vidunderlig smag, og at hvis han studerede, ville han sandsynligvis have lavet en god kunstner. (4) Hjemme havde han billeder af større og større størrelser, men dårlige; de gode er dårligt hængt. (H) Det skete ham mere end én gang at betale dyrt for ting, der senere viste sig at være en grov forfalskning. (6) Og det er bemærkelsesværdigt, at han var yderst modig og selvsikker på kunstudstillinger, da han generelt var frygtsom i livet. (7) Hvorfor?

(8) Yulia Sergeevna så på malerierne, ligesom en mand, gennem en knytnæve eller gennem en kikkert, og var overrasket over, at folket i malerierne var som levende ting, og træerne var virkelige; men hun forstod ikke, det syntes hende at der var mange billeder af det samme i udstillingen, og at hele formålet med kunsten netop var at få mennesker og genstande til at skille sig ud som virkelige på billederne, når man ser på dem med din knytnæve.

(9) "Dette er Shishkins skov," forklarede hendes mand hende. (10) - Han skriver altid det samme ... (11) Men pas på: der er aldrig sådan en lilla sne ... (12) Og denne drengs venstre hånd er kortere end hans højre.

(13) Da alle blev trætte, og Laptev søgte efter Kostya til at gå hjem, stoppede Julia foran et lille landskab og så ligegyldigt på ham. (14) I forgrunden er der en flod, bag den en bjælkebro, på den anden side en sti, der forsvinder i det mørke græs, en mark, så til højre et stykke skov, en ild i nærheden af \u200b\u200bden: de skal bevogte natten. (15) Og i det fjerne brænder aftengryningen ud.

(1b) Julia forestillede sig, hvordan hun selv gik langs broen, derefter en sti, længere og længere, og rundt omkring var det stille, søvnige derger skrigende, ild blinker i det fjerne. (17) Og af en eller anden grund begyndte hun pludselig at tro, at netop disse skyer, der strakte sig over den røde del af himlen og skoven og marken, havde hun set i lang tid og mange gange, hun følte sig ensom og hun ville gå og gå langs stien; og hvor aftengryningen var, hvilede afspejlingen af \u200b\u200bnoget jordisk, evigt.

(18) - Hvor godt skrevet! - sagde hun overrasket over, at billedet pludselig blev klart for hende. (19) - Se, Alyosha! (20) Ser du, hvor stille det er?

(21) Hun forsøgte at forklare, hvorfor hun kunne lide dette landskab så meget, men hverken hendes mand eller Kostya forstod hende. (22) Hun fortsatte med at kigge på landskabet med et trist smil, og det faktum, at andre ikke fandt noget specielt i det, bekymrede hende. (23) Så begyndte hun igen at gå gennem salene og undersøge malerierne, hun ville forstå dem, og det syntes ikke længere for hende, at der var mange identiske malerier på udstillingen. (24) Da hun vendte hjem for første gang i hele tiden henledte det store maleri, der hænger i hallen over klaveret, følte hun fjendskab mod hende og sagde:

(25) - Jeg vil gerne have sådanne billeder!

(26) Og derefter vækkede gyldne gesimser, venetianske spejle med blomster og billeder som det, der hang over klaveret, samt diskussionerne mellem hendes mand og Kostya om kunst, en følelse af kedsomhed, irritation og undertiden endda had.

(Ifølge A.P. Chekhov)

Tekstinformation

Skriften

Du har bemærket, at det sker, at et billede efterlader dig ligeglad, og foran et andet fryser du i ærbødig stilhed, nogle melodier lyder slet ikke ved dine følelser, og det andet gør dig trist eller glad. Hvorfor sker dette? Hvordan opfatter en person kunst? Hvorfor fordyber nogle mennesker sig i den verden, kunstneren har skabt, mens andre forbliver døve for skønhedens verden? Et uddrag fra AP Chekhovs historie "Tre år" fik mig til at tænke over problemet med kunstopfattelse.

A.P. Chekhov fortæller om, hvordan Laptev-familien besøger en kunstudstilling. Hovedet kender navnene på alle berømte kunstnere, går ikke glip af en enkelt udstilling, nogle gange maler han selv landskaber. I begyndelsen af \u200b\u200bpassagen så hans kone "på billederne som en mand", det syntes for hende, at formålet med kunsten var at "få mennesker og genstande til at fremstå som ægte". Manden bemærker kun negativt på billederne: undertiden "der er aldrig sådan en lilla sne", så er den malede drengs venstre hånd kortere end hans højre. Og kun en gang opdagede Yulia Sergeevna kunstens sande essens. Før hende var det sædvanlige landskab med en flod, en bjælkebro, en sti, en skov og en ild, men pludselig så hun, at "hvor aftengryningen var, hvilede afspejlingen af \u200b\u200bnoget jordisk, evigt." I et øjeblik blev kunstens egentlige formål afsløret for hende: at vække specielle følelser, tanker, oplevelser i os.

A. P. Chekhov er en af \u200b\u200bde forfattere, der ikke giver os færdige løsninger, han får os til at lede efter dem. Så jeg, der reflekterer over passagen, forstod, det forekommer mig, hans holdning til problemet med kunstens formål, dens opfattelse. Kunst kan sige meget til en følsom person, får ham til at tænke på det mest mystiske og intime, vækker de bedste følelser i ham.

