Jean-Christophe Maillot: ”Det værste i en mands forhold til en kvinde er kedsomhed. ”Jeg er interesseret i en seer, der forstår lidt om dansefilm Jean-Christophe Mayo

Titel: Dream (A Midsummer Night's Dream, Dream) (Jean Christophe Maillot)
Originaltitel: Le Songe (Jean Christophe Maillot)
Udgivelsesår: 2009
Genre: Ballet, moderne, komedie
Udgivet: Monaco, Frankrig, Japan, Les Ballets de Monte-Carlo, Europe Images / M, NHK
Instruktør: Jean Christophe Maillot
Kunstner: Bernice Coppieters (Titania), Jeroen Verbruggen (Pak), Jerome Marchand (Oberon), Gaetan Marlotti (Weaver), Chris Roeland (Tinsmith)

Info: Fyrstendømmet Monaco, 20 års jubilæum for ballets oprettelse, iscenesat af Jean -Christophe Mayo og virkelig fransk ånd: forkælelse, sensualitet, erotik - alt til sjæls glæde !! (kommentar til balletten til brugeren af ​​trackeren kinozal.tv - "aneta21")

Premieren på balletten "A Midsummer Night's Dream, A Midsummer Night's Dream" fandt sted i Monte Carlo (Grimaldi Forum) den 27. december 2005, baseret på handlingen i komedien "A Midsummer Night's Dream" af W. Shakespeare. Forestillingen, iscenesat for 26 dansere, markerede 20 -året for oprettelsen af ​​balletter i Fyrstendømmet Monte Carlo.
Jean-Christophe Maillot har drevet Monte Carlo Ballet Company siden 1986. Denne forestilling er mest karakteristisk for Jean-Christophe Maillots værk: balletten bærer den aktuelle fantasi kombineret med detaljerne i tegneserier og poesi. Scenografien og kostumerne spiller en vigtig rolle i forestillingen, der fremhæver det fantastiske, balancerer på grænsen af ​​drømme under fuldmånens spøgelsesagtige lys. Den toaktede ballets komiske handling udspiller sig på en mørk, fri scene, hvor sceneriets hovedelement er en gigantisk abstrakt sammensætning af et hvidt slør: som en fantastisk sky svæver den på mystisk vis over scenen og forunderligt ændrer sin form og lys farve. Handlingen udvikler sig parallelt på to niveauer - på scenen og over den, i dens mørke dybder, hvor kun figurernes figurer belyses, hvilket resulterer i, at de ser ud til at flyde i rummet, nogle gange endda inde i en "slørsky ". En forestilling med flere genrer, dygtigt vævet af danseminiaturer, teaterskitser, udtryksfuld pantomime og cirkusklovneri, fængslende og overbevisende fortæller en magisk historie med deltagelse af eventyrlige og mytologiske karakterer. Man kunne forvente, at koreografen rigeligt ville citere balletten af ​​samme navn af John Neumeier, i hvis trup Jean-Christophe arbejdede i mange år. Han gik dog sin egen vej.
Som Jean-Claude Mayo sagde, "ballet har brug for nyt blod", så i "Dream" kan du ikke kun høre musikken fra F. Mendelssohn, men også den elektroakustiske komposition af den argentinske Daniel Terugi og musikken fra Bernard Mayo, koreografens bror. At danse på pointe her er et sjældent privilegium, der kun gives til udvalgte ballerinaer. Hovedparten af ​​karaktererne er involveret i en larmende, akrobatisk burlesque, sammensat af sjove vittigheder, direkte forkælelse, lidenskabelig sensualitet, useriøs erotik. Koreografen fornemmede subtilt og afspejlede i sin ballet heltenes legende munterhed, naiv uskyld og ubevidste ambitioner. Balletten er på samme tid præcis, alvorlig og saftig. Det er livligt, funklende og så opfindsomt, at seeren ikke kan kede sig et eneste sekund.

Musik: Felix Mendelssohn, Daniel Teruggi, Bertrand Maillot
Instruktørassistent: Nicolas Lormeau
Dirigent: Nicolas Brochot
Orkester: Monte-Carlo Philharmonic Orchestra
Koreograf: Jean Christophe Maillot
Scenografi: Ernest Pignon-Ernest
Kostumer: Philippe Decoufle (bidragyder - Cirque du Soleil)
Lys: Dominique Drillot

New York, 2017
Fotos af Nina Alovert.

Den 26. juli fandt premieren af ​​balletten The Taming of the Shrew af State Academic Bolshoi Theatre of Russia, instrueret af koreograf Jean-Christophe Maillot, sted på scenen i Lincoln Center i New York. Jean-Christophe Maillot fortæller om processen med at skabe en forestilling, valget af dansere og skabelsen af ​​musik, det særlige ved at arbejde med ballet og hans unikke tilgang til kunstnere på en fængslende måde, elegant fransk og med et strejf af humor på en pressemøde før forestillingens premiere.

