Højrenæssancekunstnere navngiver værket. Renæssance maleri
Under renæssancen finder mange ændringer og opdagelser sted. Nye kontinenter udforskes, handel udvikler sig, vigtige ting opfindes, såsom papir, nautisk kompas, krudt og mange andre. Ændringerne i maleriet var også af stor betydning. Renæssancemalerier blev enormt populære.
De vigtigste stilarter og trends i mesternes værker
Perioden var en af \u200b\u200bde mest frugtbare i kunsthistorien. Mesterværkerne fra et stort antal fremragende mestre findes i dag i forskellige kunstcentre. I Firenze opstod innovatører i første halvdel af det femtende århundrede. Deres renæssancemalerier markerede begyndelsen på en ny æra i kunsthistorien.
På dette tidspunkt bliver videnskab og kunst meget nært beslægtede. Kunstnere forskere stræbte efter at mestre den fysiske verden. Malere forsøgte at bruge mere nøjagtige ideer om menneskekroppen. Mange kunstnere har stræbt efter realisme. Stilen begynder med Leonardo da Vincis maleri "Den sidste nadver", som han malede i næsten fire år.
Et af de mest berømte værker
Det blev skrevet i 1490 til refektoriet til Santa Maria delle Grazie-klosteret i Milano. Lærredet viser Jesu sidste måltid med sine disciple, før han blev fanget og dræbt. Samtidige, der observerede kunstnerens arbejde i denne periode, bemærkede, hvordan han kunne male fra morgen til aften uden at stoppe med at spise. Og så kunne han opgive sit maleri i flere dage og aldrig komme til det overhovedet.
Kunstneren var meget bekymret over billedet af Kristus selv og forræderen af \u200b\u200bJudas. Da maleriet endelig blev afsluttet, blev det med rette anerkendt som et mesterværk. Den sidste nadver er en af \u200b\u200bde mest populære den dag i dag. Renæssance-reproduktioner har altid været i høj efterspørgsel, men dette mesterværk er præget af utallige kopier.
Et anerkendt mesterværk eller det mystiske smil fra en kvinde
Blandt værkerne skabt af Leonardo i det sekstende århundrede er der et portræt kaldet "Mona Lisa" eller "La Gioconda". I den moderne æra er det måske det mest berømte maleri i verden. Hun blev populær primært på grund af det undvigende smil i ansigtet på kvinden afbildet på lærredet. Hvad førte til dette mysterium? Mesterens dygtige arbejde, evnen til så dygtigt at skygge øjnene og munden? Den nøjagtige karakter af dette smil kan stadig ikke bestemmes.
Uden for konkurrence og andre detaljer i dette billede. Det er værd at være opmærksom på kvindens hænder og øjne: med hvilken præcision behandlede kunstneren de mindste detaljer på lærredet, når han skrev det. Ikke mindre interessant er det dramatiske landskab i baggrunden af \u200b\u200bmaleriet, en verden, hvor alt ser ud til at være i en tilstand af flux.
En anden berømt repræsentant for maleri
Ikke mindre berømt repræsentant for renæssancen er Sandro Botticelli. Dette er en stor italiensk maler. Hans renæssancemalerier er også ekstremt populære hos en bred vifte af publikum. "Tilbedelse af magierne", "Madonna og børn truet", "bebudelse" - disse værker af Botticelli, dedikeret til religiøse temaer, blev kunstnerens store bedrifter.
Et andet berømt værk fra mesteren er "Madonna Magnificat". Hun blev berømt i de år, Sandro levede, som det fremgår af mange reproduktioner. Sådanne lærred i form af en cirkel var meget efterspurgte i Firenze i det femtende århundrede.
En ny vending i kunstnerens arbejde
Siden 1490 har Sandro ændret sin stil. Det bliver mere asketisk, kombinationen af \u200b\u200bfarver er nu meget mere tilbageholdende, ofte hersker mørke toner. Skaberens nye tilgang til at skrive sine værker er perfekt synlig i "The Crowning of Mary", "Lamentation of Christ" og andre lærred, der skildrer Madonna og Child.
Mesterværkerne malet af Sandro Botticelli på det tidspunkt, såsom Dantes portræt, er blottet for landskabs- og indvendige baggrunde. En af kunstnerens lige så betydningsfulde kreationer er "Mystical Christmas". Maleriet blev malet under indflydelse af den uro, der fandt sted i slutningen af \u200b\u200b1500 i Italien. Mange malerier af renæssancekunstnere blev ikke kun populære, de blev et eksempel for den næste generation af malere.
En kunstner, hvis lærred er omgivet af en glorie af beundring
Rafael Santi da Urbino var ikke kun arkitekt. Hans malerier fra renæssancen fremkalder beundring for klarheden i deres form, kompositionens enkelhed og den visuelle opnåelse af idealet om menneskelig storhed. Sammen med Michelangelo og Leonardo da Vinci er han en af \u200b\u200bde traditionelle treenigheder blandt de største mestre i denne periode.
Han levede et relativt kort liv, kun 37 år gammel. Men i løbet af denne tid skabte han et stort antal af hans mesterværker. Nogle af hans værker er i Vatikanpaladset i Rom. Ikke alle seere kan se førstehånds malerier af renæssancekunstnere. Fotos af disse mesterværker er tilgængelige for alle (nogle af dem er præsenteret i denne artikel).
De mest berømte værker af Raphael
Fra 1504 til 1507 skabte Raphael en hel række Madonnas. Malerierne er kendetegnet ved deres fortryllende skønhed, visdom og samtidig en slags oplyst sorg. Den mest berømte af hans malerier var "Den sixtinske madonna". Hun er afbildet, der svæver i himlen og glider let ned mod mennesker med babyen i armene. Det var denne bevægelse, som kunstneren meget dygtigt kunne skildre.
Dette arbejde blev meget rost af mange kendte kritikere, og de kom alle til den enstemmige konklusion, at det virkelig er sjældent og usædvanligt. Alle malerier af renæssancekunstnere har en lang historie. Men det er blevet det mest populære takket være dets endeløse vandring siden starten. Efter at have gennemgået adskillige tests indtog det endelig sin retmæssige plads blandt udstillingerne på Dresden Museum.
Renæssance malerier. Fotos af berømte malerier
Og en anden berømt italiensk maler, billedhugger og også en arkitekt, der havde en enorm indflydelse på udviklingen af \u200b\u200bvestlig kunst, er Michelangelo di Simoni. På trods af at han hovedsagelig er kendt som billedhugger, er der også fremragende værker af hans maleri. Og den mest betydningsfulde af disse er loftet i det sixtinske kapel.
Dette arbejde blev udført i fire år. Rummet dækker omkring fem hundrede kvadratmeter og indeholder over tre hundrede figurer. I centrum er ni episoder fra Genesis, opdelt i flere grupper. Jordens skabelse, menneskets skabelse og hans fald. Blandt de mest berømte malerier i loftet er Skabelsen af \u200b\u200bAdam og Adam og Eva.
Hans lige så berømte værk er "The Last Judgment". Det blev henrettet på altervæggen i det sixtinske kapel. Fresken skildrer Jesu Kristi genkomst. Her ignorerer Michelangelo standard kunstneriske konventioner ved at skrive Jesus. Han portrætterede ham med en massiv muskuløs kropsstruktur, ung og skægfri.