Jeg er enig i denne fortolkning af kunstens indvirkning på en person. Desværre har jeg ikke haft en chance for at besøge store museer, til koncerter med klassisk musik, så jeg vil tillade mig at henvise til forfatterens mening, fordi der er mange værker, hvor forfattere forsøger at afsløre mysteriet med menneskelig opfattelse af kunst.

Et af kapitlerne i DS Likhachevs bog "Letters about the Good and the Beautiful" har titlen "Understanding Art". I det taler forfatteren om kunstens store rolle i menneskelivet, at kunsten er "fantastisk magi". Efter hans mening spiller kunst en stor rolle i hele menneskehedens liv. Likhachev hævder, at man skal lære at forstå kunst. Tildelt med gaven at forstå kunst bliver en person moralsk bedre og derfor lykkeligere, fordi han gennem kunsten belønnes med gaven til en god forståelse af verden, menneskene omkring ham, fortiden og det fjerne, en person gør venner lettere med andre mennesker, med andre kulturer, med andre nationaliteter, for ham lettere at leve.

AI Kuprin skriver om, hvordan kunst kan påvirke en persons sjæl i hans "Granatarmbånd". Prinsesse Vera Sheina, der vender tilbage efter afsked med Zheltkov, der begik selvmord for ikke at forstyrre den, han elskede så meget, beder sin pianistkammerat om at spille hende noget uden at betvivle, at hun vil høre, at Beethoven

et værk, som Zheltkov testamenterede hende at lytte til. Hun lytter til musik og føler, at hendes sjæl glæder sig. Hun troede, at en stor kærlighed gik forbi hende, som kun gentages en gang i tusind år, ord blev komponeret i hendes sind, og de faldt sammen i hendes tanker med musik. "Helliget være dit navn," syntes musikken at sige til hende. Den fantastiske melodi syntes at adlyde hendes sorg, men hun trøstede også, da Yolkov ville trøste hende.

Ja, kraften i den virkelige kunst er stor, dens styrke. Det kan påvirke den menneskelige sjæl, ædle den, hæve tankerne.

Flere argumenter.

VP Astafievs novelle "En fjern og nær eventyr" fortæller om, hvordan musik fødes, hvilken indflydelse den kan have på en person. Som ung dreng hørte fortælleren en violin. Violinisten spillede en komposition af Oginsky, og denne musik chokerede den unge lytter. Violinisten fortalte ham, hvordan melodien blev født. Komponist Oginsky skrev det og sagde farvel til sit hjemland, formåede at formidle sin tristhed i lyde, og nu vækker hun de bedste følelser hos mennesker. Der er ingen komponist selv, violinisten døde, som gav lytteren vidunderlige øjeblikke med forståelse af det smukke, en dreng voksede op ... En gang foran hørte han lyden af \u200b\u200bet orgel. Den samme musik lød, den samme Oginsky polonaise, men som barn forårsagede han tårer, chok, og nu lød melodien som et gammelt kamprop, kaldet et eller andet sted, tvunget til at gøre noget for at slukke krigsbrande, så folk ikke ville kram mod de brændende ruiner, så de ville gå ind i deres hus, under taget, til deres slægtninge og kære, så himlen, vores evige himmel, ikke kastede eksplosioner og ikke brændte med helvede.

KG Paustovsky fortæller i historien "Basket with fir-cones" om komponisten Grieg og hans tilfældige møde med den lille pige Dagny. Den søde baby overraskede Grieg med sin spontanitet. "Jeg vil give dig en ting," lover komponisten til pigen, "men det vil ske om ti år." Disse ti år er gået, Dagny voksede op og en gang på en koncert med symfonisk musik hørte hun sit navn. Den store komponist holdt sit ord: han dedikerede et musikstykke til pigen, som blev berømt. Efter koncerten udråber Dagny, chokeret over musikken: "Lyt, liv, jeg elsker dig". Og her er de sidste ord i historien: "... hendes liv vil ikke være forgæves."

6. Gogol "Portræt". I sin ungdom havde kunstneren Chartkov et godt talent, men han ønskede at få alt fra livet på én gang. En dag kommer han over et portræt af en gammel mand med overraskende livlige og forfærdelige øjne. Han har en drøm, hvor han finder 1000 dukater. Den næste dag går denne drøm i opfyldelse. Men pengene bragte ikke kunstneren lykke: han købte sig et navn, gav bestikkelse til udgiveren, begyndte at male portrætter af denne verdens mægtige, men han havde intet tilbage af talentgnisten. En anden kunstner, hans ven, gav alt til kunst, han lærer konstant. Bor i Italien i lang tid, inaktiv i timevis ved malerier af store kunstnere, forsøger at forstå hemmeligheden bag kreativitet. Billedet af denne kunstner, set af Chartkov på udstillingen, er smukt, det chokerede Chartkov. Han prøver at male rigtige billeder, men hans talent er spildt. Nu køber han mesterværker af maleriet op og ødelægger dem i en galskab. Og kun døden stopper denne destruktive vanvid.