"The Taming of the Shrew", sidste scene. New York, 2017

Jean-Christophe Mayo: Jeg kan ikke rigtig lide at tale om ballet, for ballet skal ses. For mig er det vigtigste altid den fantastiske oplevelse at skabe en forestilling. Inden jeg begyndte at arbejde med Bolshoi -teatret, havde jeg i mere end 25 år ikke iscenesat produktioner med andre trupper udover mit eget. Og jeg var selvfølgelig ret imponeret, som sandsynligvis enhver koreograf, der støder på et kompagni i topklasse. Der er to grunde til, at jeg besluttede at iscenesætte "The Taming of the Shrew" på Bolshoi Theatre.

Jean-Christophe Maillot: Jeg kan ikke rigtig lide at tale om ballet, for ballet skal ses

Når du ikke kender et folks kultur, begynder du at bruge klicheer i dine domme. Sådan noget: franskmændene spiser camembert og baguette. (Griner) Måske tager jeg fejl, for jeg kender ikke Rusland og russere så godt, men ...:

For det første syntes det altid for mig, at drengene på Bolshoi -teatret alle er så hårde rigtige mænd, og alle pigerne er bare skønheder ... Så for mig var Bolshoi -teatret et ret oplagt valg til iscenesættelse af denne særlige forestilling.

Og den anden og meget vigtige årsag er, at jeg har arbejdet i over 20 år med en danser, som jeg holder meget af - Bernice Coppieters. Da hun var 22 år, fortalte jeg hende, at jeg en dag ville iscenesætte "The Taming of the Shrew" for hende, fordi hun er dette billede. Sammen med hende iscenesatte vi 45 balletter, og en dag kom hun til mig og sagde: "Det er det, jeg stopper." Og lige i det øjeblik blev jeg tilbudt at iscenesætte en produktion på Bolshoi -teatret. Jeg fortalte hende, at jeg ville gøre det for hende, fordi hun ville være min assistent. Så jeg vil iscenesætte ballet med hende. Og her er vi: Lantratov (Vladislav Lantratov, udøver af rollen som Petruchio, red.), Katya, Mayo og Coppétiers. Og vi lavede koreografi på hotellet i meget lang tid, snakkede, talte.

Under produktionen lærte jeg meget om russisk ballet og russere. Jeg kan ikke tale om alle danserne, kun om dem, som jeg arbejdede med på Bolshoi -teatret. De er helt forskellige. Og arbejdsprocessen er en helt anden.

Da vi startede, var tingene ustabile. Men jeg må indrømme, at den rollebesætning, jeg arbejdede med, er teatrets mest luksuriøse 25 dansere af høj klasse. Jeg opdagede, at russiske dansere er meget modtagelige. Jeg troede, at de var ret lukkede, men de viste sig at være modtagelige, hvilket er meget rørende. De vil aldrig vise dig, at de lider, men det skal forstås. De giver dig så meget! De er meget dybe personligheder. Før denne produktion troede jeg, at de elsker konflikter og forsætligt forsøger at skabe dem, men jeg er fransk og kan ikke lide konflikter, jeg undgår konflikter. Men det viste sig ikke at være sådan, og jeg opdagede fantastiske dybe mennesker og fik vidunderlige venner.

Det var også vigtigt, at et af træk ved Bolshoi Theatre -danserne er deres evne til at mærke teatret. At arbejde med dem er noget særligt, de er meget generøse, men de fungerer på en helt anden måde, på en anden måde, nogle gange er det ikke let. Det er omtrent det samme som at forsøge at forklare noget til en person, som du taler med på forskellige sprog, og du ikke har nok præcise ord, der kan formidle, hvad du føler og vil sige. Men jo længere denne ballet er på scenen, jo bedre forstår kunstnerne og jeg hinanden, jo bedre føler de, hvad jeg præcist ville opnå med denne forestilling.

I 2011 begyndte jeg at se nærmere på Bolshoi Theatres kunstnere, da jeg kom til Benoa's koncert. Da jeg da iscenesatte min Svanesø, kom en vanvittig idé til mig. Tre dage før forestillingen besluttede jeg at præsentere Swan Lake på en interessant måde. Den første akt blev fremført af min gruppe med min koreografi, den anden, den mystiske handling, skulle udføres af Bolshoi -teatrets kunstnere på en traditionel måde, og den tredje måtte være noget tosset. Puristerne var fuldstændig chokerede, men jeg elskede det. Dette gav mig mulighed for at se nærmere på alle danserne.

Jean-Christophe Maillot: Men jo længere denne ballet er på scenen, jo bedre forstår kunstnerne og jeg hinanden, jo bedre føler de, hvad jeg præcist ville opnå med denne forestilling

Det var da, jeg indså, at med Katerina (Ekaterina Krysanova, spillede rollen som Katarina i balletten "The Taming of the Shrew", red.) Ville det være hårdt og hårdt. Hun klagede altid over noget, så var lyset ikke sådan, så noget andet. Så jeg tænkte, at det slet ikke var værd at kommunikere med hende.