Betydningen af \u200b\u200breligion eller renæssancens kunst
Renæssance italienske malerier blev grundlaget for udviklingen af \u200b\u200bvestlig kunst. Mange af de populære værker fra denne generation af skabere har en enorm indflydelse på kunstnere, der fortsætter den dag i dag. De store repræsentanter for kunst fra den periode fokuserede deres opmærksomhed på religiøse temaer og arbejdede ofte på rækkefølgen af \u200b\u200bvelhavende lånere, inklusive paven selv.
Religion trængte bogstaveligt talt ind i hverdagen for mennesker i denne æra, dybt indlejret i kunstneres sind. Næsten alle religiøse malerier findes på museer og kunstopbevaringssteder, men reproduktioner af renæssancemalerier relateret til ikke kun dette emne kan findes i mange institutioner og endda almindelige huse. Folk vil uendeligt beundre værkerne fra berømte mestre fra den periode.
Italien er et land, der altid har været berømt for sine kunstnere. De store mestre, der engang boede i Italien, forherligede kunsten over hele verden. Vi kan med sikkerhed sige, at hvis det ikke var for italienske kunstnere, billedhuggere og arkitekter, så verden i dag helt anderledes ud. Den mest betydningsfulde inden for italiensk kunst betragtes selvfølgelig. Italien i renæssancens eller renæssancens æra nåede en hidtil uset stigning og blomstring. Talentfulde kunstnere, billedhuggere, opfindere, ægte genier, der dukkede op i disse dage, er stadig kendt af alle skolebørn. Deres kunst, kreativitet, ideer, udvikling betragtes som klassikere i dag, kernen som verdens kunst og kultur bygger på.
Et af de mest berømte genier i den italienske renæssance er selvfølgelig det store Leonardo Da Vinci (1452-1519). Da Vinci var så begavet, at han opnåede stor succes inden for mange aktivitetsområder, herunder billedkunst og videnskab. En anden berømt kunstner, der er en anerkendt mester er Sandro Botticelli (1445-1510). Botticellis malerier er en reel gave til menneskeheden. I dag er dens tætteste i de mest berømte museer i verden og er virkelig uvurderlige. Ikke mindre berømt end Leonardo da Vinci og Botticelli er Raphael Santi (1483-1520), der levede i 38 år, og i løbet af denne tid formåede at skabe et helt lag med fantastisk maleri, som blev et af de lyseste eksempler på den tidlige renæssance. Et andet stort geni fra den italienske renæssance er utvivlsomt Michelangelo Buonarotti (1475-1564). Udover maleriet var Michelangelo engageret i skulptur, arkitektur og poesi og opnåede store resultater i disse kunstformer. Michelangelos statue kaldet "David" betragtes som et uovertruffen mesterværk, et eksempel på skulpturens højeste præstation.
Ud over de nævnte kunstnere var de største kunstnere i renæssancens Italien mestre som Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Titian, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi og andre ... De var alle eksempler på den dejlige venetianske malerskole. Den florentinske skole for italiensk maleri inkluderer kunstnere som: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Firaelandom del Sarto.
For at liste alle kunstnere, der arbejdede under renæssancen såvel som under den sene renæssance og århundreder senere, som blev kendt over hele verden og herliggjorde maleriets kunst, udviklede de de grundlæggende principper og love, der ligger til grund for alle typer og genrer kunst, måske bliver du nødt til at skrive flere bind, men denne liste er nok til at forstå, at de store italienske kunstnere er netop den kunst, vi kender, som vi elsker, og som vi vil sætte pris på for evigt!
Malerier af store italienske kunstnere
Andrea Mantegna - Fresco i Chamber degli Sposi
Giorgione - Tre filosoffer
Leonardo da Vinci - Mona Lisa
Nicolas Poussin - Scipio's storsindethed
Paolo Veronese - Slaget ved Lepanto
Sandro Botticelli (1. marts 1445 - 17. maj 1510) - en dybt religiøs person, arbejdede i alle større kirker i Firenze og i Det sixtinske kapel i Vatikanet, men i kunsthistorien forblev han primært som forfatter til stort format poetiske malerier om emner inspireret af klassisk antik - "Spring" og "Venus 'fødsel". ...
I lang tid var Botticelli i skyggen af \u200b\u200brenæssancekæmperne, der arbejdede efter ham, indtil han blev genopdaget af de britiske præ-raphaelitter i midten af \u200b\u200bdet 19. århundrede, der respekterede den skrøbelige linearitet og forårets friskhed af hans modne malerier som det højeste punkt i udviklingen af \u200b\u200bverdens kunst.
Født i familien til en velhavende byboer Mariano di Vanni Filipepi. Fik en god uddannelse. Han studerede maleri med munken Filippo Lippi og vedtog fra ham den lidenskab i at skildre rørende motiver, der adskiller Lippis historiske malerier. Derefter arbejdede han for den berømte billedhugger Verrocchio. I 1470 organiserede han sin egen workshop.
Han adopterede finesser og præcision i linjer fra sin anden bror, som var en juveler. I nogen tid studerede han hos Leonardo da Vinci i Verrocchios værksted. Det originale træk ved Botticellis eget talent er hans tilbøjelighed til det fantastiske. Han var en af \u200b\u200bde første, der introducerede gammel myte og allegori i sin tids kunst, og med særlig kærlighed arbejdede han på mytologiske emner. Særligt spektakulær er hans Venus, der svømmer nøgen på havet i en skal, og vindens guder oversvømmer hende en roseregn og driver skallen til kysten.
Den bedste skabelse af Botticelli anses for at være de fresker, han begyndte i 1474 i Vatikanets sixtinske kapel. Gennemført mange malerier bestilt af Medici. Især malede han banneret til Giuliano Medici, bror til Lorenzo the Magnificent. I 1470'erne og 1480'erne blev portrætter en selvstændig genre i Botticellis arbejde. Botticelli blev berømt for sin sarte æstetiske smag og sådanne værker som "Bebudelse" (1489-1490), "Forladt" (1495-1500) osv. I de sidste år af sit liv forlod Botticelli tilsyneladende maleriet ..
Sandro Botticelli er begravet i familiens grav i Onisanti kirken i Firenze. Ifølge testamentet blev han begravet nær Simonetta Vespucci's grav, der inspirerede mesters smukkeste billeder.
Leonardo di ser Piero da Vinci (15. april 1452, landsbyen Anchiano, nær byen Vinci, nær Firenze - 2. maj 1519, - den store italienske kunstner (maler, billedhugger, arkitekt) og videnskabsmand (anatom, naturforsker), opfinder, forfatter, en af de største repræsentanter for kunsten fra højrenæssancen, et levende eksempel på den "universelle mand".
For vores samtidige er Leonardo primært kendt som kunstner. Derudover er det muligt, at da Vinci kunne have været billedhugger: forskere fra University of Perugia - Giancarlo Gentilini og Carlo Sisi - hævder, at terrakottahovedet, de fandt i 1990, er det eneste skulpturelle arbejde af Leonardo da Vinci, der er kommet ned til os. Men da Vinci selv i forskellige perioder af sit liv betragtede sig selv primært som ingeniør eller videnskabsmand. Han brugte ikke meget tid på billedkunst og arbejdede temmelig langsomt. Derfor er Leonardos kunstneriske arv ikke stor, og en række af hans værker er gået tabt eller alvorligt beskadiget. Imidlertid er hans bidrag til den verdens kunstneriske kultur yderst vigtigt selv på baggrund af den kohorte af genier, som den italienske renæssance gav. Takket være hans værker flyttede malerikunsten til et kvalitativt nyt stadium i dens udvikling. Renæssancemalere, der gik forud for Leonardo, opgav resolut mange af middelalderkunstens konventioner. Dette var en bevægelse mod realisme, og meget er allerede opnået i studiet af perspektiv, anatomi, større frihed i kompositionsbeslutninger. Men med hensyn til maleri, arbejde med maling var kunstnerne stadig ret konventionelle og begrænsede. Linjen i billedet skitserede klart emnet, og billedet lignede en malet tegning. Det mest betingede var landskabet, som spillede en sekundær rolle. ...