Ifølge I. Bunin. Baseret på historiebogen. Liggende på tærskegulvet i en dummy læste jeg længe ... Om formålet med kunst

(1) Jeg lå længe på tærskegulvet og læste længe - og pludselig blev jeg oprørt. (2) Jeg læste igen fra den tidlige morgen, igen med en bog i mine hænder! (3) Og så fra dag til dag, fra barndommen! (4) I halvdelen af \u200b\u200bsit liv levede han i en ikke-eksisterende verden, blandt mennesker der aldrig havde eksisteret, opfundet, bekymret for deres skæbne, deres glæder og sorger, som om de var hans egen, til graven han forbandt sig med Abraham og Isaac, med Pelasgians og Etruscans, med Socrates og Julius Caesar, Hamlet og Dante, Gretchen og Chatsky, Sobakevich og Ophelia, Pechorin og Natasha Rostova! (5) Og nu hvordan man kan forstå blandt de virkelige og fiktive satellitter i min jordiske eksistens? (6) Hvordan adskilles dem, hvordan man bestemmer graden af \u200b\u200bderes indflydelse på mig?

(7) Jeg læste, levede i andres opfindelser, og marken, herregården, landsbyen, mænd, heste, fluer, humlebier, fugle, skyer - alt levede sit eget, virkelige liv. (8) Og så følte jeg pludselig dette og vågnede af en bogobsession, kastede bogen i halmen og med overraskelse og glæde, med nogle nye øjne ser jeg mig rundt, ser skarpt, hører, lugter - det vigtigste, jeg føler noget usædvanligt simpelt og på samme tid usædvanligt komplekst, det dybe, vidunderlige, uudtrykkelige, som findes i livet og i mig selv, og som aldrig er skrevet ordentligt om i bøger.

(9) Mens jeg læste, var der intime ændringer i naturen. (10) Det var solrigt, festligt; nu er alt mørkt, stille. (11) På himlen samlet sig lidt efter lidt skyer og skyer nogle steder - især mod syd - stadig lys, smuk og mod vest bag landsbyen, bag dens vinstokke, regn, blålig, kedelig. (12) Varme, lugter blidt som fjern markregn. (13) En oriole synger i haven.

(14) En muzhik vender tilbage fra kirkegården langs en tør lilla vej mellem tærskegulvet og haven. (15) På skulderen sidder en hvid skovl af jern med blå chernozem. (16) Ansigtet er forynget, klart. (17) Hatten bevægede sig af svedig pande.

(18) - Jeg plantede en jasminbusk på min pige! siger han muntert. - Godt helbred. (19) Læser du alt, opfinder du alle bøgerne?

(20) Han er glad. (21) Hvad? (22) Kun ved at leve i verden, dvs. gøre noget mest uforståeligt i verden.

(23) Oriolen synger i haven. (24) Alt andet var stille, blev stille, selv hanene blev ikke hørt. (25) En hun synger - udsender langsomt legende triller. (26) Hvorfor, for hvem? (27) Er det for mig selv, for livet, at en have har levet i hundrede år, en ejendom? (28) Måske lever denne ejendom for hendes fløjtesang?

(29) "Jeg plantede en jasminbusk på min pige." (30) Ved pigen om dette? (31) Det forekommer bonden, at han ved, og måske har han ret. (32) En bonde vil glemme denne busk om aftenen - for hvem vil den blomstre? (33) Men det vil blomstre, og det ser ud til, at det ikke er for ingenting, men for nogen og noget.

(34) "Du læser alt, du opfinder alle bøgerne." (35) Hvorfor opfinde? (36) Hvorfor heltinder og helte? (37) Hvorfor en roman, en historie med et plot og en afskedigelse? (38) Den evige frygt for at fremstå ikke nok boglig, ikke nok som dem, der bliver herliggjort! (39) Og evig pine er at være evigt tavs og ikke tale præcist om, hvad der virkelig er din og den eneste nuværende, der kræver det mest legitime udtryk, det vil sige et spor, udførelsesform og bevarelse i det mindste i et ord!

Skriften

Hvilken fantastisk historie har A.P. Chekhov! Som altid med denne forfatter vil du ikke straks forstå, hvad han ønskede at sige med sit arbejde, hvilke spørgsmål han foreslår at tænke på.

Sommerdag. Den lyriske helt læser en bog, som han pludselig afviser med forargelse: "Jeg har levet halvdelen af \u200b\u200bmit liv i en ikke-eksisterende verden, blandt mennesker, der aldrig har eksisteret, opfundet og bekymret sig for deres skæbne, deres glæder og sorger, som om de var hans egne ... "fra boglig besættelse og med nye øjne ser på det" dybe, vidunderlige, uudtrykkelige, der er i livet. " Omkring den vidunderlige natur, konstant skiftende landskab. Et nyt ansigt dukker op: en mand med et klart, forynget ansigt. ”Jeg plantede en jasminbuske på min pige,” siger han. Vi forstår, at han plantede denne busk på sin datters grav. Så hvorfor glæde sig? Vi er forvirrede sammen med helten. Og så kommer forståelsen: pigen ved ikke om denne busk, men den vil blomstre "ikke uden grund, men for nogen og for noget." Og igen, en tilbagevenden til tidligere tanker: hvorfor skrive romaner, historier? Og det er her inspirationen kommer: problemet, der bekymrer både Tjechovs helt og forfatteren selv, er problemet med kunstens formål. Hvorfor har en person brug for at udtrykke sig i bøger, i poesi, i musik, i et maleri? Sådan formulerer jeg spørgsmålet, der stammer fra tankerne hos den lyriske helt.