Så tog det mig to år at lære kunstnerne lidt bedre at kende, men selv efter dette tidspunkt vidste jeg stadig ikke, hvem der ville danse hvad. Fordi Bolshoi -teatret er virkelig stort, er der mere end 200 dansere, og jeg kender ikke nogen den dag i dag. Først i januar 2013 begyndte vi at arbejde med produktionen. Vi arbejdede i 7 uger, derefter to måneder fri og yderligere 6 ugers arbejde. Mellem arbejdet kom jeg stadig til Bolshoi for i det mindste at krydse øjnene med kunstnerne for at lære hinanden bedre at kende.

For mig er det at tage en ballet op med dansere som at gå ud og spise med mennesker. Nogle gange møder du nye mennesker til middagen, men du skal være sikker på, at der ikke er nogen ved bordet, der kan ødelægge din aften. Du skal sørge for, at selvom de ikke kender hinanden, har de stadig noget til fælles. Og når der er noget tilfælles mellem mennesker, vil alt helt sikkert fungere.

Og nu vil jeg fortælle dig en lille historie om, hvordan Katya fik hovedrollen. Da jeg allerede tog til Moskva for at iscenesætte "The Taming of the Shrew", havde jeg stadig ikke besluttet noget om billedet af stykkets hovedperson, det eneste der var sikkert var, at hun ville være rødhåret og i en grøn kjole, og at det ville være svært med hende. (Griner)

Jean-Christophe Maillot: Med afgang til Bolshoi har jeg endnu ikke besluttet noget om billedet af stykkets hovedperson, bortset fra at hun vil være rødhåret og i en grøn kjole, og at det bliver svært med hende.

Jeg tog ikke Katya med til den første repetitionsopstilling af balletdansere. På Bolshoi har alle travlt, måske på det tidspunkt dansede hun nogle andre store roller, jeg kan ikke huske det. Men en dag kom denne lille pige hen til mig og sagde, at hun ville prøve på audition for mig. Jeg svarede hvorfor ikke. Det er jo meget rørende, når danseren kommer hen til dig. Den næste dag kom hun til audition uden at vide alt, hvad jeg havde fortalt dig før. Og her kommer hun: en rødhåret, i en grøn skjorte, med grønne øjenvipper. Jeg tænkte, at det var et tegn at følge. Jeg har måske min egen vision, men jeg elsker at blive "voldtaget" af kunstnerne, når skuespillerne "tager mig med storm". Jeg tror, ​​at det er umuligt at være koreograf, hvis du er gøg i din verden, og kunstnerne efterlades på sidelinjen.

Jeg mener, at god koreografi ikke kan skabes uden en særlig følelsesmæssig forbindelse med danserne. Det ser ud til, at hvis kunstneren udskiftes, vil koreografien ikke ændre sig. Men for mig kan udskiftningen af ​​en kunstner føre til, at koreografien simpelthen forsvinder, ikke kan eksistere i en anden forestilling. Det er almindeligt accepteret, at en rolle åbner nye facetter for en person, som han ikke havde mistanke om før. Efter min mening er det muligt at skabe forhold, hvor dansere føler sig godt tilpas og viser mere, end de var i stand til før. Men hos en person er det kun muligt at afsløre det, som han selv vil hjælpe med at manifestere. Og jeg kan skabe sådanne betingelser. Jeg elsker at arbejde i et glædeligt miljø, jeg hader lidelse, og jeg tror ikke, jeg har brug for det.

Jeg tror, ​​at Katya i "The Taming of the Shrew" afslørede sig selv som en mere øm og skrøbelig pige, end hun anser sig selv for at være. Og Vlad også.

The Taming of the Shrew præsenteres ofte som en macho -historie. Og vi vil aldrig vide, hvordan Shakespeare selv havde det. Men for mig er det indlysende, at dette er historien om to usædvanlige mennesker, der ikke accepterer en almindelig partner - en "mellembonde" ved siden af ​​dem. Men hovedideen i dette stykke er kærlighed og muligheden for at finde kærlighed til enhver person. Alle kan finde deres makker, deres soulmate, endda en grim, useriøs eller dysfunktionel person, og ingen kan bedømmes for deres valg. Det er hvad stykket handler om for mig.

Jean-Christophe Maillot: Det sværeste er at tale om plotens oprigtighed, om resultatets klarhed, dette kan diskuteres uendeligt, dette er subjektivt, men jeg tror, ​​at der er noget nyt i vores ballet og noget, der trænger direkte ind i menneskers hjerter.

Jeg elsker at arbejde med koreografi i ballet, men jeg elsker lige så meget at arbejde med historie. Min beslutning om at iscenesætte The Taming of the Shrew var påvirket af fejringen af ​​Shakespeares 450 -års jubilæum. Jeg var meget bekymret før showet med The Taming of the Shrew i London. For det første er det Shakespeare's fødested. For det andet opfattes koreografi forskelligt i hvert land.