Leonardo realiserede og inkarnerede en ny maleteknik. Hans linje har ret til at blive sløret, fordi det er sådan, vi ser det. Han indså fænomenet med lysspredning i luften og udseendet af sfumato - en tåge mellem seeren og det afbildede objekt, som blødgør farvekontraster og linjer. Som et resultat flyttede realismen i maleriet til et kvalitativt nyt niveau. ... Renæssance maleri botticelli renæssance
Raphael Santi (28. marts 1483 - 6. april 1520) - den store italienske maler, grafiker og arkitekt, repræsentant for den umbriske skole.
Malersønnen Giovanni Santi gennemgik sin første kunstneriske uddannelse i Urbino hos sin far Giovanni Santi, men i en ung alder fandt han sig i studiet af den fremragende kunstner Pietro Perugino. Det var det kunstneriske sprog og billedsprog i Peruginos malerier med deres tyngdekraft mod symmetrisk afbalanceret komposition, klarhed i den rumlige løsning og blødhed i løsningen af \u200b\u200bfarve og belysning, der havde en primær indflydelse på den unge Raphaels stil.
Det er også nødvendigt at fastsætte, at Raphaels kreative håndskrift indeholdt en syntese af teknikker og fund fra andre mestre. Til at begynde med stolede Raphael på Peruginos oplevelse, senere igen - på fundene fra Leonardo da Vinci, Fra Bartolomeo, Michelangelo. ...
Tidlige værker (Madonna Conestabile 1502-1503) er gennemsyret af nåde, blød tekst. Han herliggjorde menneskets jordiske eksistens, harmonien mellem åndelige og fysiske kræfter i malerierne i værelserne i Vatikanet (1509-1517), efter at have opnået en upåklagelig følelse af proportioner, rytme, proportioner, euphony of color, enhed af figurer og majestætiske arkitektoniske baggrunde ..
I Firenze, efter at have været i kontakt med Michelangelos og Leonardos kreationer, lærte Raphael af dem den anatomisk korrekte skildring af menneskekroppen. I en alder af 25 befinder kunstneren sig i Rom, og fra det øjeblik begynder perioden med den højeste blomstring af hans arbejde: han udfører monumentale vægmalerier i Vatikanets palads (1509-1511), inklusive mesterværket fra mesteren - fresco "School of Athens", skriver alterkompositioner og staffelimalerier, der er kendetegnet ved harmonien mellem design og udførelse, fungerer som arkitekt (i nogen tid overvåger Raphael endda opførelsen af \u200b\u200bPeterskatedralen). I den utrættelige søgen efter hans ideal, legemliggjort for kunstneren i billedet af Madonna, skaber han sin mest perfekte skabelse - "Den sixtinske madonna" (1513), et symbol på moderskab og selvfornægtelse. Raphaels malerier og vægmalerier blev anerkendt af hans samtidige, og snart blev Santi en central skikkelse i Roms kunstneriske liv. Mange ædle mennesker i Italien ønskede at være beslægtede med kunstneren, herunder en nær ven af \u200b\u200bRaphael, kardinal Bibbien. Kunstneren døde i en alder af syvogtrediv på grund af hjertesvigt. De ufærdige malerier af Villa Farnesina, Vatikanets Loggias og andre værker blev afsluttet af Raphaels studerende i overensstemmelse med hans skitser og tegninger ..
En af de største repræsentanter for højrenæssancekunsten, hvis malerier er kendetegnet ved den fremhævede balance og harmoni i det hele, kompositionens balance, den målte rytme og den delikate anvendelse af farvemulighederne. Upåklagelig beherskelse af linjen og evnen til at opsummere og fremhæve det vigtigste, gjorde Raphael til en af \u200b\u200bde mest fremragende mestre inden for tegning nogensinde. Raphaels arv fungerede som en af \u200b\u200bsøjlerne i dannelsen af \u200b\u200beuropæisk akademisme. Tilhængere af klassicisme - brødrene Carracci, Poussin, Mengs, David, Ingres, Bryullov og mange andre kunstnere - priste Raphaels arv som det mest perfekte fænomen i verdens kunst ..
Titian Vecellio (1476/1477 eller 1480s - 1576) - italiensk renæssancemaler. Titians navn er på niveau med sådanne renæssancekunstnere som Michelangelo, Leonardo da Vinci og Raphael. Titian malede billeder på bibelske og mytologiske emner, han blev berømt som portrætmaler. Han modtog ordrer fra konger og paver, kardinaler, hertuger og fyrster. Titian var ikke engang tredive år gammel, da han blev anerkendt som den bedste maler i Venedig ..
Efter sit fødested (Pieve di Cadore i provinsen Belluno) kaldes han undertiden da Cadore; også kendt som Titian the Divine ..
Titian blev født i familien af \u200b\u200bGregorio Vecellio, en statsmand og militærleder. I en alder af ti blev han sendt med sin bror til Venedig for at studere hos den berømte mosaikist Sebastian Zuccato. Et par år senere gik han ind i Giovanni Bellinis værksted som lærling. Han studerede hos Lorenzo Lotto, Giorgio da Castelfranco (Giorgione) og en række andre kunstnere, som senere blev berømte.
I 1518 maler Titian maleriet "Vor Frues opstigning" i 1515 - Salome med Johannes Døberens hoved. Fra 1519 til 1526 malede han et antal alter, inklusive Pesaro-familiens alter ..
Titian levede et langt liv. Indtil de sidste dage stoppede han ikke med at arbejde. Titian malede sit sidste maleri, Lament of Christ, til sin egen gravsten. Kunstneren døde af pesten i Venedig den 27. august 1576 efter at have fået infektionen fra sin søn og passede ham ..
Kejser Karl V indkaldte Titian til ham og omringede ham med ære og respekt og sagde mere end en gang: "Jeg kan skabe en hertug, men hvor får jeg den anden Titian?" Da en dag kunstneren faldt sin børste, hævede Karl V den og sagde: "At tjene Titian er en ære selv for kejseren." Både de spanske og franske konger inviterede Titian til deres sted for at slå sig ned ved hoffet, men kunstneren, efter at have udført ordren, vendte altid tilbage til sit hjemland Venedig. Et krater på Merkur er opkaldt efter Titian. ...
I svære tider for Italien begynder en kort "gylden tidsalder" af den italienske renæssance - den såkaldte højrenæssance, det højeste punkt for blomstring af italiensk kunst. Højrenæssancen faldt således sammen med en periode med hård kamp for italienske byer for uafhængighed. Denne tids kunst var gennemsyret af humanisme, tro på menneskets kreative kræfter, i dets ubegrænsede muligheder, i verdens rationelle struktur, i fremskridtets sejr. I kunsten kom problemerne med borgerlig pligt, høje moralske kvaliteter, feat, billedet af en smuk, harmonisk udviklet, stærk i ånd og krop, en menneskelig helt, der formåede at hæve sig over hverdagens niveau. Søgen efter et sådant ideal førte kunsten til syntese, generalisering, afsløring af fænomeners generelle love og identifikation af deres logiske forhold. Kunsten fra højrenæssancen opgiver detaljer, ubetydelige detaljer i navnet på et generaliseret billede i navnet på at stræbe efter en harmonisk syntese af livets smukke sider. Dette er en af \u200b\u200bde største forskelle mellem den høje renæssance og den tidlige.