Og svaret på det er i sidste sætning i teksten: ”Og den evige pine er at være evigt tavs og ikke tale nøjagtigt om, hvad der virkelig er din og den eneste nuværende, der kræver det mest legitime udtryk, det vil sige en spor, udførelsesform og bevarelse i det mindste med et ord! " Forfatterens holdning, hvis du sætter det med andre ord, er som følger: formålet med kreativitet, formålet med kunsten er at fortælle folk, hvad der begejstrer dig, at udtrykke de følelser, du oplever, at efterlade et "spor af udførelsesform" på jorden.

Spørgsmålet om kunstens formål bekymrede mange forfattere. Minde om

AS Pushkin. I digtet "Profeten" råbte "Guds stemme" til digteren:

"Stå op, profet, og se og pas på,

Opfyld min vilje

Og uden om havene og landene

Brænd menneskers hjerter med et verbum.

”At brænde menneskers hjerter med verbet” betyder at vække tørsten efter et bedre liv og kamp i dem. Og i digtet "Jeg har rejst et monument over mig selv, der ikke er lavet af hænderne ...", skrevet kort før hans død, bekræfter digteren storheden ved det poetiske monument i sammenligning med andre måder at fastholde fortjeneste på.

En person, som Gud har givet talentet til at sige noget af sit eget til folk, kan ikke tie. Hans sjæl kræver at sætte et mærke på jorden, at inkorporere og bevare sit "jeg" i ord, i lyd, i et maleri, i skulptur ...

Kunst ... Det er i stand til at genoplive en persons sjæl i deres aske, få ham til at opleve utrolige følelser og følelser. Kunst er et middel, hvormed forfattere forsøger at formidle deres tanker til en person og vænne ham til skønhed.

Forfatteren diskuterer behovet for kunst i vores liv, han fokuserer på det faktum, at "skønhed skal læres og værdsættes, ligesom man skal lære at føle høj musik." Yuri Bondarev nævner eksemplet med Mozarts Requiem, som påvirker publikum på en ufattelig måde, "folk fældede tårer i episoden, hvor den store komponists liv sluttede". Så forfatteren viser, at kunsten er i stand til at røre ved de tynde strenge i en persons sjæl, få ham til at opleve ekstraordinære følelser.

Bondarev hævder, at kunst i høj grad kan påvirke en person, fordi det er netop dette, der er det smukkeste i hans liv. Kunst kan ændre en person, hans indre verden. Dette er noget, der skal læres. Faktisk kan man kun være enig med forfatteren. Jeg tror på, at kunst kan få os til at føle glæde og tristhed, længsel og spænding, lykke og mange andre følelser.

Så i IAs arbejde beskriver Goncharov "Oblomov" levende hovedpersonens holdning til musik. Oblomov besøgte Olga Ilyinskaya for første gang hørt, hvordan hun spillede klaver. Forfatteren viser os, hvordan musik kan påvirke en persons indre verden, hans følelser. Når han lyttede til det storslåede spil, kunne helten næppe holde tårerne tilbage, han følte styrke og styrke, ønsket om at leve og handle.

Imidlertid er hovedpersonens holdning til IS Turgenevs "fædre og sønner" til kunst meget negativ. Bazarov opfatter det ikke som en integreret del af menneskelivet, han ser ikke dets fordele og fordele. Dette var begrænsningen af \u200b\u200bhans synspunkter. Men en persons liv uden kunst uden en "følelse af skønhed" er meget kedeligt og ensformigt, hvilket helgen desværre ikke genkendte.

Som konklusion vil jeg gerne konkludere, at kunst er den vigtigste del i hver enkelt af os. Du skal bare lade det komme ind i dit hjerte og sjæl, og det kan erobre hele verden.

Mulighed 2

Enhver form for kunst for en person er den højeste belønning for den indsats, han gjorde for at deltage i den - enten som skaberen af \u200b\u200bet mesterværk eller blot beundrer dens resultater.

Musikale kompositioner, mystiske lærreder, yndefulde skulpturer opstod takket være menneskelig viden, naturlig gave eller ønske om at opnå sådan perfektion.

I processen med at skabe ethvert mesterværk af kunst anvender en person sit talent og viser sine evner i fuld kraft. Kunst udvikler sig, tillader ikke at blive et sted i en tilstand af passivitet. På grund af dette forbedrer folk sig. De, der til en vis grad forholder sig til dette område, er kreative mennesker, der er i konstant søgning. De styrter ind i denne verden og udvikler sig aktivt åndeligt.

Gennem den manifesterede fantasi hjælper målbevidsthed, fantasi, tålmodighed, kunst med at etablere en livsposition, påvirker en persons verdensbillede, hjælper med at finde sig selv, til at danne sin egen måde at tænke på.