Det sværeste er at tale om plotens oprigtighed, om klarhed i resultatet, dette kan diskuteres uendeligt, dette er subjektivt, men jeg tror, ​​at der er noget nyt i vores ballet og noget, der direkte trænger ind i hjerterne på mennesker. Jeg ved ikke, om det er beskedent at sige det, men det er en slags spontanitet. Showet i London var en succes og blev godt modtaget af offentligheden.

Jeg er altid mere interesseret i seeren, der forstår lidt om dans. Fordi der ikke er så mange mennesker, der forstår ballet i salen - der er højst hundrede ved hver forestilling, hvis du er heldig.

I dag kan vi bruge klassisk balletkoreografi i abstrakte scenerier, hvilket giver anledning til en slags komisk, ironisk produktion. Musikkens kraft og danserne fanger beskueren og minder ubevidst med kropssprog dig om de vigtige ting, som vi alle ved om. Det er en vidunderlig kemi, der er svær at forklare.

Når jeg arbejder med en ny ballet, er jeg altid inspireret af kunstnerne, fordi de for mig legemliggør de billeder, som jeg gerne vil se på scenen.

Efter at have besluttet at arbejde med Bolshoi besluttede jeg at bruge Dmitry Shostakovichs musik til produktionen, da jeg vidste, at det ville være tæt på kunstnerne i ånden. Jeg tror, ​​jeg har lyttet til alle de eksisterende optagelser af Sjostakovitj. Musik er for mig den højeste kunst. Det forekommer mig, at intet vækker flere følelser end musik.

Det første, jeg gjorde, selv før koreografien blev iscenesat, var at sammensætte forestillingens musikalske komposition, partituret. På papiret ser det temmelig mærkeligt, kaotisk ud. Men jeg er sikker på, at værdien og rigdommen ved Shestakovichs musik ligger i, at han er en af ​​de komponister, der er i stand til at arbejde på helt forskellige niveauer. Som musiker selv indså jeg, at jeg kunne kombinere hans musik, så det lød som om det var specielt skrevet til denne ballet. Derved brugte jeg meget musik, som han skrev til film.

Jean-Christophe Maillot: Jeg kan ikke sidde i mit værelse og komme med koreografi. Jeg skal være i salen med danserne og musikken, ellers kan jeg ikke tænke på et skridt.

Jeg kan ikke sidde på mit værelse og komme med koreografi. Jeg skal være i salen med danserne og musikken, ellers kan jeg ikke tænke på et skridt. Musik vækker følelser og inspiration i mig. Mens jeg arbejdede på produktionen, forsøgte jeg at kombinere musikalske stykker efter hinanden, naturligvis ved at følge orkesterets formelle kanoner, kompositionsstruktur og opretholde følelsesmæssig balance i hele stykket.

Nogle gange måtte jeg glemme betydningen af ​​musik for russere. Jeg ved, at Sjostakovitj er russisk, men frem for alt er han en komponist. Derfor kan en franskmand lytte til Shostakovichs musik uden at værdsætte den betydning og betydning, det indebærer. På et tidspunkt var jeg selv i tvivl. Da jeg brugte symfoniens musik, forklarede de mig, hvad denne musik betød for russisk kultur, og at den ikke skulle spilles med den. Men i stedet for at tale om krig, talte jeg om kærlighed i musik. Jeg respekterer musik, jeg kan ikke lide provokation.

Jeg følte mig sikker på, hvad jeg lavede. Jeg gik til konduktøren og gav ham min plan. Han opbevarede den i tre dage og returnerede den til mig med ordene: "Det er præcis det, jeg drømte om at udføre en dag."

Jeg sagde, godt, så lad os gøre et godt stykke arbejde. Og jeg tror, ​​det fungerede, og vi gjorde det.

Jean-Christophe Maillot: Nogle gange måtte jeg glemme musikens betydning for russerne. Shostakovich er russisk, men frem for alt er han komponist. Derfor kan en franskmand lytte til Shostakovichs musik uden at værdsætte den betydning og betydning, det indebærer.

I Fyrstendømmet Monaco sluttede året for russisk kultur med en række nytårsnøddeknækkere på scenen i Grimaldi Forum: i balletten af ​​den kunstneriske leder og koreograf ved Monte Carlo Ballet Jean-Christophe Mayo var hovedrollerne fremført af solisterne i Bolshoi -teatret Olga Smirnova og Artem Ovcharenko. Fra Monte Carlo - TATIANA KUZNETSOVA.