Leonardo da Vinci (1452-1519) var den første kunstner, der udtrykte denne forskel. Den første lærer i Leonardo var Andrea Verrocchio. Figuren af \u200b\u200ben engel i lærerens maleri "Dåb" demonstrerer allerede tydeligt forskellen i verdens opfattelse af kunstneren fra den forgangne \u200b\u200bæra og den nye æra: ingen frontal fladhed af Verrocchio, den fineste chiaroscuro-modellering af lydstyrken og ekstraordinær åndelighed i billedet. ... På tidspunktet for at forlade Verrocchios værksted tilskriver forskere "Madonna med en blomst" ("Madonna Benoit", som det blev kaldt tidligere, ved navnene til ejerne). I denne periode var Leonardo utvivlsomt under indflydelse af Botticelli i nogen tid. Fra 80'erne i det XV århundrede. to ufærdige kompositioner af Leonardo har overlevet: Tilbedelsen af \u200b\u200bMagierne og St. Jerome ". Sandsynligvis i midten af \u200b\u200b80'erne blev Madonna Litta skabt i den gamle temperamentteknik, i billedet, som typen af \u200b\u200bLeonardos kvindelige skønhed fandt udtryk: tunge halvlukkede øjenlåg og et knap mærkbart smil giver Madonnas ansigt en særlig åndelighed.
Ved at kombinere videnskabelige og kreative principper, der besidder både logisk og kunstnerisk tænkning, var Leonardo hele sit liv engageret i videnskabelig forskning sammen med billedkunst; distraheret virkede han langsom og efterlod et par kunstværker. Ved Milanos domstol arbejdede Leonardo som kunstner, videnskabsmand, tekniker, opfinder, matematiker og anatom. Det første store stykke, som han optrådte i Milano, var "Madonna of the Rocks" (eller "Madonna of the Grotto"). Dette er den første monumentale altertavle i højrenæssancen, interessant også fordi den fuldt ud udtrykte de særlige egenskaber ved Leonardos maleristil.
Leonardos største værk i Milano, den højeste præstation af hans kunst, var maleriet af væggen i refektoriet til klosteret Santa Maria della Grazie om emnet "Den sidste nadver" (1495-1498). Kristus møder sine disciple for sidste gang ved aftensmaden for at meddele dem forræderiet fra en af \u200b\u200bdem. For Leonardo var kunst og videnskab uadskillelige. Da han beskæftigede sig med kunst, gjorde han videnskabelig forskning, eksperimenter, observationer, han gik gennem perspektivet inden for optik og fysik, gennem problemerne med proportioner - i anatomi og matematik osv. "Den sidste nadver" afslutter en hel fase i kunstnerens videnskabelige forskning. Det er også et nyt stadie inden for kunst.
Leonardo slap væk fra studier i anatomi, geometri, befæstning, landgenvinding, lingvistik, versifikation, musik for at arbejde på "hesten" - det ryttermonument til Francesco Sforza, for hvilket han først og fremmest kom til Milano og som i i begyndelsen af \u200b\u200b90'erne optrådte han i fuld størrelse i ler. Monumentet var ikke bestemt til at blive legemliggjort i bronze: i 1499 invaderede franskmændene Milano og Gascon armbrøstere skød ryttermonumentet. Siden 1499 begynder årene med Leonardos vandring: Mantua, Venedig og endelig kunstnerens hjemby - Firenze, hvor han maler pap ”St. Anna med Maria på knæene, ifølge hvilken han skaber et oliemaleri i Milano (hvor han vendte tilbage i 1506)
I Firenze begyndte Leonardo et andet maleri: portrættet af konen til købmanden del Giocondo Mona Lisa, som blev et af de mest berømte malerier i verden.
Portrættet af Mona Lisa Gioconda er et afgørende skridt mod udviklingen af \u200b\u200brenæssancekunst
For første gang er portrætgenren på niveau med kompositioner om religiøse og mytologiske temaer. Med alle de ubestridelige fysiognomiske ligheder adskilte portrætterne af Quattrocento, om ikke ekstern, så den interne begrænsning. Mona Lisas majestæt er allerede kommunikeret ved sammenligningen af \u200b\u200bhendes eftertrykkeligt omfangsrige skikkelse, stærkt skubbet til kanten af \u200b\u200blærredet, med et landskab med klipper og vandløb, der er synlige langt væk, smeltende, vinkende, undvigende og derfor fantastisk for hele virkeligheden i motivet.
Leonardo i 1515 på forslag af den franske konge Frans I for evigt til Frankrig.
Leonardo var den største kunstner i sin tid, et geni, der åbnede nye horisonter for kunsten. Han efterlod et par værker, men hver af dem var et trin i kulturhistorien. Leonardo er også kendt som en alsidig videnskabsmand. Hans videnskabelige opdagelser, for eksempel hans forskning inden for flyvende køretøjer, er af interesse i vores tid for astronautik. Tusinder af sider med Leonardos manuskripter, der bogstaveligt talt dækker alle vidensområder, vidner om hans genialitets universalitet.
Idéerne om den monumentale kunst fra renæssancen, hvor antikens traditioner og kristendommens ånd fusionerede, fandt deres mest levende udtryk i Raphaels arbejde (1483-1520). I hans kunst fandt to hovedopgaver en moden løsning: den menneskelige krops plastiske perfektion, der udtrykker den indre harmoni i en omfattende udviklet personlighed, hvor Raphael fulgte antikken, og en kompleks multi-figur sammensætning, der formidler al mangfoldighed i verden. Raphael berikede disse muligheder og opnå en fantastisk frihed i skildringen af \u200b\u200brummet og bevægelsen af \u200b\u200bden menneskelige figur i den, upåklagelig harmoni mellem miljøet og mennesket.
Ingen af \u200b\u200brenæssancens mestre tog så dybt og naturligt den hedenske essens i antikken som Raphael; det er ikke uden grund, at han betragtes som den kunstner, der fuldt ud forbandt gamle traditioner med vesteuropæisk kunst i den nye æra.
Raphael Santi blev født i 1483 i byen Urbino, et af centrene for kunstnerisk kultur i Italien, ved retten til hertugen af \u200b\u200bUrbino, i familien til en hoffmaler og digter, som var den første lærer for den fremtidige mester
Den tidlige periode af Raphaels arbejde er perfekt karakteriseret ved et lille maleri i form af en tondo "Madonna Conestabile" med sin enkelhed og lakonicisme af strengt udvalgte detaljer (for al kompositionens skyhed) og det specielle, der ligger i alt Raphaels værker, subtile lyrik og en følelse af fred. I 1500 forlod Raphael Urbino til Perugia for at studere i studiet af den berømte umbriske kunstner Perugino, under hvis indflydelse Mary's Betrothal (1504) blev skrevet. En følelse af rytme, proportionaliteten af \u200b\u200bplastmasser, rumlige intervaller, forholdet mellem figurer og baggrund, koordinering af grundtoner (i "Betrothal" er disse gyldne, røde og grønne i kombination med en lyseblå baggrund på himlen) og skaber harmoni, der allerede manifesteres i Raphaels tidlige værker og adskiller ham fra kunstnerne i den foregående periode.