Hvis vi taler om musik, forbedres en persons følelsesmæssige, mentale og endda fysiske tilstand efter at have lyttet til kun klassiske værker. Afhængigt af rytmen og indholdet af melodierne, sangene, kan du enten få en utrolig ladning af munterhed eller roe dig ned.

Under indflydelse af kunst transformeres en persons indre verden. I en hvilken som helst af dens typer - grafik, teater, maleri osv. Er der så meget dyb mening og lidenskab, der udtrykkes gennem ejendommelige udtryksfulde midler, at de får dig til at tænke på dig selv, meningen med livet og giver dig mulighed for at se på verden på en ny måde.

Ethvert af kunstværkerne bidrager til sondringen mellem godt og ondt, godt og dårligt. Litterære værker har en enorm kraft, der kan påvirke en person og overføre ham til en anden verden. At blive helten af \u200b\u200bbegivenhederne, der er afbildet i bøgerne, lærer folk ny information, på baggrund af hvilken de bliver bedre, retter fejl efter at have mødt hans tegn, sympatiseret og glædet sig med dem. Litteratur kan radikalt ændre en persons verdensbillede.

Under indflydelse af maleri finder dannelsen af \u200b\u200ben persons åndelige verden sted. Deltagelse i denne type aktivitet bidrager til selvudfoldelse, forbedring af indtryk. I skulpturer viser folk deres æstetiske ønsker, og for observatører udefra er de kognitive.

Således opdrager kun kun de bedste karaktertræk i en person, øger intelligens, identificerer og udvikler de kvaliteter, der tidligere var usynlige.

Flere interessante kompositioner

• Karakteristika og billede af Ilyusha fra historien Bezhin lug Turgenev-komposition

  Ilyusha er en af \u200b\u200bhovedpersonerne i historien "Bezhin Meadow" af Ivan Sergeevich Turgenev. Forfatteren kalder ham Ilyusha ved hjælp af et blødt tegn. Han er tolv.

Hver person taler bestemte ord, næsten alle udføres ved hjælp af handlinger og ord. Ordet føder ordet, den tredje selv løber. Vær opmærksom: ethvert ord, du siger, kan bestemme det

Efteråret kommer. Byen bliver gul-orange. Skolebørn tager deres tasker på og går i skole. For voksne er det tid til at tage ferie.

• Har du brug for at gøre dine drømme til virkelighed? Afsluttende essay klasse 11

  Hvad er drømme? Har de brug for eller skal de implementeres? Vi kan sige, at drømme er en af \u200b\u200bde smukkeste og uforgængeligste partikler i vores eksistens. Hver af os behandler dem forskelligt. For eksempel ønsker Vasya virkelig at opfylde sin drøm

• Temaet for militære bedrifter i russisk litteratur i anden halvdel af XX - begyndelsen af \u200b\u200bXXI århundrede.

  Krigstemaet og alt der er forbundet med det vil ikke lade nogen være ligeglade. Dette emne har altid været relevant. Men når dette emne vedrører dig personligt og dine kære, opfattes alt på en helt anden måde.

For det første efterlader tidsintervallet, der adskiller os fra fortidens kunstværker, og fraværet af sådanne i opfattelsen af \u200b\u200bsamtidskunst et uundgåeligt aftryk på forståelsen af \u200b\u200bsidstnævnte. Vi fratages muligheden for objektivt at evaluere og korrekt fortolke modernitet, fordi vi selv skaber den, eller rettere sagt, vi er i stand til at forstå den dybe øjeblikkelige betydning af et værk, det der oprindeligt blev lagt i det. Måske vil vi forstå ham bedre end efterfølgende generationer, som f.eks. Baudelaire eller Gurenberg blev forstået mere tydeligt af deres samtidige dengang og ikke af os - nu. Men på samme tid vil vi ikke være i stand til at vurdere betydningen af \u200b\u200bdette eller andet arbejde i vores tid. Dette tager tid.

For det andet er samtidskunst (lad os tale om biograf, musik) ekstremt forskelligartet. Sagen kompliceres yderligere af det faktum, at hver genre lukket i sig selv er meget eklektisk i sig selv. Man kan endda sige, at der nu ikke er behov for at tale om nogen separat genre, hvis kunstner skaber (i det brede ordspektrum), men nu er enhver kunstner, enhver musiker (musikgruppe), hver instruktør en separat individuel genre. Alle skaber ved krydset. Derfor kan ingen identificere sig som tilhørende en bestemt genre. Derfor en anden vanskelighed med at fortolke samtidskunst.

For det tredje skal det bemærkes, at samtidskunst er meget ujævnt udviklet. For eksempel udvikler musik, film, fotografi, muligvis maleri sig aktivt. Mindre aktiv og vellykket er litteratur. Dette skyldes det faktum, at det første af de nævnte kunstområder er præget af ekstrem emotionalitet. Det er meget vanskeligt for en moderne person at koncentrere sig, samles på et tidspunkt, hvilket er nødvendigt for eksempel for at skrive eller læse en seriøs roman. Musik, øjeblikkelig fotografering, tegning, film som komprimeret visuel litteratur - alt dette passer perfekt til en moderne persons evne til at opfatte. Det kan ikke argumenteres for, at vores bevidsthed er blevet "klip". Det skal huskes, at en sang eller en film er et færdigt kunstværk, som vi opfatter på en holistisk måde og på ingen måde er et klip. Men den tid, vi kan bruge til dette eller andet arbejde, har ændret sig. Derfor har formen på dette arbejde også ændret sig - det er blevet mere kortfattet, nøjagtigt, chokerende og så videre. (afhængigt af forfatterens mål). Dette er vigtigt at overveje, når man analyserer samtidskunst.