Fornyelsesballet

Under produktionen af ​​The Taming of the Shrew i Moskva til Shostakovichs musik (den succesfulde ballet tog sammen med de førende skuespillere flere Golden Masks og vil om et par uger blive vist online i biografer rundt om i verden), koreografen Jean-Christophe Mayo blev betaget af Moskva-kunstnere, og for anden gang inviterer han sine favoritter til Monte Carlo. Denne gang dansede Olga Smirnova og Artem Ovcharenko i anden akt i Nøddeknækkertruppen, der - for første gang i virksomhedens historie - ramte sølvskærmen: Nytårsaftens forestilling blev sendt i hele Europa. Dette er held og lykke ikke kun for Monte Carlo Ballet, men også for publikum. Nøddeknækkertruppen er den eneste ballet, som dette eftertragtede selskab ikke tager med på turné: kunstneren Alain Lagarde kom med et overvældende scenografi, i første akt efterlignede en teatralsk backstage i naturlig størrelse (balletklasse, omklædningsrum, garderobelokaler), og i den anden - bærer helte fra snedækket skov i landskabet med forskellige balletter.

Scenografien følger plottet nøjagtigt: Nøddeknækkertruppen, komponeret af Jean-Christophe Maillot i slutningen af ​​2013 til 20-året for hans embedsperiode som kunstnerisk leder af truppen, er en sjov og vittig fortælling om Monte Carlos nylige historie Ballet (se. "Kommersant" dateret 11. januar 2014). Første akt fortæller historien om en lille revolution foretaget af Fairy Drosselmeyer, som præsenterede sine balletelever for Nøddeknækkeren, en koreograf. Under eventyrkarakteren gemmer den virkelige prinsesse Carolina sig, som overlod gruppen, der blev opdraget i klassiske traditioner, til den unge Mayo, hvis spilopfindelse mødte en del modstand fra de mest akademiske solister. Anden akt er en oversigt over Mayos bedste balletter: Askepot, La Belle (Tornerose), Le Songe (En midtsommernatdrøm), Romeo og Julie. Temaerne søvn og delt kærlighed dominerer her: den bebrillede pige Clara, koreografernes akavede datter fra første akt (den berømte tandem Pierre Lacotte - Ghilen Tesmar menes med balletparret koreografer -akademikere), ser sig selv som heltinde i alle historier og på samme tid troppens stjerne.

Dette var tilfældet for to år siden, men med genoptagelsen af ​​konceptet - og selve ydelsen - undergik mærkbare ændringer. Invitationen fra Bolshoi -stjernerne indskrænkede betydeligt Ankhara Ballesteros fest: hendes Klara forbliver en brillebrød, der ikke er kommet videre end rollen som den mobbede Askepot - Olga Smirnova og hendes skønne Artem Ovcharenko optræder i stjernekarnationer. Bolshoi -premiermanden forblev tro mod sig selv: upåklageligt hjælpsom, blid og akademisk, intet hårdt, intet vulgært - legemliggørelsen af ​​balletintelligens; selv i den bizarre cirkusfinale, hvor klassiske pas bliver til tricks, ser hans suverænt formede jete en tournant delikat og velopdragen ud. Men Olga Smirnova, en Petersborgsk kvinde med balletoprindelse, berømt for den kære dansens særlige sværhedsgrad og renhed, viste sig i Mayos koreografi at være anderledes end hende selv. Nej, saftigt skuespil med aktive, næsten skræmmende ansigtsudtryk, nødvendige og passende i denne forestilling, er stadig fremmed for hende: kun øjne lever på ballerinas gennemsigtige ansigt. Imidlertid blev hendes krop helt af med akademisk geometri: generthed og lyksalighed, afsky og smerte, frygt og håb, længsel og lyst - alle finesser i følelserne hos hendes tre karakterer kan læses i kroppens kurver, i det frie bevægelse af hænderne, ved pludselige ændringer af positurer, i vestlig synkoperet bevægelsesmåde. For solister i Moskva omarbejdede Jean-Christophe Maillot koreografien og gav dem en fuldgyldig romantisk adagio: i den støttede den eksemplariske russiske premierminister den universelle prima i international klasse.

Efter at have introduceret udenlandske stjerner til forestillingen glemte koreografen ikke lokale behov - om at genopbygge sin egen trup. Et stort fragment af første akt - den, hvor kunstnerne til musikken fra Tchaikovsky's Serenade lærer en godmodig parodi på Balanchine - Mayo omarbejdede og gav den til børn fra Monte Carlo Ballet School. De unge klarede med succes en temmelig kompleks tekst og koordination, selvom pigerne som teenagere næsten var et snit over deres jævnaldrende.