I hele sit liv har Raphael været på udkig efter dette billede i Madonna, hans mange værker, der fortolker Madonnas billede, har vundet ham verdensomspændende berømmelse. Kunstnerens fortjeneste er først og fremmest, at han var i stand til at legemliggøre alle de subtile nuancer af følelser i ideen om moderskab, at kombinere lyrik og dyb følelsesmæssighed med monumental storhed. Dette kan ses i alle hans Madonnas, startende med den frygtsomme ungdommelige Madonna Conestabil: i Madonna i det grønne, Madonna med guldfink, Madonna i formanden og især i toppen af \u200b\u200bRaphaels ånd og dygtighed - i den sixtinske Madonna.
"Den sixtinske madonna" er et af de mest perfekte værker af Raphael og på sprog: Marias skikkelse med babyen, strengt truende mod himlen, er forenet af en fælles bevægelsesrytme med figurerne fra St. Barbarerne og pave Sixtus II, hvis gestus er rettet til Madonna, såvel som blikket fra to engle (mere som putti, som er så karakteristisk for renæssancen), er i bunden af \u200b\u200bkompositionen. Figurerne er også forenet af en fælles gylden farve, som om de er en guddommelig udstråling. Men det vigtigste er typen af \u200b\u200bMadonnas ansigt, der legemliggør syntesen af \u200b\u200bdet antikke skønhedsideal med det kristne ideals åndelighed, som er så karakteristisk for den høje renæssances verdensbillede.
Den sixtinske madonna er et senere værk af Raphael.
I begyndelsen af \u200b\u200bdet XVI århundrede. Rom bliver Italiens vigtigste kulturelle centrum. Højrenæssancens kunst når sit højdepunkt i denne by, hvor kunstnere som Bramante, Michelangelo og Raphael arbejder samtidig med de patroniserende paver Julius II og Leo X's vilje.
Raphael maler de to første strofer. I Stanza della Senyatura (rum med underskrifter, sæler) skrev han fire fresker-allegorier om de vigtigste sfærer inden for menneskelig åndelig aktivitet: filosofi, poesi, teologi og retspraksis ("The School of Athens", "Parnassus", "Dispute" , "Mål, visdom og styrke" I det andet rum, kaldet "strofe af Eliodorus", malede Raphael freskomalerier på historiske og legendariske emner og forherligede paverne: "Eliodoros udvisning"
Det var almindeligt, at middelalderkunst og tidlig renæssancekunst skildrede kunst og videnskab i form af individuelle allegoriske figurer. Raphael løste disse temaer i form af kompositioner med flere figurer, som undertiden repræsenterede ægte gruppeportrætter, interessante både for deres individualisering og typiskhed.
Eleverne hjalp også Raphael med at male Vatikanets loggier, der støder op til pavens værelser, malet i henhold til hans skitser og under hans opsyn med motiver af antikke ornamenter, der hovedsageligt er hentet fra de nyåbnede antikke grotter (deraf navnet "grotesker").
Raphael udførte værker af forskellige genrer. Hans gave som dekoratør samt instruktør og historiefortæller manifesterede sig fuldt ud i en serie på otte papbånd til Det sixtinske kapel på scener fra apostlenes Peter og Pauls liv ("Den mirakuløse fangst af fisk", for eksempel ). Disse malerier i XVI-XVIII århundreder. tjente som en slags standard for klassikerne.
Raphael var også den største portrætmaler i hans æra. ("Pave Julius II", "Leo X", en ven af \u200b\u200bkunstneren, forfatteren Castiglione, den smukke "Donna Velata" osv.). Og i hans portrætter dominerer som regel indre balance og harmoni.
I slutningen af \u200b\u200bsit liv var Raphael enormt fyldt med en række værker og ordrer. Det er endda svært at forestille sig, at alt dette kunne udføres af en person. Han var den centrale skikkelse i Roms kunstneriske liv, efter Bramantes død (1514) blev han chefarkitekt for katedralen i St. Peter var ansvarlig for arkæologiske udgravninger i Rom og dens omgivelser og beskyttelsen af \u200b\u200bgamle monumenter.
Raphael døde i 1520; hans for tidlige død var uventet for hans samtidige. Hans aske er begravet i Pantheon.
Den tredje største mester i højrenæssancen, Michelangelo, blev meget overlevet af Leonardo og Raphael. Den første halvdel af hans karriere faldt på storhedstiden for kunsten i højrenæssancen, og den anden - under kontrareformationen og begyndelsen på dannelsen af \u200b\u200bbarok kunst. Af den geniale galakse af kunstnere fra højrenæssancen overgik Michelangelo alle i billedernes rigdom, borgerlige patos og følsomhed over for skiftende offentlig stemning. Derfor den kreative udførelsesform for sammenbruddet af renæssanceideer.
Michelangelo Buonarroti (1475-1564) I 1488, i Firenze, begyndte han nøje at studere gammel plastik. Hans lettelse "Slaget om centaurerne" med hensyn til indre harmoni er allerede et værk fra højrenæssancen. I 1496 rejser den unge kunstner til Rom, hvor han skaber sine første værker, der bragte ham berømmelse: "Bacchus" og "Pieta". Bogstaveligt taget fanget af antikkenes billeder. "Pieta" - åbner et antal værker af mesteren om dette emne og nominerer ham til de første billedhuggere i Italien.
Vender tilbage til Firenze i 1501 forpligtede Michelangelo sig på vegne af Signoria til at skulpturere David af en marmorblok forkælet foran ham af en uheldig billedhugger. I 1504 færdiggjorde Michelangelo den berømte statue, kaldet "Kæmpen" af Florentinerne, og placeret af dem foran Palazzo Vecchia, rådhuset. Åbningen af \u200b\u200bmonumentet blev til en populær fest. Billedet af David inspirerede mange Quattrocento-kunstnere. Men Michelangelo portrætterer ham ikke som en dreng som i Donatello og Verrocchio, men som unge mænd i fuldt flor og ikke efter en kamp med hovedet på en kæmpe ved hans fødder, men før slaget i øjeblikket af den højeste spænding af kræfter. I det smukke billede af David formidede billedhuggeren i sit strenge ansigt den lidenskabelige magt af lidenskab, ubøjelig vilje, borgerlig mod, en fri mands grænseløse magt.
I 1504 begynder Michelangelo (som allerede nævnt i forbindelse med Leonardo) at arbejde på maleriet af "Room of Five Hundred" i Palazzo Signoria
I 1505 inviterede pave Julius II Michelangelo til Rom for at bygge en grav for sig selv, men afviste derefter ordren og beordrede et mindre storslået maleri af loftet i Det Sixtinske Kapel ved Vatikanets palads.
Michelangelo arbejdede alene på maleriet af loftet i Det sixtinske kapel fra 1508 til 1512 og malede et areal på ca. 600 kvadratmeter. m (48x13 m) i en højde af 18 m.
Michelangelo dedikerede den centrale del af loftet til scener fra den hellige historie startende fra verdens skabelse. Disse kompositioner er indrammet af en gesims, skrevet, men skaber en illusion af arkitektur og adskilt, også af maleriske stænger. Maleriske rektangler understreger og beriger plafondens virkelige arkitektur. Under den maleriske gesims malede Michelangelo profeterne og sibylerne (hver figur er ca. tre meter), i lunetterne (buer over vinduerne) skildrede han episoder fra Bibelen og Kristi forfædre som almindelige mennesker, der har travlt med hverdagens anliggender.