Generelt kan vi sige, at hovedproblemet er identifikationen af \u200b\u200bsamtidskunst som kunst generelt. Du støder ofte på fraværet af referencepunkter, som nutidige forfatteres arbejde kan korreleres med. Det er blevet umuligt at sammenligne med klassikerne, fordi det praktisk talt er umuligt at finde skæringspunkterne mellem det gamle og det nye. Der er enten en gentagelse af noget, der allerede er skabt tidligere, eller skabelsen af \u200b\u200bnoget helt andet end noget andet. De såkaldte klassikere ser ud til at stå til side. Jeg mener ikke tekniske enheder, men de betydninger og ideer, der lægges i dette eller det andet arbejde. For eksempel påvirker en genre som cyberpunk helt andre lag af menneskelig eksistens end kun science fiction. Det er klart, at vi kan henvende os til science fiction som stamfader til denne slags genrer, men det er også klart, at sådanne problemer rejses med cyberpunk, som science fiction ikke fortæller os noget om. Derfor ser moderne kunstskabelser ud til at blive kastet i tomrummet, hvor der ikke er nogen referencepunkter, og der kun er andre, på samme måde forladte, individuelle nye kreationer til døden.

KRYLOV SERGEY NIKOLAEVICH

Postgraduate studerende ved Institut for Kunst og Kulturstudier ved Federal State Budgetary Education Institution of Higher Professional Education "St. Petersburg State Art and Industrial Academy opkaldt efter A. L. Stieglitz "

Kommentar:

Artiklen afslører de vigtigste faktorer, der hindrer gensidig forståelse mellem kunstneren og offentligheden. Forfatteren mener, at samtidskunst er et system med sit eget krypterede sprog, der har udviklet sig i løbet af det sidste halvandet århundrede. Siden midten af \u200b\u200bdet 19. århundrede har der gradvis fundet sted en ændring i det vestlige samfunds værdier, hvilket afspejles i kunsten som en afvigelse fra det æstetiske ideal til fordel for det konceptuelle. Forfatteren mener, at offentligheden, der er velkendt med samtidskunst, heller ikke altid fuldt ud kan vurdere værdien af \u200b\u200bet kunstværk uden en særlig forklaring fra forfatteren, hvilket utvivlsomt er et tegn på den voksende konflikt mellem samfundet og postmodernismens kultur. Hvis værket tidligere fremkaldte følelser ved hjælp af æstetisk påvirkning, søger samtidskunsten originale måder at påvirke offentligheden på.