Men de to tab, som gruppen har lidt siden premieren for to år siden, viste sig at være uoprettelige. Bernice Coppieters, koreograf Mayos prima og muse, en ballerina med uforlignelig plasticitet og fængslende karisma, er gået på pension. Marianne Barabas, der erstattede hende i rollen som Drosselmeyer -feen, en høj blond kvinde med stærke smukke ben og hårde hænder, efterligner sin forgængers gestus til sit bedste, men hun har hverken forførende imperiøst aristokrati, kropslig almagt eller transcendental perfektion eller menneskelig humor i prototypen. Det andet tab er selve Nøddeknækkeren. Den første udøver af delen - lille Jeroen Verbruggen, der udspyede hektisk energi - sluttede sig til koreograferne og forlod truppen. Rollen gik til premier Stefan Stefan, en sangrig danser, der i enhver rolle - fra Faust til Siegfried - kun viser genial selvtilfredshed. Som et resultat heraf er hovedpersonen i stykket fra en inspireret neurastheniker, hvis angreb af selvsikker inspiration erstattet af kolisk vantro i ham selv, blevet til en munter og sorgløs klovn, der piller med andre uden nogen skade på mental sundhed.

Men disse foruroligende ændringer er kun mærkbare for dem, der blev forelsket i The Nutcracker Troupe ved forestillinger for to år siden. Den nuværende fornyelse, spredt over hele Europa ved udsendelsen, skuffede tydeligvis ikke publikum: forestillingen er stadig lys, vittig og rørende. Det er bare, at accenterne har skiftet: i stedet for prinsessen og koreografen kom truppen i forgrunden. Dog i fuld overensstemmelse med navnet på balletten.

Alt, hvad der sker på Monte Carlo Ballet Theatre, synes vigtigt og tæt på os - det er trods alt instrueret af Jean -Christophe Maillot, en koreograf, som vi blev forelsket i ved første blik, da vi så hans ballet Daphnis og Chloe tilbage i 2012 . Derefter iscenesatte han The Taming of the Shrew på Bolshoi Theatre, og denne sæson viste han os Askepot (i St. Petersborg) og Beauty (i Moskva). Jean-Christophe er en interessant personlighed og charmerende person. I et interview med Olga Rusanova fortalte han om sin interesse for plottløse balletter, Marius Petipa og hvad det vil sige at være koreograf i lille Monaco.

Er abstraktion liv?

Publikum kender mine historieballetter godt, og dette er i sandhed en vigtig del af mit arbejde. Men jeg har også stor glæde af at skabe rene bevægelser, der er relateret til musik. Ja, denne kunst ser ud til at være abstrakt, men jeg tror ikke på, at der er noget helt abstrakt, da alt, hvad en person gør, bærer en slags følelser, følelser. Plus, jeg elsker at udforske denne meget specifikke forbindelse mellem bevægelse og musik. Og når jeg ikke skal holde mig til plottet, kan jeg være mere vovet, endda tage risici i udforskningen af ​​koreografi. Dette er en slags laboratorium, der fascinerer mig. Og dette er også en vigtig del af mit arbejde, måske mindre kendt, men det indeholder, hvis du vil, essensen af ​​ballet, bevægelse som sådan.

Min sidste ballet "Abstraction / Life" blev skabt til helt ny musik - en cellokoncert af den franske komponist Bruno Mantovani kaldet "Abstraction". Dette er en meget stor score - næsten 50 minutter, og jeg er inspireret af ideen om at samarbejde med komponisten.

Selvfølgelig kunne jeg også godt lide at arbejde med Shostakovichs musik - jeg mener balletten The Taming of the Shrew, da jeg fra hans værker sådan set skabte en ny score for en ballet, der ikke eksisterede i virkeligheden. Men alligevel, når en komponist komponerer specielt for mig, er det en helt anden sag. Desuden består den nuværende balletaften af ​​to dele - i den første del er der en ballet af George Balanchine til musikken i Stravinskys violinkoncert. Lad mig minde dig om Balanchines sætning: "Jeg forsøger at lytte til dans og se musik." Så jeg, efter Balanchine, vil gerne lave musik som om det er synligt. Moderne musik er ofte svært at forstå på egen hånd. Og dans, bevægelse gør det sådan set muligt at "genoplive" det, gøre det mere naturligt for opfattelse. tiya. I dette øjeblik, trods alt, en slags et mirakel ... Generelt komponerer jeg som koreograf altid en dans med musik, jeg kan ikke forestille mig et eneste trin, ikke en enkelt bevægelse uden det, for efter min mening er musik en kunst af højeste orden, altid adresseret til følelser, selvom det er komplekst, uforståeligt ... Og det er dansen, kroppens bevægelse, der kan formidle denne følelse, hvordan man fortæller den, og dette, du ser, rører ved.

Og videre. Kunstneren skal være vidne til den tid, hvor han lever, give oplysninger om den virkelige verden. Jeg talte om dette med forfatteren af ​​Concerto Bruno Mantovani. Hans musik er undertiden for kompleks, hård, som du hørte. Han sagde: ”I det 20. århundrede og endnu mere i dag er grusomhed overalt. Verden vokser, der er flere og flere mennesker. Der er mange frygt, spørgsmål, forvirring ... Jeg kan ikke skrive blød, blød musik, jeg skal afspejle virkeligheden. "

Petipa, Diaghilev og Instagram

Petipa er noget usædvanligt, specielt, unikt. Så var der ingen andre koreografer som ham. Jeg tror, ​​at han er en af ​​de første, der havde begrebet dans som et selvforsynende sprog, hvortil intet behøver at være opfundet, tilføjet. I hans tilfælde er ballet i sig selv nok til at bygge en forestilling.