I de ni centrale kompositioner udfoldes begivenhederne i de første dage af skabelsen, historien om Adam og Eva, oversvømmelsen og alle disse scener er faktisk en salme til mennesket, der er iboende i ham. Kort efter arbejdets afslutning i Det sixtinske døde Julius II, og hans arvinger vendte tilbage til ideen om en gravsten. I 1513-1516. Michelangelo udfører figuren af \u200b\u200bMoses og slaver (fanger) til denne gravsten. Billedet af Moses er et af de stærkeste i en moden mester. Han satte drømmen om en klog, modig leder, fuld af titaniske kræfter, udtryk, viljeegenskaber, der var så nødvendige for at forene sit hjemland. Slavens tal var ikke med i den endelige version af graven.
Fra 1520 til 1534 arbejdede Michelangelo på et af de mest betydningsfulde og mest tragiske skulpturelle værker - på Medici-graven (den florentinske kirke San Lorenzo) og udtrykte alle de oplevelser, som mester selv og hans hjemby og hele landet som helhed. Siden slutningen af \u200b\u200b1920'erne er Italien bogstaveligt talt revet i stykker af både eksterne og interne fjender. I 1527 besejrede hyrede soldater Rom, protestanter plyndrede de katolske helligdomme i den evige by. Det florentinske borgerskab vælter Medici, der regerede igen fra 1510
I et humør af den sværeste pessimisme, i en tilstand af stigende dyb religiøsitet, arbejder Michelangelo på Medici-graven. Han konstruerer selv et anneks til den florentinske kirke San Lorenzo, et lille, men meget højt rum, dækket af en kuppel og dekorerer to vægge i sakristiet (dets indre) med skulpturelle gravsten. Den ene mur er dekoreret med figuren af \u200b\u200bLorenzo, den modsatte er Giuliano, og i bunden ved deres fødder er sarkofager dekoreret med allegoriske skulpturelle billeder - symboler på hurtigt flydende tid: "Morgen" og "Aften" - i gravstenen til Lorenzo , "Nat og" Dag "- i gravstenen til Giuliano ...
Begge billeder - Lorenzo og Giuliano - har ingen portrætlignelighed, hvilket adskiller sig fra de traditionelle løsninger fra det 15. århundrede.
Paul III straks efter valget begyndte insisterende at kræve, at Michelangelo opfyldte denne plan, og i 1534 afbrød han arbejdet med graven, som han først afsluttede i 1545, til Rom, hvor han begyndte sit andet arbejde i det sixtinske kapel - til maleri "Den sidste dom" (1535-1541), en storslået skabelse, der udtrykte tragedien i den menneskelige race. Funktionerne i det nye kunstneriske system manifesteredes endnu tydeligere i dette arbejde af Michelangelo. Den skabende dom, den straffende Kristus placeres i midten af \u200b\u200bkompositionen, og omkring ham i en roterende cirkulær bevægelse afbildes syndere, der falder til helvede, retfærdige stiger op til himlen, døde mænd rejser sig fra deres grave for Guds dom. Alt er fuld af rædsel, fortvivlelse, vrede, forvirring.
Maler, billedhugger, digter, Michelangelo var også en strålende arkitekt. Han udførte trappen til det florentinske bibliotek i Laurenziana, dekoreret Capitol-pladsen i Rom, rejste Pius-porten (Porta Pia), siden 1546 har han arbejdet på St. Peter, startet af Bramante. Michelangelo ejer tegningen og tegningen af \u200b\u200bkuplen, som blev afsluttet efter mesterens død og stadig er en af \u200b\u200bde vigtigste dominanter i byens panorama.
Michelangelo døde i Rom i en alder af 89 år. Hans lig blev ført til Firenze om natten og begravet i den ældste kirke i hans hjemby Santa Croce. Den historiske betydning af Michelangelos kunst, dens indvirkning på samtidige og efterfølgende epoker kan næppe overvurderes. Nogle udenlandske forskere fortolker ham som barokens første kunstner og arkitekt. Men mest af alt er han interessant som bærer af renæssancens store realistiske traditioner.
George Barbarelli da Castelfranco, med tilnavnet Giorgione (1477-1510), er en direkte tilhænger af sin lærer og en typisk kunstner fra højrenæssancen. Han var den første på venetiansk jord, der vendte sig til litterære temaer, til mytologiske emner. Landskabet, naturen og den smukke nøgne menneskelige krop blev for ham et genstand for kunst og et objekt for tilbedelse.
Allerede i det første kendte værk "Madonna of Castelfranco" (omkring 1505) fremstår Giorgione som en fuldt udviklet kunstner; billedet af Madonna er fuld af poesi, eftertænksom drømmelighed, gennemsyret af den stemning af tristhed, som er karakteristisk for alle kvindelige billeder af Giorgione. I løbet af de sidste fem år af sit liv skabte kunstneren sine bedste værker udført i olieteknik, den vigtigste i den venetianske skole på det tidspunkt. ... I maleriet fra 1506 skildrer "Tordenvejr" af Giorgione mennesket som en del af naturen. En kvinde, der ammer et barn, en ung mand med en stab (som kan forveksles med en kriger med hellebåd) forenes ikke ved nogen handling, men er forenet i dette majestætiske landskab af en fælles stemning, en fælles sindstilstand. Billedet af "Sleeping Venus" (ca. 1508-1510) er gennemsyret af spiritualitet og poesi. Hendes krop er skrevet let, frit, yndefuldt, det er ikke for ingenting, at forskere taler om "musikaliteten" i Giorgiones rytmer; det er ikke blottet for sensuel charme. "Rural Concert" (1508-1510)
Titian Vecellio (1477? -1576) er den største maler i den venetianske renæssance. Han skabte værker om både mytologiske og kristne emner, arbejdede i portrætgenren, hans koloristiske talent er usædvanligt, kompositionel opfindsomhed er uudtømmelig, og hans glade levetid gjorde det muligt for ham at efterlade en rig kreativ arv, der havde en enorm indflydelse på efterkommere.
Allerede i 1516 blev han republikkens første maler siden 20'erne - den mest berømte kunstner i Venedig
Omkring 1520 bestilte hertugen af \u200b\u200bFerrara ham en række malerier, hvor Titian fremtræder som en antik sanger, der var i stand til at føle og vigtigst af alt at inkorporere hedenskhedens ånd (Bacchanalia, Venus-festen, Bacchus og Ariadne).
Velhavende venetianske patriciere bestilte Titian for alterbilleder, og han skaber enorme ikoner: "Mary's Ascension", "Madonna of Pesaro"
"Introduktion af Maria i templet" (omkring 1538), "Venus" (omkring 1538)
(gruppeportræt af pave Paul III med sine nevøer Ottavio og Alexander Farnese, 1545-1546)
Han skriver stadig meget om gamle emner ("Venus og Adonis", "Hyrden og nymfen", "Diana og Actaeon", "Jupiter og Antiope"), men vender sig i stigende grad til kristne temaer, scener af martyrium, hvor hedenske munterhed, gammel harmoni erstattes af en tragisk holdning ("Kristi flagrering", "Den angrende Maria Magdalene", "St. Sebastian", "Klagesang"),
Men i slutningen af \u200b\u200bårhundredet, og her, er funktionerne i en forestående ny æra inden for kunst, en ny kunstnerisk retning, allerede indlysende. Dette kan ses på eksemplet med to af de største kunstnere i anden halvdel af dette århundrede - Paolo Veronese og Jacopo Tintoretto.