Kultur som helhed udtrykker samfundets åndelige tilstand, mens kunst
er en reaktion på et følelsesmæssigt udbrud. Hvor meget kunsthistorie eksisterer,
der er så meget debat: betragtes ethvert innovativt fænomen i kunsten som fremskridt
eller den konstante nedbrydning af kultur. I humaniora kan du ikke
ignorere det faktum, at det er vanskeligt, og nogle gange umuligheden af \u200b\u200bat konstruere en integreret logisk
systemer. Ordforrådet, der bruges til at beskrive samtidskunst, er gradvist
bliver et specielt sprog - vanskeligt, ofte skræmmende i dets kompleksitet. Imidlertid
mindre, ”inden for kunstvidenskab har den teoretiske tilgang ikke rigtig
alternativer, og det betyder ikke noget, om det handler om moderne eller klassisk kunst. Nogen
en ny publikation om kunsthistorie betyder kun noget som et argument i
enhver teoretisk tvist som en del af intellektuel historie. " Indtil midten
XIX århundrede blandt kunstnere, få gør forsøg på at formulere deres system,
i stand til at underbygge originaliteten af \u200b\u200bkreativ aktivitet.
Det menes, at E. Manet gjorde de første forsøg på selvidentifikation af kunst,
den første blandt malere, der begyndte søgningen efter værkets formelle kompleksitet. Hans
ønsket om at skabe nye principper til løsning af daglige problemer, han indirekte
forventer næsten al avantgarde kreativitet i de mest reaktionære former
i stand til at forlade det vestlige kulturelle system baseret på antikgræsk
forståelse af æstetik og skønhed.
På grund af løsningens enkelhed i realistisk kunstnerisk praksis, spørgsmålet
teoretisk underbyggelse af arbejdet opstår sjældent, selv i sammenligning med
dekorativ eller kirke kunst. A.V. Makeenkova udleder kompleksiteten af \u200b\u200b"sproget
værker ", som et af problemerne med vanskeligheden ved at forstå kunst. Sikkert
forfatterens sprog kan være uforståeligt, ikke desto mindre kan dette på ingen måde afhænge af
orientering af arbejdet. Opfattelsens kompleksitet er snarere påvirket af formel
tegn, nemlig: de midler, som kunstneren f.eks. bruger, er traditionelt ikke
karakteristisk for kunst: nye tekniske muligheder, polymedia - det vil sige disse
kvaliteter, hvor formskabelse forsøger at isolere og etablere sig. Kunne lide
for os et værk eller ej, kan vi forstå, hvad det handler om, men hvordan det er
opfyldt - ikke altid.
Udviklingen af \u200b\u200bkulturen i et moderne globalistisk samfund er umulig
betragtes uden for sammenhængen med ideologierne skabt af de herskende lag. Original
kunstnere - uanset hvad de skaber - vil blive betragtet som radikale
tilpasset. Overvej et slående eksempel: ”konservative politikere og kunstkritikere i
Kolde krig USA angriber abstrakt kunst som
"Kommunist" ", men 20 år senere beviser L. Reinhardt, at det er det
realistisk kunst i vest er protestkunst, ikke abstrakt kunst, som i
den tid er allerede ved at blive et symbol på kapitalistisk kultur. Karl Marx bemærker også
det faktum at vi køber ting ikke kun ting, men genstande,
fyldt med ideologi. Ved at kontrollere masseideologi kan man bevidst
manipulere følelser fra sociale grupper. I den vestlige civilisation er folk vant til det
at modtage fra et kunstværk primært fornøjelse: visuelt,
æstetisk, moralsk og intellektuel. I løbet af det sidste århundrede har vi
vi ser en gradvis afvigelse fra opdeling i kunsttyper, den fremherskende
årtusinder; der er en fusion af visuel statisk kunst med poesi,
musik, dans, video og endelig med de "nøjagtige" videnskaber, både i formel og
ideologisk plan. Publikum, kulturelt forberedt på kontemplation af det nye
kunst, modtager fra kunstneren en slags puslespil rettet mod aktivt arbejde
fantasi, erudition, intuition og intellekt, der får mest glæde af dette.
Beundring for værkets rent visuelle og æstetiske kvaliteter,
forsvinder i baggrunden, da offentligheden kun præsenteres for ideen
kunstner. Moderne kunst tilskynder seeren til midlertidigt at trække sig tilbage fra
sociale masser for at se noget mere; gennem populærkulturkritik
der er kritik af selve ideologien og kunsten.
Den tekniske reproducerbarhed af kunst har utvivlsomt ændret holdninger
samfund til kunstneren med opfindelsen af \u200b\u200bmaleriets reproducerbarhed for at tiltrække
af seerens interesse, skal maleren lægge noget i arbejdet, som han ikke kan formidle
fotografering, for eksempel den maksimale følelsesmæssige komponent, ny teknisk
betyder, samtidig indvirkning på forskellige sanser. Til en vis grad til enhver tid
der var en syntese af kunst, men først i begyndelsen af \u200b\u200bdet 20. århundrede gjorde polymedia
værker, der påvirker alle sanserne hos seeren, som er
det mest komplekse i strukturkreationer, handlinger, begivenheder. Dadaister, der tvinger offentligheden
tage en ny tilgang til forståelse af kunst: ikke ønsker at behage, de tilbyder stadig
opgive passiv beundring og blive en del af handlingen. Kunstværk
kan blive et objekt lånt fra livet: miljø eller færdigt - en idé,
som er baseret på perceptionens accent, det vil sige at overveje et objekt, et værk
af kunst er den lavet af tilskueren selv. Efter M. Duchamp bliver al kunst af natur
ord eller koncept. Samtidig oplever den klassiske mimetiske teori
krise og er ude af stand til at retfærdiggøre mangfoldigheden af \u200b\u200bvisuelle repræsentationer. Tidligere menneske
brugt til at glæde sig over kontemplationen af \u200b\u200bet kunstværk. Samfund
tog for givet, at det var netop den kanative karakter, kompleksitet og rigdom
et æstetisk tegn eller endog et sprog gav værket status som kunst, nu
afstanden mellem billederne i værket og deres referenter er praktisk talt fraværende.