Hvorfor taler vi om Petipa den dag i dag? - Fordi han er kernen i alt, hvad der er ballet. Ingen ville være, hvor han er i dag, hvis ikke for hvad Petipa gjorde. Han er udgangspunktet, starten på den viden om ballet, som vi har i dag. Og da han trådte over år, århundreder, generationer, betyder det, at han var noget meget vigtigt, og dette er indlysende.

Og i dag, mens vi skaber en stor historieballet, tænker vi stadig på Svanesøen, fordi dette er grundlaget for klassisk ballet, som hver koreograf er afhængig af. Dette var det første sådanne grundlag for at bygge videre på et nyt koncept, en ny tankestil, nye ideer. På det tidspunkt var der ingen video, biograf, vi havde kun denne meget specifikke evne til dans til at overføre denne viden gennem tid, gennem generationer.

Nå, Petipas fænomen er også interessant som et eksempel på kulturenes indtrængen. Hans balletter har gennem årene vist, at dans er et glimrende grundlag for international kommunikation, fordi det er vores fælles sprog. Da jeg kom til Bolshoi -teatret og arbejdede sammen med gruppens solister, kunne jeg ikke lade være med at tænke på Petipa, om hvordan denne franske fyr kom fra Marseille til Rusland og efter at have mødt russisk kultur, russiske dansere, forsøgte at kombinere begge kulturer.

Dette er meget vigtigt at huske, især i dag, fordi kulturelle forskelle gradvist forsvinder. Vi smelter i stigende grad ind i hinanden og blander. Det ser ud til, at indtil for nylig, hvis vi ikke havde set kolleger i 5-6 år, vidste vi ikke, hvad de lavede, og nu - takket være sociale netværk, Instagram - flyder information løbende. Alt ser ud til at ske overalt på samme tid. Dette er både godt og dårligt.

Jeg tænker: hvad ville der være sket med Grigorovich, hvis Facebook havde eksisteret og alt det, hvis han vidste, hvad Trisha Brown lavede i New York på samme tid? Ville alt i hans balletter være det samme? Det er usandsynligt, og vi kunne nok kun fortryde det.

Russiske danseres måde var oprindeligt en helt anden end fransk og amerikansk, men tiden går, og du forstår, at det, der for 20 år siden var anderledes, nu flere og flere sletter, opløses, konvergerer. Og jeg ser dette i mit firma, hvor repræsentanter for forskellige nationaliteter danser.

Universaliteten i tænkning, stil, æstetik - ja, på nogle måder er dette fantastisk, men efterhånden mister vi vores identitet. Vi kopierer os selv ubevidst mere og mere. Og måske var det Petipa, der var en af ​​de første til at provokere denne proces. Det var ham, der forlod Frankrig og bragte dens kultur til et andet land, til Rusland. Og måske er det derfor, hun blev så ekstraordinær ...

Generelt mener jeg, at hver kunstners opgave er at henvise til det, der er gjort før dig, at kende arven, behandle den med respekt og nysgerrighed. Kendskab til historien er meget vigtig, men samtidig skal du på et tidspunkt “glemme” denne viden for at komme videre. Jeg bliver ofte spurgt om Sergei Diaghilevs truppe Russian Seasons, der arbejdede i Monte Carlo, hvor vores teater opererer. Selvfølgelig var det et meget interessant fænomen, da selskabet samlede komponister, kunstnere, koreografer, gav to eller tre balletter om aftenen. I dag gør mange mennesker dette, men så var de de første. For mig er Diaghilevs russiske årstider ikke mindre vigtige end Petipa.

Bezharovsky danser

Jeg voksede op i en teaterfamilie. Min far var scenograf på Opera- og Balletteatret. Herhjemme i Tours samledes sangere, dansere, instruktører, man kan sige, at jeg er født og opvokset i teatret. Jeg "hang" der i timevis. Derfor kan jeg ikke lide opera - jeg så for meget af det fra en tidlig alder. Samtidig vil jeg ikke sige, at jeg er vokset op i dansens verden, men derimod i et kunstnerisk miljø. I lang tid kunne jeg ikke rigtig betragte mig selv som specialist inden for dans - indtil jeg var 32.

Jeg var danser - jeg studerede på konservatoriet i Tours, derefter i Cannes. Jeg vidste ikke meget om dans, jeg stillede altid mig selv flere spørgsmål om livet end spørgsmål om koreografiens historie. Jeg husker, hvordan jeg var imponeret over Maurice Béjart som barn, især af hans teaterstykke "Nijinsky, Guds klovn." Og da i gården (og jeg voksede op ikke i det mest respektable område i min hjemby Tour), spurgte drengene: ”Hvilken danser er du? Klassisk eller Bezharovsky? ”, Svarede jeg:” Bezharovsky ”. Ellers ville de sandsynligvis ikke have forstået mig, eller måske ville de have slået mig. Vi voksede op med en kultur af populær frem for klassisk dans.