Paolo Cagliari, med tilnavnet Veronese (han kommer fra Verona, 1528-1588), var bestemt til at blive den sidste sanger i det festlige, jublende Venedig i det 16. århundrede.
: "Fest i Levi-huset" "Ægteskab ved Cana i Galilea" til refektoriet til klosteret San George Maggiore
Jacopo Robusti, kendt i kunsten som Tintoretto (1518-1594) ("tintoretto" - farvestof: kunstnerens far var en silkefarver). Markus Miraklet (1548)
("Arsinoes frelse", 1555), "Introduktion til templet" (1555),
Andrea Palladio (1508-1580, Villa Cornaro i Piombino, Villa Rotonda i Vicenza, afsluttet efter hans død af sine studerende i henhold til hans design, mange bygninger i Vicenza). Resultatet af hans undersøgelse af antikken var bogen "Romerske antikviteter" (1554), "Fire bøger om arkitektur" (1570-1581), men antikken var for ham en "levende organisme", ifølge forskernes retfærdige observation.
Den hollandske renæssance i maleriet begynder med "Ghent Altarpiece" af brødrene Hubert (død 1426) og Jan (omkring 1390-1441) van Eyck, afsluttet af Jan van Eyck i 1432. Van Eyck forbedrede olieteknikken: olie gjorde det muligt at formidle glans, dybde, rigdom i den objektive verden, der tiltrækker hollandske kunstneres opmærksomhed, dens farverige klangskab.
Af Jan van Eycks mange Madonnas er den mest berømte kansler Rollins Madonna (ca. 1435)
("Manden med nellike"; "Manden i tulpen", 1433; portræt af kunstnerens kone Marguerite van Eyck, 1439
Den hollandske kunst skylder meget på løsningen af \u200b\u200bsådanne problemer til Rogier van der Weyden (1400? -1464) "Nedstigning fra korset" - et typisk værk af Weyden.
I anden halvdel af det 15. århundrede. redegør for arbejdet fra mesteren af \u200b\u200bdet ekstraordinære talent Hugo van der Goes (ca. 1435-1482) "Marias død").
Hieronymus Bosch (1450-1516), skaberen af \u200b\u200bmørke mystiske visioner, hvor han henvender sig til middelalderlig allegorisme, "Pleasure Garden"
Højdepunktet for den hollandske renæssance var uden tvivl værket af Pieter Bruegel den Ældre, med tilnavnet Bonden (1525 / 30-1569) ("Tyndt køkken", "Fedtets køkken"). "Vinterlandskab" fra "Årstider" cyklus (anden titel - "Jægere i sneen", 1565), "Slaget om karneval og fastetid" (1559).
Albrecht Durer (1471-1528).
"Rosenkransfesten" (et andet navn - "Rosenkransens madonna", 1506), "Rytteren, døden og djævelen", 1513; "St. Jerome "og" Melankoli ",
Hans Holbein den yngre (1497-1543), "The Triumph of Death" ("Death of Dance") portræt af Jane Seymour, 1536
Albrecht Altdorfer (1480-1538)
Renæssance Lucas Cranach (1472-1553),
Jean Fouquet (ca. 1420-1481), Portræt af Charles VII
Jean Clouet (ca. 1485 / 88-1541), søn af François Clouet (ca. 1516-1572) er Frankrigs vigtigste maler i det 16. århundrede. portræt af Elizabeth af Østrig, omkring 1571, (portræt af Henry II, Mary Stuart osv.)
Europas folk forsøgte at genoplive de skatte og traditioner, der var mistet på grund af de endeløse ødelæggelseskrige. Krig tog folk fra jordens overflade og de store ting, som mennesker skabte. Ideen om at genoplive den gamle civilisation i den antikke verden gav anledning til filosofi, litteratur, musik, fremkomsten af \u200b\u200bnaturvidenskab og frem for alt kunstens blomstring. Æraen krævede stærke, veluddannede mennesker, der ikke var bange for noget arbejde. Det var midt i dem, at fremkomsten af \u200b\u200bde få genier, der kaldes "renæssancens titaner", blev mulig. Dem, som vi kun kalder på navn.
Renæssancen var primært italiensk. Derfor er det ikke overraskende, at det var i Italien, at kunsten i denne periode nåede sin højeste stigning og blomstrede. Det er her, at der er snesevis af navne på titaner, genier, store og simpelthen talentfulde kunstnere.
MUSIK LEONARDO.
Hvilken heldig mand! - mange vil sige om ham. Han var udstyret med sjældent helbred, smuk, høj, blåøjet. I sin ungdom bar han blonde krøller, en stolt artikel, der minder om St. George's Donatella. Han besad uhørt og modig styrke, maskulin dygtighed. Han sang vidunderligt, foran publikum komponerede han melodier og digte. Han spillede ethvert musikinstrument, desuden skabte han dem selv.
For kunsten af \u200b\u200bLeonardo da Vinci har samtidige og efterkommere aldrig fundet andre definitioner end "geni", "guddommelig", "stor". De samme ord henviser til hans videnskabelige afsløringer: han opfandt en tank, en gravemaskine, en helikopter, en ubåd, en faldskærm, et automatisk våben, en dykkerhjelm, en elevator, løste de mest komplekse problemer med akustik, botanik, medicin, kosmografi , skabte et projekt af et rundt teater, opfundet et århundrede tidligere end Galileo, urets pendul, malet den nuværende vandski, udviklet teorien om mekanik.
Hvilken heldig mand! - mange vil sige om ham og vil begynde at huske hans elskede prinser og konger, der ledte efter bekendtskaber med ham, briller og helligdage, som han opfandt som kunstner, dramatiker, skuespiller, arkitekt og havde det sjovt som et barn.
Var den irrepressible langlever Leonardo imidlertid lykkelig, hvis hver dag gav mennesker og verden forsyn og oplysning? Han forudså den forfærdelige skæbne ved hans kreationer: ødelæggelsen af \u200b\u200bden sidste nadver, skydningen af \u200b\u200bmonumentet til Francesca Sforza, lav handel og den afskyelige tyveri af hans dagbøger og arbejdsbøger. Kun seksten malerier har overlevet den dag i dag. Få skulpturer. Men der er mange tegninger, kodede tegninger: Som heltene i moderne fantasi ændrede han en detalje i sit design, som om sådan at en anden ikke kunne bruge det.
Leonardo da Vinci arbejdede i forskellige typer og genrer af kunst, men maleri bragte ham den største berømmelse.
Et af de tidligste malerier af Leonardo er Madonna med en blomst eller Madonna Benoit. Allerede her fungerer kunstneren som en ægte innovator. Det overvinder rammerne for det traditionelle plot og giver billedet en bredere, universel menneskelig betydning, som er moderlig glæde og kærlighed. Mange funktioner i kunstnerens kunst manifesterede sig tydeligt i dette arbejde: en klar sammensætning af figurer og tredimensionelle former, et ønske om lakonicisme og generalisering, psykologisk udtryksevne.