I løbet af det sidste halve århundrede har kunsten vendt sig til temaer, der tidligere var ens
ikke fjerninteresseret i kunsthistorie. Morfologisk idé om syntese
kunstens rammer går i opløsning og udsætter kunstnerens skikkelse over for samfundet. FRA
fremkomsten af \u200b\u200bnye kommunikationsmidler har ændret opfattelsen i sig selv - fra visuel orientering
til multisensorisk. Kunst er i stand til at dæmpe alle menneskelige evner
stræber efter den kreative fantasiens enhed. Socialiseret tendens
kunst i vestlige lande udvikler sig uafhængigt, i Europa er det en gruppe
"Situationist International", i USA - neo-dadaister og "Fluxus", der tror på
redder kunst fra kommercialisering, der truer med at gøre den til en ekstrem
en prestigefyldt vare. Fritid kunstnere arbejder
over projekter, der involverer musikere, digtere, dansere. Et resultat af denne slags
aktivitet bliver en ny tværfaglig æstetik baseret på gensidig
inspiration, berigelse og eksperimentering. Forestillingen tillod kunstnere
slet endelig grænserne mellem udtryk, mellem kunst og
liv. Performativ praksis var en udfordrende protest
generelt accepterede værdier og adfærd, kunne de ikke eksistere uden dialog med
tilskuer. Kunstnere forbinder sig direkte med andre mennesker, deres liv
erfaring og adfærd. Fusionen af \u200b\u200bkunst og liv, som den vigtigste idé erhvervet
ekstreme og nysgerrige former for englænderne Gilbert og George. Manzoni blev til
"Levende skulpturer" af dem omkring dem forvandlede de sig også til "levende skulpturer", og
indirekte gjort deres liv til et kunstgenstand.
B.E. Groys, set fra en teoretiker fra det XXI århundrede, fremhæver kunstens opgave med at demonstrere
forskellige billeder og livsstil gennem praktisk viden. På en måde
meddelelse bliver selve meddelelsen. ”Vi erkender, at en af \u200b\u200bde mest betydningsfulde
kunstneriske tendenser i de sidste 10 - 15 år er spredningen og
institutionalisering af gruppe- og socialt engageret kreativitet ",
hvis udtryk vi finder i den særlige popularitet af interaktionskunsten.
M. Kwon betragter den nye kunstform som en "community specification"
K. Bazualdo - "eksperimentelt samfund", G. Kester definerer det "dialogisk
kunst ". Kesters idé er, at kunstens opgave er at modstå en verden, hvori
mennesker reduceres til et forstøvet pseudofællesskab af forbrugere, hvis
den følelsesmæssige oplevelse gives af forestillingen og øvelserne. Hvis samarbejde med
af tidligere organiserede grupper afslører en udnyttende karakter, gør det ikke
kan afspejle en model for social interaktion. I en fælles konfrontation
kapitalisme, kunstnere forener sig imellem og opfordrer en ekstern offentlighed,
som med sikkerhed skal føle sig som en deltager i arbejdet. I modsætning til
tv, kunst ødelægger ikke, men forener relationer, bliver et sted,
skabe et specifikt rum for kommunikation. Hvis G. Hegel ringede til en af
de vigtigste årsager til kunstkrisen er tabet af en persons evne til direkte
oplevelser af et kunstværk ("Friheden for kunstværker, som
stolthed over deres selvbevidsthed og uden hvilken de ikke ville eksistere - dette er deres egen list
sind. Hvis kunstværker er svar på deres egne spørgsmål, så i
på grund af dette bliver de selv spørgsmål. ”), fordelen ved den samme dialog
type kunstnerisk praksis er, at en kritisk analyse af stereotyper
udføres i form af meningsudveksling og diskussion, ikke chok og ødelæggelse.
Samarbejdskunst søger tilgængelighed snarere end eksklusivitet; i
dialog, refleksion er uundgåelig, da den i sig selv ikke kan konstruere
sammensætning.
I praksis skaber ideen om at forene kunstneren og offentligheden en barriere i sig selv,
hindrer tilnærmelse og bliver uden tvivl det mest presserende problem. Offentlig,
lidt fortrolig med kunsttendenser, fordomme overfor alle manifestationer
moderne kreativitet og forsøger at undgå kontakt. Afslag på dialog bliver
den oprindelige årsag til misforståelsen. Kunstneren udtrykker selvopofrelse,
afkald på tilstedeværelse af ophavsret til fordel for forholdet og tillade deltagere
tale gennem dig selv. Denne idé udtrykker ofring af kunst som sådan og dens ønske
fuldstændig opløsning i social praksis.
Følelser forbliver det eneste element i opfattelsen - hovedkriteriet
fremkomsten og eksistensen af \u200b\u200bet kunstværk, hvis begyndelse er
oplevelser og følelser. Som V.P. Bransky bemærker: ”Den, som objektet ikke forårsager
ingen følelser, bemærker ikke i dette objekt og en tiendedel af de træk, der
åben for en person, der er under et stærkt indtryk af objektet. Så
Så paradoksalt det end kan virke, kan du se på noget - og ikke se noget ”.
Grundårsagen til enhver kunst er ikke så meget sammenhæng som fri følelse, i
fortiden begrænset af rammerne for filosofi, æstetik, skønhed, proportioner og andet
kulturelle traditioner. Postmoderne kunst er primært baseret på
følelser, og det er umuligt at måle det efter noget andet kriterium!
LITTERATUR
1. Rykov A.V. Vestlig kunst fra det XX århundrede: Studievejledning. - SPb.: Nyt alternativ
Polygrafi, 2008.S. 3.
2. Dempsey, Amy. Stilarter, skoler, anvisninger. En guide til samtidskunst. - M.: Kunst -
XXI århundrede, 2008.S. 191.
3. Biskop, Claire. Social vending i samtidskunst - Moskva: Khudozhestvennyj zhurnal, 2005, nr.
58/59. S. 1.
4. Adorno, V. Theodore. Æstetisk teori / pr. med ham. A.V. Dranova. - M.: Republic, 2001.S.12.
5. Bransky V.P. Kunst og filosofi. Filosofiens rolle i dannelsen og opfattelsen af \u200b\u200bdet kunstneriske
arbejder på eksemplet med maleriets historie. - Amber Skaz, 1999.S. 6.