Derefter begyndte jeg at lære noget vigtigt om ballet, hovedsageligt gennem danserne: Jeg taler om Baryshnikov i Giselle, om Makarova i Svanesøen. Jeg opdagede Balanchine - og vi iscenesatte nitten af ​​hans balletter i vores selskab.

Det vigtigste er danserne

Jeg opdagede virkelig Yuri Grigorovich i 2012, da jeg så hans ballet Ivan den frygtelige. Jeg blev slået, betaget. Det, der imponerede mig mest, var ikke engang koreografien - i sig selv meget interessant, men danserne, deres engagement, tro på det, de laver. Dette rørte mig. Og igen indså jeg, at dansere er det vigtigste i ballet. Ja, selvfølgelig har de brug for en koreograf, men en koreograf uden dansere er ingen. Det må vi ikke glemme. Hvis du kan lide det, er det min besættelse. Mit job er at være i studiet med mennesker - specielle mennesker: skrøbelige, sårbare og meget ærlige, selv når de snyder. Jeg er altid interesseret i de kunstnere, som jeg deler musik med, dansens sprog, hvorigennem de kan udtrykke, hvad vi føler sammen. Og vi håber altid, at denne flok af følelser vil blive overført fra scenen til publikum og vil forene os alle sammen.

Glad isoleret

Jeg føler mig ikke for forbundet med balletverdenen: her i Monaco er jeg på en måde “isoleret”. Men jeg kan godt lide dette sted, fordi det ligner mig. Dette land er specielt - meget lille, to kvadratkilometer i alt, men alle ved det. Monaco er et meget fristende sted: der er ingen strejker, ingen sociale og økonomiske problemer, ingen konflikter, ingen fattige, ingen arbejdsløse. Prinsesse Carolina af Monaco gav mig en vidunderlig mulighed for at arbejde her i 25 år. Jeg er ikke en del af magtfulde institutioner som Royal Ballet, Bolshoi Theatre, Paris Opera eller internationale virksomheder. Jeg er ensom, men jeg kan bringe hele verden hertil.

Og at være her "isoleret", jeg er glad. Og hvis balletverdenen i morgen erklærer mig en boykot - ikke noget problem, vil jeg arbejde her. Hverken prinsen eller prinsessen fortæller mig nogensinde: "Du skal gøre det og det." Jeg har en vidunderlig mulighed for at være ærlig, uafhængig, fri. Jeg kan gøre, hvad jeg vil: sceneoptrædener, holde festivaler.

Der er ikke noget andet teater i Monaco. Og jeg bestræber mig på at give den lokale offentlighed så meget som muligt for ikke at begrænse det til repertoiret i Monte Carlo Ballet Theatre. Hvis de kun havde set vores balletter i alle disse år, ville det betyde, at jeg bedrager offentligheden om, hvad der sker i balletverdenen. Min opgave er at bringe her klassiske, moderne kompagnier og andre koreografer. Jeg vil have, at de mennesker, der bor her, har de samme muligheder som parisere og muskovitter. Så jeg er nødt til at gøre alt på én gang: at iscenesætte balletter samt ture, festivaler og også Balletakademiet. Men min opgave var at finde en professionel direktør, ikke at gøre arbejdet for ham, men at støtte ham.

Generelt, jo flere talentfulde mennesker omkring dig, jo mere interessant og lettere er det for dig at udføre dit job. Jeg kan godt lide smarte mennesker rundt omkring - de gør dig klogere.

Jeg hader tanken om, at instruktøren skulle være et monster, vise styrke, gøre folk bange for ham selv. Det er ikke svært at udøve magt over mennesker, der praktisk talt er nøgne foran dig hver dag. Men det er meget sårbare, usikre mennesker. Og du kan ikke misbruge din magt. Og jeg elsker dansere, jeg sympatiserer selv med de svage, fordi de har et særligt job. Du beder kunstneren om at vise modenhed ved tyve, men det kommer til almindelige mennesker først ved fyrre, og det viser sig, at når danseren kommer til ægte modenhed, "forlader" kroppen.

Vores virksomhed - jeg vil ikke sige "familie", for kunstnere er ikke mine børn - de er et selskab af ligesindede. Jeg har aldrig haft et forhold til en gruppe, hvor frygt, vrede og konflikt levede. Det er ikke mit.

At være koreograf betyder at forbinde mennesker med forskellige skoler, forskellig mentalitet, så de skaber en forestilling, og samtidig ved at skabe, ved du aldrig præcis, hvem der vil vise sig at være det vigtigste led som resultat. Det er altid en holdindsats.