Fortsættelsen af \u200b\u200bdet startede tema var maleriet "Madonna Litta", hvor et andet træk ved kunstnerens arbejde tydeligt manifesterede sig - kontrastspillet. Temaet kulminerede i maleriet "Madonna i grotten", hvor den ideelle kompositionsløsning blev bemærket, på grund af hvilken de afbildede figurer fra Madonna, Kristus og engle fusionerer med landskabet til en enkelt helhed, udstyret med rolig balance og harmoni .
En af højderne i Leonardos arbejde er freskoen "Den sidste nadver" i refektoriet til klosteret Santa Maria Della Grazie. Dette arbejde forbløffer ikke kun med sin overordnede sammensætning, men også med sin nøjagtighed. Leonardo formidler ikke kun apostlenes psykologiske tilstand, men gør det i det øjeblik, når det når et kritisk punkt, bliver til en psykologisk eksplosion og konflikt. Denne eksplosion skyldtes Kristi ord: "En af jer vil forråde mig." I dette arbejde brugte Leonardo fuldt ud teknikken til konkret sammenligning af figurer, takket være hvilken hver karakter fremstår som en unik individualitet og personlighed.
Den anden top af Leonards arbejde var det berømte portræt af Mona Lisa, eller "La Gioconda". Dette arbejde lagde grundlaget for genren af \u200b\u200bpsykologiske portrætter i europæisk kunst. Ved oprettelsen brugte den store mester glimrende hele arsenalet af kunstneriske udtryksformer: skarpe kontraster og bløde halvtoner, frossen immobilitet og generel fluiditet og variation, de subtileste psykologiske nuancer og overgange. Hele Leonardos geni ligger i Mona Lisas overraskende livlige blik, hendes mystiske og gådefulde smil, mystisk tåge, der dækker landskabet. Dette arbejde er et af de sjældneste kunstværker.
Alle, der har set "La Gioconda" bragt fra Louvre i Moskva, husker minutterne af deres fuldstændige døvhed nær dette lille lærred, spændingen fra det bedste i sig selv. La Gioconda virkede som en ”martianer”, en repræsentant for det ukendte - det må være fremtiden, ikke fortiden for den menneskelige stamme, legemliggørelsen af \u200b\u200bharmoni, som verden ikke er træt af og aldrig bliver træt af at drømme om.
Meget mere kan siges om ham. Spekulerer på, at dette ikke er fiktion eller fantasi. For eksempel kan du huske, hvordan han foreslog at flytte katedralen i San Giovanni - dette arbejde forbløffer os, beboere i det tyvende århundrede.
Leonardo sagde: ”En god kunstner skal være i stand til at male to hoved ting: en person og en gengivelse af hans sjæl. Eller siges det om "Columbine" fra St. Petersburg Hermitage? Nogle forskere kalder det "La Gioconda", ikke Louvre-lærredet.
Dreng Nardo, det var hans navn i Vinci: den uægte søn af en litterær notar, der betragtede fugle og heste som de bedste skabninger på jorden. Elsket af alle og ensom, bøjning af stålsværd og tegning af de hængte. Opfandt en bro over Bosporus og en ideel by, smukkere end Corbusier og Niemeyer. Synger i en blød baryton og får Mona Lisa til at smile. I en af \u200b\u200bhans sidste notesbøger skrev denne heldige mand: "Det syntes mig, at jeg lærte at leve, men jeg lærte at dø." Imidlertid opsummerede han derefter: "Et godt levet liv er et langt liv."
Kan du være uenig med Leonardo?
SANDRO BOTTICELLI.
Sandro Botticelli blev født i Firenze i 1445 i familien af \u200b\u200ben lædergarver.
Første gang Botticellis originale arbejde betragtes som "Magiens tilbedelse" (omkring 1740), hvor den vigtigste egenskab ved hans originale måde - drømmende og subtil poesi - allerede har manifesteret sig fuldt ud. Han var begavet med en medfødt sans for poesi, men et klart strejf af kontemplativ sorg skinnede gennem ham bogstaveligt i alt. Selv den hellige Sebastian, plaget af sine pines pile, ser eftertænksomt og løsrevet på ham.
I slutningen af \u200b\u200b1470'erne blev Botticelli tæt på cirklen for den faktiske hersker i Firenze, Lorenzo Medici, med tilnavnet Magnificent. I de luksuriøse haver i Lorenzo samlede et samfund af mennesker, sandsynligvis de mest oplyste og talentfulde i Firenze. Der har været filosoffer, digtere, musikere. En atmosfære af beundring for skønhed regerede, og ikke kun kunstens skønhed blev værdsat, men også skønheden i livet. Antikken blev betragtet som prototypen for ideel kunst og idealliv, men opfattet gennem prisme fra senere filosofiske lag. Uden tvivl blev der under indflydelse af denne atmosfære skabt det første store maleri af Botticelli "Primavera (Spring)". Dette er en drømmeagtig, udsøgt, vidunderligt smuk allegori om den evige cyklus, den konstante fornyelse af naturen. Det er gennemsyret af den mest komplekse og finurlige musikalske rytme. Figuren af \u200b\u200bFlora, dekoreret med blomster, af de dansende nåde i Edens Have repræsenterede billeder af skønhed, der endnu ikke blev set på det tidspunkt og gjorde derfor et særligt fængslende indtryk. Young Botticelli tog straks en fremragende plads blandt hans tids mestre.
Det var den unge maleres høje omdømme, der sikrede ham en ordre på bibelske fresker til Vatikanets sixtinske kapel, som han oprettede i begyndelsen af \u200b\u200b1480'erne i Rom. Han skrev Scener fra Moses liv, Koreas straf, Dathan og Aviron og viste fantastiske kompositionskompetencer. Den klassiske ro i gamle bygninger, mod hvilke Botticelli udfoldede handlingen, står i kontrast til den dramatiske rytme af de afbildede karakterer og lidenskaber; bevægelsen af \u200b\u200bmenneskelige kroppe er kompleks, forvirrende, mættet med eksplosiv kraft; indtryk af rystende harmoni, forsvarsløshed i den synlige verden foran det hurtige tidspres og menneskelige vilje skabes. Freskerne i det sixtinske kapel for første gang udtrykte den dybe angst, der levede i Botticellis sjæl, som blev stærkere over tid. De samme fresker afspejler Botticellis fantastiske talent som portrætmaler: hver af de mange malede ansigter er helt originale, unikke og uforglemmelige ...
I 1480'erne, da han vendte tilbage til Firenze, fortsatte Botticelli med at arbejde utrætteligt, men den pacific klarhed i "Eksempler" var allerede langt bagud. I midten af \u200b\u200bårtiet skrev han sin berømte Venus fødsel. Forskere bemærker i de senere værker af mesteren en tidligere ukarakteristisk moralisme, religiøs ophøjelse.
Måske mere markant end senere maleri, Botticellis tegninger fra 90'erne - illustrationer til Dantes guddommelige komedie. Han malede med åbenlyst og skjult glæde; den store digters visioner formidles kærligt og omhyggeligt af perfektion af proportionerne af talrige figurer, den tankevækkende organisering af rummet, uudtømmelig opfindsomhed i søgen efter visuelle ækvivalenter af det poetiske ord ...
På trods af alle de følelsesmæssige storme og kriser forblev Botticelli indtil slutningen (han døde i 1510) en stor kunstner, mesteren af \u200b\u200bhans kunst. Dette fremgår tydeligt af den ædle skulptur af ansigtet i "Portræt af en ung mand", det udtryksfulde kendetegn ved modellen, der efterlader ingen tvivl om hendes høje menneskelige værdighed, mesterens solide tegning og hans velvillige udseende.
